Marco teórico:

Porque es importante la alfabetización digital? Poder crear productos audiovisuales

Facilitar el análisis de productos audiovisuales

Todo producto audiovisual es un mensaje comunicativo. El lenguaje

comunicativo del cine se ha ido formando a lo largo de más de 100 años. El

lenguaje cinematográfico surge de el esfuerzo por elaborar mensajes utilizando

los medios técnicos de captación y reproducción.

Evolución del cine• Llegada del cine sonoro (incorporación del sonido).

• Aparición del color.

• Acercamiento de la cámara a los personajes.

• Uso creciente de los movimientos de cámara

• Utilización de la profundidad de campo

• Aparición de los formatos panorámicos

• Utilización del sonido espectacular

• Aparición del la televisión y el video

• Alta definición

• Comunicación multimedia

Posibilidades y limitaciones de la cámaraLas posibilidades perceptivas de los sentidos humanos más las posibilidades y

las limitaciones de la cámara han alcanzado un alto grado de complementación

y desarrollo. Actualmente es posible comunicar cualquier acción o sentimiento

con mensajes audiovisuales. Para ello tenemos que utilizamos los códigos

adecuados con la seguridad que serán comprendidos por el espectador.

Convenciones del relato:

Analogía: Relación de parecido entre cosas deferentes.

Homología: correspondencia en funciones de el objeto y el objeto real

Continuidad: utilización de recursos conocidos en otros contextos que

hacen que la interpretación sea inmediata.

Diferencias entre el ojo y la cámara:Respecto a la captación:

Rapidez frente a situaciones criticas.

Dificultades para enfocar simultáneamente.

Encuadramiento limitado del espacio y ángulos de visión.

El ojo explora y procesa con rapidez, la cámara presenta, no distingue

entre señal y sonido.

La exploración de la cámara se registra en la edición.

La cámara ha de selecciona siempre el punto de atención. En la visión

real, es el cerebro el que procesa naturalmente.

Respecto a la interpretación:

Las imágenes de la cámara son interpretadas tal y como son

representadas.

La cámara presenta una visión de la realidad. Todo lo que se representa

ya esta previamente seleccionado y es significativo.

La cámara ha visto por nosotros y utiliza un lenguaje pactado para emitir

mensajes que puedan ser descodificados de manera común.

La invención del cineLa cámara oscura

La linterna mágica

 Se basaba en el diseño de la cámara oscura, la cual recibía imágenes del

exterior haciéndolas visibles en el interior de la misma, invirtiendo este proceso,

y proyectando las imágenes hacia el exterior, como un proyector actual.

FantasmagoriasConsistían en dar movimiento a imágenes proyectadas por la linterna mágica

poniendo ruedas al soporte. De esta manera las imágenes se acercan o alejan.

Otros: panorama, diorama, persistencia retinaria, taumatropo, zootropo,

praxiscopio.La fotografía y la cronofotografía serán el último paso a la invención del cine.

Evolución: Cinetoscopio, cinematógrafo.

Si bien los hermanos Lumiere serán los inventores del cine, la transformación

de este en un espectáculo se dará gracias a George Méliès.

El cinematógrafoFue inventado por Louis Lumiere y resolvió los problemas de la proyección

utilizando un mecanismo muy similar al de la máquina de coser para mover la

tira de celuloide. Era el aparato más simple y perfecto de los construidos hasta

entonces. Servía para filmar, proyectar y hacer copias. Funcionaba con una

manivela que arrastraba la película a quince imágenes por segundo. Recién en

los años 1920 se llegaran a las 24 imágenes por segundo con la incorporación

de motores en las cámaras. El 18 de Diciembre de 1895 se realiza la primer

proyección de la película de los hermanos Lumiere en el subsuelo del Grand

Cafe, al número 14 del boulevard des Capucines. Se cobraba entrada. La

proyección duraba media hora y estaba compuesta por dos pequeñas películas

de un minuto y medio que reproducían la vida: la salida de los obreros de la

fábrica, el bebe que come sopa, el tren entrando a la estación de la ciudad, etc.

El cine como expectaculo: George MélièsGeorges Méliès convierte las vistas de los hermanos lumeiere en tableaus.

Estos reproducían escenas de teatro o de magia.

Méliès construyo unos estudios cinematográficos dentro de una galería de

vidrio para aprobechasr al máximo la luz. Inventa Star Films, una productora

que hacia películas de lenguaje fantástico y los primeros efectos especiales de

la historia del cine. Invento muchos trucos cinematográficos que después se

hicieron servir a lo largo de la historia del cine. Algunos trucos los consiguió por

azar, como la sustitución o truco por parada de la cámara. Tambien invento las

sobre impresiones utilizando creativamente la marcha atrás, las maquetas o

pequeños decorados a escala o el paso a paso. Su periodo máximo de

explandor fue entre los años 1902 y 1908 en los cuales realiza mas de 4000

peliculas.

La gran contribución de Méliès fue pensar que si se podían reproducir los

paisajes, objetos y personas que nos rodeaban, tambien se podía representar

aquello que imaginábamos. Estaba fundando las bases de un lenguaje

diferente al lenguaje escrito y verbal.

