Nº 25Saint Etienne, Martha Wainwright,

Benjamin Gibbard, Serial Cut, John Cale, Eltono, Hola A Todo El Mundo, Prats,

Louise Bourgeois, Cosmic Birds, Efterklang

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Índice

Imagen de Portada Martha Wainwright / Matthu PlacekImagen de Portada John Cale / Craig Mcdean

Nº 25

Saint Etienne 4, Martha Wainwright 6,

Benjamin Gibbard 12, Serial Cut 16, John Cale 22,

Eltono 84, Hola A Todo El Mundo 92, Prats 94, Louise

Bourgeois 108, Cosmic Birds 118, Efterklang 120

Saint EtienneTexto Carla Linares / Fotografía Elaine Constantine

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Words And Music By Saint EtienneExiste algo mágico en los discos conceptuales. Canciones,

títulos, letras, portada. Todo gira en torno a un único argumento, consiguiendo que mientras dure la escucha del álbum, entres a formar parte de la atmósfera que justo el artista buscaba crear para nosotros, para ti.

Así de esta forma tan sencilla y a la vez difícil de conseguir podríamos definir lo que supone escuchar el nuevo traba-jo de Saint Etienne: “Words And Music By Saint Etienne” (Heavenly Records, 2012), octavo LP que les reafirma más, si cabe, como grupo de culto de la escena musical pop–dance británica. Exquisitez y dulzura con toques disco, una joya.

Ya simplemente viendo la portada, podemos deducir que estamos ante un disco especial para vosotros y que también puede convertirse en algo muy especial para nosotros los fans, ¿Cómo ha sido para vosotros la creación del disco? ¿Habéis disfrutado con este reencuentro con vuestro pasa-do musical?

Sí, la verdad es que es un álbum completamente distinto a los otros. Hemos tratado de colaborar con diferentes tipos de per-sonas para conseguir algo inusual, algo diferente. Las melodías se han conseguido siguiendo un proceso bastante similar al que utilizamos siempre en cada trabajo, pero dándole una vuelta más, al final creo que hemos conseguido algo muy bonito. Las can-ciones al tratar sobre la música, sobre todo lo que te hace sentir, hace que recuerdes cosas que de alguna manera han sido espe-ciales para ti.

Además de las trece canciones que forman este “Words And Music By Saint Etienne”, habéis sacado otro disco con re-mixes, con remezclas de Two Bears, White Horses, Summer Camp, Beat Connection, Kisses… ¿Estáis decididos a con-quistar por completo todas las pistas de baile?

(Sarah se ríe y podemos certificar que su risa es igual de bonita que su voz). Eso estaría bastante bien, ¡¡¡sí!!! La verdad es que de siempre nos han gustado mucho los remixes. Es lo más dife-rente que puedes hacer de una versión original, y nos encanta el resultado.

La canción que abre el álbum “Over The Border” despista un poco, es una canción deliciosa en la que utilizáis como recurso el “spoken song”, y Sarah va preguntándose poéti-camente si dentro de veinticinco años, Marc Bolan seguirá siendo importante para ella, reflexionando sobre la impor-tancia de la música en su vida. Claramente es una de las más calmadas del disco, que posteriormente se vuelve mucho más bailable, pero sin dejar de hacer guiños a los ritmos más lentos (“I Threw It All Away”…) ¿Para qué momentos recomendáis escuchar este disco?

No sabría muy bien qué decirte la verdad… (tomándose su tiem-po para contestar a la pregunta). Nos gusta que nuestros discos sean escuchados en su totalidad, desde el principio hasta el fin, desde la primera canción y no parar hasta la última. O bueno, es en lo que pensamos cada vez que sacamos algún trabajo nuevo. Creo que en cada canción los sentimientos que puedes encontrar son bastante similares. Sí puede ser un disco melancólico, pero ¿quién dijo que la melancolía era un sentimiento malo? ¡Para no-sotros no lo es! Y el estar melancólico no tiene por qué significar estar triste, o deprimido.

Vuestro anterior trabajo “Tales From Tumpike House” (2005) trataba sobre la vida en un gran edificio de Londres.

¿Es la ciudad de Londres una fuente de inspiración constan-te para vosotros?

Sí, trataba sobre la vida a las afueras de Londres, desde hace muchos años vivimos en Londres. Recuerdo como cuando tenía trece años, yo vivía a las afueras de la ciudad y tenía que coger el tren todos los días para ir a Londres. Cada día contemplaba el mismo paisaje pero siempre me parecía igual de magnético que la primera vez que vi ese paisaje. Londres es una ciudad envolvente, nunca para de cambiar y nunca dejas de encontrar cosas en sus rincones que pueden ser una clara fuente de inspiración.

¿Cual seria vuestra calle favorita del mapa musical de “Words And Music By Saint Etienne”?

Uff, la verdad es que esta pregunta también me la debería de pen-sar un poco con calma… ¿Sólo una? Bueno, vale. Diría que “Devil Gate Drive”.

El tiempo pasa y como dicen, no perdona, desde “Tales From Tumpike House” (2005) han pasado siete largos años durante los cuales habéis sacado dos documentales, una ban-da sonora, Sarah, has sido madre… ¿Cómo habéis vivido esta etapa y cómo estáis viviendo esta vuelta tan “a lo grande”? ¿Cuáles son vuestros planes para el futuro a corto plazo?

Planes futuros a largo plazo aún no lo sabemos, bueno, yo perso-nalmente, aún no lo sé. El sacar nuevo álbum es algo realmente orgánico, renovador, purificador… Así que estamos disfrutando mucho de esta etapa. A corto plazo… Pues en noviembre estare-mos en España en varias ciudades como Madrid, Vigo, San Sebas-tian y Murcia, Creo que no me dejo ninguna, tenemos muchas ganas de volver.

La portada, los títulos de las canciones: “I’ve Got Your Music”, “DJ”, “Tonight” (que habla sobre la emoción que sientes justo antes de ir a un concierto…) todo es un home-naje a la música, una carta de amor a su innegable compañía. ¿Qué canciones son las que os acompañan últimamente?

Últimamente escucho bastante a los Seabees. La cantante tiene una voz realmente poderosa. Pero suelo escuchar tanto canciones antiguas (de otros años) bastante. Una mezcla un poco de todo.

Entonces, ¿Podemos afirmar sin miedo a equivocarnos que es-tamos ante un disco de corte conceptual?No, para nada, para nosotros, hacer un disco conceptual es algo bastante terapéutico. Es divertido. El escribir canciones que giran en torno a una misma idea, te da más oportunidades para llegar a nuevas ideas. Nos gustan los discos conceptuales, sí… (y vuelve a reír y nos vuelve a conquistar con su risa).

No daremos por terminada la entrevista sin preguntar por la canción favorita de Sarah para interpretar en directo de este último disco:

“DJ” es genial interpretarla en directo. El ritmo de los bajos, su so-nido. No sé, la gente con esta canción se vuelve bastante ¡¡¡loca!!!

Saint Etienne estarán presentando los temas de “Words And Music By Saint Etienne” dentro del ciclo Son Estrella Galicia el 14 y 15 de noviembre en el Teatro Lara de Madrid.

Come Home to Mama Que la canadiense Martha Wainwright tiene una de las voces más versátiles del panorama musical ya lo sabíamos. En “Come Home to Mama” (V2 Music, 2012), su primer disco con canciones propias en cuatro años, tras su particular homenaje a Edith Piaf, demuestra además una gran capacidad para exorcizar tragedias (su madre

falleció hace dos años) y sentimientos de culpa.

Texto Miguel Díaz Herrero / Fotografía Matthu Placek

Martha Wainwright

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Aunque no todo es gris, ni mucho menos. Martha nos reci-be sonriente en las madrileñas oficinas de Cooperative Music. La tarde anterior había estado presentando el disco en acústico en FNAC Castellana. “Creo que fue bastante bien”, dice, des-pués de excusarse por llegar media hora tarde a la entrevista. Viste cómoda: suéter de lana negro de cuello alto y pantalones morados. Habla por los codos, explicándose con mucha cla-ridad. “I talk a lot”, se disculpa al final. “Mejor”, le contesto.

En la portada del disco Martha aparece desnuda, apoyada so-bre sus piernas, sobre un fondo negro (“Es un poco tonto”, bromea). No puedo evitar hacer una metáfora fácil, ya que se trata de un álbum muy confesional, autobiográfico, con reproches a su marido (el productor Brad Albetta) incluidos. Le pregunto si no siente haber “desnudado” sus sentimientos más que nunca… “Sí, después de que muriese mi madre tenía la responsabilidad de cuidar de un niño muy pequeño. Mi pri-mer hijo. Y no quería llorar sobre él o entrar en depresión. Tenía que ser responsable. Ser una buena madre. Cuando el niño era lo suficientemente mayor, pude empezar a subir a mi pequeña habi-tación a escribir canciones. Fue entonces cuando dejé que todos mis sentimientos salieran a la luz y les puse música, los filtré en el tipo de disco que quería hacer”

El álbum, en el que han tocado su propio marido, Nels Cli-ne de Wilco, la artista japonesa afincada en Nueva York Yuka Honda o Sean Lennon, fue grabado en la casa de este último en la Gran Manzana. “Hace mucho que conozco a Sean. Y Yuka ha sido su mejor amiga desde hace quince años. Es como una extensión de una familia. Sean y yo nos queremos mucho como amigos y nos apreciamos mucho artísticamente. Su experiencia vital es muy diferente de la mía, porque obviamente sus padres son quizá las personas más famosas del planeta. Eso es algo con lo que nunca me identificaré. Pero somos de la misma edad, y hemos luchado para encontrar nuestra propia identidad en la industria musical, sobre todo cuando teníamos veintitantos. Tra-bajar en su casa fue un gran regalo que él me dio, que me ahorró mucho dinero y problemas. Además, siempre ha apoyado mucho mi música, y eso es bonito”.

Pasemos a hablar de las canciones, que las hay bien buenas. Musicalmente, es un disco básicamente de folk–rock moder-no. Tampoco falta la balada al piano de rigor “Proserpina”. Y luego está “Radio Star”, la rare avis del disco, con un ritmo y una forma de cantar poco convencional. Sin duda una de mis favoritas… “Me alegra mucho de oírlo, es una de las últimas canciones que escribí. Esta no es autobiográfica (sonríe). En rea-lidad, no habla de la radio, sino más bien sobre el fin del mundo. Una estrella intergaláctica que se dirige hacia nosotros para des-truirnos (risas). La canción fue inspirada en parte por la película

“Melancholia”, de Lars Von Trier, porque todo en esta película, el concepto, los planos, era tan bonito… Además, para este dis-co quería escribir algo divertido desde el punto de vista melódi-co, un poco loco. El resto de canciones son tan personales que quería escribir algo más ficcional, conceptual. Lo de “On the radio star/ we’ve travelled so far” se refiere al concepto del

mundo moderno, en el que todo gira alrededor de la tecnología. Un mundo que cada vez me parece más oscuro y apocalíptico”.

Efectivamente, las letras son muy personales. “Everything Wrong” está dedicada a su hijo, una disculpa por no haber sido una buena madre, con frases tan bonitas como “I will try to stay alive / to see as much through your eyes”. Sin embargo, la estupenda “Can You Believe It?” aborda la necesidad de que-rer y ser queridos después de todo. Ya lo dijo Neil Young: “only love can break your heart”. El disco trasmite, por tanto, una sensación más positiva de lo que parece. Martha me da la razón.

“Totalmente. He utilizado a mi marido como un auténtico saco de boxeo. En el disco digo algunas cosas muy duras sobre el matri-monio, pero creo que el tono global es “el matrimonio es difícil, estemos juntos, sigamos intentándolo, estaremos bien si cuida-mos el uno del otro”.

Otra canción autobiográfica, al menos parcialmente, es “Four black sheep”, con una línea melódica que el día de la entre-vista no me podía quitar de la cabeza. “¡Sí! Es un poco como

“Eleanor Rigby” (tararea la famosa canción de los Beatles). Escri-bí esta canción para un concurso, para la CBC, la televisión pú-blica canadiense. Tenía que representar a la provincia de Quebec, que es de donde soy. Pensaba escribir sobre Montreal, o sobre la ciudad donde crecí. Pero en el contrato nos decían el lugar sobre el cual teníamos que escribir la canción. Era un local de concier-tos, “The Black Sheep Inn”, un hotel en el campo, en Wakefield. ¿Qué iba a contar del jodido “The Black Sheep Inn”? Había to-cado una vez allí, en un momento en el que todo el mundo en la banda tenía problemas: uno era alcohólico, otro drogadicto… Un momento raro en nuestras vidas. La noche del concierto estaba nevando, condujimos a casa y conseguimos llegara a Montreal. Pero en la canción los cuatro morimos en un accidente (risas). Tenía que ocurrir algo interesante, así que la llamé “The Four Black Sheep”.

Parece momento de preguntarle si vendrá a presentar el disco con banda. “Vamos a intentar venir en marzo. Sé que es difícil por la situación económica, pero espero que la gente pueda venir. Serán mi marido al bajo, Jim White a la batería y Jared, el teclista de este disco. Vamos a empezar la gira también con Andrew Whi-teman, de Broken Social Scene. Estamos intentando poder venir. Depende de cómo vaya el disco”.

Para terminar, nos confiesa que le encanta conocer a pie las ciudades que visita. “Lo hago siempre que puedo. He paseado por el Retiro, el Palacio de Cristal… Quiero ver el Guernica el do-mingo, que me han dicho que por la mañana es gratis… No sé, aún no tengo un lugar favorito en Madrid, porque es tan grande…”.

Sí, definitivamente más que Montreal. ¡Nos vemos en marzo!

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M Ú S I C A

“He utilizado a mi marido como un auténtico saco de boxeo. En el disco

digo algunas cosas muy duras sobre el matrimonio”

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M a r t h a W a i n w r i g h t

Peaking LightsTexto Jaime Suárez / Fotografía David Black

Former Lives “La nostalgia es la negación del doloroso presente”, así rezaba una frase de una película de Woody Allen y equivocadamente podríamos

de esta manera entender el estado anímico de Benjamin Gibbard. El otrora líder de The Postal Service acaba de editar su primer disco

en solitario al que ha bautizado como “Former Lives” (City Slang, 2012), una recopilación de temas compuestos durante los últimos ocho años en los que no se marca como objetivo la búsqueda de un nuevo principio, sino más bien cerrar la puerta de su pasado.

Texto Jaime Suárez Crespo

Benjamin Gibbard

Es la nostalgia y no otro sentimiento, el que en ocasiones inva-de al oyente al sumergirse en las letras y la voz del artista esta-dounidense. A menudo, estas han servido para allanar la empe-drada senda que supone el paso de los años, la caída en el amor y la exploración de la esencia de la emoción humana. No sería extraño que aquellos que vivieron el cambio de siglo siendo unos adolescentes guarden en su colección alguna canción de Gibbard que les retrotraiga a los años dorados de la juventud.

Y es que a pesar de las numerosas colaboraciones en las que ha estado inmerso Benjamin Gibbard, durante todo estos años, jamás había dado el paso de grabar un álbum en solitario, hasta el presente “Former Lives” “Sentía que era el momento, tenía suficiente material para grabar un disco. Entendía que eran com-posiciones con un nivel muy alto. No merecían estar guardadas y no ser compartidas. Necesitaba anunciar a la gente lo que estaba haciendo”. Gibbard ha abierto el cajón donde escondía aque-llos estilos que no encajaban con las inquietudes de su grupo, aquellas canciones que aunque fueron pensadas para la banda se quedaron en el camino. De esta forma se observa un estilo apartado del lígero aire etéreo y épico que destila Death Cab For Cutie. “No hay sitio en un disco de Death Cab para una canción que recuerde a Big Star o Teenage Fanclub, no seguimos ese camino”.

“Former Lives” se presenta como un trabajo intimista, muy per-sonal y que ha sido llevado con sigilo por su autor, ni siquiera las personas más cercanas conocían que estuviera trabajando en ello. “Creo que habrá gente que se sorprendería si supiera cuando fueron escritas y hacia quien están dirigidas originalmen-te la canciones que han sido incluidas en este disco, los temas que componen este trabajo son temas muy íntimos que me han ayudado a sobreponerme a momentos amargos de mi vida, son te-mas que me han ayudado a poder expresar aquellas cosas que no pude decir en su momento a la persona que debía”. Gibbard ha convertido este proyecto en una antología que abarca casi diez años, en los cuales ha pasado por tres relaciones distintas, la última con la celebre actriz Zooey Deschannel de la cual se ha divorciado recientemente. “Las canciones en la mayoría de los casos no tratan los temas en los que piensa el oyente. Nunca he dado una hoja de ruta para que se conozca exactamente de lo que estoy hablando, no creo que eso sea beneficioso. Ha de ser uno mismo quien en mayor o en menor medida contextualice el men-saje que se intenta transmitir dentro de su propia experiencia”.

Habiendo trabajado siempre dentro de bandas en las que es necesario debatir y justificar el porqué de las acciones, se entiende como una liberación la posibilidad de hacer exacta-mente lo que uno desea, de trabajar individualmente sin dar explicaciones a nadie. “Cuando estás haciendo un disco siempre tienes la mirada puesta en el panorama general del álbum y en como las canciones se complementan y cohesionan de un modo u otro. En “Former Lives” ha sido completamente diferente, he trabajado cada canción como un ente individual. Las letras del disco no tratan de un tema en particular, ni se pueden ubicar en un determinado momento en el tiempo”. De este modo se en-tiende la variedad y diversidad que humea el álbum. Desde el country–folk de temas como “Lily”, “A Hard One To Know” o

“Broken Young In the Western Sky”, hasta el pop de “Teardrop Windows” y “Lady Adelaide” pasando por la mariachi “So-mething Rattling (Cowpoke)”, así nos lo confirma Gibbard…

“Son canciones muy diferentes entre si, no fueron pensadas para integrar un disco en concreto. Aún así no creo en la idea de que exista un forma correcta o incorrecta para la construcción de un

disco. Reconozco que al oyente le pueda resultar extraño que después de escuchar una canción interpretada por una banda de mariachis, le siga otra en acústico. La verdad es que estoy muy orgulloso del resultado, y me gusta pensar que eso es suficiente para justificar este trabajo”.

