micro_utopias

MICROUTOPÍAS

la balsa de noé(living off) the fat of the landNicolás Sánchez

Capitalismo y melancolía | Nicolás Sánchez

“Los poetas están obligados a servir al poder que está instalado en el trono de sus propias almas, y ese poder no es sólo el

propio espíritu sino más bien el espíritu de los tiempos, pues los poetas son espejos de las gigantescas sombras que el futuro

proyecta sobre el presente”. Percy Shelley

Las ideas de progreso que acarrea un capitalismo practicado como religión y norma arrasan a su paso cualquier vínculo histórico, social, sensible o mnémico (de memoria y recuerdos); cualquier conexión posible con el medio. De ahí que el artista conduzca una búsqueda y rescate de pasadas sensibilidades históricas (principalmente el romanticismo de finales del s.XVIII) que nacieron como respuestas a un diagnóstico similar, que ahora actualiza de manera un tanto post apocalíptica y desesperanzada.

Pero esta respuesta del arte no sólo acarrea sentimientos de melancolía, hastío, cansancio y aburrimiento, sino también nuevas energías que recuperan, anhelan e imaginan otros espacios, otras formas de vivir, pero esta vez en clave de micro utopías; unos ideales de modestia necesaria a la hora de enfrentarse a una lógica dominante muchísimo más poderosa.

Las acciones que realiza Nicolás Sánchez son casi siempre anecdóticas, relatos pretexto para hablar de otras cosas que finalmente son las que atraviesan y estructuran su trabajo. Un partido de fútbol, una deriva con amigos por zonas periurbanas, una receta de mermelada, una conversación casual, una conexión ilegal, la persecución del tendido eléctrico, la construcción de una balsa y el zarpe sin rumbo, son todas acciones que apuntan a lo mismo: revelar ciertas situaciones urbanas, rescatar memorias olvidadas, reivindicar otras velocidades, reclamar espacios

“[Poets] are ... compelled to serve that Power which is seated on the throne of their own soul... for it is less their spirit than the spirit of the age. Poets are...the mirrors of the gigantic shadows

which futurity casts upon the present.” Percy Shelley

Capitalism, practiced as a religion and a norm, gives rise to notions of progress that have a way of crushing in their path any and all historical, social, sensitive or mnemic (memory and recollections) links: any possible connection with the medium. This situation has led the artist to seek and revive historical sensibilities of the past (principally the romanticism of the late 18th century) that came about in response to similar situations that are now brought to life at the present moment in a somewhat defeated, post-apocalyptic manner.

But this response from the realm of art conveys more than just feelings of melancholy, tedium, fatigue and boredom—it brings with it new energies that recover, desire and envision other spaces, other ways of living, this time in the form of “micro-utopias;” a series of ideals that are necessarily modest, for confronting a dominant logic that is so much more powerful.

The actions undertaken by Nicolás Sánchez are almost always anecdotal tales, little pretexts for speaking about other things that, ultimately, are what intersect and structure his work: a soccer game, a meander through semi-urban areas with friends, a recipe for marmalade, a casual conversation, an illegal connection, the pursuit of an electric cable, the construction of a raft and its aimless disembarkation. All of these actions point to the same thing: they reveal certain urban situations, they recover forgotten memories, defend other velocities, reclaim lost spaces, rediscover

La balsa de Noé.Proyecto presentado en SCL2110, Museo de Arte

Contemporáneo, Santiago

La balsa de NoéProject presented at the SCL2110 exhibition, Museo de

Arte Contemporáneo, Santiago

Montaje balsa y video La balsa de Noé.Galería Gabriela Mistral.La balsa de Noé exhibition mounting at Galería Gabriela Mistral.

Imágenes del procesoImages of the process

La balsa de Noé.Proyecto presentado en SCL2110, Museo de Arte

Contemporáneo, Santiago

Noah’s raftProject presented at the SCL2110 exhibition, Museo

de Arte Contemporáneo, Santiago

perdidos, recuperar otras maneras de relacionarnos con el entorno y con los otros, evidenciar la necesidad de otros espacios y tiempos para el intercambio y el vínculo social, descubrir otras dinámicas y alumbrar nuevas alternativas como gestos de resistencia al creciente aplanamiento, la incomunicación, homogeneidad y soledad.

A continuación una entrevista a raíz de la muestra Microutopías, pero que bien puede hablar por todo un trabajo, de impacto mínimo quizás, pero de grandes resonancias metafóricas.

Pamela Prado: ¿En qué consiste la obra que presentas en Microutopías?Nicolás Sánchez: El trabajo se llama La balsa de Noé (living off) the fat of the land y su nombre proviene del relato bíblico en donde Dios ordena a Noé construir una balsa para ir en busca de otra tierra, “en donde germine la semilla de una nueva humanidad”. La parte en inglés del título – living off the fat of the land – también comparte ese origen, y su significado original hace referencia a vivir de la fertilidad y abundancia de la tierra, frase que hoy traduzco tristemente como vivir de la grasa de las capitales. Concretamente

other ways that people relate to one another and the environment, illustrate the need for other spaces and times for social connection and exchange, discover other dynamics and illuminate new alternatives as gestures of resistance to the ever-increasing tendency toward flattening, alienation, homogeneity and solitude.

What follows is an interview that is based on the exhibition Micro-Utopías but that could easily speak for an entire body of work, of perhaps minimal impact but tremendous metaphorical resonance.

Pamela Prado: What is the nature of the work you are exhibiting in Micro-Utopías?Nicolás Sánchez: My piece is entitled La balsa de Noé (living off) the fat of the land (Noah’s Raft (living off) the fat of the land), and its title refers to the story in the Bible in which God orders Noah to build an ark to go off in search of another land, “where the seed of a new humanity may take root.” The English part of the title, “living off the fat of the land” shares that origin, and its original significance is a reference to living off the fertility and abundance of the earth, a phrase which today we can glumly translate as living off the fat of the capital cities. Specifically, the gallery installation

“La balsa de Noé (living off) the fat of the land” 2011. Video DVD, color, sonido, 12’51”DVD Video, color, sound, 12’51”

la instalación en la galería consiste en la proyección de un video que registra el proceso de construcción con desechos, de una balsa en la que navego aguas abajo el río Mapocho, embarcación que también es parte de la muestra.

PP: Me gustaría saber dónde trabajas. En tu taller? Casa?NS: No tengo taller, he intentado usar la ciudad para eso. Mis materiales provienen de ahí y es ahí donde los trabajo e instalo. Mi casa es mi estudio, donde realizo el trabajo previo y posterior, más detallado y lento, de planificación, análisis y edición.

PP: ¿En qué grado tu trabajo es artístico y en qué grado es político?NS: Mmm creo que mi trabajo es político en la medida en que es artístico. Siempre mi visión y práctica del arte han tenido que ver con la resistencia a entender la vida como un cookie cutter. Y esta postura inevitablemente crítica, contraria y testaruda carga y significa el trabajo políticamente. Me gusta pensar mis trabajos desde esa indisolubilidad del arte y la vida que plantea Joseph Beuys, o desde el lema feminista “lo personal es político”, que define el arte como una actitud de vida crítica.

