dossier de apuntes y actividades para el alumno tema 7

Unidad 7. La música instrumental del Barroco 3º ESO

DOSSIER DE APUNTES Y ACTIVIDADES PARA EL ALUMNO UNIDAD 7. LA MÚSICA INSTRUMENTAL DEL BARROCO Profesora: Silvia Castelló Sánchez Curso: 3º ESO


o Contexto histórico: el periodo barroco

El Barroco es un periodo que abarca desde principios del siglo XVII hasta mediados del XVIII. Tradicionalmente, se delimita el Barroco musical entre 1600, fecha de la publicación de la primera ópera, y 1750, fecha de la muerte de JJ. S . Bach, el compositor más importante de este periodo. En las artes plásticas y en la arquitectura, el Barroco será un arte recargado, que buscará emocionar al espectador mediante la búsqueda de la tensión y el movimiento. Pretende ser un arte que exprese y transmita emociones. Fuertes contrastes de luces y sombras realzarán los efectos escenográficos de muchos cuadros, esculturas y obras arquitectónicas. Los escultores y pintores barrocos buscaron expresar los sentimientos interiores y las pasiones de sus personajes a través de la expresividad de sus rostros y del movimiento de sus cuerpos y ropajes.

Éxtasis de Santa Teresa, obra maestra de Bernini.

En la literatura, también surgirán importantes figuras como MMolière en Francia, o Cervantes y CCalderón en España. En la ciencia, asistimos en este periodo, al igual que en el renacimiento, a grandes avances con científicos como GGali leo , al que se considera fundador de la ciencia moderna, o Isaac NNewton.En la época barroca resurgen con fuerza dos poderes importantes: la Iglesia y la Monarquía. La Iglesia Católica buscará hacerse fuerte para combatir la Reforma de LLutero y, en Europa, surgirán poderosas naciones, como Francia, sustentadas en la figura del rey. El objetivo de la música barroca será, al igual que el resto de manifestaciones artísticas del arte barroco, la búsqueda de la emoción del oyente y, para ello, empleará sus propios recursos.

Imagen de la Galería de los Espejos en el Palacio de Versalles

.

Música al servicio del poder

Las grandes monarquías de este periodo creen importante rodearse de lujo, ya que lo consideraban un signo de prestigio y poder. LLuis XIV, rey de Francia, tendrá en su Palacio de Versalles una de las mejores orquestas de Europa. La Iglesia Católica también verá en la música un instrumento útil para acercar a los fieles a su doctrina.


La Orquesta Barroca

Origen del término:

Orquesta, es una palabra de origen griego que significa “lugar para danzar”; era el espacio donde, en el teatro, actuaban el coro y los instrumentistas. Cuando en la Italia del siglo XVII se inventaba la ópera creyendo recuperar el drama griego, se usa el mismo término, “orquesta” , para indicar el lugar en el que se colocaban los músicos. Inmediatamente el término se empleará para indicar a un conjunto de músicos que tocan juntos diversos instrumentos.

La orquesta barroca es aún pequeña en relación con la moderna, pero ya no se trata de una serie de instrumentos unidos al azar, sino de un grupo pensado, donde la cuerda será la espina dorsal de todo el conjunto. El modelo de orquesta barroca es el siguiente: o Familia de las cuerdas: compuesta por 5 violines primeros, 5 segundos, 4 violas, 5

violonchelos y 2 contrabajos o Familia de viento: formada por 2 flautas, 2 oboes, 2 fagotes y 2 trompetas o Familia de percusión: 2 timbales o Finalmente el bajo continuo realizado por el clavicémbalo, arpa u órgano.


