Facultad de la CulturaLICENCIATURA EN GESTIÓN CULTURALY ECONOMÍA CREATIVA

Curso: ARTE I Prof. Fernando Rodríguez Compare

ESTÉTICA: ARTE Y BELLEZA “El viaje más hermoso no es aquel en el que se visitan nuevos lugares, sino aquel que visitas los mismos para mirarlos con otros ojos.”

Marcel Proust

Alexei Butirskiy (Moscú – 1974)

CUESTIONES FUNDAMENTALES EN LA DISCUSIÓN ESTÉTICA Y LA FILOSOFÍA DEL ARTE:

• - ¿QUÉ ES LA EXPERIENCIA O LA VIVENCIA ESTÉTICA?

• - ¿QUÉ ES LO BELLO? Y ¿HAY DIFERENTES TIPOS DE BELLEZA?

• - ¿TODO LO BELLO ES ESTÉTICO?

• - ¿PUEDE EXISTIR UNA COSA ESTÉTICA Y AL MISMO TIEMPO FEA, DESAGRADABLE, HORROROSA, ETC...?

LA OBRA DE ARTE:

• - ¿EXPRESA SENTIMIENTOS, IDEAS, PENSAMIENTOS?

• - O ¿ES EL AUTOR QUIEN LOS EXPRESA A TRAVÉS DE ESA OBRA?

• - O ¿ES EL ESPECTADOR U OBSERVADOR EL QUE LOS PONE O INVENTA?

• - SI LA NATURALEZA ES BELLA, ¿PODEMOS DECIR QUE LA NATURALEZA EXPRESA ALGO?

PARA DISFRUTAR DEL ARTE:

• - ¿HAY QUE SER ARTISTA?• - ¿HAY QUE TENER UN "DON" ESPECIAL O UN

"GUSTO" ESPECÍFICO?• - ¿EL "GUSTO ESTÉTICO" ES UNIVERSAL O SÓLO DE

UNOS POCOS?• - ¿HAY QUE TENER CONOCIMIENTOS ESPECIALES?• - ¿HAY ELITES "CONOCEDORAS?• - ¿SE PUEDE EDUCAR ARTÍSTICAMENTE?

Todo, absolutamente todo en el universo posee unabelleza (hasta lo feo). Desde las artes, pasando por la

naturaleza y las máquinas, la obra más perfecta y bella es el cuerpo humano. Éste ha sido materia de

investigación desde diferentes disciplinas. A través del tiempo, se ha tratado el tema de la estética, no sólo desde las artes, sino desde la literatura, la filosofía, e

incluso desde la medicina. Ambos términos logran estar juntos en diferentes épocas de la historia, hablando

desde diferentes perspectivas.

DEFINICIONES DEL TÉRMINO: E S T É T I C A

Etimológicamente, la palabra “estético” deriva del griego aistêtiké (de aisthesis = sensación, sensibilidad), de lo que

inferimos que la Estética cubre un vasto campo de la representación sensible, el ser humano tiene una imagen de sí,

toma conciencia de sí: se ve.

“La estética es la ciencia que estudia e investiga el origen sistemático del sentimiento puro y su manifestación, que es el

arte”, según afirma Kant en su "Crítica del juicio". Se puede decir que es la ciencia cuyo objeto primordial es la

reflexión sobre los problemas del arte.

Si bien junto al Arte, la Belleza ha constituido

históricamente el objeto de análisis de

la Estética, es indudable que hoy es el Arte, y no la

Belleza, el que delimita el campo de la Estética. La

belleza ha perdido el rol protagónico que tuvo en otros

momentos.

Puesto que la recepción de algunos fenómenos estéticos exceden el ámbito de lo sensible a favor del concepto,

deberíamos definir a la Estética como disciplina que estudia la experiencia estética no partiendo necesariamente de la

sensación, como lo dicta su etimología.

Hegel sostiene que el término Estética no define lo bello en

general, sino puramente lo bello en el Arte. La expresión más adecuada para

esta ciencia sería la de “filosofía del arte”, y

más específicamente, “filosofía del arte

bello”.

Ya en el siglo XIX, Hegel advirtió la existencia de obras de arte que apelaban más al pensamiento que a las sensaciones, que invitaban más a “la consideración pensante”, lo que acercaba indudablemente a los requerimientos del arte conceptual del

siglo XX.