La falta de recursos en un determinado momento, la necesidad o posibilidad de pérdida de fuerza a exprimir nuestra imagina-ción y así encontrar fórmulas que permitan sacar adelante los proyectos que deseamos. Gibbard abre el disco, de una forma original, con “Shepherd’s Bush Lullaby”, grabada con un te-léfono móvil y así se plasma en el disco, sin colorantes, de la misma forma en la que fue concebida, no cuenta Ben… “Fue el principio de todo, estaba de gira tocando en Sepherd Bush, me llegó la inspiración para una canción y el móvil era lo único que tenía en ese instante para grabar, así que saqué partido de las nuevas tecnologías. Además considero que es algo divertido y es una fórmula que no se encuentra muy en consonancia con los registros en los que he venido trabajando”.

Más allá de la línea introspectiva y autobiográfica del álbum podemos encontrar referencias a los gustos y debilidades del artista, así se desprende del corte más próximo al sonido de Death Cab for Cutie, “Bigger Than Love”, cuya letra de pro-piedades anacrónicas, perfectamente adaptable a cualquier pareja contemporánea y moderna, está basada en las cartas de amor entre F. Scott y Zelda Fitzgerald. “Es importante entender las fuente de la que bebe la letra de esta canción para la compre-sión de la misma. ¿Quién podría imaginar que la temática que se trata procede de la obra de F. Scott Fitzgerald? He sido un gran aficionado a las cartas que se escribieron el uno al otro durante mucho tiempo. Hay historias muy hermosas dentro ellos, siempre había deseado poder plasmar parte de estas misivas, que en defi-nitiva son pedazos de sus sentimientos, en una canción”. Este es el punto álgido del largo, no sólo por la referencia a personajes históricos y la reflexión a la que invita el mensaje de sus letras sino también por la colaboración de la cantautora Aimee Mann.

“Nos une una gran relación, pensé que ella sería la persona ideal para participar dentro de este trabajo. Me siento muy orgulloso de su aportación, una vez comenzó a cantar supe que no había ninguna otra voz que pudiera encajar mejor que la suya”.

“Former Lives” una bocanada de aire fresco para la inquieta mente de Gibbard y al que no se le puede buscar mas inten-ciones que las de revitalizar el alma y coger fuerzas y es que el hecho de que Gibbard haya lanzado un disco en solitario no significa un punto y aparte para Death Cab for Curtie, sino más bien un paréntesis. Un descanso más que merecido de la nutrida gira que Ben y los suyos han llevado durante el último año girando por todo el planeta presentado “Codes and Keys”.

“Es probable que no vuelva a editar otro disco en solitario en diez años. Estamos en nuestro mejor momento, la banda goza de un gran estado de salud. Han sido ocho años en los que he vivido en dos lugares distintos y he pasado por tres relaciones, es un mo-mento en el que echado la vista atrás pero nunca dejo de mirar hacia delante”. Vamos poniendo punto y final a la entrevista pero no sin antes refrescarle la memoria de un pasado mas electrónico, mostrándole el anhelo que el respetable tiene por una vuelta de The Postal Service, aunque no entre en sus pla-nes retomar el proyecto que abandonó hace más de una década.

“La idea de que The Postal Service lanzara otro disco sería más seductora para el público que el propio álbum en sí. Nos creamos fantasías que la realidad no es capaz de satisfacer y así colmar las expectativas”.

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M Ú S I C A

Serial CutExtrabold

Sergio del Puerto o también más conocido dentro del mundo del diseño gráfico como Serial Cut™, es un profesional que se ha hecho

a si mismo: tras sus primeros pasos en la revista Vanidad, su esfuerzo y constancia lo han recompensado como uno de los profesionales

dentro del diseño gráfico más valorados del país y de los más solicitados fuera de nuestras fronteras.

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Texto Pedro GarcíaImágenes Sergio del Puerto

Su gran faceta comunicativa le proporciona sin duda un plus de intencionalidad a sus trabajos como diseñador, muy relacionado con el mundo de las tendencias, sus lla-mativos trabajos son siempre sinónimo de gran calidad visual. Ahora tras más de diez años de trayectoria y de numerosas campañas ejecutadas para grandes marcas recoge toda su trayectoria en ExtraBold, un magnífico recipiente en formato libro que contiene en trescientas veinte páginas impresas en diferentes clases de papel, una muestra de más de ciento cincuenta proyectos, des-de los comienzos hasta la actualidad.

Hagamos memoria y pongamos la línea de salida para Sergio del Puerto. ¿Desde cuando te dedicas al diseño gráfico? Y¿Cómo recuerdas tus comienzos?

Creo que soy diseñador o director de arte desde que era muy pequeño. Nunca le di la importancia que le doy ahora mirándolo con perspectiva, pero llevo haciendo lo mismo toda la vida. Co-ger prestada a escondidas la cámara de fotos de mi padre para retratar las composiciones estilo bodegón (no era un niño que jugara a una batalla entre héroes y villanos), disfrutaba teniendo al final algo tangible, una foto, que inmortalizara todo el trabajo de composición de la escena. Puede parecer una tontería, pero en realidad esto, instintivamente, me dio la base para hacer lo que sigo haciendo ahora.

Se te conoce desde siempre como Serial Cut™, pero ¿quién es Sergio del Puerto y que o quién es Serial Cut™?

Sólo soy un chico manchego al que le gusta la paella de mi madre, montar en bici, el cine, el olor de los libros nuevos y el Espidi-fén, que nació en una familia de clase media, donde no había una descendencia artística ni nada por el estilo, pero que rápido su-pieron ver que era un niño muy inquieto, creativo y rebelde. Mis padres me apoyaron desde el principio y supieron conducirme para explorar mis inquietudes y dar rienda suelta a lo que me salía de la cabeza. Creo que la base de mi infancia mis recuerdos y vivencias junto con lo que aprendí en comunicación cuando empecé a estudiar Comunicación Audiovisual aquí en Madrid (y esa vena autodidacta que tengo) dieron lugar a lo que hago ahora. Pensé que la carrera no me ayudaría a lo que hago en la ac-tualidad, pero pasando el tiempo me he dado cuenta que sí. Todo ha servido para formar las señas de identidad de Serial Cut™.

¿Cuándo y cómo surgió Serial Cut™? y ¿por qué “Serial Cut™”?Serial Cut™ es el nombre de batalla con el que empecé a firmar mis trabajos freelance, cuando ya vivía en Madrid, allá por 1.999… En esa época Serial Cut™ era proyecto unipersonal. Los comien-zos fueron duros, pero desde casi el primer momento empezaron a dar sus frutos. Mi trabajo fue en la revista de tendencias Vani-dad, donde llegué a ser director de arte. La revista fue un buen trampolín para conocer a figuras hoy en día consagradas de la fotografía, diseño e ilustración. Por esas fechas también empe-cé a colaborar con el periódico El País, donde hacía una ilus-tración semanal en el Tentaciones (actual EP3). Luego pasé por varios estudios de diseño y alguna agencia que otra, pero siempre compaginando mis trabajos freelance con el de full time. Nunca

quise incluir en Serial Cut™ trabajos que había hecho para otros, siempre tuve claro que lo que tenía que mostrar en mi portfolio tenía que ser cien por cien proyectos encargados directamente a mí, además de llevar un estilo que cada vez iba perfilando más. Fueron tiempos en los que dormía cuatro horas al día, pero tenía una fuerza increíble que hasta yo, mirándolo con la perspectiva actual, me quedo asustado. Siempre tuve la meta de montar mi propio estudio, y sobre todo crear un estilo fácilmente identifica-ble y que fuera evolucionando poco a poco. Dar el salto a ser cien por cien freelance fue algo natural, porque la carga de trabajo era más grande y los proyectos parecían más interesantes que los que tenía en la agencia. Así que empecé compartiendo un despacho, y pasados los años, ya fui incorporando nuevos diseñadores y un nuevo espacio más grande y cómodo, donde estamos cinco dise-ñadores en la actualidad.

El por qué de ese nombre es algo que me preguntan bastante. En el momento que empecé a usarlo hacía honor al “corte en serie” que puede hacer alusión al proceso de impresión (en esa épo-ca la mayoría de mis trabajos eran impresos), pero también me gustaba porque sonaba a “serial-number” e incluso a mi propio nombre. Era un nombre fácil de recordar, directo que sonaba fa-miliar, aunque no supieras exactamente de qué. No se me da mal el “naming”, en el trabajo y fuera de él. Pongo motes a la mayoría de la gente que me rodea según lo que me sugiera.

Los primeros años de trabajo en Vanidad, aún estaba estudiando Comunicación Audiovisual, donde tenía de compañera y amiga a Paloma Rincón, ella se dedicó más a fotografía, y yo al diseño grá-fico, luego nuestros caminos han estado unidos desde los inicios.

Observando vuestros trabajos como Serial Cut™ se puede observar que sois un equipo creativo y multidis-ciplinar: ¿Donde buscáis la inspiración? ¿Consideras que tenéis un estilo personal muy definido?

En mi caso, me considero autodidacta, el tema de la búsqueda de inspiración es algo muy instintivo, aunque tiene sin duda un apo-yo en la vida cotidiana, los viajes o un videojuego. Pero la verdad es que se me han ocurrido grandes ideas en la ducha, mientras estaba montando en bici o simplemente caminando por la calle pensando en mis cosas. Lo que si me ha atraído siempre es coger referencias de mi propia infancia y actualizarlas. Digamos que es un proceso de actualización y sofisticación de algo retro. En mis comienzos donde no existía internet me iba a la biblioteca de la Facultad a buscar referencias, luego compré revistas de tenden-cias y libros de diseño “enlatados” (recopilación de autores) pero ahora te diría que en Tumblr está todo si sabes añadir para reblo-gear, pero básicamente cada día que pasa en el estudio miramos muy pocas referencias y seguimos nuestro propio estilo, tal vez porque está más definido, pero eso es algo que lleva tiempo y ba-gaje. En mi libro cito muchísimos autores que me han servido, de una u otra manera, de inspiración. Es complicado citarlos a todos, pero los más destacados serían HerbLuballin, Mucha, AnishKa-poor, Daniel Gil, Serge Lutens, Guy Bourdin o Lou Dorfsman… ¡pero sólo son unas cuantas referencias porque aquí el espacio es limitado!

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A la hora de afrontar un nuevo proyecto, ¿a qué le otorgas una mayor importancia: a la idea, al diseño, al mensaje que quieres transmitir…? ¿Te dan tus clien-tes plena libertad creativa?

La plena libertad creativa me recuerda más a esos proyectos en los que te puedes permitir el lujo de experimentar porque tienes más tiempo porque estás empezando. Los clientes que tocan a nuestra puerta vienen con un brief bastante exhaustivo, dejan pocos cabos sueltos. Eso sí, muchos de ellos vienen con refe-rencias de nuestro propio trabajo y eso nos hace mucha gracia e ilusión porque han pensado que somos nosotros quienes tene-mos que hacerlo. Hay muy buenas ideas que a veces vienen ya impuestas y nos llaman para hacer la dirección de arte, el último paso para que tenga el mejor resultado posible. Siempre una bue-na idea es de agradecer. Hacemos trabajos buenos pero a veces no tan buenos, y sólo unos pocos pasan para mostrarlos en el portfo-lio, y eso porque tiene un desarrollo visual que aporta algo nuevo.

Ciñéndonos en “ExpoBold” tu actual exposición que gi-rará por diferentes ciudades, pero ¿qué es “ExtraBold”? ¿Podemos decir que “Extrabold” resume en cierto modo los mejores trabajos que Serial Cut™ ha realizado du-rante estos trece años de carrera profesional?

¡Claro! “ExtraBold” es el compendio de la selección de los me-jores trabajos del estudio, desde los comienzos a la actualidad. Es una selección de lo mejor de lo mejor, ordenado cronológica-mente. Los cinco primeros años están comprimidos en diez pági-nas, porque el estilo no estaba tan definido como ahora. He sido muy valiente en poner los primeros diseños, pero en realidad es algo que forma parte del estudio y sirve para ver la evolución. A partir del 2005, con la entrada de Paloma Rincón como la fotó-grafa oficial del estudio y la llegada paulatina del 3D y de mejores clientes, se le da un mayor protagonismo a los trabajos, incluyen-do además secuencias de making off. Pero el libro tiene varios atractivos muy especiales: el acceso a figuras virtuales, videos comerciales y maling off, websites e imágenes zoom a través de la realidad aumentada que funciona con un app gratuito. Y por último está la sección de remix, que cuenta con nuestros nueve diseñadores favoritos internacionales, los cuales eligieron una obra nuestra para reinterpretarla en su propio estilo.

Sin lugar a dudas vuestra ascensión ha sido meteóri-ca, hasta el punto de haber trabajado para clientes de la talla de Nike, Channel 4, Microsoft, Adobe, Puma, Toyota o PlayStation, ¿algún cliente con el que no hayas trabajado todavía y por el que sientas una espe-cial predilección?

Difícil pregunta, pero la verdad es que no. Estoy satisfecho con los clientes que tengo y he tenido. Realmente cuanto más gran-des son el proceso es más complicado porque es el mismo efecto que trabajar en un Ministerio. Prefiero un cliente más pequeño y asequible, donde las ideas sean escuchadas por unos pocos y no pasen tantos filtros.

“Extrabold” se divide en cuatro partes: Intro, Works, Re-mix y Outro… Ponemos la lupa sobre la primera de las partes, donde encontramos un subíndice, que podría resumirse como los espacios para las aplicaciones que Serial Cut™ ha desarrollado durante estos años. ¿Por qué esta disposición del contenido?

Esta parte fue sin duda la más complicada. Ahora es un gusto ver-la porque está llena de datos y es muy atractiva visualmente, y sí, resume lo que es Serial Cut™, su filosofía. Fue muy complicado tanto a nivel de contenido como visual. A nivel de contenido es complicado determinar como englobar en cuatro partes lo que es

el estudio, sin duda me llevó mucho tiempo. También escribir el texto, lo cambié muchas veces, pedí ayuda a Paloma, ella logra-ba darme su visión como parte del Estudio pero a la vez desde un punto de vista objetivo. Tampoco era algo que se pudiera en-cargar a un periodista, porque hablaba de la esencia del Estudio y quien mejor que yo para hacerlo, pero a la vez estar tan dentro te hace perder perspectiva y es curioso que los textos sólo pude escribirlos en casa, yo sólo, sin ruidos ni música… concentración total. No sé cuanta gente lo habrá leído, pero espero que también vean un valor de honestidad, que creo que lo tiene, y hasta di-dáctico, porque contar el proceso, las referencias de uno y el día a día es algo muy valioso que muchos se niegan a desvelar.

Dentro de “Extrabold” destaca especialmente Remix, un apartado para la colaboración y donde invitasteis a nueve diseñadores para realizar una pieza en exclusiva para el libro. ¿Cómo fue el proceso de selección de es-tos nueve artistas?

El criterio que seguimos fue muy sencillo: escoger a los diseñado-res que además de ser muy top habían tenido de una u otra ma-nera una relación con el estudio. Con otros simplemente había una relación de atracción visual mutua. Todos hicieron, dentro de su estilo, imágenes muy potentes y siempre les estaré agra-decido porque es un homenaje con mayúsculas al estudio. Los diseñadores tenemos un punto muy altruista que se ve reflejado en casos como este.

¿Hubo alguna premisa para estas colaboraciones?Simplemente ellos debían escoger una obra y que no hubiese sido elegida ya. Se les dejó absoluta libertad para hacer su inter-pretación, y ¡vaya si lo hicieron! Algunos sorprenden muchísimo.

¿Cuál crees que es el nexo de unión entre cada uno de los nueve magnificos diseñadores y artistas que han colaborado en el presente “Extrabold”?

Que todos son diseñadores reconocidos internacionalmente y que sobre todo son fan de Serial Cut™

¿Por qué ciudades girara “ExtraBold”?De momento las ciudades clave son Madrid, Londres y Nueva York, porque es donde más fans tenemos y donde más trabaja-mos. Pero puede que en el camino haya sorpresas y salga alguna ciudad inesperada. Todo es cuestión de organización. La gente pregunta mucho vía Facebook “pero cuando venís?”

Pasemos al presente y al futuro más cercano. ¿En qué proyectos andas sumergido en la actualidad?

En la actualidad tenemos una avalancha de proyectos y la verdad es que aún tengo resaca de “ExtraBold”, así que se ha solapado este proyecto de un año con proyectos importantes. Estamos ha-ciendo trabajos para Nike USA, Nespresso, Rexona, Cornetto y hasta ¡Fairy!ciudad inesperada. Todo es cuestión de organización. La gente pregunta mucho vía Facebook “¿pero cuando venís?”

Para terminar y como muestra para conocerte un poco más de Serial Cut™ en su día a día más rutinario:

Una tipografía: Cualquiera que sea “ExtraBold”.Una forma geométrica: Cualquiera que no sea circular.Un color: Cualquiera, no me caso con ninguno.

Gracias por tu tiempo y dedicación. Un abrazoGracias a ti, espero que por lo menos os haya ofrecido suficiente información como para que conozcáis mejor lo que se hace desde Serial Cut™.

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John CaleTexto Arturo Jiménez Calvo / Fotografía Craig Mcdean

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Shifty Adventures in Nookie WoodSu estancia en Velvet Underground, banda que fundó

junto a Lou Reed, duró tan sólo tres años. Pero eso le bastó para convertirse en una referencia mundial

dentro de la creación de vanguardia.

