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CaixaForum Barcelona

Del 20 de julio al 21 de octubre de 2018

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La exposición reúne veinte trabajos, con instalaciones como Mother’s Day de Smadar Dreyfus o The Raft de Bill Viola, que agitan el espectador y aportan miradas diversas sobre las contradicciones de la sociedad contemporánea.

Toda turbulencia provoca, sacude e inquieta. Es un movimiento brusco que despierta nuestra conciencia y agudiza nuestros sentidos ante todo lo que nos rodea. Esto es lo que sucede con las obras que forman la nueva propuesta que presenta CaixaForum Barcelona. En Turbulencias, los artistas lanzan una mirada crítica sobre el mundo en que vivimos e indagan en los conflictos para lograr distinguir las luces de sus sombras. Comisariada por Nimfa Bisbe, jefa de las colecciones de arte de "la Caixa", la muestra presenta un total de veinte obras, con numerosos trabajos que han entrado a formado parte de la Colección en los últimos años. De hecho, la mitad de las obras incluidas enTurbulencias no se habían podido nunca ver antes en Barcelona. Los artistas incluidos son: Equipo Crónica, Walter Dahn, José Damasceno, Smadar Dreyfus, Dionís Escorsa, Nir Evron, Harun Farocki, Pedro G. Romero, Ana Garcia-Pineda, Thomas Hirschhorn, Anselm Kiefer, Guillermo Kuitca, Antoni Muntadas, Paulo Nazareth, Damián Ortega, Walid Raad, Sophie Ristelhueber, Juan Ugalde y Bill Viola.

Turbulencias Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo. Organización y producción: Obra Social ”la Caixa”. Comisariado: Nimfa Bisbe, jefa de las colecciones de arte de ”la Caixa”. Fechas: del 20 de julio al 21 de octubre de 2018. Lugar: CaixaForum Barcelona (av. de Francesc Ferrer i Guardia, 6-8).

@FundlaCaixa @CaixaForum #TurbulenciasCaixaForum

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Barcelona, 19 de julio de 2018. La jefa de las colecciones de arte de ”la Caixa”, Nimfa Bisbe, acompañada del director de CaixaForum Barcelona, Valentí Farrás, han presentado esta mañana en CaixaForum Barcelona la exposición Turbulencias. Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo. A la presentación también han asistido algunos de los artistas incluidos en la muestra: Smadar Dreyfus, Ana Garcia-Pineda y Dionís Escorsa, así como la esposa de Bill Viola, Kira Perov.

La exposición, organizada y producida por la Obra Social ”la Caixa”, se enmarca en la voluntad histórica de la entidad de contribuir a incrementar la capacidad de generar conocimiento y sensibilidad hacia el arte más actual. Dar a conocer la creación contemporánea rompiendo las barreras que a menudo la separan del público es uno de los objetivos de la Obra Social ”la Caixa” en el ámbito cultural. La herramienta para poder hacerlo es la Colección "la Caixa" de Arte Contemporáneo. Formada actualmente por más de un millar de obras, en sus fondos hay trabajos de los artistas más importantes de los últimos treinta años. En este tiempo, la Fundación Bancaria "la Caixa" ha reunido un fondo de arte internacional que trata de promover la crítica y el debate, y que pretende provocar una reflexión más activa acerca del mundo que hemos construido y en el que convivimos. La Colección es hoy un punto de referencia artístico, tal y como lo demuestra tanto el préstamo constante de algunas de sus obras para ser exhibidas en todo el mundo como la organización de numerosas exposiciones en los centros CaixaForum y muestras itinerantes en España, Europa y el resto del mundo. La nueva exposición Turbulencias incide en una de las líneas más definitorias y diferenciadoras de la Colección "la Caixa" en el entorno del compromiso social del arte. Los artistas seleccionados proceden de lugares, generaciones, experiencias y maneras de hacer muy dispares, pero coinciden en su conciencia crítica hacia el mundo que nos rodea. Aunque Turbulencias reúne obras de los últimos cincuenta años, la muestra quiere hacer hincapié en trabajos recientes o que nunca se habían exhibido en Barcelona, junto a otras obras antiguas y bien conocidas —Equipo Crónica, Anselm Kiefer— que, en el contexto de la muestra, dan pie a nuevas interpretaciones.

