HOY EN MARCO

P o r L u i s F r í a s L e a l

Ignacio Salazar. Inesperada ExtrañezaEl pasado 15 de marzo se inauguró en

que reúne una selección de la más reciente producción pictórica del maestro mexicano Ignacio Salazar. Por medio de las 35 piezas que componen la muestra, el maestro Salazar nos comparte un mundo de imágenes figurativas y abstractas que conviven intertextualmente en su búsqueda por el conocimiento, a la vez que registran la actividad de su vida espiritual. La curaduría de la exposición fue realizada por el galerista Guillermo Sepúlveda y estará presente en la Sala 5 de la Planta Baja del Museo hasta el 2 de junio próximo. En la Tienda del Museo está disponible el catálogo de la muestra que Incluye textos de Teresa del Conde, Manuel Felguérez y Elia Espinosa.

Ignacio Salazar nació en la ciudad de México el 3 de octubre de 1947. Cursó la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) de la UNAM, misma en la cual realizó la Maestría en Pintura y actualmente es candidato a Doctor. Ha participado en importantes y numerosas exposiciones individuales y colectivas en México, Venezuela, Estados Unidos y Europa. En Monterrey ha realizado cinco exposiciones individuales en la galería Arte Actual Mexicano (2011, 2006, 2004, 1990, 1984), Muestra Retrospectiva 1976-1992 en el Museo de Monterrey (1992), y dos en la Galería Miró (1982 y 1980). En

es:

marco la exposición de pintura Ignacio Salazar. Inesperada extrañeza,

marco, Salazar ha participado en las exposicion Siglo XX: Grandes Maestros Mexicanos.

1

Árbol Constelación, 2012Temple y óleo sobre panel52 x 44 cmColección del artista

Prodigios de fin de siglo (2003), Subasta 98 MARCO-Sotheby's. Monterrey-Nueva York (1998), Premio MARCO (1996, 1995, 1994), y 100 Pintores Mexicanos (1993). También ha participado en muestras colectivas en

marco

otras instituciones culturales de nuestra ciudad, como el Centro de las Artes, el Museo Metropolitano de Monterrey y el Museo El Centenario. En 1991 obtuvo el Premio París. X Aniversario Muestra Anual Cruz Roja Mexicana, Aeroméxico y Grupo de los Dieciséis. Ha sido postulado por la Escuela Nacional de Artes Plásticas para el Premio Universidad Nacional y desde 1993 es Creador Artístico por el Sistema N a c i o n a l d e C r e a d o r e s d e A r t e CONACULTA.

La sobresaliente trayectoria artística de Ignacio Salazar se complementa con su vida docente y académica. En octubre del año en curso, el artista cumplirá cuarenta años como profesor en universidades en México y el extranjero. Actualmente es responsable del Seminario de Pintura Contemporánea en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, escuela de la cual ha sido director. Es Consejero Técnico en la ENAP - UNAM, asesor y miembro de diferentes comités en la UNAM, FONCA - CONACULTA y en fundaciones privadas.

Durante su visita a con motivo de la inauguración de la exposición y algunos eventos relacionados con la misma tuvimos la oportunidad de charlar con el artista para conocer más acerca de su visión del arte y su obra.

Ignacio Salazar ve la actividad docente como una posibilidad a la continuidad del conocimiento y a la identificación de “familias artísticas” que se nutren del

Salas de la exposición Ignacio Salazar. Inesperada Extrañeza en marco

Foto

s: C

orte

sía

MAR

CO2

3

aprendizaje mutuo. Considera que la docencia es una de las mejores formas de aprendizaje que tiene el artista. “En las artes no hay reglas, podemos decir que todo se puede y nada se debe. Es una gran oportunidad tener acceso a ambos, la docencia y la vida artística. Aprendemos mucho enseñando. Trabajar con jóvenes es una forma de tener sincronía con lo que está sucediendo en el planeta”. Salazar enfatiza su gusto por haber participado con cuarenta generaciones de alumnos: “Muchos alumnos ya son abuelos, muchos los sigo viendo; nos convertimos en amigos”.

La obra del maestro Salazar tiene una gran carga espiritual, sugiere que “el arte es siempre un viaje hacia dentro de uno”. Ignacio Salazar practica el budismo Zen y dice llevar una vida silenciosa y que tiende a alejarse del sufrimiento: “Yo no sufro al hacer mis cuadros, disfruto mucho pintando”. Salazar considera que vivimos un momento difícil: “En este mundo tan hiper-materializado, tan concreto, tan t a n g i b l e , p r o d u c t i v o , e f i c i e n t e , emprendedor; hay una parte de nosotros que se va nublando, oscureciendo, hasta d e s v a n e c i e n d o , a u n q u e n u n c a desaparece: Es la vida íntima de la psique/espíritu, que no es tangible. Puede asociarse a la religiosidad, pero la espiritualidad son las actitudes con nosotros mismos que nos acercan a nuestra vida interna. Reflexionar acerca del funcionamiento de nuestra mente, cuerpo, acciones con el mundo, otras personas, la naturaleza y forma de vida pueden llevarnos a un primer paso de introspección. Un segundo paso es la actitud contemplativa (el que ve hacia adentro), que ayuda, es un catalizador. Las

artes nos ayudan a estar en ciertos estados de nuestra sensibilidad, emociones y percepciones. Es un interlocutor, vehículo hacia conocernos. La espiritualidad es un camino sin inicio ni fin que se pude ir expandiendo, y en la práctica artística se va convirtiendo en una vida maravillosa.”