PP: ¿Cuáles son los elementos que están presentes constantemente en tus obras?NS: Me interesa aislar dos; por un lado la búsqueda – en sentido metafórico y también literal- provocada por una insatisfacción constante y quizás imposible de colmar, que puede finalmente obedecer a la búsqueda mítica del axis mundi. Por otro lado está el carácter romántico, la aproximación melancólica a la realidad, un tanto desesperanzada y post-apocalíptica pero que en su hastío acarrea un asomo de alegría o esperanza.

consists of the projection of a video that documents the process that involved building, out of waste materials, a raft that I sailed down the Mapocho River. That raft is also part of the installation.

PP: I’d like to know where you work. In your studio? At home?NS: I don’t have a studio, I try to use the city for that. My materials come from the city, which is where I work on them and where I set up my installations. My house is my studio, and that’s where I do the preparatory and follow-up work, which is slower and more detailed, and focused on planning, analysis and editing.

PP: To what degree is your work artistic and to what degree is it political?NS: Hmm...I think my work is political insofar as it is artistic. My artistic vision and practice have to do with resisting a cookie-cutter approach to life. And this inevitably critical, contrarian and stubborn attitude gives the work political meaning and weight. I like to think of my pieces from the perspective of Joseph Beuys’s belief in the indivisibility of art and life, or something like the feminist catchphrase “the personal is political,” which defines art as something that emerges out of a critical stance toward life.

PP: What are the elements that are always present in your work?NS: I’d like to point out two things: firstly, there is a quest –in both a metaphorical and a literal sense—that is prompted by a feeling of dissatisfaction that is constant and maybe impossible to resolve, that might ultimately respond to the mythical search for the cosmic axis. And secondly, there is a romantic quality, a melancholic approach to reality that is somewhat desperate and post-apocalyptic but always produces a spark of joy or hope within its sense of weariness.

PP: ¿Quiénes son tus referencias?NS: Respeto mucho el trabajo de Joseph Beuys, los Situacionistas, los paisajistas románticos, Robert Smithson, Richard Long, Edward Hopper, Andreas Gursky y Francis Alÿs por nombrar algunos de la esfera de las artes visuales. Si me permites ampliarme me gustaría nombrar a los poetas malditos, a H.D. Thoreau, Manfred Max-Neef, Adolfo Aristarain y Charly García.

PP: En tu trabajo hay una crítica fuerte al Capitalismo, ¿podrías desarrollar un poco más este punto?NS: Yo creo que la crítica que atraviesan mis trabajos en general, más que aterrizarla al modelo económico y su funcionamiento…discusión muy poco poética por lo demás… es a su aplicación como religión, ideología y modelo único. Es decir, llevar el valor de cambio a todos los niveles de la vida humana es ver y entender el mundo de manera muy incompleta, a la manera de un gran supermercado. Eso ha desencadenado ciertas ideas

PP: Who are your references?NS: I have great respect for the work of Joseph Beuys, the Situationists, the Romantic landscape artists, Robert Smithson, Richard Long, Edward Hopper, Andreas Gursky, and Francis Alÿs, to name a few people from the realm of visual arts. And if I may, I’d also like to add the poètes maudits, H.D. Thoreau, Manfred Max-Neef, Adolfo Aristarain and Charly García.

PP: You work conveys some very harsh criticism of Capitalism. Could you develop a bit more about this?NS: More than directing it toward the economic model and its execution, I think that the criticism found in my work in general is related to the application of that economic model as a religion, ideology and sole model. In other words, bringing the notion of exchange value to all levels of human life is tantamount to seeing and understanding the world in a very incomplete way, as if it were a huge supermarket. This has given way to certain ideas

de progreso en donde el aplanamiento progresivo del mundo es celebrado en forma de suburbios aislados, torres habitacionales y ciudades dormitorio unidas por autopistas de 6 vías, por decir sólo un ejemplo ligado a la vida urbana.

PP: Cuando hablo de micro-utopías es en relación a como tu obra tienen un impacto social, como fuerza a cuestionar las estructuras de la sociedad, renunciando a cambiar el mundo pero presentando realidades alternativas. ¿Cuáles consideras que son estas realidades?NS: No sé si las realidades que presento son muy definidas, pero sí al menos sugiero un territorio desde donde imaginarlas. Lugares efímeros donde operan otras coordenadas de sentido, donde tras la grasa de las capitales está la memoria, los recuerdos, la historia, la cultura, el conocimiento, la contemplación, la relación con la naturaleza, la escala y velocidad humana, la auto-contención, el vínculo social, la generosidad y la comunicación que finalmente nos permiten entendernos y entender lo que nos rodea de maneras más ricas y diversas.

PP: ¿De qué manera tu trabajo se relaciona con el espectador?NS: Intenta justamente invitarlo a estas nuevas realidades, a crear las suyas propias. Y aquí rescato la importancia del gesto en mi trabajo, por ser más sugerente en su actitud que efectivo en su acción, por ser, más que una obra terminada para admirar, una sugerencia, una invitación donde el propio deseo del espectador puede surgir. Está la intención de iluminar con poesía modos alternativos de vida, formas creativas de habitar, otras visiones sobre la realidad.

Pamela Prado en conversación con Nicolás Sánchez. Marzo 2011

about progress in which the progressive flattening of the world is celebrated in the form of isolated suburbs, residential skyscrapers and bedroom communities united by six-lane highways, to give just one example connected to urban life.

PP: When I speak about micro-utopias it is related to the way in which your work makes a social statement, the way it forces us to question the structures of our society. It doesn’t attempt to change the world; instead, it presents alternative realities. What, in your opinion, are some of these realities?NS: I’m not sure that the realities I present are very well-defined, but what I do, at least, is suggest a territory from which to imagine them. Fleeting places where other coordinates of the senses operate, where behind the fat of the capital cities we may find the memory, recollections, history, culture, knowledge, contemplation, the relationship with nature, human scale and velocity, self-control, social connections, generosity, and communication that are ultimately what allow us to understand one another and the world around us in richer, more diverse ways.

PP: In what way does your work relate to the viewer?NS: I invite viewers into these new realities, and try to inspire them to create their own realities. And this is where I must emphasize the importance of the gesture in my work, because it is more suggestive in its attitude than effective in its action, and rather than being a finished work to admire, it is a suggestion, an invitation that gives viewers a space in which their desires may emerge. There is the intention of using poetry to illuminate alternative forms of life, creative forms of inhabiting space, and other visions of reality.

