Máster de interpretaciónpara cine y nuevos medios

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Máster de interpretaciónpara cine y nuevos medios

La información incluida en este programa esta sujeta a cambios.

Introducción El Máster de Interpretación pretende especializar a actores para que desarrollen su trabajo delante de las cámaras. En este momento en el que la ficción televisiva se ha convertido en una tendencia mundial, se producen cada vez más contenidos y el cine sigue sumando espectadores, cuotas de pantalla y salas, es imprescindible una formación específica para el actor para que pueda desarrollar ,con totales garantías de éxito, su trabajo.

Titulación Master de Interpretación desarrollado por Barreira A+D & el Centro Sperimentale di Cinematografia

Objetivos El objetivo de esta formación es dotar a los actores de todas las herramientas necesarias para poder crecer profesionalmente y aprender a construir personajes únicos.

El máster pretende formar a los actores para que puedan incorporarse al sector profesional potenciando su capacidad y talento individual, ofreciendo una formación teórico-práctica básica, necesaria y polivalente que permitirá al actor conocer a fondo la narrativa audiovisual y obtener las herramientas para afrontar el trabajo delante de la cámara.

Perfil del alumno El máster va dirigido a a un amplio abanico de perfiles, sin que se requiera ningún tipo de formación previa específica. Calendario El máster comienza el 25 de enero de 2019 y finaliza en junio de 2019.

Hay tres estancias en Roma en el Centro Sperimentale di Cinematografia de cuatro a cinco días.

Se llevarán a cabo tres experiencias formativas en las instalaciones del Centro Sperimentale di Cinematografia en Roma.

Horarios Viernes 15 a 21 y sábado de 21 a 15h. Lugar Barreira A+D Centro Oficial de Estudios Superiores GV Fernando el Católico 69, 46008 – Valencia

Salidas profesionales La salida principal es el oficio actoral desarrollado ante las cámaras.

Requisitos de acceso Para poder cursar el máster hay que pasar un proceso de selección. En primera instancia hay que presentar una carta motivacional, un pequeño CV y un selftape de un minuto de duración en el que se interprete un fragmento de algún texto dramático.

Los seleccionados tendrán una entrevista personal (si no presencial, por Skype) con los miembros del tribunal, que estará formado por profesionales del CSC y de Barreira A+D.

El Método Costa y el estudio del primer piso Maestra Mirella Bordoni

El método mimésico, que encuentra sus presupuestos teóricos en el pensamiento del gran director francés Jacques Copeau -uno de los fundadores del teatro moderno-, fue concebido y practicado por Orazio Costa de 1944 a 1977 en la Academia de Arte Dramático Silvio D’Amico de Roma, en el Institut des Arts de Diffusion en Bruselas, e ilustrado en reuniones internacionales en Bucarest, Bruselas, Essen, París, Venecia y Estocolmo.

El programa de interpretación de acuerdo con el método Costa para los estudiantes de interpretación proporciona un curso inicial básico para la expresión centrada en la imitación y las improvisaciones vocales que preparan al estudiante para enfrentar el trabajo de interpretación de un texto de camuflaje: el estudiante será capaz de volver sobre el itinerario creativo del poeta del drama gracias a la recuperación, el ejercicio y el refinamiento del instinto mimético que gradualmente ha ido educando. En la fase final, se tratará el PPP cinematográfico (paso de la imitación del cuerpo a micromics faciales).

Según las indicaciones del método de Orazio Costa, el programa de trabajo tratará de restaurar para la educación y la reeducación el máximo sistema expresivo que es el de la palabra hablada, la estrecha cooperación original entre el aparato fonatorio y la actividad de mímica que muy a menudo ha fallado, dando lugar a dos funciones independientes que solo se unen excepcionalmente.