Menciona que podemos no saber cómo

Canaletto en el barrio del placer, 2012óleo sobre panel47 x 47 cmColección particular

procesamos esos estados emocionales, sensibles y perceptivos, “pero sí sabemos que hacemos un acto artístico”. Cita una anécdota del pintor nacionalizado estadounidense Willem de Kooning, quien en su madurez sufrió la enfermedad de Alzheimer y mientras que no podía reconocer a su esposa, podía seguir participando en el acto creativo de su

pintura. Señala también la importancia de cultivar la espiritualidad a través del arte y la educación artística para ayudar a la humanidad a evitar la destrucción hacia la que se dirige: “Nadie mata componiendo una novela, nadie mata haciendo un poema”.

Salazar busca canales de comunicación entre su pintura, vida artística y vida espiritual. De la experiencia artística, por ejemplo al leer un libro o escuchar música, menciona, “surgen procesos no de inspiración, pero sí abstractos y complejos que me conmueven y me vuelven muy sensible. De alguna manera dejan una impronta en mi mente”. Esta relación con las artes se convierte en las imágenes “mentales” que lo llevan a crear mundos de aprendizaje espiritual y continuidad del conocimiento. Comenta: “A la hora de pintar, no es que se vierta de una manera explícita o concreta sobre la pintura, sino que la pintura forma un espejo de esa vida espiritual, de esos estados meditativos y contemplativos. Al mismo tiempo, la vida espiritual se vuelve un espejo de la pintura. Se especulan entre ambas y se va tramando la pintura, empiezo a hacer formas, dibujos que se van ensamblando con color, espacial idad, la par te constructiva y compositiva. La pintura es ejercicio material de la espiritualidad. Es un descubrir. En mi tipo de pintura, medio abstracta y medio representativa, la narración resulta ilógica. Todo acto artístico tiene una lógica distinta a la común que tenemos cotidianamente”. El descubrimiento que menciona Salazar nace en ese dialogo con las artes y su sensibilidad, nace en él al reunir a Borges y Proust, a Mozart y McCartney, a Manet y las pinturas de Altamira en una conversación

4

Salas de la exposición Ignacio Salazar. Inesperada Extrañeza en marco

5

constructiva. Para Salazar el arte no cambia, sino que evoluciona. Tampoco existe el tiempo en el arte, sino que el arte es una continuidad y tiene proyectos evolutivos. El artista no crea imágenes sino continúa emociones. “Yo no trabajo con conceptos, por lo tanto no hago arte conceptual. Yo soy una persona que hace objetos, que viene de un linaje, dicho linaje tiene 35-40 mil años, que venimos como seres humanos haciéndolo continuado, venimos pintando”.

Aunque Salazar prefiere no interpretar sus obras, sino dejarlas abiertas a que el e s p e c t a d o r p u e d a c o n s t r u i r u n entendimiento propio, sus c

sto entre el Panteón de Agripa y un antiguo templo de Oriente, una manta que parece un río y elementos abstractos. También deja dos mensajes en sanscrito, como deseos de bienestar a quienes ven la obra. Son dos mantras (sellos): om mani padme hum (Bendito el nacido de la flor de loto), y namaste (saludo popular entre los budistas de la India y el sur de Asia, que significa “Tú y yo no somos diferentes”). Salazar dice: “Hago una paráfrasis de representación, de transformación, voy creando elementos que no tienen nada que ver unos con otros, absolutamente ilógicos”, pero la confrontación de estos elementos representan la posibilidad de un entendimiento diferente, una nueva posibilidad de continuidad. Otro ejemplo puede ser la piez

sagrado más importante de la filosofía budista, pues es donde Buda

omentarios sobre ellas nos abren una puerta a su proceso creativo. Por ejemplo, en Sutra (2013), la pieza más reciente de la exposición, plantea un espacio compue

a Árbol bodhi en el desierto (2010), en la que reúne el árbol bodhi (quizás el árbol

alcanza la iluminación), con un terreno montañoso y árido, y una estructura similar a una construcción. A Salazar, esta pieza le recuerda la ciudad de Monterrey, el logro de la vida en el lugar desértico. Agrega que las enseñanzas de Buda, los

Sutras, son una guía para ayudarnos a tener una vida ética, pensamientos puros y acciones bellas. Del mismo modo que los elementos arquitectónicos abstractos en s u s p i n t u r a s , c o n s t r u y e n compositivamente la obra, remiten a un

Árbol bodhi en el desierto, 2010óleo sobre tela65 x 61 cmColección particular

espacio bondadoso y espiritual, como si fuera un autorretrato de donde sucede su vida contemplativa y meditativa.

La pintura

Bernini. A partir de esta pieza surge el nombre de la exposición, ya que en una visita que realizó la psicóloga e historiadora de arte Teresa del Conde a su estudio, al ver la pieza recién terminada, tuvo la sensación de una “inesperada extrañeza”. Para Ignacio Salazar, la extrañeza da nacimiento al aprendizaje, “lo extraño como revelador”. “Todos los

Éxtasis (2012) evoca a Roma, con el Panteón de Agripa y el Éxtasis de Santa Teresa de Lorenzo

encuentros que tenemos a diario son inesperados, suceden tal cantidad de situaciones que van desde cosas muy sencillas y otras que son predecibles, pero la extrañeza es algo que nos cuesta más trabajo asociar con esta situación inesperada.” La extrañeza nos sitúa en un sitio desconocido, en la oportunidad de la experiencia despierta.