NACIMIENTO Y EVOLUCIÓN DEL CONCEPTO DE ESTÉTICA

Existen obras de arte desde la Prehistoria, sin embargo, la Estética como disciplina autónoma es más

contemporánea.Desde la Antigüedad a Edad Media hubo reflexiones sobre

la belleza y el arte, pero no existía la Estética como tal. Dichas reflexiones provenían de la Filosofía y más

específicamente, de la Metafísica.Platón sostenía que el Arte era fruto de la Metafísica,

fundándose en la bipartición del mundo en dos: el Mundo de las Ideas (verdadero, inteligible, inmutable) y el Mundo

Sensible (copia o imitación del mundo de las Ideas).A este mundo ilusorio y cambiante pertenece la obra de

arte.

IDEAS ESTÉTICAS PRINCIPALES REPRESENTAN TES

EPOCA ANTIGUA P. Arcaico: HOMERO – HESÍODO – Poetas líricos (Píndaro, Safo, Solón)P. Clásico: Filósofos: PITÁGORAS – HERÁCLITO – SÓCRATES – SOFISTAS – PLATÓN – ARSITÓTELES.P. Helenístico: EPICUROS – ESCÉPTICOS – CICERÓN.

EDAD MEDIA SAN AGUSTÍN – SANTO TOMÁS

ÉPOCA MODERNA

ESTÉTICA

S. XV – NICOLÁS DE CUSAS. XVI – ALBERTI – LEONARDO – RAFAEL – DURERO – VASARI – PALLADIOS. XVII - DESCARTES - LIEBNIZ

S. XVIII – LOCKE – HUME – DIDEROT – BAUMGARTEN - KANT

ÉPOCA CONTEMPORÁNEA S. XIX – HEGEL – NIETZSCHE – GOETHE – SCHOPENHAUER – HEIDEGER – CROCE – ORTEGA Y GASSETS. XX – FOUCAULT – DIDI-HUBERMAN – DANTO – ADORNO – BARTHES – FORMAGGIO

HISTORIA DE LA ESTÉTICA

El nacimiento de la Estética en el siglo XVIII es un acontecimiento mayor en la historia del pensamiento occidental. Es consecuencia del lugar de privilegio que

adquiere el hombre autónomo de la Ilustración: el hombre deviene sujeto, contra la idea de creatura propia del medioevo, donde era considerado dentro del grupo de

entes creados por Dios.

MODERNIDAD ESTÉTICA

SUBJETIVIDAD

YO MISMO Y MIS ESTADOS PASAN A SER LO PRIMERO

HOMBRE GUIADO POR LA RAZÓN QUE ILUMINA Y POR EL

PRINCIPIO DE LIBERTAD

SUJETO DUEÑO DE SÍ

MISMO

La estética como disciplina autónoma es la

consecuencia teórica del avance de un arte

autónomo, desligado tanto de la utilidad como de la

función educativa o religiosa.

A partir del Quatrocento italiano, surge el paradigma del artista “humanista”. La regla o el mandato medieval deja paso a la

elección – subjetiva – del artista.

EL BAUTISMO DE CRISTO

GIOTTO - 1302

PIERO DELLA FRANCESCA - 1445

En el siglo XVIII, durante el desarrollo de la Ilustración , la Estética participa de la utopía, que guiada por la

razón, permite al hombre alcanzar la completa felicidad. Se le encomendará la educación del gusto, la

armonización de las fuerzas de la naturaleza y del instinto con las leyes de la razón.

“La bella Antigüedad fue siempre venerable,Pero no creo en absoluto que ella sea venerable.Veo a los antiguos, sin doblar las rodillas;Son grandes, es cierto, pero hombres como nosotros.”

Fragmento un poema de Charles Perrault , declamado ante la Academia Francesa en 1687.

GUSTO, ESTÉTICA Y BELLEZA

El filósofo escocés David Hume no utilizaba el término Estética, sino que prefería el de Gusto, como la refinada

capacidad de percibir la calidad en una obra de arte.

Immanuel Kant, por su parte, también hablaba de juicio de Gusto, pero le interesaba más los juicios sobre el concepto

Belleza.

VIRGEN MARÍA – Chris Ofili - 1999

VIRGEN DEL JILGUERO – Rafael – Siglo XVI

CRISTO CRUCIFICADO – Velázquez – Siglo XVII

PISS CHRIST – Andrés Serrano - 1988

¿CÓMO PROBAR QUE UN

DETERMINADO GUSTO ES MEJOR

QUE OTRO?