Pamela Prado in conversation with Nicolás Sánchez. March 2011


“Me voy de la ciudad (aún no te he olvidao)”, 2009. Video DVD, color, sonido, 10’ 14”DVD Video, color, sound, 10’ 14”

Wild rosehip jam (slow food), 2008. Video DVD, color, sonido, 12’ 40”DVD Video, color, sound, 12’ 40”

Estacionamientos, vacíos, 2008. Video DVD, color, sonido, 3’ 15”DVD Video, color, sound, 3’ 15”

Algún lugar encontraré, 2008. Video DVD, color, sonido, 10’ DVD Video, color, sound, 10’

Liberar MUPI’s, abrir ciudades, 2008. Fotografía, color, 150 x 100 cm.Photo, color, 150 x 100 cm.

Enganches chapuceros, 2008. Publicación electrónica, color, 9 páginasEbook, color, 9 pages

Teléfonos públicos, historias privadas, 2008.

Fotografía, color, 150 x 100 cmPhoto color, 150 x 100 cm

A ver la gente pasar, 2008Fotografía, color, 150 x 100 cmPhoto, color, 150 x 100 cm

Del Saler a Gran Turia, 2008Fotografía, color, 150 x 100 cmPhoto, color, 150 x 100 cm.

Bonjour Mr. Courbet, 2007Video DVD, color, sonido, 7 DVD Video, color, sound, 7’

Bienvenido a Santiago: antipostales o donde la ciudad no alcanza, 2006Fotografía, color, 10 x 15 cmPhoto, color, 10 x 15 cm

Studies:2007-2008, Master degree in Public Art, Universidad Politécnica de Valencia2000-2004, Bachelor of Fine Arts degree, Pontificia Universidad Católica, Chile

Recent shows & exhibitions:2011 July, Short Voyage, 98WEEKS Project Space, Beirut, Lebanon2011 March (bi-personal), Microutopias, Galería Gabriela Mistral, Santiago2010 August, SCL2110, MAC Museum of Contemporary Art, Santiago, Chile2010 June, Ikas Art, BEC, Bilbao, Spain2010 April, Théâvida Latin American Video Festival, Espace Kawenga, Montpellier2009 August, 9° Video & Media Arts Biennial, Museum of Contemporary Art, Santiago2008 December, BAC Festival 2008, La Santa, Barcelona2008 October, Public Art, Public University, University of Valencia, Valencia,2008 September, Parasite Residence, MeetFactory Gallery, Prague, Czech Republic2008 August, Start Point 2008, Klatovy / Klenova Gallery, Prague, Czech Republic2006 December, Periférica Internationl Art Fair, Borges Cultural Centre, Buenos Aires2006 October, DEFORMES 1° Performance Biennial, MAC, Santiago2006 October, Spam_City, MAC Museum of Contemporary Art, Santiago2006 September, Globalization original matrix, MAC Museum of Contemporary Art2006 March, Paximobile Project, Matucana 100 Cultural Centre, Santiago2005 August (solo show), Surface, Galería Metropolitana, Santiago2005 July (solo show), Empty spaces, Galería BECH, Santiago

Awards, scholarships, workshops:2009 September, Juan Downey Award for video creation2008 April, Workshop with Isidoro Valcárcel Medina2008 April, Workshop with Christian Boltanski2007 October, Fondart Scholarship (Government award for graduate studies)2007 October, Workshop “AtacamaLab 2007” with artists from Austin Texas University2006 November, Workshop with Tomás Saraceno

Nicolás Sánchez[1981 Santiago, Chile]

Nicolás Sánchez is a visual artist who lives and works in Santiago, Chile. In 2004 he earned his undergraduate degree in art from the Universidad Católica de Chile, and in 2007 he earned a Fondart grant which allowed him to undertake a Master’s Degree in Public Art at the Universidad Politécnica de Valencia. He has exhibited his work in group and individual shows both in Chile and abroad.

Nicolás Sánchez es artista visual, vive y trabaja en Santiago de Chile. Egresa el año 2004 de Licenciatura en Arte en la Universidad Católica de Chile. El 2007 cursa gracias a una beca Fondart un Máster en Arte Público en la Universidad Politécnica de Valencia, España. Ha expuesto en forma individual y colectiva tanto en Chile como en el extranjero.

Estudios :2007-2008 Máster en Arte Público, Universidad Politécnica de Valencia2000-2004 Egresado Licenciatura en Arte Pontificia Universidad Católica de Chile Exposiciones recientes :2011 Julio, Short Voyage, 98WEEKS Project Space, Beirut, Libano2011 Marzo (bi-personal), Microutopías, Galería Gabriela Mistral, Santiago2010 Agosto, SCL2110, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago2010 Junio, Ikas Art, BEC, Bilbao, España2010 Abril, Théâvida Festival Latino-Américain Video, Espace Kawenga, Montpellier2009 Agosto, BVAM 9° Bienal Video y Artes Mediales, MAC, Santiago2008 Diciembre, BAC Festival 2008, La Santa, Barcelona2008 Octubre, Arte Público, Universidad Pública, Universidad de Valencia, Valencia 2008 Septiembre, Micro residencias parásito, Galería MeetFactory, Praga2008 Agosto, Start Point 2008, Galería Klatovy / Klenova, Praga 2006 Diciembre, Feria internacional Periférica, Centro Cultural Borges, Bs.Aires2006 Octubre, "1era Bienal de Performance DEFORMES", MAC, Santiago2006 Octubre, “Spam_City”, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago2006 Septiembre, “Globalización Matriz Original”, MAC, Santiago2006 Marzo, “Proyecto Paximobile”, Centro Cultural Matucana 100, Santiago2005 Agosto (individual), "surface", Galería Metropolitana, Santiago2005 Julio (individual), “lugares vacíos”, Galería BECH, Santiago

Reconocimientos, becas, workshops :2009 Septiembre, Premio Juan Downey a la videocreación2008 Abril, Workshop con el artista español Isidoro Valcárcel Medina2008 Abril, Workshop con el artista francés Christian Boltanski 2007 Octubre, Beca Fondart Gobierno de Chile para estudios de posgrado2007 Octubre, Workshop Atacama Desert Lab con artistas de Austin Texas University2006 Noviembre, Workshop con el artista Argentino Tomás Saraceno

Curatorial textSantiago, April 2011

Is it really possible to transform the world and build a different society? Perhaps not if this question is based on the grand narratives of transformation that we frequently associate with utopia. But what would happen if the proposal is more modest? If a change of scale or context in our expectations really make utopia possible? In this context, what the artists in this exhibition propose is the creation of micro-utopias, neighborhood or pocket utopias, those that are concerned with changing and transforming the world at a more mundane level, even if only concerning some aspects in the lives of people. Thus, their works present a way of introducing new ideas and experiences within the horizon of the possible.

Nicolas Sanchez and Jaime Vargas question the structures of society, and – in a

MicroutopiasPamela Prado Curator

subtle way – aim to generate transformation as it were “from below.” In their installations they use debris found by walking through the city of Santiago de Chile. These are then transformed into something new.