Johann Sebastián Bach

(Alemania, 1685-1750)

Bach fue uno de los más grandes y productivos genios de la música europea. Organista y compositor alemán del periodo barroco, Bach nació el 21 de marzo de 1685 en Eisenach, Turingia, en el seno de una familia que durante siete generaciones dio origen, al menos, a 53 músicos de importancia, desde Veit Bach hasta Wilhelm Friedrich Ernst Bach. Johann Sebastian recibió susprimeras lecciones musicales de su padre, Johann Ambrosius, que era músico de la ciudad. A la muerte de su padre, se fue a vivir y estudiar con su herman omayor, Johann Christoph, por entonces organista de Ohrdruff. En 1700 Bach comenzó a ganarse la vida como miembro del coro de la iglesia de San Miguel, en Lunneburg. En 1703 pasó a ser violinista de la orquesta de cámara del príncipe Johann Ernst de Weimar, pero más tarde, ese mismo año, se fue a Arnstadt, donde se convirtió en organista de iglesia. En octubre de 1705 Bach consiguió un mes de permiso para estudiar con Dietrich Buxtehude, renombrado organista y compositor danés, aunque afincado en Alemania, quien por entonces se encontraba en Lubbeck y cuya música influyó enormemente en Bach. Esta visita le gustó tanto que prolongó su estancia un mes más de lo acordado, lo que levantó críticas por parte de las autoridades eclesiásticas, que además se quejaban de las extravagantes florituras y armonías con las que acompañaba a la congregación en sus cantos religiosos. A pesar de todo, su arte ya era demasiado respetado como para que estas críticas pudieran desembocar en su despido. Bach fue nombrado organista en Arnstadt (1704-1707) para ser luego destinado a Mulhausen donde contrajo matrimonio con su prima María Bárbara Bach. En 1708 se convirtió en organista de la corte de Weimar y allí escribiría la mayor parte de sus obras para órgano. Allí permaneció durante los siete años siguientes, y se convirtió en concertino de la orquesta de la corte en 1714. En Weimar compuso unas 30 cantatas, incluida la conocida cantata de funeral Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit (El tiempo de Dios es el mejor), y también compuso obras para órgano y clavicémbalo. Comenzó a viajar por Alemania como virtuoso del órgano y como asesor de organeros. En 1717 Bach comenzó en un nuevo trabajo, que duró seis años, como maestro de capilla y director de música de cámara en la corte del príncipe Leopoldo de Anhalt-Köthen. Durante este periodo escribió fundamentalmente música profana para conjuntos instrumentales e instrumentos solistas. También compuso libros de música para su mujer e hijos, con el objeto de enseñarles la técnica del teclado y el arte de la música en general. Estos libros incluyen el Clave bien temperado, las Invenciones y el Pequeño libro de órgano. Un año después de que su primera mujer muriera en 1720, Bach se casó con Ana Magdalena Wilcken, cantante e hija de un músico de la corte que le dio trece hijos, además de los siete que había tenido con su anterior mujer, y lo


ayudó en la labor de copiar las partituras de sus obras para los músicos que debían interpretarlas.

En 1723 Bach se trasladó a Leipzig y allí permaneció el resto de sus días. Su cargo de director musical y jefe de coro en la iglesia de Santo Tomás y en la escuela eclesiástica de Leipzig no le satisfacía por diversas razones: tenía disputas continuas con los miembros del consejo municipal, y ni ellos ni el pueblo apreciaban su talento que se aferraba a formas obsoletas de música. A pesar de ello, las 202 cantatas que nos han quedado de las 295 que compuso en Leipzig todavía se siguen escuchando, mientras que música que entonces parecía novedosa ha quedado en el olvido. La mayoría de las cantatas se inician con una sección de coro y orquesta, a ella sigue una alternancia de recitativos y arias para voces solistas y acompañamiento, y concluyen con un coral basado en un simple himno luterano La música está siempre muy ligada al texto, y lo ennoblece con su expresividad e intensidad espiritual. Entre estas obras destacan la Cantata de la Ascensión y el Oratorio de Navidad, formado este último por seis cantatas. Las Pasiones según San Juan y según San Mateo también están escritas durante el periodo de su estancia en Leipzig, al igual que su magnífica Misa en si menor. Entre las obras para teclado compuestas durante este periodo destacan las famosas Variaciones Goldberg, el segundo libro del Clave bien temperado y el Arte de la fuga, magnífica demostración de su conocimiento contrapuntístico, formada por 16 fugas y cuatro cánones, todos sustentados en el mismo tema. Tras sufrir varios años de ceguera, Bach moriría en Leipzig a los 65 años.


