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Allegro HD – Destacados de Programación – Octubre 2017

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Destacados de Programación – Octubre 2017



Destacados de Programación Octubre 2017

CONCIERTO – Rumon Gamba dirige la Orquesta de la Suiza italiana: Shostakovich & Beethoven – Estreno 1 de octubre – Pág. 3

ÓPERA – Don Giovanni, ópera en dos actos de Wolfgang Amadeus Mozart – 7

de octubre – Pág. 5

CONCIERTO – Requiem por Hieronymus Bosch: Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam – Estreno 7 de octubre – Pág. 7

CONCIERTO – Plácido Domingo Live at Loreley – 8 de octubre – Pág. 9

JAZZ – Pink Martini en Avo Session – 13 de octubre – Pág. 11

DOCUMENTAL – Soldados de la música: Rostropovich regresa a Rusia –

Estreno 14 de octubre – Pág. 13

CONCIERTO – Junichi Hirokami dirige la Orquesta de la Suiza italiana: Prokofiev, Takemitsu, Franck, Villa–Lobos & Chopin – Estreno 15 de octubre

– Pág. 15

ICONOS – Peter Gabriel: New Blood Live – 15 de octubre – Pág. 17

ÓPERA – Eugene Onegin, ópera en tres actos de Piotr Ilich Tchaikovsky – 21 de octubre – Pág. 19

CONCIERTO – Tesoros barrocos: del Ospedale hasta Concordia. Música sacra

de Antonio Vivaldi – Estreno 21 de octubre – Pág. 21

CONCIERTO – Lang Lang en el Royal Albert Hall – Estreno 22 de octubre – Pág. 23

CONCIERTO – Los Tres Tenores en las Termas de Caracalla – Estreno 28 de

octubre – Pág. 25

ÓPERA – Tosca, ópera en tres actos de Giacomo Puccini – 29 de octubre – Pág. 27



Un fantástico recital con una de las orquestas europeas de mayor arraigo en los escenarios

y un repertorio de puro deleite.

Género: concierto, música clásica, música romántica, piano.

Intérpretes: Cristina Ortiz.

Director: Rumon Gamba.

Orquesta: Orquesta de la Suiza Italiana.

Año: 2006.

Lugar: Palacio de Congresos, Lugano.

Duración: 90 minutos.

Fundada en Lugano en 1935 como Orquesta de la Radio de la Suiza italiana, jugó un papel crucial en el desarrollo musical de la región, ayudando a establecer importantes festivales en Lugano, Locarno y Ascona desde la década de 1940. Ha sido dirigida por grandes figuras musicales como Ansermet, Stravinsky, Stokowski, Celibidache y Scherchen, y colaboró con compositores como Mascagni, Richard Strauss, Honegger, Milhaud, Martin, Hindemith, Berio, Henze y Penderecki. Su primer conductor principal fue Leopoldo Casella. Le sucedió Otmar Nussio en 1938, bajo cuya dirección la orquesta ofreció un gran número de conciertos abriéndose de manera muy amplia a los compromisos internacionales. De 1969 a 1991, con Marc Andreae como director principal, consolidó su reputación, ampliando su repertorio e interpretando las primeras obras de los

Concierto: Rumon Gamba dirige a la Orquesta de la Suiza italiana Shostakovich & Beethoven Estreno 1 de octubre 19:15 Argentina/Uruguay | 18:15 Paraguay | 17:15 Colombia/Ecuador



principales compositores vivos. En 1991 la orquesta tomó su nombre actual y comenzó a ganar reconocimiento internacional, actuando en los escenarios más prestigiosos de Viena, Amsterdam, San Petersburgo, París, Roma, Milán o Salzburgo. En 1999 comenzó su estrecha colaboración con Alain Lombard, quien primero asumió el cargo de director principal y en 2005 fue nombrado director honorario. Desde septiembre de 2013 la OSI ha trabajado con el gran director y pianista Vladimir Ashkenazy, quien dirigiría la orquesta las siguientes cuatro temporadas como director invitado principal. A partir de la temporada 2015-16 OSI es dirigida por el director alemán Markus Poschner, quien guía la orquesta en la actualidad. Por su parte, Cristina Ortiz es una pianista nacida en Brasil que comenzó sus estudios en su país antes de estudiar en Francia con Magda Tagliaferro. Después de acabar sus estudios en París logró el primer premio de la tercera edición del Concurso Internacional de Piano Van Cliburn. Continúa su formación con Rudolf Serkin en Filadelfia, en el Instituto de Música Curtis y más tarde se trasladó a Londres, donde vive actualmente. Ortiz ha actuado en la mayoría de las salas de concierto más importantes del mundo y ha sido invitada para ser solista por la Berliner Philharmoniker, la Vienna Philharmonic, la Orquesta Sinfónica de Chicago, Orquesta Sinfónica de Sydney, Orquesta de Filadelfia, Real Concertgebouw Orquesta, Orquesta de Cleveland, Orquesta Sinfónica de la WDR de Colonia, Deutsches Symphonie-Orchester Berlín, Orquesta de Valencia, Orquesta Sinfónica Islandesa o la Orquesta Sinfónica de la NHK, con directores de la talla de Vladimir Ashkenazy, Neeme Järvi, Mariss Jansons y David Zinman. Ha grabado para EMI, Decca, Collins Classics e Intrada, y da clases magistrales en la Real Academia de Música en Londres y la Juilliard en Nueva York.

El tercer protagonista, Rumon Gamba, es un director de orquesta inglés formado en la Universidad de Durham y después en la Royal Academy of Music de Londres, donde estudió dirección con Colin Metters, George Hurst y Sir Colin Davis. Se convirtió en el primer estudiante de dirección en obtener el DipRAM [Diploma de ejecutante de la Real Academia de Música]. En 1998 fue ganador del premio en el Taller de Directores y Jóvenes Músicos del Lloyds Bank BBC. En 1998 se unió a la Filarmónica de la BBC como su director asistente y más tarde se convirtió en director adjunto. Dejó la orquesta en 2002. Gamba fue Director titular y Director musical de la Orquesta Sinfónica de Islandia de 2002 a 2010. Director principal y Director musical de NorrlandsOperan entre 2008 y 2015, en marzo de 2011 fue nombrado director principal de la Orquesta Sinfónica de Aalborg hasta 2015.

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Concierto: Rumon Gamba dirige a la Orquesta de la Suiza italiana Shostakovich & Beethoven Estreno 1 de octubre 19:15 Argentina/Uruguay | 18:15 Paraguay | 17:15 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Le invitamos a disfrutar de un concierto de auténtico lujo, que tiene por protagonistas a la célebre Orquesta de la Suiza italiana, a la que acompañan la pianista brasileira Cristina Ortiz y la batuta del británico Rumon Gamba. El repertorio está protagonizado por la Sinfonía n.º 8 de Ludwig van Beethoven y el Concierto para piano n.º 2 de Dmitri Shostakovich. Se completa con la Suite de Ballet n.º 3, del propio Shostakovich, así como el Rondo KV 382 de Wolfgang Amadeus Mozart, y Prece, de Alberto Nepomuceno.

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Uno de los títulos operísticos más célebres en exquisita producción de Royal Opera

House londinense, bajo la dirección del legendario Charles Mackerras.

Género: ópera, música clásica.

Intérpretes: Simon Keenlyside, Kyle Ketelsen, Eric Halfvarson, Joyce DiDonato, Marina Poplavskaya, Ramón Vargas, Miah Persson, Robert Gleadow; Coro del Royal Opera House; Francesca Zambello [dirección de escena], Maria Björnson [escenografía y vestuario], Stephen Mear [coreografía], Paul Pyant [iluminación].

Director: Charles Mackerras.

Orquesta: Orquesta del Royal Opera House.

Año: 2008.

Lugar: Royal Opera House, Londres.