Nicolas Sanchez built a “Noah’s raft” on the banks of the river Mapocho out of garbage and industrial waste. The artist navigates the river downstream departing from its main channeled course, then into the center-north of the city to finally reach the river mouth. In so doing he goes across the districts of Vitacura, Las Condes, Providencia, Recoleta, Independencia, Santiago, and Renca. In English, the phrase “living off the fat of the land” (of biblical origin, Genesis 45: 17) refers to the fertility and abundance of Earth. In a contemporary sense and located within an urban context, this phrase can now be translated as “living off the fat of the capital,” where the same abundance and generosity of the Earth have been exploited

to excess, waste and scrap. It is precisely this imbalance caused by certain ideas of progress, the source for the artist work in symbolizing in the transformation of dirt into the raft before fleeing in a subsequent aimless sailing. The work finally explores the experience of human beings in the city by showing certain urban situations that reveal the need to regain public land for the people, imagining new dynamics of occupation.

Jaime Vargas, in turn, builds “Luddites” that involve the installation of two automatic machines distributed within the gallery space. Both machines are built out of a steel structure held together with bolts and plates. Both the braces and the bases of these constructs are rusted, having thus adopted a reddish brown hue. They are put in movement by pulleys equivalent to the old sewing machines powered by foot, which are activated by motion sensors and a small engine. These

machines play a series of human gestures such as hanging up a phone, typing on a typewriter, etc. But these are not within the logic of everyday actions and movements but rather represent unhealthy and repetitive gestures proper to alienation. By these means the artist seeks to recreate a rather ominous experience. The machines dichroic light installed, spreading the shade of the pulleys through the walls and ceiling of the room. In this way they occupy the entire space with the movement of shadows, leaving the viewer to explore both inside and outside the installation, incorporating these projections to circulate around them.

Pamela Prado.

Inauguración exposición, abril 2011Galería Gabriela Mistral.

Exhibition opening, april 2011at Galeria Gabriela Mistral

Pamela Prado is a Curator and art writer based in Santiago and Sao Paulo. She holds a degree in Philosophy from the University of Chile (2000) and graduated from the Royal College of Art in London with an MA degree in Curating Contemporary Art (2009). For the last 10 years she has undertaken a number of studies and work experiences integrating curating, art and philosophy. She has curated the exhibitions: “Wonderland: Actions and Paradoxes” (Centro Cultural Sao Paulo, Sao Paulo, February 2010), “Office of Real Time Activity” (Royal College of Art, London, March 2009), amongst others. Prado also organized the Seminar: “The New Archive. Documenting Visual Art from Latin America”, (Royal College of Art, London, May 2009). She has produced some publications and conducted interviews, such as the exhibition catalogue Friends of the divided mind, Royal College of Art, London, 2009; interviews to some curators such as Moacir Dos Anjos, (Exit

Express, Nº. 47, 2009); and recently the book “Alfredo Jaar. The eyes of Gutete Emerita.” (Ograma, September 2010). Since 2009, she is working independently, and in collaboration with Danish art writer Sidsel Nelund, has created Curating Contexts, a platform for researching, discussing and reflecting on contemporary art in Santiago de Chile. She has just also finished a curatorial residency at Permanent Forum: Art Museums between the public and private realm in Sao Paulo, Brazil (September 2010).

Montaje “Microtuopías” hacia el exterior de la galería, Alameda 1381, Santiago

“Microutopias” mounting to the outside of the gallery, at Alameda 1381, Santiago

Pamela Prado es curadora de arte contemporáneo. Actualmente trabaja como coordinadora nacional de Artes Visuales del Ministerio de Cultura en Chile, también a cargo de la galería Gabriela Mistral. Licenciada en Filosofía de la Universidad de Chile (2000), es además Magíster en Curatoría en el Royal College of Art en Londres (2009). Durante los últimos 10 años ha realizado una serie de estudios y trabajos que integran Arte y Filosofía con Curatoría. Entre las exposiciones que ha curado se incluyen: “Wonderland: Actions and Paradoxes” (Centro Cultural Sao Paulo, Sao Paulo, Febrero 2010), “Office of Real Time Activity” (Royal College of Art, Londres, Marzo 2009), entre otras. Pamela Prado además organizo el Seminario: “El Nuevo Archivo. Documentando las artes visuales de Latino América” (Royal College of Art, Londres, Mayo 2009). Ella también ha realizado algunas publicaciones y entrevistas: catalogo para la exposición Friends of the divided mind, Royal College

of Art, Londres, 2009; entrevista al curador Moacir Dos Anjos, (Exit Express, Nº. 47, Madrid, España, 2009); “Alfredo Jaar. Los ojos de Gutete Emerita” (Santiago, Chile, Septiembre 2010), entre otras publicaciones. El 2009 en colaboración con la teórica de arte Sidsel Nelund fundaron Curating Contexts, una plataforma para la investigación, discusión y reflexión en torno al arte contemporáneo en Chile.

Montaje “Microtuopías” hacia el exterior de la galería, Alameda 1381, Santiago

“Microutopias” mounting to the outside of the gallery, at Alameda 1381, Santiago

tierra. En una acepción contemporánea y localizada en la vida urbana, esta frase puede hoy traducirse como “vivir de la grasa de las capitales,” en donde la misma abundancia y generosidad de la tierra han sido explotadas hasta el exceso, el derroche y el desecho. Es justamente esta desproporción originada por ciertas ideas de progreso, la que el artista ve simbolizada en los desperdicios con que la balsa se construye para luego huir en un posterior zarpe sin rumbo. El trabajo finalmente indaga en la experiencia del ser humano en la ciudad, mostrando ciertas situaciones urbanas que revelan la necesidad de recuperar el territorio público para las personas, imaginando nuevas dinámicas de ocupación que con poesía alumbren otras formas de vivir más ricas, diversas y al mismo tiempo sencillas.

Jaime Vargas por su parte construye Luddites que consiste en la instalación de dos máquinas autómatas distribuidas

dentro del espacio de la sala. Ambas están construidas con una estructura de perfiles de fierro de 40 x 60 mm, unidos a base de pernos y pletinas. Los fierros utilizados en las máquinas y las bases de éstas se encuentran oxidados, por lo que han adoptado un tono café rojizo. Las poleas corresponden a las antiguas máquinas de coser accionadas con el pie. Ambas se activan a través de sensores de movimiento y funcionan con un motor respectivamente. Ambas máquinas reproducen una serie de gestos humanos como colgar un teléfono, escribir en una máquina de escribir, levantar reiterativamente el pie, etc. Pero no desde la lógica de movimientos cotidianos, sino más bien son movimientos enfermizos y repetitivos propios de una alienación, donde se persigue recrear una experiencia más bien ominosa. Ambas máquinas son proyectadas con luces dicroicas expandiendo a través de los muros y el techo las sombras de las poleas y gestos en funcionamiento, completando

la totalidad de la sala con el movimiento de sombras, dejando al observador un espacio para recorrer tanto dentro como fuera de éstas incorporándolo con sus proyecciones al circular alrededor de éstas.

