La

C omposición

LA COMPOSICIÓN

“La percepción organizada es todo lo que abarca el arte” Lichtenstein 1. Definición. El diccionario de la RAE define el término composición como el “arte de agrupar las figuras y accesorios para conseguir el mejor efecto, según lo que se haya de representar”; y define la acción componer como, “formar de varias cosas una, juntándolas y colocándolas con cierto modo y orden”, así como, “hacer o producir obras científicas o literarias y algunas de las artísticas” En relación al ámbito de la “plástica y visual”, podemos decir (aunque no existe una definición genérica y consensuada) que la composición es el resultado del proceso organizativo de los diferentes elementos grafico-plásticos que configuran una imagen, obra o mensaje visual, así como de la relaciones e interacciones que entre ellos se desencadenan, proporcionando coherencia formal a la obre de arte. Elementos importantes de la expresión son el punto, la línea, el plano, la textura y el color; o los que están relacionados con los principio perceptivos (figura, fondo,…) que ya hemos estudiado anteriormente. Otros elementos que deberemos tener en cuenta son los que podemos llamar elementos conceptuales, como lo son el peso, el equilibrio, el ritmo, el movimiento, la organización del espacio… etc.

PESO

El peso visual es la atracción o predominio visual de las formas. En las artes plásticas cualquier figura concreta o cualquier mancha abstracta tiene un valor de peso que viene dado fundamentalmente por la

posición de la forma en la superficie del soporte, por su tamaño, por su color o por su configuración. En el peso visual influyen, entre otros, los siguientes factores1:

Tamaño.

A mayor tamaño corresponde mayor peso

Color.

Los colores cálidos, como el rojo, pesan más que los fríos, como el azul.

Ubicación: Una posición fuerte sobre la armazón estructural (es decir, bien centrada o en coincidencia con alguno de los ejes principales horizontal-vertical y las diagonales) puede aguantar más peso que otra descentrada o alejada de dichos ejes.

Ubicación:

A mayor profundidad o lejanía, también corresponde mayor peso.

Arriba pesa más que abajo

Tono:

Los tonos claros sobre fondo oscuro pesan más que los oscuros sobre fondo claro.

1 “Arte y percepción visual” Rudolf Arnheim. Alianza Editorial.

Tono:

A igualdad de fondo, es más pesado el tono que más contraste.

Tono:

Una zona negra tiene que ser mayor que otra blanca para contrapesarla

Forma:

La forma regular es más pesada que la irregular.

Forma: La orientación vertical es más pesada que la oblicua, y ésta, a su vez, es más pesada que la horizontal.

Dirección:

La dirección de las fuerzas visuales viene determinada por la atracción que ejerce el peso de los elementos vecinos. En la figura de la izquierda el caballo es arrastrado hacia atrás por la atracción que ejerce la amazona, sin embargo en la de la derecha es arrastrado hacia delante por el otro caballo.

Ritmo. Es la disposición de formas o elementos visuales en secuencias más o menos regulares. Se

trata de un concepto relacionado con la música y la danza, pero que también se aplica a las formas visuales, cuando alguna forma se repite de manera organizada. En la obra visual, estas repeticiones pueden ser uniformes, cuando un elemento se repite constantemente en una dirección (por ejemplo, arcos, orlas, cenefas...), con alternancia (de dos en dos, combinando grande y pequeño, o superior o inferior, o un color y su complementario...) o de ritmos crecientes o decrecientes, cuando la misma forma se repite aumentando o disminuyendo su tamaño.

Juan Genovés

Simetría. Es la relación de dimensión y forma respecto a un eje o foco. Se produce cuando en un encuadre aparece repetido un elemento de manera que uno de ellos parece el reflejo del otro en un espejo. Las composiciones muy simétricas resultan agradables, dan sensación de estabilidad, pero pueden resultar monótonas. Las composiciones asimétricas son más dinámicas, producen sensación de inestabilidad y pueden generar mayor tensión dramática.

