INTERRELACIÓN DE LAS ARTES VISUALES Y LITERATURA

EN LESSING

En su obra Laocoonte, el pensador alemán Gotthold Ephraim

Lessing brinda su punto de vista a un debate clásico sobre el arte e

intenta establecer las diferencias entre la pintura y la poesía.

El título de la obra refiere al conocido grupo escultórico, una de los

más admirados en la historia del arte, y, en particular, a una

polémica surgida en la Antigüedad con respecto a su creación. El

análisis de la misma le servirá al autor como pretexto para

desarrollar su visión acerca de la interrelación de las artes.

El Laocoonte, descubierto en Roma en 1506, es una obra del

periodo helenístico (323 a.c -33 a.c) en la que se

representa al sacerdote troyano homónimo y a sus hijos luchando

contra las serpientes marinas que los dioses les enviaron, ya que

Laocoonte había desconfiado del caballo griego, que sería luego la

perdición de Troya. Este pasaje es narrado por Virgilio en su Eneida,

por lo que muchos eruditos, tal es el caso de Marliani y Montfaucon,

han postulado que la obra literaria ha servido de modelo a los

creadores del grupo escultórico.

Lessing apoya esta hipótesis y afirma:

La manera de contar la desgracia de Laocoonte es toda invención

suya [de Virgilio]; en consecuencia, si los artistas están de acuerdo

con el poeta en la forma de representar aquel episodio, es bien

probable que vivieron en época posterior a Virgilio y le tomaron por

modelo.1

No obstante, el pensador alemán encuentra diferencias entre el

relato de Virgilio y lo que se observa en la escultura, principalmente

en la expresión del rostro. Esto también había sido analizado por el

crítico Wincklemann, quien contrapone el terrible grito de dolor que

1 LESSING, Gotthold Ephraim. Laocoonte. Buenos Aires, Argos, 1946, p.55.1

Laocoonte emite en el relato virgiliano con el gesto sosegado que el

sacerdote muestra en la escultura.

Lessing considera que esta diferencia se debe a las distintas leyes

que posee cada arte. Postula acerca de los escultores:

Han tenido un modelo, pero como tenían que transportar de un arte

a otro este modelo, han sabido reflexionar por cuenta propia. Y estas

reflexiones personales, que se manifiestan por la divergencia entre la

copia y el modelo, demuestran que han sido tan eminentes en su arte

como el poeta en el suyo.2

De esta manera, el pensador pretende demostrar que ambas obras

poseen efectos significativos comunes: pretenden representar la

belleza, por medio de la imitación. Pero para lograr este fin ambas

artes, pintura y poesía, deben valerse de sus respectivos recursos,

que difieren entre sí, y esta es la causa de que haya divergencias en

sus representaciones.

Un grito narrado no implica ninguna deformación en el rostro

humano, mientras que el mismo grito representado en una escultura

afearía el rostro, al ser este visible. Las partes plásticas tienden a

imitar los cuerpos, ya que su ámbito es la espacialidad. Por este

motivo, los escultores han representado una visión global del dolor a

través de toda la escultura y le han atribuido al sacerdote una

expresión serena.

La poesía, en cambio, imita las acciones, su condición propia es la

temporalidad. Por lo tanto, Virgilio narra detenidamente lo que en la

escultura se ve en conjunto y de manera estática, y en el momento de

clímax expresa el dolor de Laocoonte con un grito.

Esta reflexión también podría ilustrarse con un ejemplo del siglo

XX: El artista italiano Giorgio de Chirico representó, tanto en pintura

2 Op. Cit., p. 67.2

como escultura, la escena de despedida entre Héctor y Andrómaca

narrada por Homero en el canto VI de su Iliada.

Chirico, fundador de la scuola metafísica, ha plasmado a los

protagonistas de la escena como maniquíes sin rostro, por lo que la

diferencia más notable consiste en la ausencia de rasgos que

permitan apreciar la emoción de los personajes. Estos permanecen

en el anonimato y solo es posible distinguirlos por sus vestiduras.

Pero la conmoción propia del momento representado se observa de

manera global. Así como el dolor de Laocoonte no se aprecia por la

expresión de su rostro sino a través de una mirada a todo el conjunto

escultórico, la emoción de Héctor y Andrómaca se manifiesta en la

escultura o el cuadro en su totalidad.

En el caso de la obra pictórica, los colores rojizos evocan la

violencia y amenaza constante de la guerra, mientras que los tonos

oscuros a espaldas de los personajes reflejan el temor hacia lo

venidero. Por su parte, la postura de los protagonistas, cuyos

cuerpos se encuentran enlazados, manifiestan tanto en la pintura

como en la escultura el amor de la pareja y la angustia de la

separación.

De esta manera, Chirico ha reflejado con los medios propios de las

artes visuales aquello que la obra literaria relata. Representa en un

cuadro y en una escultura aquello que Homero narra, pero como solo

puede reflejar un instante de ese extenso relato, se vale de todas las

herramientas que su arte brinda para plasmar ese momento de la

manera más fecunda.

Por lo tanto, y de acuerdo con Lessing, sería posible afirmar que la

pintura y la poesía tienen efectos significativos comunes, pero

difieren en los sistemas de signos con que cuentan para alcanzarlos.

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