Evolución del lenguaje audiovisual

El tiempo y espacio cinematográfico ya no corresponden al teatralCon los cortes y sus combinaciones posteriores, no solo los films se hacen más

dinámicos y adquieren mas ritmo, sino que se comienza a desarrollar una

gramática nueva basada en el montaje de fragmentos.

El público del cine comienza a iniciarse en un nuevo lenguaje, aprende a

relacionar dos situaciones diferentes. Así pues aparece el montaje que se

transforma en la base del lenguaje fílmico.

HollywoodEn la primera fase, Edison encabeza la guerra de patentes y como respuesta a

este intento de monopolio se crea Hollywood, un espacio para los productores

independientes. El director más relevante de este periodo es David Wark

Griffith (1875-1948)

un autentico maestro de la técnica cinematográfica. Griffith es un cineasta

innovador en el aspecto formal y ultraconservador en los contenidos. En su

obra siempre tendrá presente la defensa de la virtud contra el mal.

Aportes:

Inicia el montaje alternativo (dos acciones que ocurren de manera

simultánea y que finalmente convergen)

Inicia la selección del tiempo y deja de lado los tiempos muertos.

Selecciona aquello que quiere mostrar al espectador: ira abandonando

los grandes planos y priorizara los primeros planos por su poder

expresivo, su carga psicológica y su capacidad emotiva.

Hará servir progresivamente los movimientos de cámara: panorámica y

travelling

Intentara utilizar la profundidad de campo.

Películas

El nacimiento de una nación (1915): consigue aumentar la maestría en

esta película épica de claro contenido racista.

Intolerancia (1916): reflexión sobre la falta de comprensión mutua entre

los seres humanos construida a partir de cuatro historias que sucedían

en lugares y momentos diferentes y que llegaban a culminar en su

desenlace. Intolerancia dejó la crítica desorientada y provocó un enorme

rechazo del público que no supo entender el desarrollo de tantas

acciones a la vez.

Serguéi Eisenstein (1898-1948)

Otro cineasta que contribuye a la fundación de este nuevo lenguaje.

De origen judío, proviene del mundo del teatro.

Su cine no es un cine de actores, incluso muchas veces utilizaba gente

normal en sus películas. Su narrativa rehuía la individualidad y se orientaba

a cuestiones más amplias de la sociedad, especialmente a conflictos de

clase.

Aportes:

Es un pionero y un innovador en la utilización del montaje y su

aportación influirá el resto de directores posteriores.

Para él, el montaje no era un método que simplemente servía para enlazar

escenas, sino que era sobre todo un medio para manipular las emociones

de su audiencia.

Peliculas:

La huelga (1924)

El acorazado Potemkin (1925)

Charles Chaplin (1889-1977)

La década de los años veinte es la mejor época de este entrañable poeta del

cine.

Maestro del melodrama, sus películas están cargadas de inquietud social y de

una voluntad de justicia social que recuerdan su dickensiana niñez por los

barrios de Londres.

Él no se caracteriza por sus innovaciones técnicas, sino para aprovechar al

máximo las enseñanzas de cineastas como Griffith.

A partir de 1917, expresará con intensidad sus vivencias con su primer

largometraje: The Kid (1921).

Películas:

Luces en la ciudad (1931)

Tiempos modernos (1936)

Buster Keaton (1895-1966)

Él será contrapunto del sentimental Chaplin desarrollando una crítica burlesca y

triste al mismo tiempo del automatismo de una sociedad cada vez más

deshumanizada. Entre sus películas, hay que destacar

Películas:

La ley de la hospitalidad (1923)

El navegante (1924)

El sonido en el cine Antes de la llegada del cine sonoro, ya existía el sonido en el cine. Pocas veces

se exhibían películas en silencio absoluto. Ya en 1897, los hermanos Lumière

contratar un cuarteto de saxofonistas para que acompañaran las proyecciones

en aquel local de París.

En el momento en que fue posible incluir una pista sonora en el celuloide, fue

posible ajustar el sonido a la imagen y hacer que el cine fuera sonoro. El cine

mudo había durado 35 años, pero cuando apareció el sonido, éste pasó a la

historia.

La primera película sonora de la historia del cine es The Jazz Singer de Alan

Crossland. Se estrena en Estados Unidos el 6 de octubre de 1927

Una gran crisis planeó sobre las grandes figuras del momento. Griffith, Keaton,

Chaplin y otros firmaron manifiestos donde denunciaban el nuevo cine. Algunos

de ellos quedaron para siempre fuera. Otros con el tiempo se adaptaron a la

nueva realidad como Chaplin y Eisenstein.

Consecuencias:

Crisis de algunos cineastas que habían desarrollado en el cine mudo.

En un primer momento, el cine perdió fluidez, creatividad y ritmo, pero

poco a poco vivió una transformación y un aumento impresionante de

público.

El montaje se hizo más complejo porque ahora en lugar de tener un

pedazo de película, había por lo menos dos (sonido e imagen)

La llegada del sonoro también transformó las películas cómicas. Varios

estilos de humor que hasta entonces habían dado buenos resultados se

adaptaron al cine. Uno de ellos era la farsa en la que una situación

ordinaria se llevaba al caos más absoluto. Y esta fue la especialidad de

unos hermanos irrepetibles: los hermanos Marx.