Pamela Prado.

Nicolás Sánchez y Jaime Vargas cuestionan las estructuras de la sociedad, y – de manera quizás sutil – aspiran a generar transformación desde abajo. En sus instalaciones utilizan desechos encontrados en viajes o caminatas por la ciudad de Santiago de Chile. Estos se convierten a partir de ahí en su obra en algo nuevo.

Nicolás Sanchez construye La balsa de Noé en la rivera del río Mapocho a partir de desechos y desperdicios industriales. El artista navega aguas abajo por el río desde su ingreso canalizado en el centro-norte de la ciudad hasta su desembocadura en el río Maipo, cruzando las comunas de Vitacura, Las Condes, Providencia, Recoleta, Independencia, Santiago y Renca. En inglés la frase living off the fat of the land (de origen bíblico, Génesis 45: 17) hace referencia a vivir de la fertilidad y abundancia de la

Texto curatorialSantiago, Abril 2011

¿Es realmente posible transformar el mundo y construir una sociedad distinta? Quizás no, al menos si esta pregunta se basa en las grandes narrativas de transformación que usualmente asociamos con la utopía. Pero, ¿qué sucedería si la propuesta es más modesta? ¿Si un cambio de escala o contexto en nuestras expectativas de cambio realmente hacen este posible? Lo que los artistas de esta exposición nos plantean es precisamente la creación de micro-utopías, utopías de barrio o de bolsillo, aquellas que son cuestión de descubrir cambio y transformación a un nivel quizás más pedestre, o mundano, en la vida de las personas, o en las formas como estas viven, o en efecto, como no viven. Así, sus obras plantean una manera de introducir ideas y experiencias dentro del horizonte de lo posible.

MicroutopíasPamela Prado Curadora

Inauguración exposición, abril 2011Galería Gabriela Mistral.

Exhibition opening, april 2011at Galeria Gabriela Mistral

Jaime Vargas[1983 Santiago, Chile]

Jaime Vargas is a visual artist who completed coursework for an undergraduate degree in Fine Arts from the Universidad ARCIS in 2009. In July 2009 he was selected to exhibit his work at Centro Arte Alameda. In 2010 he participated in the show Pulso as part of the competition “Afecto o en su defecto” held by the Balmaceda Arte Joven 1215 gallery and in 2011 exhibited his work at the Concurso Universitario de Arte Joven at MAC Quinta Normal. Since 2008 he has worked as a teaching assistant in the Analytical Drawing III and IV courses at Universidad ARCIS.

Jaime Vargas es artista visual egresado de Bellas Artes de la Universidad ARCIS el año 2009. En Julio del mismo año es seleccionado para exponer en Centro Arte Alameda. El 2010 participa de la muestra “Pulso” de la convocatoria “Afecto o en su defecto” de la galería Balmaceda Arte Joven 1215 y el 2011 expone en el Concurso universitario de arte joven en MAC Quinta normal. Desde el 2008 a la fecha se desempeña como ayudante de Dibujo Analítico III y IV en la Universidad ARCIS.

Croquis proyecto Luddites.Año 2010

Jaime Vargas

Sketch of the Luddites project.Year 2010

Jaime Vargas

Croquis proyecto Luddites.Año 2010Jaime Vargas

Sketch of the Luddites project.Year 2010Jaime Vargas

Luddites expuesto en Galería Gabriela Mistral.

Fotografías: Jorge Brantmayer

Luddites project at Galería Gabriela Mistral

Photos: Jorge Brantmayer



momento de circular alrededor del trabajo, insertándolo dentro de este conjunto maquinario en movimiento.

PP: ¿Qué tipo de “microutopía” sugiere tu obra?

JV: Es difícil pensar en proponer concretamente una realidad alternativa, sin embargo pienso que mi trabajo podría generar consciencia en las personas sobre la automatización y promover más bien la autonomía.

PP: Es una crítica a la realidad actual...

JV: La crítica que hago se refiere al cómo se resume la vida a ciclos diarios rutinarios, una formula mecánica, algo más bien impuesto que consecuentemente enajena al individuo y produce una mecanización generalizada en todo orden de cosas.

PP: Eso me recuerda al film Tiempos Modernos de Charles Chaplin…

JV: Exactamente, en esa película la saturación de trabajo, los gestos repetitivos que hace el trabajador diariamente a ritmos y compases acelerados no marcadas por un pulso natural evidencia la mecanización de la vida de las personas. En el caso de mi obra quiero evidenciar como estos gestos que se producen diariamente, ya sea en el trabajo, la casa o el trayecto entre ambos, son gestos que se vuelven automáticos, que ya no tenemos conciencia de estos, por lo que estas acciones se transforman en gestos mecánicos.

projected on the gallery walls intermingle with the shadows of the viewers as they walk around the work, inserting themselves into this machinery in motion.

PP: What kind of “utopia” does your work suggest?

JV: It is hard to think about concretely proposing an alternative reality, but I do like to think that my work might raise people’s consciousness about this automation and promote autonomy more.

PP: It is a critique of present reality…

JV: What I criticize is the way in which life is resumed in routine everyday cycles, a mechanic formula, something that has been very much imposed and that consequently alienates the individual and produces widespread mechanization in all manner of things.

PP: That brings Charlie Chaplin’s Modern Times to mind.

JV: Exactly. In that film, the excessive work and the repetitive gestures performed by the worker day in and day out, at a frenetic pace not guided by natural rhythms reveal the mechanization of life to which people have been subjected. In my work, I want to show how these gestures are produced every day, whether at the workplace, at home or en route from one to the other. They are gestures that become automatic. Since we are not aware of them as we execute them, these actions become mechanical gestures.

JV: Creo que mi trabajo es un poco de ambos, pero particularmente mi trabajo es social. Lo que quiero mostrar a través de mi obra son distintas realidades y quizás producir un cierto impacto e interés en la gente que no está necesariamente ligada al arte.

PP: Cuéntame, de qué se trata Luddites?

JV: Mi obra Luddites consiste en la instalación de dos máquinas autómatas distribuidas dentro del espacio de la sala de la galería. Ambas están construidas con una estructura de perfiles de fierro de 40 x 60 mm, unidos a base de pernos y pletinas. Los fierros utilizados en las máquinas y las bases de éstas se encuentran oxidados, por lo que han adoptado un tono café rojizo. Las poleas corresponden a las antiguas máquinas de coser accionadas con el pie. Ambas se activan a través de sensores de movimiento y funcionan con un motor respectivamente. Ambas máquinas reproducen una serie de gestos humanos como colgar un teléfono, escribir en una máquina de escribir, levantar reiterativamente el pie, etc. Pero no desde la lógica de movimientos cotidianos, sino más bien son movimientos enfermizos y repetitivos propios de una alienación, donde se persigue crear una experiencia más bien ominosa.