El 29 de octubre de 1787 se produce en Praga uno de los estrenos más importantes de la historia de la ópera, el de Il dissoluto punito, ossia il Don Giovanni, un dramma giocoso en dos actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791) y libreto de Lorenzo da Ponte, que pasará casi inmediatamente a convertirse en un título absolutamente legendario, fruto de una de las colaboraciones entre compositor y libretista más extraordinarias en la historia del género. La obra se gesta en Praga, a donde el 1 de octubre de 1787 se dirige el propio Mozart con casi toda la partitura completa, pues el estreno estaba previsto para quince días después, aunque finalmente este se aplazó hasta el 29 del mismo mes. Es en diciembre de 1786 cuando se produce la génesis de esta gran

Ópera: Don Giovanni Ópera en dos actos de Wolfgang Amadeus Mozart 7 de octubre 16:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Paraguay | 14:00 Colombia/Ecuador



obra, con el encargo de los empresarios del Nostizt–Theater, Pasquale Bondini y Domenico Guardasoni, ante el impresionante éxito que en la ciudad tuvo el estreno de La nozze de Figaro mozartiana. Estos le ofrecieron como libreto el segundo acto de Il capriccio drammatico, que llevaba por título Don Giovanni Tenorio, ossia il convitato di pietra, un texto de Giovanni Bertati que había sido puesto en música previamente por Giuseppe Gazzaniga. Mozart delega entonces la responsabilidad de redactar el libreto sobre el gran da Ponte, al que respetaba poderosamente. Este se pone a trabajar de inmediato en el mismo, a pesar de que se encontraba trabajando en otros libretos a la vez. Da Ponte realiza un exquisito trabajo de reescritura de la obra de Bertati, que recompone de un solo acto en dos, y que trata el tema de una menara realmente donjuanesca, siendo como ere este buen amigo del célebre Casanova, quien asistió además al estreno.

El estreno en Praga fue realmente exitoso, y tras ello los Mozart regresan, a mediados de noviembre, a Viena, donde Mozart parece será nombrado como músico de la Cámara real e imperial. Transcurridos unos meses, el 7 de mayo de 1788 se produce por fin el estreno de Don Giovanni en la capital austríaca, con un éxito mucho menor que el que obtuvo en Praga. Mozart realizó algunas modificaciones, la más importante fue la eliminación del sexteto final en el que todos celebran, con lo que parece que Mozart quería poner más difíciles las cosas al público vienes, ya de por sí infinitamente más conservador, que no terminó de aceptar de buen grado esta ópera hasta varios años después.

Mozart, junto a da Ponte, consiguen aquí dar vida a una serie de personajes con gran profundidad psicológica, especialmente su protagonista, un hombre de talla moral más que reprobable, que nunca parece arrepentirse de su comportamiento despreciable. Obra a medio camino entre el drama y la comedia, la propia denominación del autor como dramma giocoso deja siempre la puerta abierta al debate y a la elucubración. Los propios personajes son un reflejo de ello, algunos claramente cómicos, otros más destinados al drama puro, la mixtura que se produce entre estos, además de la genialidad de sus magníficas arias, de manera especial, sus números de conjunto, hacen de esta una de las óperas más interesantes y célebres en la historia del género.

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Ópera: Don Giovanni Ópera en dos actos de Wolfgang Amadeus Mozart 7 de octubre 16:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Paraguay | 14:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Les invitamos a entrar de lleno en una de las historias más destacadas de la historia de la ópera, la de Don Giovanni, en la visión extraordinaria de Wolfgang Amadeus Mozart. Cuenta con la magnífica producción del Royal Opera House, London, y con un elenco de primer nivel formado por: Simon Keenlyside, Kyle Ketelsen, Eric Halfvarson, Joyce DiDonato, Marina Poplavskaya, Ramón Vargas, Miah Persson, Robert Gleadow. Les acompañan la excepcional Orquesta y Coro del Royal Opera House, bajo la dirección de Charles Mackerras.

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Una creación contemporánea para conmemorar los quinientos años de uno de los genios del arte universal.

Género: concierto, música clásica, música contemporánea.

Intérpretes: Leo van Doeselaar; Aga Mikolaj, Ursula Hesse von den Steinen, Gerhard Siegel, Christof Fischesser; David Wilson–Johnson.

Director: Markus Stenz.

Orquesta: Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam.

Año: 2016.

Lugar: Catedral de San Juan, ‘s-Hertogenbosch.


El hijo más célebre de s-Hertogenbosch es sin duda el famoso pintor Hieronymus Bosch, vivió y trabajó en el mercado de la ciudad, retratando la vida medieval en sus cuadros repletos de simbolismo, fantasía y acertijos. Con el evento internacional Jheronimus Bosch 500, 's-Hertogenbosch conmemoró en 2016 el quinto centenario de la muerte del artista de una manera espectacular. Uno de los grandes momentos de dichas celebraciones

fue el estreno de la composición que la propia organizadora –a la que se sumó la Orquesta

del Concertgebouw de Amsterdam– encargó al compositor Detlev Glanert: Requiem voor Jheronimus Bosch [Requiem por Hieronymus Bosch], que tuvo su estreno en la Catedral de San Juan de la localidad, repitiéndose después en el propio Concertgebouw de la capital holandesa, donde además fue grabada y editada en el sello Chandos. La obra, compuesta para solistas, narrador, coro, órgano y orquesta, tiene en las pinturas de Bosch una clara

Concierto: Requiem por Hieronymus Bosch Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam Estreno 7 de octubre 21:30 Argentina/Uruguay | 20:30 Paraguay | 19:30 Colombia/Ecuador



e ilimitada inspiración para Glanert. Puedo disfrutarlas de nuevo en la retrospectiva de mayor importancia a nivel mundial que tuvo lugar ese mismo año en 's-Hertogenbosch. Los cuatro paneles de las Visiones del más allá le causaron una impresión profunda: una visión oscura, imprevista y sobre todo grandiosa habla a través de estas pinturas. Como un distante pero pariente espiritual del artista inglés Turner. Mirar tan solo una de las pinturas

de Bosch es como ver cientos de cuadros en un museo –de una imaginación inagotable–; de esta manera canta Glanert las alabanzas de su ídolo pictórico. Continúa: en su obra se ve el modo de vida y la filosofía de su propio tiempo tan bien reflejado. En la Edad Media el género humano tenía poco valor. Los sentimientos de angustia y la dureza de la vida llevaron a todos al camino de la fe. Llevar una vida de bondad era entrar en el paraíso. Y así es, pues la luz y la oscuridad, o el bien y el mal nunca fueron destacados tan contrastadamente como en el mundo tardomedieval de Bosch. El encargo para componer el Réquiem por Hieronymus Bosch fue el gran evento que Glanert había estado buscando. Aquí al fin tendría la oportunidad de componer una misa de muertos sobre el enigmático Bosch. Pero no esperen que el compositor presente un homenaje dulce, porque Bosch debe someterse a nada menos que un juicio celestial. Mi Requiem tiene lugar varios segundos después del fallecimiento de Bosch. Su alma está condenada a ir en su camino al purgatorio. Antes de la gran sentencia, se celebra una

audiencia. La pregunta clave –que Glanert parece disfrutar– es si nuestro Bosch irá al paraíso o estará destinado al infierno. Un escenario dramático de este calibre no es desperdiciado en lo más mínimo por el compositor: ¿Podrá nuestro pobre Bosch obtener el derecho de sentarse junto a Lázaro en el paraíso? No tengan miedo, el arcángel no encontrará nada pecaminoso: la redención está cerca, concluye el autor.

La pieza presentó un nuevo reto a Glanert y la orquesta. A través de sus dieciocho movimientos combina los clásicos textos del Requiem latino con pasajes de la colección de manuscritos medievales Carmina Burana: sentí en todo caso la necesidad de poner todo el texto del Requiem, al que he añadido el «no oficial» In Paradisum, porque mi Hieronymus realmente alcanza el paraíso. Cada parte del texto del Requiem se acompaña y alterna con un texto del Carmina Burana sobre el mal y los siete pecados capitales: por supuesto, he omitido las partes usadas por Carl Orff.