George Friedrich Haendel

(Alemania, 1685-1759)

Compositor alemán, aunque nacionalizado británico. Fue uno de los más grandes compositores de la última etapa barroca. Nació el 24 de febrero de1685 en Halle, Alemania, en el seno de una familia sin tradición musical. No obstante, su talento se manifestó de tal manera que, antes de cumplir los diez años, comenzó a recibir, de un organista local, las únicas clases a las que asistió en toda su vida. Aunque su primer trabajo, a los 17 años, fue como organista de iglesia en Halle, sus gustos musicales no correspondían con ese cargo. En 1703 se trasladó a Hamburgo, el centro operístico de Alemania por ,que obtuvo gran éxito al año siguiente. Poco más tarde, insistiendo en su deseo de conseguir prestigio como compositor de ópera, marchó a Italia. Su primera parada fue en Florencia y en la primavera de 1707 viajó a Roma, donde disfrutó del mecenazgo tanto de lanobleza como del clero. En Italia compuso óperas, oratorios y pequeñas cantatas profanas. Su estancia en Italia finalizó con el éxito de su quinta ópera, Agrippina (1709), estrenada en Venecia.

Haendel abandonó Italia y comenzó a trabajar como compositor y director de orquesta de la corte en Hannover, Alemania, a donde llegó en 1710. Pero, al igual que ocurrió con su estancia en Halle, no permaneció en este puesto durante mucho tiempo y a finales de ese mismo año marchó a Londres, donde estrenó Rinaldo (1711) con un nuevo triunfo. Tras regresar a Hannover le concedieron un permiso para viajar a Londres por un corto periodo de tiempo, aunque esta vez se quedó en la capital británica. En 1714, el elector de Hannover fue nombrado rey con el nombre de Jorge I de Inglaterra. Después de algunos problemas con Haendel, volvieron a reconciliarse, le dobló la cantidad de la pensión y fue nombrado tutor de los hijos del rey. Bajo el mecenazgo del duque de Chandos, compuso su oratorio Esther y las 11 Anthems Chandos para coro, solistas y orquesta (1717-1720).

En 1719 el rey le concedió una subvención para fundar la Royal Academy of Music (centro del que fue presidente), destinada a los espectáculos operísticos. Allí se estrenaron algunas de sus grandes óperas: Radamisto (1720), Giulio Cesare (1724), Tamerlano (1724) y Rodelinda (1725). En 1727 Haendel obtuvo la nacionalidad británica. El año 1728 la Royal Academy se derrumbó; no obstante, al año siguiente fundó una nueva compañía. En 1734 se vio forzado a trasladarse a un nuevo teatro por las presiones de la Opera of the Nobility compañía rival, y continuó componiendo ópera hasta 1737, año en que las dos empresas dejaron de funcionar. En 1737, un ataque de parálisis le obligó a permanecer una temporada inactivo y se retiró a Aquisgrán. En 1738 retomó la composición operística y en 1741 compuso su última


ópera, Deidamia. Durante los años treinta se consagró, en primer lugar, a la composición de oratorios dramáticos en inglés, como Athalia (1733) y Saúl (1739), y en segundo lugar, a obras instrumentales interpretadas junto a los oratorios, entre las que se encuentran algunos de sus más importantes conciertos: los conciertos para solistas del opus 4 (1736, cinco para órgano y uno para arpa), y los 12 Concerti grossi opus 6 (1739). En 1742 estrenó en Dublín el oratorio El Mesías, su obra más famosa. Hasta 1751 continuó componiendo oratorios, entre los que se incluyen obras maestras como Sansón (1743) y Salomón (1749); fue entonces cuando su vista comenzó a fallar. Murió en Londres el 14 de abril de 1759; la última representación musical que escuchó fue El Mesías, el 6 de abril de ese mismo año.