Teoricos del cinema

La expresión "lenguaje cinematográfico" la encontramos en los escritos de

los primeros teóricos del cine:

– Ricciotto Canudo

– Louis Delluc

– Formalistes russos

Ricciotto Canudo

Crítico de cine perteneciente al futurismo italiano. En 1911 publicó su ensayo

"Manifiesto de las Siete Artes". Es considerado el primer teórico del cine al que

consideraba como "arte plástica en movimiento".

Teoría:

El hombre tiene una necesidad de inmortalidad que consigue creando la

dimensión espacial (arquitectura) y temporal (música). De cada una de ellas

surgen dos más. La síntesis de las seis artes (los dos ritmos) origina el teatro

que es un arte más imperfecto por efímero. El cine logra la perpetuación física

y mantiene la exhibición en un gran número de personas.

Formalistas rusosDespués de la revolución rusa en octubre de 1917, el cine surgió en la Unión

Soviética de manera natural como forma de educar a las masas.

Rusia fue el primer país del mundo en el que el gobierno reconoció la función

del cine como medio de cultura de masas. Lenin en 1920 afirmó: "De todas las

artes, la más importante para Rusia es el cine". Y nacionalizó el cine y el teatro

En este periodo, que abarca de 1910 a 1930, se analizaron y se probaron

diversos conceptos que ayudaron al desarrollo del cine.

Por primera vez se teoriza sobre el cine como lenguaje.

Se incide mucho en la función del montaje y se sistematiza.

Estados franceses Para los estados franceses especialmente, se trataba de oponer el cine al

lenguaje verbal y lo definían como un nuevo medio de expresión.

Esta oposición entre cine y lenguaje verbal aparece el centro del manifiesto de

Abel Gance "La música de la luz".

El carácter esencial de este nuevo lenguaje es su universalidad. Permite llevar

a cabo el sueño de un "esperanto visual".

GramaticasLas gramáticas del cine propiamente dichas se desarrollan después de la

Liberación, cuando la promoción artística del cine empezaba a estar

globalmente reconocida (sobre todo en Francia e Italia).

El cine era un arte total dotado de un lenguaje propio. La proliferación pues de

libros didácticos hay que relacionarla con la expansión de los cineclubs y los

movimientos de educación popular, cuando el cine se convierte en el primer

arte verdaderamente popular por las dimensiones de su audiencia.

• Raymond J. Spottiswoode: Gramática del film (Londres, 1935)

• André Berthomieu: Essai de grammaire cinematográfica, 1946

• Robert Bataille: Grammaire cinegraphique, 1947

Robert Bataille"La gramática cinematográfica estudia las reglas que presiden el arte de

transmitir correctamente las ideas por una sucesión de imágenes animadas

que forman un film".

Estas gramáticas transmiten una estética análoga: la de la transparencia (la

mejor técnica es la que no se ve) y la del realismo (es necesario que la imagen

dé sensación de verdad).

CaracteristicasRoger Odin (profesor de ciencias de la información y la comunicación de la

Sorbona) ha demostrado que estas gramáticas se basan en el modelo de las

gramáticas normativas del lenguaje verbal de uso escolar.

Y de alguna manera simplifican el cine y lo reducen a la inteligibilidad y la

corrección cuando es mucho más.

Hay que decir que estas gramáticas han tenido su utilidad y que hay

enmarcarlas en su momento histórico determinado.

Marcel Martin

Escribe 1955 el libro El lenguaje cinematográfico que se puede tomar como

base lo que entendemos por concepción clásica del lenguaje cinematográfico.

Él une:

*La aparición del lenguaje cinematográfico

*Al descubrimiento progresivo de los procedimientos de expresión fílmica,

gracias a cineastas como DW Griffith y S.M. Eisenstein.

El lenguaje cinematográfico está pues doblemente determinado, primero por la

historia y luego por la narratividad.

GuionForma escrita de cualquier proyecto audiovisual. Historia escrita contada en

imágenes, diálogo y descripción en el contexto de una estructura dramática.

Un guion parte de una historia. Una historia es una cadena de

acontecimientos con una relación causa-efecto que le sucede a alguno o

algunos personajes en un espacio y un tiempo determinados y que se inicia, se

desarrolla y termina.

Una buena historia consta de *Verdad personal.

*expresión auténtica

*Conexión / identificación

Fuentes de historia*experiencia personal

*observación

*memoria

*Capacidad de escuchar la cadencia del discurso humano

*Instinto e intuición

*Coraje de contar historias

PersonajesLos personajes que son los que cargan el peso de la acción, los que hacen

avanzar la historia con su propia evolución: el QUIÉN.

Para que una historia funcione, es necesario que el personaje se mueva,

cambie, crezca o caiga

SUEÑO: como guionistas, debemos saber cuál es el sueño de nuestro

personaje.

DESEO Y NECESIDAD: a veces estos conceptos están enfrentados y pueden

generar mucho sufrimiento en el personaje.

ESPERANZA Y TEMOR: el espectador va construyendo en relación a nuestro

personaje una esperanza y un temor.