La forma de alcanzar esta reeducación experimentalmente es la persuasión de poder impresionar cada configuración mímica (forma, tensión, intensidad, inervación con sus efectos de peso) al aparato fonatorio, casi para hacer que todo el cuerpo sea un gran instrumento parlante que modula las vocales correspondientes. Después avanzaremos hacia realizaciones mímicas que tienen la tarea de moldear análogamente el aparato fonatorio, exigiendo el máximo ajuste que se puede obtener entre la forma y la flexión y el tono e inflexión vocales, entre tensión y tensión, entre articulación y articulación, entre efecto plástico y efecto timbre.

El juego del actor “fantasía y creatividad” Profesor Roberto Antonelli

Experimentar la posibilidad de conocer y luego dominar la expresión corporal, a través de mimesis, movimientos, improvisación, monólogos, escenas tomadas de guiones cinematográficos y experimentaciones frente a la cámara. Trabajar por lo tanto el cuerpo como una herramienta expresiva en el espacio para permitir a los estudiantes expresar y mejorar su creatividad individual y colectiva.

Proporcionar a los estudiantes no solo un método, sino también asegurarse de que todas las enseñanzas resulten en la fuerza expresiva del primer piso, la base y la esencia, un resumen global del trabajo del actor de la película.

El método Stanislavski Profesor Eljana Popova

El objetivo del curso no es explicar, sino hacer experimentar a los estudiantes, a través de la improvisación, el conjunto orgánico de los procesos físicos y psíquicos que se condicionan entre sí: la actividad del alma.

El camino lleva al estudiante a descubrir cómo operar los motores de la vida psíquica, cómo desarrollar y usar la imaginación, cómo lograr la consciencia autoconsciente necesaria para llegar a la del personaje.

Al final del curso, se preparará y filmará una serie de escenas de los trabajos de la película.

Micromímico y estudio del primer plano

Ponentes Giancarlo Giannini y Adriano de Santis

Una disciplina, esta, codificada y enseñada solo en el CSC.

A través de ejercicios originales y del ojo de la cámara, surgirá la fortaleza y la debilidad de nuestros alumnos. El curso tiene como objetivo desarrollar una interpretación original que alcanza su profundidad máxima en primer plano.

Bajo el objetivo Profesores por definir

Con la guía de un director y un operador , los estudiantes desarrollarán una serie de ejercicios destinados a dominar su propia interpretación bajo la atenta mirada de la cámara.

Yo trabajo en acciones físicas Profesor Vito Mancusi

A partir del análisis de un texto de dramaturgia contemporánea, a través del pleno conocimiento de las circunstancias dadas, el actor debe, en primer lugar, releer el drama desde el punto de vista de la acción (acciones principales y secundarias). En la base de la actuación está el intercambio real entre dos socios, y esta relación es un proceso orgánico que involucra al actor por completo.

Inmediatamente después se continuará con la improvisación y la visualización. Se trata de improvisar sobre partes del texto a través de los eventos (eventos y conflictos relativos) especificados por el análisis. Es una relación mutua que debe

constituir una comunicación dinámica permanente.

El actor, por lo tanto, tendrá que trabajar en algunas secuencias de acciones físicas (partituras) del drama, a partir de las acciones físicas más simples e inmediatas que definen una escena y mediante una profundización gradual, establecer para cada una sus objetivos fundamentales y luego concentrarse en la puesta en escena. 

El curso terminará con una sesión de video y comentarios posteriores.

El actor físico Maestra Silvia Perelli

Contenedor de recuerdos comunes y custodios de las emociones personales, el cuerpo puede representar para el actor la memoria tangible de los estados de ánimo.

El actor físico representa un camino educativo diseñado para el actor en el que la danza, entendida como la disciplina artística del movimiento, descompone su identidad fragmentándose en partes distintas y comprensibles que pueden crear y fortalecer niveles de percepción, gestión y sugerencia.

