el titiritero de la pintura mexicana: carlos orozco romero...en 1946 fundó la escuela de pintura y...

Arnulfo Eduardo VelascoUniversidad de Guadalajara

En la historia del arte hay muchos casos de artistasnotables que por circunstancias imprecisas (a menudorelacionadas con las modas y las modalidades de lacrítica) se encuentran en situación de relativo olvido, apesar de que su obra tiene un indudable valor yrepresentó, en muchos aspectos y en su momentohistórico, una instancia de renovación. Es el caso delpintor y dibujante Carlos Orozco Romero, quien nacióen la ciudad de Guadalajara el 3 de septiembre de 1898y fue una de las figuras fundamentales del artemexicano en la primera mitad del siglo XX.

Este artista era hijo de don Jesús F. Orozco,aparentemente de profesión fotógrafo, aunque segúnotras versiones se habría ganado la vida como sastre.1

El joven Carlos Orozco parecía en un principio estardestinado a seguir la profesión de su padre (cualquieraque haya sido ésta). Pero su notable y tempranacapacidad para el dibujo lo llevó a interesarse en laexpresión plástica. No tuvo una verdadera formaciónacadémica, pero pudo estudiar de manera informal conlos pintores Luis de la Torre (un verdadero “bohemio”de la época) y José Vizcarra. Sobre todo fungió durantealgún tiempo como ayudante del primero.

En realidad este artista se inició, como muchosotros creadores en el campo de las artes plásticas, conla realización de caricaturas, las cuales publicaba conel pseudónimo de “Karikato”. Éste se derivaba del

El titiritero de la pinturamexicana:Carlos Orozco Romero

1. Los datos biográficos de este artí-culo se han tomado esencialmentede Margarita Nelken et al. CarlosOrozco Romero. México: UNAM,1994; José Guadalupe Zuno. Histo-ria de la ironía plástica en Jalisco.Guadalajara, 1973; y Heriber-to García Rivas. Pintores mexicanos.150 biografías. México: Diana, 1965.

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apodo que le daban sus compañeros del CentroBohemio (quienes precisamente le decían “elCaricato”). Hay que señalar que Carlos Orozco Romerofue uno de los miembros más destacados de ese llamadoCentro Bohemio, un muy conocido grupo conformadocomo una asociación libre de artistas que se inició conla idea de establecer un taller creativo, pero terminófuncionando realmente como un club de intercambiode ideas y una organización política. Pero en unmomento determinado este joven creador tambiénformó parte del grupo de pintores comprometidossocialmente que se aglutinaron alrededor de DavidAlfaro Siqueiros.

Por otro lado, su experiencia en el campo de lacaricatura se percibe en su obra pictórica posterior,sobre todo por su notable capacidad para estilizar lasfiguras en la creación de seres extraños estructuradosa menudo sobre formas geométricas básicas.

Como caricaturista se inició desde 1916, dando aconocer sus obras en diversas publicaciones de laciudad de Guadalajara, incluyendo la revista La sátira,que dirigía Alfredo Romo. En este campo, OrozcoRomero aparece como un dibujante un tanto formalista(a diferencia de otros caricaturistas amigos ycontemporáneos suyos, como el ya citado Romo o JoséGuadalupe Zuno), con una clara influencia de los estilosen boga en el momento. Incluso podríamos decir que,en su obra, es posible encontrar una caricatura de estiloart nouveau. Aunque esto se debe, en gran parte, a laadmiración que sentía por la obra de Ernesto “ElChango” García Cabral (1890-1968), quien esevidentemente el modelo a seguir en el estilo de muchasde sus caricaturas. De cualquier forma reconocemos aun artista de trazo muy seguro y estilo notablementeclaro.

