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FICHA TÉCNICA Goya

Película Dirección: Carlos Saura País: España Año: 1999 Duración: 99 minutos Guión: Carlos Saura Producción: Andrés Vicente Gómez Música: Roque Baños Fotografía: Vittorio Storaro Intérpretes: Francisco Rabal José Coronado, Dafne Fernández, Maribel Verdú Premios: XIV edición de los Premios Goya Categoría Persona

Mejor actor protagonista Francisco Rabal

Mejor fotografía Vittorio Storaro

Mejor dirección artística Pierre-Louis Thévenet

Mejor diseño de vestuario Pedro Moreno

Mejor maquillaje y peluquería

José Quetglas Susana Sánchez Blanca Sánchez

Premios Sant Jordi Categoría

Mejor película española

Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos Categoría Persona

Mejor actor Francisco Rabal

Mejor música Roque Baños

 

Sinopsis:

Goya se encuentra exiliado en Burdeos junto a su última amante Leocadia Zorrilla de Weiss y su hija Rosario. Recuerda su vida desde su lecho de muerte.

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Federación Internacional de Mujeres Universitarias Federación Mexicana de Universitarias

Universidad Nacional Autónoma de México Museo de la Mujer

Bolivia 17 Centro Histórico, Ciudad de México. Cine-Club de género, 14 de junio de 2016.

Goya

Mtra. Delia Selene de Dios Vallejo♣♥

Goya del director Carlos Saura fue su película número treinta y fue dedicada a su hermano Antonio, pintor fallecido poco antes.

Este filme se inscribe en el género de biografías de pintores, donde se resalta el carácter único e incomprendido de los artistas plásticos, ello les convierte, cinematográficamente hablando, en los creadores por excelencia.

La película comienza con un Francisco de Goya de 82 años exiliado en Burdeos junto a su última amante, Leocardia Zorrilla de Wiss. Recordará los principales momentos de su vida para su hija Rosario: las convulsiones políticas de España, el amor por la duquesa de Alba, su carrera como pintor de corte.

Conforme avanza el metraje, Goya desentraña las claves de un artista que nunca dejo de lado la preocupación por su país y su pueblo, develándose su interés por una ilustración a la francesa. Un punto que marca antes y un después en su vida y producción artística es la sordera; de la época de la luz y del color de la corte pasa a las pinturas negras y las series de caprichos; ello es aprovechado visualmente en la película para distinguir estéticamente estos dos periodos y plasmar el estado de ánimo del pintor.

                                                                                                                         ♣  Catedrática  de  la  Facultad  de  Ciencias  Políticas  y  Sociales-­‐UNAM  *Secretaria  General  de  la  Unión  Nacional  de  Mujeres  Mexicanas  Asociación  Civil.  ♥  Se  agradece  el  apoyo  de  las  licenciadas:  Eva  Calderón,  Eurídice  Román  de  Dios,  Adriana  Romo  Sotres,  Pamela  Jiménez  Romo  y  Rosalinda  Cuéllar  Celis.  

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Tal y como manifestó el director Saura en entrevistas, el filme quiere responder a la interrogante de cómo fue la vida del Goya de 82 años, mostrando un ser tierno y afectuoso, con sus manías y carácter, pero también es un viaje a través de su obra.1

A pesar de ser uno de los artistas más estudiados y divulgados, no contamos con un currículum exacto de Goya. Los datos que conocemos de él proceden de dos vías. Por un lado, las fuentes directas: aquellos escritos verídicos y coetáneos al pintor―que fluyen de la documentación de la viuda y de su correspondencia privada― y su obra, que además de aportar su aspecto físico a través de los muchos autorretratos que realizó a lo largo de su vida, debido a la longevidad del artista, lo dilatado de su arte en el tiempo y la variedad de la temática y la técnica, parece ser también la clave que nos acerca a su verdadera personalidad. Como carta de presentación que se considera, el legado pictórico de Goya ofrece varios personajes para una sola persona: el Goya popular y costumbrista de los Cartones para tapices, el Goya pasional y enamorado de la duquesa de Alba, el Goya crítico con la Iglesia y con las actuaciones de la Inquisición, el Goya afrancesado y liberal, el Goya testigo de los horrores de la Guerra de la Independencia a través de sus Desastres, o el Goya atormentado y decepcionado de las Pinturas Negras. En segundo lugar, hay que tener en cuenta las fuentes indirectas: aquellos testimonios que han ido surgiendo durante su estancia en Burdeos y tras su muerte y que han contribuido a enriquecer el mito. Estas noticias aparecen primera en Francia, donde se habla de un Goya satírico, desafiante y crítico con la jerarquía y con los valores morales de la sociedad, y luego en España, donde autores como Valentín Carderera, su primer biógrafo, o José de Somoza, entre otros, señalan las características antiacadémicas y románticas de su pintura atendiendo al realismo, originalidad y pasión con la que la realiza; la identificación con el pueblo español y sus costumbres; la vinculación con el mundo de los toros y su faceta como torero; su carácter colérico, el valor, la fuerza y la destreza con las armas, su enemistad con las órdenes religiosas y víctima de la Inquisición, o su amor por la duquesa de Alba. El punto álgido de esta leyenda se halla en la pasión desatada por María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo, XIII Duquesa de Alba. La relación con la noble está respaldada por la presencia continuada de la duquesa en su obra y por el carácter íntimo y familiar de algunas de las escenas que plasma en sus telas. La veracidad de estos amores es un enigma por descubrir y, aunque existen una serie de datos sin confirmar sobre los que parecen sostenerse los cimientos de este romance, la única prueba escrita que tenemos de la relación personal ―no estamos hablando de amor― entre Goya y María Teresa es una carta que el pintor remite a su amigo Martín Zapater y en la que leemos: “Mas te balia benirme a ayudar a pintar a la de Alba, que ayer se me metio en el estudio a que le pintase la cara, y se salió con ello; por cierto que me gusta más que pintar                                                                                                                          1  http://fama2.us.es/fco/cuadernos/cuader1_7.pdf  