Para poder basar nuestra propia poética en la propiocepción, es necesaria una preparación física que pasa diligentemente a través de una fase de decodificación del lenguaje del cuerpo. Este camino hacia atrás proporciona una lectura paralela y una capacidad reproductiva de la inmediatez del gesto inspirado, devolviendo la fuerza visual y el impacto emocional. La nueva organización física se entrelaza con la experiencia de sueños habitados donde el movimiento no actúa para una reproducción imitativa sino más bien evocativa. La sugerencia vinculada a los caminos marcará nuevas experiencias como recuerdos del cuerpo, recuerdos capaces de emerger en el momento actoral.

Este viaje físico de la mente, concebido para comprender las razones del cuerpo, finaliza con el retorno al lenguaje hablado, en un juego alquímico entre la métrica musical, la de la palabra y el motor, lo que implica una nueva y vinculante masticación de las oraciones simples estiradas para luchar contra

los hábitos melódicos del habla.

No partimos de la preparación física, sino de la construcción coreográfica que se enfoca en tres niveles

- ritmo y pasado (swing, tango, vals, etc.).

- el actor bailarín (texto físico que consiste en un rompecabezas entre las intuiciones del actor y las limitaciones del coreógrafo)

- escena y backstage (el estudio físico del espacio y del momento escénico)

Dicción Profesor a ser definido

El programa de trabajo incluye:

Conocimiento de las diferencias lingüísticas en comparación con los colegas, adquisición de las reglas de la dicción, fortalecimiento de la propia identidad vocal; poesía clásica para volver sobre la lógica del lenguaje y redescubrir las armonías del discurso.

Lectura y control de expresiones, ejercicios posteriores en fonética y para la articulación hacia la afirmación del propio discurso; la voz y el micrófono, trabajando con las incisiones que tienen la posibilidad de descubrir a través de la repetición de las incertidumbres sobre el uso de la voz y la dicción.

Educación de la voz Conferenciante Valeria Benedetti Michelangeli

La voz es una herramienta preciosa pero delicada del ser humano que interviene en todos los procesos de comunicación. Delicada porque contiene en sí no solo las especificaciones físicas y de lenguaje, sino todo nuestro alcance emocional y, sobre todo, nuestra relación con el mundo exterior. Es el

puente con el mundo. Comenzamos a hablar porque hay alguien que nos escucha y nos habla. A partir de estos supuestos obvios, el trabajo para un actor tiene que enfrentar dos problemas principales: los datos físicos y los expresivos-comunicativos.

Para la figura física, ante todo hay un problema de salud: si bien en la vida alguien puede darse el lujo de perderla y esperar a que regrese, un profesional después de una escena complicada de ira o alegría, debe estar listo para la próxima cita con la pelea o del grito. El mal uso de la voz puede derivar de problemas psicofísicos de diferente naturaleza. Por esta razón, los ejercicios se basan en lógicas que apuntan a crear nuevos hábitos físicos, que establecen una mayor ductilidad y un uso de la voz-palabra, no como una mera expresión conceptual, sino ligada al cuerpo. Se trata de hacer que los estudiantes vuelvan a las reglas de un mundo físico más directo, conectado y libre, que en su infancia poseían completamente natural e inconscientemente. Esta es la razón por la cual la adquisición de la centralidad y la flexibilidad, de la libertad, en resumen, del cuerpo, de la respiración y por lo tanto de la voz y también del pensamiento, son el pan de cada día.

Al mismo tiempo, el trabajo se abre al análisis del uso expresivo-comunicativo de la voz. Un actor con una voz abierta y sónica que no sea creíble y emocionante, no es un actor. Creemos que un actor que cuida su voz solo para sí mismo está equivocado en su objetivo. Si para la canción este es el sonido, para la voz entendida como hablada (habla) el punto de llegada es la comunicación, en toda su amplia gama, que por lo tanto no puede ignorar la necesidad de decir algo, en lugar de vincularse al manera. Ahora bien, este es seguramente un camino más lento que el más tranquilizador de las entonaciones pero estamos convencidos de que conduce a un resultado más profundo y dúctil (es válido para todas las diferentes situaciones expresivas en las que se puede encontrar un actor) y también más relacionado con nuestros tiempos.