GUSTO, ESTÉTICA Y BELLEZA:Dos enfoques sobre un mismo tema

DAVID HUME• Hume insistía en la educación

y en la experiencia: los hombres de gusto adquieren determinadas capacidades que conducen a un acuerdo en cuanto a qué autores y obras de arte son las mejores. Dichos expertos pueden diferenciar las obras de alta calidad de otras menos buenas.

DAVID HUME• Los hombres de gusto deben

“conservar la mente abierta al prejuicio”, pero pensaba que nadie debía hallar agrado en actitudes inmorales ni “maneras viciosas” en el arte (por ej. obras del arte musulmán).

• Hume sostiene que los juicios de gusto son “intersubjetivos”: las personas de gusto tienden a coincidir entre sí.

• Se le critica que su concepto de gusto solo se genera mediante adoctrinamiento cultural.

DAVID HUME – 1711 – 1776 (Edimburgo)

IMMANUEL KANTIMMANUEL KANT

GUSTO, ESTÉTICA Y BELLEZA:Dos enfoques sobre un mismo tema

• Kant pretendía demostrar que los buenos juicios en estética se basan en rasgos de las propias obras de arte, no sólo en nosotros y en nuestras preferencias. Sostenía que para actuar en el mundo con el fin de lograr nuestros objetivos humanos etiquetamos gran parte de lo que sentimos, a menudo de una manera arbitraria.

• Los hombre occidentales modernos reconocen a cosas planas y redondas que hay en nuestro mundo, y clasificamos algunas de ellas como platos.

• Si embargo, no es fácil clasificar como bellas a las rosas rojas, ya que su belleza no está fuera, en el mundo (como la forma de los platos). Los objetos bellos no sirven a finalidades humanas corrientes como los platos. Una rosa roja nos agrada, no para comerla, ni siquiera para ponerla en un jarrón.

• Kant afirma que algo bello tiene “intencionalidad sin intención”.

IMMANUEL KANT – 1724 – 1804 - Prusia

Kant advirtió que el goce de la belleza era distinto de otros tipos de placer. Si una frutilla madura con su textura, color y aroma nos lleva a comerla, estamos contaminando el juicio de su belleza. Con el fin de apreciar su belleza , piensa Kant que nuestra respuesta tiene que ser desinteresada, independiente de su propósito y de las sensaciones placenteras que produce.

En definitiva, Kant sostiene que la estética se experimenta cuando un objeto sensorial estimula nuestras emociones,

intelecto e imaginación. Estas facultades son activadas en un “libre juego” y no de una manera más centrada y deliberada. El objeto bello atrae a nuestros sentidos, pero de una manera fría

y distanciada. La forma y el diseño de un objeto bello son la clave del importantísimo rasgo de la “intencionalidad sin

intención”.

Los debates sobre el concepto de belleza los podemos encontrara ya en la antigua Grecia del siglo V a C a partir de las

diferentes posiciones respecto a la tragedia griega:

Platón (427 – 347 a c)• Examinó formas del arte como la

tragedia, al igual que la escultura, la pintura, la cerámica, la arquitectura, no como “arte”, sino como habilidad artesana. Los consideraba como ejemplos de “mimesis” o imitación.

• Criticaba todas las imitaciones, incluyendo las tragedias, por no describir las realidades ideales eternas: “Formas” o “Ideas”.

• La tragedia confundía al público acerca de los valores: si los personajes buenos experimentan trágicos fracasos, esto nos enseña que la virtud no siempre es recompensada.

Aristóteles (384 – 322 a C)• Defendió la tragedia en su poética

argumentando que la imitación es algo natural que agrada a los seres humanos desde temprana edad y de la que incluso aprenden.

• No creía que hubiera una esfera aparte de Ideas, como Platón. Para Aristóteles, la tragedia podría educar atrayendo a la mente, los sentimientos y los sentidos de las personas.

• Si una tragedia muestra como hace frente a la adversidad una persona buena, genera una purificación o “catarsis” por medio de las emociones del temor y la compasión.

Según Platón, los que producían las artes de la imitación (los mimetés) estaban alejados de la verdad y de lo real; ellos no hacían

cosas útiles (utensilios, muebles, etc.) sino meras ilusiones, fantasmas o simulacros de esas mismas cosas.