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en lienzo”5 . Dentro de estas fuentes indirectas no podemos olvidar la importancia que tiene la literatura que surge basándose en estos escritos, publicaciones que se han ido sucediendo hasta la actualidad y de las que tenemos ejemplos en teatro, poesía y novela. Paralelamente, otra de las vertientes a considerar es la huella que la vida de Goya deja en los artistas posteriores, ya que la recreación pictórica de los ambientes que frecuentaba el pintor de Fuendetodos desde los pinceles de autores tan destacados como Antonio Pérez Rubio, Francisco Domingo y Marqués o Casado del Alisal en las últimas décadas del siglo XIX, se convierten en otro de los factores a tener en cuenta en lo que a la perpetuación del mito goyesco se refiere. Goya en Burdeos es un biopic sobre el pintor. Saura filma al artista de Fuendetodos desde su senectud en el exilio bordelés con una visión analítica de su vida. No es una adaptación literaria, sino que en el origen de su guión está el libro de Jacques Fauque y Ramón Villanueva Echevarría Goya y Burdeos: 1824-1828, consultado por el cineasta en Costa Rica mientras rodaba El Dorado y del cual extrajo la idea discursiva del filme: un planteamiento retrospectivo de la vida de Goya que sitúa al pintor en Burdeos y desde allí hacer un viaje memorístico de su vida en España. Goya en Burdeos abarca toda la existencia del artista: incluye la época de Volavérunt, pero también los salones aristocráticos del Madrid de Carlos III, el sufrimiento y las consecuencias que conlleva la Guerra de la Independencia, el exilio del artista y de otros liberales como Leandro Fernández de Moratín durante el reinado de Fernando VII, y su fallecimiento en la capital aquitana.

En primer lugar, se nos presenta como un personaje testarudo, carácter que justifica su ascendencia aragonesa, un origen maño del que se hace eco el estereotipo del baturro y el empleo de un vocabulario característico en el que afloran los diminutivos “ico” e “ica” en la terminación de las palabras. Por otro lado, estamos ante un hombre solitario, soledad que se pone de manifiesto en el aislamiento que le produce la

sordera. Bigas Luna presenta a un Goya joven integrado en el círculo de la duquesa de Alba. La sordera que padece se percibe, de manera directa, sólo una vez a lo largo del metraje: en el momento en el que Godoy le comenta que quiere que pinte a Pepita Tudó desnuda. En lo que resta del filme, esta disfunción no se manifiesta explícitamente, pero el catalán acude, de manera continuada, a la potenciación de la mirada del pintor, quizá para compensar la carencia auditiva del personaje. A través de la vista, Goya no sólo contempla, sino que analiza los acontecimientos que lo rodean en una corte en la que no encaja. Él sigue siendo

