Peinture - suicide nº 3, nº 5, 1987.Fotos Archivo DANAE.

Dibujos preparatorios, Sans Assurance, 1984. Foto: Archivo DANAE

Nació en Francia en 1887 y falleció en 1968. Su obra altera radicalmente el arte del siglo XX inventando, en los años 1910, el “ready-made”: una pieza que el artista encuentra en el centro comercial BHV de Paris, ya hecha y que selecciona por su neutralidad estética. Abre así el camino para enfoques de vanguardistas de los más extremistas. De todos los movimientos que utilizan objetos de la vida cotidiana, para sorprender como el surrealismo, para discutir, criticar, o evocar el consumismo como Pop art y el Nuevo Realismo, o para reconciliar el arte y la vida como Fluxus, él, es el responsable de que los grilletes de los psíquicos tradicionalmente empleados estallen y llega a ser posible utilizar cualquier objeto, con o sin tratamiento.

El círculo revelado por medio del “ready-made” no es sino un círculo de producción que no fabrica, ni más ni menos, objetos en serie por medio de los cuales se establece la sociedad de consumo. Este círculo es la producción de un sistema en el cual estamos todos incluidos: nosotros mismos somos un producto de este sistema. Esta nueva actitud artística transforma en su totalidad la estética occidental, hace avanzar y crear otro ser “reelegido” como forma de ser y de estar en la obra de arte.

Nació en Los Ángeles en 1912 y falleció en 1992. Nos hace descubrir que el sonido nos da información valiosa sobre lo que nos rodea, convirtiéndose en un elemento fundamental para nuestra supervivencia; tanto es así que interpretamos sus códigos y la información que nos envía del entorno de manera primordialmente inconsciente, por instinto, al punto que podemos reconocer el sonido del silencio: nota fundamental de su obra.

El ser humano, en su todavía corta existencia en este planeta, ha reconfigurado más rápido que cualquier otro ser vivo el paisaje sonoro de las zonas que habita. Estos cambios han sido graduales, pero, a medida que se ha ido avanzando en el desarrollo tecnológi-co, los cambios se han hecho cada vez más rápidos. Cage tomó conciencia de todo esto a principios del siglo XX y transformó la manera de sentir, de interpretar, así como de crear una gama de sonidos. Él fue uno de los artistas que hicieron la transición entre Dadaísmo y Fluxus, creó y obró con los diferentes artistas que han compuesto los dos movimientos más radicales del siglo XX.

Nació en Viena en 1886 y falleció en 1971. Pintor, fotógra-fo, poeta, escritor y crítico, fue un artista experimental permanen-te. Se trasladó con su familia a Berlín en 1905, donde conoció y trabó amistad con Johannes Baader, y juntos estarán en el origen del movimiento dadaísta berlinés. Como muchos de sus colegas, se orientó hacia un activismo sociopolítico, y con Baader fundó, en 1918, el Club Dadá y comenzó a escribir poesías fonéticas y poemas-afiches; realizó sus primeras performances, espectacula-res y escandalosas para el buen gusto del burgués bienpensante. Los collages y fotomontajes de Hausmann fueron innovadores en la temática, de fuerte connotación política y compromiso social, que lo condujo, junto con Hannah Hoch y Kurt Schwitters, a giras por Alemania y Praga.

Exiliado por el nazismo, se refugió en Francia (antes estuvo en Ibiza, pero huyó de la Guerra Civil española) y durante la II Guerra Mundial vivió en la clandestinidad, hasta que en 1945 retomó las viejas amistades y elaboró nuevos proyectos. Establecido en Li-moges, comenzó a los 59 años una obra importante, como la con-clusión de su novela Hyle, iniciada en 1926.

Nació en Filadelfia en 1890 y falleció en 1976. Una figura ex-cepcional, fascinante y desconcertante. ¿Qué era? Muchas cosas: arquitecto, pintor, diseñador, escultor, escritor, creador de obje-tos, ebanista, orfebre, cineasta y fotógrafo. Si bien su talento abarca muchos campos, su fama se debe a una amplia produc-ción fotográfica e innumerables imágenes publicadas en libros y revistas. Ante todo, era un investigador que utilizaba el “error” téc-nico para crear nuevas formas de representación.

En manos de Man Ray los sistemas fotográficos se convierten en un instrumento que conduce a nuevas formas creativas. Nos lo demuestran los numerosos retratos de amigos y contemporáneos dentro del panorama Dadá y Surrealista. Estos retratos de artistas amigos se presentan en el fondo de DANAE como seres humanos excepcionales únicos a los que se pueden llamar “obras de arte del siglo XX”. “El artista es la estrella que nos abre la luz”.

Nació en Nueva York en 1933. Integra seguridad y sistema, ruido-silencio y expresión, repeticiones e improvisaciones dentro de cuerpos de trabajo coherentes, los cuales son la continuación más alargada dentro de la que posiblemente es la última vanguardia. Todo objeto puede ser instrumento de creación si nuestra imaginación y potencial creativo interior se abren a dicha práctica. De esta manera, es el aprendizaje creativo el que ha hecho nacer la relación entre los dos.

Nació en Sauve, Francia en 1926. Quiere eliminar cualquier forma de talento para hacer surgir el genio de la imaginación in-agotable. Lo que quiere decir y transmitir de este modo, es que cada uno tiene su propio territorio y no debemos hacer referencia a una autoridad superior para formar una opinión.

Se interesó en varios proyectos de investigación, de los cuales uno trataba de aplicar los principios de lo “bien hecho, mal hecho, no hecho” a la creación permanente del universo, y al que él llamó “Investigación sobre el origen”. Atento a los intentos actuales para ligar la tradición con las ciencias, considera que el arte puede jugar un papel importante en ello. “Me importa poco que sea el sentido o el no sentido el que se beneficie de ello, yo aplicaría los principios de equivalencia en todos los casos”.

Nació en Cambridge, Inglaterra, en 1938. Desde sus inicios, diversificó su carrera artística en diferentes campos: poeta, músico, investigador a distintos niveles... Conoce a Hansen y a Brecht en las clases de Cage y funda, en 1965, la editorial Some-thing Else Press, donde se publica una treintena de obras. En su ensayo “Intermedia” 1966, define los diversos aspectos de ser Fluxus en la intersección de las disciplinas, híbrida y nómada.

