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Allegro HD – Destacados de programación – Noviembre 2017

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Destacados de programación – Noviembre 2017



Destacados de programación Noviembre 2017

ÓPERA – Un ballo in maschera, ópera en tres actos de Giuseppe Verdi – 4 de noviembre – Pág. 3

CONCIERTO – Neville Marriner dirige a la Orquesta de la Suiza italiana: Mozart, Britten & Dvořák

– Estreno 5 de noviembre – Pág. 5

ÓPERA – Manon, ópera en cinco actos de Jules Massenet – 11 de noviembre – Pág. 7

CONCIERTO – Serge Baudo dirige a la Orquesta de la Suiza italiana: Tchaikovsky, Weber & Hindemith – Estreno 11 de noviembre – Pág. 9

ICONOS – James Blunt en Baloise Session – 12 de noviembre – Pág. 11

CONCIERTO – Simon Rattle & Filarmónica de Berlín: Dvořák & Brahms – Estreno 12 de noviembre

– Pág. 13

Barenboim 75 años CONCIERTO – Daniel Barenboim & Orquesta West-Eastern Divan en Marsella – 15 de noviembre –

Pág. 15 CONCIERTO – Daniel Barenboim, Orquesta Estatal de Berlín & Andris Nelsons: conciertos para

piano de Chopin – 16 de noviembre – Pág. 17 CONCIERTO – Daniel Barenboim, Martha Argerich & Orquesta West-Eastern Divan en el Teatro

Colón – 17 de noviembre – Pág. 19

CONCIERTO – Herbert Blomstedt dirige Beethoven a la Orquesta del Gewandhaus de Leipzig – Estreno 18 de noviembre – Pág. 21

Barenboim 75 años

CONCIERTO – Daniel Barenboim & Anna Netrebko: Canciones rusas – 18 de noviembre – Pág. 23 ÓPERA – La novia del zar, ópera en cuatro actos de Nikolay Rimski-Korsakov – 19 de noviembre

– Pág. 25

DOCUMENTAL – Olga Peretyatko: Mi amor por Rossini – Estreno 19 de noviembre – Pág. 27

Barenboim 75 años CONCIERTO – Festival de Salzburg 2010: concierto de apertura con Daniel Barenboim &

Filarmónica de Viena – 19 de noviembre – Pág. 29 DOCUMENTAL – Barenboim en Beethoven: nueve sinfonías que cambiaron el mundo – 20 de

noviembre – Pág. 31 CONCIERTO – Sinfonía n.º 8, de Anton Bruckner: Daniel Barenboim & Orquesta Estatal de Berlín

– 21 de noviembre – Pág. 33 CONCIERTO – La noche rusa: Concierto Odeonsplatz con Mariss Jansons – 24 de noviembre – Pág.

35

ÓPERA – La flauta mágica: ópera en dos actos de Wofgang Amadeuz Mozart – 25 de noviembre – Pág. 37

CONCIERTO – Gala de ópera Bonn 2016: Kermes, Navikova, di Biasio, Prudenskaya, Gillebo,

Luciano, Skerath & Johannsen – Estreno 25 de noviembre – Pág. 39

ICONOS –Dionne Warwick en Avo Session – 26 de noviembre – Pág. 41

CONCIERTO – Oliver Cuendet dirige a la Orquesta de la Suiza italiana: Haydn & Boccherini – Estreno 26 de noviembre – Pág. 43



Otro de los geniales títulos operísticos verdianos en emisión desde uno de los grandes centros de la ópera italiana, la Arena de Verona.

Género: ópera, música clásica, música romántica, belcanto.

Intérpretes: Francesco Meli, Luca Salsi, Hui He, Elisabetta Fiorillo, Serena Gamberoni, William Corrò, Seung Pil Choi, Deyan Vatchkov, Antonio Feltracco, Severio Fiore, Coro de la Arena de Verona, Cuerpo de baile de la Arena de Verona; Pier Luigi Pizzi (dirección de escena, escenografía y vestuario), Vincenzo Raponi (iluminación), Renato Zanella (coreografía).

Director: Andrea Battistoni.

Orquesta: Orquesta de la Arena de Verona.

Año: 2010.

Lugar: Arena de Verona.

Duración: 145 minutos.

Un ballo in maschera, ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi (1813–1901) y libreto de Antonio Somma, basado en el libreto de Eugène Scribe para otra ópera, Gustave III, de Daniel–François Auber. Se trata de un tema ya conocido, precisamente por ser tratados por algunos autores en otras óperas. Tiene como centro narrativo el asesinato del rey Gustave III de Suecia, fruto de una conspiración en su contra urdida precisamente en el transcurso de un baile de máscaras, de ahí el título escogido por Verdi tan acertadamente, aunque en un comienzo había elegido el mismo título que Auber.