Septuagenario y con una lucidez envidiable, nos presenta su nuevo disco,“Shifty Adventures in Nookie Wood” (Double Six, 2012), siete años después de su último trabajo editado, le tiende una mano a los nuevos sonidos y tendencias pero sin dejarse arrastrar inconscientemente por ellas.

Cale nos ofrece en este disco un conjunto de canciones que rejuvenecen al clásico. A ese clásico que lleva cincuenta años sorprendiendo a todos los que le miran desde la platea terrenal. Pero ha sido una larga espera desde su último trabajo, “Black Acetate”, que salió en 2005. Todos sus seguidores, y los no tan-to se preguntaban el por qué de esta espera… “En el momento en el que pensé en ponerme con este nuevo disco estaba inmerso en montar mi estudio y eso me llevó bastante tiempo, como un año y medio. Intenté hacerlo lo más rápido posible, pero ya sabes que a veces tardas más en hacer algo cuando más prisa intentas darte. Una vez terminé con aquello empecé a trabajar con mi por-tátil, fui añadiendo cosas a los temas que tenía, pequeños arreglos para que el trabajo posterior fuese mucho más rápido”.

Sin duda todo un proceso muy duro, dilatado y meticuloso…”Sí, sin duda después de todo eso me metí a grabar en el estu-dio, con mucha calma, al final acabamos de grabar unas cuarenta canciones el pasado diciembre, de las cuales teníamos que elegir unas quince o veinte. Nos dijeron en aquel momento que tenía-mos que posponer la fecha de lanzamiento del disco porque ha-bía que coordinar el lanzamiento en Europa y América así que nos encontramos con tres meses más de espera.” Tiempo que pudiste emplear para perfeccionar y pulir los temas, pero que como alma inquieta decidiste darle otra salida … “Durante ese tiempo grabamos más material, y resulto que los nuevos temas me gustaban más que lo que teníamos ya hecho. Una vez finaliza-mos las nuevas canciones empezamos a mezclar,cuando tuvimos las mezclas y lo escuchamos en el coche para asegurarnos de que todo se escuchaba correctamente dimos por terminado el trabajo. Finalmente estaba convencido de que lo que se oía en el estudio era lo que fielmente iba sonar en el disco cuando saliera a la calle. Fue un proceso muy largo, la verdad, pero estoy muy contento con el resultado”.

Muchos álbumes en solitario después, infinidad de trabajos como productor, arreglista y varias composiciones para pelícu-las a sus espaldas, le han colocado en el altar de las leyendas vi-vas de la música moderna. Y es que John ha vivido la transición de la industria musical por dentro y por fuera. Ha sido testigo directo de los cambios, a mejor o a peor según se mire, que han marcado los diferentes estilos de las últimas décadas, por eso es interesante suponer cómo afrontó el proceso de mezcla de este trabajo. Teniendo en cuenta de dónde viene es de suponer que se hizo de forma analógica, la única tecnología disponible en los tiempos de la Velvet. “Sí, me compré una consola de mez-clas y estoy muy contento con ella. Es un aparato analógico que suena muy bien. Es muy cálida”.

Pero a pesar del refinamiento analógico que Cale se gasta “Shi-fty Adventures in Nookie Wood” tampoco le hace ascos a las nuevas posibilidades que la tecnología ofrece a los músicos hoy

en día. Y así Cale sabe dar un buen uso y exprime las posibili-dades de Autotune en Mothra… “Bueno, la verdad es que todo el mundo lo hace ahora, ¡yo sólo lo utilicé un poco! Lo usamos por dos razones, una es que este efecto hace sonar la voz como un robot y quedaba bien musicalmente, y por otro lado, le daba un carácter solitario y desolado al personaje que canta la canción”.

Alguien como Cale, criado en la vieja escuela, nos deja de sor-prende por no mantenerse al margen de los avances tecnológi-cos, ya que no solo los ve como una posibilidad de sonar más

“moderno” sino que los asume e integra dentro de su universo creativo… “Intento estar al día ya que estoy rodeado de todo eso desde que tengo el estudio funcionando. Por ejemplo, una de las cosas buenas de estar en un sello como Domino es que te animan a sacar EPs, singles… y por consecuencia caras B. Las caras B tienen que sonar diferentes al resto del disco y resulta que en una semana nos dicen que necesitamos un par de ellas para un lanzamiento. Así que tenemos que probar cosas diferentes y usar todas las herramientas disponibles en el estudio para conseguir ese sonido diferente”.

“Las caras B tienen que sonar diferentes al resto del disco”Cabría preguntarse en qué manera, al margen de adoptar estos nuevos avances, ha cambiado entonces la forma de trabajar de John Cale desde aquella “época analógica” hasta la invasión de los ordenadores y nuevos aparatos en las vidas de los creadores musicales. “ La tecnología y la música han avanzado mucho, es muy diferente en muchos sentidos. Sólo hay una cosa que es muy parecida, y es el improvisar al crear las canciones. Con la Velvet solíamos improvisar en el Hangar y ahora se hace en el estudio, donde además tienes más control sobre todo. Aparte de eso no creo que haya ninguna similitud con lo de antes porque, por ejemplo, ya no escribo canciones sólo con el piano o con la gui-tarra como solía hacer para anteriores álbumes. Ahora compongo con las herramientas del estudio”. Precisamente en este senti-do en “Shifty Adventures in Nookie Wood” colabora Danger Mouse, uno de los actuales gurus de esa nueva forma de traba-jar en la composición musical, que produce la pista que abre el disco. “Sí, así es, esto fue una especie de intercambio que hicimos. Hace tiempo él me pidió que participara en una canción de una banda inglesa llamada ‘Shortwave Set’. Antes incluso de eso fuimos un día al estudio para probar algunas cosas partiendo de una gran librería de pequeñas piezas que él había compuesto. No eran canciones propiamente dichas, más bien fragmentos mu-sicales no acabados que tenía guardados. Pasamos un buen rato compartiendo ideas, nos lo pasamos muy bien…, teníamos algo de vodka… Entonces recuerdo que en diciembre, cuando termi-namos de grabar los primeros temas, yo echaba en falta algo con sonido Motown y precisamente uno de los tracks que habíamos grabado en aquella sesión tenía ese aire que buscaba, así que le busque y le dije: ‘terminemos aquello y hagamos una canción’.

M Ú S I C A

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Los demás músicos y yo grabamos las guitarras y teclados del res-to del disco y esta pista acabó teniendo un feeling muy diferente a las demás canciones porque él toca de una forma muy suave. Es un intérprete muy delicado y dulce. Por el contrario, cuando yo toco suelo atacar al instrumento con mucha más fuerza”.

Sin embargo hay que admitir que se ha hecho una labor muy fina a la hora de homogeneizar esa diferencia entre las can-ciones… “Sin lugar a dudas, ¡eso es porque la puse en una muy buena posición en el disco! ¡La primera de todas! Si la hubiera colocado en el medio del disco se habría notado mucho más por-que destacaría más entre el resto del conjunto, el orden de los temas en un disco también es importante, es quizás el toque que le confiere sentido y cohesión a un trabajo”.

Pero ahondando mas en el presente “Shifty Adventures in Nookie Wood” y yéndonos a otra canción de las que forman parte del álbum, no podemos por menos que comentar so-bre una reseña de este trabajo en The Guardian en la que un afamado columnista expone que en el corte “Scotland Yard” hace referencia a las revueltas de Londres, de alguna manera el artista se siente ofendido ante esta temeraria apreciación e incluso cambia ligeramente el hasta ahora afable tono de con-versación… “¡Vaya!, ¡pues realmente no hablo sobre las revuel-tas! Hablo sobre todo. Hablo sobre la confusión general, sobre cómo funciona la comunidad local donde todo el mundo conoce a su vecino y lo que le está pasando. Hablo sobre la situación de la gente que vive bajo una vigilancia constante, que aunque no hayan hecho nada malo viven como si lo hubieran hecho. Y sobre la diferencia entre haber hecho algo malo y estar hacien-do algo malo. Es una diferencia muy sutil, ¿sabes?, no puedes diferenciarlo fácilmente. Y sobre lo útil que es para los que nos vigilan el saber cómo la gente funciona y cómo pueden deter-minar y predecir cuándo va a brotar la violencia en algún lado”. La sociedad que se encuentra bajo el control del sistema… “El tema es que están controlando muchas de estas cosas que están pasando y creen que por eso saben todo lo que ocurre, pero real-mente no es así. Intentan predecir todos los movimientos de la gente, pero la gente es impredecible. La gente es demasiado ino-cente y espontánea como para poder meterse en sus cabezas. Esas son parcelas de la naturaleza humana que aún no entendemos”.

La conversación coge una dirección interesante, sin duda, y las ideas se agolpan en la lengua para meter un poco el dedo en la llaga y comenzamos a charlar sobre si los músicos o la propia industria musical hacen eco de este tipo de asuntos. Prendemos la llama… “Creo que es muy útil para la industria musical permanecer ciega ante estos hechos. Realmente pasa en todo tipo de industrias, porque temen las sorpresas. A ellos les interesa saber lo que funciona. Las grandes corporaciones siempre están intentando manipular el curso del mercado. Quizá la industria musical simplemente deja que las cosas pasen y se intenta aprovechar. El hit del momento surge porque sí, nadie sabe por qué sucede. He oído todo tipo de explicaciones, pero realmente no creo que nadie sepa por qué ocurre lo que ocurre. No hay una fórmula que diga que tienes que hacer esto o aquello con la guitarra, o quitar esta o esa otra parte… Sí que he llegado a darme cuenta de cómo las grandes compañías manipulan las cosas y repiten patrones aquí y allá, pero en realidad eso se hace por instinto. No hay una fórmula para que algo tenga éxito, por mucho que la intenten encontrar las compañías. Eso es trabajo de los músicos”.

“Las grandes corpo-raciones siempre están intentando manipular el curso del mercado” Pero todos sabemos que siguen en su empeño las grandes compañías buscando la fórmula mágica para dar, por ejemplo, con la canción pop “perfecta”, acudiendo incluso a estudios científicos muy complejos. “Ese es el tema. No tienen suficiente respeto por la individualidad”. A los más curiosos les recomien-do que “googleen” experimento Darwintunes y se preparen para echarse a temblar…En fin, saliéndonos un poco de estos jardines tan “políticos”, no podemos quedarnos sin saber que opina en señor Cale sobre el estado de la escena musical actual. A nosotros nos parece estupendo, pero siempre es interesan-te el punto de vista de una persona que “ya lo ha visto casi todo”… “Están pasando un montón de cosas interesantes. Ahora encuentras infinidad de bandas por todas partes que no tienen mucho dinero, ni equipo, pero que hacen algo realmente único. Tienen su propio estilo y su propio sonido totalmente diferente a todo lo demás. No tienen muchos recursos con los que trabajar, así que lo que ves es fruto de su ingenio”. De hecho hay incluso algunas bandas insurgentes que le han llamado especialmente la atención a alguien tan especial como él, aunque su mente se nos desvela aquí ya un poco dispersa, síntoma quizás de que es hora de ir rematando la entrevista… “Bueno, no se si siguen siendo underground porque ya han sacado discos. Sus canciones y su música son muy “evasivas”, aunque muy atractivas a la vez. Hablo de Dirty Projectors. Y había otra banda…, pero lo siento, ahora mismo no me acuerdo del nombre…”

Cosas de la edad o simplemente una elegante forma de retirar-se… En fin, una de las razones, y sin duda uno de los grandes apoyos, del surgimiento de este tipo de bandas es sin duda la gran cantidad de festivales, de propuestas al margen del cir-cuito comercial que han surgido por todas partes del mundo en los últimos años. Este fenómeno, del que no pudo nuestro artista disfrutar por no existir aún en la época en la que daba sus primeros pasos en la carrera musical, a nosotros nos parece algo de los más normal pero para los creadores, sobre todo proviniendo como él del circuito underground, seguramente se les presente como una utopía materializada, aunque tenga sus pegas, lógicamente…” “Bueno, hay algunos festivales, como en el que acabo de estar en Chicago, que demuestra que hay gen-te que realmente conoce la escena alternativa y que sabe cómo ésta es capaz de atraer a la gente. Mira, tengo un nuevo equipo de técnicos que me acompaña en los directos de esta gira y el tío que se encarga de la música que suena antes de subirnos al esce-nario puso el otro día a Black Sabbath y más grupos de ese estilo, le aparté a un lado y le dije que no pinchara aquello otra vez antes de nuestras actuaciones. La gente que viene a mis concier-tos no quiere escuchar eso. Hay una mezcla intergeneracional de público que viene a mis actuaciones, de la que estoy muy orgu-lloso, que reúne a algunos más mayores que me recuerdan de mi etapa en la Velvet Underground, pero hay otros muchos jóvenes que encuentran una conexión entre varios grupos actuales y mis canciones. Todos ellos saben muy bien lo que quieren”.

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1. The XX, Coexist

Young Turks / Everlasting records 2012

Ya con su álbum debut, The XX nos transmitieron esa agradable sensación de escuchar algo extrañamente nuevo. Con “Coexist” el trío londinense vuelve a dar un paso al frente con su minimal pop en el que las voces acarician la música tratándola como un susurro, como un secreto en nuestro oído mientras la suave brisa sonora nos envuelve con sus cuerdas, con sus melodiosas sensaciones. “Coexist” continua los pasos, se gusta y sigue por la senda de una pulcra producción, de explosivas guitarras, de ambientes reberverizados, de intimidad, de silencio. Ahora respira, porque seguramente lo más interesante esté aun por llegar. Abel Molina

2. Skip & Die, Riots In The Jungle

Crammed Disc 2012

Primer disco de este grupo multicultural que cantan en afrikaner, xhosa, zulu, inglés, español y portugués unas letras reivindicativas que se mezclan con bailables ritmos africanos y sudamericanos, todo ello amalgamado a traves de una electrónica que da como resultado una propuesta única que no deja indiferente tanto por el mensaje como por que tiene temazos para quemar zapatilla en la pista de baile. Para buscar una cercanía dentro del difuso término “world music” están más cercanos a grupos que usan y utilizan los ritmos étnicos para crear que a los que se los apropian. Antonio Moreno Casero

3. Al Berkowitz, A Long Hereafter / Nothing Beyond

Temple Records / Taliban Music / Green Ufos 2012

Con mayor fuerza si cabe que en la entrega anterior, una vez más la sombra de Tim Buckley, Syd Barret y otros tantos coetáneos se posa sobre las composiciones de la banda, convirtiendo a este doble album en un viaje setentero alucinógeno en toda regla. Al igual que un ácido en un entorno controlado, estas doce canciones servidas en dosis de papel secante de doble gota nos llevan a un estado de conciencia diferente, donde las melodías de Ignacio Simón hacen de anfitrionas en una fiesta de ruidos, atmósferas y riffs siseantes.Esto es una velada relajada de LSD. No te dará el subidón de la cocaina. Aquí no hay falsa euforia pasajera. Puede incluso que cobre más valor al recordarlo o al recomendarlo a los amigos, pero lo que está claro es que todo el mundo debería probarlo aunque fuera una vez en la vida. Arturo Jiménez

4. The New Raemon, Tinieblas, Por Fin

Marxophone 2012

A nuestro querido Ramón no hay nada ni nadie que le detenga. Sus cuerdas vocales otorgan belleza a esas letras que su puño ha conjugado con habilidad, que plasman el descontento del autor con la sociedad actual, que encaran la realidad y le reprochan su iniquidad. Manteniéndose en la línea de su anterior trabajo; “La Libre Asociación”, aunque tropezando de vez en cuando con la monotonía, The New Raemon no deja títere con cabeza. Sin embargo, el mejor tema de “Tinieblas, Por Fin” es aquel que canta al amor y se sumerge en la mitología para olvidarse de la cruda realidad, “Galatea”. Beatriz Buitrón Álvarez

5. Amanda Palmer & The Grand Theft Orchestra,

Theatre is Evil

8ft. Records 2012

La cantante americana, también conocida como Amanda “Fucking” Palmer ha dado su do de pecho, nunca mejor dicho, con su tercer disco. Desde la primera escucha, las alusiones a Siouxie, Tori Amos o incluso Kate Bush son inevitables y también políticamente incorrectas. Y es que en su nuevo álbum encontramos una Palmer más popera y experimental que en su anterior etapa en Dresden Dolls. Temas como “I’m Not The Killing Type” o “Bottomfeeder”, resultan ostentosos y barrocos, envueltos en glam–rock, punk y otros pastiches. Amantes del exceso, pasen y escuchen. Caridad González

6. Alondra Bentley, The Garden Room

Gran Derby Records 2012

El segundo capítulo de la historia de Alondra Bentley recupera su sonido folk más tradicional y representativo.