Nació en Antwerp, Dinamarca en 1940. Pionero del arte parti-cipativo y uno de los principales exponentes del Mail Art (Arte Postal), comienza su carrera artística en 1961 con obras tanto in-dividuales como colectivas, distribuidas por toda Europa, Estados Unidos, Canadá y Japón. A través de su trabajo, explora el concep-to de “micro-ambiente” en relación con la idea de comunidad. Se manifiesta en una multitud de acciones dispersas donde es imposi-ble extraer un estilo, una identidad, jugando con múltiples soportes (cintas, películas, espejos, videos, papel, libros, partituras, instala-ción...), lo que es la esencia misma del principio de Fluxus: abolir el yo y el ego omnipotente del artista.

“Vosotros sois libres para tirar con arco. Pero habéis de considerar que hay que elegir el talón izquierdo o el derecho, así como el número y los colores de las flechas. Si os decidís a tirar, elegid una persona específica, nosotros mismos, un hombre o una mujer, o simplemente alguien que conozcáis”.

Nació en Krefeld, Alemania en 1921. Su obra tiene un lugar muy particular en la historia del siglo XX. La obra da nacimiento a una imagen que el mundo exterior le transmite y que el artista lleva en él mismo, dando sentido a la comunicación, a la circulación de ideas y a los códigos del lenguaje, y que instituye una forma de ser por el medio del cual las imágenes se proyectan sobre las cosas de la vida. Muy a menudo se hablaba de Beuys como de un chamán: poseía no sólo el culto de la naturaleza, sino también el encanto, el magnetismo más allá de sus propias acciones y de las muchas participaciones con los artistas de Fluxus.

Su papel, nadie lo contradice, fue de fundamental importancia durante los años setenta. Figura emblemática como hay muy pocas en la historia: Picasso, Joyce, Artaud, Klein, Cage, Godard, Dalí.

Nació en Atlantic City, New Jersey, en 1927. Fue el fundador del Happening en América, a finales de los años 50. Inventa la supe-ración del teatro y de la exposición gracias a los “environments”: ambientes efímeros donde hasta el mismo público perdía su estatuto de espectador para convertirse en participación viva de la acción, con su consentimiento o sin él. Una nueva experiencia radical transforma el arte en campo de experiencia común. Dedicó su tiempo a experimentos participativos en forma de experiencias colectivas en talleres de trabajo en Estados Unidos y Europa. Para él, la experiencia siempre prima sobre el resultado.

Nació en Nueva York en 1933. El proceso de acciones performance de Alison Knowles transforma el sentido clásico del arte por su utilización al poner en práctica los diferentes sentidos del espectador en acompañar la observación, el tacto, el oído o el gusto, abriendo una nueva manera de reconocerse como espectador frente a la obra de arte, implicando una participación directa a cada una de sus intervenciones. Los objetos son útiles de la vida cotidiana, útiles ordinarios, útiles abandonados... siempre acompañados de un tipo de judías.

La cultura comienza con una realidad cotidiana que inicia con “lo crudo y lo cocido”, decía Levy Strauss. Ella utiliza lo cotidiano, así como los primeros gestos de lo que hoy definimos en la tradición occidental como “cultura”.

Nació en Pisen, Checoslovaquia, en 1940. Fue declarado responsable de Fluxus Este, pero ya antes de entrar en contacto con este movimiento había encontrado su propia vía (multiplicaba las acciones urbanas absurdas en Praga) en los años sesenta. Al final de esta década, inventa su concepto de “broken music” (un disco roto y pegado produce nuevos sonidos, un tipo de collage sonoro en bruto); de ahí nace una multitud de transformaciones de formas plásticas y musicales.

Nació en Kaunas, Lituania, en 1931. Fundador del movimiento internacional Fluxus, fue su teórico y principal organizador desde 1961 a 1978, año en el que fallece. Quiso trastocar el arte de su época y mover todos los valores transmitidos y admitidos, para in-augurar (o hacer resurgir) un arte lúdico fuera del espectáculo y del mercado. A través de sus publicaciones, en principio limitadas (en las cuales concibe el diseño gráfico, sus cooperativas de artistas, sus festivales y sus banquetes, sus proyectos de arquitectura, y su sueño permanente de un gran Centro Intermedia Fluxus), lucha por las artes aplicadas en la vida cotidiana.

Partidaro de lo lúdico y lo anónimo, en la tradición del vodevil y el carnaval, se opone a toda sacralización del arte. Inventa formas de reunión de grupos, por eso da una importancia primordial a los encuentros y festivales.

Nació en Greenville, Carolina del Sur, en 1925. Es el poeta que atraviesa, riendo, todos los enfrentamientos y afirmamientos, y asegura que Fluxus se inicia en 1978, cuando su fundador, G. Maciunas fallece. Se convierte en primer editor de la antología de poesía concreta en Something Else Press. Su autobiografía, publicada en 1966 por Thames and Hudson, da una visión muy vivaz y graciosa de la aventura Fluxus.

Sus publicaciones, sus traducciones, sus poemas, sus poemas performances o sus cuadros poemas, hacen de él una figura calurosa y resplandeciente: la de un explorador de otro lenguaje de signos, de un inédito teatro de signos en la intersección de los gestos, las imágenes, los colores y las palabras.

Nació en Leverkusen, Alemania, en 1932, falleció en 1998. Vostell es en sí mismo un movimiento perpetuo: no cesa tanto de moverse en el espacio como de transformarse desde sus acciones de “décollage”, sus happenings y sus actividades en Alemania, hasta la fundación de su propio museo y sus archivos Fluxus, asumiendo los papeles de director-fundador del museo y archivero como funciones creadoras.

Representa la antítesis de Maciunas y Brecht, ya que se orienta hacia lo maximalista (aunque con numerosas inclusiones como minimalista). Una obra única, irreductible, no reproducible, pero perfectamente teorizable. Vostell, entre Kaprow y Maciunas, simboliza la unión de Happening y Fluxus en Europa. Artista visual y sonoro, intermedia dentro del mercado del arte, pero también mucho más allá, verdadero utópico y primer constructor de herramienta colectiva fuera del sistema de museos. Tanto Maciunas como Vostell tienen una primera formación en las artes plásticas, pero su desarrollo es aparentemente contrario, aunque se trate de dos utópicos. Maciunas se inclina hacia lo minimalista; Vostell, hacia lo maximalista.

