Movimientosde la historia del diseño.

DESDE 1815

HASTA 2005

3

Índice

Pioneros del diseño

Diseño orgánico

Postmodernismo

Pioneros deldiseño1850-1939

• ARTS & CRAFT

• ART NOUVEAU

• WERKBUND

• DE STIJL

• BAUHAUS

• CONSTRUCTIVISMO

5

Con la llegada de la Revolución Industrial, se produjo una ruptura en la concepción del diseño de objetos hasta el momento, que venía siendo un tradición artesanal. La industria producía objetos funcionales en grandes cantidades y a bajo costo, pero su aspecto era feo.

Surgieron pues diferentes movimientos. Por un lado los que se oponían a la Industria y querían recuperar la artesanía y, por otro, los que pretendían usar las nuevas técnicas de la industria para mejorar el aspecto de los productos producidos.

INTRODUCCIÓN

6

Desde el punto de vista de la acción el Arts & Crafts experimentó un empuje importante en 1861 cuando William Morris fundó la empresa Morris, Marshall, Faulkner and Company, conocida generalmente como Morris and Company.

En 1890 Morris fundó la Kelmscott Press, una imprenta artesanal de la que salieron tiradas reducidas de algunos de los libros impresos más cuidadosamente producidos de toda la historia, y que fue capaz de ejercer una poderosa influencia sobre las grandes editoriales comerciales durante varias décadas.

Tapicería de William Morris. Se aprecia la influencia de la artesanía tradicional en el gusto por la ornamentación.

Año 1851, Londres. En medio de una sociedad industrial con modos de vida fuertemente contrastados entre la burguesía y el proletariado, John Ruskin y William Morris promulgaron un rechazo a la industria y un regreso a la artesanía, con el ideal de que el pueblo tenía derecho a disfrutar de la belleza en los objetos de uso cotidianos.

ARTS & CRAFT

7

En el diseño de esta mesa se aprecia el gusto por lo medieval del movimiento Arts&Craft, como se ve en las ilustraciones de clara inspiración gótica.

Entre las ideas más características del Arts and Crafts se encuentra el rechazo a la separación entre el arte y la artesanía, el diseño de los objetos se considera una necesidad funcional y moral. Se produce también un regreso al medievalismo tanto en la arquitectura como en las artes aplicadas, algo que se hace muy evidente sobre todo en estas últimas. Además promulgan la agrupación de los artistas y los oficios en gremios como en la época medieval.Se rechaza no solo a los objetos producidos por la industria por su aspecto, sino que también a sus métodos de trabajo en cadena, que separan al trabajador de la obra que realiza y fragmenta sus tareas

Morris pretendía crear objetos para el pueblo, sin embargo, al ser todos realizados de manera artesanal, resultaban muy caros y al alcance de solo unos pocos. Tuvieron, no obstante, tanto éxito sus diseños, que la industria acabó por simplificarlos para poder producirlos. Fue así como se convirtió en un involuntario precursos de los estudios para el desarrollo de nuevos métodos de producción industrial.

Pion

eros

del

Dise

ño

8

El modernismo propuso durante 20 años respuestas totalmente nuevas y alejadas de los esquemas tradicionales del arte manierista y burgués. Apareció en Bélgica, de la mano de Henry Van de Velde y Víctor Horta y rápidamente se extendió por toda Europa, recibiendo diferentes nombres en cada país, como Modernismo en España, Sezessionismo en Austria o Jugendstil en Alemania.

Entre las características del movimiento, destaca sobre todo el gusto por la ornamentación, la búsqueda de inspiración en la naturaleza y sus formas. Se dice que es la perfecta conjugación entre la función y la forma, ya que todos los elementos están incluídos por alguna razón y además crean un lenguaje formal totalmente novedoso en el momento.

Interior de la Casa Tassel, de Víctor Hor-ta. Máxima expresión del Art Nouveau, se observa el gusto por lo ornamental y la inspiración en la naturaleza.

Año 1890-1910, en Europa. La evolución del proyecto europeo viene dado por la búsqueda más laboriosa de una posible identidad moderna.Se echa en falta un lenguaje capaz de expresar la novedad de los tiempos, una síntesis entre el exacerbado funcionalismo de la herramienta y la ambición de un nuevo lenguaje universal.