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Concierto: Requiem por Hieronymus Bosch Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam Estreno 7 de octubre 21:30 Argentina/Uruguay | 20:30 Paraguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: El Bosco es sin duda uno de los mayores pintores en la historia de la humanidad. Por ello, en 2016 y coincidiendo con la efeméride del 500.º aniversario de su desaparición, la Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam y Jheronimus Bosch 500 encargaron a Detlev Glanert la composición de este Requiem por Hieronymus Bosch, que se estrenó en la Catedral de San Juan de su ciudad natal. Cuenta con la participación de las voces solistas de Aga Mikolaj, Ursula Hesse von den Steinen, Gerhard Siegel, Christof Fischesser y el Coro de la Radio Holandesa, el órgano de Leo van Doeselaar, la narración de David Wilson–Johnson, la propia Orquesta del Concertgebouw y la batuta de Markus Stenz.

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Recital de uno de los grandes tenores del siglo XX en unos de los escenarios al aire libre

más emblemáticos.

Género: concierto, música clásica, música romántica, ópera, sinfónico.

Intérpretes: Plácido Domingo, Angel Blue, Micaëla Oeste.

Director: Eugen Kohn.

Orquesta: Filarmónica de Baden–Baden.

Año: 2013.

Lugar: Loreley Open–Air–Theatre, St. Goarshausen.


Poco puede decirse de la vida de Plácido Domingo que no se haya contado ya. Hijo de dos cantantes de zarzuela de la España de mediados del siglo XX, al tenor madrileño le llega el canto lírico por vena y tradición familiar. Con ocho años se fue a vivir a México, país con el que le une una especial relación, y fue allí donde se formó en la Escuela Nacional de Artes y en el Conservatorio Nacional de Música en las disciplinas de canto, piano y composición. Su debut operístico se produjo bien pronto, con tan solo 18 años, primero como barítono y posteriormente como tenor, tesitura a la que ha estado unido desde entonces hasta hace unos años, cuando su edad le ha requerido volver a la tesitura

Concierto: Plácido Domingo Live at Loreley 8 de octubre 19:05 Argentina/Uruguay | 18:05 Paraguay | 17:05 Colombia/Ecuador



de barítono. Domingo ha interpretado prácticamente la totalidad de los grandes papeles operísticos para tenor. Tenor lírico, su voz flexible y noble le ha permitido interpretar papeles de tenor dramático, entre los que han destacado su Otello entre otros. Miembro del legendario tridente formado por Pavarotti, Carreras y él mismo, Los Tres Tenores supusieron toda una explosión de la ópera acercándola a todos los públicos. A finales de 2013 contabilizaba sus interpretaciones en escenario la impresionante cantidad de 3.867 apariciones, en las que ha interpretado más de 150 roles de ópera, zarzuela y otros géneros escénicos. Su discografía supera la cifra de cien registros entre los que se encuentran algunas de las versiones de óperas de absoluta referencia para el público y la crítica. Del mismo modo, las distinciones que le han sido concedidas jalonan una carrera repleta de éxitos, entre los que destacan el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1991 o un total de catorce Doctorados Honoris Causa en universidades de todo el mundo. A lo largo de su carrera ha desarrollado otras facetas en el terreno de la música, como la dirección orquestal, la composición e incluso la producción. El presente recital se encuentra acompañado por dos sopranos de imponente carrera futura, como son Angel Blue, de la que él mismo dice que será la nueva Leontyne Price, y Micaëla Oeste, que formó parte del Domingo–Cafritz Young Artist, un programa conjunto con la Opera Nacional de Washington para jóvenes cantantes donde ha sido gran triunfadora gracias a roles como Ophelia en Hamlet. La primera parte del recital sirve como homenaje a la doble efeméride Verdi–Wagner que se celebró en 2013 para conmemorar los 200 años del nacimiento de dos de las grandes figuras en la historia de la música. De Richard Wagner se interpretaron fragmentos de sus óperas Die Meistersinger, Die Walküre y Tannhäuser; mientras que del autor italiano Verdi salieron a escena pasajes de Luisa Miller, La Traviata, Un giorno di regno e Il trovatore. Para la segunda parte ha escogido una serie de arias y fragmentos orquestales procedentes de óperas, operetas y zarzuelas de compositores europeos de los siglos XIX y XX: Alfredo Catalani (1854–1893) y su Loreley, Das Land des Lächelns [El país de las sonrisas] y Die Lustige Witwe [La viuda alegre] de Franz Lehár (1870–1948), Gräfin Maritza [La condesa Maritza] de Imre Kálmán (1882–1953), Leichte Kavallerie [Caballería ligera] de Franz von Suppé (1819–1895), Die Fledermaus [El murciélago] de Johann Strauss II (1825–1899), El niño judío de Pablo Luna (1879–1942), Luisa Fernanda y Maravilla de Federico Moreno Torroba (1891–1982), y Las hijas del Zebedeo de Ruperto Chapí (1851–1909). Un monumento lírico, todo un homenaje a los géneros escénicos considerados menores, puesto en valor por la voz de uno de los grandes tenores del siglo XX.

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Concierto: Plácido Domingo Live at Loreley 8 de octubre 19:05 Argentina/Uruguay | 18:05 Paraguay | 17:05 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Compartan con nosotros el magnífico recital del tenor Plácido Domingo, una de las grandes estrellas del canto lírico del siglo XX, en un escenario de leyenda al aire libre en el que despliega todas sus capacidades canoras en un programa que celebra el doble aniversario Verdi–Wagner, con obras que celebran la ópera, opereta y zarzuela.

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Un espectacular y ecléctico directo desde este fantástico festival de jazz y world

music celebrado en la ciudad suiza de Basilea.

Género: concierto, jazz, world music, música clásica.

Intérpretes: Storm Large (voz), Thomas Lauderdale (piano), Robert Taylor (trombón), Gavin Bondy (trompeta), Martin Zarzar (tambor), Phil Baker (bajo), Nocholas Crosa (violín), Dan Faehnle (guitarra), Brian Lavern Davis, Derek Rieth (percusión), Timothy Nishimoto (voz y percusión).

Director: Thomas Lauderdale.

Orquesta: Pink Martini.

Año: 2011.

Lugar: Event Hall, Basel.


Avo Session Basel es el nombre de un festival que lleva más de treinta años atrayendo a la ciudad suiza a un gran número de artistas de primer orden mundial dentro de los géneros del jazz, blues, pop-rock, o world music, en un formato íntimo de club. Celebrado habitualmente entre los meses de octubre y noviembre, el festival surgió en 1986 bajo el nombre de Rheinknie Session, cuya primera edición se celebró en mayo de ese mismo año contando con la presencia de algunos artistas de primer nivel mundial, como Oscar Peterson, Albert Collins o Koko Taylor. El gran empujón del festival vendría en 1988, con la presencia en el escenario del legendario Miles Davis. Los amantes de la música de toda Suiza tuvieron en Basilea a su centro por esa noche y expertos en la escena musical descubrieron el festival. Claude Nobs, uno de los fundadores del Festival de Jazz de Montreux, asistió entusiasta a aquella edición del festival, de tal forma que inmediatamente decidió convertirse en patrón del mismo.

Jazz: Pink Martini en Avo Session

13 de octubre 19:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Paraguay | 17:00 Colombia/Ecuador



Con el paso de los años el festival se va abriendo a multitud de géneros, y es ya en 1998 cuando pasa a denominarse como Avo Session, estando detrás del patrocinio una famosa marca de cigarrillos. El festival siguió creciendo, y se había posicionado ya entre las mejores opciones para disfrutar de estos repertorios en el mundo. En 1999 se emite por primera vez el festival en la televisión suiza SFR2 y 3sat, con lo que se establece su presencia en diversos países de habla alemana. 2005 marcó otro hito, con los veinte años del festival, que seguía creciendo en importancia y audiencia. 2010 marcó su 25.º aniversario con una gran edición por la que pasaron nada menos que más de 20.000 espectadores. 2012 marcó el cambio de nombre del festival, ante la marcada normativa antitabaco europea, para tomar el nombre de Baloise Session, su nuevo patrocinador. El pasado 2015 marcó los 30 años de un festival que sin duda se ha establecido como una fecha ineludible en el calendario de aquellos apasionados del jazz y la world music. Ray Charles (1999), James Brown (2000), Chris de Burgh (2001), Paolo Conte (2002), Deep Purple (2003), Lionel Richie (2004), Lucio Dalla (2004), Simply Red (2005), Francesco De Gregori (2005, 2015), Sir Elton John (2006), Patti Austin (2007), Joe Cocker (2007), Mark Knopfler (2007), Zucchero (2008), Amy Macdonald (2008), Grace Jones (2009), Tom Jones (2009), Jamiroquai (2010), Mary J. Blige (2010), Liza Minnelli (2011), Daniela Mercury (2011), Rod Stewart (2012), Eric Clapton (2013) o Toto (2015) nos dan buena muestra de su importancia artística.