Nació en Hannover, Alemania en 1930. Su obra tiene el sentido de la urgencia, de transformar la visión y dar sentido a la realidad tal cual. La realidad y el humor hacen un dúo caótico, tanto brutal como cruel, tanto decisorio como deleitante. Es el artista tanto determinado como multifacético y generoso. La siguiente frase, que escribe en sus años de juventud, traza ya lo que va a ser su obra:

“Desde mi nacimiento en Alemania, mirando a mi alrededor, he visto que el mundo no estaba sólo contra mí, sino también contra los humanos como yo, esos débiles, locos que lanzaban las bombas del cielo, alemanes, ingleses, americanos. Todos estaban sedientos de sangre en la época de mi primera infancia. Los rusos, asesinos de primer orden, los italianos, polacos, una banda de monstruos asesinos, tan horribles como sus inventos y sus imaginaciones... ese todo era donde mi universo se despertaba”.

Nació en Nápoles en 1935. Abolir el yo y el ego omnipresente del artista es su gran obsesión. Vive en Niza y es el principal propa-gador de Fluxus en Francia, convertido en figura emblemática de cierto estilo de acción. Desde hace más de treinta años, afirma la necesidad de lo nuevo y la originalidad a través de sus escritos, sus películas, sus acciones, sus intervenciones en todos los órdenes. Muy cercano a Maciunas, a quien invitó a Niza en 1963, comparte con él la idea del arte como proceso a un mundo donde todas las diferencias serían igualmente reconocidas en una sociedad lúdica, donde cada instante se volvería creativo.

Daniel SPOERRINació en Galati, Rumanía, en 1930. Comienza su carrera en Suiza haciendo danza, mimo y teatro experimental, y allí funda en 1959 una revista de poesía experimental: Material. Con Claus Bremer, publica en su revista la primera antología de poesía concreta, antes de conocer a Emmett Williams. Con Ediciones MAT, emprende la primera edición de objetos de arte. En 1960 inventa los “Tableaux-Pièges”, completa renovación del collage, y abre, en la galería de Koepche, una boutique de arte siguiendo el modelo de una tienda de ultramarinos, con comestibles y sus precios, pero con la etiqueta “Peligro, obra de arte”.

Esther FERRERNació en San Sebastián en 1937. Para Ferrer, tanto el performer como el espectador realizan la acción. Ella sitúa la performance como hilo conductor de su obra y la define como el arte de la presencia, del espacio y del tiempo medidos en términos reales. El cuerpo, nuestro cuerpo es portador de formas. Nuestro cuerpo lleva objetos, del mismo modo que formas de vida, que nosotros no hemos fabricado, ni decidido, ni pensado, ni siquiera reconocido en nuestra conciencia: perchero, botellero, etc... cuyo interior se ha vaciado.

MATSUTANINace en Osaka, Japón, en 1937. Es uno de los principales artistas que hicieron conocer en Europa el proceso de una acción Gutai participando activamente en su desarrollo. En 1966 gana el premio Mainichi Art Competition, organizado por la Asociación Franco-Japonesa para el Arte Contemporáneo, y obtiene también un reconocimiento en Francia. Se instala en París en noviembre de 1969 y trabaja en el Taller 17 con S. W. Hayter, de quien será asistente hasta 1970.

Actualmente vive y trabaja en París. En Artransmedia 2002 presentó dos instalaciones en las que combinaba materiales como el nailon, el acero y la tinta negra, omnipresente en su trabajo.

“No se sale indemne de un encuentro con la obra de Matsutani. Su poder y su talento nos conducen hacia verdades primordiales con el mínimo de palabras. Sin representarlo jamás, sitúa no obstante al hombre en el centro de su reflexión, para darnos una lección de sabiduría y humildad”. Françoise Bataillon, 1985

Sol LEWITTNació en Hartford, Connecticut, en 1928. En 1965 comenzó a realizar sus esculturas de cubos abiertos, hechas con barras de aluminio esmaltado, en las que trata la sencillez estructural de tal modo que hace que sea el espectador quien interrelacione las formas para obtener una visión propia de la obra.

Empezó a hacer dibujos sobre pared en 1968, que consistían en formas geométricas como cuadrados dentro de otros cuadrados o triángulos contiguos, así como en composiciones de franjas de colores alternados. La importancia de estos dibujos sobre pared radicaba en que podían hacerse, borrarse y rehacerse siguiendo las instrucciones del artista, independientemente de su participación directa. Eran el reflejo de la afirmación de Lewitt de que “la idea del concepto operacional constituye el aspecto más importante de la obra” y que “la realización es un asunto superficial”. Es considerado como el máximo exponente del Minimalismo y el Arte Conceptual.

Claude RUTAULTNació en Trois Moutier, Francia, en 1941. Una tela pintada del mismo color que el muro sobre el cual está colgada constituye una realidad inmediatamente perceptible por lo que es ella misma. No es más que la pintura sobre una tela, no existen formas que puedan conocerse, sin figura, sin punto de referencia fijo, no existen signos identificables. Esta obra visible instantáneamente juega con el tiempo y el espacio. A cada cambio de muro o de color es necesario pintar de nuevo la tela. El tiempo no es más que un proceso a seguir. No existen más problemas de restauración, una mano de pintura y basta. Un toque de pintura equivale a un “coup de jeunesse” (un rejuvenecimiento), y se acaban tanto los problemas de seguros como de transporte, es la anti-Gioconda

Laurence WEINERNació en Bronx, Nueva York, en 1940. El interés de las piezas de Weiner reside en que dejan a quien las observa libertad para imaginar, para interpretar a voluntad las proposiciones enunciadas. Lo dejan para producir o no la obra en sí misma: ésta, en efecto, puede consistir en su simple enunciado, o puede ser realizada por el artista o por quien la tenga a su disposición para utilizarla.

La pieza IN and OUT: el visitante entraba en la boutique (in), hacía el recorrido por las secciones buscando en vano un indicio y terminaba saliendo (out). Generalmente, era en ese momento cuando se daba cuenta de que acababa de encarnar, por su desplazamiento, su versión personal de la obra en sí misma.