ART NOUVEAU

9

Silla Mackintosh. Compuesta por elementos lineales y carente de adornos ornamentales. Fue pensada para crear contraste en el hueco entre dos armarios.

Otra de sus innovaciones fue el hecho de que se trató de aunar el arte y la tecnología, construyendo con hierro producido en serie. El Art Nouveau además se transformó en un símbolo del arte burgués. El Modernismo en España se caracterizó por una capacidad creativa lírica, como producto de los modelos anteriores y por el deseo de extraer de la tecnología sus nuevas posibilidades.

Sin embargo, el movimiento no se dió por igual en toda Europa. En Austria, la Sezession, buscó un nuevo lenguaje formal en la geometría, dando lugar a objetos desprovistos de adornos. En Escocia pasó algo parecido, allí Mackintosh desarrolló una serie de muebles construidos a raíz de elementos lineales sencillos que daban lugar a decoraciones muy geométricas.

Pion

eros

del

Dise

ño

10

Portada de la revista Jugend, principal difusora del movimiento Jugendstil en Alemania y de la cual recibe el nombre.

En Alemania, al Art Nouveau se le llamó Jugendstil, estilo joven. Se diferenciaba en cuanto a que estaba enfocado en temas y mitología germánica, aportando refuerzo y apoyo a la unificacion de los estados alemanes. El nombre del movimiento proviene de la revista Jugend, que se creó para apoyar y difundir las obras de los movimientos de la época como el Arts & Craft y el Art Nouveau.

La revista Jugend llegó a ser un gran éxito, primero en Múnich y luego en el resto de Alemania. Sus cubiertas eran obras de arte por sí mismas, decoradas con coloridas ilustraciones en tonos litográficos. Jugend estaba entre la primera generación de revistas que usaron ilustraciones únicas que ocupaban toda la portada y en durante todas las páginas.

A diferencia de otros movimientos artísticos previos, el Jugendstil apoyó fuertemente a la historia y extremo patriotismo alemán, defendiendo a Alemania como nación. Al inicio de la Primera Guerra Mundial, las páginas de la revista cambiaron radicalmente. Las escenas mágicas y domésticas de la portada dieron paso a ilustraciones con motivos de guerra, generales, y arte que apoyaba entusiastamente a la guerra de manera subliminal. Aunque solo un poco del arte incluso ahora era realmente militarista, mostraba a los ciudadanos que se veían involucrados en el servicio militar tanto para Alemania como para Austria. Muchas de estas obras fueron creadas por premiados principiantes.

11

Mustard pots collection, de Richard Riemerschmidt, uno de los mayores representantes del Jugendstil. También se inspira-ba en las formas orgánicas, pero más sencillas.

Pion

eros

del

Dise

ño

Influidos por las ideas reformistas de John Ruskin (1819-1900) y William Morris, los diseñadores del Jugendstil, como Hermann Obrist, Richard Riemerschmid y August Endell, tenían unos objetivos más idealistas que sus contemporáneos europeos ligados al estilo Art Nouveau. No sólo pretendían reformar el arte sino también recuperar un estilo de vida más sencillo y menos condicionado por los imperativos comerciales. Compartían el optimismo de la juventud y un gran respeto por la naturaleza que trasladaron a toda su obra.

Richard Riemerschmid, jefe de diseño del taller de Dresde, adoptó un estilo simple y tradicional similar a la obra de los diseñadores del Arts & Crafts británico, como Charles Voysey. El empeño de Riemerschmid por reformar el diseño mediante la estandarización y la adopción de métodos de fabricación racionales en los Dresdener Werkstätten für Handwerkskunst tuvo una gran influencia y contribuyó a la fundación del Deutscher Werkbund..

12

Para el Werkbund, el objetivo común consistía en la utilización de la máquina en la producción industrial. Muthesius defiende la necesidad de la estandarización en la producción mientras que Van de Velde se preocupa más por la creatividad individual y el arte. Sin embargo, ambos dos defendían la producción en serie y se oponían a los movimientos decorativos y artesanales del momento.

El más claro ejemplo de ésto es Peter Behrens, quien fue el encargado de diseñar un programa completo para la empresa AEG, sometiéndose a los imperativos de la fabricación y racionalizando la producción. Ésta colaboración con la empresa se inició en 1907, y aprovechó para poner en práctica sus ideas de unificación entre arquitectura, arte e industria.