Siendo todavía muy joven Orozco Romero setrasladó a la ciudad de México, donde comienza acolaborar como ilustrador (por recomendación de JavierEnciso) en El Heraldo de México, en el que terminasustituyendo a José Clemente Orozco, quien había sido

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el colaborador habitual hasta ese momento. Con eltiempo llegó a publicar en la mayoría de los diarios yrevistas más importantes del país. Algunas de suscaricaturas aparecieron incluso en el periódico TheNation de los Estados Unidos. En la ciudad de Méxicose convirtió en colaborador y amigo de los escritoresreunidos en el grupo de Contemporáneos, lo quealgunos críticos han señalado puede ser la razón delcomponente claramente simbolista de algunas de suspinturas.

En 1920 contrajo matrimonio con María Marín,una de las famosas hermanas que tanto significaron enla historia de la pintura mexicana del siglo XX. Peropoco después de ese matrimonio le fue concedida unapensión del gobierno del estado de Jalisco para realizarun viaje de estudios por Europa. Se establece enMadrid, donde entra en contacto con los jóvenespintores españoles de la época. Participa en el Salónde Otoño de Madrid en 1922, exponiendo algunas desus obras.

Con el nacimiento de su primer hijo decideregresar a México. En Guadalajara trabó contacto conel pintor peruano José Sabogal (1888-1956), quien poraquella época se encontraba residiendo en esta ciudad.Con Sabogal aprende (junto con su esposa) la técnicadel grabado en madera. Fruto de ese trabajo es un librotitulado Los pequeños grabadores en madera (1925),que se deriva de las actividades realizadas en la EscuelaPreparatoria de Jalisco.

Finalmente, Orozco Romero acabó residiendo deforma definitiva en la ciudad de México, dondecomenzó a trabajar como Inspector de Artes Plásticasy paulatinamente va abandonando la caricatura paradedicarse en forma exclusiva a la pintura. Encolaboración con Carlos Mérida lanza el fundamentalproyecto de la galería de arte moderno en el Palacio deBellas Artes, donde (entre otras cosas) se llevan a cabouna de las primeras exposiciones de María Izquierdo yla primera de Rufino Tamayo. Este experimento fuesubsidiado por la Dirección de Acción Cívica que

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dirigía Alfonso Pruneda en el Departamento del DistritoFederal.

De nuevo con Carlos Mérida fue cofundador dela Escuela de Danza del Palacio de Bellas Artes, dondetuvo a su cargo la clase de plástica escénica y demaquillaje, y con el mismo colaborador comenzó unaserie de publicaciones, incluyendo un periódico infantil(Pulgarcito) editado por la Secretaría de EducaciónPública (SEP). De 1935 a 1938, ambos pintores fueronresponsables de la edición de una serie de cuadernosde divulgación sobre artistas mexicanos, labor que fuefinanciada por una empresa cervecera. Igualmente,Orozco Romero incursionó en el diseño de trajes yescenografías para un espectáculo organizado porBellas Artes que hizo una gira por Estados Unidos.

Se debe señalar que Carlos Orozco Romero es unode los artistas que no comulgó con lo que, en esemomento, se suponía era la fórmula absoluta del artemexicano: el nacionalismo de inspiración socialista talcomo se expresaba esencialmente en la obra de losprincipales muralistas. Como muchos otros artistas desu tiempo, este pintor también incursionó en el campodel mural, siendo su primera experiencia undesafortunado intento que nunca se concluyó yfinalmente fue destruido durante una remodelación. Sinembargo, conservamos y podemos observar otrosmurales suyos. Pero es claro que la forma de expresiónprivilegiada de Orozco Romero era la pintura decaballete, campo en el cual fue considerado uno de losgrandes maestros de su tiempo. Igualmente, es claroque tanto su estilo como la orientación de su obra debíanentrar en oposición con las visiones dogmáticas dealgunos de los muralistas. Para este artista no tienesentido hablar de un “mensaje” en el trabajo pictóriconi tampoco hacer una búsqueda nacionalista a ultranzaque en ocasiones termina asimilándose a un tipo depintura para turistas. Como ha señalado AdrianaZavala,2 el tratamiento que Orozco Romero hace desus temas desafía siempre la retórica política de la épocaen la que le tocó producir su obra, en la cual lo