“One Friday Morning” inaugura de forma elegante y melancólica este“ The Garden Room”, el cual se compone de un conjunto diez canciones que destaca por su sonido tranquilo, su ambiente familiar y su esencia americana y de época. En “Spring Rhyme” encontramos lo que podríamos denominar el punto más dulce del disco y en “Autumn Rhyme” el tema que cierra el círculo de esta conspiración entre genes de Murcia y Lancaster. Jesús María Velázquez

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7. Jason Lytle, Dept. Of Dissapearance

Anti– 2012

Desde la disolución de Grandaddy en 2006, Jason no ha apostado por un cambio drástico de ciclo en su terreno creativo, no sabemos donde estuvo el final y donde está el principio. En su segundo “solo” se presentan los mismos trucos y recursos que hemos podido observar a lo largo de su carrera admitiendo sintetizadores que parecen descifrar su idílico paradero. No es fácil reinventarse pero tampoco lo es encontrar la fórmula definitiva. Su nuevo trabajo suena extrañamente complaciente a la vez que monocromático, la amalgama de estilos e instrumentos le hacen perfectamente reconocible en “Mattherhorn”. Jaime Suárez

8. Ryat, Totem

Brainfeeder 2012

La sombra de Björk es alargada. Pero a Christina Ryat parece que le da lo mismo. “Totem” es un caleidoscopio sonoro con un aire a los trabajos de la islandesa (y eso sin siquiera hablar del asombroso parecido entre las voces de las dos artistas). Mezclando electrónica y elementos orquestales, el disco es un complejo puzzle que se desintegra y recompone una y otra vez. Que cada tema se corresponda con el “espíritu de un animal” ya da un poco idea de la paranoia ante la que estamos: un experimento de preparado caos, algo arduo pero con momentos interesantes. Miguel Gabaldón

9. Two Gallants, The Bloom and Bright

Fargo Records 2012

Recuerdo que, después de escuchar “What The Toll Tells”, el magnífico segundo disco de Two Gallants, escribí que quería comprarme una armónica. Me di cuenta de que se trataba de un grupo único, con un montón de cosas que les distinguían de otros grupos de Americana. Su sonido crudo (ahora que Black Keys se han convertido en un hype), su rabia y unas letras absolutamente increíbles, ahora más rock que folk, el dúo californiano sigue sonando rabioso “Ride Away”, pero cediendo paso también a la melancolía como en la hermosa “Broken eyes”. Donde aparece de nuevo, uf, esa armónica… Miguel Díaz Herrero

10. Matthew White, Big Inner

Hometapes / Spacebomb 2012

Matthew White es uno de esos tipos que rezuman rareza y rica idiosincrasia propia. Pobladísima barba, pelo largo y lentes imposibles. Uno de aquellos personajes que transmiten vida interior a raudales. Rasgos que uno puede desprender de su disco de debut “Big Inner”, un combo de sonoridades múltiples con una ineludible pátina a 70’s. Rock clásico, soul, experimental y hasta trazos de góspel pueden encontrarse en el esperanzador debut de este chico extraño proveniente de Virginia. Habrá que seguirle la pista. Oscar Villalibre Vicente

11. ∆ (Alt–J), An Awesome Wave

Infectious Music 2012

Vanguardia absoluta. Un triángulo equilátero: afroindie, electrónica y folk en los vértices. Creación que ha tardado cinco años en ver la luz, con trece canciones repletas de matices, juegos de sonidos, voces y silencios. Empezando, cómo no, por “Intro”, y pasando por tres Interludios, cada cancion es un tema y nos demuestra que los de Leeds controlan de geometría musical, el resultado: un álbum primogénito que llega con un prestigioso Mercury Prize bajo el brazo. “Tessellate”, “Matilda” y “Taro”, son bucles inevitables en cualquier escucha. Disco y género revelación. Teresa del Hoyo

12. Stubborn Heart, Stubborn Heart

One Little Indian Records 2012

Luca Santucci y Ben Fitzgerald nos conducen por una amplia línea de aromas, desde los más ácidos empapados de una sutil oscuridad hasta las dulces melodías de fácil ubicación mental, pasando por amargos pasajes, densos, rabiosos de ritmo. El debut del dúo de Londres está ubicado dentro de una de esas etiquetas derivadas del Trip Hop. La continua evolución creativa propagada a partir de artistas que crecieron con Massive attack, Portishead ó Tricky hace que las ramificaciones de ciertos géneros sigan creciendo incontrolables tocando sus extremos y constituyendo así sonidos complejos en su concepción y minimalistas en su resultado. Un placer. Abel Molina

13. Dos Gajos, Y seis canciones

Repetidor disc 2012

EP del dúo formado por Juan Carlos Fernández y Esperanza Collado con una propuesta que continua la senda de su anterior disco “Dos Gajos” (Repetidor disc 2012) rock árido, blues primitivo con pocas concesiones y artificios. En “Y Seis Canciones” nos encontramos melodías simples y unas letras sencillas que dan como resultado la banda sonora de una tarde de un redneck perdido en la meseta castellana. Antonio Moreno Casero

14. Ryan Francesconi, Mirabai Peart, Road To Palios

Bella Union 2012

Surgido a raíz de un viaje que esta pareja hizo a Grecia allá por el 2010. Lo que nos traen es un disco instrumental con inspiración adriática muy sugerente y de una delicadez muy apreciable. Como bien apuntó Joanna Newsom, con quien Francesconi ha colaborado en el pasado, parece increíble que el guitarrista sólo use una mano para tocar las cuerdas. La otra mitad del dúo la conforma, principalmente acompañando, el violín de Peart, que se me antoja algo más celta que las líneas de su partenaire. Quizá los fragmentos con el tempo más acelerado sean las que más sorprendan en unas primeras escuchas, debido a la maestría de Ryan a las seis cuerdas, pero los momentos más sosegados, donde el violín toma en esta ocasión las riendas, también tienen detalles cautivadores. Un trabajo muy cálido. Arturo Jiménez

15. Havalina, H

Origami Records 2012

El trío madrileño liderado por el omnipresente Manuel Cabezalí, presenta su séptimo disco, ahí es nada. Havalina levanta un muro de sonido a través de la solidez de sus guitarras eléctricas, protagonistas indiscutibles. Cada uno de los nueve temas que componen “H” da paso al siguiente, formando una cadena de ruido en el que cada instrumento se muestra perfectamente definido y la voz de Cabezalí aporta matices de crudeza y oscuridad. El rock sobrio de Havalina alcanza momentos de esplendor en temas como “Norte”, con el que abren el disco,

“Viaje al sol” o “Compañía felina”. Beatriz Buitrón Álvarez

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16. Shrag, Canine

Fortuna Pop! 2012

La banda de Brighton nos revela en su tercer disco una madurez musical que, al contrario de lo que ocurre con las bandas de sus contemporáneos, evoluciona hacia el caos, la tensión, el control descontrolado y algún que otro tema bailable. Como unos Belle & Sebastian descarnados y menos educados, temas como “Show Us Your Canines” o “Tendons In The Night”, nos dejan a nuestra suerte acompañados de armonías de voces a veces estridentes y riffs de guitarra a medio camino entre el punk y el brit pop de toda la vida. Lo bueno es que después de escucharlo, volvemos casi al mismo sitio. Y, entonces nos damos cuenta, de que nunca nos llevaron musicalmente muy lejos. Caridad González

17. My Best Fiend, In Ghostlike Fading

Warp Records 2011

Es tan fácil como darle al play y escuchar los primeros compases “Higher Palms” para darse cuenta de que este

“In Ghostlike Fading” es algo mágico, algo más que un pop tranquilo y fácil de escuchar. Un álbum capaz de transformar la inocencia de un teclado “axilofonado” en un ritmo intenso adornado por la voz apagada y triste de la musa del soul y la psicodelia mezclada. El momento acústico de mayor impacto viene de la mano de “Cool Doves” una canción que podríamos llamar capicúa con una guitarra idéntica al principio y al final. Jesús María Velazquez

18. The Chevin, Borderland

So Recordings 2012

Este cuarteto de Leeds, que toma su nombre de un monte cercano a localidad de Yorkshire, dice que sus influencias beben de grupos tan reconocidos como The Killers, Mumford & Sons y The Maccabees. A priori puede parecer atractivo e inquietante, pero cuando uno se sumerge en sus canciones se cerciora de que su propuesta no aporta nada que pueda calificarse de interesante o novedoso. La encargada de abrir el LP es “Champion”, uno de los pocos aciertos, que nos creará expectativas y enganchará en la escucha pero pronto comenzará a desinflarse y a mostrar las carencias que presenta este álbum. Jaime Suárez

19. Sera Cahoone, Deer Creek Canyon

Sub Pop 2012

El tercer disco de la cantante afincada en Seattle Sera Cahoone suena a otoño y melancolía. Un trabajo country folk, tranquilo y sosegado que, sin llegar a desgarrar, contiene nostálgicas letras sobre relaciones pasadas y lugares a los que se anhela retornar. Destacan el tema que abre el disco, la cautivadora “Worry All Your Life”, además de “Naked” o la pieza que da nombre al trabajo, en la que Cahoone despliega toda la morriña por su hogar en Colorado. En definitiva, doce temas afincados en la Americana, aconsejables para relajarse en una tarde lluviosa. Miguel Gabaldón

20. David Byrne & St.Vincent, Love This Giant

4AD 2012

A David Byrne nunca le ha ido eso de la nostalgia. Annie Clark (a.k.a. St Vincent) tampoco se sentía cómoda dentro del corsé cantautora indie y el año pasado sorprendió positivamente a crítica y público con “Strange Mercy”. El resultado de este matrimonio musical no podía ser, obviamente, un disco de pop accesible y convencional. En “Love This Giant”, los dos desafían las formas, jugando a la deconstrucción de principio a fin. El ecléctico sonido está entre el new wave juguetón, con esas trompetas, el jazz fusión y el funk. ¿Las mejores? “Who”, con su poderoso groove inicial, y “The One Who Broke Your Heart”. Para dejarse llevar totalmente. Miguel Díaz Herrero

21. Iamamiwhoami, Kin

Cooperative Music 2012

Debajo del nombre de iamamiwhoami se encuentra la cantante sueca Jonna Lee. Un críptico proyecto que empezó a gestarse sobre 2009, mediante la publicación de varios vídeos virales con una intrigante banda sonora. Lanzado a base de sencillos colgados paulatinamente en la red, “Kin” ha acabado siendo un disco. Un trabajo que combina el pop más frío y enigmático, con collages electrónicos densos, conformando un tapiz variado e interesante. Piezas como “Good Worker” son la punta de lanza de este curioso proyecto. Oscar Villalibre Vicente

22. Kiev Cuando Nieva, Parece Doble

Repetidor Disc 2012

Parece y lo es. En directo y desde el festival Periferias 2011 se lanza esta valiente propuesta, once versiones de los outsiders favoritos de los de Huesca. Doble apuesta. Presentado en vinilo más DVD en el que caben Daniel Johnston, Jonathan Richman y los más cercanos The Beach Boys. Pasen y redescubran “Walking The Cow”, “The New Teller” o “Don’t Worry, Baby” tras haber sido cuidadosamente traducidos al castellano y bañados en pop. A destacar el trabajo del realizador Orencio Boix, ensamblando vídeos del concierto y especiales intros. Teresa del Hoyo

23. Miaoux Miaoux, Light Of The North

Chemikal Underground 2012

La capacidad de abstraer el frío y la insensibilidad de lo distante agrupado en la electrónica de baile y transmitirlo con un cálido molde de sensaciones es una cualidad que Julian Corrie logra demostrar en su, oficialmente, segundo larga duración. El de Glasgow tiene la virtud de combinar pasajes llenapistas en la línea LCD ó Hot Chip con ambientaciones pop muy en la onda de los carismáticos Mew amén de ciertas incursiones por lo retro y las acertadas colaboraciones que inyectan al álbum un interesante punto de “inclasificabilidad”. Abel Molina

24. Paul Banks, Banks

Matador 2012

Paul Banks, otrora Julian Plenti, ha dado a luz a su segundo disco en solitario, en un momento en el que el lanzamiento del recopilatorio de interpol “Anticis”, ha sido más que bien recibido. En este disco homónimo, Banks nos descubre una sensibilidad más diáfana y experimental y unas letras de corte más naïve de lo habitual. Samplers, coqueteos con la electrónica, guitarras menos obvias y con más matices son la esencia de temas como “The Base” o “Arise, Awake”, además de recuperar “Summer Is Coming” de su anterior disco. Merece la pena asomarse al calidoscopio sonoro del líder de Interpol, aunque sólo sea para verle reflejado ante mil espejos. Caridad González

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25. Madness, Oui Oui Si Si Ja Ja Da Da

Lucky 7 Records / Cooking Vinyl 2012

Décimo álbum de la celebradísima banda de ska–pop inglesa que no ha tardado en meterse en lo alto de las listas de ventas de su país. Un trabajo exquisito donde la sencillez de los temas brilla con tanta fuerza como la de los elegantes arreglos que las acompañan. El buen hacer de una madura banda que, admitámoslo, siempre supieron hacerlo bien. Quizá ya es tarde como para que composiciones de este estilo se lleguen a convertir en clásicos contemporáneos, pero eso no les quita ni un ápice de valor. Un disco muy entretenido, con un sonido impecable y que desde el principio te arrancará una sonrisa de satisfacción. Arturo Jiménez

26. Mumford and Sons, Babel

Island / Glassnote 2012

En “Babel”, los ingleses continúan haciendo uso de la fórmula, encapsulada en su primer trabajo, que los catapultó a la cima del folk. Este segundo álbum comienza con fuerza, temas enérgicos como “Babel” o “I Will Wait” condensan la esencia del cuarteto londinense; guitarras, mandolinas, banjos y dobros vibrando vigorosamente. “Holland Rolland” genera un punto de inflexión, siendo continuada por una cascada de canciones que no son lo que, en un principio, parecen. Pueden comenzar con un punteo de guitarra suave, seductor, para luego transformarse en un ciclón sonoridad, véase “Hopeless Wanderer”. “Babel” es un disco previsible, cómodo, aunque más épico que su predecesor. Beatriz Buitrón Álvarez

27. Will Spector y Los Fatus, Bicáberut

Repetidor Disc 2012

Ecléctico es la mejor definición para el primer disco de estos aragoneses. Lo mismo tienes una jota pasada por el turbofolk como ocurre en “Que La Nieve Ardia” que pasamos a una canción de pop naive en “Me Encanta Verte Fatal” incluso hay tiempo para la canción–protesta como en “Las Chicas Guapas” o temas de clara inspiración freudiana como “Your Mother And Your Father Follan” es un disco que necesita varias escuchas para realmente disfrutarlo. Antonio Moreno Casero

28. Yani Como, Eso Sí Que Lo Sé

Art De Troya 2012

Tras el éxito de su anterior Lp, los arandinos presentan un nuevo trabajo con el que reivindican un lugar más reconocido dentro del indie nacional. Un álbum cálido y romántico, sin empalagos ni excesiva melancolía, cuyas letras cargadas de realidad nos hacen sentir protagonista. Un trabajo intenso y sincero donde se combinan delicadamente momentos intensos y reposados, “Lo Que Nos Une”, “Volea Plegable” y “Apocalipsis” como muestra. El omnipresente Ricky Falkner ha sido el encargado de producir el disco, cuyo pop sencillo y sin excesivos elementos ornamentales ponen de relieve la sensibilidad y la cercanía de la banda. Jaime Suárez

29. Patterson Hood, Heat Lightning Rumbles

In The Distance

Pias / ATO 2012

No sabemos de donde saca las fuerzas el colíder de los Drive–By Truckers, pero lo cierto es que a pesar del alto nivel de actividad y desgaste que supuso la recién terminada gira de la banda de Athens, Hood se mantiene en la primera línea. En este trabajo la energía que se libera no es tan rockera y vibrante, pero se siguen apreciando sus raíces country. Doce cortes que hablan de depresión, historias rebuscadas e irónicas, lucha de clases y desorden, donde sobresalen por su carácter reflexivo y oscuro

“Betty Ford” y “Come Back Little Star”, esta última cuenta con la colaboración de Kelly Hogan. Jaime Suárez

30. Jesse Boykins III & Melo–X, Zulu Guru

Ninja Tune 2012

Zulu Guru es un crisol futurista en que se mezclan el hip–hop, r&b, electrónica, afro–beat, trip–hop… Jesse Boykins III y Melo–X se elevan en gurús de nuevos caminos, uniéndose y fusionando atmósferas, culturas, música y palabras en un viaje lírico y romántico en el que sumergirse de lleno. Zulu Guru supone un mosaico rico en sensaciones, con temas de influencias diversas pero potente en cohesión. Un disco rebosante de piezas etéreas, como “The Perfect Blues”. Un primer single que, al igual que su título, es un perfecto ejemplo de este atmosférico y evocador disco. Miguel Gabaldón

31. Lawrence Arabia, The Sparrow

Bella Union/ Music as Usual 2012

El neozelandés James Milne (en su currículo figuran el grupo The Brunettes o salir de gira con Feist) se marca un tercer disco en solitario francamente elegante, ensoñador y bonito. “The Sparrow” suena a ratos al pop de cámara de The Divine Comedy, a la ingenuidad de unos Belle and Sebastian con la voz más engolada, o incluso a los Beatles de “A Day In The Life” en “Bicycle Riding”. Aquí hay muchos violines y canciones francamente bonitas, la mencionada o “The 03”, pero también riesgo formal. Un pequeño y breve (34 minutos) gran disco. Miguel Díaz Herrero

32. Efterklang, Piramida

4AD 2012

Efterklang es una de aquellas bandas con aroma especial, predestinada a hacer cosas diferentes. Un trío danés, con residencia en Berlín, que a parte de hacer canciones, colabora con directores audiovisuales y tienen su propio sello con el que publican a bandas como a Grizzly Bear. Su trabajo perseverante les ha llevado hasta este “Piramida” el que es su cuarto disco, y que se conforma como una propuesta pensada en grande. Música que mezcla experimentación, partes frágiles con rocosas, y un sonido rico lleno de pequeñas sorpresas para avezados oídos. Oscar Villalibre Vicente

33. Cory Chisel & the Wandering Sons, Old Believers

Readymade Records 2012

La dulce teclista Adriel Denae abre con “This Is How It Goes” el telón de este disco dando paso a la fiesta del sentimiento y el Rock and Roll. Podríamos estar ante un mixtape de Dylan, Van Morrison, Sam Cooke y Tom Waits y es que suena a carretera y kilómetros, a pura personalidad americana. Grabado en Nashville con Brendon Benson (The Raconteurs), y con un optimismo de agradecer en su ritmo y palabras, sobresalen temas como “I’ve Been Acused”, “Foxgloves” o el genial toque western blues en “Over Jordan”. Un detalle imprescindible, el acompaña-miento en voz. Teresa del Hoyo

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34. Asustadizo, Nutrición Animal