Daniel BURENNació cerca de París en 1938. Se le considera un minimalista abstracto, y se le conoce sobre todo por el uso de rayas de gran tamaño regulares y contrastadas para integrar la superficie visual y el espacio arquitectónico. Su preocupación principal se sitúa en “la escena de producción” como una manera de presentar el arte y el proceso. La obra es una instalación específica para un lugar , relacionándose con su ambiente en contraste con las ideas prevalentes de una obra de arte que se sostiene sola a sí misma.

Andy WARHOLNació en Pittsburgh, Pennsylvania en 1928, y falleció en 1987 en Nueva York. Dió a la cultura popular un auténtico giro consiguiendo que los elementos de consumo se convirtieran en arte; lo que permitió la creación del Arte Pop (arte del pueblo). Así surgen sus primeras serigrafías de la sopa Campbell, las botellas de Coca-Cola, envases de jabón, latas de conserva, personajes de cómic o mitos eróticos como Marilyn. Warhol aplica la serigrafía utilizando el medio de reproducción por el cual la obra ya no es un objeto único, es un objeto en serie y refleja a través de la creatividad el espíritu del pueblo. Queda para la historia como uno de los grandes artistas que marcó el siglo XX.

CHRISTO y Jeanne CLAUDEChristo nació en Bulgaria y Jeanne-Claude en Marruecos, ambos en 1935. Abren a la creación del siglo XX una nueva línea de acción en la cual tanto la obra como la actitud creativa del artista son correlativas la una de la otra. Esta nueva actitud se abre de una manera operacional desde los años 60. Los proyectos llegan a ser operacionales a partir de lo que se puede llamar una “empresa de creación”: la venta de los bocetos y dibujos del proyecto, modelos a escala del espacio que la obra va a desarrollar, va a servir para la creación de una investigación sobre el espacio que acoge la obra. Las personas que intervienen se implican en la obra y vienen a formar parte de toda la acción que se va a desarrollar en el espacio.

La creación desarrollada nos dice que es necesaria una actitud artística que aborde proyectos que tienen, en el fondo de lo operacional propio a la obra, una demarcación que constituye por medio de su proceso de “empresas de creación”, lo que genera la implicación de un número de responsables en política, economía, cultura para participar en su proyecto de creación transdisciplinaria, dónde el artista es el mediador de un operacio-nal de la creación artística.

La palabra nace de las ideas de la Revolución Francesa y se quiere referir sobre todo a las personas o a las obras que son experimentales, innovadoras, en particular en lo que respecta al arte, la cultura y la política.

El espíritu vanguardista nace ya en el siglo XIX, este sentido ya había sido evocado por Henri de Saint-Simon quien puede considerarse como el primer teórico de la sociedad industrial. Su alumno Benjamín Olinde Rodrigues en su ensayo: “L’artiste, le savant et l’industriel”, 1825, contiene el primer uso registrado de la palabra “Avant-garde” en su sentido ahora habitual: Benjamín Olinde Rodrigues pide “al artista, al científico y al industrial, servir como el vanguardismo de la gente”, insistiendo en que “el poder de las artes es de hecho la forma más inmediata y rápida para la reforma social, política y económica.”

El pensamiento de Nietzsche a finales del siglo XIX, creó la aparición de una transformación total del pensamiento humano occidental, lo que afecta muy en profundidad toda conciencia creativa, lo que abre un desarrollo creativo que propone una interpretación nueva en el conjunto de la realidad social, proclamando el eterno retorno a la vida de ser creador, abriendo así el desarrollo creador del hombre. No es ninguna casualidad que el surgimiento de los vanguardismos artísticos tanto filosóficos como literarios del siglo XX esté relacionado íntimamente con el periodo de mayor intensidad: guerras o movimientos ideológicos que conmovían y creaban una gran crisis social. Fase ideológica, en definitiva histórica, del siglo XX : el periodo que va desde la Primera guerra del 14 al inicio de la Segunda en 1939. El vanguardismo se manifiesta particularmente en el siglo XX a través de varios movimientos que, desde planteamientos divergentes, abordan la renovación del arte o la pregunta por su función social, desplegando recursos que quiebran o distorsionan los sistemas más aceptados de representación o expresión artística, en teatro, pintura, literatura, cine, arquitectura o música, entre otros.

El principal objetivo del proyecto “Vanguardias Siglo XX”, es abrir al público, por medio de imágenes, textos y obras, vivencias de épocas complejas dentro de la sociedad. Obras experimentales que venían a reflejar a través de la creatividad, el espíritu de lucha, de combate y de confrontación de una conciencia de los artistas del nuevo arte del siglo, que se oponía frente al llamado arte decimonónico o académico: Dadaísmo, Futurismo, Impresionismo etc... A partir de los años 50 las vanguardias como Land Art, Fluxus, Arte Povera, Arte Minimalista, Arte Conceptual o Arte Pop, ya no son vanguardias tan organizadas y jerárquicas. Ya no se manifiestan las frases o los textos solamente contra un orden

ideológico establecido. Aparece un sentido de afinidades elevadas sobre todo alrededor de un sentimiento compartido sobre la coincidencia absoluta del arte y la vida: la obra de los artistas que participan al proyecto “Vanguardias Siglo XX” lleva en si una actitud de fondo. Para dichos artistas la obra, el arte, no serán privilegiados, no más que un lenguaje u otra expresión creativa del ser humano. Es una adhesión reciproca del arte y la vida.

Estos movimientos marcan el principio de una nueva forma de creación que se apoya sobre la realidad para revolucionar la forma de un saber y de un ver de la sociedad, método que rompe con la forma convencional. Reflexión misma , para así fijarse en la vida real. A partir de la aparición de las vanguardias ya no podemos considerar los términos arte y estética por separado, a partir de dichos movimientos el significado de la obra remite a la parte existencial del contexto social.

Por lo tanto, no es posible preguntarse por el significado de una obra si no se lo ubica en una forma de actuar determinada en relación con una forma de vida-acción así mismo determinada. Además, los extremos de esta relación interactúan entre sí. Las obras no hablan de ética y estética, sino de ética y arte. Las vivencias del arte unidas con la ética se conjugan en una forma de vida-acción en la cual se encierra la estética como la ética y es entonces cuando la experiencia estética es el fundamento mismo de la creación artística, “que la máxima de tu conducta oriente tu acción, tu ethos, en relación, a esa condición fronteriza que constituye tu propia condición humana”, L. Wittgenstein, (Tractatus, 1929).

