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LA EDAD MODERMA: HUMANISMO Y RENACIMIENTO SIGLO XVI

I.E.S. ALONSO QUIJANO NATIVIDAD BAYO GARCÍA

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ERASMO DE ROTTERDAM (Holanda), fue un gran crítico de las malas prácticas de la Iglesia Católica (nicolaísmo, simonía, nepotismo etc.), por ello es considerado como el precursor de la Reforma religiosa de Lutero.

NICOLÁS MAQUIAVELO, nacido en Florencia (Italia), autor de la obra “El Príncipe”, tratado político sobre las cualidades que deben tener los gobernantes, muchas de sus ideas están basadas en la frase que él nunca dijo pero que se le atribuye “el fin justifica los medios”.

TOMÁS MORO, inglés, nacido en Londres, autor de la obra “Utopia”, inspirada en “La República” de Platón. Escrita en forma de diálogo en ella explica cómo está organizada la sociedad que habita la isla Utopía, donde no existe el dinero, el oro se utiliza para hacer cadenas y la propiedad es común.

JUAN LUIS VIVES, nacido en Valencia de origen judeoconverso, es considerado el mejor humanista español. Destacó por sus estudios de Pedagogía y Psicología.

ANTONIO NEBRIJA o LEBRIJA, nacido en Lebrija (Sevilla), fue el autor de la primera “Gramática” del castellano 1.492, de un diccionario Latín‐Español y otro Español‐Latín. Fue gramático, historiador, poeta, pedagogo, astrónomo, es decir, el hombre polifacético que exaltaba El Humanismo de la Edad Moderna.



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AVANCE CIENTÍFICO

El Humanismo de la Edad Moderna contribuyó al avance de la ciencia que intentó explicar los fenómenos de la naturaleza utilizando la razón (racionalismo), único medio que tiene el ser humano para llegar a la verdad de la cosas a través de la observación y la experimentación (empirismo). Destacaron astrónomos como Nicolás Copérnico, Galileo Galilei o médicos como Paracelso, Miguel Servert etc. Algunos de los cuales tuvieron problemas con la Inquisición porque sus teorías contradecían la doctrina católica, por lo que fueron juzgados y algunos condenados como Miguel Servet.

NICOLÁS COPÉRNICO, nacido en Prusia (Polonia) formuló la teoría del heliocentrismo, según la cual el Sol ocupaba el centro del universo y la Tierra giraba a su alrededor. Esta teoría era opuesta a la del Geocentrismo formulada por Ptolomeo (s. II) que defendía que la Tierra era el centro del universo y el Sol giraba a su alrededor.

GALILEO GALILEI, natural de Pisa (Italia) fue astrónomo, filósofo, ingeniero, matemático y físico, es decir, como buen humanista conocía los diversos campos de la ciencia. Defensor de la teoría del heliocentrismo de Copérnico, perfeccionó el telescopio y su carrera científica es complementaria a la de Johannes Kepler, autor de las leyes del movimiento de los planetas alrededor del Sol. Su enfrentamiento con la Inquisición es el mejor ejemplo del conflicto religión y ciencia.

PARACELSO, nacido en Zurich (Suiza), fue alquimista pero destacó ante todo como médico por su oposición a la tradición, y los remedios heredados de tiempos antiguos por lo que se le consideró como un médico moderno adelantado a sus contemporáneos.

MIGUEL SERVET, español nacido en Villanueva de Sigena (Huesca). Su interés científico abarcó la Astronomía, Meteorología, Geografía, Teología, Física, Medicina, rama en la que destacó por su estudio sobre la circulación sanguínea pulmonar. Participó en la Reforma Protestante, odiado tanto por los católicos como por los protestantes fue arrestado en Ginebra, juzgado y condenado a morir en la hoguera.



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ARTE DEL RENACIMIENTO

El nombre de Renacimiento que se da al estilo artístico que nace en Florencia durante el siglo XV (Quattrocento) hace referencia al renacer del arte y cultura grecolatina. Desde Italia el Renacimiento se extendió al resto de Europa y en su desarrollo se pueden diferenciar 3 períodos:

• El Quattrocento (s.XV) que tuvo como centro artístico Florencia y a la familia de los Médicis como mecenas o protectores de los artistas.

