el otoño que tengo es el que he perdido · “toda obra de arte necesita ser entendida no sólo...

el otoño que tengo es el que he perdidomireya martín larumbe

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irónicos referentes literarios que ponen voz a lo en un primer momento nos pareció inefable, inenarrable. Con sabores a hermosos titulares decadentes, a diálogos de películas de culto o a sentencias filosóficas, estas sentencias adjetivan y acotan las imágenes expuestas: “El otoño que tengo es el que he perdido”, “Yo ya no era yo, era otra, y precisamente por eso, otra vez yo”, “Me pierdo por unos momentos de sentirme vivir”, “Yo me había convertido en un interior”, “Sentir es un pensamiento extravagante”

En esa casa tomada a la que desde el misterio hemos entrado, la luz baña los muebles y las montañas de ropa en algunas estancias, pero en otras, hay que penetrar a tientas y a oscuras, haciendo malabarismos para no darnos con el pico de una mesa o tropezar con torres de libros. Tratamos de no caer, pero inevitablemente a veces surgen colisiones, es el lado más oscuro y tenebroso de sus paisajes sonoros, aquel que remite al inconsciente. El cuerpo desmembrado reflejo de pulsiones y auto-curaciones holísticas. La cadera, la cabeza o el corazón empiezan a hablar de miedos… de la fragilidad de la existencia, del paso del tiempo, de las negociaciones que hace el artista entre hablar y silenciar. Un sentir que mezclaría el sufrimiento interior de Sylvia Plath con la evidencia/nostalgia de atrapar lo cotidiano de Jonas Mekas.

A pesar de la volatilidad de sus piezas, hay una búsqueda de formas y manchas, limpias de todo exceso y una apuesta por la especificidad del dibujo autónomo, alejado de efectismos. En la instalación “Yo me había convertido en un interior” seis piezas híbridas entre el dibujo y la animación prescinden de audio para remarcar su naturaleza dibujística. La imagen se queda muda, en silencio, con ecos a meditación interior y aire taoista. Como si se buscara presentar más que comentar.

Este interés por dejar que las imágenes sean un flujo de conciencia e interactúen y haga suyas el visitante se hace aún más evidente en la instalación “Sentir es un pensamiento extravagante”, donde con referencias al cine experimental y al metraje doméstico, se envuelve al espectador en un remolino de proyecciones que van sobre varias capas consecutivas de tul entre las que se puede deambular. Como la misma autora explica: “El uso del tul como superficie de proyección, que retiene la imagen y a la vez la deja pasar, hace las veces de velo, que de una forma sutil modifica la forma en la que vemos lo que queda detrás”. El audio de la pieza también supone una convulsión incomoda que busca despertar al espectador del abandono onírico, y asumir el presente.

Por otra parte, en su afán por presentar el ahora, se evita esconder los trucos escapistas poniendo al descubierto los elementos que hacen posible la instalación. Y el caso más emblemático de esta decisión es la instalación: “La nieve que invade el centro de las cosas” donde se disponen de forma ordenada los fotogramas de las animaciones, los bocetos, los frascos de pigmentos. Frente al collage de texturas de imágenes de las animaciones, aquí la mesa está deliberadamente ordenada como si de un expositor de armas o de herramientas se tratara.

Visualizo para acabar los enormes rollos de papel sobre los que la artista dibuja, antes de poner en marcha el motor de la animación, y me sugiere el tambor de registro de un peculiar sismógrafo… de los terremotos del alma.

De lo que no se puede hablarSusana Blas

“Toda obra de arte necesita ser entendida no sólo como algo que nos han entregado, sino también como una cierta manipulación de lo inefable. En el gran arte, siempre somos conscientes de cosas que no pueden decirse (reglas de «decorum»), de la contradicción entre la expresión y la presencia de lo inexpresable. Las invenciones estilísticas son también técnicas de esquivación. Los elementos más poderosos de una obra de arte son, con frecuencia, sus silencios.” Susan Sontag

“Tengo el poder de seducir a quien quiera” Iris Murdoch

La primera sensación que tuve al adentrarme en el trabajo de Mireya Martín es la de despertar en una casa a la que no recordaba haber entrado. Amanecer una mañana en casa ajena y deambular distraída por estancias rebosantes de intimidad sin sentirme incómoda, incluso reconociéndome en ciertos elementos… en el desorden particular de una vida otra. Una emoción que se torna rápido en atracción, vértigo y pudor.