Tipos de personajesNo hay que desarrollar todos los personajes con la misma profundidad. En una

historia tenemos:

Personajes redondos: complejos, con matices y muchos detalles.

Personajes planos: personajes más arquetípicos que tienen su

funcionalidad dramática.

SinopsisLa concreción y la descripción de todo esto en papel supone elaborar la

sinopsis o argumento. La sinopsis es, pues, el reino del personaje. Nos

debemos a ellos para explicar la historia y este punto debemos tener muy claro

si no queremos que nuestro guión tambalee.

EstructuraEsta estructura o escaleta es la organización de la trama en secuencias.

Secuencia: Cada secuencia está formada por un grupo de escenas que

conducen a un acontecimiento dramático o bien que forman una unidad

dramática mayor.

Escena: La escena es la unidad dramática mínima: es un hecho que

sucede en un lugar y en un espacio determinado. Y como tal tiene su

propio planteamiento, nudo y desenlace. Cada unidad mínima debe

tener para que funcione su propia estructura interna. Las escenas

pueden ser esenciales o de transición / integración para ligar el resto de

elementos.

Trama: Damos un paso más. Las escenas conforman secuencias y las

secuencias a su vez conforman las tramas. El plot o trama es la parte

central de la acción dramática que queremos construir. Todos los

personajes están ligados a sus acciones por tramas y por eso decimos

que el plot es la parte central, la manera como se muestra la acción a

través de un personaje (personajes + acción + plot = acción dramática).

Puede implicar varias secuencias.

Tipos de trama: tramas principales, tramas secundarias.

Una historia también puede tener múltiples plots (multiplot): varias

tramas que están a un mismo nivel de importancia.

Tipos de estructuras

Tres actos o aristotélica:

La estructura más extendida. Una obra narrativa completa necesita como

mínimo tres cambios para llegar al final de todo:

*Las cosas iban mal, luego se arreglaron y ya está.

*Las cosas iban bien, luego muy mal y ya está.

*Las cosas iban mal, después aún peor y ya está.

*Las cosas iban bien, después estupendamente bien y ya está.

La regla de las tres unidades es sólo un fundamento, no una fórmula. Hay

películas que tienen cuatro, cinco, siete u ocho. Pero son la excepción. Una

historia en tres actos necesita cuatro escenas memorables:

*incidente provocador

*Clímax al final del primer

*Clímax al final del segundo

*Clímax al final del tercero: clímax narrativo final

Duración de los actos

Primer acte: 30 minuts

15 de presentació fins l’incident provocador

15 fins al final del clímax del primer acte

Segon acte: 40-60 minuts

Tercer acte: 30 minuts

Primer actoPresentación del personaje en su rutina (Planteamiento o set up) + Incidente

provocador (aparición del conflicto). La normalidad del protagonista se

desequilibra (crisis) e imagina un objeto de deseo para recuperar su armonía.

Esto es lo que perseguirá a partir de ahora y lo que se resolverá el clímax final.

Segundo actoLa acción crece a partir del hecho de que el personaje las cosas se le ponen

cada vez más difíciles hasta llegar a un grado de dificultad máxima. Al final del

segundo acto, tenemos dos opciones:

Parece que el personaje no se sale

Parece que el personaje se sale

(Es el momento del clímax narrativo que algunos autores lo sitúan en el inicio

del tercer acto)

Tercer actoEs la Resolución del conflicto positiva o negativa:

el personaje se sale (comedia)

el personaje fracasa (tragedia)

O, si se trata de una minitrama, la resolución de algunos conflictos y otros no.

En una antitrama, todo queda abierto.

Del plano a la secuenciaPlano ,mTira continua de película fotográfica creado a partir de una serie de fotogramas

que corre por un período ininterrumpido de tiempo.

Los planes se consiguen a través de las tomas y dependen de:

A. El espacio que encuadra y registra la cámara (la parte que recoge

muchas veces referida a la parte del sujeto que s'enquara)

Gran plano general: Encuadra un paisaje muy amplio de manera que el

escenario se erige como protagonista por encima de la figura humana.

Plano general: Presenta el sujeto de cuerpo entero en el escenario en el

que se desarrolla la acción. Tiene una función descriptiva y narrativa, de

ubicación y de mostrar acciones muy diversas. Priorizamos la

ambientación y el espectador se sitúa en una actitud impersonal e

imparcial. Se utiliza para mostrar diversas acciones que suceden a la

vez. Y también para iniciar algún bloque narrativo porque sitúa y

organiza el contexto dramático.

PLANO GENERAL LARGO

Este plan prioriza el escenario sobre el sujeto y destaca el movimiento o

la acción del personaje en relación con su ambiente.

PLANO GENERAL CORTO

Este plan muestra el escenario donde se desarrolla la acción, pero

centra su atención en el sujeto y permite hacer una descripción de la

acción corporal y de su expresión a grandes rasgos.

Plano americano: Encuadre que corta al sujeto por las rodillas o un poco

por debajo de éstos. Este plan delimita la frontera entre los planes que

llamamos descriptivos y expresivos. Nos sirve para mostrar acciones

físicas de los personajes, pero es lo suficientemente cercano para

permitir ver también las expresiones faciales: emociones y reacciones.