• El Cinquecento (s.XVI) que tuvo como centro artístico Roma y a los Papas como mecenas de los artistas.

• El Manierismo o Bajo Renacimiento (último tercio del siglo XVI) que supuso una reacción al ideal de belleza clasicista con la consiguiente ruptura del equilibrio de proporciones, la exageración del movimiento violento, los escorzos etc.

CARACTERÍSTICAS DE LA ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA

La arquitectura del Renacimiento representa el renacer de la arquitectura grecorromana, sus principales características son:

• Utiliza los órdenes arquitectónicos clásicos: el dórico, el jónico y el corintio, nacidos en Grecia y adoptados por la arquitectura romana, a los que ésta añadió el toscano (simplificación del dórico) y el compuesto (unión de las hojas de acanto del corintio y las volutas del jónico).

El orden arquitectónico es la sucesión de la columna (basa, fuste y capitel) como elemento sustentante y el entablamento (arquitrabe o dintel, friso y frontón (cornisa, cimacio y tímpano) como elemento sustentado. Estos órdenes arquitectónicos se basan en el empleo de la línea recta, vertical para la columna y horizontal



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para el entablamento. Se dice que es una arquitectura adintelada o arquitrabada, el dintel o arquitrabe es la viga horizontal que descansa sobre las columnas.

• Utiliza el arco de medio punto, es decir, media circunferencia.

Arco de medio punto: media circunferencia

• Utiliza cubiertas horizontales y abovedadas, (Bóveda de cañón, de aristas, de horno (cuarto de esfera etc.), pero la gran aportación del Renacimiento es la construcción de grandes cúpulas.

Cúpula: bóveda semiesférica

• La arquitectura del Renacimiento es adintelada y abovedada a la vez, es decir, superpone el dintel al arco, contraponiendo el estatismo de la línea recta al dinamismo de la curva. Este sistema de construcción lo habían utilizado los romanos.

COLISEO ROMANO S I

Dovela: es cada una de las piezas que componen el arco, tiene forma de cuña con mayor anchura en el extradós del arco y menor en el interior. Clave: es la dovela central del arco. Luz: es la anchura del arco. Flecha: es la atura del arco.

El Renacimiento destaca por la construcción de grandes cúpulas, inspiradas en la cúpula que cubre el Panteón romano. Pechinas: son los triángulos de lados curvos que permiten el paso de la planta cuadrada del crucero a la circular del tambor. Tambor: es el cuerpo circular o poligonal sobre el que se apoya el casquete de la cúpula. Casquete o cascarón: es la media esfera, a veces ligeramente apuntada. Linterna: es el cuerpo que remata la cúpula, horadado por ventanas que proporcionan una luz cenital al interior.

El alzado se eleva mediante la superposición de pisos, utilizando los siguientes elementos arquitectónicos:

• Pilares a los que se adosan columnas.

• Arcos de medio punto que descansan sobre los pilares.

• Entablamento que consta de dintel, friso y cornisa.

• Las columnas que en cada piso se adosan a los pilares pertenecen a los distintos órdenes arquitectónicos: dórico, jónico y corintio.



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• La arquitectura del Renacimiento tiene carácter religioso (iglesias) y civil (palacios, universidades, colegios, hospitales etc.) en función del crecimiento de la ciudades.

ARQUITECTOS Y CONSTRUCCIONES DEL QUATROCENTO ITALIANO: BRUNELLESCHI, ALBERTI.

Cúpula de Sta. Mª de las Flores (Florencia) BRUNELESCHI Siglo XV.

Palacio Pitti. BRUNELESCHI siglo XV

PLANTA DE LA IGLESIA DE SAN ANDRÉS DE MANTUA. ALBERTI

La cúpula proyectada por Brunelleschi para cubrir el crucero de Santa Mª de las Flores está considerada como la primera obra arquitectónica del Quattrocento italiano. Consta de:

• Un tambor octogonal construido en mármol blanco y verde, en el que se abren ventanales circulares.

• Un casquete o cascarón con forma de media esfera ligeramente apuntada, organizado en 8 paños o plementos enmarcados por un armazón de arcos que convergen en la clave de la bóveda.

• La linterna que remata la cúpula y proporciona una luz cenital al interior.