Otro efecto recurrente cuando accedo a sus trabajos, y en particular a las animaciones, es el de penetrar en el interior de la materia de un poema, o en el corazón de una canción, y dejarme envolver por la espesura de la música, por los susurros de una letra que a la primera no se entiende, y que terminas descifrando e inventando a tu manera.

Mireya elije el dibujo, la imagen videográfica y la instalación: tecnologías y materiales que evitan a las obras solidificarse. Prefiere la fragilidad y la sugerencia como sustancia. La línea, el papel con sus texturas, y la imagen en movimiento, son medios idóneos para no cerrar ni las motivaciones ni los efectos de sus corrientes de pensamiento.

Al mismo tiempo, como ocurre con otras artistas de compromiso feminista, esta decisión puede también comportar un cariz político, pues renunciar a los “grandes géneros” (la pintura y la escultura) y potenciar los márgenes de la práctica artística, permite huir del lastre de una Historia del Arte de la que las mujeres han sido excluidas como autoras. Esta preferencia por medios híbridos más fugaces que funden dibujo, animación y vídeo, y que se expanden en el espacio, conectaría con el trabajo de creadoras como Pipilotti Rist, Susi Jirkuff, o Shahzia Sikander por citar algunas con las que comparte el interés por las narrativas personales y por la música.

Tienen los trabajos de Mireya un aire singular que los hace flotar en un territorio ambiguo entre el dentro y el afuera. Dentro y fuera del sueño, dentro y fuera del pensamiento, dentro y fuera del deseo, renunciando así a imponer sus propios descubrimientos al espectador, sus propias narrativas, para que seamos nosotros los que añadamos otra visión. Dentro y fuera del cuerpo. Un cuerpo sin límites, fronterizo, que es y no es animal, flor, huesos, órgano interior. Panteísmo suyo.

Las animaciones de la artista, que funden dibujo y fotografía, color y texturas, aluden a la naturaleza, a la fragmentación y a la memoria del cuerpo en su cadena de transformaciones en animales (como el búho o la serpiente) frutas y paisajes. Pero como contrapunto a este buscado desorden iconográfico, los títulos de las obras de la artista, son un elemento lingüístico mas:

BilbaoArte 98 BilbaoArte “el otoño que tengo es el que he perdido”Mireya Martín Larumbe

literario ironikoak, hasieran ezin azalduzkoa eta ezin kontatuzkoa iruditu zitzaigunari ahotsa jartzen diotenak. Izenburu dekadente ederren, kultu-filmen elkarrizketen edo esaera filosofikoen zaporearekin, esaera horiek adjektibatu eta mugatzen dituzte ikusgai jarritako irudiak: “El otoño que tengo es el que he perdido”, “Yo ya no era yo, era otra, y precisamente por eso, otra vez yo”, “Me pierdo por unos momentos de sentirme vivir”, “Yo me había convertido en un interior”, “Sentir es un pensamiento extravagante”.

Misteriotik sartuta guretzat hartu dugun etxe horretan, argiak altzariak eta arropa pilak bainatzen ditu gela batzuetan, baina beste batzuetara ilunpetan eta haztamuka sartu behar dugu, malabarismoak eginez mahai bateko punta ez jotzeko edo liburu-dorreekin estropezu ez egiteko. Ez erortzen saiatzen gara, baina batzuetan talkak sortzen dira ezinbestean, beraren soinu-paisaien alderdi ilunena eta beltzena da, inkontzientera bidaltzen gaituena. Gorputz zatikatua, pultsio eta auto-sendaketa holistikoen isla. Burua, aldaka edo bihotza beldurrei buruz mintzatzen hasten dira, bizitzaren hauskortasunari buruz, denboraren joanari buruz, mintzatzean eta isiltzearen artean artistak egiten dituen negoziazioei buruz. Sentitze horrek Sylvia Plathen barneko sufrimendua nahastuko luke Jonas Mekasen egunerokoa atzemateko ebidentziarekin/nostalgiarekin.