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Incluye un total de veinte obras, con instalaciones de gran tamaño, como Mother’s Day de Smadar Dreyfus, que ocupa un espacio central en la sala y se expone por primera vez tras su adquisición para la Colección "la Caixa". A su lado, se presentan las obras de cuatro artistas también por primera vez: Dionís Escorsa, Harun Farocki, Ana Garcia-Pineda y Antoni Muntadas. Las acompañan otros trabajos de la Colección que tampoco se habían expuesto antes en Barcelona. Es el caso de las obras de José Damasceno, Paulo Nazareth o Walid Raad. La muestra finaliza con la única obra que no pertenece a la Colección, el vídeo The Raft, de Bill Viola (que tampoco se ha expuesto nunca en la ciudad), una poderosa y actual «imagen de destrucción y supervivencia» —según palabras del propio artista— pero que también transmite un mensaje final de solidaridad en los momentos más críticos. Junto con estas obras que hasta ahora no se habían exhibido en Barcelona, a Turbulencias se han añadido algunos trabajos anteriores, ya conocidos, pero que, a la vista del momento actual y en concomitancia con las incorporaciones más recientes, permiten ser reinterpretados desde una nueva perspectiva. Efectivamente, el contexto de esta exposición, que muestra la mirada comprometida del arte sobre el mundo actual, va más allá de los significados originales de estas obras. La exposición, comisariada por Nimfa Bisbe, se pudo ver el año pasado en Lisboa en el marco del programa Lisboa, Capital Iberoamericana de Cultura 2017, pero lo hace con una selección de obras renovada y especialmente elegida para ser exhibida únicamente a CaixaForum Barcelona. Obras de arte que actúan como detonantes

Muchos artistas se han preguntado, y a estas alturas aún lo hacen, de qué es capaz el arte. Para ello, dan forma a sus observaciones, intereses y especulaciones con una gran capacidad de producir algún tipo de conciencia crítica. Se desprenden de los prejuicios y trascienden los límites tradicionales del arte con el fin de adentrarse en la realidad social y cultural y ofrecer puntos de vista que resultan provocadores o, cuando menos, sorprendentes. No pueden cambiar lo que les desagrada de nuestro mundo, pero sus obras sí pueden actuar como detonantes capaces de abrirnos los ojos, como una turbulencia.