DINÁMICA VISUAL O “LA TENSIÓN DIRIGIDA” Kandinsky declaraba “reemplazo el concepto, casi universalmente aceptado de movimiento por el de tensión. (…) La tensión es la fuerza inherente al elemento (…) A ello hay que añadirle la dirección.”2

Podemos encontrar ejemplos muy variados en la naturaleza si buscamos en los objetos la huella del paso del tiempo:

Este elemento es importante en cualquier composición artística y muchos de los recursos para crearlos ya han sido presentados: la línea, el ritmo, la dirección,…

¿…y todo esto, qué importancia tiene?... El EQUILIBRIO.

“¿Por qué es importante el equilibrio pictórico? Es preciso recordar que, en lo visual como en lo físico, el equilibrio es el

estado de distribución en el que toda acción se ha detenido. (…) En una composición equilibrada, todos los factores del tipo de la forma, la dirección y la ubicación se determinan mutuamente, de tal modo que no parece posible ningún cambio (…). Una composición desequilibrada parece accidental, transitoria, y por lo tanto, no válida. Sus elementos muestran una tendencia a

cambiar de lugar o de forma para alcanzar un estado que concuerde mejor con la estructura total”. 3

Cada forma o figura representada sobre un soporte se comporta como un peso visual, ejerce una fuerza óptica. Nos podemos imaginar los elementos de una composición como los pesos de una balanza. Una composición se encuentra en equilibrio si los pesos de los elementos se compensan entre sí.

Equilibrio simétrico:

Se da cuando, al dividir una composición en dos partes, existe igualdad de peso en ambos lados. No se encuentran elementos que sobresalgan más que el resto en importancia y peso. Desde el punto de vista de la percepción, un diseño simétrico es un factor estético de armonía, que nos transmite una sensación de orden.

Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa, de Jan van Eyck

Equilibrio asimétrico: Se da cuando, al dividir una composición en dos partes, no se dan las mismas dimensiones en tamaño, color, peso, etc., pero existe un equilibrio entre ambas. En el equilibrio asimétrico, al ser desiguales los pesos a un lado y otro del eje, el efecto es variado. La asimetría nos transmite agitación, tensión, dinamismo, alegría y vitalidad; en este tipo de equilibrio, una masa grande cerca del centro se equilibra por medio de otra, pequeña, alejada de él.

Habitación de hotel, de E. Hopper

2 “Arte y percepción visual” Rudolf Arnheim. (pág. 454) Alianza Editorial.

3 “Arte y percepción visual” Rudolf Arnheim. Alianza Editorial.

Para descubrir esa dinámica deberás analizar

todos los elementos descritos, hasta la

dirección de una mirada puede llegar a ser

importante.

CRITERIOS DE COMPOSICIÓN

Ley de la balanza. El esquema compositivo resultante es semejante a la figura de una balanza de cuyos extremos penden dos platillos. El fiel de la balanza está situado en la mitad del cuadro, y es en este espacio central donde se representa la figura de mayor jerarquía e importancia.

Para que una composición se rija por esta ley, estos dos elementos tienen que tener el mismo tamaño, peso visual y la misma separación entre ellos.

Una variante compositiva de la ley de la balanza consiste en sustituir los dos signos visuales situados a los lados del eje por grupos de signos visuales que, equidistantes del centro, equilibren la composición. Esta variante produce una obra de mayor complejidad, dinamismo y riqueza expresiva, sin perder en absoluto la simetría característica de la ley. La sección áurea4. Es una fórmula matemática que permite dividir un todo en partes proporcionalmente armónicas de gran belleza y elegancia visual. Puede utilizarse en diversos trazados geométricos, como la división de un segmento en dos partes desiguales, la construcción de rectángulos áureos, trazado de triángulos áureos, etc… Los griegos utilizaban la sección áurea no sólo en sus pinturas sino también en sus construcciones arquitectónicas. Esta ley se ha seguido empleando a lo largo de la historia del arte con mayor o menor consideración según épocas.