Haendel evitó las rigurosas técnicas contrapuntísticas de su compatriota ycontemporáneo Johann Sebastian Bach y basó su música en estructuras sencillas, de acuerdo con sus creencias estilísticas. No obstante, la obra de ambos compositores refleja la época en que vivieron. Tras ellos, la ópera tomó un camino diferente y los géneros favoritos del barroco, como la sonata para trío y el concerto grosso, se abandonaron durante mucho tiempo. El desarrollo de la orquesta sinfónica y del pianoforte permitió investigar materias que se habían descartado en el periodo barroco. A pesar de todo, la influencia de ambos compositores no descansa en ejemplos específicos. El legado de Haendel se basa en la fuerza dramática y la belleza lírica de su música. Sus óperas abarcan desde los esquemas rígidos y convencionales hasta un tratamiento más flexible y dramático de los recitativos, ariosos, arias y coros. Su habilidad para construir grandes escenas en torno a un sólo personaje la desarrollaron compositores como Wolfgang Amadeus Mozart y el italiano Gioacchino Rossini en sus escenas dramáticas. La herencia más importante de Haendel es, sin duda, la creación del oratorio dramático, alejado de las tradiciones operísticas existentes y llevado a término por su imaginación creativa. Los oratorios del austriaco Josef Haydn y del alemán Felix Mendelssohn están influidos en gran medida por los de Haendel. Fue uno de los primeros compositores de quien se escribió una biografía (1760), que tuvo celebraciones por el centenario de su nacimiento y cuya música se publicó en su totalidad (cuarenta volúmenes, 1787-1797). Ludwig van Beethoven alabó estas publicaciones. A pesar de que hoy día, al igual que durante el siglo XIX, se conoce a Haendel por obras como El Mesías y Música acuática, cada vez más se intenta mostrar el resto de sus composiciones, especialmente las óperas. Su genio musical merece ser recordado en toda su amplitud.


Antonio Vivaldi

(Venecia, 1678 - Viena, 1741)

Compositor y violinista italiano. Igor Stravinski comentó en una ocasión que Vivaldi no había escrito nunca quinientos conciertos, sino «quinientas veces el mismo concierto». No deja de ser cierto en lo que concierne al original e inconfundible tono que el compositor veneciano supo imprimir a su música y que la hace rápidamente reconocible.

Autor prolífico, la producción de Vivaldi abarca no sólo el género concertante, sino también abundante música de cámara, vocal y operística. Célebre sobre todo por sus cuatro conciertos para violín y orquesta reunidos bajo el título Las cuatro estaciones, cuya fama ha eclipsado otras de sus obras igualmente valiosas, si no más, Vivaldi es por derecho propio uno de los más grandes compositores del período barroco, impulsor de la llamada Escuela veneciana –a la que también pertenecieron Tommaso Albinoni y los hermanos Benedetto y Alessandro Marcello– y equiparable, por la calidad y originalidad de su aportación, a sus contemporáneos Bach y Haendel.

Poco se sabe de su infancia de Vivaldi. Hijo del violinista Giovanni Battista Vivaldi, el pequeño Antonio se inició en el mundo de la música probablemente de la mano de su padre. Orientado hacia la carrera eclesiástica, fue ordenado sacerdote en 1703, aunque sólo un año más tarde se vio obligado a renunciar a celebrar misa a consecuencia de una enfermedad bronquial, posiblemente asma.

También en 1703 ingresó como profesor de violín en el Pio Ospedale della Pietà, una institución destinada a formar muchachas huérfanas. Ligado durante largos años a ella, muchas de sus composiciones fueron interpretadas por primera vez por su orquesta femenina. En este marco vieron la luz sus primeras obras, como las Suonate da camera Op. 1, publicadas en 1705, y los doce conciertos que conforman la colección L’estro armonico Op. 3, publicada en Amsterdam en 1711.

Con ellas, Antonio Vivaldi alcanzó renombre en poco tiempo en todo el territorio italiano, desde donde su nombradía se extendió al resto del continente europeo, y no sólo como compositor, sino también, y no en menor medida, como violinista, uno de los más grandes de su tiempo. Basta con observar las dificultades de las partes solistas de sus conciertos o sus sonatas de cámara para advertir el nivel técnico del músico en


este campo.

Conocido y solicitado, la ópera, el único género que garantizaba grandes beneficios a los compositores de la época, atrajo también la atención de Vivaldi, a pesar de que su condición de eclesiástico en principio le impedía abordar un espectáculo considerado en exceso mundano y poco edificante. De hecho, sus superiores siempre recriminaron a Vivaldi su escasa dedicación al culto y sus costumbres laxas.


