REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA

MINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA LA EDUCACIÓN UNIVERSITARIA

MINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA LA CULTURA

UNIVERSIDAD NACIONAL EXPERIMENTAL DE LAS ARTES

CENTRO DE ESTUDIOS Y CREACIÓN ARTÍSTICA DE SARTENEJAS

LOS INSTRUMENTOS DE VIENTO MADERA

EN EL BARROCO

Nombres:

Lorel Rodríguez Pérez

Andrés Moreno

C.I.:

20.560.983

20.315.503

Caracas, diciembre de 2013

A lo largo de la historia, la familia de instrumentos de viento madera ha tenido

innumerables transformaciones, no sólo desde el punto de vista de construcción sino

también en lo referente a su ejecución. Durante los siglos XVI y XVII estos

instrumentos jugaban un papel activo y preponderante dentro de la música de cámara,

utilizando generalmente grupos de flautas y violas para los conjuntos de danza. Los

primeros compositores comenzaron a incluir los instrumentos de viento madera dentro

de las sonatas, conciertos y sinfonías concertantes, en los cuales uno o varios

instrumentos de viento tocaban a solo.

Resulta prudente mencionar que dentro de la clasificación de Gevaert, los

instrumentos de viento madera son clasificados en dos tipos:

De boca lateral: que corresponden a la flauta y flautín (provenientes de la antigua

flauta travesera o flauta alemana)

Instrumentos de lengüeta: que corresponden al clarinete, oboe y fagot,

(provenientes del chalumeau que a su vez era heredero del aulos y de la tibia

romana)

En el presente trabajo se hará referencia a la evolución de los instrumentos de

viento madera ya mencionados dentro del período Barroco, así como también a su

utilización por parte de los compositores de la época en los diversos géneros musicales,

prestando especial atención a la flauta.

El Oboe

Es un instrumento de viento madera con tubo cónico y lengüeta doble y su

construcción se considera de origen muy antiguo y que tiene como antecesor directo la

chirimía. Remnant (2002) señala que: (…) “desde fines de la Edad Media, los términos

francés e inglés hautbois y hautboye se emplearon a menudo para designar a las

chirimías, por lo que debió existir cierta confusión cuando también se aplicó al nuevo

oboe” (p. 127).

En los siglos XVI y XVII se le utilizaba para acompañar danzas. Algunas de las

obras de Lully como el ballet L´amour malade (1657), el oboe utilizado constaba de tres

llaves, dos de las cuales eran dobladas por el dedo meñique de cada mano, pero a partir

de 1750, una de éstas fue considerada como obsoleta ya que la mayor parte de los

intérpretes tocaba con la de la mano izquierda.

Fue considerado como un buen instrumento de relleno debido a su volumen

sonoro y calidad de timbre y en cantatas, óperas y oratorios de Haendel y Bach fue

utilizado un elevado número de oboes que doblaban las partes del violín. El progreso del

oboe realizado por los ejecutantes de aquella época dio pie a que fuera utilizado en la

orquesta como instrumento solista. No en vano, Bach asignó al oboe el término de “gran

solista patético”, dado al carácter poético de su timbre y su facultad de poder expresar

efectos elegantes y delicados.

El Clarinete

Instrumento de viento madera de tubo cilíndrico y lengüeta simple que fue

inventado aproximadamente hacia 1670- 1700 por Donner, como perfeccionamiento del

antiguo caramillo. En la época de Donner, el clarinete se parecía mucho a la flauta de

pico soprano y se construía en tres partes, añadiéndose gradualmente las llaves que

faltaban.

En 1749 y 1751, Rameau lo utilizó en la orquesta en Zoroastro y de Acanto y

Cefisa. Sin embargo, la mayor parte del desarrollo del clarinete se dio en el período

clásico ya que su nacimiento se encuentra a finales del barroco tardío.

El Fagot

Es un instrumento de viento madera de tubo cónico y lengüeta doble, que fue

inventado en el siglo XVI para reemplazar al bajo de oboe. Scheitzer era, en el siglo

XVI. un famoso fabricante de fagotes de los cuales existían tres clases distintas: el

Pommer tenor o fagotino, el Pommer bajo equivalente al actual fagot y el gran Pommer

doble equivalente al contrafagot.