PP: ¿Cómo se relacionan tus Luddites con el espectador? ¿Cómo lo involucras?

JV: Tiene mucho de observación, ya que al ser mecanismos en movimiento llama bastante la atención además del ruido que estas producen hace que no pasen inadvertidas. El hecho de proyectar las sombras de las máquinas en los muros de la galería hace que estas se mezclen con la sombra del espectador al

JV: I think my work is a bit of both, but in particular my work has a social orientation. What I want to reveal through my work are different realities, and through visual work I want to produce a kind of impact and interest among people who don’t necessarily have a connection to art.

PP: What is Luddites all about?

JV: My piece, Luddites, consists of the installation of two automatons, self-operating machines, distributed within the space of the gallery. Both are built out of a structure of 40 x 60 millimeter iron frames, held together with bolts and sheet metal. The iron frames used in the machines, as well as the bases of the machines, are rusted, lending them a reddish-brown hue. The pulleys come from old foot-activated sewing machines. Both machines are activated by motion sensors and each functions with its own motor. Both machines reproduce a series of human gestures such as hanging up a telephone, writing on a typewriter, lifting one’s foot over and over, etc. These things happen not as a result of the logic of everyday movements, but rather as sickly, repetitive movements that come about as the result of alienation, and the goal here is to create a rather sinister experience.

PP: How do your Luddites relate to the viewers? How do you get them involved?

JV: My work’s relationship with the viewer has a lot to do with observation: since my pieces are mechanisms in movement, they draw people’s attention, and thanks to the noise these things generate, they don’t go unnoticed. The shadows of the machines

Título obra: FragmentosAño: 2007Lugar(es) de exposición: Universidad ARCISFicha Técnica (materialidad y dimensiones): Vidrios, luz artificial y muros de madera - 1,20cm x 50cm de espesor, 1,60cm de alto

Utilización del vidrio en su estado de desuso, como fragmentos que al estar violentados por el azar de un golpe, comprende múltiples formas y grietas que se expanden a lo largo del cristal. En pos de este interés, inicio una recolección del material por diversas partes de Santiago encontrando una gran variedad de tipos, todos con una forma única y a la vez con un pasado funcional diferente. Luego de diversos croquis en los que dispongo los vidrios en distintas plataformas, construyo dos muros falsos de 1,60 cm de altura, sobre los cuales instalo los puntiagudos pedazos. Desde el interior del muro se exterioriza una luz que pasa por una mampara de color dejando entrever a través de las grietas los tonos del color puesto en la base. Al disponerlos a la altura de los ojos del espectador, se genera una seducción por el material y el tránsito de color, pero a la vez agresiva por los cortes y formas que éstos mantienen.

Croquis proyecto Luddites.Año 2010

Jaime Vargas

Sketch of the Luddites project.Year 2010

Jaime Vargas

Croquis proyecto “En Toma”.Jaime Vargas

Sketch of the “En Toma” project.Jaime Vargas

Proyecto “En Toma”, 2007en Universidad ARCIS

“En Toma” project 2007at Universidad ARCIS

Título obra: En TomaAño: 2007

Lugar(es) de exposición: Universidad ARCISFicha Técnica (materialidad y dimensiones): Bisagras – 1,20 cm x 1,20 cm

A través del croquis y la utilización modular de bisagras en desuso comienzo a articular y buscar formas constructivas combinándolas y uniéndolas por medio

de alambre en las perforaciones de unas con otras sin manejar un cierto orden al momento de acopiarlas. Las formas modulares del proceso constructivo, además

de la cantidad inicial de material, tomaron forma de una vivienda social. Por el hecho de ser un material en estado disfuncional, no es de fácil encuentro; por lo

general son arrojados, llegando a constituir elemento de búsqueda espacios como persas, ferias libres o basura.

Una vez reunida una cantidad importante, comienzan a aparecer otras formas, resultando una sumatoria de viviendas armadas y entramadas por calles

irregulares. Por las características matéricas del objeto empleado, así también como la forma constructiva, se genera relación con las viviendas de las llamadas

“poblaciones callampa”, presentada a nivel de maqueta. La iluminación es alzada por medio de antiguos clavos, también oxidados, que simulan postes que soportan

una pequeña ampolleta que ilumina las improvisadas calles que recorren esta maqueta.



Pamela Prado en conversación con Jaime Vargas. Marzo 2011

PP: Jaime, ¿dónde trabajas?

JV: Es en mi taller donde se materializa mi obra pero parte importante de ésta son las observaciones que realizo cada día del comportamiento de la gente, lo que luego pasa a mi croquera, elemento importantísimo a la hora de proyectar ideas visuales.

PP: ¿Cómo eliges los materiales de tus trabajos?

JV: Los materiales que utilizo siempre han tenido la lógica del desuso, encontrando una riqueza visual en el deterioro que estas presentan así como la historia que exteriorizan por su antiguo uso o funcionamiento, es una forma de reciclaje, reutilización y re-significado de cosas que están como basura o chatarra. Y como dije anteriormente son las temáticas sociales las que acompañan comúnmente mí trabajo.

PP: ¿Y quiénes dirías que son tus referencias?

JV: Referentes teóricos importante dentro de este trabajo han sido Karl Marx, Walter Benjamin, Felix Guattari, Humberto Giannini, Theodore kaczynski y Descartes entre otros. Y por supuesto Jean Tinguely, los Futuristas, Surrealistas, Dada, las máquinas de Da Vinci, Tacola, entre otros.

PP: Tu trabajo habla de la sociedad desde un punto de vista crítico. ¿En qué grado su trabajo es artístico y en qué grado político?

Pamela Prado, in a conversation with Jaime Vargas, March 2011

PP: Jaime, where do you work?

JV: My work materializes in my studio, but an important part of my process, which occurs every day, are my observations of people’s behavior. I take these observations and incorporate them into my sketch book, which is an essential element for projecting visual ideas.

PP: How do you choose the materials you work with?

JV: The materials I use have always obeyed the logic of disuse, finding a visual wealth in the deterioration they exhibit, just like the history they exteriorize through their previous use or function; it’s a way of recycling, reusing and re-assigning meaning to things that have been discarded as trash or junk. And as I said before, my work is generally characterized by social themes.

PP: And who would you say are your references?

JV: Karl Marx, Walter Benjamin, Felix Guattari, Humberto Giannini, Theodore Kaczynski and Descartes, among others, are important theoretical references for this work. And of course Jean Tinguely, the Futurists, the Surrealists, Dada, Da Vinci’s inventions, and Tacola, among others.

PP: Your work speaks about society from a critical point of view. To what degree is your work artistic and to what degree is it political?

palabra “nononono…” constantemente, estableciendo el juego de palabras “no – on”, dejando caer el papel sucesivamente en su funcionamiento.