El pensamiento filosófico del siglo XX

Foucault, Heidegger, Morin, Deleuze y los demás, consideraron que era indispensable hacer referencia a la relación vida-acción. Foucault habla de “hacer de la vida una obra de arte” y fue sobre todo él uno de los que han renovado de forma más profunda la imagen del pensamiento.

Imagen que tiene niveles diversos, según las capas y los diferentes campos sucesivos de la filosofía y de la estética del siglo XX. Esta idea sufre la misma suerte que algunos de sus conceptos más importantes y, con toda certeza, más fructíferos para la esfera artístico-estética, como el de “forma de vida”: la vida como forma de arte.

Acindino Quesada, Director de la Fundación DANAE

Creación TransdisciplinariaEl Vanguardismo, o “Avant-garde”

Proyecto DANAE, 1988: Espaces affranchis. Fotos: Archivo DANAE

Cuadro-poesía, 1970. Foto: Archivo DANAE

Obras de Arte Siglo XX, A. Quesada (collages sobre fotos de Man Ray).Libro de artista, 1986. Foto DANAE

Pièces du réel-rythme, 1986: L’espace - le temps. Foto: DANAE

M.Duchamp, 1960. Porte-bouteilles, 1914, Fotos: Archivo DANAE

Recherche sur l’origine, Galerie légitime, 1962. Fotos: Archivo DANAE

COE-LCM, 1986. Foto: Archivo DANAE.

Routine, Proyecto DANAE 1988: Espaces affranchis. Fotos: DANAE

Haricots et objets du réel, 1984 - A. Knowles Fotos: Archivo DANAE

Art-Attitude y Libro de artista, 1988. Fotos: Archivo DANAE.

L’artiste et le spectateur, 1988: Espaces affranchis. Fotos: DANAE

Sin título, Artransmedia 2002 Gijón, España. Fotos: Archivo DANAE.

Cojones de toro al aroma de Jeréz, 1988. Fotos: DANAE y José Ferrero

Pont Neuf Empaqueté, 1975 - Umbrellas, 1987. Fotos: Archivos DANAE

Obras de Arte Siglo XX, A. Quesada 1975 (collages sobre fotos pintadas por Andy Warhol). Fotos: DANAE

Resolución del espacio, 1985

Made to appear as, 1984: Sans assurance, Francia. Foto: DANAE

Acción en Ubi Fluxus ibi motus, 1990, Venecia. Foto: F. Garghetti. Intervención, performance Dusseldorf, 1979. Foto: José Ferrero Minuto, 1988, DANAEAutofaht nº 1, 1979. obra musical de D. Roth y Bjorn Roth. Foto: DANAE

Marcel DUCHAMP

John CAGE

Man RAY

Philip CORNER Eric ANDERSEN Allan Kaprow

Dick HIGGINS

Robert FILLIOU

Joseph BEUYSEmmet WILLIAMS

Raoul HAUSMANN

Milan KNIZAK

George MACIUNAS Wolf VOSTELL

Dieter ROTH

Ben VAUTIER

Alison KNOWLES

Libros de artista, 1978. Espaces affranchis, 1988. Fotos: Archivo DANAE

An Anthology, 1963. Pelle á braises, 1960 cortesía de Samuel Leroux Fotos: DANAE

Creación Transdisciplinaria

Albert Einstein, 1999. Foto: Archivo DANAE

Sin título, 1975. Fotos: Archivo DANAE

Toi et Moi, 1999 homenaje a DANAE. Fotos: DANAEIntervention, 2004. Fotos: Archivo DANAE

Tractatus Post Historicus, 1986. Foto: Archivo DANAEAccumulation, 1968. Foto: Archivo DANAE

Les yeux, 1979. Fotos: Archivo DANAE

Nació en Barcelona, en 1942. “Yo no hago más que incorporar ciertos valores sociales e históricos de ese lugar para sacar el valor de lo que yo hago. Yo realizo una obra para comprender, dado que soy muy curioso por naturaleza. Yo reorganizo las cosas, reemplazo y cambio el contexto; esto, en muchos casos, toma la forma de una crítica. La instalación realizada en DANAE en 1986, Dos paisajes, es uno de los ejemplos. Hago la pregunta qué es más importante, los postes que conducen la comunicación o la comunicación originada en el espacio de creación de DANAE”.

La “transterritorialización”, los “paisajes de los medios”, la “frontera entre límites”, las actitudes de “ecología de los medios”... constituyen dispositivos que marcan y que nos hacen ver que existen actitudes y comportamientos, como los de Muntadas, que encajan con las visiones interrogativas del futuro frente a opciones de rápida progresión o de puro inmovilismo.

Nació en Gallipolis, Ohio, en 1950. Jenny Holzer se ha situado en la vanguardia del arte norteamericano durante la década de los 80, alcanzando gran reconocimiento internacional. Desde sus comienzos tomó el espacio urbano como marco para sus obras, presentadas en formato de letreros electrónicos, spots televisivos, carteles en la vía pública, sitios web y proyecciones de textos a gran escala. El lenguaje es su material fundamental, recurriendo a estrategias de la cultura de masas para explorar cómo acceder directamente al gran público, con temas universales como la intimidad, la decepción, el racismo, la muerte, la guerra o la miseria.

Holzer ha hecho proyecciones luminosas de textos propios en forma de aforismos en distintas ciudades del mundo. En Londres presenta en diversos edificios varias obras que harán las veces de pantallas gigantes. La carretera, paseos públicos, lugares escondidos y muros de edificios son el soporte de su obra.

Nació en Jarnac, Francia, en 1950. “Los objetos de la cotidianidad de una sociedad de despilfarro aparecen en mis obras bajo forma de instalación. Yo los empleo para hacer reaparecer las figuras que trabajan para hacer desaparecer la injusticia y las diferencias que crea nuestra sociedad”.