Plano medio: Encuadre que corta el sujeto por encima de las rodillas, las

caderas o el pecho. Es el plan que más se utiliza. Define un personaje

linealmente, sin enfatizar y permite mostrar acciones y al mismo tiempo

expresiones.

PLAN MEDIO LARGO: Como el encuadre se acerca más a las rodillas.

Permite observar el movimiento de manos y brazos.

PLAN MEDIO CORTO: Como el encuadre se acerca más al pecho.

Estos planes, los medios, permiten observar con mucha más claridad las

expresiones del personaje, aunque mantienen una distancia respetuosa.

Primer plano: Encuadre que corta el sujeto por los hombros, de manera

que sólo le vemos la cabeza y la cara. Por lo tanto, nos ubica como

espectadores a una distancia de intimidad respecto al personaje. Es el

plan expresivo por excelencia y nos permite acceder con gran eficacia

en el estado emotivo del personaje. Enfatiza el personaje y permite

transmitir emociones y sentimientos.

GRAN PRIMER PLANO: El encuadre se centra en los ojos y la boca del

personaje, las partes del cuerpo donde se concentra la expresión.

Primerísimo PRIMER PLANO: El encuadre se centra en un detalle de la

cara: los ojos, los labios ...

Plano detalle: Es el primer plano de un objeto o de la parte de un cuerpo

o de un objeto: una mano con un cigarrillo, una corbata, el pomo de una

puerta, un arma, un anillo, etc.

B. El ángulo desde el que encuadra

Cenital: La cámara se sitúa completamente encima del personaje, en un

ángulo perpendicular.

Plano picado: La cámara se sitúa por encima del objeto o el sujeto

registrado, de manera que éste se ve desde arriba. Los planes desde

arriba ofrecen al espectador un sentido de fuerza y superioridad,

tolerancia e incluso condescendencia respecto al personaje. Estas

tomas pueden destacar pues la inferioridad del personaje, su situación

de invalidez o de impotencia.

Plano contrapicado: La cámara se sitúa por debajo del objeto o el sujeto

registrado, de manera que éste se ve desde abajo. Desde este ángulo,

los sujetos parecen más fuertes, más imponentes, más poderosos, pero

también más extraños, siniestros, deformados o místicos.

Plano normal: El ángulo desde el que se sitúa la cámara es paralelo al

suelo. Expresa realidad y objetividad.

La cámara se sitúa completamente por debajo del personaje, en un

ángulo perpendicular al suelo.

C. otros criterios

Plano aéreo: Plano hecho con grúa o con helicóptero, utilizado para

mostrar grandes paisajes.

Sobre la espalda: Realizado situando la cámara encima del hombro de

manera que el plano retrata el personaje desde una misma altura.

Plano subjetivo: Plano realizado buscando el punto de vista del

personaje, como si viéramos la imagen desde sus ojos.

Invertido o contraplano: Es un plan que se realiza desde el ángulo

contrario al primero. Muy habitual en una conversación entre dos

personas.

Plano inserto: plano que se utiliza en edición para sustituir una imagen

por algún motivo manteniendo la continuidad del audio por debajo.

Plano secuencia: El plan que desarrolla una secuencia entera en una

sola toma. También se puede considerar un plano secuencia aquel

plano largo que engloba diversos encuadres aunque no correspondan a

una secuencia entera.

Duración de un planoLa utilización de planos largos evoca un desarrollo tranquilo y reposado de la

acción que se retrata. Los planos cortos generan una sensación de urgencia y

mayor rapidez.

Tamaño y formatoHay que decir que es importante tener en cuenta el tamaño y el formato de

proyección a través del cual podremos visionar el plan filmado. Tanto el tamaño

como el formato afectarán de manera determinante a veces en la recepción del

plan.

La tomaTambién se llama plano de registro. Define la captación de imágenes por un

medio técnico desde el momento que se pone en función de registro hasta que

deja de hacerlo. El tipo de toma depende del plano de encuadramiento inicial,

los movimientos de cámara y personajes y del plano de encuadramiento final.

Las tomas pueden ser mecánicas: si se trata de tomas de prueba en vídeo o

cine sin registro real. Aunque su finalidad es que sean efectivamente

registradas.

Una toma puede contener uno o más planos de encuadramiento. Las tomas o

partes de ellas pueden ser montadas, o sea, seleccionadas y combinadas

según la compaginación o edición. En la parte de la toma que se utiliza, o sea,

que se selecciona en la edición se le llama PLANO DE EDICIÓN.

EscenaParte del discurso visual que se desarrolla en un mismo momento y en una

misma localización (espacio, escenario). Por sí misma no tiene un sentido

dramático completo, aunque sí que hay que trabajar como un todo. Puede estar

compuesta por un solo plano de encuadre o por varios.