Cartel del Werkbund. El movimiento fue pleno defensor del racionalismo en las formas y del funcionalismo de los objetos

De 1907 a 1934, en Múnich, Alemania. Muthesius y Van de Velde fundaron el Werkbund, una asociación que agrupa a artistas y empresas de producción industrial y artesanal y que fomentará la fundación de talleres industriales.

DEUTSCHER WERKBUND

13

Pion

eros

del

dise

ño

Behrens no sólo diseñó la imagen de los catálogos y la publicidad, también llevó a cabo el diseño de productos para la empresa.

Catálogo de la AEG, diseñado por Peter Behrens, quien le dió una imagen unificada a la empresa.

Su trabajo se inicia como asesor artístico, diseñando productos, catálogos, publicidad e incluso arquitectura. Ésto le permite estandarizar los productos de la AEG, dar una imagen a la empresa y coordinar toda su comunicación.

14

Red-Blue Chair, de Rietveld. Se asemeja mucho a los cuadros de Mondrian, cmo se ve, está descompuesta por planos geométricos y sólo usa los colores primarios y el negro.

El movimiento De Stijl preconiza el estructuralismo, un neoplasticismo en el que sólo aparecen los cubos y los paralelepípedos. Se usan además únicamente los tres colores primarios, rojo, amarillo y azul; más el negro, el blanco y los grises, tal y como hacía Mondrian en su pintura. Rietveld será la mejor muestra de la pintura de Mondrian llevada al diseño de muebles.

Se descomponen los elementos en planos, que se busca estén dispuestos de manera equilibrada entre interiores, exteriores y horizontalidad y verticalidad. Esta voluntad de creación geométrica influirá en los alumnos de la Bauhaus y la arquitectura contemporánea.

De 1917 a 1931, en Holanda. Este movimiento nació por influencias del cubismo y del neoplasticismo propuesto por Pierre Mondrian. El arte puro emprende el camino hacia una nueva expresión universal. El arte está más allá del individuo y debe nacer del espíritu colectivo.

DE STIJL

15

Pion

eros

del

Dise

ño

En arquitectura, la casa Schoder es el mejor ejemplo del movimiento De Stijl. Se observan claramente los planos en los que se descompone la fachada.

Portada de la revista De Stijl, que le da nombre al movimiento y difunde sus ideas.

Mas allá del formalismo que propone el movimiento De Stijl, pone en tela de juicio la disposición tradicional del espacio al buscar un equilibrio tridimensional entre vacíos, superficies y colores.

El movimiento tenía también, al igual que el Jugendstil, una revista como medio de difusión de sus ideas y sus trabajos. La revista recibía el mismo nombre que el movimiento, De Stijl.

16

Cartel de la Bauhaus. Sus diseños rom-pieron con lo que se venía haciendo hasta el momento.. El diseño gráfico adquiría una categoría específica dentro de las enseñanzas académicas.

Entre los principios de la Bauhaus, estaba el rechazo al artesanado y sus modos de producción, pero los problemas que surgieron después redujeron el impacto que un fenómeno de este tipo debería tener.

La Bauhaus pretendía establecer contacto con la producción industrial y formar a los jóvenes en el trabajo manual y mecánico, así como en la elaboración de proyectos. Entre los primeros alumnos de la escuela se encuentran artistas como Johanes Itten, Paul Klee, Kandinsky y Moholy-Nagy.

La escuela nació inmersa en las convulsiones políticas de la república de Weimar después de la Primera Guerra Mundial. La suerte de la Bauhaus corrió pareja a la de la república y, en 1933, poco después de la

De 1919 a 1933, en Alemania. Tras la I Guerra Mundial, Van de Velde cedió la dirección de las dos escuelas que tenía en Weimar a Walter Gropius, quien las unió y fundó la Bauhaus. Su idea era recoger todas las disciplinas artísticas bajo el mando de la arquitectura y desarrollar su relación con los procesos industriales.

BAUHAUS

17

Pion

eros

del

Dise

ño

Butaca Wassily de Marcel Breuer. La primera silla hecha con acero tubular, sus planos denotan la influencia neoplasticista.

llegada al poder de Hitler, cerró sus puertas. Muchos de los profesores tuvieron que salir de Alemania, al igual que algunos alumnos, que se trasladaron a América, donde fundaron una nueva escuela.