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El desarrollo crítico de la representación de la realidad por parte del arte en las últimas décadas ha llevado, por ejemplo, a cuestionar la iconografía tradicional bélica y a especular sobre la visualización de la violencia (Walid Raad). Sin embargo, el «juego de la guerra» se encuentra en los orígenes de nuestra cultura visual y su formalización experimenta una evolución infinita. Si el ajedrez es la abstracción máxima del enfrentamiento y del control del terreno (José Damasceno), las nuevas tecnologías han transformado la guerra en realidad virtual. Los programas de animación y los videojuegos utilizados para entrenar a las tropas o como tratamiento terapéutico de los soldados han convertido la terrible violencia de una batalla en imágenes de ficción. Los combates simulados por ordenador reducen la angustia y la ansiedad que produce cualquier tipo de destrucción, hasta llegar a la indiferencia (Harun Farocki). Precisamente, en un texto sobre la obra de Farocki, el ensayista francés Georges Didi-Huberman se preguntaba: «¿Por qué, de qué modo y cómo es que la producción de imágenes participa en la destrucción de los seres humanos?». En medio de la reverberación de estas imágenes, se alza la instalación Mother’s Day, que concentra el impacto emocional en el sonido de la voz. Creada como un ambiente sonoro, la imagen actúa como pausas de silencio, y la oscuridad ejerce de aislante para unas palabras que expresan el conflicto de una separación impuesta. Estas voces son las de una población que vive dividida por una frontera, con una identidad despreciada y una nacionalidad no reconocida. La artista Smadar Dreyfus no comenta el conflicto, intenta que la realidad de esta comunidad penetre en el interior de la conciencia del espectador a través de la intimidad de la escucha. En otra pantalla, otra artista (Ana Garcia-Pineda) nos habla de la vida de las palabras. Las suyas dibujan la memoria de un exilio forzado y crean un relato biográfico que forma parte de nuestra historia colectiva. Los artistas son testigos de su tiempo y la historia del arte es, también, la de sus observaciones y disidencias ante aspectos diversos de nuestro mundo. Hay artistas que advierten con ironía acerca de la vulnerabilidad de la economía global actual (Damián Ortega), que señalan el desgaste de los ideales nacionalistas (Paulo Nazareth) o que dibujan el sufrimiento y la soledad en las ciudades (Guillermo Kuitca). En otro caso, y ante la necesidad de un cambio social y político urgente, uno de los artistas presenta una propuesta con un objetivo que, a pesar de querer provocar una posición reflexiva y crítica, podría, incluso, llegar a ofrecer soluciones (Antoni Muntadas). A pesar de las sombras que proyectan estas obras, los artistas

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muestran una mirada fraternal cuando revelan la fragilidad que se esconde detrás de la marginación (Juan Ugalde), cuando apuntan la solidaridad que permite superar las turbulencias de nuestro mundo (Bill Viola) o, incluso, cuando revelan el poder redentor de la metáfora artística (Anselm Kiefer). La exposición también incluye una revisión y mirada irónica a obras maestras. Es el caso, por ejemplo, de Equipo Crónica y de la revisitación del Guernica —con motivo de los intentos de recuperación del emblemático cuadro de Picasso por parte del Gobierno de Franco—, que renueva la vigencia de aquellas imágenes sobre la intolerancia y la brutalidad humanas en el entorno social actual. Hoy en día, los artistas siguen reciclando y dando nuevos significados a obras sobre los desastres de la guerra que han sido inmortalizadas por la historia (Thomas Hirschhorn). Y a la vez crean otras nuevas, inscritas en la memoria, tanto sobre las huellas o cicatrices de sitios devastados por la violencia armada (Sophie Ristelhueber), como sobre las estructuras de poder que, tras la derrota en una batalla, quedan abandonadas y se convierten en tierra de nadie (Nir Evron). Algunos autores se introducen en estas historias revelando imágenes de experiencias traumáticas y, mediante la combinación de lo real con lo onírico, hacen revivir las escenas que se esconden en lo más profundo de la memoria colectiva (Dionís Escorsa).

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OBRAS INCLUIDAS EN LA EXPOSICIÓN Equipo Crónica Rafael Solbes (Valencia, 1940-1981) y Manolo Valdés (Valencia, 1942) El embalaje, 1969 Acrílico sobre tela, 120,5 × 119,5 cm

Esta obra pertenece a la serie Guernica 69, que los artistas del Equipo Crónica llevaron a cabo como comentario a los intentos del Gobierno de Franco para recuperar el emblemático cuadro de Picasso para el Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid, en 1969. El embalaje alude al imaginario traslado del cuadro y muestra un fragmento muy significativo (aunque girado) a través del papel rasgado de la esquina superior: el caballo enloquecido y las dos luces que, así aisladas, pueden entenderse como símbolos de la razón sobre la barbarie.

Aquelarre, 1969 Acrílico sobre masonita, 69 × 69 cm Las irónicas relecturas de las obras de grandes pintores españoles como Goya o Picasso por parte del Equipo Crónica redoblan su vigencia en el contexto social actual. En esta pintura, se reconocen elementos iconográficos de obras diferentes de los dos geniales artistas. Primero de Goya, a través del grupo de personas aterradas, una pequeña multitud informe de caras fantasmagóricas, salpicada de forma gráfica por tres claveles rojos y un brazalete con la bandera de España. Y en la parte superior, de Picasso, que, a partir de la dramática bombilla-ojo del Guernica (1937), parece querer iluminar la miseria y la intolerancia humanas.