Beraren piezen hegazkortasuna gorabehera, bada inolako gehiegikeriarik gabeko forma eta orbanen bilaketa bat, eta efektismorik gabeko marrazki autonomoaren espezifikotasunaren aldeko hautu bat. “Yo me había convertido en un interior” instalazioan, animazioaren eta marrazkiaren arteko sei pieza hibridok audioa baztertzen dute beren marrazketa-izaera nabarmentzeko. Irudia mutu geratzen da, isilik, barneko meditazioaren eta kutsu taoistaren oihartzunekin. Esan liteke asmoa aurkeztea dela, komentatzea baino gehiago.

Irudiak kontzientzia-fluxua izateko interes hori, bisitariak haiekin elkarreraginean aritu eta bereganatzeko interes hori are agerikoagoa da “Sentir es un pensamiento extravagante” instalazioan; izan ere, zinema esperimentalaren eta etxeko filmaketen erreferentziekin, ikuslea proiekzio-zurrunbilo batean sartzen du, bata bestearen gainetik jarritako tul-geruza batzuen gainean, zeinetatik ikuslea ibil baitaiteke noraezean. Autoreak berak azaltzen duenez: “tula proiekziorako azalera bezala erabiltzea, irudia atxiki eta aldi berean pasatzen uzten dion azalera bezala, belo gisa erabiltzea da, modu sotilean aldatzen baitu atzean geratzen dena ikusteko dugun modua”. Piezaren audioa ere astindu deseroso bat da, ikuslea abandonu onirikotik esnatu nahi duena, orainaldiaz jabetu dadin.

Beste alde batetik, oraina aurkezteko ahaleginagatik, iheserako trikimailuak ezkutatzen saihesten da, instalazioa ahalbidetzen duten elementuak agerian jarriz. Bada, erabaki horren kasu enblematikoena “La nieve que invade el centro de las cosas” instalazioa da, bertan modu ordenatuan ipintzen baitira animazioen fotogramak, zirriborroak eta pigmentu-flaskoak. Animazioen irudi-ehunduren collagearen aurrean, hemen mahaia apropos dago ordenatuta, armen edo erreminten erakusmahai bat balitz bezala.

Bukatzeko, artistak bere marrazkietarako erabiltzen dituen paper-bilkariak bistaratzen ditut, animazioaren motorra abiatu aurretik, eta sismografo bitxi baten erregistro-danborra dakarkit gogora… arimaren lurrikarena.

Ezin dena hizpidetzat hartuSusana Blas

“Edozein artelan ezin uler daiteke entregatu diguten zerbait bezala soilik, baizik eta ezin azalduzkoaren nolabaiteko manipulazio bezala ere bai. Arte handian, beti egoten gara jakitun ezin esan daitezkeen gauzez (decorumaren arauak), adierazpenaren eta ezin adieraz daitekeenaren presentziaren arteko kontraesanaz. Asmakizun estilistikoak saiheste-teknikak ere badira. Artelan baten elementu ahaltsuenak, sarritan, beraren isiluneak dira” Susan Sontag

“Nahi dudana limurtzeko ahalmena dut” Iris Murdoch

Mireya Martínen lanean barneratzean izan nuen lehenengo sentsazioa izan zen sartu izana gogoratzen ez nuen etxe batean esnatzea. Goiz batean etxe arrotz batean esnatzea eta intimitatez jositako geletatik arretagabe ibiltzea, batetik bestera, deseroso sentitu gabe; are gehiago, neure burua elementu jakin batzuetan aurkituz… beste bizitza bateko nahaspila partikularrean. Erakargarritasun, zorabio eta lotsa berehala bihurtzen den emozio bat.