FORMAS MUSICALES INSTRUMENTALES BARROCAS

Las formas instrumentales barrocas más importantes son el concierto solista,

el concerto grosso y la suite de danzas (mayores) y la tocata, preludio y

fuga (menores)

El Concierto

Esta palabra tiene su origen en el término italiano concertare , que se

podría traducir con rivalizar, competir. Esto tiene sentido, ya que este género

instrumental se basa en cierta “rivalidad” entre diferentes grupos de

instrumentos. En el Barroco hubo dos variantes de este género:

Concierto grosso: la rivalidad o diálogo musical se establece entre

un pequeño grupo de instrumentos, llamado concertino , y el resto

de la orquesta o tutti. Suele constar de tres movimientos

contrapuestos:

Desde otro punto de vista, está integrado por el ritornello (retornar:

volver), que es la música que toca el tutti y que se repite, y el solo,

que es el material nuevo que toca el concertino:

Destacaron como autores en este género Corelli y Haendel. El concierto

grosso desaparecerá a finales del Barroco, porque se impondrá el

concierto solista.

1º Allegro 2º Lento 3º Allegro

R

RitornelloS

solo R

Ritornello S’

Solo R

Ritornello


1.Actividad .Audición de ejemplo :

En clase, escucha y sigue la partitura del Concierto de Branderburgo nº 2 en Fa M de J.S

Bach

Obra: Concierto de Branderburgo nº 2 en Fa Mayor

Autor: Johann Sebastián Bach

Objetivo: Comprensión del Concerto grosso

Forma: Concerto grosso

Género: Música Instrumental

Observa:

a) en el inicio, el ritornello, con sus cuatro partes ABCD. b) Escucha cómo cada una de esas partes se repite de manera constante c) La existencia de dos bloques: viento y cuerda, que conforman dos grupos: el concertino-solo: trompeta, flauta, oboe y violín; y grosso: cuerda y bajo continuo. d) los contrastes entre solos y tutti. e) el movimiento mecánico del Barroco f) después del ritornello, cómo cada instrumento solista va exponiendo un tema nuevo.


Concierto solista: se establece un diálogo entre un solo instrumento ( a

veces dos) y la orquesta. En él, un solista se en enfrenta a toda la

orquesta. En este concierto, la parte solista suele hacer gala de un gran

virtuosismo instrumental. Poco a poco la forma concierto crece y se hace

más sofisticada. El concierto solista ha sido muy cultivado por todos los

grandes compositores como Vivaldi o Bach y casi todos los

instrumentos tienen escritos algún concierto para ese instrumento y

orquesta.

Se estructura en tres partes o movimientos que contrastarán en el

tempo:

ACTIVIDAD

2. Escucha un fragmento de cada uno de los tres movimientos del

Concierto para oboe Op.2 en re m, de AIbinoni y después interpreta

2º Lento 1º Rápido 3º Rápido


un movimiento de un concierto para f lauta dulce perteneciente a

Vivaldi. Se trata de una pieza llamada ¡Viva Vivaldi!. En tu cd

tienes la música que acompañará tu solo. A continuación t ienes la

partitura a interpretar:


Suite: La suite está compuesta por una serie de danzas o

movimientos de danza de distinto carácter y ritmo, con lo que se

consigue dar el sentido dramático de “contraposición” típico del

Barroco Durante el siglo XVII adquiere una gran importancia y tanto

en Italia como en Francia, Alemania e Inglaterra se cultiva

enormemente. Posteriormente en Francia, con Couperin también

alcanza gran esplendor. El número de piezas de que puede estar

compuesta es muy variable.

3. Actividad:

Escucha la Suite nº 2 en si menor BWV 1067 de Johann Sebastian

Bach y realiza las siguientes actividades:

3.1. Completa el siguiente cuadro

NOMBRE DE LA DANZA TEMPO RITMO

Obertura

Rondó

Zarabanda

Bourré

Polonesa

Minueto

Badinerie


3.2. Averigua la forma del Rondó

3.3. Averigua la forma de la Bourré y realiza un musicograma

3.4. Indica cuál es la textura de la Zarabanda

3.5. Realiza un comentario valorativo de la obra

Tocata :La tocata es una forma musical libre de carácter variable y

pensada para ser ejecutada por un instrumento de teclado. Nació en

Italia, hacia el final del S.XVI. Consta de varios movimientos, tanto

lentos como rápidos y es de mucho virtuosismo

Se confunde a veces con el Preludio, pues se utilizaba muchas veces como

introducción a la Fuga.