Mímesis, según Platón, supone no sólo la producción de algo irreal sino también que eso irreal debe dar la ilusión de realidad.

BODEGÓN - Joaquín Laporte - 2007FRASCO CON CANICAS Pedro Campos - 2006

Para Platón existe la Idea del Bien, a la que llama la “Idea de las Ideas”.Mientras las Ideas son únicas (una sola idea de belleza, una sola idea de igualdad, etc.) las que son inmutables, necesarias, universales y eternas; las cosas sensibles son múltiples, mutables, temporales y particulares,

todas copias de la única Idea (del griego oidos = ver). En Platón, el término idea hace referencia al aspecto inteligible de las

cosas.

En el libro X de la República, Platón ilustra esta posición a través del ejemplo de las tres camas: en el mundo empírico existe una multiplicidad de camas, mientras que en el mundo suprasensible encontramos la Idea de cama, única y esencial:• La Idea de cama – por la cual la cama es cama. Primer grado de realidad.• La cama sensible que fabrica el artesano, que es copia imperfecta, una realidad degrada. Segundo grado de realidad.• La imitación que hace el artista de la cama. Tercer grado de realidad

La descripción griega clásica del arte como imitación influyó en otras áreas de la teoría del arte además de la tragedia. Por

ejemplo, Gombrich define a la historia del arte occidental como la búsqueda de maneras cada vez más vívidas de presentar

la realidad. Sostiene que existen aún en el siglo XXI muchas personas que prefieren una arte que “se parezca” a aquello por

ellos reconocible.

Retrato de Eleonor

de Toledo con su hijo –

Angiolo Bronzino

1545

Bodegón – Willem Kalf 1660

El artista norteamericano Joseph Kosuth (1945), reflexionó sobre esta postura de

Platón, sobre la diferencia entre realidad e ilusión (y también convención) en una de

sus obras más emblemáticas de arte conceptual: Una y tres sillas (1965)

UNA Y TRES SILLAS - JOSEPH KOTUSH – 1965

El objeto real: silla.

La 1ª re-presentación de la silla (fotografía)

La 2ª re-presentación de la silla (definición del

diccionario)

LA ESTÉTICA EN EL SIGLO XX

En la modernidad, la relación de la belleza con las formas sensibles se desconecta de los modelos ideológicos

impuestos extendiéndose, hacia finales del siglo XX, un descrédito del uso de la belleza en las producciones

artísticas así como un rechazo al uso del concepto en la Estética y como medida del arte.

La "muerte de la belleza" en los tiempos modernos es resultado de la crisis histórica de la existencia de un

principio estético uniforme propugnando la fragmentación cultural con la diversidad de las

representaciones humanas.

La modernidad se rebela contra todo lo que es normativo, rompe

con las tradiciones, tiene la misión de ser siempre innovadora y es en

ese sentido donde es efímera ya que necesita reinventarse

constantemente o perder su sentido de originalidad, y por lo

tanto perder su validez.La negación es su fuerza creadora,

negación como ruptura con lo ya establecido, negación como

rechazo a lo anterior. Moverse siempre hacia delante, dejando

atrás lo que ya se ha hecho antes, lo único realmente valioso es

aquello que innova, que es original.

La dictadura de los paradigmas del Arte

Paradigma es un modelo invisible, un juicio previo sobre algún ámbito determinado, un prejuicio

cuya función es definir los límites entre lo que es correcto y lo que no debemos aceptar.

La adopción del paradigma nos sirve como motivación y como marco de referencia que le da una orientación definida a nuestro pensamiento,

pero cuando se lo adopta como una regla inviolable oscurece todo lo que está más allá de sus límites y

dificulta su observación.

El paradigma neoclásico del siglo XIX le impidió a la elite cultural francesa apreciar los valiosos atributos de la nueva

mirada que aportaban los impresionistas

BOUGUEREAU DEGAS

El posterior paradigma vanguardista acostumbró al público de arte al desprecio de la pintura figurativa y precipitó el aluvión

de prohibiciones y tabúes que atraviesa la historia del arte contemporáneo.

Alexei Butirskiy Pablo Picasso

Las vanguardias de principios del siglo XX, en especial, el dadaísmo y surrealismo,

imponen al arte un carácter crítico, negativo, combativo e iconoclasta, donde éste toma partido en la revolución social y

política propia de su época.