Paris Saint-Germain-des-Prés, Brasserie Lipp - Henri Cartier-Bresson - 1969

El Partenón

4 La proporción áurea está representada por el número 1’618, para llegar a el deberíamos hacer una secuencia numérica

como la siguiente: 1,1,2,3,5,8,13,21,34….(llamada secuencia de Fibonachi) donde cada número que sigue en la cadena se suma a los dos anteriores, es decir que 1+1=2, 1+2=3, 2+3=5, 3+5=8…. y así sucesivamente

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nzo, 1944

-1945)

Regla de los tercios. Muy utilizada en fotografía, es una de las reglas principales de composición, una simplificación de la sección áurea. Según ella, los personajes u objetos principales tendrían que estar colocados en las intersecciones que resultan al dividir la pantalla en tres partes iguales de manera vertical y también de manera horizontal. De este modo se consigue evitar la monotonía que producen los encuadres demasiado simétricos. A consecuencia de esta regla conviene tener presente que:

La línea del horizonte nunca dividirá horizontalmente el encuadre en

dos partes iguales. Los personajes principales no han de ocupar el centro del encuadre. Los cuatro puntos de intersección de las líneas se convierten en

zonas de gran atracción visual y se deberán tener en cuenta al situar los centros de interés de la imagen.

Las franjas superior e inferior se consideran también zonas de atracción visual.

La franja derecha se considera más “pesada” y no es aconsejable ubicar en ella elementos importantes de la imagen. La franja izquierda tiene mayor estabilidad.

Ley de compensación de masas. La ley de compensación de masas se basa en el equilibrio de los pesos visuales. El motivo principal de la obra se desplaza del centro hacia un lateral y se compensa el descentrado con otros objetos o personajes en el lado opuesto por medio de la forma, el color la textura, la luz o el significado. Por ejemplo en esta obra de William Turner (1775- 1851) es el color el que se utiliza como contrapeso. Las formas desdibujadas de tierra desplazas a la izquierda de tonos cálidos se compensan con la mancha saturada de amarillo y nítida del sol.

Dante y Beatriz” H. Holiday. ¿En cuál de estas dos versiones te parece que existe mayor compensación.

Organización del espacio pictórico

En la mayoría de las composiciones se pueden definir unas líneas virtuales que señalan el sistema de fuerzas que produce el equilibrio compositivo. Son esquemas que suministran información del carácter dinámico o estático de la composición, de sus componentes o de su estructura compositiva (equilibrio entre formas, oposición entre hueco y vacío, tensiones ascendentes o descendentes, movimiento o reposo...). Dichas líneas se conocen como líneas de fuerza e invitan a la mirada del observador a seguir

determinados recorridos visuales o a fijarse en el centro de interés, en el peso de los elementos o incluso en la geometría oculta de la composición. Pueden ser líneas imaginarias que, enlazando ciertas partes, están en armonía con el ritmo del conjunto de la obra.

ACTIVIDADES

UD 7 La composición AC 1 Las Meninas

Realiza un trabajo de documentación y comentario de la obra de Velázquez “Las Meninas” siguiendo las pautas que a modo de orientación te ofrecemos más adelante.

Como que esta obra ha sido versionada por muchos artistas, deberás incluir una apartado,

a modo de anexo final donde recojas dicha información. Para ayudarte un poco, te diré que artistas como Picasso, El Equipo Crónica, Manolo Valdés, Antonio de Felipe o Mingote han realizado multitud de versiones.