Su forma de ver el tiempo como un ensamblaje atemporal también lo podemos ver en su desarrollo técnico, reuniendo materiales, técnicas y procesos al servicio de la obra. Empezando por el

6

hecho de preparar la tela para sus lienzos con la imprimatura media Creta, una receta del Renacimiento que aporta los beneficios de obtener una mejor adherencia entre la tela y los pigmentos, mayor duración de los colores y reflejo de luz. Salazar inicia sus pinturas al temple, un proceso conocido desde la Edad Media que consiste en fijar pigmentos a una superficie mediante la emulsión de algún aglutinante aceitoso y agua. Existen muchas recetas para el temple, una de las más conocidas es en base a una emulsión de huevo. Luego utiliza acuarelas y lápices grasos y suaves, como en un palimpsesto, para ir descubriendo y construyendo la pieza. Menciona que suele utilizar un elemento que se repite, que va creando una estructura a la vez que permite el surgimiento de sus imágenes mentales. Mientras la pintura se construye, puede utilizar técnicas asociadas con procesos más contemporáneos como estenciles, tintas y enmascarillados con látex. A Salazar le interesan las transparencias, por lo que la fase final de pintura es con óleo. El maestro comenta que también ha experimentado por casi treinta años con diferentes barnices naturales de recetas a n t i g u a s p a ra l o g ra r u n a m e j o r conservación y duración de su obra. Reflexiona que su pintura es un acto disfrutable, y que, a la vez, es un oficio, aunque reconoce que esta mención puede tocar puntos sensibles entre algunos ar t istas. La pintura se descubre t é c n i c a m e n t e m e d i a n t e l a experimentación y el estudio.

A Ignacio Salazar le importa la educación artística tanto de futuros profesionales del arte como de los posibles espectadores para que puedan tener acceso a su

Túnel de luz, 2012óleo sobre tela80 x 100 cmColección del artista

información sensorial, emocional y perceptiva. Le preocupan medidas gubernamentales donde se minimiza el contacto con las artes y hasta las h u m a n i d a d e s : “ Es t a m o s c re a n d o personas con muy poco acceso a sí mismas, entonces ¿Cómo van a poder tener acceso a las obras artísticas?”

Al hablar de la pie

de la ENAP, antigua Academia San Carlos, donde inició sus

za Nube negra a Gerardo Murillo (2012) se muestra cariñoso y entusiasta al hablar

estudios artísticos formales y actualmente trabaja. “Es mi familia, yo nací (como artista) ahí, trabajo ahí, cuarenta años en octubre, por eso me atrevo a hablar un poco de la educación artística en México”. Para Salazar, este homenaje a Gerardo Murillo (Dr. Atl) es una pintura exaltada de color, que muestra su estado de ánimo al pintar. No inició siendo un homenaje, sino con un dibujo que se fue transformando, poco a poco se introdujeron sus pensamientos sobre Murillo y el paisaje en la pintura, por medio de la referencia a las

7

nubes de los cuadros de Dr. Atl, que eran blancas y grises mientras que Salazar la interpreta negra. Para él, este proceso es como “encontrar a un viejo amigo, un hijo que se fue de casa, un reencuentro”.

el mismo sentido, Ignacio nos comparte que al encontrarse de nuevo con las pinturas de esta selección

Sensación que señala también en la pieza El viento de la Villa del Este (2000), en la que recuerda su gusto e interés por el viento y los intentos de otros artistas por pintarlo, como por ejemplo Éduard Manet en su pintura El paseo. En

Nube negra a Gerardo Murillo, 2012óleo sobre tela140 x 250 cmColección del artista

considera que “van bien y todas ahí la llevan”. Cita una anécdota de su primera exposición en 1976, en la que en el libro de visitas, un asistente a la exposición le dejó una frase que lo ha ayudado mucho: “Keep trying, maybe someday”. “Y sigo intentando, haciendo, sigo trabajando, y quizás un día haga una obra muy buena. Hago las cosas lo mejor que puedo”.

Al preguntarle sobre que sugerencias puede hacer a los jóvenes que desean ser artistas, Salazar contestó: “Que se pongan a pintar, pero que pinten con todo su ser, que lo dejen todo. Que ya no se metan a estudiar Administración de Empresas o Informática al mismo tiempo, que dejen el Facebook a un lado, que se sienten y que se pongan a pintar. El arte es una manera de ayudarnos a nosotros mismos a ser mejores seres humanos. Revisa bien tu vocación, porque la vida se va como un relámpago de noche, es lo que dura la vida, todo es tan fugaz, tan rápido. Para cuando uno quiere ponerse a pintar, es cuando ya está jubilado. Que las familias revisen los grandes dotes artísticos que los chicos tienen, que tenemos todos.” “Esto es una forma de vida (la vida artística), no un desastre, es una forma de vida que lleva a la persona a que su vida se convierta en una obra de arte”.

Al final de nuestra conversación, a la pregunta ¿Por qué hacer arte? Ignacio Salazar contestó: “Es muy difícil pero muy fácil de contestar. ¿Por qué respirar? Porque si no me muero, se asfixia uno, te amordaza el mundo, te secuestra, te llena de cinta canela todo, te sienta en una silla y te pone una televisión enfrente. Por eso hay que hacer arte”.