El alzado de la fachada del palacio Pitti consta de 3 pisos es un ejemplo de palacio urbano. El muro es de paramento almohadillado, es decir, está construido superponiendo hileras de sillares, cuyas juntas están rehundidas para labrar en relieve la cara vista de la piedra. La monotonía del muro se rompe con la apertura de vanos (puertas y ventanas) rematadas con arcos de medio punto (media circunferencia).

La planta de la iglesia de San Andrés de Mantua es de cruz latina, consta de:

• Una amplia nave central terminada en un ábside semicircular, a ambos lados de la cual se abren capillas laterales.

• Una nave crucero o transepto que corta perpendicularmente a la nave longitudinal.

Esta planta sirvió de modelo a las iglesias jesuíticas.



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ARQUITECTURA DEL CINQUECENTO (S. XVI): BRAMANTE, MIGUEL ÁNGEL, PALLADIO

SAN PIETRO IN MONTORIO: BRAMANTE

EL VATICANO: CÚPULA DE DE MIGUEL ÁNGEL Y FACHADA DE CARLO MADERNO

VILLA CAPRA (MODELO DE PALACIO CAMPESTRE: PALLADIO

La gran cúpula que cubre el crucero del Vaticano es obra de Miguel Ángel, consta de:

• Tambor de doble cuerpo, uno decorado con ventanas cubiertas con frontones triangulares y curvilíneos y el otro con guirnaldas.

• Cascarón formado por varios plementos enmarcados por un armazón de arcos.

• Linterna que proporciona la luz cenital al crucero.

La fachada es obra de Carlo Maderno, consta de dos cuerpos:

• El primero de orden compuesto con columnas adosada al muro que sostienen el entablamento formado por arquitrabe, friso y frontón triangular. El segundo rematado con una balaustrada sobre la que descansan estatuas.

EL TEMPLETE DE SAN PIETRO IN MONTORIO ES OBRA DEL ARQUITECTO BRAMANTE A PETICIÓN DE LOS REYES CATÓLICOS PARA CONMEMORAR LA CONQUISTA DE GRANADA (1.492). SE UBICA EN EL LUGAR DONDE SE CREE FUE MARTIRIZADO EL APOSTOL SAN PEDRO EN ROMA. Este pequeño templo es el mejor ejemplo del equilibrio de proporciones y armonía del período clasicista del Renacimiento.

• La planta es circular como la de los tholos griegos. • El alzado consta de una serie de gradas sobre las

que descansan columnas toscanas que sustentan el entablamento formado por arquitrabe, friso cuyas metopas están decoradas con objetos litúrgicos, y cornisa sobre la que se apoya la balaustrada que circunda el segundo cuerpo de muro circular decorado con hornacinas ciegas sin decoración y cubierto por una cúpula.

La planta resulta de la superposición de un cuadrado y una cruz. Cada una de las fachadas presenta un pórtico o galería al que se accede por una escalinata.

El alzado de los pórticos utiliza el orden arquitectónico jónico, columnas con capiteles rematados con volutas que sustentan el entablamento formado por arquitrabe, friso y frontón triangular,

Destaca en altura la cúpula que cubre la sala central.



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ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA

EL ESCORIAL: JUAN HERRERA (estilo herreriano o escurialense)

Una de las obras representativas del Renacimiento español es el monasterio de San Lorenzo de El Escorial, mandado construir por Felipe II para conmemorar la victoria de San Quintín contra los franceses. Esta construcción tuvo una triple función monasterio, palacio y panteón de los Reyes. La planta tiene forma de parrilla, recordando el martirio de San Lorenzo, y se desarrolla en torno a una serie de patios como el de los Evangelista y el de los Reyes de Judá. El estilo herreriano o escurialense se caracteriza por la sobriedad decorativa y el rigor geométrico. Predomina el macizo sobre el vano, y a la marcada horizontalidad del edificio se añade la verticalidad marcada por las torres rematada en chapiteles piramidales o cónicos coronados con las típicas bolas escurialenses.

PATIO DE VILLANUEVA DE LA UNIVERSIDAD DE ALCALÁ DE HENARES: JUAN GÓMEZ DE MORA Y JOSÉ SOPEÑA (S.XVII). Sustituyó al original construido en ladrillo.