Ayuda para ANÁLIZAR DE UNA OBRA PICTÓRICA

El análisis de una obra de arte dentro del ámbito académico, es un ejercicio práctico en el que a partir de la imagen de una obra se ha de desarrollar un análisis y comentario escrito de la misma aplicando los conocimientos teóricos aprendidos en asignaturas. Para analizar una obra de arte se deben tener en cuenta aspectos como:

La catalogación de la obra: título, nombre del autor, época, corriente o estilo a que pertenece y

cronología respectiva, así como otras obras de ese autor.

La descripción de la obra: reconocer la técnica, los materiales y el análisis de las formas (captar la composición y el ritmo a partir del uso del color, del dibujo y de la línea).

La comprensión de la imagen: descifrar e interpretar su tema, su contenido, su significado, su

función, ver los símbolos y alegorías...

La relación de la obra con su autor, su época y su contexto histórico.

A modo de ejemplo, y sin que esto signifique seguirlo al pie de la letra (no tienes que contestar las preguntas, son solamente orientativas), te presento unas pautas para realizar el trabajo:

1.- ASPECTOS ICONOLÓGICOS, PERSONALES, SOCIALES E HISTÓRICOS.

1.1.- Identificación ¿Qué persona, institución o grupo encargó la obra? ¿Tenían alguna relación con el pintor de tipo económico o profesional? ¿Se conoce el pintor que realizó la obra? ¿De qué nacionalidad era? ¿A qué época pertenece? Delimita lo más posible la fecha de su realización. ¿A qué estilo artístico pertenece? ¿Se considera incluida la obra dentro de alguna escuela o variante de ese estilo? 1.2.- Tema y argumento ¿Cuál es el tema representado? ¿Qué aparece: personas, animales, objetos,...? ¿Si hay un solo personaje, es orante, sedente, yacente, figura ecuestre,...? ¿Si es un grupo de figuras, qué escena representan: religiosa, retrato, bodegón, paisaje, de género,...? Descríbela. ¿Cuál es el argumento de la obra y qué significado tienen los elementos que aparecen en relación con su contenido? ¿Qué personajes aparecen? 1.3.- Función y significado

¿La pintura tenía simplemente una función decorativa o se realizó con alguna otra intención además de ésta? ¿Por el tema representado, el lugar de colocación... tiene alguna significación simbólica? ¿Desde el momento de su realización hasta ahora han variado su función y significación? ¿Por qué? 1.4.- Contexto histórico.

Relaciona la obra y sus características con la época a la que pertenece observando aspectos económicos, sociales, políticos o culturales de las personas que viven en el momento de su realización. ¿La escena corresponde a la vida del momento en que se realizó la pintura? ¿Qué tipo de objetos, vestidos, adornos,... aparecen? ¿Qué actividades económicas debían tener en aquella época en relación con ellos? ¿A qué nivel social corresponden las personas representadas? ¿Se observa en la pintura alguna crítica social del pintor? ¿Pertenece el pintor a esa mima clase? ¿Si se representa alguna escena política o bélica, qué relación tiene con los acontecimientos históricos de ese momento? ¿Destaca algún aspecto cultural o valor humano en la pintura? 2.- ANÁLISIS: ASPECTOS TÉCNICOS.

2.1.- Aspectos materiales: soporte, técnica y textura.

¿En qué tipo de soporte está realizada la pintura? ¿Qué pigmentos? ¿Qué técnica se ha utilizado? ¿Se han usado una o varias técnicas a la vez? ¿La distribución de los colores se ha hecho mezclando la pintura o con pinceladas aisladas y contrastantes? ¿Se han superficies de distintas texturas?

2.2.- Formas.