Secuencia

Parte del relato visual en la que se plantea, se desarrolla y se concluye una

determinada situación dramática. La secuencia puede convertirse en un tiempo

y un mismo momento (única escena), o bien puede desarrollarse en varios

lugares y momentos (varias escenas). También puede desarrollarse de

principio a fin, linealmente de manera ininterrumpida. O bien fragmentarse en

partes y mezclarse con otras escenas o secuencias. Muy a menudo la palabra

secuencia se utiliza como sinónimo de escena. Y también muchas veces se

utiliza para referirse a cualquier parte de la acción que deba representar y

registrar en un espacio determinado.

La continuidadHace referencia al mantenimiento o coherente transformación de los elementos

del campo según la lógica secuencial de los acontecimientos representados. Y

por lo tanto, tiene que ver con las condiciones de la recepción, con todo lo que

vemos y oímos y también con el sentido y la coherencia de lo que recibimos. no

sólo hace referencia a la relación que debe mantenerse entre una escena y las

posteriores, sino también a las complejas cadenas de relaciones que forman

las fibras y el tejido de un relato: desde los aspectos visuales y sonoros hasta

los narrativos.

Es un concepto global, todo lo que forma parte del relato audiovisual juega en

favor o en contra de la continuidad. También el ritmo de los planos, los

silencios, etc.

Salto de racord: un salto de raccord es un gran abanico de errores que hacen

que no se pueda mantener una coherencia entre una escena y otra

*Dos tomas hechas con luz diferente.

*Un personaje que "representa" una acción determinada, pero que ha sido

filmado en dos días diferentes puede presentar diferencias (de vestuario, de

peinado, de aspecto).

*Un salto de eje, de imagen, de distancias...

*Un sonido ambiente muy diferente.

Tipo de continuidad Tematica:

Aquella que tiene que ver con el contenido de lo que estamos contando y que

hace que la narración progrese de manera coherente y comprensible según

nuestro universo narrativo.

Formal:Es necesario que haya una relación de coherencia entre las formas que se

muestran. Tanto los espacios, como los objetos, como las personas.

PerceptivaEs necesaria una coherencia en la percepción de la realidad que nos ofrece el

producto.

- Relación de la cámara con el mundo que le rodea: tipo de encuadres,

velocidad del movimiento, tiempo de observación de las personas y los objetos,

los tipos de transiciones, etc. (ESTILO)

- Corrección en la filmación: movimientos bruscos de la cámara, mal registro

del sonido, utilización desmedida del zoom.

- Los recursos los tenemos que utilizar para mantener al espectador en un

continuo, en un viaje que fluye con nitidez.

La fragmentación del espacio en diferentes planos da mucha riqueza al

producto, sin embargo tiene un riesgo, la perdida de continuidad entre una

toma y otra

Relaciones a considerar: Relaciones entre una vista y la siguiente que pertenezcan a una misma

escena.

Relación de movimiento entre una toma y otra consecutiva.

Relación entre la imagen final de una escena y la primera imagen de la

siguiente.

Relación entre escena y escena, entre secuencias y de cada parte con

el todo.

Aspectos que ayudan a que se mantenga o se pierda la continuidad

Sonido:

Texto del narrador, diálogos, efectos musicales, silencio, sonido ambiente,

Efectos de sonido.

Tiempo y espacio:

Existen recursos para pasar de un lugar a otro, para hacer saltos en el tiempo y

en el espacio. La transición que mas dificulta el racord es el corte.

En directo:

La continuidad no tiene demasiadas dificultades para el espectador porque se

desarrolla en tiempo real. Sin embargo pueden surgir:

- Dificultad para mantener la coincidencia geográfica si varía el que está

en el campo

- Discontinuidad o salto de eje entre tomas

- Si las elipsis espaciales no respetan determinadas reglas de escala

Por eso, una cosa que se hace muchas veces en estas situaciones es registrar

con más de una cámara: dos, tres o más para obtener planes desde distancias

y ángulos diferentes.

Plano maestro:

Plan general del escenario donde transcurrirá la acción donde se aprecian

todas las relaciones espaciales y todos los elementos.

- Es recomendable que sea el primer plan que se muestre al espectador

- Es recomendable recurrir a este plan de vez en cuando para reubicar el

espectador.

- Con el plan master en la cabeza, el realizador podrá ir a planos más

cortos o planes conjuntos. El fuera de campo estará a la cabeza de los

espectadores.

- El plan máster también dará el pie para las escaleras, los encuadres y el

aire que habrá que dejar a los personajes.

Recursos para respetar el tiempo real y no vulnerar la continuidad:

- Utilizar planes de espera mientras la acción se desarrolla fuera de

campo, en off (ejemplo: una mujer está pariendo y mientras su marido

espera fumando).

- Acciones yuxtapuestas: acciones del fuera de campo de la acción

principal que se alternan con esta (ejemplo de un maestro que se tumba

para ir a la pizarra, intercalamos la acción de un niño que le pasa un

papelito a otro y cuando volvemos al profesor éste ya está escribiendo

en la pizarra).

- Otra posibilidad son las acciones paralelas a la acción principal o

convergentes.

Planos recurso:

En cualquier caso, muchas de estas situaciones resuelven problemas

diversos de continuidad gracias a grabar:

- Planes recursos del fuera de campo

- Planes recursos del campo donde sucede la acción.