Pink Martini es una pequeña orquesta con base en Portland, Oregon, fundada en 1994 por el pianista Thomas M. Lauderdale, que interpreta diferentes géneros musicales como la música latina, música lounge, música clásica o el jazz. Su música ha sido descrita muchas veces como vintage, una definición que muestra el contenido, el estilo y la duración que han inspirado muchas de sus canciones. Su debut europeo se produjo en el Festival de Cine de Cannes y en 2003 el grupo realizó una gira que incluyó países como Francia, España, Portugal, Bélgica, Suiza, Mónaco, Grecia, Turquía, Perú, Taiwán, Líbano y los Estados Unidos, realizando conciertos propios o como acompañante de otros grupos. Han cantado en numerosos idiomas de todo el mundo: inglés, español, francés, italiano, portugués, japonés e incluso en árabe, griego o turco, lo que les has convertido en una banda realmente global. El álbum debut de Pink Martini, Sympathique [1997], fue una producción propia en el sello del grupo, Heinz Records, del cual se vendieron más de 1.300.000 copias por todo el mundo. Su discografía e importancia han crecido de manera exponencial durante los últimos años.

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Jazz: Pink Martini en Avo Session 13 de octubre 19:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Paraguay | 17:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Si disfrutan con una amalgama musical de primer orden en la que se mezclan jazz, pop latino, ritmos cubanos, cabaret, canción francesa o ecos de la música clásica, sin duda este directo desde el festival Avo Sessions le fascinará. La actuación del conjunto estadounidense Pink Martini, a la que se une la voz única de Storm Large, le despegará del sofá.

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Un documental fascinante que muestra el regreso a su hogar de uno de los violonchelistas

e intérpretes más influyentes del siglo XX.

Género: documental, música clásica, violonchelo.

Intérpretes: Mstislav Rostropovich.

Director: Albert Maysles, Bob Eisenhardt, Susan Froemke.

Año: 1991.


Mstislav Leopoldovich Rostropovich (1927–2007), violonchelista, pianista y director de orquesta azerí nacido en el seno de una familia de violonchelistas, ocupa un puesto preeminente en la historia de la interpretación del violonchelo en el siglo XX, no solo por su talento extraordinario, sino también por haber incitado a algunos de los mejores compositores contemporáneos a escribir para su instrumento, entre ellos sus amigos Shostakovich, Prokofiev y Schnittke. Niño prodigio, se formó en Moscú, debutando en 1942. La consecución, tres años más tarde, del primer premio en el Concurso de Moscú significó el inicio de una carrera de éxitos, que a partir de 1951 se desarrolló también en Occidente. Recibió su primer aprendizaje musical de sus padres, un violoncelista discípulo del español Pau Casals y una pianista. Estudió con el maestro Dmitri Shostakovich en el Conservatorio de Moscú [1943-1948], en el que años después, desde 1953 a 1974, ejercería la docencia. Rostropovich ofreció su primer concierto a los quince años, y ya al cumplir los dieciocho consiguió el primer premio en el Concurso Internacional de Praga. En este período obtuvo el Premio Stalin [1951 y 1953] y el Premio Lenin [1964].

Documental: Soldados de la música: Rostropovich regresa a Rusia Estreno 14 de octubre 21:30 Argentina/Uruguay | 20:30 Paraguay | 19:30 Colombia/Ecuador



A partir de 1968, considerado por muchos como el mejor violonchelista del mundo, se convirtió también en director de orquesta, alternando con éxito esta faceta con la práctica del violonchelo. Como pianista se prodigó como acompañante de las actuaciones de su esposa, la soprano Galina Vizhnevskaia. Su oposición al régimen soviético, que se manifestó en una carta abierta al dirigente Leonid Brézhnev, su apoyo a destacados disidentes como el escritor Alexandr Solzhenitsin y su acendrada defensa de la libertad y los derechos humanos, le supusieron una creciente marginación, lo que lo llevó a abandonar la Unión Soviética en 1975. En 1977 fijó su residencia en Washington y aceptó la dirección de la Orquesta Sinfónica Nacional de los Estados Unidos con la que, hasta 1994, viajó por todo el mundo como director y como violonchelista, instrumento con el que dio cada año una gran cantidad de conciertos. En 1990, en pleno apogeo de los acontecimientos que llevaron a la caída del régimen comunista, recuperó la nacionalidad rusa y ofreció varios conciertos con la Orquesta Sinfónica Nacional de Estados Unidos en Moscú y San Petersburgo. Superado el período de tensas relaciones con las autoridades rusas, un día memorable en la vida de Rostropovich fue el 10 de noviembre de 1995, cuando dirigió la ópera Jovanschina, de Modest Musorgski, en el Teatro Bolshoi de Moscú. La carrera de Rostropovich fue objeto de un gran número de reconocimientos, entre ellos

el Premio Príncipe de Asturias de la Concordia de 1997 –compartido con el británico

Yehudi Menuhin– por su trayectoria musical y su compromiso con la defensa de la libertad y los derechos humanos.

El presente documental, Soldados de la música: Rostropovich regresa a Rusia, muestra el regreso a su natal Rusia de Mstislav Rostropovitch e incluye un amplio material de interpretación y documentos en asuntos políticos y personales para el violonchelista. Esta película es un relato, en el estilo de cinéma vérité [cine de realidad], de lo que sucedió cuando Rostropovich, junto con su esposa, la reconocida soprano Galina Vishnevskaya, regresaron al país que les había despojado de todos los derechos de desarrollar sus carreras, demoliéndolas por completo ya que se habían atrevido a refugiar y defender al escritor e historiador ruso Aleksandr Solzhenitsyn.

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Documental: Soldados de la música: Rostropovich regresa a Rusia Estreno 14 de octubre 21:30 Argentina/Uruguay | 20:30 Paraguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: El exilio ha ido, lamentablemente, ligado de manera estrecha al arte y los artistas. La música no escapa de ello, sino todo lo contrario. Son cientos los compositores e intérpretes que salieron huyendo de su país natal por las condiciones negativas de trato ante su persona, llegando incluso a peligrar su propia vida por su condición de músicos. Mstislav Rostropovich, uno de los grandes violonchelistas de la historia, es uno de los casos más paradigmáticos. A través de Soldados de la música: Rostropovich regresa a Rusia pueden conocer los entreijos de su historia de vida y música.

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Un programa magnífico y de enorme variedad, en interpretación de una de las grandes

orquestas europeas y la excelente pianista brasileira Cristina Ortiz.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música contemporánea, piano.

Intérpretes: Cristina Ortiz.

Director: Junichi Hirokami.

Orquesta: Orquesta de la Suiza italiana.

Año: 2009.

Lugar: Palacio de Congresos, Lugano.