Nació en Mégrine, Túnez, en 1944. La comunicación escrita es el soporte plástico de su obra. Hace de la prensa cotidiana la base de formas, todas circulares, las cuales retrabaja y plasma en ellas una poesía viva, que se toca, que se lleva más allá de la vista. Observar y tocar son los dos conceptos clave de su investigación. Este proceso hace que el texto sea una rotación continua en el pensamiento y la lengua, se puede decir que él inventa la emergencia de una imagen, y que ésta actúa como un manantial alrededor del cual gravitan la poesía y la vida

Nació en Recife, Brasil, en 1971. “Yo no desarrollo el campo cerrado del concepto único como devenir propio de la experimen-tación, más bien al nivel de una condición múltiple en la cual hay y existen experiencias mutuas, cada una conceptualmente propia a sí misma, pero que guardan una unidad al mismo tiempo que en sí mismas son diferentes (el color puede ser uniforme en la forma, pero con una diferenciación interior, que es y tiene un contenido propio en sí mismo)”.

Nació en Tenerife en 1952 y falleció en 2005. Fue profesor de Arte de Acción y Nuevas Tecnologías en la Universidad de Salamanca, donde también prosiguió con su actividad de gestión hasta que sus problemas de salud le apartaron de la cátedra. Artista multimedia, capaz de aprovechar las posibilidades abiertas por las nuevas tecnologías en beneficio de un proyecto estético donde la acción de su cuerpo en el espacio era el principal medio de establecer relaciones inéditas consigo mismo, con los otros y con las tensiones y conflictos que tienen lugar en esa frontera inestable donde el arte siempre se topa con la vida.

Figura emblemáticas del Arte Conceptual y el Media Art en España y nombre indispensable, a la hora de entender la incipiente escena de arte independiente en el Madrid de los últimos años de la década de los ochenta y principios de los noventa. El artista más genial de finales del siglo XX en España, difundió la transdisciplinariedad en la creación artística, e hizo de su cuerpo una verdadera obra de arte. En los años ochenta interviene en varios países de Europa. Presenta un trabajo de investigación en Documenta de Kassel y toma parte en el proyecto El Espacio-Tiempo, organizado por DANAE en 1986.

Nació en Niza en 1929. Formará parte del movimiento nacido en Niza de Los Nuevos Realistas. Su proceso de creatividad comienza después de haber realizado cursos en la Escuela de Bellas Artes de París y una vez obtenido el diploma de la Escuela del Louvre. La obra de Arman comienza con una toma de conciencia de la “facilidad de toda pintura de caballete”, e inicia una aventura centrada sobre el objeto de la realidad cotidiana.

Empieza fijando sobre telas de lino la traza de sellos, de letras de imprenta; comienza un proceso de crítica con todo aquello que certifica un acto. Los objetos son así lo que le permite alumbrar un proceso de creatividad que se proyecta de una manera violenta sobre lo que era el soporte de la pintura. La obra se presenta bajo el signo de “Colère des Objets” (cólera de los objetos), o como “Colère de Arman” (cólera de Arman).

Nació en Milán en 1925. En la década de 1950 iniciaba su carrera con una pintura con carácter expresionista, dominada por colores violentos. Después trabajó con objetos recogidos en la basura, como botellas, vasos, paraguas o televisores, (cosas pobres), iluminados por tubos fluorescentes que transformaban los colores de los materiales y resaltaban sus texturas más inapreciables (Nella strada, 1967). Mientras en Francia se gestaba el movimiento activista que daría origen a la revolución cultural de Mayo 68, artistas de todo el mundo tomaban conciencia de que su obra ya no era un objeto único y que representaba un instrumento crítico, un arma de protesta y una forma de revelación ante lo establecido. Este período efervescente daba lugar a una cultura alternativa que se manifestaría en el Arte Pop en Estados Unidos y en Europa, particularmente en Italia, donde surgían las primeras connotaciones de lo que más tarde junto con Germano Celant se conocerá como Arte Povera.

Nació en Québec, Canadá. “Mi investigación artística ha evolu-cionado en el contexto norteamericano de los años 80, marcado por las influencias residuales del Minimalismo, Postminimalismo, Land Art y la Escultura Comportamental, donde las nociones de teatralidad, el Maximalismo y la experiencia sensorial se imponen como valores contextuales, mis instalaciones tienen por origen la creación de objetos en serie surdimensionados”.

Este recorrido de la creación de objetos y de la puesta en escena del espacio, nos lleva a la pregunta del destinatario y del sentido de la obra que sitúa al espectador en el centro de ficciones dramáticas o poéticas.

Nació en Marsella, Francia en 1921 y falleció en París en 1998. En la vanguardia del Nuevo Realismo. Creador de las “Compresiones” radicales con automóviles condensa-dos, metales o desperdicios para crear inquietantes representaciones, realizó también “Extensiones” de esculturas en espuma de poliuretano y “Representaciones” de animales e insectos fantásticos con coladas de resina plástica de poliuretano líquido.

Nació en Alès, Francia, en 1942. Es uno de los principales componentes del grupo Support Surface, que inauguró una acción muy ligada tanto a la literatura de la etapa de los años 60 como a los movimientos políticos reivindicativos de una cultura abierta, generada por una creación artística real y dentro de un marco de comportamiento y de acción que llevaría a una implicación del artista más directa y activa en la sociedad.

En esta época, la obra de Daniel Dezeuze salía del suelo, y sus instalaciones estaban impregnadas de una materia también relacionada con la realidad del suelo. “Sería necesario escribir una historia del fracaso universal, del principio de la creación hasta nuestros días. Los gnósticos del principio de la era cristiana, que tenían una interpretación original de la Génesis, demostraban cómo el Creador se había retirado de esta mala operación, dejándonos en manos de Demiurgo. Una génesis mal comenzada tenía fatalmente resultados genéticos totalmente negativos. ¿La evidencia gnóstica no se está revelando realmente ante nuestros propios ojos? ¿No nos aclara todas las manipulacio-nes cromosómicas actuales, las cuales dan los resultados aberrantes que sobrepasan ya nuestra imaginación?”

Nació en Sarajevo en 1948. Trata interrogantes relativos a la celebridad, al anonimato, al azar, a la necesidad que de una manera o de otra tienen lazos con la historia. El sujeto principal de sus últimas investigaciones es la historia relacionada con la ciencia y con un presente. Hace referencia a aquello de lo que la historia no nos informó, no puso o no introdujo en sus reglas de valores. Introduce así sujetos de los cuales la historia del arte no habló: un valor de representación histórica ignorado y mal definido, sujetos permitiéndole decir que la “narrativa histórica” es relativa, más bien no verídica.