2. Véase Adriana Zavala. Arte moder-no de México. México: UNAM, 2005.(Col. Andrés Blaisten)


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importante era enfatizar el sufrimiento de los obrerosy los trabajadores. Mientras que un pintor como DiegoRivera (sigo parafraseando a Zavala), al hacer la pinturade un minero intenta enfatizar el martirio quesocialmente se le impone al personaje, para OrozcoRomero era más importante el hecho de crear unacomposición dinámica cuyo propósito básico vendríasiendo el oponer la suavidad de la figura humana conla angularidad del ambiente mineral. Las formasvisuales son una obsesión de este artista, que enocasiones parece considerar al cuerpo humano y losobjetos naturales simplemente como dosmanifestaciones distintas del mismo problema: la formamisma. Y que, por otro lado, en ocasiones terminacreando figuras en las que lo humano y lo objetual seconfunden.

Por estas y otras razones Diego Rivera lo incluíaen su clasificación de “artistas afrancesados”,intentando así minimizar el sentido y el alcance de sucreatividad. Aunque, irónicamente, quien residióbastante tiempo en Francia, y asimiló claramente elestilo de las vanguardias de la “rive gauche”, fue Riveray no Orozco Romero.

En 1939 obtuvo una beca de la FundaciónGuggenheim y se convirtió en residente de la ciudadde Nueva York durante siete meses, donde terminarealizando una exposición de su obra en la GaleríaWaker.

En 1946 fundó la Escuela de Pintura y Escultura“La Esmeralda”, donde trabajó como maestro de dibujodurante los siguientes 15 años, organizando tambiénel primer taller libre de pintura. En su época OrozcoRomero era considerado como un notable maestro.Entre sus discípulos se encuentran artistas tan notablescomo Pedro y Rafael Coronel, Francisco Toledo y, enforma casi fugaz, José Luis Cuevas.

En 1962 fue nombrado director del Museo de ArteModerno del Instituto Nacional de Bellas Artes. Ingresóa la Academia de Artes en 1974. Y en 1980 obtuvo elPremio Nacional de Arte.

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Hay que señalar que después de un tiempo deexperimentar con la abstracción y otras formas deruptura, Orozco Romero terminó manifestándose comoun artista sobresaliente dentro de una curiosa serie deestilos que van desde un cierto academicismo hastaalgunos juegos con formas que evocan diferentesvanguardias asimiladas de manera muy personal. Estoha dado origen a una ambigüedad manifiesta en losintentos de clasificar su obra, pues ésta ha sido definida,por diferentes críticos, como expresionista, surrealista,cubista, futurista, de realismo fantástico o de realismopoético. Lo cual sobre todo indica la inutilidad de lasclasificaciones cuando éstas intentan imponerse a lafuerza. Y quizá también explica el hecho de su relativoolvido, pues la crítica tiene problemas para apreciar loque no puede definir o clasificar.

Algo que sobre todo intriga a los analistas es larecurrencia, dentro de su producción, de extrañasfiguras de aspecto más o menos estático, que algunoscomparan con maniquíes (lo que ha determinadotambién que se le compare con Chirico y otros pintoresde la tendencia “metafísica” italiana), aunque tambiény más propiamente se pueden identificar como unaespecie de títeres. En realidad, si se trata de encontrarsimilitudes, posiblemente las más adecuadas seanprecisamente con los títeres y juguetes de barro deorigen popular, de formas rudimentarias y demovimientos, reales o sugeridos, poco sutiles. Estosseres fantásticos, de rostros a menudo inexpresivos, ledan a su obra un aspecto de irrealidad que en momentosllega a ser casi amenazante en sus connotaciones deinhumanidad.