Destaca, en su fase de consolidación, el desarrollo que tuvo el taller de mobiliario y metal, dirigido por Marcel Breuer. Éste inspiró un nuevo método de trabajo con acero tubular, capaz de resolver problemas funcionales y de ser fabricado en serie. Estas investigaciones dieron lugar a la butaca Wassily, donde consigue hacer coincidir geometría y construcción en un equilibrio perfecto. Aprovecha las posibilidades del tubo metálico para liberar la forma de los encajes ortogonales. La estructura se anima con pliegues, curvas y planos inclinados y crea una alternancia de superficies que acojen perfectamente la forma del cuerpo humano.

El uso del acero tubular fue asumido también por otros alumnos y profesores de la Bauhaus. Por ejemplo,, Le Corbusier, lo usó para la estructura formalista de su serie de sofás y sillones Grand Comfort. Quien también usó una técnica parecida fue Mies Van der Rohe para hacer la estructura de su butaca MR 90, conocida como la silla Barcelona, ya que se expuso en la exposición internacional que allí se celebraba en el año 1929, para la que usó no tubo metálico sino elegantes tiras metálicas.

18

Mies Van der Rohe fue director de la Bauhaus hasta que fue cerrada en el año 1932, cuando además tuvo que exiliarse a Estados Unidos. Si bien la butaca Barcelona es una de sus obras más conocidas, también hay que destacar que, para la misma exposición, fue el arquitecto que diseñó el pabellón de Alemania, que fue destruído después de la expo y que, por su gran valor artístico, fue reconstruído posteriormente.

Como muchos otros arquitectos de vanguardia de la época. Mies basó sus propias teorías arquitectónicas y principios en su propia recombinación personal de ideas desarrolladas por muchos otros pensadores y diseñadores que habían considerado los errores de los estilos tradicionales de diseño.

El pensamiento modernista de Mies estuvo influenciado por muchos otros movimientos artísticos del momento. Adoptó selectivamente ideas teóricas tales como la estética del constructivismo ruso con su ideología de la construcción eficiente y escultórica usando materiales de la industria moderna. Mies encontró atractivo en el uso de formas planas, simples y rectilíneas, así como en líneas limpias, el uso del color puro y la extension del espacio alrededor y más allá de las paredes interiores. Ideas expuestas por el grupo alemán De Stijl. En particular, la distribución por niveles de los subespacios funcionales dentro de un espacio mayor y laa distinta articulación de las partes tal como expresó Rietveld llamó mucho la atención a Mies.

Butaca MR 90, o silla Barcelona de Mies Van der Rohe. Su diseño oculta el trabajo manual necesario para la soldadura entre las tiras metálicas.

19

Imagen de la fachada de la escuela Bauhaus, no la original, claro. Su importancia reside en gran parte en sus ideales pedagógicos.

Otro diseñador y arquitecto que trabajó para la Bauhaus fue Le Corbusier, cuyos muebles son un auténtico manifiesto del mobiliario moderno. Su diseño de mobiliario reduce de forma científica el paisaje doméstico a unos pocos muebles-tipo para sus espacios arquitectónicos normalizados.

Cuando conoce las investigaciones con el tubo metálico, allá por el año 1927, empieza a investigar sus posibilidades y reinterpreta en clave funcional los arquetipos de los objetos-tipo a partir de las posturas corporales. Su serie Grand Comfort es un gran ejemplo de ello. El sillón es un cubo de tubos metálicos con mullidos cojines que sostienen y abrazan al cuerpo humano. Sus formas geométricas se convierten en orgánicas cuando entran en contacto con el cuerpo humano. Es evidente la clara división entre el formalismo de la estructura portante y el relleno funcional. Además, la serie Grand Comfort se divide en dos modelos, el Grand Modèle, adaptado a la figura femenina y a su postura natural de sentarse cruzando las piernas, y la Pétit Modéle, más estrecha y adaptada a la postura masculina.

Pion

eros

del

Dise

ño

20

Obra de Tatlin, para realizarla usa meta-les y material de industria.