El artista tiene una mirada en la filosofía, en la realidad, en la política y en la religión. Destaca del fondo de su proceso, una visión intuitiva que no esconde la verdad. La actitud del artista que se manifiesta en estas obras es la del que se opone a todas las teorías del darwinismo.

Nació en Nueva York en 1930. En 1968, en EE UU, se edita The Xerox Book, una publicación colectiva y una referencia dentro de cualquier perspectiva histórica sobre el copy art. El artista americano Rol V. Bergman, en los años 70, hizo de las fotocopia-doras un instrumento de creatividad, desarrollando con los nuevos medios otra aplicación de éstos y cambiando en cierto modo tanto los procedimientos como las formas y los contenidos. Una actitud nacida en los años 60, en el momento más clave de la sociedad de consumo del siglo XX.

Nació en Nueva York en 1940. Es un artista y poeta un cultivador del arte corporal como máquina de fabricar el arte. En su faceta de provocador expone su propio cuerpo ocultando el pene entre las piernas para aparentar un cuerpo femenino. En el ejercicio del acto de la visión y que es visto, explora la opinión intuitiva con la concentración intensa.

BLINDFOLDED: él está parado contra una pared, se ata de nuevo a la cámara fotográfica; los focos de la cámara fotográfica, en su cuello; el cámara dice: “Estoy mirando fijamente la parte posterior de su cuello derecho”. El recorrido iniciado revela lo visto y lo vivido, en el recorrido identifica el espacio... revelación del cuerpo y sus implicaciones...

Nació en Nueva York, en 1940. Su investigación está en relación con la cosmología, lo que hace que su creación tome variantes transdisciplinarias. Trata el origen del espacio, y en este proceso descubre y relaciona cada punto como un todo. Emplea la luz y crea la metáfora entre la luz interior de cada ser, estableciendo una relación con las luces que nos rodean en el universo, y donde cada ser lleva su luz.

Nace en Jarnac, Francia, en 1949. “Routopia” es uno de los proyectos más importantes: permanece durante varios días junto con los camioneros que hacen transportes entre Francia y Noruega; vive esta experiencia y se identifica con los almanaques que están siempre situados en las cabinas de los camiones: “Mi intervención era para reunir una documentación de lo vivido y que luego presentaba como instalación”.

La artista desarrolló otros proyectos sobre la condición femenina, tales como exponer su cuerpo desnudo durante varias horas en el interior de un supermercado. El medio ambiente es una parte muy importante dentro de toda su investigación. Un árbol muerto lo relaciona con la obra de Mondrian; es así como el espacio-tiempo entra en la obra como relación que transpone la relación compleja que existe entre lo humano y el universo. En 1992 reside en DANAE durante un año, donde realiza varios proyectos, entre otros, el Árbol de Piet Mondrian.

Nació en Peace River, Alberta, Canadá en 1955. Sus obras tienen un cariz altamente personal, gracias al uso de materiales, luces y formas innovadoras que crean su propia visión de la obra de arte. “No se trata de hablar del espacio y de la luz, pero sí de hacer que hable el espacio y la luz que está allí”, dice Merleau-Ponty. En este proceso se plasma el desarrollo su obra.

“Un halo azulado se empareja con un gran papel flotante suspendido ligeramente por encima del suelo. Esta chapa de algodón pulverizado se llama malstrom. La fibra del papel nos deja descubrir a través de su trama transparencias irregulares. En esta espiral, las alusiones a lo aéreo pero también a la fluidez y a un universo hirviendo se acercan de los primeros elementos. El microcosmos se une al macrocosmos.” René Viau 2011.

Nació en Saint Etienne, Francia, en 1947. Ella es la propia, única y sola obra de arte. La gran artista del performance hace de su cuerpo algo que va más allá de la propia performance, el “objeto” del arte es ella misma. Y su vida, como diría Foucault, se presenta así, como una obra de arte.

Ella misma “se da vida” a través de transformaciones performáti-cas donde su cuerpo es el espacio vital y entrañable para modelar(se), para reensamblar(se), para reconstruir(se), para diseñar(se) en libre albedrío, en contra de las imposiciones estéticas con lo que la sociedad de consumo tortura a las mujeres, a través de modas, como procesos dolorosos y humillantes. Orlan muestra una gran lucidez y no se limita a hacer de su mente, como de su cuerpo, una “vie-sible” realidad del ser, como de sí misma.

Nació en Nerac, Francia, en 1957. Algunas de sus obras más particulares fueron aquellas creadas en los años ochenta que se presentaban como pequeñas esculturas de una arquitectura preciosa, tanto por los materiales que las constituyen como por su fragilidad. El artista crea, en interacción con larvas acuáticas, y así realiza construcciones con materiales como oro, perlas preciosas, rubíes. Los animales construyen así su protección del cuerpo y se desplazan con ello, justo hasta su metamorfosis en mariposas de noche.

Según Guy Tortosa, la escultura es aquí “viviente, orgánica, minúscula, multiplicable a voluntad”. En el plano arquitectural, “la adecuación de la forma y de la función imponen esta construc-ción, el arte es aquí como la materia misma de la arquitectura”.

Nació en Isère en Francia, en 1957. Es uno de los artistas actuales que investigan sobre el espacio, el tiempo y el movimien-to como proceso de creación. Aplica aspectos que el arte-luz no ha tocado y que reposan sobre el aspecto emocional de la luz, después de lo intencional, donde el aspecto de la mirada no puede repasar lo simbólico-clásico de la luz, que no aclara más que un aspecto del sujeto presentado.

Pone en relieve tres situaciones y aborda “el territorio de las prácticas”. El hoyo negro dentro del cual la espera se encuentra, se aclara, desde el momento que el cuerpo mismo hace desplazamiento en el espacio. Ese cuerpo, nuestro cuerpo, no es un centro, es una periferia de la espera, “territorio de la puesta en relatividad al punto de vista”, una nueva cartografía se diseña y es puesta en práctica.

“En todo el proceso de investigación como de comportamiento en tanto que artista, después de haber estado dentro del mercado del arte en América y Europa, he decidido hacer mía la frase de Michel Foucault”: “¿ Por qué una obra material se le considera obra de arte y no a la vida propia del individuo ?”