Walter Dahn (Tönisvorst, Alemania, 1954)

Jerk of the Month [El idiota del mes], 1987 Acrílico sobre tela, 300 × 200 cm Jerk of the Month invita a reflexionar acerca de ciertas convenciones sociales y sobre el empeño de multinacionales y revistas para nombrar al «empleado/empleada del mes». A modo de logotipo y mediante un trazo simple, la imagen reproduce una bola del mundo en que aparecen Europa, América y África,

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mientras un personaje con una máscara trepa por lo que podría ser una escalera. El artista podría estar aludiendo a los intereses económicos de los grandes poderes en la perpetuación de las desigualdades sociales. José Damasceno (Río de Janeiro, 1968) Primeiro motin [Primer motín], 1998-2008 Madera (2304 piezas de ajedrez). Instalación: 360 × 600 cm Damasceno trabaja con una gran variedad de materiales, técnicas y medios, produciendo dislocamientos y reflexiones en sus instalaciones, siempre realizadas con objetos dispuestos de forma intrigante. Esta obra se compone de miles de peones de ajedrez tallados en madera y situados en la pared de la sala a modo asedio, una revolución o manifestación pública. El trabajo de este artista se caracteriza por crear relaciones entre el espacio y el espectador, con un gran sentido del humor pero también con matices políticos incisivos. Smadar Dreyfus (Tel Aviv, 1963)

Mother’s Day [El Día de la Madre], 2006-2008 Videoinstalación con sonido multicanal. Tres canales de vídeo HD, seis canales de audio para sonido ambiente, estructura diseñada especialmente. 15 min (pases consecutivos en tres idiomas: catalán, castellano e inglés)

La voz, con la que trabaja el artista, separa y une, modula y moldea el paisaje. En 2006, se topó con una escena inesperada en la llamada Colina de los Gritos, situada en la zona ocupada de los Altos del Golán. Era el Día de la Madre, y la población local drusa de origen sirio celebraba la festividad traspasando con la voz la frontera que divide la comunidad y que impide la comunicación. El diálogo entre madres sirias por un lado (el israelí) y sus hijos e hijas del otro (el sirio), expresaba a gritos su amor y su desesperación. Se contaban las intimidades o los acontecimientos que habían tenido lugar en sus vidas, los nacimientos o las muertes, todo ello en el espacio público y bajo vigilancia militar. Allá, en un valle marcado por la línea de alto el fuego de 1967, una parte de la población drusa quedó confinada en territorio israelí, sin una nacionalidad definida y reconocida. Un sorprendente acuerdo político de cooperación había permitido a los jóvenes, de forma excepcional, traspasar la frontera para estudiar en Damasco. El escenario audiovisual creado por Dreyfus introduce al espectador en la geografía del conflicto político de la frontera, mediante la división entre el silencio de lo visual y la emoción del sonido, de las voces que llaman la escisión de una comunidad.

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Dionís Escorsa (Tortosa, 1970) Y, 2012 Película en blanco y negro con sonido / 93 min Premiado en el festival internacional Kino der Kunst de Múnich, este es el primer largometraje de ficción de Escorsa. Se montó de manera orgánica, sin producción ni guión, a lo largo de cuatro años y durante varios viajes a los Balcanes. La trama parte de dos arquetipos que aparecen en cualquier conflicto bélico: el agresor (un veterano de guerra) y la víctima (la chica violada que da a luz). Sus pesadillas respectivas aluden, mediante una simbología onírica, a las secuelas psicológicas aún latentes entre los habitantes de la antigua Yugoslavia, a la vez que nos remiten a su despertar postraumático. Nir Evron (Herzliya, Israel, 1974) A Free Moment [Un momento libre], 2011 Película de 35 mm, en blanco y negro, transferida a HDCAM / 4 min 10 s