Beraren lanetan sartzen naizenean errepikatzen den beste efektu bat, batez ere animazioen kasuan, poema baten gaiaren barnean sartzea da, edo abesti baten bihotzean sartzea, eta musikaren trinkotasunari neu inguratzen uztea, lehenengo aldiz ulertzen ez den letraren xuxurlari neu inguratzen uztea, gero, azkenean, zure modura deszifratu eta asmatzen baduzu ere.

Mireyak marrazkia, irudi bideografikoa eta instalazioa aukeratzen ditu: obren solidifikazioa eragozten duten teknologia eta materialak. Hauskortasuna eta iradokizuna nahiago ditu gai bezala. Marra, papera bere ehundurekin, eta mugimenduan dagoen irudia, bitarteko egokiak dira bere pentsaera-korronteen motibazioak eta efektuak ez ixteko.

Aldi berean, konpromiso feminista hartuta duten beste artista batzuekin gertatzen den bezala, erabaki horrek ñabardura politikoa ere izan dezake; izan ere, “genero handiei” (pintura eta eskultura) uko egitea eta praktika artistikoaren ertzak bultzatzea lagungarria da emakumeak autore gisa baztertu dituen Artearen Historiaren zamatik ihes egiteko. Marrazkia, animazioa eta bideoa uztartzen dituzten eta espazioan hedatzen diren bitarteko hibrido iheskorrago horien aldeko hautua Pipilotti Rist, Susi Jirkuff edo Shahzia Sikanderren lanarekin konektatuko litzateke, narratiba pertsonalen eta musikaren aldeko interesa berarekin konpartitzen duten autore batzuk aipatzearren.

Mireyaren lanek kutsu berezi bat dute, hots, lurralde anbiguo batean, kanpoaldearen eta barnealdearen artean, flotatzera daramatzan kutsu berezi bat. Ametsaren barnean eta kanpoan, pentsamenduaren barnean eta kanpoan, nahiaren kanpoan eta barnean; era horretan, uko egiten dio bere aurkikuntza propioak eta bere narratibak ikusleari ezartzeari, geu izan gaitezen beste ikuspegi bat gehitzen dugunok. Gorputzaren barnean eta kanpoan. Mugarik gabeko gorputz bat, mugaldean artean jarrita, animalia, lorea, hezurrak, barneko organoa dena eta ez dena. Beraren panteismoa.

Artistaren animazioek, marrazkia eta argazkia, kolorea eta ehundurak uztartuta, natura dute aipagai, gorputzaren haustura eta oroimena bere eraldaketen katean, animaliengan (hala nola hontza edo sugea), frutetan eta paisaietan. Bilatutako nahaspila ikonografiko horren kontrapuntu bezala, baina, artistaren obraren izenburuak hizkuntza-elementu erantsi bat dira: erreferente


duermen como niños cansados de jugar

Duermen como niños cansado de jugar77 x 57 cm

Bost marrazkiz osatutako seriea; ikatz-ziria, grafikoa eta urre-xafla Archés paperaren gaineanSerie de 5 dibujos; carboncillo, grafito y pan de oro sobre papel Archés


la nieve que invade el centro de las cosas

La nieve que invade el centro de las cosas

Marrazki-instalazioa; teknika mistoa.Neurri aldakorrakInstalación de dibujos; técnica mixta.Dimensiones variables

va fugándose el tiempo en sus ciclosmetódicos

Yo me había convertido en un interior

Ikus-entzunezko instalazioa (Fotogramak)Instalación audiovisual (Fotogramas)


BilbaoArte 31“el otoño que tengo es el que he perdido”30 BilbaoArte Mireya Martín Larumbe

yo ya no era yo, era otra, y precisamentepor eso otra vez yo

Yo ya no era yo, era otra, y precisamente por eso otra vez yo16’ 52’’