El programa se compone de piezas de muy distinta procedencia y esencia. Se abre con el Requiem para orquesta de cuerda, obra compuesta en 1957 por el japonés Tore Takemitsu (1930-1996). Las tres secciones de la obra son pesadamente lentas [Lento,

Modère, Moins Lent –nunca pude escribir un Allegro, bromeó en cierta ocasión el

compositor–]. De la misma manera, la variedad de color orquestal que se encuentra en las obras posteriores de Takemitsu está ausente aquí, cediendo el peso de la expresión a las armonías lentas y desgarradoras y a las sutilezas de la partitura para cuerda. Cuando Igor Stravinsky fue presentado a Toru Takemitsu en 1959, se sorprendió por el frágil aspecto del joven compositor japonés. ¿Cómo pudo llegar tan severa música de un hombre tan

Concierto: Junichi Hirokami dirige a la Orquesta de la Suiza italiana Takemitsu, Prokofiev, Franck, Villa–Lobos y Chopin Estreno 15 de octubre 19:30 Argentina/Uruguay | 18:30 Paraguay | 17:30 Colombia/Ecuador



diminuto?, se dice que se preguntó en voz alta, ya que justo antes de su encuentro el compositor ruso había escuchado una grabación de este Requiem. La gran obra solista del recital es el Concierto para piano n.º 3 en Do mayor, Op. 26, de Sergei Prokofiev (1891-1953). Prokofiev comenzó a trabajar en éste concierto en 1913 cuando escribió una variación que luego dejó de lado. Aunque revisó los borradores en 1916/17, no se dedicó plenamente al proyecto hasta 1921 cuando pasaba el verano en Bretaña. Prokofiev en persona ejecutó la parte del solo en el estreno del 16 de diciembre de 1921 con la Orquesta Sinfónica de Chicago, dirigida por Frederick Stock. El trabajo no logró popularidad inmediatamente y tuvo que esperar hasta 1922 para ser confirmado en el canon del siglo XX, después de que Serge Koussevitzky dirigiera una interpretación profusamente alabada en París. De los cinco conciertos para piano escritos por Prokofiev, el tercero ha cosechado la mayor popularidad y aclamación de los críticos. El concierto irradia una vitalidad crepitante que testifica la destreza inventiva del compositor en salpicar inteligentemente los pasajes líricos con disonancias, manteniendo una asociación bien imbricada entre solista y orquesta. La otra gran obra del programa es la Sinfonía en Re menor de César Franck (1822-1890), la obra orquestal más famosa y única sinfonía del belga, que fue compuesta entre 1886 y 1888, y tuvo su estreno en el Conservatorio de París el 17 de febrero de 1889. Está dedicada a su discípulo, el compositor Henri Duparc. La fama y reputación de Franck se asienta sobre unas pocas obras, la mayor parte de ellas compuestas en los últimos años de vida. Entre ellas se encuentra esta Sinfonía en Re menor. El hecho de que Franck se decidiera a componer una sinfonia es extraño, debido a la rareza de esta forma musical en la tradición francesa del siglo XIX, que veía la sinfonía como un refugio exclusivo de la tradición alemana. Es posible que la génesis de este trabajo siguiera al éxito de su influyente obra Variaciones sinfónicas para piano y orquesta, de 1885. Además, el éxito de algunas obras de otros compositores franceses había conseguido ganar el favor del público hacia el género. Como en las precedentes obras de Saint-Saëns y Berlioz, así como en sus propias obras anteriores, Franck también empleó una estructura cíclica en la composición de su sinfonía. De hecho, la Sinfonía en Re menor es el ejemplo más claro de la escritura sinfónica cíclica en la tradición musical romántica. Sin embargo, Franck utilizó una sonoridad típicamente germánica, evitando las innovaciones orquestales y el uso de elementos de corte nacionalista, que Saint-Saëns y D'Indy sí utilizaron. Así, esta obra puede considerarse el punto de contacto entre dos diferentes tradiciones musicales: la forma cíclica francesa y la forma romántica alemana, con amplias influencias de Wagner y Liszt.

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Concierto: Junichi Hirokami dirige a la Orquesta de la Suiza italiana Takemitsu, Prokofiev, Franck, Villa–Lobos y Chopin Estreno 15 de octubre 19:30 Argentina/Uruguay | 18:30 Paraguay | 17:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La Orquesta de la Suiza italiana se pone a las órdenes del director japonés Junichi Hirokami en un variopinto y excepcional concierto, en el que son acompañados por Cristina Ortiz, la magnífica pianista brasileña. El programa se conforma del Requiem para orquesta de cuerda, de Tore Takemitsu, el Concierto para piano n.º 3, de Sergei Prokofiev, la Sinfonía en Re menor, de César Franck, y dos breves piezas para piano solo: Alma brasileira, de Heitor Villa-Lobos, y el Estudio Op. 25, n.º 1, de Frédéric Chopin.

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El regreso de Peter Gabriel a los escenarios con un impresionante y poderoso espectáculo

audiovisual en el que interpreta temas nuevos además de algunos de sus hits.

Género: concierto, pop, rock.

Intérpretes: Peter Gabriel, Ane Brun, Melanie Gabriel, Sevara Nazarkhan, Tom Cawley.

Director: Ben Foster.

Orquesta: New Blood Orchestra.

Año: 2011.

Lugar: Hammersmith Apollo, London.


New Blood Live es el tercer álbum en vivo del británico Peter Gabriel. Grabado en el HMV Hammersmith Apollo de Londres el 23 y 24 de marzo de 2011, el concierto contó con Peter Gabriel cantando con la New Blood Orchestra y las actuaciones vocales de Ane Brun, Melanie Gabriel, Sevara Nazarkhan y Tom Cawley. La lista de temas interpretados incluye canciones que van desde los covers con orquesta que se encuentran en su anterior álbum, Scratch My Back, a los nuevos arreglos orquestales que han realizado de principales canciones en solitario, la mayoría de los cuales ya aparecieron en el álbum de estudio de que se tituló como New Blood. La grabación del directo presenta una impresionante visión en 3D y HD, que dan una nueva cara a este espectáculo. Los arreglos orquestales fueron realizados por John Metcalfe junto al propio Peter Gabriel, a excepción de Signal to Noise, que fue realizada por Peter Gabriel y Will Gregory,

Iconos: Peter Gabriel New Blood Live 15 de octubre 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador



además de The Book of Love, la cual ha sido firmada por Nick Ingman. La dirección orquestal corre a cargo de Ben Foster, bien conocido por su trabajo en la serie de ciencia ficción producida por la BBC Doctor Who. La recepción del espectáculo ha sido en general buena. En The Independent, Andy Gill calificó al álbum con tres estrellas sobre cinco y dijo del mismo que el efecto global puede ser agotador y que los nuevos arreglos de las canciones abren callejones oscuros de significado. Nacido en el Reino Unido en 1950, Peter Gabriel es sin duda una de las grandes estrellas de la música popular urbana británica de la segunda mitad del siglo XX. Cantante y

multiinstrumentista –guitarra, teclado, flauta, batería, bajo, armónica–, además de productor discográfico, la fama le llegó de la mano de Genesis, conjunto de rock progresivo del que era vocalista y que fundó en 1967 junto a tres compañeros de secundaria cuando estudiaba en Charterhouse. Tras abandonar el conjunto comenzó una carrera en solitario realmente exitosa en la que ha transitado por varios de los subgéneros del llamado new wave: pop rock, soft rock, avant rock, rock sinfónico, art pop. Su carrera discográfica está repleta de éxitos, llegando varios de sus singles al número 1 en Reino Unido y Estados Unidos. Gabriel es, además, uno de los precursores del llamado stage diving, término con el que referirse al acto de lanzarse desde el escenario al público durante un concierto. Cuando estaba en Genesis fue uno de los primeros en utilizar esta técnica dentro del mundo del espectáculo musical. Fue un visionario del espectáculo global, por eso en Genesis destacaba ya por el uso de disfraces de todo tipo con el que animar sus directos.

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Iconos: Peter Gabriel New Blood Live 15 de octubre 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: New Blood Live es un novedoso e innovador espectáculo con el que el cantante y multiinstrumentista británico regresa a los escenarios. No se pierdan la oportunidad de presenciar este concierto, grabado en 3D y HD, del legendario cantante en el que podrán presenciar una imponente puesta en escena con proyecciones audiovisuales y el espectacular acompañamiento de una orquesta y banda formada por 46 instrumentistas.

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Una de las grandes óperas rusas en magnífica producción del coliseo operístico

londinense, con Stoyanova y Keenlyside en los roles protagonistas.

Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto.

Intérpretes: Krassimira Stoyanova, Simon Keenlyside, Thom Rackett, Vigdis Hentze Olsen, Elena Maximova, Pavol Breslik, Diana Montague, Kathleen Wilkinson, Peter Rose, Christopher Mortagne, Jihoon Kim, Michel de Souza, Ellior Gouldi, Luke Price; Coro de la Royal Opera House; Kasper Holten [dirección de escena], Mia Stensgaard [escenografía], Katrina Lindsay [vestuario], Wolfgang Göbbel [iluminación], Signe Fabricius [coreografía].

Director: Ronin Ticciati.

Orquesta: Orquesta de la Royal Opera House.

Año: 2013.