A Free Moment es la filmación de un lugar y de las diferentes capas de historia que se han acumulado con el paso del tiempo. El movimiento de cámara nos remite al estructuralismo cinematográfico y a la crítica sociopolítica. La pieza se filmó en el palacio real de Tell el-Ful, una estructura inacabada y abandonada que comenzó a erigirse en 1966, como residencia de verano

del rey Hussein de Jordania. La colina donde se encuentra, en la zona de Jerusalén este, fue ocupada por las fuerzas israelíes durante la guerra de los Seis Días (1967), por lo que la construcción del palacio se interrumpió. El recorrido de la cámara nos remite al pasado de manera simbólica. Harun Farocki

(Nový Jičín, República Checa, 1944 – Berlín, Alemania, 2014)

Serious Games [Juegos serios], 2009-2010 4 instalaciones de vídeo en color con sonido 1. Watson is Down [Watson es abatido], 2010, instalación de dos canales, 8 min 2. Three Dead [Tres muertos], 2010, instalación de vídeo de un canal, 8 min 3. Immersion [Inmersión], 2009, instalación de dos canales, 20 min 4. A Sun with no Shadow [Un sol sin sombra], 2010, instalación de dos canales, 8 min

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La relación entre la violencia de la guerra y los videojuegos es el leitmotiv de esta seie de cuatro vídeos. El cineasta indaga en la relación entre la realidad virtual y la militar mediante imágenes filmadas en instalaciones del ejército de Estados

Unidos, combinadas con material de simulación por ordenador. Desde la guerra de Irak, se utilizan programas de animación basados en las tecnologías de los juegos generados por ordenador para el reclutamiento y el entrenamiento de las tropas estadounidenses, antes de su despliegue en las zonas de combate. También se utilizan como tratamiento psicológico de los militares que sufren estrés postraumático a su regreso. Pedro G. Romero (Aracena, 1964) Sodoma y Gomorra, 1989 Fotografía, madera, cera y azufre, 200 × 262 cm Esta obra nos habla de la destrucción y de la capacidad del arte de trascenderla. Como en un collage, tres conceptos sin conexión aparente, como son la explosión de una bomba atómica, el aura de un personaje y una puerta de madera, actúan como metáfora de la muerte como tránsito y de la posibilidad de trascenderla. Además, el artista utiliza el azufre para pintar la puerta, un material muy poco convencional en el arte. Esta obra forma parte del proyecto «Un mundo RARO», en que se plantean ideas como la disolución social, la crisis del concepto de utopía y la función del lenguaje mediante los diferentes medios de expresión. Ana Garcia-Pineda (Sabadell, 1982) La curva del olvido, 2015 Vídeo HD, 16:9, color y sonido / 4 min 34 s

Este es el relato de una historia familiar de exilio forzado en el contexto histórico de la España de Franco. La artista narra la vida de su abuela Armonía a través del dibujo. Crea, así, conexiones inesperadas mientras esboza los conceptos que describe, de modo que cada croquis da paso al siguiente y se transforma en él. Es una metáfora de

la relación particular que esta mujer establece con las palabras y con el lenguaje durante

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toda su vida, especialmente en los últimos años que presagian la enfermedad de Alzheimer. «Se olvidó de andar, se olvidó de hablar. Un día se olvidó de respirar». Thomas Hirschhorn (Berna, 1957) Vitrine Murale (Goya) [Vitrina Mural (Goya)], 2008 Cuatro cabezas de maniquíes, fotocopias, cinta adhesiva, cartón, plexiglás y luces de neón, 165 × 249 × 60 cm Bajo el rótulo «Portraits of despair» (retratos de desesperación), situado en la parte superior de la vitrina, Thomas Hirschhorn ha reproducido en fotocopias una serie

de obras de Goya —el artista español con el que mejor identifica su acción política—, que ha titulado con frases ocurrentes de dos palabras. La vitrina, hecha de materiales ordinarios, reciclados y baratos, muestra también cuatro bustos de maniquíes con acreciones de cinta adhesiva, que parecen ofrecer una visión apocalíptica de un mundo enfermo que lleva pegada la palabra love (amor) como marca comercial. Anselm Kiefer (Donaueschingen, Alemania, 1945)