El patio de Villanueva construido con granito sigue el estilo escurialense. El alzado consta de 3 pisos, realizados con pilares a los que se adosan columnas de orden toscano en los 2 primeros, y corintio en el tercero. Sobre los pilares cargan arcos de medio punto en los dos primeros y rebajados en el tercero. El remate está formado por una balaustrada coronada con pináculos piramidales y bolas escurialenses. Los relieves reproducen escenas relativas al desembarco de Cisneros en Orán, y a Santo Tomás de Villanueva.



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ESCULTURA DEL RENACIMIENTO

CARACTERÍSTICAS

• La escultura del Renacimiento representa el renacer de la escultura grecorromana centrada en su interés por la figura humana tratada bien con el realismo idealizado en los cánones de belleza clásicos, o con el realismo naturalista que incluye lo que vulgarmente definimos como “feo”, y da una gran importancia al retrato intentando captar los rasgos personales y psicológicos del retratado.

• El material utilizado es mármol, bronce y madera cuyo acabado en este último caso suele ser policromado.

• La temática está relacionada con la mitología grecolatina, la religión cristiana (imágenes de la Virgen, los santos) y el retrato.

• Como valores plásticos destaca: o El estudio del movimiento que evoluciona desde las posiciones de contraposto o contrabalanceo

(en la estatua el peso se carga sobre una extremidad y la otra queda flexionada, arqueando ligeramente la cadera) a las posiciones totalmente inestables que intentan reflejar un movimiento ascendente.

o La valoración del desnudo que muestra el conocimiento que el artista tiene de la anatomía del cuerpo humano.

o La expresividad de la que fue un gran maestro Miguel Ángel con el gesto terrible o “terribilitá“ de algunas de sus obras como El David o El Moisés.

o La riqueza de los pliegues en los paños que cubren los cuerpos de las estatuas. o El dominio de la perspectiva en los relieves, creando el efecto en un plano, de la sucesión de

distintos niveles de profundidad que permiten ver representadas las figuras de la misma forma que las ve el ojo humano.

EJEMPLOS DE LA ESCULTURA DEL QUATTROCENTO ITALIANO

EL SACRIFICIO DE ISAAC de GHIBERTI. Quattrocento s. XV

El relieve (altorrelieve), realizado por Lorenzo Ghiberti para participar en el concurso de adjudicación de las segundas puertas del baptisterio de Florencia, desarrolla el tema del sacrificio de Isaac enmarcado en un cuarterón de forma cuatrilobulada tradicional del Medievo, pero en el tratamiento de las figuras introduce innovaciones clásicas principalmente en la figura de Isaac cuyo desnudo refleja el conocimiento que tiene de la anatomía del cuerpo humano.



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EL DAVID DE DONATELLO. QUATTROCENTO ITALIANO, SIGLO XV

EL DAVID DE MIGUEL ÁNGEL. CINQUECENTO ITALIANO. SIGLO XVI

El David de Donatello es una escultura de bulto redondo que representa al rey David pisando la cabeza de Goliat.

• El tema es bíblico, el rey David (pueblo israelí) usando la razón y la inteligencia derrota con una honda al gigante Goliat (pueblo filisteo), símbolo de la fuerza.

• El material con que está realizada es bronce y la técnica empleada es el vaciado que consiste en utilizar un molde sobre el que se echa el bronce fundido, posteriormente se retira el molde y se procede al pulido.

• El rey David está de pie en posición de contraposto, descansando su extremidad izquierda flexionada sobre la cabeza de Goliat, y arqueando ligeramente la cadera (curva praxiteliana).

• La composición es cerrada, con la extremidad anterior izquierda apoyada en su cadera sujeta la piedra, y con la derecha sostiene la espada con la que ha cortado la cabeza de Goliat.

• Los valores plásticos son claramente clasicistas: la armonía de proporciones, el desnudo que muestra una anatomía propia de un cuerpo juvenil, la expresión serena etc.

El David de Miguel Ángel es una escultura de bulto redondo que representa al rey David en el momento previo a su enfrentamiento con el gigante Goliat. Las diferencias con el David de Donatello son evidentes:

• El tema es el mismo que el de Donatello, el enfrentamiento del joven rey David al gigante Goliat, representantes respectivamente de los israelitas y los filisteos y símbolos de cómo la inteligencia y la razón vencen a la fuerza física.