También se ha señalado que su obra parece estarimpregnada de una cierta inestabilidad física yemocional (lo que, entre paréntesis, corresponde muybien al mundo mismo de los títeres). Muchos de suspersonajes parecen encontrarse en situaciones deanormalidad física y mental, hecho que se realza amenudo por rostros de influencia quizá picasiana, queasemejan máscaras de origen africano o indígena. Son


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además figuras de inspiración geométrica, que parecenla caricatura de lo humano en su intento de asimilarsea seres vivientes. Incluso en sus obras más académicas(sus retratos de damas de sociedad) hay siempre uncierto componente de artificialidad, como si las figurashubieran sido modeladas en cera o en barro.

Por otro lado, se ha señalado a menudo laminuciosidad de la técnica empleada por este pintor,que se manifestaba en ocasiones como un creadorobsesivo, capaz de destruir las obras que no lesatisfacían. En mucho de su obra predominandesarrollos casi monocromos que contribuyen a crearuna sensación de extraño patetismo en susambientaciones y en sus figuras, el despojamiento desu color nos ubica en espacios carentes de vitalidad yde fuerza, en los que se resienten implicaciones demortalidad o, al menos, de carencia de vida. Sus“títeres” tan sólo son simulacros de vida, seres quefingen (como los títeres verdaderos) una existencia queen realidad no poseen y se limitan por lo tanto a imitarlade manera caricatural.

Orozco Romero se distinguió también por susrepresentaciones del paisaje mexicano. Es evidente queen sus paisajes se nota una clara simplificación de lasformas, heredada posiblemente del Dr. Atl, peroprescindiendo totalmente de las explosiones de colorde ese otro pintor, y llevando de nuevo a la pintura auna expresión casi monocroma que nos acerca a algomuy distinto a la simple representación del mundonatural. En este caso los críticos han hablado depostimpresionismo y de la influencia de Cézanne enesta forma particular de concebir el paisaje, que amenudo parece estar impregnado de una nostalgia,quizá producida en el espectador por un uso sistemáticode tonalidades grisáceas. En muchos de sus paisajes lohumano está apenas implicado o sugerido, como sifuera una presencia que se expresa de manera indirectapero sin llegar a estar nunca totalmente en el campo dela conciencia.

Pero este pintor fue igualmente un retratista demoda en su momento. Al respecto hay que señalar quesus retratos son, en general, donde encontramos alpintor más académico. Pero en muchos de ellos se nospresentan rostros que se asemejan, más que a personasreales, a muñecos de diferente tipo. Algunos inclusoparecerían figuras de origen popular, muñecas de barroo de porcelana. De nueva cuenta nos encontramos consimulacros de lo humano ocupando el lugar de seresvivientes.

En realidad, y como señala acertadamente elcrítico y pintor Jorge J. Crespo de la Serna: “Unaespecie de movimiento de péndulo parece presidir laobra de Orozco Romero: unas veces, acercándolo a unrealismo de lo más fiel; otras, a una interpretación másestilizada del dato real; otras a un justo medio entreambas tendencias”.3

Incluso podemos decir que la obra de este artistaes un juego constante entre lo real y las representacionesde lo real. Un mundo ominoso que, sin embargo, pareceestar poblado por simples figuras de juguete. A esterespecto es indudable que el nacionalismo de este pintorse manifestó no en la forma de intentos de recrear una“realidad” mexicana anclada en el folclorismo y envisiones pintorescas de nuestra cultura, sino en un saberreutilizar los elementos propios de lo popular en formaspictóricas que no se limitan a la cita literal, sino quehacen reinterpretaciones significativas de esoselementos.

Carlos Orozco Romero murió el 29 de marzo de1984 en la ciudad de México.

3. Cit. por García Rivas, op. cit., p. 179.


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Ilustración 1Autorretrato (1948)

Óleo sobre tela (100 X 80 cm.)


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Ilustración 2Sueño (1940)



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Ilustración 3El fantasma (1955)

Óleo sobre masonite (50 X 40 cm.)


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Ilustración 4Lluvia en la montaña (1955)



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Ilustración 5Retrato de Patricia (1937)

Óleo sobre tela (71.5 X 61.5 cm.)

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