Molecula Records 2012

Este quinteto de Albacete (qué tendrá Albacete para dar tantos grupos y tan buenos) nos presenta su primer disco de indie bailable y divertido con auténticos hitazos como

“Nos Aplaudían”, “Decidme Algo”, “Putada” o con canciones alegres y positivas como “Cura”. Gran variedad de temas donde incluso hay letras donde se mezcla magistralmente la poesía, la biología y la vida diaría como en “Isoflavonas”. En definitiva un disco totalmente recomendable con una cuidada producción y unos músicos que demuestran su valía y sentimiento en cada nota que tocan. Antonio Moreno Casero

35. Los Mambo Jambo, Los Mambo Jambo

Buen Ritmo 2012

Arranca la primera nota de este cuarteto de ases y una orgía de surf, rock´n´roll, boogie y todas esas cosas que tanto animan el espíritu invade mi cuerpo. Me documento para saber de donde viene estos genios del revival y resulta que están editados por un sello de aquí, que la mitad de la banda son españoles y que queréis que os diga…, ¡ha despertado mi orgullo patrio! Vale que sus influencias son básicamente americanas, pero captan tan bien ese feeling, que se rompen las todas las barreras. No sólo son unos exquisitos interpretes sino que además sus composiciones se mantienen durante los nueve cortes a un altísimo nivel. En directo tienen que ser de lo mejor que nos podamos echar a los pies en la actualidad, pero tranquilos, que el disco también nos pondrá a bailar. Arturo Jiménez

36. The Nightingales, No Love Lost

Cooking Vinyl 2012

Pese a que esta banda británica lleva desde 1979 en funciona-miento, si bien es cierto que se tomaron un nada desdeñable descanso de dieciocho años, pero el paso del tiempo no ha hecho mella en sus energías y ahora presentan un disco potente y ruidoso. Su portada anuncia una cierta irritabilidad que se va confirmando a medida que avanza el disco. Una calma ficticia despunta en temas como “The Done Thing”, aunque la grave voz de Robert Lloyd, la contundencia de los riffs de guitarra y la persistencia de la percusión son constantes inalterables en la mayor parte del los temas. Beatriz Buitrón Álvarez

37. RNDM, Acts

Indian Records 2012

Cualquier cosa en la que pueda figurar Pearl Jam como referencia genera de inmediato unas expectativas muy altas, aunque, evidentemente, no tienen porqué ser cumplidas. Por eso el nuevo proyecto de Jeff Ament, Joseph Arthur y Richard Stuverud puede parecer inesperado, al abrirse paso entre ritmos bailables, el funky, voces cálidas e incluso unas líneas de bajo vulnerables. Temas como “Modern Times” o

“The Disappearing Ones” son como una agradable sorpresa que realmente no pensabas escuchar viniendo de una formación como esta. Pero en realidad, esa es su auténtica grandeza, el dejar de lado el pasado y vivir un presente más brillante y también más predecible. Caridad González

38. Benjamin Gibbard, Former Lives

City Slang 2012

La introspección que destilan las letras de este álbum parecen no estar dirigidas hacia Zooey Deschanel pese a lo que muchos podrían esperar. En su primer disco en solitario encontraremos una recopilación de canciones que el líder de Death Cab For Cutie ha ido acumulando a lo largo de los últimos ocho años, hecho que niega coherencia entre las mismas. Gibbard muestra entereza y fragilidad, es fascinante la cantidad de emoción que reprime, angustia a la perfección y demasiado placer perverso en ello. Destaca “Bigger Than Love” con golpes de sintetizadores y una lirica filosa, a dúo con Aimee Mann. Jaime Suárez

39. Race Horses, Furniture

Stolen Recordings / PIAS 2012

Los caballos de carreras de Cardiff tienen su segundo disco recién salido del horno. Su consolidación como grupo amante del pop electrónico se consuma con este “Furniture”. Diez canciones que rezuman aroma disco por los cuatro costados. Propuesta bienintencionada de correcta ejecución técnica pero que descoloca muchas veces con canciones como “Nobody’s Son”, que de tan parecida a “Radio Ga Ga” de Queen, puede llegar a oler a caricatura. Otras, como “Mates” parecen más acertadas en su intención bailonga. Oscar Villalibre Vicente

40. Rufus T. Firefly, Ø

Lago Naranja Records 2012

Subiendo peldaños hacia la excelencia y de la mano de Manuel Cabezalí como productor (Habalina, The Cabriolets), los madrileños nos regalan su segundo trabajo de larga duración. Mucha letra cuidada y bien medida, sin miedo a desnudarse en sinceridad. Grandes referencias cinéfilas en

“Asa Nisi Masa” o “Test de Voight–Kampff ”, aliñadas con sintetizadores, y un potente single, “Incendiosuicida” digno de primera división en su género, llenan este supuesto conjunto vacío (Ø). Once canciones listas para explotar y hacer explotar con un directo a la altura. Teresa del Hoyo

41. John Cale, Shifty Adventures In Nookie Wood

Double Six Records 2012

El legendario músico galés, miembro de la Velvet Underground durante un tiempo, vuelve a publicar un LP, después de varios años sin hacerlo. Cale, leyenda musical donde las haya, parece no sentir el peso de los años y sigue fabricando buenos discos. Este “Shifty Adventures In Nooki Wood” es una reivindicación de su basto poso rockero, y su buena afinidad con las nuevas maquinitas para hacer música. Quizás el disco tenga altibajos, pera las cumbres, como “I Wanna Talk 2 U”, son auténticas bendiciones. Oscar Villalibre Vicente

42. Marc Carroll, Stone Beads And Silver

Indian Records 2012

El artista que nos compete se ha rodeado de músicos que acompañan a Bob Dylan, Brian Wilson y The Morning Jacket. Estamos hablando de grandes representantes de la música folk americana. Desde el primer corte “Muskingum River” todo huele a llaneras desérticas y alcohol de destilación casera. La América profunda en su máximo esplendor. Banjos, violines, chasquidos, por supuesto infinidad de guitarras arpegiadas, y una voz agrietada que empasta como lamentablemente no se ve últimamente en este resurgimiento de la música de raíz del nuevo continente. Es duro decirlo, pero obras como ésta ponen en su sitio a los muchos experimentos surgidos porla reciente moda de revitalizar por narices a este singular género. A destacar la genial mezcla del disco, que consigue una textura tan espesa que casi se puede masticar. Arturo Jiménez

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Marta Cerdà Alimbau (Barcelona 1980) entró en el mundo del diseño después de dar un drástico giro a sus planes iniciales. Iba

para psicóloga, pero a mitad de carrera se dio cuenta de que allí no estaba su verdadera vocación. Fue cuando decidió estudiar diseño

gráfico en Elisava. A finales del 2008 ganó un ADC Young Guns, decidió poner en marcha su propio estudio.

Ha trabajado a nivel internacional para proyectos artísticos, culturales y publicitarios, combinando tareas de dirección de arte,

tipografía customizada, ilustración y diseño gráfico. Ha colaborado con marcas como Ray Ban o Coca Cola, cantantes y bandas

musicales como Dave Matthews Band o MF Doom, con editoriales, revistas y varias de las agencias de publicidad más destacadas

de España, Inglaterra o Estados Unidos. Su estilo combina simpleza y complejidad de formas, y se caracteriza por

un sofisticado uso del color.

Para Artelados Marta Cerdà ha interpretado el tronco de una cepa, las aguas que se forman en su madera, las astillas y las

protuberancias que brotan desde su interior. Altera los colores del tronco, y deja entrever la estructura de las astillas en los extremos,

parece casi como un brochazo. De esta manera se vuelve una imagen abstracta, ácida, que contrasta elementos orgánicos con digitales

en una imagen sintética a la vez que barroca.

Lados Mag premia tu fidelidad, regalando 5 packs de botellas de vino de la colección especial Artelados para Bodegas y Viñedos Neo personalizadas con diseños originales. Para entrar en el sorteo, envía un correo

electrónico a artelados@ladosmagazine.com incluyendo en el mismo el nombre del artista musical que protagonizó la portadadel número 24 de Lados Mag.

MartaCerdà

Artelados

Eltono

Pinturas independientesNacido en 1975, Eltono arranca su incursión en el mundo del arte

urbano en el 89 con el graffiti. Su firma por aquel entonces y durante casi diez años Otone, simplificación de la palabra automne, otoño.

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Texto Javier MielgoFotografía Eltono

El graffiti le llevo a formar parte del activista grupo fran-cés GAP, tiempo durante el cual ejecuto numerosas pie-zas sencillas y legibles que tenían como escenario habi-tual la línea de tren que une París con su suburbio natal, Cergy–Pontoise. La inquietud y el insatisfacción por evo-lucionar le llevo a estudiar artes plásticas en Saint Denis, de donde dando el salto a las paredes de Madrid en septiembre de 1999 para un intercambio de un año en la Universidad Complutense, convirtiéndose esta estancia transitoria en una adopción permanente y dando lugar tanto a un cambio estético como de proceso de creación e identidad… “Para mí, el cambio a una obra más reflexionada fue natural. Después de años escribiendo mi nombre por la calle, llego un momento en que necesitaba algo más. No quería dejar de trabajar en la calle pero tenía nuevas inquietudes y necesitaba explorar más allá de la firma. Mi formación académica (licencia-do en Artes Plásticas en París y Madrid) y los grafiteros que cono-cí en la universidad también me hicieron ver el graffiti desde otra perspectiva. Alrededor de los años 1997–1998, aún no se hablaba de Arte Callejero pero ya éramos unos cuantos buscando alterna-tivas al spray para intervenir en la calle”.

Otone (léase otón) dio paso a Eltono y este se desnudo después de varios intensos meses escribiendo graffiti buscando una alternativa para su identidad, Eltono de-cidió experimentar con el uso de un icono, buscando la esencia, la firma da paso a la figura de un diapasón como trascripción gráfica de su nombre, reflexionando sobre el mundo del arte y lo que le rodea… “Siempre he buscado mi identidad, trabajo a mi ritmo, sin dejarme orientar por necesidades comerciales o compromisos ajenos al proceso creativo. Contemplo, experimento y aprendo”. Así Eltono des-tila en sus piezas la esencia más pura del graffiti, gene-rando una dualidad entre el arte y la trasgresión, entre lo ilegal y el trabajo reconocido y apreciado., la calle como la galería más plural y democrática… “Mi produc-ción más importante sigue siendo las pinturas “independientes” por la calle (a eso me refiero a ilegales y no–encargadas). Son obviamente graffiti al ser realizadas sobre superficie ajena, furti-vamente y sin permiso. Luego, en paralelo, desarrollo diferentes experimentos para museos y galerías pero siempre con la calle en medio. Me gusta crear un intercambio entre el mundo del arte contemporáneo y el de la calle, que los públicos se mezclen: que los asiduos al arte vayan a ver obras por la calle y que la gente de la calle entre en espacios expositivos. Me gusta la calle porque es donde he empezado a trabajar y es donde aprendí a disfrutar de su libertad, poder exponer obras sin filtro entre el artista y el es-pectador. Por eso sigo trabajando en la calle, te permite trabajar de forma más espontánea y ofrecer al público un acceso directo hacia el arte”.

Sus primeros pasos en esta simplificación son muestras icónicas de graffiti donde simplemente sustituye las le-tras por una imagen, resueltas desde la vieja escuela con los materiales y soluciones formales del graffiti: re-lleno y borde. La evolución era constante y necesaria

y esta solución efímera y transitoria dio lugar a un cam-bio más profundo, no sólo era necesario a nivel estético si no también a nivel logístico y de técnica así ElTono lle-vo a cabo sus primeros experimentos con pintura plástica enmascarada con cinta de pintor y aplicada con pincel…

“No se bien como surgió ese cambio, yo iba experimentando por la calle y un día, en abril del 2000, salí con cinta, pintura plástica y brocha; lo que me sorprendió es que de repente mis piezas eran muy visibles. Tenía mucho menos que las ejecutadas con spray pero la gente se detenía para mirarlas, esas formas blancas, sim-ples y depuradas creaban intriga. Es en ese momento que entendí que con ese simple cambio de materiales, mi trabajo se abrió a un nuevo público. Para mí, el graffiti siempre ha sido una forma de jugar con la ciudad, pero sólo es una y quedan muchas otras por descubrir; buscando nuevos materiales, el juego se diversifica y se hace más interesante”.

Sin duda, el empleo de estos nuevos materiales exentos de estigmatización social dieron como fruto otras solu-ciones hasta ahora nunca relacionas con el mundo del graffiti, así es como la ya esquemática firma del diapa-són se simplifico convirtiéndose en una figura geométri-ca con la que Eltono juega abrazando la pared con un conjunto de líneas negativas y positivas que trasmiten un flujo continuo para generar un dibujo cambiante im-posible de definir ni de etiquetar dentro de las corrien-tes artísticas… “Me defino como artista del espacio público. El graffiti ha sido mi escuela pero hace ya doce años que deje de pintar mi nombre por la calle, hoy, lo que hago está orientado hacia el espacio público y lo que ocurre en él. El graffiti me ha enseñado a observar y entender la ciudad; si con “Postgraffiti” se entiende a artistas que fueron formados en el graffiti y que hoy tienen una producción artística influida por él, entonces entro en esa etiqueta”.

Así paso a paso Eltono con más de una década dentro de este mundo del arte urbano, buscando ampliar el propio concepto de arte urbano, expresándose con en-tidad propia, llevándolo fuera de su ámbito esperado, ocupando paredes de importantes galerías y museos, puede llegar el momento de hacer balance y ver todo lo que uno ha conseguido… “Para mi ambos espacios, galería y calle, están siempre conectados, no concibo una exposición en una ciudad sin haber transitado horas por sus calles; que sea para recoger materiales, instalar obras, pintar o simplemente inspirar-me. No soy un artista de taller, en cada exposición, fabrico todo lo que voy a exponer en el mismo lugar del proyecto”.

Obras con las que siempre pareces buscar la interac-ción del arte con el medio de exposición, así, en muchos de tus trabajos para galerías y eventos artísticos no pú-blicos parece que tienen como prioritario tender lazos de unión entre el interior y el exterior… “Observar durante años mis pinturas desaparecer o ser estropeadas o recubiertas me enseñó a no ser dueño de mis obras. Siempre he documen-tado los cambios que afectaban mis pinturas. Pronto dejaron de

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molestarme y me empezaron a gustar hasta tal punto que terminé provocando esos desgastes y deterioros para generar obra. Cuan-do hago una instalación interactiva, es para recrear esa interac-ción que existe en la calle y poder seguir siendo observador de mis obras y generar resultados inesperados”. Sin duda un claro ejemplo de esto son obras como “Astilla” y “Pubblico” nos cuenta Eltono, “Pubblico” es el ejemplo perfecto de puesta en marcha de ese proceso voluntario de desgas-te de obras. Como planteamiento artístico, me resulta más interesante generar obra siguiendo las reglas de un experimento que crear una obra controlando todos los parámetros de principio a fin. Otro ejemplo son los di-bujos que resultaron del experimento “Chinchetas” que hice este verano para el museo Artium en Vitoria: la do-cumentación de la degradación de las piezas instaladas en la calle me dictaban como hacer los dibujos que se iban exponiendo en la sala de exposición. Trabajar de esa forma me permite aprender mucho y explorar nue-vas áreas. Me interesa generar composiciones de forma y color que conscientemente nunca haría.

Intentando definir la obra de Eltono encontramos otra característica principal en el espacio físico donde la obra se lleva a cabo y toma forma, así son numerosos países los que ha desarrollado su trayectoria, así pode-mos encontrar sus trazos en lugares tan dispares como en Madrid, Paris, Toulouse, Venecia, Milán, Manchester, Londres, Oslo, Amsterdam, Zurich, Berlín, Sevilla, Barce-lona, Tarifa, Tokio, Seúl, Rio de Janeiro, Sao Paulo, Bue-nos Aires, Rosario, Bogotá, Mexico DF, Espinazo, Nueva York, Austin, Hanoi, Beijing… “No hay una calle igual ni una ciudad igual, entonces encontrarse pintando de forma furtiva en cualquier lugar es una experiencia nueva. En unas ciudades te tienes que proteger de los policías para que no te pillen y en otras ¡para que no te roben! Es otra razón por la cual no soy un pintor de taller, trabajando fuera, ningún soporte es igual y sobre todo, lo que te rodea, el ambiente, la atmósfera. Una obra pintada de forma furtiva no se puede comparar a otra pintada en un taller aunque el sujeto pintado sea el mismo, la quietud y la protección de un taller no transmite lo mismo que el ruido y la inseguridad de la calle, la obra resultará siempre distinta. La pintura por la ca-lle está impregnada de una vitalidad y no se puede separar las dos cosas. Cada ciudad es una experiencia nueva y son nuevos estí-mulos que observar, me inspira mucho conocer nuevas ciudades”.

Es evidente que en todos estos lugares, tu implicación con el entorno parece muy arraigada, la duda surge cuando uno tiene en cuenta los colectivos que desarro-llan su trabajo de forma habitual en cada una de esas ciudades. Eltono nos cuenta el por qué de colaboracio-nes como con Equipo Plástico, GAP y el por qué de la ausencia de otras… “El grupo GAP es de cuando pintaba por las líneas de tren en Francia, el grupo sigue vivo pero yo, aunque sigo siendo parte de él, ya no soy miembro activo. El Equipo Plás-tico es un colectivo de amigos y artistas que nos gusta trabajar juntos; somos Nuria Mora, Nano 4814, Sixe y yo. Hacemos un proyecto al año donde cada uno se olvida de su trabajo perso-nal y creamos obras conceptuales en común. Es un muy buen ejercicio. Es cuando más he aprendido últimamente. Es verdad que pinto poco en colaboración con otros artistas y eso por una

simple razón: la gran mayoría de artistas que pintan por la calle son figurativos; componer formas geométricas juntas con sujetos de boca y ojos no me sale, el figurativo ofrece una imagen inmedia-tamente digerible mientras que lo abstracto deja lugar a un poco de interpretación y misterio, los dos procesos juntos, figurativo y abstracto, deja simplemente lo abstracto como relleno de fondo de lo figurativo. Colaboro mucho con el estadounidense MOMO porque usa el mismo lenguaje que yo, está enfocado en lo expe-rimental y no en lo estético y nuestras ideas se complementan”.