• El material con que está realizada la escultura es mármol y la técnica es la talla o esculpido que consiste en quitar al bloque de mármol lo que le sobra hasta conseguir la figura deseada.

• El rey David está de pie, en posición de contraposto o contrabalanceo, apoyando su extremidad inferior derecha en la clava que da estabilidad a la gigantesca estatua. La cabeza y la mirada giradas hacia su enemigo a quien observa con gesto terrible aumentan los puntos de vista.

• La composición es cerrada, el movimiento es centrípeto (hacia dentro), al apoyar la extremidad anterior derecha sobre la inferior, mientras la extremidad anterior izquierda con la que sujeta la honda la apoya sobre el hombro.

• Los valores plásticos rompen con la armonía del clasicismo que caracteriza al David de Donatello, pues Miguel Ángel esculpe una estatua de 5,17 m de altura, destacando su musculatura hercúlea, y dotándola de una expresión terrible que se conoce como “la terribilitá” de Miguel Ángel, características todas ellas que definen un estilo personal, a su “maniera” que conocemos con el nombre de Manierismo.



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EJEMPLOS DE LA ESCULTURA DEL RENACIMIENTO ESPAÑOL

EL SACRIFICIO DE ISAAC DE ALONSO BERRUGUETE. ESCULTURA DEL RENACIMIENTO ESPAÑOL, SIGLO XVI

RETRATO DE CARLOS V DE LOS LEONI (LEO Y POMPEYO). RENACIMIENTO ESPAÑOL SIGLO XVI

El sacrificio de Isaac de Alonso Berruguete es un grupo escultórico de bulto redondo formado por Abraham y su hijo Isaac.

• El tema es bíblico, Dios prueba la sumisión de Abraham, pidiéndole que sacrifique a su hijo, a lo que el patriarca con gran dolor está dispuesto para demostrar su obediencia.

• El material con que está realizado es madera con la técnica de la talla que consiste en ir quitando al bloque de madera lo que sobra hasta conseguir las figuras deseadas, y el acabado policromado.

• La composición es cerrada, Abraham está de pie sujetando con una de sus manos la cabellera de su hijo y con la mirada en el más allá con una expresión de dolor equiparable a la del Laoconte. Isaac está agachado con una rodilla hincada en el suelo.

• Los valores plásticos, principalmente la expresión de dolor reflejan la influencia que en Alonso Berruguete tuvo la escultura de Miguel Ángel.

• La policromía refuerza la expresividad y la riqueza de los paños trabajados con la técnica del estofado, utilizando panes de oro que contribuyen a resaltar el color dorado y la riqueza decorativa.

Carlos V y el Furor es un grupo escultórico formado por el rey de España Carlos I y, a la vez, emperador de Alemania (Carlos V), y el Furor, figura humana símbolo del enemigo turco y protestante.

• Tema: es un retrato del rey de España y emperador de Alemania vestido con armadura militar que puede separarse del cuerpo, mostrando al emperador desnudo a la manera de los héroes romanos. Con la mano derecha sujeta una lanza y con la izquierda un sable con la empuñadura en forma de cabeza de águila. El emperador pisa la figura de un hombre desnudo, encadenado y colérico que encarna el furor quien con la mano derecha sostiene una tea encendida. El grupo reposa sobre una base recubierta de armas y trofeos militares, potenciando el efecto de escultura de la antigüedad.

• El material en que está hecho es bronce y la técnica empleada “el vaciado” que consiste en utilizar un molde sobre el que se echa el bronce fundido, posteriormente se retira el molde, y se procede al pulido.

• Los valores plásticos son claramente clasicistas: la armonía de proporciones, la idealización de las anatomías perfectas, la expresión serena del emperador que contrasta con la expresión de odio y cólera del Furor.

• Los autores de la obra son los broncistas italianos Leo y Pompeyo Leoni.