¿Predomina el dibujo? ¿El dibujo es continuo o se presentan trazos sólo en determinadas zonas? ¿Se produce la sensación de formas planas o con volumen? ¿Parece que, por el contrario, predomina el color para delimitar las formas? ¿Esto provoca mayor sensación de volumen en ellas que con el dibujo? ¿Las formas tienden a ser rectas y angulosas o suaves y curvas? ¿La obra es figurativa o abstracta? ¿Si es figurativa, además es naturalista o está esquematizada? ¿Si es naturalista, es realista (presenta la realidad sin evitar rasgos particulares y defectos) o está idealizada (presenta individuos genéricos, no concretos? ¿Las figuras están realizadas con la misma escala o se observa que están desproporcionadas destacando unas más que otras por alguna jerarquía? ¿Dentro de cada figura, las partes están proporcionadas y corresponden a determinado conjunto de proporciones (canon) o se destacan más unas partes que otras por algún motivo? ¿Tiene alguna significación simbólica? ¿El cuadro es muy detallista o presenta el tema de manera sobria? ¿A qué responde? ¿Los detalles tienen la misma intensidad toda o pierden nitidez a medida que se "alejan" del espectador? 2.3.- Luz.

¿El espacio pictórico parece tener luz natural o luz artificial (de una vela, bombilla,...)? ¿Tiene relación con el lugar donde pinta el autor (exterior o interior)? ¿La iluminación proviene de "luz ambiente" o hay algún foco de luz? ¿Ese foco es interior al cuadro o está fuera de él? ¿Cómo son las sombras que se producen en relación al tipo de luz y la dirección que lleva? ¿La luz es brillante o débil? ¿Tiene relación con el tema? ¿Produce algún tipo de sensación? ¿Qué significación puede tener? ¿La forma de representar la luz es por medio de la gradación de los valores del color o por otros medios (como cambio de color, líneas direccionales...)? 2.4.- Color ¿Qué colores predominan, los primarios o los secundarios? ¿Hay colores complementarios próximos? ¿Se potencian unos a otros? ¿Los colores son luminosos o son oscuros son intensos o apagados? ¿Existe armonía entre ellos? ¿Qué gama predomina: la de colores cálidos o la de colores fríos? ¿Los colores cálidos parece que "avanzan" hacia el espectador y los fríos se "hunden" en el cuadro? ¿Los colores tienen alguna significación simbólica que se pueda relacionar con el tema representado? ¿Qué sensación o fuerza emotiva despiertan? ¿Están distribuidos esos colores de forma "plana" (uniforme) en la superficie o con gradación de valores (claroscuro)? ¿Ocurre lo mismo en la representación de distintos planos de la escena? 2.5.- Volumen de las formas ¿Los elementos del cuadro resultan "planos" o parecen tener "cuerpo" (volumen)? ¿Si resulta "plano" qué produce esa sensación predominio del dibujo sobre el color distribución uniforme de los colores, luz ambiente sin sombras, aparición frontal o de perfil (sin escorzo) de los elementos...? ¿Si, por el contrario, parecen tener volumen, influye el predominio del color sobre el dibujo, la existencia de un foco de luz que provoca claroscuro en los colores y "modela" las figuras, la aparición de las figuras en escorzo,...? 2.6.- Profundidad

¿El pintor ha conseguido anular el aspecto bidimensional de la superficie y ha logrado crear la sensación de profundidad en ella? ¿La utilizado para lograrlo algún tipo de perspectiva geométrica con uno o varios puntos de fuga y ha disminuido proporcionalmente el tamaño de las figuras a medida que se "alejan" del espectador? ¿Ha utilizado la disminución progresiva de los detalles y la pérdida de nitidez en los planos más alejados? ¿Contribuye a la sensación de profundidad el volumen de las figuras y la proyección de las sombras sobre el fondo? ¿Las figuras se yuxtaponen o superponen? ¿Se han utilizado gamas de colores (cálida o fría) intencionadamente de forma que resalte o hagan retroceder los planos? ¿Los elementos se van decolorando y haciendo más blanquecinos a mayor profundidad del cuadro? ¿Se le ha puesto al cuadro algún fondo neutro o se representa un paisaje o espacio arquitectónico que aumente la sensación de profundidad? ¿Cuántos planos distintos se pueden observar? ¿Existe un primer plano, un plano medio y plano de fondo? 2.7.- Estructura interna