Pero estas colaboraciones son llevadas un paso mas, in-teractuando de forma permanente y decisoria en la obra final con el público, así piezas como “Autotono” o “Au-tomatic Painting” mutan y se adecuan al espectador de-jándose manipular para formar la pieza final, recreando o desfigurando el icono del artista mediante partes mó-viles u otros recursos… “Me parece más interesante interac-tuar con gente que no tenga formación artística, las acciones son menos calculadas y quizás más espontáneas; por esa misma razón he hecho unos cuantos experimentos interactivos con niños. La verdad es que lo que más me interesa es cuando el que participa ni siquiera sabe que se trata de algo artístico, no está condiciona-do y no le tiene respeto ninguno. Me gusta usar la calle y su gente como un flujo, una fuerza que pueda utilizar para generar obras”.

Sin duda Eltono se caracteriza por un criterio constructivo y de especial sensibilidad para la rehabilitación de los ubicaciones que elige para la creación de sus piezas, una sensibilidad especial para la localización de los entornos y para crear in situ las formas y colores que se pegan a la piel de los edificios, ventanas, puertas, integrándose en la realidad existente, aprovechando la fuerza de estas texturas envejecidas, repletas de viven-cias, dignificándolas y dotándolas de un valor añadido que va más allá del mero valor estético, vivencias que se trasmiten de forma bidireccional de la obra al artista y viceversa. Ejemplo de esto es el interesante y espec-tacular proyecto “Thâng Long Hotel España”… “Muchas veces el resultado, en este caso la fachada pintada de un hotel en Hanoi, es sólo la mitad del proyecto, es la parte visible. La otra mitad que pocas veces se comparte es la experiencia. Esas tres semanas en Vietnam trabajando muchas horas bajo un calor asfixiante con cuatro ayudantes que no hablaban ni una palabra de inglés fueron para mi increíbles… Son gente que marca tu vida (y tu la suya), descubrí Vietnam desde el interior. Valoro mucho la experiencia humana de un proyecto, casi tanto como la artística”.

Nos cuenta Eltono para quien el encuentro fortuito de sus obras con el espectador es motivo de proximidad y privacidad entre el espectador y la obra pero aumen-tando sin duda la penetración del mensaje de la misma en el espectador. Así ahondado en la calle como núcleo de tus obras desarrolla otra línea de trabajo, que de alguna forma pudiera recordar tu etapa graffitera, por su insurrección, en este proyecto emplea como soporte carteles fotocopiados donde trabajadores autónomos se ofrecen para “chapuzas” domésticas y pegatinas de ce-rrajeros… “Este proyecto que empecé en el 2002 surge de una simple observación. Cuando llegue a España, esas pegatinas eran algo que nunca había visto en otro lugar (ahora sí pero antes no)

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y estaban por todos lados. Siempre me ha fascinado la comuni-cación callejera fuera de los canales oficiales donde cada uno se busca la vida y se promociona de forma barata. Hacer mi propia campaña usando los mismos recursos me parecía interesante, tie-ne mucho en común con el graffiti. Hice otra campaña donde pintaba un logo mío en los contenedores de obras, imitando su técnica de plantilla como si de una nueva empresa se tratase”.

Eltono reconocido activista plástico urbano es hoy en día toda una figura dentro de la escena internacional y su reconocimiento no ha dejado de crecer, así lo avala un inconmensurable portfolio personal que tiene en internet el soporte ideal para contener todas las imágenes que documentan el gran número de proyectos y exposicio-nes que el artista ejecuta por todo el mundo, y que por humano no deja de tener un favorito o proyecto más cer-cano a sus sentimientos y donde el puente entre cruda realidad y ficción controlada es mas profunda…

“El más emocional es sin duda la residencia que hice de dos me-ses en Tampiquito, un barrio popular en Monterrey, México. Me hice del barrio, la gente me acogió de una forma muy abierta y generosa. Fue una experiencia inolvidable. Ya que hablas de emo-ción, cuando más me emocioné fue cuando inauguramos la ex-posición mostrando el resultado al final de la residencia, vino la gente de la escena artística de Monterrey pero también vinieron

todos los residentes de Tampiquito. Ver esos dos mundos mez-clándose me lleno de emoción y no podía parar de repetir “¡Aquí hemos conseguido algo!””.

El presente de este artista pasa actualmente por Bei-jing, donde reside y donde ponemos el punto y segui-do a su obra, una obra en constante evolución para su adaptación al medio donde se desarrolla para buscar su máxima expresión, “Pekín es un muy buen terreno de jue-go, las calles están casi vírgenes de arte callejero. Hay siempre movimientos y mucha gente pasando por todos los lados, eso da pié a muchos experimentos. Desde que vivo en China, nunca he tenido tantos estímulos en cuanto a comunicación callejera es-pontánea, es un sin parar, innovan siempre para no ser borrado o multado, me paso horas observando y perdiéndome por barrios raros. Empecé mis estampaciones en la calle (usando el paso de los coches) en Pekín y en junio de 2012 tuve mi primera exposi-ción individual en la galería C–Space. En unas pocas semanas vuelvo para allá, tengo experimentos nuevos en curso por mi ba-rrio y espero poder observar resultados satisfactorios”.

Hola A Todo El MundoTexto Jaime Suárez / Fotografía Jimena Roquero

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Ultraviolet CatastropheEs el momento de crecer, de buscar más allá.

HATEM busca nuevos caminos con el mismo espíritu, sin descomponerse, avanzando,más electrónica, menos

folklore, más sintetizador, menos ukelele. Se enfundan la camiseta de Mushroom Pillow para otear nuevos horizontes.

No hay descanso, apenas sin haber terminado vuestra últi-ma gira, ya se conoce la fecha para el lanzamiento de “Ultra-violet Catastrophe” (Mushroom Pillow, 2012). Es un buen momento para mirar atrás y hacer una valoración del traba-jo llevado a cabo en los directos así como de los resultados cosechados con “Hola A Todo El Mundo” (HATEM Prayer Team, 2010) y el EP “Estela Castiza” (2011).

Efectivamente, acabamos de finalizar la gira del primer disco y el EP en septiembre y por determinadas circunstancias hemos en-lazado ahora con la publicación del nuevo trabajo. Hasta el mo-mento las cosas van muy bien, estamos contentos con la labor que hemos desarrollado en la gira pero sobre todo con la cantidad de gente que ha acudido a nuestros conciertos, hemos disfrutado mucho, solamente esperamos que la gira que corresponde al nue-vo álbum sea igual de fructífera y satisfactoria.

Desde la nota de prensa de Mushroom Pillow se afirma que el disco es el resultado de la unión de dos universos diferentes con el único propósito de crear magia. ¿Estás de acuerdo? ¿Qué crees que puede aportar la magia en los días que vivimos?

Creo sinceramente que en los últimos tiempos tenemos sobredo-sis de realidad y la magia nos permite digerir, afrontar y entender la realidad en la que vivimos de una forma más saludable. En este disco pretendemos ahondar sobre esta idea y aportar nuestro granito de arena con la magia que hemos intentado se desprenda en cada una de las canciones.

Hablamos de combinar dos universos, música y poesía. Siempre ha existido una estrecha relación entre la poesía y Hola A Todo El Mundo, pero si cabe con este disco se va un poco mas allá, se trata de una fusión en su máxima ex-presión. ¿Qué inspiran los poemas de Roy Tiger Milton a la banda? ¿Cómo ha sido el trabajo de interpretar el mensaje del poeta a la hora de darle una música acorde con los sen-timientos que se desean transmitir?

Las letras del disco son la adaptación literal del poema de Roy Tiger Milton “Ultraviolet Catastrophe”. Lo que nos atrae y nos inspira es la nostalgia y la melancolía que rezuman los poemas de este poeta anglosajón. El mensaje impregnado en la letras viene a decir que la realidad es en parte una ilusión, una ficción. Para el poeta esto significa una búsqueda constante de la verdadera realidad que no logra encontrar. Trasladar estos sentimientos a la música es una tarea complicada, hemos interpretado los poemas de una forma personal, pero también tratamos de incorporar lo que realmente quiere trasladar el poeta con sus letras. Intenta-mos componer una melodía un poco menos luminosa, más intros-pectiva y ambiental, la hemos dotado de cierto carácter etéreo a través de arreglos y delays, quizás puede parecer algo más triste que en discos anteriores. Esa es la manera de la que creemos se puede reproducir la visión nostálgica y solitaria del autor.

Encontramos muchas diferencias respecto a trabajos ante-riores en la parte instrumental. En este disco se percibe un acercamiento a los sintetizadores y un alejamiento del uke-lele, todo sin perder la esencia y el ADN de la banda. ¿Es un paso firme hacia adelante?

Es algo que hemos tenido en cuenta, cambios sí, pero no de-seamos que se vea alterada la identidad de la banda, intentamos mantener el estilo y las señas de identidad que nos caracterizan, seguimos siendo un grupo de música pop. En el disco anterior recurríamos a instrumentos más orgánicos, folclóricos como el banjo, el ukelele, el violín y el acordeón. En “Estela Castiza” ga-naban peso las guitarras eléctricas y ahora en el nuevo trabajo usamos mucho más los sintetizadores. Creo que se trata de una evolución natural, básicamente por las influencias y la música que venimos escuchando.

En alguna entrevistas afirmas que te sientes más cómodo cantando en inglés, Sin embargo no tienes la sensación que con “Estela Castiza” habéis conseguido calar mejor entre el público. ¿Crees posible una proyección más internacional de la banda?

Puede ser que “Estela Castiza” haya llegado mejor al público es-pañol, pero el hecho de cantar en inglés tiene su fundamento en la facilidad que encuentro al componer música en este idioma, por varias razones, entre ellas el de que la mayoría de música que he escuchado a lo largo de mi vida ha sido en inglés. El haber seguido componiendo en castellano hubiera sido continuar un senda de un modo antinatural. No queremos poner barreras, ya desde el lanzamiento del primer disco nuestra intención era que la música que componíamos no se quedara únicamente en Espa-ña sino que tuviera cabida dentro de otros públicos. Sin el apoyo de una discografía ese objetivo se antoja complicado. Ahora bajo la etiqueta de la Mushroom Pillow tenemos más posibilidades de penetrar en otros mercados, este segundo disco se lanzará entre otros países en Japón. A principios de diciembre estaremos en Francia, esperamos que sirva de escaparate para que podamos seguir creciendo y dándonos a conocer.

Al sumergirnos en “Ultraviolet Catastrophe” tenemos la sensación de que hay varios cortes que poseen característi-cas para que hubieran podido ser elegidas como single, en-tre ellas incluyo “My Tender Love” y “Oh Lord Tell Them Wind Blows Far From Me”. ¿Qué tiene de especial “They Won’t Let Me Grow” para que sea esta la canción escogida?

Precisamente una de las cosas que más nos han gustado cuando teníamos finalizado el disco, era observar, sentir que no había ninguna canción que sobresaliera en exceso sobre el resto. Todas las canciones guardan una línea bastante uniforme. Queríamos hacer un disco sin singles y que fuera el conjunto del disco lo que primara por encima de todo. Inevitablemente había que escoger una canción porque es así como funciona la industria musical, para promoción en radios etc., finalmente decidimos entre la discográfica y nosotros que el single fuera “They Won’t Let Me Grow” pero podría a ver sido cualquier otra.

Para terminar y atendiendo a la última subida del IVA en este país. ¿Qué futuro cortoplacista le auguras a la música en directo?

Otro inconveniente más. La música lleva siendo un sector cas-tigado desde hace tiempo, mucho antes de la crisis debido a las descargas ilegales de discos, la piratería etc. En otros países don-de se puso esta medida tuvo que corregirse porque resultó con-traproducente. Veremos a ver que pasa.

PratsTexto Oscar Villalibre Vicente / Fotografía Biel Capllonch

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Pla BDespués de haber estado durante años en la extinta

banda Madee, y de formar parte del proyecto de The New Raemon tocando el teclado, Marc Prats ha decidido complicarse un poco la vida y meterse

en el embrollo musical.

Para ello ha montado una banda con Lluís Cots y Pep Masí-ques (Madee) y ha reclutado a algún amigo como Dani Vega (Mishima). A esta alineación le puso el nombre de Prats. Y se puso a componer canciones. El fruto ha sido un disco de pop cantado en catalán y de bella factura, que lleva por título “Pla B” (BCore, 2012). Y para conocer este proyecto más de cerca, nada mejor que hablar con su precursor, el propio Marc.

A Marc Prats y a un servidor se les nota su acento catalán al ha-blar en castellano. Pero la conversación fluye distendidamente. Cuando se le pregunta sobre música, Marc tiene ganas de con-tar cosas y explicar su experiencia. Más al hablar de su primer proyecto en solitario, en el que decidió embarcarse después de haber empezado a componer canciones y ver viabilidad a la propuesta. De su tenacidad surgió este ‘Pla B’, cantado ín-tegramente en catalán, y que parece tener una buena acogida.

“Las sensaciones entre nosotros son buenas. Hace tiempo que es-tábamos tocando en otras bandas, pero cada proyecto es distinto, y en este caso estamos viviendo algo muy bonito y de forma na-tural. Desde empezar a componer hasta la promoción con BCore todo ha sido un proceso muy natural y progresivo, y estamos muy contentos con ello”, comenta Marc. El encanto de las primeras veces sigue intacto, pues es la vez iniciática que el teclista de The New Raemon y Madee se pone a liderar una banda. Sobre ello nos explica que “ahora todo es una historia distinta. Tienes que llevar más la responsabilidad de el directo. Yo estaba muy acostumbrado a estar en una segunda línea, y el hecho de estar ahora en el centro, que todos te miren a ti, presiona un poco pero forma parte del juego, entonces lo acepto y lo intento hacer con alegría. Teniendo en cuenta que, dada mi personalidad y la de la banda, no somos la alegría de la huerta. Pero lo asumimos e intentamos ser coherentes con nuestro carácter más sobrio y se-rio.” Seriedad profesional con respeto ancho para la profesión. Elementos ineludibles para formar parte del entramado musi-cal. Para hacer discos y conciertos. Directos como el que Prats ofrecieron el pasado 4 de octubre en el Apolo 2 de Barcelona para presentar su disco. Sobre este Marc Prats se muestra con-tento por poder empezar a girar con el nuevo trabajo, ya que hasta la fecha sólo habían ofrecido dos recitales más. Aunque precisamente este hecho, la falta de rodaje, puede ser el deto-nante de cierta falta de presencia en el escenario. Hecho que Marc asume con digna profesionalidad y no esquiva. “Vamos trabajando. Sin prisa pero sin pausa, para ir mejorando el directo. No hay que poner excusas respeto a la falta de rodaje. Es normal que cuando te metes en un proyecto nuevo hace falta un rodaje para que aquello funcione al cien por cien. Ha pasado siempre en todas las bandas que he tocado. Primero vas más tieso y luego te vas relajando y sintiendo más cómodo. Se aceptan las críticas y es cuestión de ir tocando”.

Con todo, a pesar de los desajustes de todo principio, Prats han sido capaces de sacar un disco adelante. Un larga dura-ción que cuenta con buenas maneras y augura buen futuro.

Pop académico, cortinas de guitarras y lirismo introspectivo. Producto conocido pero al que aún pueden mostrarse muchos prismas. Para la grabación del disco, Marc Prats contó con la sabia mente de Ricky Falkner a los mandos de la producción. Sobre la aportación de este nos comenta que “cuando tu mis-mo haces un puñado de canciones llegas a un punto en qué no sabes si éstas podrían mejorar o podrían tener otro estilo, y lle-gas a plantearte muchas dudas. Llegados a ese punto necesitas una voz autorizada que te guie en este tramo del camino. Que te aporte seguridad. Y en este sentido Ricky era el hombre ideal, puesto que conocía su trabajo, había colaborado con él y sabía de su buen gusto. Ello te permite relajarte a la hora de grabar el disco. Podía centrarme en cantar e interpretar sin perderme en estructuras o formas de las canciones”.

““Pla B” cuenta con buenas maneras y augura un buen futuro”Una ayuda inestimable, pero que no ha sido la única. Marc Prats se ha contado con varias colaboraciones para sacar ade-lante este “Pla B”, como el guitarrista de Mishima, Dani Vega. Aportaciones que hacen crecer el conjunto, aunque los músi-cos que graban y los que tocan pueden no acabar siendo los mismos. “Dani era el guitarrista que tenía en mente para tocar este disco. Soy admirador de su forma de tocar. Por su gusto a la hora de interpretar con la guitarra y por su forma de grabar, porqué es un tío que se involucra. Sin conocer mucho la can-ción se mete, se arriesga, prueba cosas, y esto lo necesitábamos para encontrar el sonido que buscábamos”, comenta Marc en este sentido. Y ello ha dado lugar a buenas canciones, como el single “Pla delirant”. Una de aquellas piezas redondas que dan la sensación de haberse compuesto rápidamente y casi de forma espontánea. Marc Prats nos lo confirma, y añade que es la canción que menos trabajo le supuso componer, pero que una vez acabada olía a single. Aunque otras canciones también consiguen hacernos parar el oído, como “Sookie”, encargada de abrir el disco y que narra una de aquellas oscuras historias de vampiros y que recoge el guante de la protagonista de la serie televisiva True Blood. O también la bella “Petita y blan-ca”, versión del músico catalán Toti Soler. Quién resulta ser familia del propio Marc, pero ello no quita la importancia de la figura de músicos como él. Héroes caídos que cuestan de recuperar en este país. Sobre la canción, el líder de Prats nos explica que “tenía ganas de hacer una versión de una canción que yo pudiera llevar a mi terreno. La pieza original es más sobria, y hemos quedado muy contentos de cómo ha quedado la cover, tanto en el disco como en el directo. Y no deja de ser una forma de reconocimiento a estos artistas, que a veces no se reconocen tanto como se merecerían”.