Dionysius Aeropagita – Die Ordnung der Engel [Dionisio Aeropagita – El orden de los ángeles], 1984-1986 Plomo, zinc, cartón, alambre de acero, acrílico, emulsión, aceite y laca sobre tela, 331 × 554 cm

La iconografía de Kiefer parte de elementos gnósticos, cabalísticos y místicos. El título de la obra hace referencia, aunque con un juego de letras, al Pseudo Dionisio Areopagita, un teólogo que vivió entre los siglos V y VI y que estableció una jerarquía celestial de nueve órdenes de ángeles, clasificados según su proximidad a Dios. El artista los simboliza mediante rocas hechas de plomo. La hélice de un

avión, moldeada con el mismo elemento químico, domina la composición, como símbolo de trascendencia. La obra nos remite a la tierra quemada, devastada y asolada tras la Segunda Guerra Mundial, así como a la necesidad de expiar la culpa alemana.

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Guillermo Kuitca (Buenos Aires, 1961)

Sin título, 1991 Acrílico sobre tela, 282 × 373 cm En apariencia, podría tratarse del trazado en un mapa de una metrópolis en abstracto, una urbe irreal que, al mismo tiempo, resulta muy familiar. Al acercarnos y descubrir que las líneas son, realmente, una sucesión de jeringas dispuestas en fila, se pone de manifiesto la ciudad como un lugar de sufrimiento, soledad y aislamiento. No es solo por el tratamiento de la superficie del cuadro como un juego abstracto de líneas y cuadrículas, sino también por la representación de un laberinto con muchas entradas y sin una salida propiamente delimitada. Antoni Muntadas (Barcelona, 1942)

Carteras sin ministro , 2011 Tres maletines de cuero negro con letras doradas grabadas, 40 × 43 × 14,5 cm c.u.

Ministro sin cartera aparece definido en el Diccionario de la Real Academia Española como aquella «persona que participa de la responsabilidad política general del Gobierno, pero no tiene a su cargo la dirección de ningúnb departamento». Tras la dictadura de Franco, se crearon algunos ministerios sin cartera que más adelante fueron

suprimidos. Ante la necesidad urgente de un cambio político y social, Muntadas ha producido tres carteras idénticas a las que utilizan los ministros del Gobierno español, con la propuesta de tres ministerios que no existen y que posiblemente deberían existir: el Ministerio de Investigación e Innovación, el Ministerio de Desarrollo Social y el Ministerio de Derechos Humanos y Justicia. Paulo Nazareth (Governador Valadares, Brasil, 1977) Banderas rotas, 2014 Instalación de 19 monitores de vídeo, sobre palés Diecinueve televisores apilados en palés crean una especie de barricada imaginaria formada por vídeos de banderas, filmados por el artista con un equipo improvisado. La mayoría de las banderas, todas diferentes, aparecen visiblemente dañadas o agitadas por el viento. El artista las muestra como portadoras de ideales nacionalistas y como

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emblemas de un materialismo llevado al extremo, símbolos de geografías y territorios diferentes del globo terrestre. Al ser izadas, se liberan de su gravedad y cobran vida, aunque también puedan ser alteradas. Damián Ortega (Ciudad de México, 1967)