La vanguardia rusa tenía suficientes rasgos comunes con el cubismo y el futurismo para acuñar el término cubofuturismo. La experimentación en la tipografía y el diseño caracterizaron los libros y los periódicos de los artistas futuristas, presentando trabajos por medio de la comunidad artística, visual y literaria. Simbólicamente, los libros futuristas rusos fueron una reacción contra los valores de la Rusia zarista. La utilización de papel rústico, de métodos de producción artesanal y de agregados hechos a mano expresaban la pobreza de la sociedad campesina.

Gan escribió que los tres principios del constructivismo son la arquitectura, la textura y la construcción. La arquitectura representaba la unificación de la ideología comunista con la forma visual. La textura significaba la naturaleza de los materiales y como son empleados en la

Año 1920, en Rusia. Tatlin comienza a elaborar piezas escultóricas abstractas utilizando diferentes tipos de materiales industriales.Tatlin y Rodchenko y 25 artistas más renunciaron al “arte por el arte” para consagrarse al diseño industrial, la comunicación visual y las artes aplicadas al servicio de la sociedad comunista.

CONSTRUCTIVISMO

21

Pion

eros

del

Dise

ño

Composición de Lissitzky, en él se aprecia su estilo el cual se basa en construir composiciones con elementos simples y tipografía.

producción industrial. La construcción simbolizaba el proceso creativo y la búsqueda de leyes de organización visual. Quien mejor llevó a cabo el ideal constructivista fue Lissitky, pintor, arquitecto, diseñador gráfico y fotógrafo. Desarrolló un estilo de pintura al cual denominó PROUNS, abreviatura de “proyectos para el establecimiento de un arte nuevo”

Como diseñador gráfico, Lissitky no decoraba el libro, lo construía al programar visualmente el objeto completo.La composición tipográfica y las imágenes fotográficas eran empleadas como material de construcción para armar páginas, portadas y carteles.El formato desarrollado por Lissitky para este libro constituye un paso importante en la creación de un programa visual para ordenar la información.La red vertical de tres columnas utilizadas para el texto, la red horizontal de tres columnas empleada para la portada y la estructura a dos columnas de la página de contenido se convirtió en una armazón arquitectónica para organizar las páginas ilustradas.

22

A los electrodomésticos se les aplicaban elementos para llamar la atención sin que tuvieran una función clara, o no siendo lo más adecuado. En esta nevera es la forma del tirador la que se aprecia como estilista.

En esta época, las formas aerodinámicas se asociaban al concepto de elegancia y esbeltez. Empezaron pues, a diseñarse radios, planchas y otros objetos cotidianos con la forma de gota aerodinámica, de manera que no se aplicaba por ninguna razón funcional, únicamente para conseguir un efecto psicológico. Esta forma se convirtió en símbolo de la modernidad.

La forma aerodinámica surge de los descubrimientos aeronáuticos. En el caso del diseño de vehículos tales como barcos, trenes o coches, la forma de gota tenía una funcionalidad, al favorecer que éstos ejercieran menos resistencia al viento. Sin embargo, su aplicación a hornos, frigoríficos y objetos del estilo, resulta de más dudosa funcionalidad.

En el año 1929, en Estados Unidos. Tras una fuerte crisis, las necesidades del mercado y las ventas hicieron que los diseñadores dieran prioridad a la apariencia exterior del producto. El objetivo era seducir al consumidor mediante efectos de estilo y moda.

AERODINAMISMO

23

Pion

eros

del

Dise

ño

Este sacapuntas, diseñado por Loewy, tiene la característica forma de gota aerodinámica. Como se aprecia, la forma en sí no tiene funcionalidad.

El coche Studebaker presenta formas aerodinámicas, perfectamente justificadas en la necesidad de disminuir la resistencia al aire. Raymond Loewy participó en su diseño.

Entre los diseñadores participantes de este movimiento destaca Loewy, quien fue su creador, además. Fue asesor de Coca Cola, a quien le dió su característico color rojo corporativo. Destaca también por diseñar el paquete de tabaco de Lucky Strike, que elevó a la categoría de símbolo del modo de vida americano.

• CHARLES EAMES

• EERO SAARINEN

• POP: ARNE JACOBSEN VERNER PANTON

DiseñoOrgánico1940-1980

25

En Estados Unidos, en los años 40 destacan las actividades de la Cranbrook Academy, de la que eran alumnos Eames y Saarinen, que terminarán trabajando para la empresa Knöll Internacional. Ambos harán diseños orgánicos, pero basados en diferentes principios.