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un modesto aragonés en medio de un escenario barroquizante en el que abundan modas y costumbres que le son ajenas, y es precisamente esta situación, y no la falta de oído de la que es víctima, la que le infunde soledad y provoca su aislamiento. Aunque Saura comparte con Bigas Luna premisas como la sordera―carencia solucionada desde el principio del filme mediante la vocalización excesiva y un tono de voz elevado de las personas que le dan conversación― fruto de una enfermedad de juventud achacada por los excesos y la mala vida, según palabras fílmicas del pintor, y tras la cual comienza a trabajar en los Caprichos, o la pasión por Cayetana de Silva, al considerar al artista en su amplitud da lugar a la incursión de otros sucesos personales así como a valoraciones sobre el hecho artístico. Goya en Burdeos es un filme en el que destaca el aspecto visual, la imagen, por lo que el interés de Saura no reside tanto en las vivencias del hombre como en las del creador, lo que le interesa es la vida de Goya desde su triunfo como pintor. Aún así, a lo largo de la película se recuperan partes de la historia personal del artista. El presente nos muestra a un anciano rotundo liberal, con la preocupación por una España asediada bajo el poder de Fernando VII, un país del cual es consciente de que no puede regresar, al tiempo que expone la satisfacción que le produce vivir en Burdeos rodeado de su familia y de sus amigos liberales, entre quienes destaca Leandro Fernández de Moratín, presente en algunas escenas de la película. Las convicciones políticas del pintor quedan reflejadas en la lucha que mantiene en pro de la Ilustración y del Liberalismo como único medio para salvar a España de la ignorancia y de la tiranía que la asola. Partiendo de la actualidad bordelesa, un viaje memorístico nos lleva a los primeros años en la corte, nos sitúa en el salón de los Osuna, un mundo de pelucas y miriñaques que le gusta debido a las posibilidades de ascenso que le ofrece pero en el que dice no encajar bien. Salpicado por la leyenda romántica y tomando como referencia la carta de Moratín a Juan Antonio Melón en la que podemos leer que Goya fue torero en su juventud y que “con la espada en la mano nada teme”, se trae a colación la faceta torera del pintor, pasión de juventud que le relata a su hija: “no le temo a nadie, niña, con la espada en la mano”. Una última alusión a su pasado se refiere a la Corte de Carlos IV, una “corte de fantoches” en la que el artista, en su senectud, se arrepiente de haber formado parte. Carlos Saura apuesta por la Cayetana española y caracteriza a Maribel Verdú con los rasgos y vestiduras con los que Goya retrató a la de Alba. Además, estamos ante una aristócrata ligada al pueblo, que acude a fiestas a orillas del Manzanares y que, en el Salón de los Osuna, contrapone su belleza castiza al refinamiento de los miriñaques y maquillajes importados de Francia. El episodio de la muerte de la duquesa, es decir, la teoría de envenenamiento por la ingestión de verde, que Goya le expone a Godoy en relación con el deceso de Cayetana, pierde peso según nos acercamos al final de Volavérunt en el momento en el que, con la visita del valido al lecho real se confirma la participación de la

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reina en los hechos. La rivalidad entre ambas y la envidia de las joyas y riquezas que poseía Cayetana son, en este filme, el motivo que provoca el fatal desenlace. Saura mantiene la teoría del envenenamiento, pero a esto atribuye la faceta política de Cayetana, ya que formaba parte de un oscuro complot para derrocar a la reina provocada por el odio que ambas se profesaban, por lo que la regente dispuso su muerte Si Volavérunt relata el deceso de la duquesa de Alba del que Goya es testigo y del que llega a sentirse culpable, la muerte, personificada en la imagen vestida de negro con la que el pintor retratara a la aristócrata, logra una fuerte presencia en la filmación de Saura durante los últimos días del pintor en Burdeos. Desde los primeros minutos del filme, el fantasma de Cayetana, ataviada de riguroso luto, se le aparece al artista en aquellos momentos en los que se pone de manifiesto su delicada salud a modo de negra sombra rosaliana, paseando a su lado sin prestarle atención, sin mostrar interés; es un aviso de que la muerte está próxima.

En Goya en Burdeos, el pintor acabará sus días al lado de su definitiva pareja, Leocadia Zorrilla, y de su hija Rosarito, fruto de esta relación. Alejado de la polémica que envuelve la paternidad de Goya con respecto a Rosarito, Saura filma una relación familiar basada en el cariño y el respeto de una niña con su padre y en los cuidados que la mujer otorga a un esposo viejo y enfermo. La protagonista del filme, junto con el pintor, es Rosarito, ya que con

ella, convertida en su confidente, participamos del relato de la vida pasada que Goya quiere que su hija conozca de sus propios labios, una biografía vista por los ojos de la memoria y de la distancia. Un aspecto interesante es la manera con la que el pintor trata a la niña y los temas que le profiere, ya que la relación entre padre e hija pasa por dos procesos a lo largo del filme. En un primer momento, Rosarito es una chiquilla para Goya, por lo que las conversaciones son banales, destinadas a ilustrar a una niña que crece lejos de su país, por lo que incide en nociones políticas e históricas, así como en las consideraciones artísticas del pintor. El trato entre ambos cambia en el instante en el que Goya se da cuenta de que su hija ya no es una niña, por lo que cambia el tono infantil con el que se dirigía a ella por una conversación directa, un trato igualitario que lo lleva a entrar en cuestiones íntimas, personales, entre las que se

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encuentra la referida pasión por la duquesa. A la relación familiar que existe entre ambos tenemos que sumar los consejos pictóricos que le da a su hija.2 Saura y el maestro Vittorio Storaro, dúo maravilloso, presentan esta obra de arte contando la historia de España desde su música, teatro, pintura, danza, entrañas, como las del carnero que cuelga al inicio de la película. La puesta en escena es teatral, la composición de los encuadres es pictórica –la luz, mágica–, toda la película es una pintura en movimiento. La música y la danza se unen en el flamenco y el baile de la jota, típico aragonés, lugar que además vio nacer al pintor. Todas las artes encuentran su lugar en esta película sin opacarse, hermosas por sí solas y en conjunto al mismo tiempo. Un espectáculo visual hipnotizante.