Movimiento en falso (estabilidad y crecimiento económico), 1999-2003 3 barriles de petróleo, base con mecanismo giratorio, 340 × Ø 300 cm La escultura, formada por tres barriles de petróleo en equilibrio que giran sobre un mismo eje, es un comentario irónico sobre las políticas promovidas por el Pacto por la estabilidad y el crecimiento económico de los presidentes de México durante la década de los ochenta. Damián Ortega señala la fragilidad y la inestabilidad de estas políticas, que dependían principalmente

de las grandes reservas de petróleo del país. La obra es también una observación sobre la situación económica global: su movimiento sin fin apunta a la demanda incesante de comodidades y de bienes que contrasta con la precariedad de un mundo que depende de recursos finitos. Walid Raad (Líbano, 1967) I Might Die Before I Get a Rifle [Podría morir antes de conseguir un rifle], 1989-2008 12 impresiones de inyección de tinta, 160 × 212,7 cm c.u. ¿Son auténticas estas imágenes? Y si lo son, ¿quién es su autor? Para documentar e investigar la historia contemporánea del Líbano, el artista Walid Raad inició, a partir de las fotografías y de la documentación de guerra, una investigación acerca de la iconografía bélica tradicional y desarrolló nuevos métodos para abordar la construcción histórica del conflicto y del trauma psicológico de las víctimas. Sophie Ristelhueber (París, 1949) Cinco fotografías de la serie Fait [Hecho], 1992 Fotografía en color con marco dorado, 100 × 126 × 5 cm c.u. Fait es una palabra francesa que significa «hecho»: como sustantivo se refiere a algo que sucede, y como adjetivo, significa «acabado». «¿Por qué solo los medios de

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comunicación y los militares pueden suministrar información de guerra?», se pregunta la artista. Su obra reflexiona acerca del territorio y su historia, y hace hincapié en las ruinas, huellas y cicatrices dejadas por los hombres en lugares devastados por la guerra, como escarificaciones en la piel o en la tierra. Estas fotografías fueron tomadas seis meses después de la primera guerra del Golfo (1991). Cuando se descifran, resultan conmovedoras y hermosas a la mirada. Juan Ugalde (Bilbao, 1958) Eva, 2000 Técnica mixta y fotografía en blanco y negro sobre tela, 230 × 400 cm

En un descampado, recostada en un sofá reventado y desechado, duerme la Eva que da título a la obra. En uno de los refugios de este paraje precario donde también se encuentra una caja con el sello made in Spain, hay un cartel que reza «No disturben». Encolado y pintado sobre la tela, aparece un pequeño cisne blanco que podría interpretarse como el último canto en el momento

justo de sucumbir, tras una vida silenciada. O como la transformación de Zeus en cisne para seducir a Leda y abandonarla después a su suerte. La imagen nos acerca a una realidad cotidiana, y da vida a la marginación de la miseria. Bill Viola (Nueva York, 1951) The Raft, mayo de 2004 Videoproyección: color, HD / 10 min 33 s. Colección del artista Filmada a cámara lenta, esta pieza es una metáfora de la experiencia colectiva vivida en un desastre natural o ante un acto de guerra. Más o menos en fila, muy cerca las unas de las otras, se hallan 19 personas de diferente edad, sexo y procedencia. Gente anónima, absorta en sus pensamientos. De repente, varios chorros de agua con enorme presión golpean al grupo y derriban a la mayoría de personas, mientras unas pocas luchan desesperadamente por mantenerse en pie. De repente, los chorros de agua se detienen. Hombres y mujeres se ayudan, incluso se abrazan. El artista describe esta obra como «una imagen de destrucción y supervivencia».

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ACTIVIDADES COMPLEMENTARIAS A LA EXPOSICIÖN

VISITA INAUGURAL CON LA COMISARIA Jueves 19 de julio, a las 19 h

Visita a la exposició con la comisaria Nimfa Bisbe, acompañada de la artista israelí Smadar Dreyfus, incluida en la muestra con la videoinstalación Mother’s Day (El día de la madre, 2006-2008).