Animazio esperimentalaAnimación experimental


me pierdo por unos momentosde sentirme vivir

Me pierdo por unos momentos de sentirme vivir3’ 23’’

Animazio esperimentalaAnimación experimental


sentir es un pensamiento extravagante

Sentir es un pensamiento extravagante

Instalación audiovisualIkus-entzunezko instalazioa

44 BilbaoArte Mireya Martín Larumbe BilbaoArte 45“el otoño que tengo es el que he perdido”

¿De qué habla una línea? (O de cómo explorar una pradera nevada)

Iker Andrés

¿Qué podemos hacer si queremos cartografiar una pradera cubierta de nieve? Parece que lo más evidente es dejar la hoja en blanco, inmaculada, réplica exacta del territorio que estamos representando. Una superficie lisa y uniforme que se extiende ante nuestra vista contenida en un papel en blanco entre nuestras manos. Tenemos el mapa perfecto. No podemos estar más equivocados.

Debajo de la nieve existe un universo de cosas dispuestas a ser sacadas a la luz, y eligiendo cuáles de estos elementos vamos a incorporar a nuestro mapa estamos creando toda una serie de relaciones imprevistas. Sin la nieve los elementos de la pradera se relacionan de forma casi natural; por proximidad, por semejanza, por su origen… Pero una vez cubierto todo y convertido en una superficie blanca las relaciones desaparecen, las semejanzas devienen en nada, y sólo se hacen visibles en la medida en que el cartógrafo las reclama para la vista. Dos rocas que antes estaban lejos ahora estarán íntimamente relacionadas si son los dos únicos elementos que hemos rescatado en nuestro mapa.

De esta misma manera funcionan las obras de Mireya Martín Larumbe. Traza líneas que unen sobre el papel elementos que pueden parecer ajenos, pero que existen bajo la capa de nieve unificadora que es el papel en blanco y que es, al fin y al cabo, la máscara con la que nos ocultamos cada uno de nosotros. Las líneas de Mireya se retuercen en el papel o en la pantalla y se transforman en plantas, animales, elementos anatómicos… un sin fin de referencias simbólicas tan abiertas que cada espectador las dota de un significado propio, reconociendo en cada obra una parte de sí mismo que hasta ahora le permanecía velada. Es por esto que resulta difícil permanecer indiferente ante una de las obras de Mireya. Nos asombran por la belleza de sus líneas y colores, por sus dimensiones, de lo diminuto a lo descomunal, por la sutileza de sus transformaciones, pero por lo que nos fascinan es por el reconocimiento de nosotros mismos que obtenemos en su contemplación, por la forma en que estos dibujos y animaciones dirigen hacia la introspección. No es extraño descubrirse a sí mismo viendo una de las animaciones que componen esta exposición y darse cuenta de que la pieza ha terminado y empezado una y otra vez y que seguimos mirándola, incapaces de apartar la vista, descubriendo nuevos detalles a cada vuelta de ciclo. Por estos motivos, y respondiendo a la pregunta que encabeza estas palabras: “¿De qué habla una línea?” tenemos que contestar que en el caso de Mireya las líneas hablan de cada uno de nosotros contemplándose a sí mismo.

BilbaoArte 47“el otoño que tengo es el que he perdido”

Zertaz hitz egiten du lerro batek?(Edo elurtutako belardi bat nola esploratu)

Iker Andrés

Zer egin ote dezakegu elurrez estalitako belardi baten kartografia egiteko? Badirudi, nonbait, logikoena dela orria zuriz uztea, orbangabe, irudikatzen ari garen lurraldearen erreplika zehatza. Azalera leun eta uniforme bat, gure begien aurrean luzatzen dena, esku artean dugun paper zuri batean gordeta. Mapa perfektua dugu. Ezin gara erratuago egon.