Su timbre se usó en la orquesta para los efectos sombríos y dramáticos. Bach

tenía en aquella época fagotistas lo bastante hábiles para realizar movimientos animados

como en su cantata Mein Gott, wie lang.

Uno de los mayores constructores de fagotes fue el inglés Thomas Stanesby

(1692-1754) quien junto a su padre realizó este instrumento a petición de Haendel para

ser utilizado en L´allegro, il penseroso ed il moderato en 1740.

Cuadro El fagotista, de Harmen Hals (1611-1669)

La Flauta

Instrumento de viento de madera o de metal cuyo origen se remonta a la

antigüedad y que actualmente se divide en dos familias, flautas de pico y flautas

traveseras. El tubo de la flauta travesera era cilíndrico y tenía seis agujeros laterales

libres. Sufrió considerables cambios hacia mediados del siglo XVIII ya que se dividía el

cuerpo en cuatro partes, la cabeza, el primer cuerpo, el segundo cuerpo y el pie, las

cuales se encajaban la una a la otra. Brenet (1981) señala que: “la primera llave le fue

añadida a la flauta en 1690; la segunda, lo mismo que el alargamiento del pie, que

transformó la flauta en re a flauta en do data de 1722” (p. 213).

Lully, utilizó la flauta en Isis (1677). Haendel, por su parte, hizo referencia en

muchas de sus obras al término German Flute (flauta alemana muy parecida a la flauta

travesera), sin embargo no se utilizó en grandes masas dentro de las orquestas. Durante

el período barroco era frecuente la utilización tanto de la flauta de pico como de la flauta

travesera, Bach por ejemplo utilizó en su Concierto de Brandemburgo #2 la flauta de

pico aguda, y también era utilizada en las sonatas a trío, en las que a menudo se podía

intercambiar con otros instrumentos.

Desde el siglo XVII se publicaron numerosos métodos de flauta como los de

Furstenau, de Hotteterre (1707) y de Devienne, los cuales fueron durante aquella época

los más estimados.

Flautas de pico soprano, contralto, tenor y bajo (1720)

Flautas traveseras que muestras el progreso realizado en menos de cien años.

Johann Sebastian Bach, quien sin duda es uno de los iconos del barroco, dio un

papel preponderante a la flauta. En este sentido, se mencionan dos de sus más

importantes obras:

La Partita en La menor para flauta sola BWV 1013:

Bach deja claramente evidenciado en esta obra la importancia de la relación

melódico-armónica, donde la armonía deja de ser un sencillo acompañamiento de

acordes en base a la melodía, y a su vez, la melodía deja de ser una cierta cantidad de

notas compuestas en base a unos acordes. Genialmente logra que dicha relación funcione

a la perfección, utilizando de manera magistral el uso de de centros tonales vecinos y

notas de figuración melódica. También se observa claramente cómo relaciona sus ideas

musicales para construir un claro discurso musical, como si de dialéctica se tratara,

apoyándose en disonancias y en funciones armónicas, que utilizados de manera correcta,

sirven de conectivos en el lenguaje de su música. Su uso frecuente de notas de paso,

floreos, apoyaturas, cromatismos y demás figuraciones melódicas logró construir una

melodía que da la falsa sensación por momentos de dejar de ser monofonía para

transformarse en polifonía, ni la disonancia más odiada del momento (4aum

o 5dis

) ni

cualquier modulación resultan desagradables al ser escuchadas, pues se puede apreciar

claramente el por qué de sus existencias en pro del enriquecimiento del fragmento

musical.

Esta obra tiene forma de Suite, abarcando un grupo de danzas, generalmente

alternándose entre una de pasos lentos (como la Allemande o la Sarabande) y otra de

pasos más rápidos (como la giga, o la corrente). De esta manera, la Partita en la menor

para flauta sola BWV 1013 se compone de las siguientes danzas:

- Allemande: Danza de orígenes alemanes que se cree apareció a principios del

siglo XVI y que tomó gran importancia iniciando la suite clásica en el siguiente

siglo. Su estructura tonal básica sería la siguiente: //:T – D://:D - T://. En compas

de 4/4 con un movimiento moderado suele iniciarse con un ritmo acéfalo o

anacrúsico y mantiene como figura rítmica principal la semicorchea,

manteniendo dicha características a lo largo de toda la danza. Su estructura es

bipartita.