Técnica de rodaje digital

Introducción al conocimiento de los medios técnicos de la grabación digital. Características técnicas y funciones de la cámara digital. Presentación de las ópticas. Tests varios con la supervisión del docente. Primeros elementos de técnicas de iluminación. Presentación y función de los filtros de conversión y corrección. Cómo prepararse para los rodajes. Normas de seguridad. Ejercicios: los movimientos de la cámara y los soportes para realizarlos.

PROGRAMA INTERDISCIPLINARIO

Análisis de la película Profesor Flavio De Bernardinis

A través del análisis de secuencias específicamente seleccionadas por el docente se proponen a los estudiantes ejemplos del arte de la dirección, del guion y de la interpretación, tanto en el cine de autor como en el de género. El análisis se referirá también a los territorios de la narración audiovisual contemporánea, como series de televisión y web. El profesor asignará la visión de treinta películas indispensables para la actividad didáctica.

Análisis de guiones Docentes por definir

Se identificarán y analizarán tres obras cinematográficas (guiones y pasajes de películas) que hemos grabado, con diferentes modalidades y en los diferentes géneros sobre el desarrollo de las técnicas de narración y lenguaje cinematográfico. A través del análisis de la estructura, los temas y las formas trataremos de resaltar y estudiar los dispositivos narrativos y expresivos que actúan en las obras individuales.

Teoría general del lenguaje cinematográfico Roberto Perpignani

Lenguaje: distinción entre lengua y lenguaje. Cine: lo real, lo imaginario y lo simbólico. El cine se vuelve hacia lo real inducido por su origen: la fotografía. La vista: el encuadre fijo es la primera modalidad de representación de lo real que experimenta la cinematografía. La llegada de un tren: “Aquí la cámara se convierte por primera vez en un personaje del drama” (Georges Sadoul). “El cine y la realidad se pertenecen ontológicamente” (Andrè Bazin). “El cine es la herramienta ideal para registrar la realidad física” (Sigfried Kracauer). Cine e Imaginario: “imagen, imaginación, representación”. “El cine refleja la realidad pero también es otra cosa que participa en el sueño” (Edgar Morin).   La objetividad de los datos representados y la subjetividad del observador. Deseo e identificación en dinámica perceptual. Analogías entre el proceso de identificación del espectador cinemático y el sujeto psicoanalítico. “La identificación es independiente de la psicología” ( Roland Barthes): la identificación es un efecto de la estructura. Identificación en la multiplicidad de puntos de vista (découpage).

Función de retrospección (campo y campo de contador) en el proceso de identificación. Función de retrospectiva (campo y contra-campo) en el proceso de identificación.Identificación y Enunciación. La enunciación y el cine del autor. El cine y lo simbólico. Lenguaje verbal: funcionamiento de los procesos de significación. El lenguaje de las imágenes. El inconsciente, el lugar de lo imaginario , está estructurado como un lenguaje (J. Lacan ). “El cine es un arte metonímico” (R. Barthes). Procesos de nomenclatura icónicos: lenguaje y creatividad. Lenguaje cinematográfico: funcionamiento de los procesos de significación. Las gramáticas del cine clasifican los planes y los campos de recuperación y su función diegética. Las gramáticas cinematográficas tienden a normalizar la narrativa y los procedimientos expresivos de un idioma que aún está en progreso. Función Tiempo en los modos perceptuales de imágenes en movimiento. La función del tiempo en el lenguaje cinematográfico. Tiempo como parte constitutiva de la sintaxis cinemática. Función del tiempo en el narración cinematográfica. Función del tiempo en los procesos de identificación. Cómo actúa el tiempo en los procesos de dramatización de la historia de la película. El concepto de continuidad y transparencia en el cine clásico. La nouvelle vogue rompe el concepto de continuidad y transparencia del cine clásico.

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