Lugar: Royal Opera House, London.


Eugene Onegin [Евгений Онегин, Yevgueni Oneguin] es una ópera en tres actos con música de Piotr Ilich Tchaikovski (1840-1893) y libreto en ruso de Konstantín Shilovski y el propio Tchaikovski, sobre la novela homónima en verso de Aleksandr Pushkin, publicada en 1831. Eugene Onegin es probablemente la más apreciada y valorada del total de diez óperas que compuso el autor ruso. El libreto sigue muy estrechamente el original de Pushkin, conservando gran parte de su poesía, a la que Tchaikovski añade música de naturaleza realmente dramática. La historia se refiere a un héroe egoísta que vive lo suficiente para lamentar su displicente rechazo del amor de una joven y su descuidada incitación a un duelo fatal con su mejor amigo. Tchaikovski no consideraba la obra propia de un teatro público, así que decidió estrenarla en una función para el Conservatorio de

Ópera: Eugene Onegin Ópera en tres actos de Piotr Ilich Tchaikovsky 21 de octubre 15:00 Argentina/Uruguay | 22:00 Paraguay | 21:00 Colombia/Ecuador



Moscú, a cargo de un grupo de estudiantes, el 29 de marzo de 1879. La cantante de ópera Yelizaveta Lavróvskaya es la gran culpable de la creación de esta ópera, pues en mayo de 1877 habló con Tchaikovski sobre la posibilidad de crear una ópera basada en la trama de la novela en verso de Pushkin. Al principio la idea le pareció un tanto absurda y poco viable, según sus memorias, sin embargo, pronto fue interesándose más sobre la sugerencia y creó los escenarios en una noche, justo antes de empezar la composición de la música. Así describía el propio autor lo que suponía para él esta ópera: Si alguna vez he compuesto música con pasión sincera, con amor por la historia y por los personajes, es la música de Onegin […] Si los oyentes sintieran tan solo una parte muy pequeña de lo que he experimentado durante la composición de la ópera, me sentiría totalmente satisfecho.

Tchaikovski usó los versos originales de la novela de Pushkin y eligió escenas que implicaban el mundo emocional y la fortuna de los personajes, llamando a la ópera escenas líricas. La ópera es episódica, esto es, no hay una historia continuada, sino momentos seleccionados de la vida de Onegin. Puesto que la historia original era bien conocida, el

compositor ruso sabía que su público podría fácilmente completar los detalles omitidos –algo similar sucede en La bohème de Puccini–.

Para enero de 1878 la ópera estaba concluida. Sin embargo, Tchaikovski estaba notablemente preocupado por si el público aceptaría bien esta ópera, pues carecía de los tradicionales cambios de escena y de una estructura convencional. Creía que su representación exigía máxima simplicidad y sinceridad. Con ello en mente confió la primera producción a los estudiantes del conservatorio de Moscú, en aquel estreno del 29 de marzo de 1879 en el Teatro Maly, bajo la dirección de Nikolay Rubinstein y contando con los escenarios de Karl Waltz. Dos años después se estrenaría en el Teatro Bolshoi de la capital rusa, un 23 de enero de 1881, con el director Enrico Bevignani como encargado. La primera representación fuera de Rusia tuvo lugar el 6 de diciembre de 1888 en Praga, dirigida por el propio Tchaikovski, que se cantó en checo. La primera representación en Hamburgo, el 19 de enero de 1892, fue dirigida por Gustav Mahler, en presencia del compositor. Tchaikovski fue aplaudido después de cada escena y tuvo que salir a saludar al final. Atribuyó este éxito a Mahler, a quien describió como «alguien fuera de lo normal; simplemente un genio ardiendo por un deseo de dirigir.

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Ópera: Eugene Onegin Ópera en tres actos de Piotr Ilich Tchaikovsky 21 de octubre 15:00 Argentina/Uruguay | 22:00 Paraguay | 21:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Acompáñennos a la Royal Opera House londinense para descubrir la que es quizá la ópera más célebre de Piotr Ilich Tchaikovsky. Eugene Onegin llega aquí en las magníficas voces de un brillante plantel solista: Krassimira Stoyanova, Simon Keenlyside, Thom Rackett, Vigdis Hentze Olsen, Elena Maximova, Pavol Breslik, Diana Montague, Kathleen Wilkinson, Peter Rose, Christopher Mortagne, Jihoon Kim, Michel de Souza, Ellior Gouldi, Luke Price. A ellos se une la orquesta y coro de la Royal Opera House, bajo la dirección de Robin Ticciati.

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Otro homenaje al gran compositor veneciano, en un recital de enorme belleza

protagonizado por tres solistas de lujo y el gran ensemble vienés.

Género: concierto, música clásica, música barroca, música sacra.

Intérpretes: Hanna Herfurtner, Joowon Chung, Andreas Scholl; Salzburger Bachchor.

Director: Rubén Dubrovsky.

Orquesta: Bach Consort Wien.

Año: 2017.

Lugar: Basilika Stift Klosterneuburg, Austria.


Antonio Vivaldi (1678-1741) fue un compositor y violinista italiano cuya abundante obra concertística ejerció una influencia determinante en la evolución histórica que llevó al afianzamiento del género concertante, así como de otros géneros puramente instrumentales, como la sonata o la sinfonía. Autor ciertamente prolífico, la producción vivaldiana no se relaciona únicamente con la música instrumental, sino que destacó sobremanera como operista, firmando algunos de los títulos más brillantes en la Europa de la primera mitad del XVIII, además de como un excepcional compositor de música vocal sacra, de la que practicó prácticamente la totalidad de los géneros más importantes del momento, aplicando en ellos su escritura tan particular y definitoria. Célebre al extremo merced a la composición de Las cuatro estaciones, sus conciertos para violín y orquesta, cuya fama ha eclipsado prácticamente el resto de su obra, Vivaldi es con todo

Concierto: Del Ospedale a Concordia Tesoros barrocos: música sacra de Antonio Vivaldi Estreno 21 de octubre 19:15 Argentina/Uruguay | 18:15 Paraguay | 17:15 Colombia/Ecuador



merecimiento uno de los más grandes autores del período Barroco y de la historia de la música occidental.

El genial compositor veneciano, que era conocido como Il prete rosso –por su color de

pelo rojizo y por estar ordenado sacerdote–, vivía un tanto alejado de la vida sacerdotal que le exigía su cargo. En 1703 se unió al Ospedale della Pietà en Venecia. Por aquel entonces, este joven músico tenía 25 años de edad y acababa de ser ordenado sacerdote. Todas las composiciones que se interpretan en este concierto fueron compuestas por Vivaldi precisamente para el Ospedale, donde ejercía como maestro de música y compositor. Esta institución, que acogía a jóvenes huérfanas, presumía en aquel momento de tener uno de los mejores conjuntos instrumentales y vocales de toda Europa, conformado únicamente por féminas. Este orfanato ha sido una institución en Venecia, tanto en el aspecto caritativo de la ciudad, así como en su vida musical. Aquí las niñas de talento musical crecían recibiendo una formación musical de alta calidad, ya que la institución se financiaba, entre otras cosas, con los conciertos que tenían lugar allí y que eran ofrecidas por las propias internas, los cuales eran conocidos internacionalmente, ya que amantes de la música viajaban a Venecia solo para escucharlos. El coro y la orquesta del Ospedale eran más famosos en el siglo XVIII que muchos conjuntos hoy día.

Precisamente el título del concierto, Desde el Ospedale hasta Concordia, hace referencia a este aspecto caritativo que une humanidad y música. Hoy día Europa sigue planteando la problemática de falta vivienda en la infancia, por ejemplo en algunas partes de Europa del Este, donde los niños sufren de necesidades agudas para sobrevivir. Es por eso que la importancia de la asociación Concordia es vital en algunos lugares. Desde que el sacerdote jesuita George Sporschill, hace 25 años, acogiera niños sin hogar en Bucarest para darles comida, ropa y un lugar para dormir, Concordia ha construido numerosos centros sociales. Proporcionan seguridad para el presente y oportunidades para un futuro independiente: una rutina diaria regular, alimentación, educación escolar y por último, pero no menos importante, la educación musical, que para ellos es un pilar fundamental de una vida y un aprendizaje estructurados. Disfruten, pues, de este recital que conjuga el arte y el trabajo por conseguir un mundo mejor para los niños que serán el futuro.