Elurraren azpian bada argitara ateratzeko dauden gauzen unibertso bat, eta aukeratzen dugunean zer elementu gehituko diogun gure mapari, elementu horien guztien artean, orduan aurreikusi gabeko lotura multzo oso bat eratzen ari gara. Elurrik gabe, belardiko elementuak modu ia naturalean erlazionatzen dira; hurbiltasunagatik, antzekotasunagatik, beren jatorriagatik… Nolanahi ere, guztia estalita dagoenean eta azalera zuri bihurtu denean, orduan loturak desagertu egiten dira, antzekotasunak ezerezean geratzen dira, eta bakarrik bistaratzen dira kartografoak bistarako erreklamatzen dituen neurrian. Lehen urrun zeuden bi harkaitz estu lotuta egongo dira baldin eta gure mapan erreskatatu ditugun bi elementu bakarrak badira.

Horrelaxe funtzionatzen dute Mireya Martín Larumberen obrek. Itxuraz oso urrun dauden elementuak paperaren gainean lotzen dituzten lerroak trazatzen ditu, hau da, itxuraz urrun egon arren elur-geruza bateratzailearen azpian existitzen diren elementuak; elur-geruza hori paper zuria da, eta bera da, azken batean, guretako bakoitzak ezkutalekutzat hartzen dugun mozorroa. Mireyaren lerroak paperean edo pantailan bihurritzen dira eta landare, animalia, elementu anatomiko… bihurtzen dira, milaka erreferentzia sinboliko, hain irekiak non ikusle bakoitzak esanahi propioa ematen dien, obra bakoitzean bere buruaren parte bat antzemanez, orain arte ezkutatuta zuen parte bat, hain zuzen ere. Horregatik da zaila axolagabe egotea Mireyaren obren aurrean. Haien lerro eta koloreen edertasunagatik harritzen gaituzte, haien dimentsioengatik, neurri txikienetik erraldoira pasatzen baitira, beraren eraldaketen sotiltasunagatik, baina gehien liluratzen gaituena da geure burua antzematen dugula obrak behatzean, gehien liluratzen gaituena da nola bideratzen gaituzten introspekziora marrazki eta animazio horiek. Ez da harrigarria geure burua deskubritzea erakusketa hau osatzen duten animazioetako bat ikustean, eta konturatzea pieza behin eta berriz amaitu eta hasi dela eta begiratzen jarraitzen dugula, bista kendu ezinik, xehetasun berriak deskubrituz zikloaren buelta bakoitzean. Arrazoi horiengatik, eta hitz hauen hasieran planteatutako galderari -“Zertaz hitz egiten du lerro batek?”- erantzunez, esan behar dugu ezen, Mireyaren kasuan, lerro horiek guretako bakoitzari buruz hitz egiten dutela, nork bere burua behatzen ari delarik.


“BilbaoArte 2012 Ate irekiak” instalazioaren irudiavista de la instalación “Puertas abiertas BilbaoArte 2012”

50 BilbaoArte Mireya Martín Larumbe BilbaoArte 51“el otoño que tengo es el que he perdido”

Yo ya no era yo, era otra, y precisamente por eso otra vez yo113 x 100 cm

Marrazkia Archés paperaren gainean (xehetasunak)Dibujo sobre papel Archés (detalles)


Me pierdo por unos momentos de sentirme vivir113 x 100 cm

Marrazkia Archés paperaren gainean (xehetasunak)Dibujo sobre papel Archés (detalles)

“...Así era todo para mí antes de pensarlo. Hoy, si lo escribo, es porque lo recuerdo. El otoño que tengo es el que he perdido...”

Fernando Pessoa 29-1-1932

Yo ya no era yo, era otra, y precisamente por eso otra vez yo113 x 100 cm

Marrazkia Archés paperaren gaineaDibujo sobre papel Archés

Me pierdo por unos momentos de sentirme vivir113 x 100 cm

Marrazkia Archés paperaren gaineanDibujo sobre papel Archés

What does a line refer to? (Or about how to explore a snow-covered prairie)

Iker Andrés

What can we do if we want to map a snow-covered prairie? It seems that the most obvious way is to leave a sheet immaculately blank, an exact replica of the area that we are representing. A smooth even surface that spreads out before our very eyes contained on a blank piece of paper in our hands. We have the perfect map. We cannot be more wrong.