Ambas máquinas son proyectadas con luces dicroicas expandiendo a través de los muros y el techo las sombras de las poleas y gestos en funcionamiento, completando la totalidad de la sala con el movimiento de sombras, dejando al observador un espacio para recorrer tanto dentro como fuera de éstas. Se construyen así movimientos y proyecciones lúdicas de sombras mecánicas a través de los muros de la sala, movimientos acompañados de sonidos molestos y repetitivos promovidos de forma inconsciente por el mismo espectador, dando cuenta de una inquietud marcada por experiencias sociales, alusivas a la incesante producción industrial.

finger, a typical nervous movement. The other gesture is that of a typewriter that punchs out the word “nononono...” over and over again, playing a game with the words “no” and “on,” allowing the paper to fall successively in the process.

Both machines are projected with dichroic lights which allow the shadows of the pulleys and gestures in motion to expand across the walls and the ceiling, completing the totality of the exhibition space with the movement of shadows, giving the viewer a space to walk through both inside and outside the shadows. In this way the installation builds movements and playful projections of mechanical shadows throughout the walls of the exhibition space, movements that are accompanied by annoying, repetitive sounds that are unwittingly prompted by the viewer, revealing the discomfort that is marked by social experiences, which allude to the incessant nature of industrial production.

Luddites expuesto en Galería Gabriela Mistral.Fotografías: Jaime Vargas

Luddites project at Galería Gabriela MistralPhotos: Jaime Vargas


Fotografías: Jorge Brantmayer


Photos: Jorge Brantmayer

por el auricular con una pausa aproximada de un minuto por golpe, el cual reproduce el gesto de colgar el teléfono. Los tres gestos son producidos a partir del mismo motor, y escapan formalmente del resto de la máquina. El tenedor, el zapato y el teléfono de disco pertenecen al mundo doméstico, a diferencia del resto de la máquina elaborada en su totalidad de fierro oxidado y material de construcción en desuso, materiales mucho más fríos, que suelen remitir al mundo más bien fabril.

La segunda máquina mantiene la misma lógica constructiva, tanto en los soportes de fierro como las poleas utilizadas para su movimiento. Los gestos producidos son dos: por una parte se encuentra una lapicera que asoma y esconde la punta de ésta a través de un mecanismo que simula el dedo pulgar, movimiento típico de nerviosismo, el siguiente gesto es una máquina de escribir que escribe la

with nervousness or expectation. The third movement consists of a rotary telephone, which is struck by the receiver in intervals of approximately one minute, which reproduces the gesture of hanging up the telephone. The three movements are produced by the same motor, and in formal terms escape the rest of the machine. The fork, the shoe and the rotary telephone belong to the domestic realm, unlike the rest of the machine which is fabricated entirely out of rusted iron and discarded construction materials, which are much colder elements that seem to refer to a more industrial world.

The second machine operates according to the same logic of construction, both in terms of the iron supports as well as the pulleys used for producing movement. Two gestures are produced as a result: on one hand we find a pen that emerges and then hides its tip through a mechanism that simulates the action of the index


Fotografías: Nicolás Sánchez


Photos: Nicolás Sánchez

Luddites expuesto en Galería Gabriela Mistral.Fotografías: Jorge Brantmayer

Luddites project at Galería Gabriela MistralPhotos: Jorge Brantmayer

by these new labor practices. Turning an eye to certain Dadaist political and social practices (Schwitters, Picabia), or appealing directly to the sarcasm of J. Tinguely, I take advantage of used industrial materials for the creation of these kinetic installations, these absurd machines capable of posing some serious questions regarding the lengthy processes our industrial society has lived through.

In this light, Luddites situates itself upon the idea of movements that are repeated over and over again, irrationally and inevitably, establishing a dialogue with everyday, domestic devices, but in a gestural role that extricates them from the world of the everyday and renders them inoperative in terms of their gesture. All this movement is coupled with the contraptions’ aural effects: the grinding and screeching and friction and clanging become the sole compass and pulsation that takes over the exhibition space. Both sound and movement produce a sinister effect that confronts the operational and functional attraction of the machines and their shadows.

To achieve the various movements required, I undertook a preliminary study of the most fundamental machines and mechanisms, starting with the machine engineers of antiquity, such as those of the Alexandria School, and then moving on to Taccola and Da Vinci, among others. Despite living in an industrialized age in which modern machines –as well as micro-technology— are found everywhere and in agreeable, practical and functional designs, I opted to use designs from the early 19th century, a crucial period for industrial development, driven by powerful factory-based machines.

Present-day domestic machines seek to camouflage their functionality through plastic sheathes, because the less visible the effort required to achieve a given result, the better the operation of the object in question; this attitude underscores the alienation of the individual who becomes increasingly removed from the operation of the machine. Because we don’t understand how things work, we maintain a certain distance from manual and mechanical objects and from the processes they execute. Luddites exposes the movements and transmissions of pulleys, gears and levers, revealing the process from the initial transmission (motor) to the terminal elements (a shoe or a telephone in this case).

The installation consists of two automatons, self-operating machines, distributed within the space of the gallery. These machines reproduce movements that lack any logical purpose. Pulleys, gears, rods, straps and other items circulate to the rhythm of motors that are activated by sensors, which means that the viewer activates them at random, unwittingly. Both machines are built with a structure of 40 x 60 millimeter iron frames, held together with bolts and sheet metal placed on 50 x 30 mm frames on the floor. The iron frames used in the machines, as well as the bases of the machines, are rusted, lending them a reddish-brown hue. Both are activated by motion sensors and operate with a motor.

The first machine generates multiple movements, with three “protagonist” movements: one on hand there is a fork that moves in linear form, scraping its tines against a metal tray, which generates a screeching noise that is characteristic of the friction produced between metals. The second movement consists of a leg that juts out from the machine, with a shoe at its far end that moves the tip of the foot, in a gesture that is typically associated

Retornando a ciertas prácticas políticas y sociales dadaístas (Schwitters, Picabia), o apelando directamente al sarcasmo de J. Tinguely, aprovecho materiales industriales usados para la creación de estas instalaciones cinéticas, máquinas absurdas capaces de proponer cuestionamientos respecto del largo proceso vivido por la sociedad industrial.

De esta manera, Luddites se instala sobre la idea de movimientos que se repiten de forma irracional e irremediablemente repetitiva, originando un diálogo entre los dispositivos domésticos y cotidianos, pero en un rol gestual que lo hace escapar del mundo de lo cotidiano y lo vuelve gestualmente inoperante. Todo este movimiento se mezcla con el efecto sonoro del armatoste; roces, chirridos, fricciones y golpes se transforman en un único compás y pulsación que invaden la sala. El sonido, así como los movimientos, producen un efecto ominoso que se confronta a la atracción operacional y funcional de las máquinas y sus sombras.