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LA PINTURA DEL RENACIMIENTO

CARACTERÍSTICAS

• La pintura del Renacimiento al igual que la escultura pretende renacer los valores plásticos de la antigüedad grecorromana, centra su interés en la figura humana que se convierte en el centro y medida de todas las cosas. El estudio de la anatomía ayuda a los artistas a comprender la realidad del cuerpo humano y sus mecanismos de movimiento, de manera que lo representan de forma más realista pero normalmente idealizada.

• La temática puede ser religiosa (escenas del Antiguo y Nuevo Testamento o sobre la vida de santos y sus martirios), mitológica, alegorías, temas históricos, retratos, paisajes, bodegones etc.

• Las técnicas utilizadas siguen siendo el fresco (utiliza como disolvente el agua), el temple (utiliza como aglutinante del color el huevo o alguna grasa animal) y por influencia flamenca el óleo (utiliza como disolvente el aceite de linaza).

• Los soportes son el muro, la tabla y durante el Renacimiento se extiende cada vez más el empleo del lienzo.

• La obra pictórica se sitúa en paisajes naturales que se intentan recrear con fidelidad, o en marcos arquitectónicos en los que columnas, frontones, palacios y templos sirven de excusa a alardes de perspectiva.

• Se domina los efectos de luces y sombras como el esfumado o el claroscuro.

EL NACIMIENTO DE VENUS DE SANDRO BOTTICELLI. QUATROCENTO ITALIANO SIGLO XV

• El nacimiento de Venus es una obra pictórica realizada por Sandro Botticelli con la técnica del temple o témpera para la familia de los Médicis, importantes mecenas de los artistas en la ciudad de Florencia en el siglo XV.

• El tema es mitológico, Venus es la diosa del amor, de la belleza, del matrimonio, y su nacimiento se debe a los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Cronos y arrojados al mar.



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• La composición es simétrica, el momento que recrea el artista es la llegada de la diosa, tras su nacimiento, a una isla empujada por el viento. Venus aparece en el centro de la composición sobre una enorme concha, sus largos cabellos rubios cubren sus partes íntimas, mientras con el brazo derecho trata de taparse el pecho con una actitud púdica. A un lado de Venus, Céfiro, el dios del viento, abrazado a Aura, la diosa de la brisa, sopla a Venus hacia la orilla, al otro lado la Primavera con un manto decorado con motivos florales acude a cubrir el cuerpo de Venus. Las rosas caen junto a Venus, ya que el mito cuenta que nacen con ella.

• La escena se enmarca en un paisaje natural con una línea de horizonte bastante alta que ayuda a crear el efecto de profundidad o perspectiva, un mar con un oleaje un tanto artificial y una línea de costa con un naranjal.

LA ESCUELA DE ATENAS DE RAFAEL. CINQUECENTO ITALIANO. SIGLO XVI

• La escuela de Atenas es una pintura mural realizada con la técnica del fresco por Rafael de Sanzio para decorar la cámara de la Signatura del Palacio Vaticano por encargo del papa Julio II, gran mecenas de los artistas que trabajaban en Roma.

• La escena se enmarca en una soberbia arquitectura en construcción (se dice que se corresponde con San Pedro del Vaticano de Bramante) en la que se reúnen una serie de personajes que hablan, pasean, dibujan, leen etc.

• El tema es una alegoría de la investigación racional de la verdad. En el centro de la composición, Platón, anciano de barba blanca, llevando el “Timeo”, con una de sus manos señalando al cielo, al mundo de las Ideas, como pura expresión del idealismo filosófico, que va acompañado de Aristóteles, más joven, de figura arrogante, cubierto con manto azul, que lleva un tomo de su obra “Ética”, cuya mano mira hacia el suelo, marcando lo palpable, lo visible. Distribuidos en el amplio escenario en diversas actitudes aparecen otros filósofos de la antigüedad como Sócrates, Pitágoras, Heráclito, Euclides etc.



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• La perspectiva está perfectamente lograda a través del gran arco que sirve de marco a la escena y contribuye a aumentar la sensación de profundidad. Rafael conoce y se deja influenciar por la pintura miguelangelesca de la Sixtina, lo que vemos en los escorzos y el tratamiento escultórico de las grandes figuras que componen la escena.