Por otro lado, a partir de los años 60, el organicismo se mezcla con la psicodelia y el op art, aparece el gusto por los colores muy llamativos y surge lo que se conoce como el Pop Art, en el que destacarán los muebles e interiores de Jacobsen y Panton.

INTRODUCCIÓN

26

El estilo de Eames y Saarinen, aunque los dos estudiaron en el mismo sitio, trabajaron juntos y se inspiraban en las formas orgánicas, era muy distinto estéticamente.

Eames, que trabajaba con su mujer Ray, también alumna de la Cranbrook, para la composición de sus muebles se basaba en el principio de la discontinuidad. Utilizaba diferentes materiales para diferenciar claramente qué parte era el asiento y cuál era el soporte, por lo general usando diferentes materiales para cada una. Se aprecia bien en su serie del Aluminium group, cuyos diseños recuerdan un tanto a la Chaise-longue de Le Corbusier.

Silla de Eames y Saarinen para el concurso del MOMA, que ganaron. Tiene las características del estilo de ambos dos perfectamente unido.

De 1945 a 1960, en EEUU. Ambos fueron alumnos de la Cranbrook. Tra-bajaron juntos en un proyecto para el MOMA de Nueva York, ganando un concurso para diseñar su interior. Después de esta colaboración, sus proyec-tos se desarrollaron por separado aunque los dos trabajaron para la misma empresa, la Knöll Internacional.

ORGANICISMO: EAMES & SAARINEN

27

Dise

ño O

rgán

ico

Aluminium Group de Charles y Ray Eames. Diseñado siguiendo el principio de la discontinuidad por partes.

Silla de la serie Tulip de Saarinen, diseñada siguiendo el concepto de la continuidad.

Saarinen, sin embargo, apostó por la continuidad, creando muebles que parecían hechos de una sola pieza. Claro ejemplo de ello es la colección que hizo para Knöll Internacional, la serie Tulip. Esta colección se destaca por las formas sinuosas que acogen y contienen al cuerpo. Sus estructuras de fibra de vidrio se ensanchan en la base para equilibrar.

28

Sillón The Egg, de Jacobsen. Imita la forma de un huevo, y envuelve al que se sienta en ella, separandolo del exterior.

Los asientos de Jacobsen se caracterizan por ser envolventes y anatómicos. El enfoque ergonómico contrasta con los rigores abstractos y formales del racionalismo. Sus asientos no buscan la comodidad, si no una funcionalidad ambiental y no física.. La idea de jacobsen no es solo diseñar objetos para sentarse, sino crear correspondencias entre estar sentados y el espacio donde nos encontramos.

Su sillón más conocido, The Egg, condensa en una sola forma asiento, respaldo y brazos. La alternancia de formas cóncavas y convexas requiere un proceso de tapizado minucioso y caro. Hoy se imprime en poliuretano.

Surge en los años 60, en el caso de Jacobsen y Panton, en Escandinavia. Sus diseños destacan por su colorido y sus formas ergonómicas que en realidad no pretenden ser cómodas, si no tener una funcionalidad ambiental y crear entornos completamente novedosos.

POP: JACOBSEN YPANTON

29

Dise

ño O

rgán

ico

Interior de Panton. Como se puede apreciar, las paredes y muebles están completamente integrados y parece que haya creado un universo infinito.

Verner Panton trabajó en el estudio de Jacobsen, donde aprendió a pensar en términos de entorno, de relaciones entre objetos y espacio. A diferencia de Jacobsen, que buscaba un punto intermedio entre la modernidad y la tradición, Panton mira exclusivamente hacia el futuro.

Panton deja de lado la madera y crea exclusivamente con metal, plásticos y colores. Diseña a medida de cada ambiente y realiza interiores saturados de color y caracterizados por la repetición de formas geométricas elementales. Crea mundos artificiales.

Pero sin duda, lo más reconocido de Panton, fue su silla, la silla Panton, la primera que se fabricaba en una sola pieza, hecha en plástico. A pesar de ser un símbolo de los años 60, la silla Panton es un objeto totalmente atemporal, ya que se sigue usando para decorar diversos tipos de interiores incluso hoy en día.