Emile d’Erlanger, el barón enamorado de la obra de Francisco de Goya, salvó tras la muerte del artista las Pinturas negras de las paredes que iban ser demolidas en la Quinta del Sordo y las hizo montar sobre telas. Compró la vieja casa y se llevó las telas a París para regalarlas al Louvre. Los mejores críticos y expertos, entregados en alabanzas al Impresionismo, no vieron en ellas más que la expresión de una fealdad monótona, y el barón, indignado, regresó a Madrid y donó los cuadros al Museo del Prado. Tal vez, como dice el autor francés Jean-François Chabrun, se haya requerido de un francés para devastar España, y de otro para salvar una de las series de cuadros más importantes de la historia del arte.

La película Goya en Burdeos es todas las artes combinadas en armonía, sin dejar de ser cinematográfica ni por un instante: el sueño de un grupo de franceses que quisieron hacer del cine un arte intentando asemejarlo a las otras artes, hecho realidad –con propiedad, ingenio y belleza– por un español y un italiano.3

Francisco de Goya y Lucientes Nació en el año 1746, en Fuendetodos, localidad de la provincia española de Zaragoza, hijo de un dorador de origen vasco, José, y de una labriega hidalga llamada Gracia Lucientes. Avecinada la familia en la capital zaragozana, entró el joven Francisco a aprender el oficio de pintor en el taller del rutinario José Luzán, donde estuvo cuatro años copiando estampas hasta que se decidió a establecerse por su cuenta y, según escribió más tarde él mismo, "pintar de mi invención".

                                                                                                                         2  http://e-­‐archivo.uc3m.es/bitstream/handle/10016/11373/pintor_otero_CIHC_2010.pdf;jsessionid=CAF67E5FD6A6DE5BE87BABCE2390A97F?sequence=1  3  http://www.el-­‐nacional.com/papel_literario/Goya-­‐Burdeos-­‐Saura-­‐Madrid_0_448155264.html  

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A medida que fueron transcurriendo los años de su longeva vida, este "pintar de mi invención" se hizo más verdadero y más acentuado, pues sin desatender los bien remunerados encargos que le permitieron una existencia desahogada, Goya dibujó e hizo imprimir series de imágenes insólitas y caprichosas, cuyo sentido último, a menudo ambiguo, corresponde a una fantasía personalísima y a un compromiso ideológico, afín a los principios de la Ilustración, que fueron motores de una incansable sátira de las costumbres de su tiempo. Pero todavía antes de su viaje a Italia en 1771 su arte es balbuciente y tan poco académico que no obtiene ningún respaldo ni éxito alguno; incluso fracasó estrepitosamente en los dos concursos convocados por la Academia de San Fernando en 1763 y 1769. Las composiciones de sus pinturas se inspiraban, a través de los grabados que tenía a su alcance, en viejos maestros como Vouet, Maratta o Correggio, pero a su vuelta de Roma, escala obligada para el aprendizaje de todo artista, sufrirá una interesantísima evolución ya presente en el fresco del Pilar de Zaragoza titulado La gloria del nombre de Dios. Todavía en esta primera etapa, Goya se ocupa más de las francachelas nocturnas en las tascas madrileñas y de las majas resabidas y descaradas que de cuidar de su reputación profesional y apenas pinta algunos encargos que le vienen de sus amigos los Bayeu, tres hermanos pintores, Ramón, Manuel y Francisco, este último su inseparable compañero y protector, doce años mayor que él. También hermana de éstos era Josefa, con la que contrajo matrimonio en Madrid en junio de 1773, año decisivo en la vida del pintor porque en él se inaugura un nuevo período de mayor solidez y originalidad. Por esas mismas fechas pinta el primer autorretrato que le conocemos, y no faltan historiadores del arte que supongan que lo realizó con ocasión de sus bodas. En él aparece como lo que siempre fue: un hombre tozudo, desafiante y sensual. El cuidadoso peinado de las largas guedejas negras indica coquetería; la frente despejada, su clara inteligencia; sus ojos oscuros y profundos, una determinación y una valentía inauditas; los labios gordezuelos, una afición sin hipocresía por los placeres voluptuosos; y todo ello enmarcado en un rostro redondo, grande, de abultada nariz y visible papada. Cartonista de la Fábrica de Tapices Poco tiempo después, algo más serio con su trabajo, asiduo de la tertulia de los neoclásicos presidida por Leandro Fernández de Moratín y en la que concurrían los más grandes y afrancesados ingenios de su generación, obtuvo el encargo de diseñar cartones para la Real Fábrica de Tapices de Madrid, género donde pudo desenvolverse con relativa libertad, hasta el punto de que las 63 composiciones de este tipo realizadas entre 1775 y 1792 constituyen lo más sugestivo de su producción de aquellos años. Tal vez el primero que llevó a cabo sea el conocido como Merienda a orillas del Manzanares, con un tema original y popular que anuncia una serie de cuadros vivos, graciosos y realistas: La riña en la Venta