Árbol en el palacio de cristal, 2012óleo sobre panel47 x 47 cmColección particular

“Yo no sufro al hacer mis cuadros,disfruto mucho pintando”

8

9

HOY EN MARCO

P o r M i r n a G a r z a

Anticuerpos

Vermelha, 1993, para Edra © Edra

Obras de Fernando & Humberto Campana 1989-2009

1

tFernando Campana en una entrevista con Vik Muniz: http://bombsite.com/issues/102/articles/30401

10

2

tHofmeister, Sandra (2012). Anticuerpos. Obras de Fernando y Humberto Campana 1989 – 2009. Vitra Design Museum.2

Sala de la exposición Anticuerpos en marco

Foto: Cortesía MARCO

Silla, Sushi, 2002, para Edra © Edra

Aster Papposus, 2005, modelo para Edra© Estudio Campana, foto: Fernando Laszlo

11

Sala de la exposición Anticuerpos en marco

12

Papel sofa, 1993© Estudio Campana foto: Fernando Laszlo

Children chair, Sin título, 2005© Estudio Campana foto: Fernando Laszlo

13

Sala de la exposición Anticuerpos en marco

Fotos: Cortesía MARCO

14

HABLAMOS DE

P o r M a r c e l a Q u i r o g a G a r z a

15

Las fronteras geopolíticas: ni principio ni finde un estado-nación, sino un territorio entreAlgunas observaciones desde la perspectiva de una práctica artística

Salas de la exposición Registro 03. Espejo / Reflejo en marco

Las zonas fronterizas, es decir los espacios geopolíticos que delimitan el territorio de un país son un repertorio visible de evidencias de la movilidad de personas, animales, cosas y acontecimientos. En el siguiente escrito se argumenta que las fronteras más que ser el principio o el fin de un país, de un estado-nación, son territorios de confluencia y concertación de un sin fin de prácticas sociales contingentes. Por otro lado, se evidenciará que las fronteras no sólo marcan los límites de los países, sino que por medio de esta forma de organización sistémica se

producen y jerarquizan diferencias entre las personas y los grupos generando exclusión, racismo y odio.

Estas observaciones se hacen a partir de la necesidad de construir sentidos para algunos fenómenos contemporáneos que han pasado a ser parte de la forma visible que ha adquirido nuestra realidad tanto individual como colectiva. Fenómenos como la violencia por el narcotráfico, el contrabando, la trata de personas y la criminalización de la migración han colonizado nuestro espacio común, son parte de los discursos en los que

sistemáticamente nos emplazamos y ocupan los principales lugares en la construcción de nuestra subjetividad.

La perspectiva desde la cual se han hecho estas observaciones es aquella que se ha creado a partir de la mirada y la práctica artística que he desarrollado tanto en algunos lugares de la frontera norte como en otros puntos de la frontera sur de México.

Esta práctica tiene su genealogía en la necesidad de entender diversas dinámicas sociales y culturales de la ciudad de Monterrey, que sin ser fronteriza

Agradecemos a Marcela Quiroga Garza por compartirnos el siguiente artículo como reflexión en torno a la exposición Registro 03. Espejo/Reflejo que se exhibe en marco desde el pasado 25 de enero hasta el próximo 5 de mayo en las salas de la Planta Alta. Esta muestra incluye obra de 7 artistas que han desarrollado su trabajo en la franja fronteriza norte del país y que, desde su estilo personal, abordan las situaciones inherentes a la vida en esta zona.

Daniel Ruanova. Look the world is turned upside down, 2011 Mira el mundo está al revés. Acrílico sobre tela. 200 x 120 cm

De Certeau sostiene que sobre las estrechas mallas de los sistemas legítimos y oficiales se conforman, y lo han hecho desde s iempre, redes parasitarias en donde se instalan las personas para sacar provecho para sí mismas con el fin de llevar a cabo otros trabajos de índole creativo y sin finalidad de lucro.

geográficamente, lo es en términos ideológicos y culturales por ser co-dependiente económica y socialmente de los Estados Unidos, específicamente del sur del estado de Texas y, lo más importante, porque las personas que aquí vivimos nos e m p l a z a m o s e n f o r m a s d e v i d a norteamericanizadas. Así como la necesidad de construir el sentido de mi ejercicio artístico en el seno de esta ciudad, el rol o papel que juega un artista en el entrecruzamiento de estas condiciones de vida.

1. Algunas prácticas sociales contingentes

El tráfico de personas, drogas, armas, gasolina, animales y las diversas formas que adopta para llevarse a cabo desde una frontera a la otra son el producto y la consecuencia del establecimiento de diferencias (de nacionalidad, fisionómicas, culturales, étnicas, de género y económicas, entre otras) que son reproducidas por el sistema capitalista para mantener su hegemonía. De tal forma que exacerbando las diferencias se niegan los rasgos que como personas tienen en común.

Paradójicamente y tal como lo afirman, por un lado, Michel De Certeau en el texto La invención de lo cotidiano y, por otro, en el texto Multitude, Michael Hardt y Antonio Negri coexisten, bajo estas condiciones, prácticas que se han mantenido a través del tiempo a pesar de las delimitaciones territoriales y de la exacerbación de las diferencias, que demuestran que es posible la creación de redes de comunicación y formas de acción común.

Globalization, however, is also the creation of new circuits of cooperation and

collaboration that stretch across nations and continents and allow an unlimited number of encounters. This second face of globalization is not a matter of everyone in the world becoming the same; rather it provides the possibility that, while remaining different, we discover the commonality that enable us to communicate an act together (Hardt and Negri, Multitude…xiii).