Destruir es crear.

Déjenlo todoDejen Dada.Dejen su esposa, dejen su amante.Dejen sus esperanzas y sus temores.Abandonen a sus hijos en medio del bosque.Suelten el pájaro en mano por los cien que están volando.Dejen si es necesario una vida cómoda, aquello que se lesPresenta como una situación con porvenir.Salgan a los caminos.

André Breton - 1924

El panorama del arte y las practicas artísticas han sufrido

profundas transformaciones, el agotamiento de la modernidad y

la incorporación de nuevas tecnologías en las artes,

determinan una profunda revolución de las tradicionales practicas artísticas. Un artista

visionario de estas problemáticas, fue sin duda, Marcel Duchamp. La profunda revolución que provocan sus ready-made, y su negación del concepto de obra, lo sitúan como

un eslabón clave entre la modernidad artística y el arte

posmoderno

El esfuerzo de Duchamp consiste en sustituir la pintura, por la pintura-

idea.

"El desnudo es un antimecanismo. La primera ironía consiste en que no sabemos siquiera si se trata un desnudo. Encerrado en un corsé o malla metálica, es invisible. Ese traje nos recuerda tanto a una armadura medieval como a una carrocería o a un fuselaje.” OCTAVIO PAZ

Desnudo bajando la escalera - 1912

Las características medulares del ready -made se podrían resumir de la siguiente forma: son obras que remiten a materiales sencillos; son objetos cotidianos; son desechables; no tienen gusto; son objetos neutros. En términos generales, el ready-made es un pretexto para activar una serie de ideas, donde lo central es reflexión por el contexto de la obra, idea que revoluciona la tradicional lectura de obra. En esta lógica, lo que determina finalmente que simples objetos pasen a constituirse en arte, es la pérdida de la función de uso del objeto.

Si bien, el dispositivo duchampiano del ready-made, produce una profunda interrogante en lo relativo a la obra de arte, y su

materialidad. En el ámbito de la estética, surge inmediatamente la pregunta ¿cómo aplicar el concepto de

gusto, en una obra que se aleja radicalmente de la noción de obra?.

La crítica de Duchamp se instala en la médula de lo que se conoce como "estética ", entendiendo por estética la disciplina

que en el siglo XVIII, logra enlazar los conceptos de arte y belleza, que en la persona de Baumgarten toma el nombre de

doctrina del conocimiento sensible.

¿Cuáles son las características o huellas de la profetizada muerte del arte?

Resulta paradójico pensar en la visualización de la citada muerte; sin embargo, hay gestos importantes que ponen en

evidencia el fin de una tradición visual occidental.

MALEVICH DUCHAMP

Desde el paleolítico hasta las figuras cubistas, existe la sensibilidad de crear visualidad en función de presentar

objetos, ya sea como: mímesis, expresión, espiritualidad etc., sin embargo, a un resultado completamente distinto llegaron

Duchamp y Malevich. Estos dos artistas, alcanzaron el denominado grado cero en el

arte: se entiende por grado cero, cuando se han violado y transgredido las normas básicas de una determinada disciplina. La radicalidad de estos artistas consiste

precisamente en la negación del objeto, Duchamp a través de la presentación del objeto (el ready -made como objeto

aestético) y Malevich a través de la no-presentación del objeto, ( cuadro blanco sobre fondo blanco), estas acciones rupturistas pusieron en evidencia la fragilidad de la visualidad moderna , planteando un cambio de época o con otras palabras la caída

de los paradigmas estéticos modernos .

¿MUERTE O REFORMULACIÓN DE LOS PARADIGMAS?

Gracias a un decidido proceso de desconstrucción de paradigmas plásticos heredados del academicismo

clásico; desarrollado por el dadaísmo, el cubismo, y otras vanguardias durante la primera mitad del S. XX , se logró

apelar, a una nueva forma de percibir la realidad, desentrañando a través de la mayoría de sus pinturas, las

diversas realidades formales, que subyacen a la simple apariencia de los objetos. En síntesis, con las

vanguardias, la muerte del paradigma, dará paso, a una manera distinta de ver, que permitió formular nuevos

significados.

“De vez en cuando tiene que surgir un artista que mande al diablo nuestra ideas sobre el arte, para

que haya de nuevo pintura.”

Willem de Kooning (1904 – 1997)