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Nueva, El columpio, El quitasol y, sobre todo, allá por 1786 o 1787, El albañil herido. Este último, de formato muy estrecho y alto, condición impuesta por razones decorativas, representa a dos albañiles que trasladan a un compañero lastimado, probablemente tras la caída de un andamio. El asunto coincide con una reivindicación del trabajador manual, a la sazón peor vistos casi que los mendigos por parte de los pensadores ilustrados. Contra este prejuicio se había manifestado en 1774 el conde de Romanones, afirmando que "es necesario borrar de los oficios todo deshonor, sólo la holgazanería debe contraer vileza". Asimismo, un edicto de 1784 exige daños y perjuicios al maestro de obras en caso de accidente, establece normas para la prudente elevación de andamios, amenaza con cárcel y fuertes multas en caso de negligencia de los responsables y señala ayudas económicas a los damnificados y a sus familias. Goya coopera, pues, con su pintura, en esta política de fomento y dignificación del trabajo, alineándose con el sentir más progresista de su época. Hacia 1776, Goya recibe un salario de 8.000 reales por su trabajo para la Real Fábrica de Tapices. Reside en el número 12 de la madrileña calle del Espejo y tiene dos hijos; el primero, Eusebio Ramón, nacido el 15 de diciembre de 1775, y otro nacido recientemente, Vicente Anastasio. A partir de esta fecha podemos seguir su biografía casi año por año. En abril de 1777 es víctima de una grave enfermedad que a punto está de acabar con su vida, pero se recupera felizmente y pronto recibe encargos del propio príncipe, el futuro Carlos IV. En 1778 se hacen públicos los aguafuertes realizados por el artista copiando cuadros de Velázquez, pintor al que ha estudiado minuciosamente en la Colección Real y de quien tomará algunos de sus asombrosos recursos y de sus memorables colores en obra futuras. Pintor de la corte Al año siguiente solicita sin éxito el puesto de primer pintor de cámara, cargo que finalmente es concedido a un artista diez años mayor que él, Mariano Salvador Maella. En 1780, cuando Josefa concibe un nuevo hijo de Goya, Francisco de Paula Antonio Benito, ingresa en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando con el cuadro Cristo en la cruz, que en la actualidad guarda el Museo del Prado de Madrid, y conoce al mayor valedor de la España ilustrada de entonces, Gaspar Melchor de Jovellanos, con quien lo unirá una estrecha amistad hasta la muerte de este último en 1811. El 2 de diciembre de 1784 nace el único de sus hijos que sobrevivirá, Francisco Javier, y el 18 de marzo del año siguiente es nombrado subdirector de Pintura de la Academia de San Fernando. Por fin, el 25 de junio de 1786, Goya y Ramón Bayeu obtienen el título de pintores del rey con un interesante sueldo de 15.000 reales al mes. A sus cuarenta años, el que ahora es conocido en todo Madrid como Don Paco se ha convertido en un consumado retratista, y se han abierto para él todas las puertas de los palacios y algunas, más secretas, de las alcobas de sus ricas