R E T A 2

C o l l e c t i o n R E T A 2 C o n c e p t X - p r e s i o n P r o d u c c i o n e s

F i l m D i r e c t o r G u s t a v o L o p e z M a ñ a s C o l o r i s t X – p r e s i o n

A r t i s t i c c o l a b o r a t i o n J a v i e r R e t a M u s i c D a n i H i g u e r u e l a ( N O D O G S )

P h o t o G u s t a v o L o p e z M a ñ a s A r t d i r e c t i o n X – p r e s i o n

P h o t o A s s i s t a n t C u r r o d e l o s R i o s M o d e l s L a r a L o p e z ( U n n o m o d e l s )

& K i r a ( T r e n d m o d e l s ) S t y l i s t O s c a r M o r a l e s M a k e – u p a r t i s t Y u r e m a V i l l a

G a n a d o r a d e l a e d i c i ó n 2 0 1 2 / 2 0 1 3 d e t h e I n t e r n a t i o n a l A I P P A w a r d s

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Ricardo Cavolo

Espacio Km. 0 con Levi’s®

Levi’s® en Espacio km0 de Lados Mag nos muestra el trabajo de Ricardo Cavolo, uno de los artistas seleccionados

por Levi’s® para la realización una de sus obras tomando como elemento base los jeans Levi’s® 501®.

En breve podrás ser partícipe de todo el proceso de creación de la obra de Ricardo Cavolo en: www.ladosmagazine.com

Ricardo Cavolo desarrolla todo su trabajo bajo el interés por establecer y propiciar relaciones de afecto y proximidad, aplicado tanto a los modos de hacer como a las herramientas y conceptos

que maneja. Partiendo de esta actitud, termina conjugando acontecimientos de pequeña o gran escala mediante objetos y relaciones que son a su vez concretas e imprecisas, sencillas y trascendentes, táctiles y enigmáticas, comunes y extrañas…

Su principal virtud es trabajar con lo que le resulta familiar y cercano, tanto en el aspecto material y estético de las obras, como en

el proceso de realización, que atiende al interés por las relaciones de proximidad y el gusto por la elaboración manual.

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Louise Bourgeois

Honni soit qui mal y pensé

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Texto Beatriz AhijónFotografía Christopher Burke & Manuel Blanco

Louise Bourgeois nació en Paris en 1911, en el seno de una familia de artesanos del tapiz. La frágil salud de su madre hizo que pronto se pusiera al corriente del oficio y preparara su ingreso para la École de Beaux Arts. De esta tradición familiar le vino su amor por el arte, pasión a la cual pudo dar rienda suelta en Nueva York, a donde emigró tras contraer matrimonio con el historiador ame-ricano Robert Goldwater, en 1938. Imbuida del ambien-te intelectual de aquellos años, Louise se interesó por la inconsciente, que intentó plasmar en su obra. Artista y escritora a un mismo tiempo, ella misma nos revela la fuente de su angustia, nos explica los significados de su obra, y relata el comienzo de su carrera artística, una huida hacia delante movida por la intensidad de su psique, que impregnó y fue el alma mater de toda su obra: “Me sentí atraída por el arte porque me aislaba de las di-fíciles conversaciones de la mesa donde mi padre se jactaba de lo bueno y maravilloso que era (…). Cogí un pedazo de pan blanco, lo mezclé con saliva y moldeé una figura de mi padre. Cuando estaba hecha la figura, empecé a amputarle los miembros con un cuchillo. Considero esto como mi primera solución escultórica. Fue apropiada para el momento y me ayudó. Fue una importante experiencia y determinó ciertamente mi dirección futura”.

La artista hizo uso de las distintas disciplinas del bor-dado, la pintura, la escultura y la instalación, y utilizó un amplio abanico de materiales como la madera, el bronce o el hilo, para dar forma concreta a sus traumas y hacerlos revivir. Su obra es un simulacro mediante el que Louise adquiere la posibilidad de tomar el con-trol de lo que la atormenta. Aunque la artista nos dejó en 2010, su obra es como un aliento que reactiva sus constantes vitales. La anciana burlona que fotografió Mapplethorpe vive a través de las pulsiones de su obra, y de los numerosos diarios que dejó.

Una casa de muñecas para Louise“Honni soit qui mal y pense. Mal haya quien mal piense”. Con el lema de la orden de la Jarretera (The Most Noble Order of the Garter) como advertencia pendiendo sobre nuestras cabezas, se abre la exposición dedicada a la artista Louise Bourgeois (París 1911- Nueva York 2010) en La Casa Encendida, Madrid. Obra de la curadoría de Danielle Tilkin, la muestra reúne más de cincuen-ta piezas, entre las que se encuentran instalaciones, pinturas, es-culturas y grabados realizadas durante los últimos diez años de vida de la artista, y nunca antes vistas en Madrid. Bourgeois, que inicialmente se formó en el arte de la pintura y el grabado en

Francia, finalmente consolidó su lenguaje artístico a través de las posibilidades narrativas que le brindó la escultura, técnica que le descubrió su maestro Fernand Léger, y que finalmente adoptó hacia 1940, instalada ya en Estados Unidos. Sus esculturas e insta-laciones ocuparon el vacío que tanto la aterraba y lo llenaron de sus obsesiones. Su obra vuelve una y otra vez sobre sus recuerdos traumáticos de infancia, en lo que supone un acto de repetición compulsiva, a un tiempo punitiva y catártica. Hay en su obra, que podíamos calificar de intimista, un sesgo misterioso que nos tras-lada al borde de su abismo existencial.

Por las noches tengo miedoDecía Louise que existimos sobre todo por ausencia y, de hecho, su obra retorna constantemente a tiempos pretéritos. Como la memoria, también su obra es fragmentaria, presa de una nostal-gia que nos lleva a recomponer en una imagen mental de lo que falta, lo que se ha perdido o no se dice, como ante una ruina. Las dimensiones que adquieren estos recuerdos náufragos pro-ducen la sensación de extrañeza que habita detrás de lo familiar y cotidiano: Su hogar de la infancia, motivo de muchas de sus representaciones, es el escenario del drama de su niñez; con mu-ñecos de trapo que le sirven para representar todo aquello que la turba desde entonces. Con la obra de Bourgeois, el arte vuelve al sentido primordial del tótem, la plasmación de aquello que nos aterra porque no entendemos, aquello que nos obsesiona durante el día y que nos persigue en nuestros sueños y que, mediante su representación, pretendemos dominar y no convertirnos así en sus víctimas.

Atrapados en sus redesProveniente de una familia de artesanos del tapiz, la tela y el hilo son citas autobiográficas constantes de su obra, tanto a nivel for-mal como expresivo. Al igual que una araña, muy presente en su obra, Bourgeois teje su historia personal y nos invita a des-lizarnos por los viscosos hilos de los que penden sus recuerdos. Y así, mientras que su obra rezuma su vida y su esencia por to-dos sus poros, nosotros como espectadores somos convertidos en voyeurs de los mismos. La temática en torno al sexo y los clichés de género, dominante en su producción, podría fácilmente in-terpretarse como feminista y, si bien es cierto que refleja cómo la mujer es encadenada al ámbito doméstico, y limitada a su rol reproductivo y la realización de ciertas artes menores, también de esto se libera Louise, esta vez por medio de la ironía, bor-dando cuidadosamente sus iniciales en muchas de sus obras. Sus creaciones destilan un intenso psiquismo del que resulta fácil quedar prendido. Al fin y al cabo ¿qué es una tela de araña sino una trampa sutil?

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a r t e

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L o u i s e B o u r g e o i s

F o t o g r a f í a I v a n J u r a d o E s t i l i s m o P a t r y c j a J u r a s z c z y k

H a i r & M a k e – u p P a t r i c i a A r n a i z P o s t p r o d u c c i ó n R u b e n T r e s s e r r a s

p á g . 1 1 3 C a m i s a c u a d r o s Z Z e g n a C a m i s a v a q u e r a L e e

C o l g a n t e y a n i l l o T h o m a s S a b o

A S H E S

P á g . 1 1 4 C a m i s a L e e C o l g a n t e T h o m a s S a b o

E S T A P á g . P a n t a l ó n L e v i ’ s C a m i s a y c h a q u e t a L e e Z a p a t o s V a n s

R e l o j J e r e m y S c o t t f o r S w a t c h

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E S T A P á g . C a m i s a c u a d r o s Z Z e g n a C a m i s a v a q u e r a L e e

C o l g a n t e y a n i l l o T h o m a s S a b o C i n t u r ó n W r a n g l e r Z a p a t o s L o t t u s s e

P Á G . 1 1 7 c a m i s e t a D s q u a r e d 2 C h a q u e t a W r a n g l e r P u l s e r a T h o m a s S a b o

P a n t a l ó n S u p e r d r y

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Cosmic BirdsTexto Teresa del Hoyo Alonso Pimentel

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Chronicles of the WindwarSin ser un experto en ornitología te dascuenta, que los

chicos de Cosmic Birds son cuatro ejemplares que con su opera prima.“Chronicles of the Windwar”, están preparados para comerse el mundo sorprendiendo y enamorando allá

donde suenen con sus atmósferas mágicas.

Es innegable, con “Chronicles of the Windwar” nos encon-tramos ante un trabajo de mayor complejidad a los Eps pu-blicados anteriormente, el nuevo trabajo de Cosmic Birds está repleto de matices, propios de aquellos que se esfuerzan por ampliar fronteras, evolucionar para crecer y experimentar por paisajes sonoros más diversos. Sin embargo admiten “el pro-ceso de composición no ha cambiado, pero cuando hace un año grabamos “Hello Earth” en casa, con las limitaciones del “do it yourself ” no pudimos llevar a cabo todas las ideas que teníamos”.

“Chronicles of the Windwar” es la entrega de una de las me-jores y con más proyección bandas noveles del momento: un álbum que suena a álbum. A un todo que llama a ser escuchado desde el tema uno al décimo tercero en modo nonstop. “Gra-cias, “Chronicles of the Windwar” es una historia que abre con el “Woke Up Alone” de “Failure” y cierra con “The Story is Over, The Storm’s Come and Gone” en “The Sinner and the Musical Graves” y “Secret Garden”, de algún modo con este trabajo es como terminar el trayecto y cerrar el círculo”.

Las melodías de Cosmic Birds respiran ese aire especial y má-gico entre unas cuerdas de naturaleza de folk y el piano con un alma nocturna y urbana, indie–pop–experimental. En “Down to the city”, el estribillo reza “I’ll never go down to the city anymore / They tell me there’s light in the city but I know / that I don’t belong”. Un estribillo que no hace si no ahondar en la duda de donde esta el nido para estos pájaros cósmicos…

“La ciudad sin duda nos condiciona porque es nuestro entorno, quizá de ahí proceda la fascinación por algo más orgánico. El ac-tual estilo de vida urbano nos bombardea con imágenes, ruidos, publicidad… de hecho el silencio absoluto parece inalcanzable. Por eso el contacto con la naturaleza nos parece esencial, muy sa-ludable para el coco, y esa necesidad de escapismo se ve reflejado en temas como ‘The Planets’”.

“Chronicles of the Windwar” es un plan magistral donde po-cas cosas se dejan en manos del azar, la esencia es pura, pero estudiada, y estas ideas vuelven a aparecer en la conversación

“Es cierto que tomamos ese recurso de la naturaleza como reflejo del estado de ánimo, tan característico de la poesía del Roman-ticismo, y es curioso también cómo percibimos la meteorología y el entorno de manera diferente según nuestras emociones. En definitiva, si el mundillo de la música nos vuelve locos es más probable que acabemos sólos en una casa de campo hablando con los geranios a que nos encuentren en un callejón con sobredo-sis”. Un plan contenedor de pistas como “Deep in the Woods” y que encajarían perfectamente dentro de una banda sonora, género en el que David admite adorar a Yann Tiersen (Tabarly) y las obras de Philip Glass mientras que Mario nombra El Bos-que, La Joven del Agua y a Danny Elfman, componente impor-tante de su infancia gracias a Beetlejuice.

Al preguntarles acerca de sus preferencias musicales e influen-cias, infinidad de bandas demuestran que son grandes consu-midores de música “Arcade Fire, Bat for Lashes, Fleet Foxes, The Knife, Beach House o Patrick Wolf, pero no nos podemos librar de mencionar a los Backstreet Boys. ¿Nadie más piensa que

“The Call” está terriblemente infravalorada? (Risas)”

Fieles al inglés, los Cosmic Birds se desenvuelven en este nue-vo trabajo bajo la capa de un idioma que da licencia para tratar temas íntimos, cercanos a los sentimientos personales y que en castellano parece más complicado, “En realidad no echamos de menos cantar en castellano porque nunca lo hemos hecho. En cierto modo, cantar en la lengua materna es más valiente, porque igual que la música es el reflejo de tus emociones, las letras lo son de tu mente, y parece menos embarazoso salir a tocar desnudo a que alguien tenga pueda diseccionar tu cerebro y lo que vea le parezca feo”. Honestidad y sinceridad cualidades envidiable que Mario y David como almas Mater del proyecto hacen cons-tantemente empleo de ellas, granjeándose sin temor a equivo-carse de nuestro cariño y respeto.

Cosmic Birds generadores de un universo propio, particular, lo demuestran desde dentro del corazón del disco hasta el úl-timo detalle preciosista del exterior, así una vez más cuentan con las ilustraciones y artwork de Isabel Calvo Ferrara, ami-ga de la banda, “Para nosotros la atención a los detalles es muy importante e Isabel capta perfectamente la dirección artística que buscamos y conoce nuestras referencias, así que se puede confiar plenamente en ella. Para este álbum queríamos una es-tética que combinase la inocencia y lo retorcido de los cuentos clásicos”. Minuciosidad en unos detalles que llegan a lo mas profundo de “Chronicles of the Windwar” contando con una producción detallista y limpia, detrás de la que se esconde Pa-blo Giral, que con acierto en septiembre rescató la grabación cuando después de tener grabadas las baquetas de Guille, la guitarra de David y el piano de César tuvieron que cambiar de sonoridades,“Sí, fue entonces cuando los tambores del grupo de ska con el que compartimos local se empezó a colar en las graba-ciones, exiliando la grabación a la academia Pianísimo y a la casa del productor, grabar con Pablo ha sido un placer porque hace muy bien su trabajo, tiene una paciencia infinita y, al ser un buen amigo, nos hemos sentido muy cómodos grabando con él, que es algo esencial para unos novatos como nosotros”.

“Chronicles of the Windwar” son trece temas sinceros car-gados de emociones y sentimientos que tienen la capacidad de sobrecogerte y asilarte del frío emocional de esta sociedad, solo tienes que escoger tu el momento ideal y el donde soñado para hacerles susurrar en directo los temas de este delicado trabajo…

Y asi sin agobios de futuro, los Cosmic Birds quieren creen en si mismos en sus propias fuerzas para escapar de colabora-ciones imposible e inverosimilies “El camino es muy largo, y lo mejor para afrontarlo es medir tus propias fuerzas para intentar llegar al objetivo deseado. De momento estamos más interesados en experimentar con nuestro sonido que en colaborar con otros grupos”. Otro asunto es compartir cartel, dónde ya han convi-vido con dos de sus grupos nacionales favoritos: Hola A Todo El Mundo y Marcus Doo & The Secret Family. Eso sí, si se les plantea compartir un backstage imaginario, algo con lo que soñar, el nombre es unísono e inequívoco… “Sufjan Stevens”.

Larga vida a unos Cosmic Birds que prometen volar alto.

EfterklangTexto Oscar Villalibre / Fotografía Nikolaj Holm Moller

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PiramidaEfterklang, a parte de ser un mote de

compleja pronunciación para hablares latinos, es el nombre de una banda danesa de buenas

maneras y prometedor futuro.

Son una de aquellas bandas relacionadas con el post–rock y la experimentación que pueden pasar desapercibidas, pero que parar atención en ellas puede darnos alguna que otra alegría. Acaban de publicar el que es ya su cuarto álbum. Lleva por nombre “Piramida” y ha salido al mercado de la mano del sello británico 4AD.

Para conocer un poco sobre este grupo y sobre su nuevo disco hemos charlado con Stolberg Rasmus, uno de sus miembros. Uno de los tres componentes fijos del grupo, junto a Mads Brauer y Casper Clausen. Dado que Efterklang suele contar con músicos invitados para realizar sus proyectos y sus con-ciertos. Sobre la gente que ha participado en la ejecución de este nuevo material Rasmus comenta “esta vez hemos tenido menos invitados para colaborar de lo habitual. Earl Harvin de Tindersticks ha tocado la batería, Nils Frahm con el piano en cuatro canciones, Peter Broderick el violín y el piano en unas cuantas canciones más. En anteriores trabajos, también teníamos algunos bajistas de la Andromeda Mega Express Orchestra y un nutrido coro femenino para las voces proveniente de la ciudad de Dinamarca donde nosotros crecimos”. Un conglomerado de ar-tistas y una forma de funcionar que dicen mucho del concepto que persigue esta banda. Su disco “Piramida” (4AD, 2012) está plagado de numerosas texturas y coloridades en el sonido, ele-mento clásico de aquellos que trabajan con la experimentación.

“Nosotros estamos muy interesados en las texturas de la música, nos encanta recorrer los diferentes matices de los sonido, y des-tinamos mucho tiempo a conseguir el mayor número de capas posible, para vestir de la forma más interesante posible nuestra manera de tocar” comenta Rasmus en este sentido.