16

A este modelo de prácticas De Certeau lo llama escamoteo (30-31). El trabajador se las ingenia para sustraer de la fábrica materiales o usa las máquinas para hacer un trabajo libre sin más finalidad que expresarse (31). “Esta vía, relativa a nuestra economía, se deriva de una economía diferente; compensa a la primera aunque sea ilegal y (desde este punto de vista) marginal” (32). Para De Certeau ya no existe una división entre la diversión y el trabajo, dice “Estas dos regiones se homogenizan. Se repiten y se refuerzan una a la otra” (35). Este sentido tienen las prácticas de contrabando de cosas (ropa, despensa, etc.) que se llevan a cabo comúnmente y que de alguna forma proveen de bienestar al coadyuvar a la economía familiar.

Esta posibilidad existe debido a que los encargados de la vigilancia fronteriza lo permiten, esto es más evidente en franjas fronterizas con menos blindaje, como por ejemplo la del cruce fronterizo de Cd. Hidalgo, C hiapas y Tecún Uman, Guatemala.

2. Exagerar la diferencia como práctica generadora de racismo

El racismo es un fenómeno social entre otros, que se articula en la identificación de la otredad, en el estereotipo y la clasificación homogenizante. Su práctica se manifiesta en todo tipo de f o r m a s d e e xc l u s i ó n : v i o l e n c i a , humillación, intolerancia, explotación. Su inscripción se legitima en teorías y prácticas intelectuales hegemónicas cuya función en un primer momento es buscar l a r e p r e s e n t a c i ó n i d e n t i t a r i a

Salas de la exposición Registro 03. Espejo / Reflejo en marco

17

(nacionalidad, género, etnicidad, entre otras) para atrincherar diversos discursos de pureza y normalización y con ello proceder a la marginalización de todo lo que no cumple con el estándar. Esto se corporeiza hasta en la más insignificante práctica cotidiana, desde un dicho popular, pasando por el hecho de enunciar diferencias por cualquier característica física o genética, hasta la común práctica de generar subempleo de menores o indígenas para la limpieza de las casas, el cuidado de los niños, etc.

Yvonne Venegas. La Güera y Nirvana, De la serie María Elvia de Hank, 2006Güera and Nirvana, From the Series Maria Elvia de HankInyección de tinta sobre papel. 76x101.6 cm

El control de las personas por medio de la reproducción ideológica de los discursos nacionalistas no sólo los saca de la vida política, justifica acciones irracionales, de dominación, esclavitud, inequidad, que se declaran en el nombre de toda clase de objetualizaciones y exotizaciones de lo que es ajeno e irreconocible.

Foucault propone que el nacimiento del racismo se dio a raíz de la historización de la guerra de las razas (toma como ejemplos la invasión de los normandos a los sajones

o la invasión de los francos a la Galia romana), lo cual configuró un nuevo campo de saber. Este saber al ser s o c i a l i z a d o s e c o n v i e r t e e n e l conocimiento histórico-político de la dominación de unos pueblos sobre otros. Tal discurso del más fuerte sobre el más débil termina constituyéndose en la diferenciación de las especies, la pureza de la raza y la supervivencia del más fuerte en términos biológicos, y para asegurar la soberanía del estado, en estos términos es un racismo de estado: “Creo, justamente, que el racismo nació cuando el tema de la pureza de la raza sustituyó al de la lucha de las razas, o mejor aún, en el momento que estaba operándose la conversión de la contrahistoria en un racismo de tipo biológico.” (Foucault, Genealogía del… 90)

Para definir el racismo no es suficiente hablar de razas humanas, el estudio de la genética ha demostrado que en la especie humana no hay razas, hay condiciones genéticas determinadas entre otras cosas por la adaptación ambiental. Un grupo multidisciplinar de científicos, liderado por Sandra Soo-Jin Lee de la Universidad de Stanford en California, hicieron un decálogo contra el racismo genético publicado por la revista científica Genome Biology, el cual traduzco:

1. No hay bases científicas para creer que el patrón de variación genética humana a p o y a c a t e g o r í a s o r g a n i z a d a s jerárquicamente de raza y etnicidad.

2. Reconocemos que individuos de dos poblaciones definidas por su geografía pueden diferir más en un lugar concreto del genoma que dos individuos de la misma población.

18

3 . I n s t a m o s a q u i e n e s e m p l e a n información genética para reconstruir la ascendencia geográfica de un individuo a que presenten los resultados en un contexto más amplio de su ascendencia general.

4. Reconocemos que las categorías étnicas y raciales se crean y se mantienen dentro de contextos sociopolíticos y han cambiado en su significado a lo largo del tiempo.

5. Advertimos contra el intento ingenuo de aplicar una justificación genética a las diferencias entre grupos en rasgos complejos, especialmente para los rasgos de comportamiento como coeficientes de inteligencia, tendencias violentas o aptitud para el deporte.

6. Animamos a los investigadores que utilizan categorías étnicas o raciales a describir cómo éstas se asignan a las muestras individuales, a explicar por qué estas etiquetas se incluyeron en el estudio y a declarar si las categorías son variables de la investigación.

7. Desaconsejamos el empleo de raza como representación de similitud biológica y apoyamos los esfuerzos para minimizar el uso de las categorías de raza y etnicidad en medicina clínica, manteniendo el enfoque en el individuo antes que en el grupo.

8. Alentamos la financiación de estudios multidisciplinares de la diversidad genética humana que incluyan una amplia gama de expertos en ciencias sociales, naturales y humanidades.