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Concierto: Del Ospedale a Concordia Tesoros barrocos: música sacra de Antonio Vivaldi Estreno 21 de octubre 19:15 Argentina/Uruguay | 18:15 Paraguay | 17:15 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Un nuevo episodio de nuestros Tesoros barrocos, en esta ocasión dedicado una vez más a la música sacra del genial Antonio Vivaldi. Las voces solistas corresponden a las sopranos Hanna Herfurtner y Joowon Chung, así como al excepcional contratenor Andreas Scholl. Les acompaña el Bach Consort Wien y el Salzburger Bachchor, todos bajo la dirección de Rubén Dubrovsky, para interpretar algunas de sus obras sacras más relevantes: Concerto grosso RV 156, Sonata al Santo Sepolcro RV 130, Filiae Maestae Jerusalem RV638, Stabat Mater RV 612, Vestro Principi Divino RV 633, Beatus vir RV 598 y el celebérrimo Gloria RV 589.

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El excepcional pianista chino en un recital que le dejará fascinado, en el que interpreta a

dos de sus compositores fetiche: Chopin y Mozart.

Género: concierto, música clásica, música romántica, piano.

Intérpretes: Lang Lang.

Año: 2014.

Lugar: Royal Albert Hall, Londres.


El pianista chino Lang Lang es un auténtico fenómeno mediático que se ha convertido en una de las principales figuras del mainstream de la interpretación pianística del siglo XXI. Niño prodigio, comenzó a tocar el piano con tan solo tres años, y a los cinco ya había ganado su primer concurso. Su carrera, fulgurante y casi sin respiros, supone uno de los casos más impresionantes en la interpretación a lo largo de la historia. Criticado por algunos que dicen no es más que un niño amaestrado para tocar el mayor número de notas de la manera más rápida y eficaz posible, Lang muestra aquí que es capaz de interpretar con la introspección y expresividad merecidas algunas de las piezas más exigentes en el campo de la psicología interpretativa, más allá de cualquier aspecto técnico.

Poco o nada puede decirse hoy en día acerca de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), el genial compositor austríaco, sin duda uno de los mejores creadores en toda la historia

Concierto: Lang Lang en el Royal Albert Hall Mozart & Chopin Estreno 22 de octubre 20:45 Argentina/Uruguay | 19:45 Paraguay | 18:45 Colombia/Ecuador



de la humanidad. Su estilo compositivo representa esencialmente la síntesis de muchos elementos diferentes, que se fueron conformando en sus años vieneses, desde 1781 en adelante, en un lenguaje que ahora se considera como un hito del clasicismo vienés. Su música madura, que se distingue por su belleza melódica, su elegancia formal y su riqueza de la armonía y la textura, está profundamente influida por la ópera italiana, aunque también enraizada en las tradiciones instrumentales de Austria y del sur de Alemania. A diferencia de Haydn y Beethoven destacó en todos los ámbitos y corrientes de su tiempo. Uno de sus corpus instrumentales principales es el de las sonatas para piano. Constituyen una serie de veinticinco obras escritas entre 1774 y 1789. Entre las sonatas hay dieciocho compuestas para piano solo a dos manos, seis escritas para piano a cuatro manos y una compuesta para dos pianos. El éxito histórico de estas obras radica en la naturaleza misma de la música: para el aprendiz son piezas de una dificultad asequible que le proporcionan ejemplos para desarrollar su técnica interpretativa. Pero la sensación de facilidad que transmite la escritura mozartiana no se corresponde con la realidad de una música que, como conoce el pianista profesional, exige grandes dosis de delicadeza y claridad en su ejecución. Mozart compuso sus sonatas para piano con cuatro finalidades: I. para sus conciertos como intérprete; II. como material docente para sus alumnas; III. como regalo para agasajar a algún noble a cambio de una gratificación; IV. para venderlas a los editores, quienes rápidamente las ponían en circulación en un creciente mercado musical. Las sonatas interpretadas en el presente recital son: n.º 5 en Sol mayor KV 283; n.º 4 en Mi bemol mayor KV 282 y n.º 8 en La menor KV 310. Si hay un caso paradigmático en la historia de la música para piano en el siglo XIX ese es sin duda el del polaco Frédéric Chopin (1810-1849), ejemplo de compositor romántico entregado por completo al instrumento, cuyo perfil de intérprete y compositor adquieren una simbiosis casi perfecta. A pesar de su corta vida, Chopin es autor de un corpus pianístico de gran calibre y una absoluta referencia en la creación para el instrumento en el siglo XIX, en el que la mayor parte de las piezas tienen un carácter introspectivo y, dentro de contornos formales claramente definidos, tienden a sugerir una cualidad improvisatoria. Su producción para piano solo se puede clasificar en: I. grupo de obras clásicas, entre las que están sus tres sonatas y dos ciclos específicos: los estudios

[Opp. 10 y 25] y los 24 preludios [Op. 28]; II. obras basadas en modelos de danza –molde

formal ABA–, como polonesas, mazurcas y valses; y III. microformas libres, como sus 22 nocturnos, 3 impromptus, una fantasía-impromptu, 4 baladas, 4 scherzos, la Fantasía en Fa menor Op. 49, 2 rondó, la Polonesa-Fantasía Op. 61, la Berceuse Op. 57 y la Barcarola Op. 60. De él se interpretan aquí los cuatro ejemplos de un mismo género, la balada: n.º 1, Op. 23; n.º 2, Op. 38; n.º 3, Op. 47; y n.º 4, Op 52.

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Concierto: Lang Lang en el Royal Albert Hall Mozart & Chopin Estreno 22 de octubre 20:45 Argentina/Uruguay | 19:45 Paraguay | 18:45 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Un magnífico recital a solo del gran pianista chino del siglo XX. Siéntese para disfrutar de Lang Lang interpretando cuatro baladas de Frédéric Chopin [n.º 1, Op. 23; n.º 2, Op. 38; n.º 3, Op. 47; y n.º 4, Op 52.] y tres sonatas del genial Wolfgang Amadeus Mozart [n.º 4 KV 282, n.º 5 KV 283 y n.º 8 KV 310], en un evento de primer nivel desde una de las salas de conciertos más prestigiosas del mundo.

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La conjunción vocal más legendaria de la historia en el recital que dio inicio a este trío

que cambió la concepción de la música clásica para siempre.

Género: concierto, música clásica, música romántica, musical, voz.

Intérpretes: Luciano Pavarotti, Plácido Domingo, Josep Carreras.

Director: Zubin Mehta.

Orquesta: Orquesta del Teatro de la Ópera de Roma, Orquesta del Maggio Musical Fiorentino.

Año: 1990.

Lugar: Termas de Caracalla, Roma.


Los Tres Tenores es el nombre con el que se conoció el trío conformado por tres de las voces masculinas de mayor importancia en el siglo XX: Luciano Pavarotti, Plácido Domingo y Josep Carreras. A lo largo de poco más de una década desarrollaron una labor conjunta ofreciendo una serie de conciertos cuyo repertorio comprendía desde óperas y obras de Broadway hasta canciones napolitanas y éxitos de la música pop adaptadas al mundo de la lírica. Fue el productor italiano Mario Dradi el creador de la gallina de los huevos de oro, cuando se le ocurrió la idea de conjugar estas tres personalidades tan influyentes en un espectáculo que acercara el mundo de la ópera a las masas. El primero de los conciertos se llevó a cabo para recaudar fondos para la Fundació Internacional Josep Carreras en la lucha contra la leucemia, lo que sirvió además para Domingo y Pavarotti para dar la bienvenida a Carreras de nuevo al mundo de la ópera tras haber tenido

Concierto: Los Tres Tenores en las Termas de Caracalla Estreno 28 de octubre 21:30 Argentina/Uruguay | 20:30 Paraguay | 19:30 Colombia/Ecuador



éxito en su tratamiento contra dicha enfermedad. Para el primer concierto de 1990 se planificó como escenario la ciudad de Roma, aprovechando además el final de la Copa

Mundial de Fútbol de 1990 que tenía lugar en el país italiano. El concierto de Roma –que

puede disfrutarse aquí– resultó un enorme éxito, y las grabaciones del mismo resultaron un logro de ventas nunca visto hasta el momento. El éxito del concierto de 1990 motivó que el espectáculo quedara denominado definitivamente como Los Tres Tenores, quienes continuaron cantando juntos en conciertos producidos por el mánager húngaro Tibor Rudas y otros productores. Así, se planificó un segundo espectáculo en el Dodger Stadium de Los Angeles antes del partido final de la Copa Mundial de Fútbol de 1994, el cual contó con una asistencia masiva y cuyas grabaciones discográficas y televisivas repitieron el gran éxito de cuatro años antes.