CICLO DE CONFERENCIAS: PENSAR EL MAL EN EL MUNDO CONTEMPORÁNEO Ciclo coordinado por Josep Maria Esquirol Precio por sesión: 4 €

• Jueves, 20 de septiembre, 19 h El mal como problema filosófico: topografía y cuestiones nucleares

Josep Maria Esquirol, profesor de filosofía en la Universidad de Barcelona

• Jueves, 27 de septiembre, 19 h Las catástrofes del siglo XX: mundo inhóspito y testigos del horror

Olga Belmonte, doctora en filosofía, profesora en la Universidad Pontificia Comillas de Madrid

• Jueves, 4 de octubre, 19 h

Nueva ilustración ante nuevas injusticias

Marina Garcés, filósofa y profesora de universidad

• Jueves, 11 de octubre, 19 h El eterno retorno de la barbarie en el mundo contemporáneo

Stefano Petrucciani, profesor de filosofía política, director del Departamento de Filosofía de la Universidad de Roma La Sapienza

• Jueves, 25 de octubre, 19 h

Reparar el mundo

Miguel García-Baró, profesor de filosofía en la Universidad Pontificia Comillas de Madrid

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VISITAS PARA EL PÚBLICO GENERAL • Visita comentada

Consulte los horarios en la web. Precio por persona: 3 €

• Visita con café tertulia Todos los miércoles, a las 16.30 h. Precio por persona: 4 €

• Visita concertada para grupos

Grupos de 25 personas como máximo. Inscripciones: 931 847 142. Los grupos con guía propio también deberán reservar día y hora. Precio por grupo: 60 €

Espacio familiar y educativo + 7 Imágenes para nuestro tiempo

Los artistas de esta exposición nos invitan a reflexionar acerca del mundo en el que vivimos y, especialmente, sobre los conflictos que nos rodean, utilizando imágenes o elementos que simbolizan estos conflictos. Les proponemos seguir los pasos de los artistas y que ilustren una noticia con una imagen simbólica construida con elementos diferentes. Elijan una noticia, piensen qué ideas principales se desprenden de la misma y experimenten con las imágenes magnéticas que encontrarán a su disposición. Este es un espacio dentro de la exposición pensado principalmente para el público familiar. Se propone una actividad que invita a los participantes a explorar de forma creativa y libre alguno de los aspectos de la exposición. Recomendado para familias con niños y niñas a partir de 7 años. Acceso gratuito con la entrada a la exposición.

Visita en familia + 8

Consulte los horarios en la web. Precio por persona: 2 € Visitas escolares y para centros recreativos*

Precio/grupo (centros recreativos): 18 €. Precio/grupo (escolar): 25 € De lunes a viernes, horario a convenir. Inscripciones: 931 847 142 o rcaixaforumbcn@magmacultura.net

Taller «Distancia corta»

Niveles: a partir de 3.º de primaria y ESO Visita comentada

Niveles: ESO, bachillerato y FPGM

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Del 20 de julio al 21 de octubre de 2018

CaixaForum Barcelona

Av. de Francesc Ferrer i Guàrdia, 6-8.

08038 Barcelona Tel. 934 768 600

Horario

Abierto cada día De lunes a domingo, de 10 a 20 h

Miércoles de julio y agosto, de 10 a 23 h Servicio de Información de la Obra

Social ”la Caixa” Tel. 900 223 040 De lunes a domingo, de 9 a 20 h

Precios

Entrada gratuita para clientes de

”la Caixa” Entrada para no clientes de ”la Caixa”: 4 € (incluye el acceso a todas las

exposiciones) Entrada gratuita para menores de 16 años

Venta de entradas

Taquillas de CaixaForum y

www.CaixaForum.es

Área de Comunicación de la Obra Social ”la Caixa” Josué García: 934 046 151 / 638 146 330 / jgarcial@fundacionlacaixa.org Sala de Prensa Multimedia: http://prensa.lacaixa.es/obrasocial @FundlaCaixa @CaixaForum #TurbulenciasCaixaForum