Concentración del tiempo:

Para concentrar el tiempo utilizamos las elipsis. Todas las elipsis son

evidentes, pero hay más evidenciadas y de más suavizadas. Tanto unas

como otras mantienen en todo momento la continuidad.

Puesta en escenaLa puesta en escena es un concepto que el cine adoptó del teatro y que

progresivamente se ha ido adaptando a la expresión audiovisual. Entendemos

por puesta en escena la creación de un ambiente general que sirve para dar un

contexto creíble y coherente a una situación dramática. Podemos decir que

todos los elementos de la puesta en escena interactúan entre sí formando un

todo para dar énfasis a la narración. Por lo tanto la puesta en escena se

concibe como una acción totalizadora que es coordinada por el director o

realizador con la ayuda de: escenógrafo o director de arte, atrezzista, director

de fotografía, figurinista, maquillador, director / ayudante de dirección.

Dimensiones:Escenografía: El realizador puede manipular los escenarios y los decorados

de maneras muy diversas. Localizaciones (interiores / exteriores) reales y

recreadas. Escenario construido a medida (cuestiones formales, necesidades

técnicas). Escala y miniaturas.

Atrezzo: El atrezzo es el conjunto de objetos que operan de manera activa

dentro de la escena y por tanto de la acción. Con la combinación del decorado

y el atrezzo se va construyendo la ambientación. Muchas veces ambientar no

es tanto una cuestión de presupuesto (que también), sino una tarea minuciosa

de escoger objetos y símbolos y una gracia especial al ubicarlos dentro de la

escena.

Luz y color: La luz es una radiación electromagnética que la vista es capaz de

captar. Esta radiación tiene olas y estas ondas tienen varias longitudes. Según

la longitud de onda de la radiación, nuestro cerebro percibirá una sensación

variable que es lo que llamamos color.

El orden de colores que captamos en función de la longitud de onda es:

infrarrojo-rojo oscuro-rojo-Naranja-amarillo-verde-cian-azul-violeta-ultra

violeta.

Los colores se analizan en base al

- tono: la sensación del color en sí que nos permite llamarlo como rojo,

verde, cian

- luminosidad: en base a la cantidad de luz que el ojo es capaz de percibir

al observar un color determinado.

- saturación: el grado de pureza de un color y por lo tanto la cantidad de

luz blanca que contiene.

También debemos tener en cuenta que los colores tienen asociados

significados culturales y también emociones y sensaciones de manera natural.

Iluminación:Elemento básico para todas las técnicas visuales.

- Sugiere la sensación de tridimensionalidad de la que carecen los medios

de representación de la realidad sobre dos dimensiones.

- Marcar la importancia de las acciones o de los elemento dentro del

cuadro y por tanto la atención del espectador.

La repartición de las zonas claras u oscuras dentro del cuadro es básica para la

comprensión de la narración.

- Una zona iluminada subraya la acción

- Una zona poco iluminada puede crear misterio o miedo, puede ocultar

detalles importantes.

La luz incide en los estados de ánimo que el realizador quiere imprimir a una

escena determinada. Oscuridad: tristeza. Luz: alegría.

Funciones técnicas y formales:

Garantizar la mejor calidad posible de la imagen

Conseguir una uniformidad en el reparto de la luz.

Garantizar la posibilidad de registrar las escenas y también de la nitidez

de las imágenes y de la profundidad de campo.

Estar en armonía con la ambientación de los espacios y jugar a favor de

ella.

Ir a favor de la dirección de la atención del espectador.

Evitar problemas como las sombras en las caras de los actores, en el

escenario, los reflejos en la superficie, etc.

Recrear situaciones climatológicas determinadas en el caso de que no

existan realmente en ese momento.

La iluminación tiene dos planos que intervienen a la vez:

- El denotativo (expresando formalmente la imagen que se quiere transmitir)

- El connotativo (evocando contenidos para profundizar en el sentido último del

discurso)

Tipos de luz:

La luz natural: es muy utilizada, pero tiene varios problemas:

- Imprevisibilidad de su carácter

- Rápido cambio en su temperatura de color y dirección de la luz

- Mucha diferencia en su duración (verano e invierno)

- Diferente angulación del sol respecto a la tierra según las estaciones

- Imposibilidad de adaptarse totalmente a la fuente luminosa

- Necesidad de utilizar luces de apoyo

La luz artificial: es mucho más controlable y estable. Su máxima dificultad es

que:

- Requiere de un enorme potencial eléctrico, sobre todo cuando hay que

iluminar espacios muy amplios.

- Hay que tener conocimientos para gestionarla.

El sonidoLa sensación producida en el oído por las variaciones de presión generadas

por un movimiento vibratorio que se transmiten a través de medios elásticos.

- Cal dosificar la capacidad expresiva de cada dimensión. Y sobre todo no

abusar de la palabra en detrimento de la imagen.

- Modifica de forma determinante la percepción que realizamos de la

imagen.

Funciones:- Canalizar y conducir nuestra atención dentro de la imagen.

- Facilita la continuidad y la fluidez de la narración.

- Permite una gran economía de planos (información en off)

- Aporta valor dramático al silencio.