Ante ello, el espectáculo de Los Tres Tenores fue repetido en el Campo de Marte de París, bajo la Torre Eiffel durante la Copa Mundial de 1998, y luego se realizó en Yokohama con motivo de la Mundial de Fútbol del 2002. También se organizaron conciertos similares en otras ciudades de todo el mundo [Londres, Nueva York…], generalmente presentándose en estadios u otros grandes espacios. En Chile, un evento similar se hizo bajo el nombre de Chile tres tenores cantan a Santiago, inspirado en las actuaciones de Domingo, Pavarotti y Carreras en aquellas finales de mundiales. Los conciertos fueron un gran éxito comercial y fueron acompañados por una serie de grabaciones de gran éxito, incluyendo Carreras-Domingo-Pavarotti: Los Tres Tenores en Concierto, registro ganador de un Premio Grammy por Mejor interpretación vocal clásica, que posee además el récord mundial Guinness para el álbum de música clásica más vendido en la historia; Los Tres Tenores en Concierto 1994; Los Tres Tenores: París 1998, Los Tres Tenores Navidad; Lo mejor de Los Tres Tenores. El director indio Zubin Mehta, uno de los habituales en sus actuaciones, fue encargado de las actuaciones en 1990 y 1994.

El presente recital incluye las siguientes obras: Il Lamento di Federico [Cilèa], Ô, Paradis! [Meyerbeer], Recondita armonia, E lucevan le stelle, Nessun dorma [Puccini], Dein ist mein ganzes Herz [Lehár], Rondine al nido [de Crescenzo], Core'ngrato [Sisca], obertura de I Vespri Siciliani [Verdi], Torna a Surriento [De Curtis], Granada [Lara], No puede ser [Sorozábal], L’improvviso [Giordano], medley final: Maria – Tonight – O paese d'o sole - Cielito lindo – Memoria - Ochi tchorniye - Caminito – La vida en rosa – Mattinata - Wien, Wien, nur du allein - Amapola - O sole mio.

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Concierto: Los Tres Tenores en las Termas de Caracalla Estreno 28 de octubre 21:30 Argentina/Uruguay | 20:30 Paraguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Pocos artistas han sido capaces de conjugar sus personalidades de manera más eficaz que Luciano Pavarotti, Plácido Domingo y Josep Carreras cuando dieron vida a los célebres Tres Tenores. Le invitamos a disfrutar de uno de sus conciertos de leyenda, en las magníficas Termas de Caracalla. Un repertorio con lo mejor de la ópera y la lírica menor, encarnado por autores como Cilèa, Meyerbeer, Puccini, Lehár, di Crescenzo, Cardillo, de Curtis, Lara, Sorozabal, Giordano, Di Capua, Bernstein o Lloyd Webber. Les acompaña, como era habitual, la batuta del gran Zubin Metha, dirigiendo a las Orquestas de la Ópera de Roma y del Maggio Musical Fiorentino.

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Uno de los grandes títulos operísticos del autor italiano, servido en bandeja para su

disfrute, desde uno de los lugares más imponentes del panorama lírico.

Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto, verismo.

Intérpretes: Fiorenza Cedolins, Marcelo Álvarez, Ruggero Raimondi, Marco Spotti, Fabio Previati, Enrico Facini, Giuliano Pelizon, Angelo Nardinocch y Ottavia Dorrucci; Coro del Arena de Verona; Hugo de Ana [dirección de escena, escenografía, vestuario e iluminación].

Director: Daniel Oren.

Orquesta: Orquesta del Arena de Verona.

Año: 2006.

Lugar: Arena de Verona.


Tosca, ópera en tres actos, con música de Giacomo Puccini y libreto en italiano de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa, fue estrenada con éxito en el Teatro Costanzi de Roma, el 14 de enero de 1900. El texto de la obra está basado en un intenso drama, La Tosca, de Victorien Sardou, presentado en París en 1887. Tosca es considerada una de las óperas más representativas del repertorio verista italiano, por su intensidad dramática y por contener algunas de las arias más bellas del repertorio. El argumento combina amor, intriga, violencia, pasión y muerte. Junto a sus otras óperas, Madama Butterfly, La Bohème y Turandot integra el cuarteto de óperas más conocidas de Puccini.

Ópera: Tosca Ópera en tres actos de Giacomo Puccini 29 de octubre 19:30 Argentina/Uruguay | 18:30 Paraguay | 17:30 Colombia/Ecuador



La pieza teatral homónima, de Victorien Sardou, se estrenó en Paris en 1887. Puccini pudo asistir en su presentación en Milano, contando la célebre actriz Sarah Bernhardt en el papel protagonista. Automáticamente pidió a su editor, Giulio Ricordi, que adquiriera los derechos de dicha obra, pues veía en ella una fuente magnífica sobre la que componer. Finalmente los derechos fueron vendidos al compositor Alberto Franchetti en 1893. Illica comenzó inmediatamente con la escritura del libreto. Tras unos pocos meses de trabajo, Franchetti se dio cuenta de que no estaba en condiciones de componer la música para esta obra, por lo que Ricordi pidió a Puccini tal empresa. Inicialmente Puccini se negó, al mostrarse ofendido por ser considerado como un arreglo de emergencia, pero terminó

aceptando, en parte gracias a la intercesión de Giuseppe Verdi –quien estaba también fascinado con la obra, aunque no mostró interés en componer una ópera sobre la historia,

puesto que su desenlace no le agradaba en exceso–. Comenzó a componer la ópera en 1896, tras haber concluido La Bohème. Ricordi encomendó a la vez a Giacosa trabajar junto con Luigi Illica en el libreto. En octubre de 1899, tras tres años de una colaboración ardua

y compleja –disputas entre los libretistas, Puccini y Sardou incluidas–, la ópera fue terminada y estrenada en medio de gran expectativa, logrando un gran éxito. Actualmente, Tosca es una de las óperas más destacadas del repertorio operístico estándar y aparece como la número 6 en la lista de Operabase de las óperas más representadas en todo el mundo entre 2005-2010.

A nivel musical la obra mantiene el estilo desarrollado por Puccini hasta este momento: continuidad del discurso musical, que es roto apenas por una o dos arias de gran impacto emocional y musical. Las escenas más impresionantes son el Te Deum del final del primer acto, así como las arias Vissi d'arte [Tosca] y E lucevan le stelle [Mario]. Dramáticamente logra en su segundo acto una intensidad que probablemente no se ha igualado en ninguna otra ópera de Puccini. La acción transcurre en Roma, el 14 de junio de 1800, cuando Napoleón vence a los austríacos al mando del general Michael von Melas en la batalla de Marengo.

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Ópera: Tosca Ópera en tres actos de Giacomo Puccini 29 de octubre 19:30 Argentina/Uruguay | 18:30 Paraguay | 17:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Acompáñennos hasta Verona, la hermosa ciudad del Véneto, para deleitarse con Tosca, una de las más maravillosas óperas de Giacomo Puccini, sin duda uno de los mejores operistas de la historia. Llega en esta emisión desde el Arena di Verona, uno de los centros operístico más monumentales del mundo, auténtico templo del género. Le dan vida las voces de Fiorenza Cedolins, Marcelo Álvarez, Ruggero Raimondi, Marco Spotti, Fabio Previati, Enrico Facini, Giuliano Pelizon, Angelo Nardinocch y Ottavia Dorrucci, a los que acompañan la Orquesta y Coro del Arena de Verona, bajo la dirección musical de Daniel Oren.

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