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moradoras, como la duquesa Cayetana, la de Alba, por la que experimenta una fogosa devoción. Impenitente aficionado a los toros, se siente halagado cuando los más descollantes matadores, Pedro Romero, Pepe-Hillo y otros, le brindan sus faenas, y aún más feliz cuando el 25 de abril de 1789 se ve favorecido con el nombramiento de pintor de cámara de los nuevos reyes Carlos IV y doña María Luisa. La enfermedad y el aislamiento Pero poco tiempo después, en el invierno de 1792, cae gravemente enfermo en Sevilla, sufre lo indecible durante aquel año y queda sordo de por vida. Tras meses de postración se recupera, pero como secuela de la enfermedad pierde capacidad auditiva. Además, anda con dificultad y presenta algunos problemas de equilibrio y de visión. Se recuperará en parte, pero la sordera será ya irreversible de por vida. La historia ha especulado en múltiples ocasiones sobre cuál fue la enfermedad de Goya. Los médicos (fue atendido por los mejores facultativos del momento) no coincidieron en cuanto al diagnóstico. Algunos achacaron el mal a una enfermedad venérea, otros a una trombosis, otros al síndrome de Menière, que está relacionado con problemas del equilibrio y del oído. También, más recientemente, se ha creído que podía haberse intoxicado con algunos de los componentes de las pinturas que usaba. Comenzó, entonces, una nueva etapa artística para Goya. Debido a la pérdida de audición y a las secuelas de la grave enfermedad que había padecido, el maestro tuvo que adaptarse a un nuevo tipo de vida. No menguó, pese a lo que se ha dicho en ocasiones, su capacidad productiva ni su genio creativo. Siguió pintando y todavía realizaría grandes obras maestras de la historia del arte. La pérdida de capacidad auditiva le abriría, sin lugar a dudas, las puertas de un nuevo universo pictórico. Los graves problemas de comunicación y relación que la sordera ocasionan, harían también que Goya iniciase un proceso de introversión y aislamiento. El pesimismo, la representación de una realidad deformada y el matiz grotesco de algunas de sus posteriores pinturas son, en realidad, una manifestación de su aislada y singular (aunque extremadamente lúcida) interpretación de la época que le tocó vivir. Por obvios problemas de salud Goya tuvo que dimitir como director de pintura de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en 1797. Un año más tarde él mismo confesaba que no le era posible ocuparse de los menesteres de su profesión en la Real Fábrica de Tapices por hallarse tan sordo que tenía que comunicarse gesticulando. Majas y Caprichos Desde los años de infancia, en las Escuelas Pías de Zaragoza, por donde Goya pasó sin pena ni gloria, une al pintor una entrañable amistad, que pervivirá hasta

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la muerte, con Martín Zapater, a quien a menudo escribe cartas donde deja constancia de pormenores de su economía y de otras materias personales y privadas. Así, en epístola fechada en Madrid el 2 de agosto de 1794, menciona, bien que pudorosamente, la más juguetona y ardorosa de sus relaciones sentimentales: "Más te valía venirme a ayudar a pintar a la de Alba, que ayer se me metió en el estudio a que le pintara la cara, y se salió con ello; por cierto que me gusta más pintar en lienzo, que también la he de retratar de cuerpo entero." El 9 de junio de 1796 muere el duque de Alba, y en esa misma primavera Goya se traslada a Sanlúcar de Barrameda con la duquesa de Alba, con quien pasa el verano, y allí regresa de nuevo en febrero de 1797. Durante este tiempo realiza el llamado Album A, con dibujos de la vida cotidiana, donde se identifican a menudo retratos de la graciosa doña Cayetana. La magnánima duquesa firma un testamento por el cual Javier, el hijo del artista, recibirá de por vida un total de diez reales al día.

De estos hechos arranca la leyenda que quiere que las famosísimas majas de Goya, La maja vestida y La maja desnuda, condenadas por la Inquisición como obscenas tras reclamar amenazadoramente la comparecencia del pintor ante el Tribunal, fueran retratos de la descocada y maliciosa doña Cayetana, aunque lo que es casi seguro es que los lienzos fueron pintados por aquellos años. También se ha supuesto, con grandes probabilidades de que sea cierto, que ambos cuadros estuvieran dispuestos como anverso y reverso del mismo bastidor,

de modo que podía mostrarse, en ocasiones, la pintura más decente, y en otras, como volviendo la página, enseñar la desnudez deslumbrante de la misma modelo, picardía que era muy común en Francia por aquel tiempo en los ambientes ilustrados y libertinos. Las obras se hallaron, sea como fuere, en 1808 en la colección del favorito Godoy; eran conocidas por el nombre de "gitanas", pero el misterio de las mismas no estriba sólo en la comprometedora posibilidad de que la duquesa se prestase a aparecer ante el pintor enamorado con sus relucientes carnes sin cubrir y la sonrisa picarona, sino en las sutiles coincidencias y divergencias entre ambas. De hecho, la maja vestida da pábulo a una mayor morbosidad por parte del espectador, tanto por la provocativa pose de la mujer como por los ceñidos y leves ropajes que recortan su silueta sinuosa, explosiva en senos y caderas y reticente en la cintura, mientras que, por lo contrario, la piel nacarada de la maja desnuda se revela fría, académica y sin esa chispa de deliciosa vivacidad que la otra derrocha. Un nuevo misterio entraña la inexplicable retirada de la venta, por el propio Goya, de una serie maravillosa y originalísima de ochenta aguafuertes titulada Los