9. Instamos a los investigadores, medios de comunicación y otros implicados en la

transmisión de los resultados de investigación para que colaboren en el e s f u e r z o d e n o s o b re e s t i m a r l a contribución de la variación genética a la variación fenotípica.

10. Recomendamos que la enseñanza de la genética incluya información histórica y social sobre la utilización de la ciencia en el pasado para fomentar el racismo, así como sobre el impacto potencial de futuras políticas; aconsejamos que se financie el desarrollo de tales materiales y programas p a ra l a e n s e ñ a n z a s e c u n d a r i a y universitaria.

Las formas en que el racismo se ha diversificado radican en inscripciones de índole cultural. La exclusión y la violencia mayoritariamente refieren a prácticas culturales de identificación poco flexibles r e l a c i o n a d a s c o n e s t e r e o t i p o s homogenizantes, proyectados sobre el

deber ser y utilizados para ejercer control y poder por medio de administrar los cuerpos.

Estas identificaciones culturales no pueden explicarse en términos biológicos sino de pertenencias a determinados g r u p o s c o n p r á c t i c a s c u l t u ra l e s específicas. La violencia se manifiesta en todo tipo de significaciones que puede ser hacia adentro de las fronteras de un mismo país, una misma ciudad, entre grupos que c o m p a r t e n l a c u l t u r a y p u e d e manifestarse con más crudeza en los fenómenos de inmigración, en los ámbitos del trabajo, entre otros, así como en todo t ipo de prácticas de exclusión o diferenciación o cualquier distinción aplicada a extranjeros o foráneos.

La discriminación es una práctica coyuntural producida por medio de exacerbar las diferencias para con ello controlar las redes

Salas de la exposición Registro 03. Espejo / Reflejo en marco

19

políticas que pudieran gestarse. Ésta es pues una herramienta de control del capitalismo que pretende individualizar y mantener a las personas fuera de la acción y de las prácticas que pueden proveer experiencias que provoquen emplazamientos en otras formas de subjetivación.

Marcela Quiroga Garza (Monterrey, 1970) ha llevado su práctica artística hacia las fronteras tanto geográficas, al norte y al sur de México, como simbólicas, cuestionando las formas en que se clasifica y se define a las personas, las cosas y los acontecimientos. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte, fue contraparte de algunos proyectos colectivos como Caxa y marcelaygina. Es Doctora en Creación y Teorías de la Cultura y trabaja en el proyecto de creación e investigación “¿Cuál realidad?”.

Bibliografía

De Certeau, Michel, “De las prácticas cotidianas de oposición”, en: Modos de hacer: Arte crítico, esfera pública y acción directa, Salamanca: Ediciones Universidad de Salamanca, 2001. 391-425. Impreso.

Foucault, Michel. Genealogía del racismo. Trad. Alfredo Tzveibely, Madrid: Las ediciones de la piqueta, 1992. Impreso.

Hardt, Michael, Negri, Antonio. Multitude, war and democracy in the age of empire. New York, N.Y.: The penguin press, 2004. Impreso.

Soo-Jin Lee1 and all. “The ethics of characterizing difference: guiding principles on using racial categories in human genetics”. Genome Biology, 9.7 (2008):404 PDF file

Salas de la exposición Registro 03. Espejo / Reflejo en marco

20

21

COLABORACIÓN

P o r O m a r T a m e z

EL JAZZ MODERNO: BE-BOPOriginalmente habíamos pensado hablar de formas del Jazz y elementos de composición. Sin embargo, me parece que hoy mismo es un tema más interesante hablar sobre el Jazz moderno y sus características.

Lo primero que debemos decir es que, en Jazz, cuando hablamos de estilo moderno no es sobre concepciones cronológicas s ino sobre lo que denominamos “moderno” en Jazz, que fue ese momento de rompimiento idiomático tan fuerte y dramático… un auténtico antes y después en la música improvisada estadounidense que se gestó como contraparte de las propuestas ya comercial izadas y adulzoradas de los años treinta… ¡sí los años treinta!

Estamos hablando del Be – Bop, un lenguaje maravilloso y lleno de nuevos elementos que hicieron del Jazz la forma más agresiva y explorativa en occidente desde entonces y hasta nuestros días.

Como referencia histórica; en los años treinta, se establece el Swing como forma de Jazz primero de combos y ensambles de mediano tamaño con grandes músicos que mezclaban la canción, el Jazz de Nueva Orleáns (que para ese momento se le denomina estilo de Chicago) y el Blues proveniente de Kansas (Count Basie) como las formas más claramente influyentes.

Se usan formas de canción (AABA de 32

compases) y de Blues (12 compases) -ya hablaremos con ejemplos visuales de ellas en un futuro artículo-; armonía simple, ritmo continuo y optimista (y en esto no podemos olvidar que es el momento donde la recesión termina, no hay guerras -algo muy poco común en el siglo XX-) y todo esto nos da una música alegre y ligera, con arreglos simples y preciosistas y, eso sí, con solistas de primera línea.

Cuando llega el final de la década de los treinta y claramente se dogmatiza esta forma, se hace altamente comercial y predecible; algunas de las nuevas voces arropadas por veteranos i lustres empiezan a trabajar en desarrollar un

Dizzy-Gillespie

Charlie Parker & Max Roach

lenguaje que represente de una forma más genuina los intereses de los músicos y la alocada vida de su ciudad germinal: Nueva York.