a) Construcción y composición. ¿La superficie donde está realizada la pintura está delimitada (con existencia de un "marco") o es un espacio continuo donde se pinta (como en la prehistoria)? ¿Si hay un espacio continuo hay unidad de escena o figuras aisladas? ¿La representación de la escena es unitaria o las figuras se presentan en fajas dentro de un mismo marco (series yuxtapuestas horizontalmente de figuras)? ¿El espacio pictórico está dividido horizontal o verticalmente en dos o más partes? Si esas partes son iguales, ¿produce sensación de equilibrio y estatismo? ¿Si son desiguales, la sensación es de inestabilidad y dinamismo? ¿Cuando son desiguales, guardan proporción las artes entre sí o están muy desproporcionadas? ¿Esa proporción corresponde con la sección "dorada"? ¿Las divisiones del espacio corresponden con los distintos planos de profundidad que tiene la escena? ¿Una de esas divisiones está realizada con la línea

de horizonte? ¿Tiene alguna incidencia en el cuadro la altura a la que se haya colocado la línea de horizonte (alta, media o baja)? ¿Las distintas "manchas de color" (masas) del cuadro están equilibradas y repartidas proporcionalmente en toda la superficie o se acumulan en una zona y están descompensadas? ¿Los elementos del cuadro están dispuestos de manera que potencian la horizontal, la vertical o la diagonal? ¿Están agrupados constituyendo algún esquema geométrico (circular/ovalado, cuadrado/rectangular, triangular/piramidal, radial, en S)? ¿Esa disposición de las figuras nos incita a realizar recorridos visuales determinados a modo de guías direccionales o nuestra vista vaga de manera indeterminada por los elementos del cuadro? b) Tensión ¿Hay algún punto de mayor interés que atrae nuestra atención de forma insistente? ¿Por qué es un punto de interés por su situación estratégica en el espacio (el centro, punto "dorado",...) por su mayor iluminación, por la confluencia en él de las líneas de perspectiva (punto de fuga), por su mayor tamaño que las demás figuras...? ¿Hay una zona o un eje, en vez de ser un punto, que obligue a nuestra vista a seguir esa dirección repetidamente? ¿Se debe al tema representado, a la disposición de las figuras,...? c) Movimiento ¿Los elementos del cuadro están en una actitud dinámica o de reposo? ¿Ese dinamismo es físico (se representan figuras en movimiento) o psicológico (las figuras aparecen quietas pero muestran una cierta agitación espiritual? ¿El movimiento de las figuras corresponde con el de la realidad o es sólo un movimiento pictórico (las posturas son irreales aunque expresivas)? ¿La estructura del cuadro tiene algún dinamismo interno mediante la superposición de las formas, deformaciones introducidas en ellas, puntos o ejes de tensión, la forma misma de las figuras y su disposición lineal o no, la distribución del espacio en partes desiguales, la disposición rítmica de los elementos,...? d) Ritmo ¿Hay elementos que se repiten periódicamente (figuras, espacios vacíos, tamaños, colores, luces y sombras...)? ¿Algunos de ellos se oponen a otros enfrentándose? ¿Se alternan de manera intencionada varios de esos elementos? ¿Alguno de ellos aumenta o disminuye progresivamente dentro del espacio pictórico? *¿Qué efecto producen y con qué intención están representados esos elementos: para indicar movimiento, profundidad,...?

EJeMPLoS Podrás encontrar algunos de comentarios de obra pictórica en internet que te pueden servir de ejemplo: La libertad guiando al pueblo. Ferdinand Eugéne-Victor Delacroix http://verdadyverdades.blogspot.com.es/2011_02_01_archive.html El entierro del conde Orgaz. El Greco. http://verdadyverdades.blogspot.com.es/2011/02/el-entierro-del-senor-de-orgaz-el-greco.html