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Caprichos, que pudieron adquirirse durante unos pocos meses en la calle del Desengaño nº 1, en una perfumería ubicada en la misma casa donde vivía el pintor. Su contenido satírico, irreverente y audaz no debió de gustar en absoluto a los celosos inquisidores y probablemente Goya se adelantó a un proceso que hubiera traído peores consecuencias después de que el hecho fuera denunciado al Santo Tribunal. De este episodio sacó el aragonés una renovada antipatía hacia los mantenedores de las viejas supersticiones y censuras y, naturalmente, una mayor prudencia cara al futuro, entregándose desde entonces a estos libres e inspirados ejercicios de dibujo según le venía en gana, pero reservándose para su coleto y para un grupo selecto de allegados los más de ellos. Mientras, Goya va ganando tanto en popularidad como en el favor de los monarcas, hasta el punto de que puede escribir con sobrado orgullo a su infatigable corresponsal Zapater: "Los reyes están locos por tu amigo"; y en 1799, su sueldo como primer pintor de cámara asciende ya a 50.000 reales más cincuenta ducados para gastos de mantenimiento. En 1805, después de haber sufrido dos duros golpes con los fallecimientos de la joven duquesa de Alba y de su muy querido Zapater, se casa su hijo Javier, y en la boda conoce Goya a la que será su amante de los últimos años: Leocadia Zorrilla de Weiss. El horror de la guerra

El 3 de mayo de 1808, al día siguiente de la insurrección popular madrileña contra el invasor francés, el pintor se echa a la calle, no para combatir con la espada o la bayoneta, pues tiene más de sesenta años y en su derredor bullen las algarabías sin que él pueda oír nada, sino para mirar insaciablemente lo que ocurre. Con lo visto pintará algunos de los más patéticos cuadros de historia que se

hayan realizado jamás: el Dos de mayo, conocido también como La carga de los mamelucos en la Puerta del Sol de Madrid y el lienzo titulado Los fusilamientos del 3 de mayo en la montaña del Príncipe Pío de Madrid. En Los fusilamientos del 3 de mayo, la solución plástica a esta escena es impresionante: los soldados encargados de la ejecución aparecen como una máquina despersonalizada, inexorable, de espaldas, sin rostros, en perfecta formación, mientras que las víctimas constituyen un agitado y desgarrador grupo, con rostros dislocados, con ojos de espanto o cuerpos yertos en retorcido escorzo sobre la arena encharcada de sangre. Un enorme farol ilumina violentamente una figura blanca y amarilla, arrodillada y con los brazos formando un amplio gesto de desafiante resignación: es la figura de un hombre que está a punto de morir.

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Durante la llamada guerra de la Independencia, Goya irá reuniendo un conjunto inigualado de estampas que reflejan en todo su absurdo horror la sañuda criminalidad de la contienda. Son los llamados Desastres de la guerra, cuyo valor no radica exclusivamente en ser reflejo de unos acontecimientos atroces sino que alcanza un grado de universalidad asombroso y trasciende lo anecdótico de una época para convertirse en ejemplo y símbolo, en auténtico revulsivo, de la más cruel de las prácticas humanas. El pesimismo goyesco irá acrecentándose a partir de entonces. En 1812, muere su esposa, Josefa Bayeu; entre 1816 y 1818 publica sus famosas series de grabados, la Tauromaquia y los Disparates; en 1819 decora con profusión de monstruos y sórdidas tintas una villa que ha adquirido por 60.000 reales a orillas del Manzanares, conocida después como la Quinta del Sordo: son las llamadas "pinturas negras", plasmación de un infierno aterrante, visión de un mundo odioso y enloquecido; en el invierno de 1819 cae gravemente enfermo pero es salvado in extremis por su amigo el doctor Arrieta, a quien, en agradecimiento, regaló el cuadro titulado Goya y su médico Arrieta (1820, Institute of Art, Minneápolis). En 1823, tras la invasión del ejército francés los Cien Mil Hijos de San Luis, venido para derrocar el gobierno liberal, se ve condenado a esconderse y al año siguiente escapa a Burdeos, refugiándose en casa de su amigo Moratín. En 1826, Goya regresó a Madrid, donde permaneció dos meses, para marchar de nuevo a Francia. Durante esta breve estancia el pintor Vicente López Portaña (que se encontraba en su mejor momento de prestigio y técnica) realizó un retrato de Goya, cuando éste contaba ya con ochenta años. Enfrentado al viejo maestro, de rostro aún tenso y enérgico, López Portaña llevó a cabo la obra más recia y valiosa de su extensísima actividad de retratista, tantas veces derrochada en la minucia cansada de traducir encajes, rasos o terciopelos con aburrida perfección. Este lienzo, hoy en el Museo del Prado, es el retrato más conocido de Goya, mucho más, incluso, que los también famosos autorretratos del pintor. El maestro murió en Burdeos, hacia las dos de la madrugada del 16 de abril de 1828, tras haber cumplido ochenta y dos años, siendo enterrado en Francia. En 1899 sus restos mortales fueron sepultados definitivamente en la ermita de San Antonio de la Florida, en Madrid, cien años después de que Goya pintara los frescos de dicha iglesia (1798). En el Museo del Prado se conserva La joven de Burdeos o La lechera de Burdeos(1825-1827), una de sus últimas obras. Pero acaso su auténtico testamento había sido fijado ya sobre el yeso en su quinta de Madrid algunos años antes: Saturno devorando a un hijo, es sin duda, una de las pinturas más inquietantes de todos los tiempos, síntesis inimitable de un estilo, que reúne extrañamente lo trágico y lo grotesco, y espejo de un Goya, visionario, sutil, penetrante, lúcido y descarnado.4                                                                                                                          4http://www.biografiasyvidas.com/monografia/goya/  