LA CREACIÓN DE ADÁN DE MIGUEL ÁNGEL. FRESCOS DE LA CAPILLA SIXTINA. CINQUECENTO ITALIANO SIGLO XVI

• La creación de Adán es una pintura mural realizada con la técnica del fresco por Miguel Ángel para decorar la bóveda de la capilla Sixtina, encargo que recibió del papa Julio II.

• El tema es bíblico, la escena representa el momento de la creación del hombre por la fuerza de la energía de Dios. Con una mentalidad neoplatónica, más que crearlo dota al hombre de vida a través del contacto con los dedos. Dios está representado como una persona mayor con una larga y cana barba, acompañado por un séquito de ángeles.

• La composición es fundamentalmente humana, no hay apenas paisaje y ambas figuras destacan por su monumentalidad. Adán está recostado lánguidamente sobre un prado verde y llega Dios a dotarle de vida.

• El desnudo muestra unas figuras corpulentas de musculatura impresionante con un claro efecto escultórico.

• La fuerza expresiva o “terribilitá” de Miguel Ángel, así como la violencia de los escorzos (posición perpendicular u oblicua al plano) dotan a la pintura de Miguel Ángel de un estilo muy personal al que se ha dado el nombre de Manierismo.



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EL CONCIERTO CAMPESTRE DE GIORGIONE . ESCUELA DE VENECIA DEL CINQUECENTO ITALIANO. SIGLO XVI

• El Concierto campestre es una tabla realizada con la técnica del óleo (utilización de aceite de linaza como aglutinante de los colores) por Giorgione, aunque actualmente se discute la autoría y hay quien la atribuye a Tiziano. Posiblemente la iniciase Giorgione y la terminase Tiziano.

• El tema quizás sea una alegoría de la música y la poesía (alegoría= representación simbólica de las ideas abstractas), desarrollada en una composición sencilla de ver y armoniosa, de tal manera que tres de los personajes se enmarcan en un triángulo: dos músicos sedentes, vestidos a la usanza de la época, y una mujer desnuda también sedente, en una marcada posición de escorzo, que muestra la espalda al espectador. En un primer plano, otra mujer semidesnuda, de pie arroja agua en una especie de sarcófago de piedra. En un segundo plano un pastor y el rebaño de ovejas añade la nota bucólica al cuadro. El punto de fuga se sitúa en una línea de horizonte alta marcado por la casa que ocupa la cima de la montaña.

• Valores plásticos destacables son el dominio de la perspectiva, el realismo idealizado, la sensualidad de los semidesnudos femeninos que muestran anatomías perfectas, la riqueza del colorido y las luces poéticas.

• El estilo pictórico es el correspondiente a la escuela veneciana del siglo XVI al que pertenecieron grandes pintores como Giorgione, Tiziano, Tintoretto y Veronés.

• En el siglo XIX, el padre del impresionismo, Manet, recreó esta obra que tanto admiraba en otra titulada “Desayuno en la hierba”.



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LA PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA. SIGLO XVI

España en el siglo XVI guarda una estrecha relación con Italia donde domina el Milanesado, Nápoles y Sicilia. Son muchos los artistas italianos que vienen a trabajar a España, así como los españoles que viajan a Italia para aprender de los grandes maestros italianos. Las características de la pintura de Renacimiento español son semejantes a las de Italia, pero en España la temática que predomina es la religiosa, en defensa de la Contrarreforma religiosa que pretendía ensalzar la vida de los santos y mártires, frente a las ideas de la Reforma religiosa que había roto la unidad del catolicismo. El pintor más destacado del Renacimiento español es Dominicos Theotokopoulos, nacido en Creta, y conocido por ello en España como “El Greco” (El Griego). El Greco inició su aprendizaje en los talleres de Creta, desde donde viajó a Italia lo que le dio ocasión de conocer la obra de Miguel Ángel, Tiziano, Tintoretto y Veronés. De Italia vino a España para trabajar en el Escorial a las órdenes de Felipe II, pero como la obra del Martirio de San Mauricio y la Legión Tebana no gustó a Felipe II, se retiró a Toledo donde realizó la mayor parte de su obra. EL EXPLIO DE DOMENICOS THEOTOCOPOULOS “EL GRECO”

El expolio es una obra pictórica encargada por el cabildo de la catedral de Toledo al Greco (Dominikos Teotokopoulis) en el siglo XVI. • La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. • La temática es religiosa: el momento

inicial de la Pasión de Cristo, cuando es despojado de sus vestiduras por la muchedumbre.