Un lenguaje donde nuevos elementos rítmicamente más frenéticos y veloces entran en acción, complejas líneas melódicas, formas que, si bien es cierto están basadas en las mismas anteriores (Canción -AABA- y de Blues), están constantemente modif ic adas por agregados, y partes nuevas que las hacen ser o más largas o más complejas.

Por un lado, está la necesidad de liberarse de una forma fácil y hasta un poco torpe (una vez que se comercializa) y, por otro, la búsqueda honesta y siempre necesaria de encontrar nuevos recursos musicales.En la parte armónica -y aquí es donde se ponen las cosas buenas- se introducen acordes de paso, cromáticos (faltarán aún dos estilos para los "voicings" y "top lead voice") y las substituciones armónicas.

Los acordes de paso, como su nombre lo indica, son acordes que se añaden para

"adornar" una vuelta armónica de una composición.

Los acordes cromáticos son utilizados principalmente para "destantear" al oyente y mantener al grupo bien "metido" en la música, de tal manera que se evite tocar de forma predecible.

Los acordes de substitución son acordes que, como su nombre lo indica, substituyen a acordes originales que están en una composición. En un futuro profundizaremos más en éstos últimos ya que son complejos y nos requerirán un artículo completo para poder platicar de ellos. De momento, baste decir que se utilizan para remplazar a los originales de las canciones y que solo Charlie "Bird" Parker los utilizará para material de improvisación sobre armonías de sus piezas.

Estos elementos le dieron tal rompimiento al Jazz que de ahí que se le llamase Jazz Moderno y hasta el día de hoy seguimos

llamándolo "Moderno" aún y que se haya gestado y tenido sus años de gloria durante la década de los cuarenta (ya hace más de medio siglo).

Importantes músicos a escuchar son Charlie Parker, Leo Parker, John "Dizzy" Gillespie, Max Roach, Kenny Clarke, Billy Eckstine, Thelonious Monk (aunque su mayor aportación idiomática se dará diez años después como parte del Hard - Bop), Howard McGhee, Dexter Gordon, el joven Miles Davis está en formación y aunque participa no es una voz importante dentro del Bop, Charlie Christian, Bud Powell y Kai Winding, por mencionar algunos músicos sobresalientes. Como en otras ocasiones podríamos extender esta lista pero lo importante es tener un grupo de músicos compacto por donde empezar a escuchar y disfrutar.

En nuestra próxima entrega platicaremos de estilo y estética en el Jazz; y a mi regreso de gira platicaremos de cómo y qué es lo que vive el músico viajando por el mundo.

Charlie Christian

Dexter Gordon

22

CONOCE

P o r C a t a l i n a L i c e a g a

Programas Infantiles

Talleres Sabatinos Campamento de Primavera 2013

Desde sus inicios el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, a través de la Gerencia de Educación, ha desarrollado diferentes programas orientados a la promoción y difusión de las exposiciones del Museo, diseñando y proponiendo constantemente una gran variedad de actividades que permiten a las personas de todas las edades tener un acercamiento con la cultura.

En la Coordinación de Programas Infantiles se cuenta con diferentes proyectos que ofrecen directamente al público infantil y familiar un acceso fácil y divertido a las propuestas educativas de , entre ellos:

Visitas Escolares, programa que data desde los inicios del Museo y que es uno de los más importantes hasta la actualidad ya que anualmente atiende a poco más de 27,000 niños, tanto de escuelas públicas

marco

como privadas; trabajando con diferentes m é t o d o s p e d a g ó g i c o s c o m o e l constructivista, los niños y niñas recorren el Museo y sus exposiciones de una forma dinámica y lúdica, son acompañados por un mediador que los motiva a reflexionar y abrir el diálogo frente a las obras de arte a partir de cuestionamientos sencillos que puedan ir relacionando con el entorno que los rodea. A través de esta experiencia, los niños aprenden y conocen el Museo de una forma individual, única y diferente que les

permite apropiarse del espacio, viviendo a través de la visita una experiencia significativa que esperamos a futuro les permitirá tener una visión más amplia y crítica sobre el arte y su propia vida.

EXTRAmuros es otro proyecto que poco a poco ha tomado más fuerza, con él brindamos una opción más de acercar

a las escuelas tanto públicas como privadas, realizamos actividades que conecten la curricula escolar a través de

marco

22

talleres de narrativa, plásticos y de teatro. Gracias a este proyecto son cada vez más las escuelas que después del taller deciden complementar la experiencia acudiendo a visitar el Museo.

Talleres sabatinos de creatividad y experimentación plástica, donde los participantes, niños y niñas con un interés particular en el arte, pueden desarrollar diferentes habilidades como sociales, de coordinación, apreciación, entre muchas otras. Es un taller abierto para que los niños y niñas de una forma práctica puedan disfrutar el Museo y sus exposiciones no sólo recorriéndolo sino trabajando con los ejes temáticos de las muestras, aprendiendo nuevas y d i fe re nt e s fo r m a s d e ex p re s i ó n , ampliando así su visión hacia el mundo que los rodea.

Programas Infantiles ofrece también un espacio familiar, el cual tiene sus actividades los domingos, aquí se fomentan la convivencia e integración de toda la familia, a cuyos miembros invitamos a ser participantes activos en el recorr ido por alguna de las exposiciones y al finalizar todos juntos trabajar en los talleres que se imparten; los cuales no son solamente plásticos, sino también de lectura, teatro, danza y m ú s i c a . B u s c a m o s s e r s i e m p re innovadores y creativos para que las familias disfruten acudir cada domingo,

además dentro de este programa se hace cada año un convivio el día del niño y una posada navideña.