Hablamos pues de un sonido capaz de combinar momentos de serenidad con otros de atormentada densidad. Canciones hechas para y desde el frío. Un halo melancólico que a veces nos puede recordar a The National. Aunque también un poso de producción medida y repensada que puede llevar nuestro imaginario hasta Feist o el segundo álbum de Bon Iver. Sobre estas referencias personales Rasmus nos dice que The National sí puede ser una banda inspiradora para ellos, pero las otras referencias mentadas, a pesar de gustarles, no las consideran influyentes. “Muchas de nuestras inspiraciones han sido Eins-türzende Neubauten, el último álbum de Talk Talk y el disco en solitario de Mark Hollis. Aunque también nos suelen gustar The Talking Heads y otros muchos grupos de música electrónica como Mira Calix, y bandas relacionadas con el post–rock como Godspeed You Black Emperor, que ha tenido una gran influencia en nosotros”, añade.

“Piramida” hace poco que ha empezado a andar, pero los con-ciertos de esta gira hace un tiempo que van tomando cuerpo. Tanto es así que el pasado mes de mayo Efterklang realizaron un concierto muy especial en la Opera House de Sydney, bajo el título “The Piramida Concert”, y que sirvió de punto de partida para la plasmación en vivo de su nuevo trabajo. En re-lación a este concierto Rasmus explica que “ha sido una de las

experiencias más grandes que hemos vivido como banda. Mien-tras el concierto iba sucediendo nos venían muchos sentimientos y pensamientos a la cabeza. Tocar el nuevo álbum entero antes de qué nadie hubiera escuchado ni una sola nota nos hizo estar realmente nerviosos, pero a la hora de la verdad todo fue real-mente bien y nos sentimos muy aliviados cuando el concierto ya había pasado”. El punto inicial de una gira que prosiguió en Dinamarca y en lugares exóticos como Tokyo, pero que no tiene fijada fecha en España, aunque el grupo asegura que es-peran poder anunciar una visita a nuestro país en 2013, pues les haría mucha ilusión. Sitios variados dónde poder exponer su trabajo fuera de casa. Un hogar que tienen en Alemania, aunque todos ellos son procedentes de Dinamarca. Un país que vive una buena salud musical. Al preguntarle sobre la es-cena musical danesa, Stolberg Rasmus nos dice que ésta “es impresionante. Hay muchísimas bandas buenas. Crecimos escu-chando a Kashmir, aunque nosotros estamos más conectados per-sonalmente con bandas como Slaraffenland, Sleep Party People, Cody, When Saints Go Machine. Turboweekend, Pinku Noizu, The William Blakes, Murder, I Got You On Tape y The Late Great Fitzcarraldos”.

Efterklang conforman un conglomerado nutrido de muchas fuentes proyectado en múltiples aristasCon todo, Efterklang conforman un conglomerado nutrido de muchas fuentes proyectado en múltiples aristas, como sus canciones. Su voluntad creativa más allá de lo musical se ve reflejada en su participación en otros proyectos. Por ejemplo, en el pequeño sello que llevan un tiempo haciendo crecer y publicando con él a bandas de la talla de Grizzly Bear. Sobre éste, Rasmus nos cuenta que “ahora mismo hemos tomado un descanso para sacar a otras bandas que no sean Efterklang. Todo ello da mucho trabajo y ahora estamos viajando mucho con la gira de nuestro propio grupo y no nos deja demasiado tiempo para poder hacer otras cosas”. Proyectos en paralelo, como la participación en el film “An island” del director Vincent Moon, o el documental titulado “The Ghost of Piramida”, el cual sigue a la banda hasta la ciudad de Spitsbergen y que es donde empezaron ha realizar su último disco. Todas estas acti-vidades forman parte de la idiosincrasia de la banda, como nos cuentan: “Nos encanta tocar nuestras canciones y nos entusias-me colaborar con directores de cine, tocar en teatros y lugares especiales y hacer este tipo de cosas. ¿Por qué no deberíamos ha-cerlo?”. Pues sí, deberían. La creatividad es algo que hay que dejar fluir, y estos chicos daneses afincados en Berlín parecen muy capacitados para hacerlo.

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ShoppingAutum / Winter 2012–2013

JerseyFranklin & Marshall

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Camisa – MadoxCalzado – KedsJersey – Levi’s

Guantes – Lacoste

Chaqueta – Franklin & MarshallCalzado – Palladium

Camisa – Levi’sSuéter – Franklin & Marshall

Calzado – DCSuéter – Carhartt WIP

Calzado – Onitsuka TigerCamisa – Dr. Denim

Correspondencia de créditos de prendas por columnas.

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Chaqueta – Lacoste LiveCalzado – TST Shoes

Pantalón – Levi’sPajarita – Dr. Denim

Camisa – WranglerCalzado – Converse

Pantalón – Nudie JeansChaqueta – Hugo Boss Orange

Calzado – KedsCamiseta – DieselCamisa – Bench

Parka – Franklin & Marshall

Correspondencia de créditos de prendas por columnas.

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Jersey Diesel

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CalzadoKeds

1 2 7

Vestido – Levi’s Calzado – Keds

Abrigo – Odd MollyCamisa – Yono Taola

Jersei – Franklin & MarshallCalzado – Keds

Jersei – Hugo Boss OrangePantalón – Madox

Calzado – ReebokChaqueta – Protest

Calzado – United Nude Parka – Odd Molly

Correspondencia de créditos de prendas por columnas.

Patrick Evoke en Montana Gallery

El artista presenta en Montana Gallery Barcelona una

nueva serie de obras bajo el título “Paisajes”,

tras lo cual se trasladará Guanlan (China) durante

tres meses con el fin de desarrollar un proyecto de

grabado. Patrick Evoke desde hace ya más de veinte

años, va generando una pieza tras otra al mismo

ritmo que se traslada de una localización a la

siguiente. Patrick graba en su memoria estas

experiencias visuales que se encuentran entre lo real

e irreal, lo visible y lo invisible, y comparte, a través

de su obra, todo aquello que queda entre medias.

Las imágenes que puedes ver en su obra son el

resultado de lo que queda entre medias de sus viajes

por más de treinta países o de los múltiples paisajes

de su Canadá natal. Como resultado de su trabajo

tanto en el estudio como en la calle, Patrick desarrolla

un estilo personal que él mismo denomina como

“Mistakism”, en el que la memoria, los sentimientos,

las frases y otros fragmentos, son la chispa necesaria

para arrancar nuevos proyectos. Su trabajo se ha

mostrado en exhibiciones internacionales como BAC!

07(Barcelona), “Mistakism” en The Trace Gallery

(Zurich, Suiza), así como “Housepaint” en el museo

Royal Ontario (Instituto de Cultura Contemporánea en

Toronto, Canadá). El veterano artista canadiense de

la escena del Street Art expone desde el pasado 18

de octubre hasta el 8 de diciembre de 2012 en las

instalaciones que Montana tiene en la calle Comerç

de Barcelona.

Interactivos?’13: Herramientas para un Mundo

Legible y Editable

Medialab–Prado y Libre Graphics Research Unit

abren una convocatoria para proyectos que

propongan la creación de herramientas de diseño,

edición, dibujo y escritura colectiva para su desarrollo

colaborativo en el taller internacional que tendrá lugar

en Medialab-Prado (Madrid) del 13 al 27 de abril de

2013. La convocatoria se abrió el pasado 31 octubre

2012 hasta el próximo 15 enero del 2013. La presente

edición se centrará en la (re)-invención de un proceso

de trabajo de Libre Graphics que refuerce la

colaboración y el intercambio. Medialab-Prado y Libre

Graphics Research Unit buscan proyectos para

Noticias

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desarrollarlos colaborativamente a lo largo de un

taller de dos semanas, que tendrá lugar en Madrid

del 13 al 27 de abril de 2013, interesados en ideas

para desarrollo de herramientas de diseño, edición,

dibujo y escritura colectiva. La experiencia se

completara con un taller que será una plataforma

colaborativa dedicada a la investigación, producción

y aprendizaje. Apoyará el desarrollo de prototipos

basados en las propuestas seleccionadas. El trabajo

se llevará a cabo en grupos multidisciplinares que

contarán con promotores de proyecto y colaboradores

interesados, así como un equipo de asesores que

contribuirán con sus conocimientos conceptuales

y técnicos.

Más información: www.medialab–prado.es

Lara Almarcegui, seleccionada para representar

a España en la 55 Bienal de Venecia, expondrá

en el MUSAC a partir de enero de 2013 su último

proyecto individual

A partir del próximo 19 de enero de 2013 Lara

Almarcegui expondrá en el MUSAC un proyecto

específico para el Museo de Arte Contemporáneo

de Castilla y León, este será comisariado por Agustín

Pérez Rubio y Manuel Segade La joven artista

zaragozana residente en Rotterdam, Lara Almarcegui,

recientemente a sido seleccionada para representar

a España en la próxima Bienal de Venecia, que se

celebrará del 1 de junio al 24 de noviembre de 2013.

Si en la pasada edición fue la vallisoletana Dora

García, con su proyecto “Lo Inadecuado”, en 2013

Octavio Zaya ha optando por un solo artista para que

exponga en el pabellón español, decantándose por

la joven Lara Almarcegui. Así España es continuista

con su propuestas artísticas apostando

por un perfil muy similar. Ambas mujeres, jóvenes,

arte conceptual y ambas formadas en Holanda en

importantes centros de residencia de artistas y con

una trayectoria internacional reconocida. Lara

Almarcegui es una de las artistas españolas con

mayor presencia internacional. Sus proyectos tienen

como contexto la ciudad contemporánea y sus

condiciones de desarrollo. Sus guías de ruinas

modernas en Holanda o Borgoña, de descampados

urbanos en Londres o Sao Paulo, sus trabajos con

Purple Weekend, motor para León los días

6, 7 y 8 de diciembre

Conciertos, scooter run, allnighters, alldayers,

y exposiciones conforman la propuesta cultural del

Purple Weekend 2012 durante los días 6, 7 y 8 de

diciembre que acogerá la 24ª edición del Festival

Internacional Purple Weekend de León. En lo

estrictamente musical el Purple contará con un

cartel en el que destaca tanto la presencia que tienen

el valor de lo único y lo histórico, con nombres

legendarios que forman parte del Olimpo de la

música moderna como el mítico Roky Erickson de los

13th Floor Elevators, como la nueva sabia que refuerza

el cartel con el joven californiano Nick Waterhouse

que con solo 25 años irrumpió en escena con dos

explosivos singles que cautivaron a los seguidores

del Rhythmn Blues de corte añejo y que presentara

en el Purple su álbum de debut “Times All Gone”,

un disco repleto de sonido negroide y saxofónico.

Así, el cartel está formado por cinco bandas

norteamericanas, dos holandesas, una en representa-

ción de Francia, Escocia y Uruguay, respectivamente,

además de seis bandas españolas. Así, se podrá

escuchar a The Rezillos, The Kik Midnight Shots, Jacco

Gardner, The Ripe, Bart Davenport&Biscuit, Gentleman

Jesse, Los Mockers, Tald!, Stanley Road, Les Terribles,

Nick Watherhouse, The Phantom Keys y los leoneses

Arsen Randez y Los Cuervos. De esta manera, en el

Purple Weekend, con su orientación sixties tan clara

y definida, tienen cabida multitud de estilos que

pertenecen cronológicamente a esta época o bien

beben directamente de su influencia: desde las

mejores referencias R&B, Garage, Beat, Soul,

Powerpop y Revival.

montañas de escombros en Viena o Dijon, o sobre

el peso de ciudades como Sao Paulo, la han

llevado a participar en los más importantes eventos

internacionales del arte contemporáneo de la última

década. En 2013 tendrá exposiciones individuales

en el MUSAC y el Crédac, Centro de Arte Contemporá-

neo de Ivry (Francia).

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Arrancan los conciertos de la iniciativa Girando por Salas, donde cincuenta y seis seleccionados entre más de mil trescientas propuestas tendrán la oportunidad de tocar

fuera de los ámbitos de su comunidad.

Para la ocasión y para conocer un poco más en profundidad este iniciativa hemos charlado con ambas partes, organiza-ción y músico emergente reflejado en la figura de Fabián, el resultado, en las siguientes líneas nos contaran sus parece-res y expectativas…

Pero primero conozcamos a las partes, la iniciativa Girando por Salas es el resultado de una agrupación de asociacio-nes en la que participa además del INAEM la federación del Circuito de Músicas populares que gestiona el proyec-to, esta la conforman ocho asociaciones profesionales del mundo de la música que abarcan todos los “gremios” de la misma y son: Promusicae y UFI como representantes de las discográficas, Musicat y Unió de Musics representando a los músicos, ARTE en representación de los mánagers, APM y ARC de los promotores y ACCES de las salas de conciertos de todo el país. En el otro lado de la película hablamos con Fabián, joven leones con tres discos a sus espaldas y que en-cierres publicara su cuatro trabajo (La Brisa Leve) La Luz Distinta. Fabián es sin duda de esas personas que hace las cosas poco a poco y con mucho cuidado. Tras el Ep “Plega-rias” vino “Espera a la Primavera”, después “Adiós Tormen-ta”. El cual dio paso, tras mucho esfuerzo, a su tercer disco de estudio “Después del incendio y otras cosas así”.

Una vez conocidas las partes arranquemos desde el princi-pio ¿Cuándo y por qué surge Girando por Salas?

GPS: En el año 2010 varias asociaciones profesionales del mundo de la música consiguen concretar una antigua reivindicación que venían haciendo al Ministerio de Cultura (a través del INAEM). Pedían apoyo a la música popular y lo consiguen de la forma que consideran la base de la cultura popular: apoyando a los grupos que empiezan a tocar fuera de su ámbito de influencia.

¿Qué aporta una iniciativa como Girando por Salas al actual panorama musical y discográfico?

Fabian: Es una gran ayuda a la hora de salir a tocar con una ban-da al completo. Tal y como están las cosas, es muy complicado mover a cinco o seis personas para hacer un directo. Además, el dinero para promoción es un apoyo realmente útil.

GPS: Somos conscientes que es un pequeño granito en un sec-tor con dificultades más allá de la crisis global en la que nos en-contramos. Pero aún así consideramos importante varios puntos. Ya el hecho de que el Ministerio de Educación Cultura y Depor-te apoye la música popular y en su forma más de base como son los conciertos de artistas emergentes en pequeñas salas de con-ciertos nos parece un paso importante en la valoración de este tipo de música como parte de la cultura de un país. Y siendo más prácticos es un pequeño apoyo a estos grupos creando un circui-to de invierno que es el momento en que menos posibilidades de hacer conciertos tienen ya que en primavera verano es cuando se concentran la mayoría de festivales y festividades y dejan estos meses un poco huérfanos de música en directo.

Con el gran número de solicitudes presentadas, elegir cin-cuenta y seis grupos entre mil trescientas candidaturas, tie-ne que ser realmente complicado. ¿Cómo es el proceso de

selección de Girando Por Salas? ¿Cuáles son los criterios principales que ayudan a pasar el corte y así poder formar parte de los cincuenta y seis elegidos?

GPS: Efectivamente es una pena que solo se puedan seleccionar cincuenta y seis candidaturas lo que hace que muchos artistas tan válidos como los seleccionados se queden fuera de la iniciativa. En términos estrictos la selección es el resultado de la votación de las asociaciones que gestionan el proyecto. Cada asociación vota los artistas que consideran más adecuados y con el resultado final son los cincuenta y seis artistas más votados. Existe además el voto del público que se añade, como si de otra asociación más se tratara, a los votos del resto de asociaciones.

Cada asociación determina sus criterios de selección pero hay una líneas generales que intentan que existan representantes de todos los estilos musicales (rock, pop, jazz, canción de autor, hip hop,…) y de todas las comunidades autónomas.

De los cincuenta y seis grupos seleccionados, ¿cuál crees que es el nexo común, o la característica que se puede en-contrar en ellos?

Fabián: La verdad es que no los conozco a todos, pero me imagi-no que el nexo común es el respeto y el amor por una profesión, la de músico, que no siempre es entendida y respetada por todo el mundo. Y las ganas de hacer cosas, y de hacerlas bien.GPS: Representan la energía y la motivación de quien está em-pezando en una actividad y que cualquiera de ellos pueden ser alguno de los futuros artistas nacionales consagrados. De hecho esperamos que lo sean muchos de ellos.

¿Qué puedes echar en falta dentro de la lista final de seleccio-nados conformada por estos cincuenta y seis seleccionados?

Fabián: Bueno, se que somos muchos los que nos hemos presen-tado, no se muy bien la distribución por territorios, pero quizás si existe una concentración de bandas de zonas como Madrid, Cata-luña… de hecho creo que yo soy el único representante de Castilla y León. Sé que había gente con mucho talento que se había pre-sentado y estoy seguro de que participarán en futuras ediciones.

¿Cómo tienes previsto plantear los conciertos de Fabián en GPS? ¿presentarás temas de tu próximo trabajo?

Fabián: Van a ser unos conciertos muy intensos, con toda la ban-da. También habrá momentos más íntimos. Sí, si todo va bien, presentaremos las nuevas canciones en esta serie de directos.

¿Cómo describirías la propuesta de Fabián dentro del GPS?Fabián: Yo diría que nuestra propuesta es honesta y atractiva, siempre y cuando te guste el folk, el pop y las letras en castellano.

En un momento de incertidumbre como el actual momento político y económico, plagado de recortes sociales. ¿Cuál es el futuro de una iniciativa como Girando por Salas?

GPS: Confiamos en que la iniciativa se consolide en el futuro y que sea un apoyo más para que los artistas puedan iniciar sus carreras profesionales. De hecho en estos difíciles momentos de recortes hemos conseguido que el Ministerio siga confiando en que, aun en momentos de dificultades económicas, sea necesario seguir apoyando la cultura, y en este caso la cultura popular.

Girando Por Salas

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