• La escena es fundamentalmente humana, el paisaje únicamente aparece en el trozo de tierra que pisa Jesucristo y el verdugo que barrena la cruz y el celaje que aparece sobre las cabezas de la muchedumbre que se agolpa en torno a Jesucristo.

• La composición está centrada en la figura de Jesucristo cubierto con una túnica roja (símbolo del martirio), que flota sobre su cuerpo describiendo pliegues acartonados que favorecen el efecto de claroscuro. Delante de Jesucristo las tres Marías y el sayón que con una barrena horada la cruz. A la derecha de Jesucristo una figura con indumentaria militar de color gris acerado, y por encima de la cabeza de Cristo la muchedumbre dispuesta a arrancar de su cuerpo la túnica.

• Los valores plásticos que caracterizan la obra son los propios del Manierismo, un estilo personal, único:

o El alargamiento de las figuras. o Las distorsiones de la

musculatura. o El dominio del escorzo. o La mirada mística de Cristo,

contrastando con los gestos de crueldad de la muchedumbre que le rodea.



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CUESTIONES

1. ¿Qué es el Humanismo y cuáles son sus características en la Edad Moderna?

………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………

2. ¿Cuál es la diferencia entre teocentrismo y antropocentrismo?

…………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………

3. ¿Quién inventó la imprenta y por qué contribuyó a la difusión del Humanismo?

………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………

4. Cita 4 humanistas importantes.

………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………..

5. ¿Qué Academia fundó Marsilio Ficino y qué obra tradujo de Platón.

……………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………….

6. ¿Qué malas prácticas de la Iglesia Católica criticaba el humanista Erasmo de Rotterdam y en qué consistían?

……………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………

7. ¿Qué humanista escribió “El Príncipe” y cuál es el contenido de esta obra?

………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………..

8. ¿Quién escribió “La Utopía y cuál es su contenido?

…………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………..

9. Cita dos humanistas españoles



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10. Explica el concepto de Racionalismo y Empirismo e indica cómo influyeron en el avance de la ciencia durante la Edad Moderna.

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11. Cita 4 científicos del siglo XVI e indica las teorías y descubrimientos que realizaron

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12. ¿Por qué al movimiento artístico del siglo XVI se le da el nombre de Renacimiento?

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13. ¿Qué significa Quattrocento, cuál fue la ciudad italiana que sirvió de centro artístico del Quattrocento y quiénes fueron los mecenas?

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14. ¿Qué significa Cinquecento, qué ciudad fue el centro artístico y quiénes son los mecenas?

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15. ¿Qué significa orden arquitectónico y de qué consta como elementos sustentantes y sustentados?

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16. Cita los órdenes arquitectónicos clásicos

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17. ¿Qué diferencia al orden dórico y al jónico?

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18. ¿Cuál es el concepto de arco de medio punto, cómo se llaman cada una de las piezas que forman los arcos?

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19. Define cúpula e indica sus partes

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20. ¿Qué entiendes por arquitectura adintelada o arquitrabada?

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21. ¿Qué entiendes por arquitectura abovedada?

……………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………22. Describe el sistema de construcción del Coliseo romano

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24. Explica en qué consiste el paramento que conocemos como “almohadillado”

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25. Explica la planta de San Andrés de Mantua que sirvió de modelo a las iglesias jesuíticas

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26. Cita 4 obras de la arquitectura del Renacimiento entre Italia y España.

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27. Describe el alzado del patio de Villanueva de la universidad de Alcalá de Henares y compáralo con el alzado del Coliseo de Roma.

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28. Cita las características de la escultura del Renacimiento

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29. Cita 4 escultores del Renacimiento entre italianos y españoles.

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30. Explica las características de la pintura del Renacimiento.

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31. Cita 4 obras importantes de la pintura del Renacimiento.

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32. Analiza las características del lienzo “El Expolio” de “El Greco”, indicando por qué la pintura de El Greco se califica de manierista.

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la edad moderma: humanismo y r enacimien … · • el quattrocento (s.xv) que tuvo como centro...

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