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Director del filme Carlos Saura Nació en Huesca, 4 de enero de 1932. Es un cineasta, fotógrafo y escritor español, de amplio prestigio internacional. Recién finalizado el bachillerato, comenzó a aficionarse a la fotografía. Abandonaría sus estudios de ingeniería industrial para ingresar en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid, donde obtuvo el diploma de Dirección cinematográfica. En noviembre de 1992 le es concedida la Medalla de Oro de la Academia de las Ciencias y las Artes Cinematográficas de España. Asimismo, se le han otorgado importantes condecoraciones por parte de los gobiernos francés (en agosto de 1993 se le impone la Orden de Artes y Letras de Francia) e italiano (Gran Oficial de la Orden al Mérito de la República Italiana), así como los galardones más importantes que concede el Estado Español. En marzo de 1994 fue investido doctor honoris causa por la Universidad de Zaragoza. Saura tiene también una importante obra como fotógrafo y es autor de novelas traducidas a más de 20 lenguas, como Esa Luz, Elisa, vida mía o Pajarico solitario. Con la directora Adela Medrano tuvo dos hijos, Carlos y Antonio Saura Medrano. Convivió con Geraldine Chaplin durante más de una década y de esta relación en 1974 nació su hijo Shane. En 1978 comienza su relación con Mercedes Pérez (1960), con la que contrae matrimonio en 1982 y con la que tiene tres hijos, Manuel (1981), Adrián (1984) y Diego (1987). En 2006 se casó con la actriz Eulalia Ramón, con la que tiene una hija llamada Anna. Es hermano del pintor Antonio Saura. Filmografía de Director Años 1950 Flamenco (1955), cortometraje El pequeño río Manzanares (1956), cortometraje La tarde del domingo (1957), cortometraje Cuenca (1958), documental Los golfos (1959) Años 1960 Llanto por un bandido (1963) La caza (1965) Peppermint frappé (1967) Stress es tres, tres (1968) La madriguera (1969) El jardín de las delicias (1970)

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Años 1970 Ana y los lobos (1972) La prima Angélica (1973) Cría cuervos (1975) Elisa, vida mía (1977) Los ojos vendados (1978) Mamá cumple cien años (1979) Años 1980 Deprisa, deprisa (1981) Bodas de sangre (1981) Dulces horas (1982) Antonieta (1982) Carmen (1983) Los zancos (1984) El amor brujo (1986) El Dorado (1988) La noche oscura (1988) Años 1990 ¡Ay, Carmela! (1990) Sevillanas (1991) Maratón (1992) ¡Dispara! (1993) Flamenco (1995) Taxi (1996) Pajarico (1998) Tango (1998) Goya en Burdeos (1999) Años 2000 Buñuel y la mesa del rey Salomón (2001) Salomé (2002) El séptimo día (2004) Iberia (2005) Fados (2007) Sinfonía de Aragón (2008), documental realizado para la Exposición Internacional de Zaragoza 2008 Io, Don Giovanni (2009) Años 2010 Flamenco, Flamenco (2010) Zonda, folclore argentino (2015) La Jota (2016), en filmación Renzo Piano, an Architect for Santander (2016), en preproducción

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33 días (2016), en preproducción5

Fuentes de consulta

https://es.wikipedia.org/wiki/Goya_en_Burdeos http://fama2.us.es/fco/cuadernos/cuader1_7.pdf http://e-archivo.uc3m.es/bitstream/handle/10016/11373/pintor_otero_CIHC_2010.pdf;jsessionid=CAF67E5FD6A6DE5BE87BABCE2390A97F?sequence=1 http://www.el-nacional.com/papel_literario/Goya-Burdeos-Saura-Madrid_0_448155264.html https://es.wikipedia.org/wiki/Carlos_Saura

                                                                                                                         5  https://es.wikipedia.org/wiki/Carlos_Saura