Atributos: Intensidad o nivel: Cantidad de energía acústica, se mide en decibelios y

permite clasificar los sonidos en fuertes y débiles.

-Está relacionada cuando la aplicamos al género audiovisual con la

distancia percibida.

-El concepto de plano sonoro está ligado a la gradación del nivel de

sonido. Primer plano sonoro, plano sonoro en segundo término.

Tono: permite la distinción entre agudos y graves y está determinado por

la frecuencia.

-La mayoría de sonidos son tonos complejos compuestos por varias

frecuencias (diapasón).

-Gracias al tono podemos diferenciar los diferentes elementos de una

banda sonora: música, ruidos sonoros ambientales y palabra.

Timbre: Característica del sonido que hace que una misma nota

interpretada por varios instrumentos musicales produzca una impresión

diferente en el oído.

-Está determinado por el número y la intensidad de armónicos que

acompañan a un sonido determinado.

-Es indispensable para reconocer la textura o el "tacto" de un sonido

determinado

En función de cómo se relacionan con los demás aspectos del film Ritmo: duración temporal. tiene que ver con la existencia de un compás

rítmico que marque acentos más fuertes y otros más débiles. La música

es el sonido más claro en este sentido, pero también los diálogos y los

efectos sonoros. Los usos rítmicos del sonido son inseparables del

propio ritmo del montaje. Lo ideal es una estrecha cooperación entre los

movimientos en el interior de las imágenes y el ritmo del sonido.

Fidelidad: relación con la fuente. Un sonido es fiel si la fuente que nos

sugiere es la misma que la fuente que nos muestra. El cine de

animación y el cine cómico exprimen la capacidad sugerente y cómica

que puede generar la infidelidad del sonido

Condiciones espaciales: en relación al espacio. El sonido siempre

proviene de una fuente y por tanto posee una dimensión espacial en sí

mismo. Si la fuente del sonido es un personaje o un objeto que

pertenece al espacio de la historia de la película lo llamamos sonido diegético. Si por el contrario el sonido de la película películas procede

de una fuente externa a la historia, es añadida por el realizador o por el

montador para subrayar la acción o la expresividad del relato este

sonido lo llamaremos no diegético. Dimensión temporal: en relación al tiempo de la acción. Sincronizado o

sincrónico: aquel que ocurre al mismo tiempo que vemos la fuente

sonora que lo produce. Asincrónico: aquel que sentimos en un

momento diferente del que la fuente lo produce. Puede ser asincrónico

por motivos narrativos (un personaje recuerda las palabras que le dijo

alguien en el pasado) o por un error en la proyección o en el montaje.

Componentes de la banda sonora música

Efectos sonoros y ambientales

Silencio

Palabra: En forma de:

- Voces o de diálogos sincronizados.

- Letras de canciones

- Comentarios (voz en off): Expresión verbal que explica lo que la imagen no

puede aclarar por sí misma el espectador. Puede diagetico o no diagetico.

Recurso muy utilizado en el género documental. Hay que vigilar siempre

que la palabra no sea redundante. El texto de la voz en off debe ser hablado

y no escrito (será escuchado y no leído).

Características del dialogo:- Deben escribirse y construirse de forma que completen el perfil del

personaje.

- Deben completar la visualización de lo que no se aprecia bien o

directamente no se ve en la acción.

- Deben supeditarse siempre a la imagen.

- Deben añadirse información diferente a la que aporta la acción.

- Deben ser siempre esenciales.

- Deben ajustarse al máximo a la acción.

- Deben ser sugerentes y no dar toda la información al espectador.

- Deben ser cinematográficos y no literarios: los personajes deben hablar

como hablan, no como piensan ni como escriben.

- Los diálogos y las voces deben mantener un perfecto sincronismo labial:

correspondencia entre el movimiento de los labios del personaje que

habla y la duración de su discurso.

El sonido directo: garantiza la sincronía. Pero tiene otros problemas: los

ruidos del ambiente, la imposibilidad de graduar los volúmenes, la colocación

de los micrófonos que a veces obstaculizan la acción y el movimiento.

Sonido doblado o sincronizado: resta espontaneidad en la dicción, pero

aumenta el margen de creatividad y de perfección técnica. Existe la posibilidad

de la corrección hasta la obtención del resultado esperado. Una de las grandes

dificultades es conseguir el perfecto sincronismo labial.

Efectos sonoros o ambientales - Dotan el relato audiovisual de un gran realismo de la misma manera que

lo hace la voz humana.

- Subrayan la acción

- describen espacios

- evocan imágenes

- Poseen un valor expresivo diferente al de la imagen y la palabra.

- Hay que tener en cuenta que si reprodujéramos todos los sonidos reales

de un ambiente determinado, extrañamente la sensación tampoco sería

de realismo.

La mezclaUna vez realizado el montaje de sonido y listas las tres bandas de sonido, se

puede proceder a realizar el proceso de la mezcla, tarea que se lleva a cabo en

un estudio de grabación y que consiste en combinar las diversas bandas en

una sola que será la definitiva que incorporará el film o programa.

No debemos considerar por separado los diversos elementos de la banda

sonora, sino que ésta la tenemos que contemplar como un todo, como una

corriente continua de información auditiva.