• PHILIPPE STARCK

• IKEA

Postmodernidad1985-2005

31

En un mundo postindustrial, la técnica se vuelve un lenguaje autónomo y la forma es la puesta en escena de una representación funcional. Destaca la experimentación con nuevos materiales, ya que la gran diversidad de plásticos sumada a los grandísimos avances en las técnicas de construcción, permiten que pueda hacerse prácticamente cualquier cosa en serie.

INTRODUCCIÓN

El conocido exprimidor Juicy Salif de Philippe Starck. Resulta mucho más estilista que funcional.

Nacido en 1949, en París. Sus diseños combinan el arte clasicista y decó. Innovador en sus formas, con diseños irónicos y buen gusto. Sus objetos son además de un estilismo muy llamativo, pero que no pierde su funcionalidad.

PHILIPPE STARCK

Philippe Starck es uno de esos artistas que parecen haber estado en contacto con la creación desde la cuna y de los pocos que, a finales del SXX y principios del S.XXI ha conseguido innovar.

Starck es un hombre dedicado al diseño en todas sus expresiones, a pesar de que a él no le gusta hablar de “design”. Es la manifestación del polifacético y de la originalidad y ha conseguido dar un toque artístico a todo lo pensable, desde un restaurante a un exprimidor de zumo, pasando por un edificio lujosísimo. Así es él. El estilo de Philippe es minimalista, de últimas tendencias, pero tiene un toque bizarro, o si se prefiere “kistch”, que le confiere una línea muy personal y, sin duda distintiva. Además, su trabajo va en varias direcciones.

32

33

Los altavoces que ha diseñado últimamente Starck para la marca Parrot. Completamente estilistas, pero que sin embargo son muy funcionales puesto que el sonido se dispersa por todo el alrededor del altavoz

Se apropia de la tradición decorativa francesa, mezclada con la racionalidad de los maestros del movimiento moderno y el optimismo del diseño italiano. Diseña un sinfín de objetos, desde utensilios de cocina hasta barcos o interiores de restaurantes.

Destacan entre sus objetos, por ejemplo, el exprimidor Juicy Salif, que diseñó para la colección de objetos de cocina que sacó la empresa italiana Alessi, para la que también trabajaron otros diseñadores postmodernistas como Norman Foster o Frank Gehry.

Post

mod

erni

dad

Tienda Ikea. Todas las tiendas de la marca guardan una imagen corporativa unificada, pues ésta imágen bien podría ser del Ikea de Madrid que de uno de Japón.

Ikea vendía sus muebles por correo, por lo tanto se necesitaba diseñar muebles desmontados, que favorecieran su transporte, y que no fueran difíciles de montar, de manera que el usuario pudiera hacerlo por sí mismo sin tener que recurrir a ningún experto.

La verdadera innovación de Ikea fué:Crear con el conjunto de sus productos y sus catálogos, un mundo nuevo, sencillo, fácil de montar, sin pretensiones, bastante económico, coordinado, coherente y completo. A partir de los años setenta pasa de la dimensión virtual por correo al centro comercial. Transforma la venta en una experiencia.Modelo que combina el consumo y el ocio.

A principios de los 50, en Suecia. Kamprad empezó a vender mobiliario a bajo coste, al venderlo por catálogo y desmontado, de manera que el cliente debía montarlo por sí mismo a cambio de ahorrarse el dinero que costaría el mueble vendido en tienda ya montado. Sus muebles se diseñaban bajo un principio de correcto funcionalismo.

IKEA

34

35

Otro de sus muebles carácterísticos. En Ikea apuestan por diseños modulares que permitan gran flexibilidad a la hora de adaptarse a diferentes entornos.

Espejo ya clásico de Ikea. Como ejemplo de sus precios económicos, éste actualmente sólo cuesta unos 7€

A partir de los años 90, Ikea comienza a trabajar también con diferentes diseñadores, que van renovando los diseños de la empresa, pudiendo así ofrecer nuevas ideas para los entornos al público muy a menudo. Con ello se consigue que la sociedad de clase media pueda disfrutar de muebles con diseños innovadores a un precio razonable y moderado.

Post

mod

erni

dad

Toda la información de este documento ha sido extraída de Internet y de los PDF proporcionados por los profesores. All rights reserved.