Para lograr los distintos movimientos requeridos, se realizó un estudio previo de máquinas y mecanismos primarios, pasando por ingenieros de máquinas de la antigüedad, como por ejemplo la Escuela de Alejandría, Taccola y Da Vinci, entre otros. A pesar de vivir en una época industrializada y donde las máquinas modernas -así como la micro tecnología- se encuentran por todos lados con diseños agradables, prácticos y funcionales, opto por servirme de diseños de principios de siglo XIX, período crucial en el desarrollo industrial impulsado por potentes máquinas fabriles.

Las maquinarias domésticas actuales buscan camuflar su funcionamiento a través de recubrimientos plásticos, pues mientras menor sea el esfuerzo visible para el resultado,

mejor será la práctica del objeto en cuestión, acentuando la enajenación del individuo que se vuelve cada vez más ajeno al funcionamiento de la máquina. Por el hecho de no saber cómo funcionan las cosas, nos mantenemos a distancia de los objetos mecánicos o de la mano con el proceso mismo de los objetos. En Luddites, se evidencian los movimientos y transmisiones de poleas, engranajes y palancas, mostrando el proceso desde la transmisión inicial (motor) hasta los terminales (zapato o teléfono en este caso).

La muestra consiste en la instalación de dos máquinas autómatas distribuidas dentro del espacio de la sala las cuales reproducen movimientos sin un sentido lógico, poleas, engranes, bielas, correas, etc. circularan al ritmo de motores que se activan a través de sensores, por lo que el espectador los activa de forma aleatoria, sin notarlo. Ambas máquinas están construidas con una estructura de perfiles de fierro de 40 x 60 mm, unidos a base de pernos y pletinas, dispuestos sobre perfiles de 50 x 30 mm en el piso. Los fierros utilizados en las máquinas y las bases de éstas se encuentran oxidados, por lo que han adoptado un tono café rojizo. Ambas se activan a través de sensores de movimiento y funcionan con un motor.

La primera máquina genera múltiples movimientos, siendo tres los protagonistas: por una parte se encuentra un tenedor que se mueve de forma lineal raspando con los dientes una bandeja metálica, consiguiendo el chirrido característico de la fricción entre los metales. El segundo movimiento es una pierna que sale desde la máquina y mantiene en su extremo un zapato que mueve la punta del pie, gesto característico de la espera o nerviosismo. El tercer movimiento es un teléfono de disco, el cual es golpeado


Fotografías: Jaime Vargas


Photos: Jaime Vargas

máquinas de coser, o engranes de alguna máquina olvidada. La elección de los materiales surge por una idealización de los diseños de maquinarias del período industrial inicial, por lo que el desarrollo del proyecto obedece a una operación basada tanto en croquis –que proyectan los funcionamientos de ciertos mecanismos- como en un constante ensamble y adaptación de piezas adquiridas.

Cuando se trabaja con materiales reciclados o de re-uso, éstos develan su propia historia, quedando en la memoria de lo que alguna vez fue o para qué sirvió. Así es como las poleas empleadas corresponden a antiguas máquinas de coser, aquellas accionadas con el pie, remitiendo nuevamente al período industrial, esta vez ya dentro del mundo textil, proceso determinante en el desarrollo de la llamada Revolución Industrial. Las textiles, encabezando la lucha fabril, consiguieron producciones a velocidades nunca antes vistas. Con una sola máquina se fabrica cien veces más de lo que lo hacía antiguamente un operario de una máquina individual, lo resultante de todo esto significo desempleos masivos de operarios que se veían amenazados por esta nueva forma laboral.

search of abandoned mechanisms such as pulleys from old sewing machines, or gears from old forgotten machines. The selection of materials came about through an idealization of the designs of machines from the early industrial age, and as such the evolution of the project followed an operation based both on sketches –that projected the functionality of certain mechanisms—as well as the constant assembly and adaptation of the pieces acquired.

When one works with recycled or re-used materials, these materials reveal their own personal histories, reminding us of their former identity and use. And so the pulleys that were once part of old sewing machines, activated by foot, bring us back to the industrial age, this time within the realm of textiles, a process that was critical to the evolution of the so-called Industrial Revolution. Textiles, at the forefront of this revolution in manufacturing, achieved levels of production at unprecedented speeds. With a single machine it was possible to produce a hundred times the output of a single operator at a single machine. The result of all this, of course, was mass unemployment of operators who were logically threatened and supplanted



Proceso construcción proyecto Luddites.

Fotografías: Jaime Vargas

Construction process of the Luddites project.

Photos: Jaime Vargas

LudditesJaime Vargas

Nuestra historia se ha visto marcada por un sinnúmero de acontecimientos, siendo unos de los más importantes la Revolución Industrial, la cual dio su inicio durante la segunda mitad del siglo XVIII y trajo consigo innumerables cambios, tanto en el plano cultural, como laboral y social, la presencia de una economía marcada por el capitalismo, y básicamente por la formación de nuevos y múltiples procesos mecanizados, culminaron en el producir a ritmos descomunales. La aparición de la clase obrera da paso, pues, a un cierto abandono de la artesanía, vale decir, el reemplazo de la mano herramienta por una máquina capaz de generar una mayor cantidad de operaciones respecto de las limitaciones naturales humanas, múltiples mecanismos precisados con una finalidad productiva. Los avances de las máquinas han pasado diversos y rápidos procesos, pasando de las fábricas a un uso cotidiano de bolsillo, así nuestra rutina diaria circula acompañada de diversos mecanismos que facilitan nuestras tareas.

Bajo esta premisa, doy inicio al diseño y construcción de máquinas que reproducen, de forma autómata, una cantidad determinada de gestos con objetos empleados en la cotidianidad, tales como un zapato, un lápiz o un teléfono, produciendo una serie de movimientos repetitivos y sin sentido. Para ello, me interno en mercados persas, ferias, y centros de chatarra de Santiago, en búsqueda de mecanismos en desuso, como poleas de antiguas

Our history has been marked by countless landmark events, among which one of the most significant was the advent of the Industrial Revolution in the latter half of the 18th century, which wrought an infinite number of changes in terms of culture, work and society. It created an economy marked by capitalism, essentially through the creation of a host of new mechanized processes, culminating in the establishment of an utterly new pace of work and production. The emergence of the working class gave way, of course, to something of a decline in manual labor—in other words, the hand as tool was replaced by a machine that was capable of generating a greater number of operations than what the human body, with its natural limitations, was capable of, as well as highly specific mechanisms that contributed to a productive objective. The advances achieved by machines have passed through a variety of fast-paced processes, going from factories to everyday use, and to this end our daily routine was irrevocably changed by a variety of different mechanisms that facilitate so many of our tasks.

Following this premise, I began to work on the design and construction of machines that could reproduce, in automated form, a specific number of gestures with everyday objects such as a shoe, a pen or a telephone, producing a series of repetitive, senseless movements. In order to do this, I scrounged through flea markets, street fairs, and junk warehouses all over Santiago in

Montaje proyecto LudditesGalería Gabriela Mistral

Luddites project exhibition at Galería Gabriela Mistral

luddites Jaime Vargas

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