Under the snow there is a world of things ready to be brought to light, and by choosing which of these items we are going to include in our map we are creating an entire series of unfore-seen links. Without the snow the elements of the prairie are linked together almost naturally; through proximity, through similarity, by their origins… However once all this is covered over and turned into a white surface the links disappear, the similarities turn to nothing and they only become visible in so far as the mapmaker requires them for the view. Two rocks that were previously far apart will now be closely linked if they are the only two items that we have re-claimed on our map.

Mireya Martín Larumbe’s pieces function in the same way as this. She draws lines that link items on paper that may seem far apart, but which exist under the unifying layer of snow that is the blank sheet of paper and which is, when all’s said and done, the mask behind which each of us hide ourselves. Mireya’s lines get tangled up on the sheet of paper or the screen and are transformed into plants, animals, anatomical items… a great many symbolic references that are so open that each viewer provides them with a meaning of their own, by recognising in each piece a part of themselves that up to now remained masked. It is for this reason that it is difficult to remain indifferent when faced with one of Mireya’s pieces. We are amazed by the beauty of their lines and colours, by their dimensions, ranging from the tiny to the colos-sal, and by the subtlety in their transformations. However what we are fascinated by is how we recognise ourselves when we look at them, by the way that these drawings and animated pieces tend towards introspection. It is not unusual to discover yourself when you see one of the animated pieces that make up this exhibition and to realise that the piece has finished and started over again and again and that we are still watching it, unable to look away, and discovering new details each time. For these reasons, to answer the question that headed these words: “What does a line refer to?” we have to reply that in Mireya’s case the lines refer to each one of us contemplating ourselves.


these sentences qualify and comment on the images on display: “The autumn I have is the one that I’ve lost”; “I was no longer myself, I was someone else, and for this very reason, once again I was myself”, “I got lost for a few moments from feeling I was alive”; “I had turned into an in-terior”; “Feeling is an extravagant thought”

In the house taken over that we have mysteriously entered, light bathes the furniture and the piles of clothes in some rooms, whereas in others, we need to go in and fumble around in the dark, and perform a juggling act so we don’t bump into the corner of a table or trip over piles of books. We try not to fall over, but inevitably sometimes collisions occur: this is the darker, more sinister side of her sound landscapes, the side that refers to the unconscious. The dismembered body that reflects holistic self-healing and impulses; the hip, the head and the heart start to talk about fears… about the fragile nature of existence, about the passage of time, about how the artist negotiates between talking and keeping silent. A feeling that may combine Sylvia Plath’s inner suffering with Jonas Mekas’s evidence/nostalgia of capturing the mundane.

Despite the volatile nature of her pieces, there is a search for shapes and markings, cleansed of any kind of excess with a commitment to the specificity of autonomous drawing, devoid of any sensationalism. In the installation, “Yo me había convertido en un interior,” (I had turned into an interior) six hybrid pieces, that are somewhere between drawings and animation, dis-pense with audio in order to stress their nature as drawings. The image remains silent, with hints of Taoist-like inner meditation. It is as if it aimed to present something rather than to comment.

This interest for letting the images be a stream of consciousness that interact with visitors so they can make them their own becomes even more obvious in the installation “Sentir es un pensamiento extravagante”(feeling is an extravagant thought), where with references to experimental cinema and domestic footage, the viewer is engulfed in a whirlpool of screenings that are shown on various consecutive layers of tulle that you can walk about among. As the author herself explains: “the use of tulle as a screening surface, that retains the image while at the same time letting it pass through, acts as a veil that subtly modifies the way we see what remains behind this.” The audio for the piece also provides an uncomfortable kind of distur-bance that aims to shake the viewer out of their dream-like indifference and make them accept the present.