- Corrente: Aunque hay cierta confusión en cuanto a su origen, se suele afirmar

que data del siglo XVI, que en Francia era a dos tiempos y rápida pero que en el

siglo siguiente adoptó un tempo más moderado, convirtiéndose en una popular

danza a 3 tiempos de carácter más aristocrático. También hay quienes afirman

que en Italia, la corrente tenía ritmo ternario y tempo rápido: 3/8 o 3/4, como se

presenta en la Partita para flauta sola. Inicia con una marcada anacrusa. Se

desarrolla a lo largo de 62 compases de 3/4, su estructura es binaria, y al igual

que la primera danza ya analizada se divide en dos grandes partes (repitiéndose

cada una de éstas).

- Sarabande: Es una danza comúnmente lenta, a tres tiempos. Tiene un origen

incierto, se le considera española, andaluza, azteca y hasta oriental. En base a

algunos escritos hallados del español Miguel de Cervantes, se constató que en el

siglo XVI se conocían dos tipos de sarabanda: una rápida y otra lenta, y de

hecho, hacia finales de ese siglo se introdujo en las cortes galesas en su forma

grave, agradable y noble con un ritmo moderado. La sarabanda de esta partita -de

carácter dramático, sin duda alguna- se desarrolla en el compás ternario de ¾, y

su figura rítmica base es la corchea. Asimismo, consta de dos partes que se

repiten por separado.

- Bourrée Anglaise: danza rápida de ritmo binario que alcanzó su mayor auge en

los siglos XVII y XVIII al ser utilizadas en la suite barroca, en ballets y en

óperas francesas. Se compone de 70 compases escritos en ritmo de 2/4 y

comienza con anacrusa. Su ritmo que la distingue claramente es la sucesión

inmediata de dos semicorcheas y una corchea. Es un movimiento ligero, que

siempre se mantiene en movimiento (en la obra, la figura de más duración es

apenas una negra con puntillo). Similar a las demás danzas que componen esta

partita, debe su estructura a dos grandes secciones que se repiten.

La Pasión según San Mateo BWV 244

Esta obra fue compuesta por Johann Sebastian Bach probablemente entre

los años 1727 y 1729, ya que se desconoce la fecha exacta de su composición y

fue estrenada el Viernes Santo de 1729. El texto alterna 2 fuentes: el propio texto

del evangelio, los capítulos 26 y 27, que son cantados enteros y literales, en

pequeños fragmento y dramatizado (Jesús, Evangelista, Apóstoles o Narrador).

Consta de dos grandes partes con 68 números en las cuales se alternan arias,

recitativos y coros, utilizando doble coro y doble orquesta con coro de niños en

algunas secciones.

La orquesta juega un importante papel dentro de la obra ya que el

compositor mediante simbolismos musicales resalta a través del

acompañamiento las diferentes etapas de Cristo, por ejemplo en las arias donde

se cantan las palabras de Cristo se utiliza el acompañamiento de cuerdas como

símbolo de lo divino. Tanto las secciones de Cuerdas y de viento juegan un

importante papel en dicha obra considerada uno de los grandes tesoros musicales

de todos los tiempos.

Dentro de los instrumentos de viento madera utilizados se encuentra la

flauta traversa, cuya participación se evidencia en los Tutti y el arias que

generalmente cantan la soprano y mezosoprano, en las cuales dicho instrumento

apoya en la mayoría de los casos la melodía que lleva el cantante con pequeñas

variaciones rítmico-melódicas. Se utiliza muchas veces a dúo o a trío con otras

flautas o con oboes, aportando una riqueza tímbrica que se une a la melodía

llevada por el cantante. La flauta traversa dentro del plano orquestal barroco,

jugó un importante papel en lo referente al color y texturas tímbricas, participó

como solista y acompañante en arias, recitativos y coros de diversas obras y

compositores como Johann Sebastian Bach se encargaron de ascender su papel

tanto en el plano orquestal como solista.

REFERENCIAS

Remnant, M. (2002). Historia de los instrumentos musicales. Barcelona. Robinbook.

Brenet, M. (1981). Diccionario de la música. Barcelona. Iberia.

http://www.baluarte.com/idb/espectaculos/Prog-PASION.pdf. Sitio Web.