Para aprovechar los miércoles de entrada libre al Museo y dar mejor atención al público infantil que nos visita ese día, el segundo y cuarto miércoles de cada mes realizamos los Miércoles de Aventura, donde se puede disfrutar un recorrido guiado por alguna de las exposiciones, con la misma metodología de las visitas escolares, y un dinámico taller plástico y/o sensorial que complementa la experiencia.

Talleres Sabatinos

Campamento de Primavera 2013

24

Por otra parte, no podemos olvidar las actividades del periodo vacacional, en el que los niños y niñas disfrutan jugar y divertirse y nada mejor que hacerlo en

, donde además de hacer lo que más les gusta puedan aprender, por esta razón realizamos dos campamentos al año, en primavera y en verano. En estos campamentos atendemos a más de 300 niños, los cuales son activos usuarios del Museo y tomando como referencia las exposiciones se convierten en creadores de sus propias obras de arte, mostrando dotes de creatividad y sensibilidad en su forma de expresarse.

Además de los pro gramas antes mencionados tenemos una nueva propuesta: Los Espacios de Aprendizaje, que como su nombre lo dice es un espacio para padres, docentes y cualquier persona que esté interesada en ser parte de nuestra red de promotores culturales. En este proyecto, el cual cumplirá apenas dos años, se realizan charlas, conferencias y talleres teórico-prácticos que permiten a los participantes adquirir herramientas, ideas y tips para trabajar con niños y niñas. En Espacios de Aprendizaje están por realizarse el taller “El arte de enseñar el Arte” con el maestro Miguel Ángel

marco

Ricárdez; y el taller de estimulación temprana “Mi mamá y yo en ” en colaboración con el centro de estimulación temprana MOMMY and ME.

Todos los programas antes mencionados tienen la activa participación de un gran equipo de servicio social, todos ellos de diferentes instituciones y carreras. Gracias a ellos, quienes con su entusiasmo y compromiso apoyan aportando su valioso tiempo, es posible dar atención a todo el público que esta coordinación abarca.

E n e s t a m o s s u m a m e n t e comprometidos con la educación, por esta razón el equipo de Programas Infantiles está en constante capacitación para estar a la vanguardia en las propuestas que desarrollamos.

marco

m a r c o

Catalina Liceaga es egresada del CEDART del Instituto Nacional de Bellas Artes de México; es profesional en Artes Plásticas y trabaja en el Departamento de Educación de

desde hace casi 10 años; tiene a su cargo la Coordinación de Programas Infantiles, donde cuenta con la colaboración de: Fany Tamayo, a cargo del equipo de servicio social y Espacios de Aprendizaje; Patricia Valdez en la logística y promoción de las visitas escolares; y Cynthia Guerrero, promotora de talleres y actividades Extramuros.

marco

Visitas Escolares

Campamento de Primavera 2013

25Fo

tos:

Cor

tesí

a M

ARCO

26

ENTRE VOLUNTARIOS

P o r E d n a C a t a l i n a C a n o

Recorrido Ignacio Salazar. Inesperada extrañeza

El miércoles 13 de marzo tuvo lugar el recorrido de capacitación para voluntarios y jóvenes de servicio social. El recorrido estuvo conducido por el propio artista Ignacio Salazar, quien habló con detalle sobre su proceso creativo. La muestra se exhibe en la Sala 5 de la Planta Baja desde el 15 de marzo y permanecerá hasta el 2 de junio próximo.

Foto

s: B

erth

a El

izon

do

El recorrido de capacitación por la exposición que se exhibe en las salas 1-4 de la Planta Baja tuvo lugar el pasado 21 de marzo y estuvo a cargo de Mathias Schwartz-Claus, curador de la muestra, quien durante el recorrido señaló las características de la obra y el proceso creativo de los hermanos Campana.

Recorrido Anticuerpos.Obras de Fernando & Humberto Campana

1989-2009

27

El pasado sábado 23 de febrero por la tarde, el grupo de voluntarios visitó la Universidad de Monterrey para conocer el Centro Roberto Garza Sada (CRGS), como se le conoce al nuevo edificio diseñado por Tadao Ando y que alberga las carreras de Arquitectura, Arte, Diseño Gráfico, Diseño Industrial, Diseño de Interiores y Diseño Textil y de Modas.

El edificio, inspirado en las montañas que rodean el Campus, ofrece un espacio ideal para los alumnos de la División de Arte, Arquitectura y Diseño, ya que cuenta con excelentes entradas de luz, espacios que invitan a la reflexión, áreas de exposición, así como un equipamiento tecnológico de primer nivel. Durante la visita el grupo fue atendido por Claudia Esponda y Roger Camacho, ambos becarios de la UDEM.

Las sesiones de capacitación para voluntarios a cargo del maestro Miguel Ángel Ricárdez continúan enfocadas a la semiótica de las imágenes. En la sesión del 1 de marzo se expuso el tema “Cómo se genera el significado en la cultura visual” y se desarrollaron algunos ejercicios en el grupo. Durante la sesión impartida el 27 de marzo, con el tema “El objeto y su significado”, se recorrieron las nuevas exposiciones Ignacio Salazar y Anticuerpos, donde el maestro Ricárdez motivó a los participantes a la reflexión sobre cómo se perciben los objetos en los diferentes tipos de obras.

CAPACITACIÓN MENSUAL

VISITA CULTURALCentro Roberto Garza Sada | UDEM

28