Preludio : pieza instrumental que precede a una obra más extensa o

a un grupo de piezas. En su origen, los preludios consistían en las

improvisaciones que realizaban los instrumentistas para comprobar

la afinación de sus instrumentos y las que realizaban los organistas

para establecer la altura y el modo de la música que iba a cantarse

durante la liturgia.

Fuga: es la manifestación técnica y artística más madura y libre

de la escritura contrapuntística. Es imposible encasillar todas

las fugas escritas bajo un solo patrón uniforme. Cada una

difiere en uno u otro detalle estructural de las demás, aunque

se pueden incluir en dos grandes grupos: la fuga libre y la

fuga de escuela o escolástica. Es en esta última donde la

estructura es fija e imperturbable y sigue unos patrones

estructurales, formales y de modulación preestablecidos.

Las fugas generalmente tienen tres o cuatro partes, es

decir, voces melódicas; pero existen composiciones

orquestales de hasta ocho o diez voces. Son raras las fugas de

dos partes, donde el tema sólo puede ir de la voz superior a la

inferior. Un ejemplo de fuga a dos partes es la Fuga en Mi

menor del primer libro de El clave bien temperado de Johann


Sebastian Bach.

En la fuga, una breve frase musical llamada sujeto se superpone y

alterna con otra frase llamada contrasujeto.

ESTRUCTURA DE LA FUGA

Desde el punto de vista de la estructura, las fugas tienen

varias partes. La primera y más importante es la exposición, que

ocurre al comienzo de la fuga y consiste en la aparición del sujeto

o tema principal que será repetido por cada una de las voces,

aunque siempre. En algún punto después de que la primera voz ha

comenzado -cuando ya ha expuesto el sujeto en su totalidad-, la

segunda voz reproduce el tema, generalmente transpuesta a la

quinta superior (o cuarta inferior) del original; esto es, si el sujeto

está en Do, la respuesta cambiará de tono a Sol. El proceso se

repite hasta que todas las voces hayan introducido el sujeto o la

respuesta, en el caso de las fugas escolásticas. En la fuga libre

no es necesario que todas las voces expongan el tema.

Después llega una etapa libre en la que el compositor

introduce el sujeto ya sea en su estado original o modificado

mediante diferentes mecanismos como la aumentación (aumentar

la duración rítmica del sujeto), la disminución (disminuir la duración

rítmica del sujeto), la inversión (invertir los intervalos que

componen el sujeto), etc. Estas introducciones están separadas

por secciones libres llamadas episodios o divertimenti. Los

episodios consisten en modulaciones que permiten la entrada de

los sujetos. Muchas fugas tienen un mecanismo contrapuntístico

llamado stretto (estrecho), que consiste en exponer solapado, pero

a cierta distancia, el sujeto, la respuesta o el/los contrasujeto/s en

las distintas voces.

FORMA DE LA FUGA

Con relación a su forma esencial, la fuga esta integrada por

tres secciones: exposición, sección o secciones medias, sección

final y final:

- La exposición es la primera parte de la fuga donde el tema se


expone una o más veces en cada una de las voces que

intervienen.

- La sección media sigue a la exposición y en ella se introducen uno o

más episodios de gran riqueza modulatoria: tonalidad relativa,

subdominante o dominante. Es frecuente el uso de pausas o

silencios de larga duración en esta segunda sección, con el

propósito de que cuando aparezca nuevamente el tema, adquiera

más interés.

- La sección final generalmente empieza cuando el sujeto vuelve a la

tonalidad inicial de la fuga y de aquí a la culminación de la obra.

- El final de una fuga suele consistir en varios compases añadidos a la

estructura principal, concluyendo así la obra con un adorno. Esta

conclusión es la coda.

4. Actividad:

A continuación, tienes la partitura de la Fuga en Fa #Mayor de “El

clave bien temperado” de J.S. Bach. Escucha al mismo tiempo

dicha fuga y realiza un análisis en la partitura donde aparezcan

todos los aspectos de la fuga del apartado anterior: sujeto,

contrasujeto, división en secciones, etc.

dossier de apuntes y actividades para el alumno tema 7

Documents