Los humanos que hacen la unión de lo que es creatividad y que la desarrollan como contenido de una experiencia vivida se implican en un fin que no puede desarmonizarse ni separarse del fin principal de la creatividad: la creatividad está compuesta de la unidad de seres que la conjugan, la hacen ser el fin más precioso y armonioso de la humanidad, y eso es “crear juntos”. La revolución de la plástica no está en la separación de movimien-tos, de doctrinas, escuelas, ni valores económicos. Está en la evolución que esto produce, se centra en una acción que revoluciona las palabras, los conceptos, los valores estáticos, éticos y estéticos y hace crecer la humanidad y la conciencia.

“No concibo una obra separada de la vida. No quiero la creación separada, ni concibo al espíritu separado de sí mismo”.

Antonio Artaud.

Maisons-cerveaux, 1985: Translación, Francia. Foto: Archivo DANAEDédoublement du corps, Faceinterson, 1993. Fotos: DANAEIntervención espacial, Sans Assurance Francia,1985. Foto: DANAE.Cosmología, Artransmedia Gijón, 2002 . Fotos: Archivo DANAE Le désir d’être loin - être loin du désir, 2011. Foto: DANAE

Media Eyes, Foto: Archivo del artista para DANAE

Proceso de acción de una performance, 1987. Foto: DANAE

Árbol de Mondrian, 1992 y Transformation, 1998. Fotos: DANAE

Mouvement inicial, 1984, Qui cree qui,1978. Fotos: DANAE

Serie medidas, Proyecto DANAE 1984: Sans assurance, Fotos: DANAE

MARCEL DUCHAMP RAOUL HAUSMANN ERIC ANDERSENDICK HIGGINS PHILIP CORNER ROBERT FILLIOU WOLF VOSTELL MAN RAY JOHN CAGE DIETER ROTH ALAN KAPROW MILAN KNIZAK ALISON KNOWLESGEORGES MACIUNAS DANIEL SPOERRI BEN VAUTIEREMMET WILLIAMS JOSEPH BEUYS ESTHER FERRER MATSUTANI SOL LEWITTCHRISTO Y JEANNE CLAUDE DANIEL BURENCLAUDE RUTAULT LAURENCE WEINER ANDY WARHOL MARIO MERZ ARMAN CÉSAR BALDACCINI ROL V. BERGMAN VITO ACCONCI PEDRO GARHELPHILIPPE BOISSONET BRACO DIMITRIJEVIC ORLAN DANIEL DEZEUZE HUBERT DUPRAT PATRICIA FRANCA MICHELLE HÉON JENNY HOLTZER ANTONIO MUNTADAS ACINDINO JEAN LUC PARANT BERNARD PRAS GILLES MORISSETTE AGNÈS TIFFON KATE VAN HOUTEN

DANAE

Cuerpo, movimiento, equilibrio, 1987. Fotos: Archivo DANAE

MARCEL DUCHAMP "Le temps spirale"

MAN RAY "la vida y la obra de

Man Ray"

NAM JUNE PAIK "Performance"

JOHN CAGE Performance

editada por Edmond Chibeau,

un escritor de performance que

trabajó con Alison Knowles, John Cage

JOSEPH BEUYS "Intervención"

ROBERT FILLIOU "Hommage a Meliès"

ROBERT MORRIS "The Mind Problem"

ERIC ANDERSEN "Tomgang"

ANTONIO MUNTADAS "Media ecology ads"

JOAN LA BARBARA "Performance"

HERMANN NITSCH "Performance"

CHRISTO Y JEAN-CLAUDE

"Entrevista"

PERFORMANCES : Programa de

performances de documenta 8

Kassel, Alemania

Le baiser de l`artiste, 1976. Foto: Cortesía del artista para DANAE

Los artistas reaccionan intelectualmente contra la sociedad de la época, siguiendo así el estereotipo de bohemio incomprendido y comprometido con una serie de valores contrarios a ese mundo convulso que provocaba situaciones miserables y desafortunadas. El día 3 de octubre de 1965, Nam June PAIK es el primero en grabar desde un taxi las calles de Nueva York durante la visita del Papa Pablo VI. Esto con una finalidad estética y para captar una realidad subjetiva; las imágenes fueron expuestas en un bar durante la ceremonia en la catedral, para así liberar los medios, difundiendo otra información al margen de las funciones de grabación de la televisión. El Video Arte defiende un lenguaje audiovisual que se forma en la indaga-ción de cualquier razón alternativa para sintetizar y articular códigos expresivos procedentes de diversos ámbitos del audiovisual. Se trata de una manifestación que significa una ruptura con lo convencional o “visualmente correcto”, pues se vale de parámetros espacio-temporales e interactivos completamente distintos.

Para entender las razones por las que las vanguardias artísticas se desarrollaron, es necesario abrir el espacio social dentro del cual nació el

Programa de VIDEO ART del proyecto

Pedro GARHEL

Arman

Mario MERZ

Michelle HÉON

César BALDACCINI

Daniel DEZEUZE

Braco DIMITRIJEVIC

Rol V. BERGMAN

Vito ACCONCI

Kate VAN HAUTEN

DadaísmoArteMinimalista

ArteConceptual

ArteHolográficoNuevas

FluxusZaj ArteConcretoLandArt PopArt CopyArt NuevoRealismo ArtePoveraGutai ArtePerformanceArteInstalaciónActitudes

Hubert DUPRAT

ORLAN

La mer dans tous ses états, 2002. Foto: DANAE

Autoretrato estampa, 1968

Gilles MORISSETTE

Agnès TIFFONAntonio MUNTADAS

Jenny HOLZER

Jean Luc PARANT

Patricia FRANCA

Bernard PRAS Philippe BOISSONET

ACINDINO

CENTROCULTURALCAJASTUR

PALACIOREVILLAGIGEDO

GIJÓN

CONSEJERIA DE EDUCACION Y CULTURA

Proyecto subvencionado por:

CONSEJERIA DE EDUCACION Y CULTURA

Proyecto subvencionado por:

6/1120149/032015

Conc

epció

n : A

. Que

sada

Mon

taje:

Gille

s M

oriss

ette

Dise

ño :

Rubé

n J.

Lópe

z F

otos

: Arc

hivos

DAN

AE

DANAE