On the other hand, in her desire to present the here and now, she doesn’t bother to hide the es-capist tricks that reveal the features that make the installation possible. The most emblematic case of this decision is the installation, “Sin título,” (Untitled) where the animation stills, sket-ches and the bottles of pigments are neatly displayed. Compared to the collage of textures of animated images, here the desk is quite deliberately tidy as if this was an exhibitor of weapons or tools.

To finish, I can visualise the huge rolls of paper that the artist draws on, before starting the animation motor, and the recording drum on an unusual seismograph comes to mind… for earthquakes of the soul.

What cannot be talked aboutSusana Blas

“Every work of art needs to be understood not only as something rendered, but also as a certain handling of the ineffable. In the greatest art, one is always aware of things that cannot be said (rules of “decorum”), of the contradiction between expression and the pre-sence of the inexpressible. Stylistic devices are also techniques of avoidance. The most potent elements in a work of art are, often, its silence.” Susan Sontag

“I have the power to seduce anyone” Iris Murdoch

The first feeling I had when I went into Mireya Martín’s work in depth is the feeling of waking up in a house that I couldn’t remember having entered. Waking up one morning in someone else’s house and wandering aimlessly around rooms packed with personal things without fee-ling uncomfortable, and even recognising myself in certain items… in the personal disorder of someone else’s life: a feeling that quickly turns to attraction, vertigo and embarrassment.

Another recurring effect when I approach her work, particularly the animated pieces, is the sen-se of getting right inside the subject of a poem, or into the very heart of a song, and becoming shrouded in the depths of the music, by the whispers of a lyric that you can’t understand at first, and that you end up deciphering and making it up in your own way.

Mireya chooses drawing, video images and installations: Technologies and materials that pre-vent pieces from solidifying. She prefers fragility and suggestiveness to be the substance of her work. The line, the paper with its textures, and the moving image are ideal means of ensuring that neither her motivations nor the effects of her thought patterns are closed off.

At the same time, as occurs with other artists with a feminist commitment, this decision may also involve a political aspect, as abandoning the “major genres” (painting and sculpture) and favouring the fringes of artistic practice allows her to shake off the burden of a History of Art that women have been excluded from as authors. This preference for more fleeting hybrid media that blend drawing, animation and video, that expand in space, link her with the work of creative artists like Pipilotti Rist, Susi Jirkuff, or Shahzia Sikander to mention just a few of those who share her interest for personal narrative and music.

Mireya’s pieces have a special feel that makes them float in an ambiguous area somewhere between the inside and the outside. Inside and outside dreams, inside and outside thoughts, inside and outside desire: in this way she desists from imposing her own discoveries and narra-tives on the viewer, so that we are the ones who add a different perspective. Inside and outside the body; a body that is limitless, on the fringes, that is and yet isn’t animal, flower, bones, or internal organ. A kind of pantheism all of her own.

The artist’s animated work, that blends drawing and photography, colour and textures, alludes to nature, fragmentation and the memory of the body in its chain of transformations into ani-mals (such as the owl or snake) fruit and landscapes. However as a counterpoint to this delibe-rate iconographic disorder, the titles of the artist’s pieces are just another language item: ironic literary reference points that articulate what we first thought was ineffable, inenarrable. With hints of delightfully decadent headlines, of dialogue from cult films or philosophical quotes,


Agradecimientos:

Iker Andrés

Celia Martín Larumbe

Salvador Martín Cruz

Celia Larumbe

Marivi Pinilla

Javier Andrés

Susana Blas

Jordi Fortuny Esteban

Elisa Arteta

Leire Urbeltz

Araitz Urbeltz

Amaia Gracia

Iker Serrano

Iván Arriazu

Amaia Ramírez de Arellano

David Hornback

Alfredo Zubiaur

Olatz Vilariño

Juan Varela

Txente Arretxea

Jon Bilbao

Agurtzane Quincoces

Ana Canales

Pilar Valdivieso

Estibaliz Erauzkin

Juan Zapater

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el otoño que tengo es el que he perdido · “toda obra de arte necesita ser entendida no sólo...

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