Ópera: Un ballo in maschera Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi 4 de noviembre 17:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Paraguay | 15:00 Colombia/Ecuador



Como en otras ocasiones a lo largo de su carrera, Verdi tuvo que vérselas con la censura, de tal manera que hasta convertirse en la ópera que conocemos hoy día, el libreto y la ópera tuvieron que sufrir varias transformaciones. Las ideas independentistas estaban muy en boga en la Italia de este momento, una Italia por otra parte dominada aún por el Imperio Austro–húngaro, por lo que los censores no saltaron por alto un libreto en el que se asesinaba a un rey. La génesis de la obra se convirtió realmente en un proceso largo y muy molesto para el autor, llegando incluso a los tribunales, donde él mismo en su defensa dicto: un músico que se respete y que respete su arte no puede ni debe deshonrarse aceptando […] tales monstruosidades que violan los principios más elementales de arte dramático y envilecen la conciencia del artista.

Para noviembre de 1857 Verdi informó a Somma de que habían surgido algunas objeciones por parte de los censores, que rechazaban la representación de un monarca en escena, más aún cuando este es asesinado. Ambos se ponen a trabajar y acometen cambios de importancia. El 9 de enero de 1858, antes de prepararla para Napoli, Verdi escribió al Teatro San Carlo para comunicarles que la ópera está hecha e incluso aquí yo estoy trabajando en la partitura completa. Verdi viaja a Napoli para empezar los ensayos de

Una vendetta in dominò –nuevo título dado a la obra–, el 14 de enero de 1858, pero justo en ese momento tres italianos intentaron asesinar al emperador Napoleón III en Paris, lo que probablemente provoca una nueva revisión de la obra por la censura. La imposición de nuevas exigencias terminó por desquiciar a Verdi, que rompe su contrato, lo que conlleva una demanda por parte de la gerencia del Teatro San Carlo. Esto le hizo lanzar una contrareclamación contra el teatro por daños. Transcurridos unos pocos meses se resolvió el litigio. Verdi fue libre de presentar el libreto y el esquema musical al Teatro Apollo de Roma. Únicamente tuvo que trasladar su acción de Europa a un nuevo lugar, una gobernación británica en el Nuevo Mundo, en Boston, situando la acción a finales del siglo XVII. Tuvo que alterar el rol principal del rey por otro, el conde de Warwick. Se estrenó finalmente el 17 de febrero de 1857. Se trata de una ópera en cierta manera ambigua, más coral, en el sentido de que los personajes principales se desdibujan frente al resto, y que supone una interesante mezcla entre el modelo operístico claramente italiano, pero con toques del drama francés. Obra muy refinada y realmente sofisticada, presente a un Verdi de nuevo capaz de mover a sus personajes entre el contraste y la reflexión interior.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00158_Un%20ballo_in_Maschera_Arena_di_Verona_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00158_Un%20ballo_in_Maschera_Arena_di_Verona_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00158_Un%20ballo_in_Maschera_Arena_di_Verona_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00158_Un%20ballo_in_Maschera_Arena_di_Verona_4.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00158_Un%20ballo_in_Maschera_Arena_di_Verona_5.jpg

Ópera: Un ballo in maschera Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi 4 de noviembre 17:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Paraguay | 15:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Nos vamos de viaje al corazón de Italia, directos a Verona, a una de las cunas de la ópera italiana, la fascinante Arena de Verona. Desde allí podrán deleitarse con la emisión de Un ballo in maschera, poderoso melodrama de Giuseppe Verdi en interpretación del equipo de la Arena de Verona que sustenta a un elenco vocal protagonizado por Francesco Meli, Luca Salsi, Hui He y Elisabetta Fiorillo. Dirige la escena Pier Luigi Pizzi y lo musical Andrea Battistoni.

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Uno de los grandes directores del siglo XX al frente de la magnífica orquesta suiza,

en un programa triple que le fascinará.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música contemporánea, música sinfónica.

Director: Neville Marriner.

Orquesta: Orquesta de la Suiza italiana.

Año: 1999.

Lugar: Palacio de congresos, Lugano.


Fundada en Lugano en 1935 como Orquesta de la Radio de la Suiza italiana, jugó un papel crucial en el desarrollo musical de la región, ayudando a establecer importantes festivales en Lugano, Locarno y Ascona desde la década de 1940. Ha sido dirigida por grandes figuras musicales como Ansermet, Stravinsky, Stokowski, Celibidache y Scherchen, y colaboró con compositores como Mascagni, Richard Strauss, Honegger, Milhaud, Martin, Hindemith, Berio, Henze y Penderecki. Su primer conductor principal fue Leopoldo Casella. Le sucedió Otmar Nussio en 1938, bajo cuya dirección la orquesta ofreció un gran número de conciertos abriéndose de manera muy amplia a los compromisos internacionales. De 1969 a 1991, con Marc Andreae como director principal, consolidó su reputación, ampliando su repertorio e interpretando las primeras obras de los

Concierto: Neville Marriner dirige a la Orquesta de la Suiza italiana

Mozart, Britten & Dvořák Estreno 5 de noviembre 21:30 Argentina/Uruguay | 20:30 Paraguay | 19:30 Colombia/Ecuador



principales compositores vivos. En 1991 la orquesta tomó su nombre actual y comenzó a ganar reconocimiento internacional, actuando en los escenarios más prestigiosos de Viena, Amsterdam, San Petersburgo, París, Roma, Milán o Salzburgo. En 1999 comenzó su estrecha colaboración con Alain Lombard, quien primero asumió el cargo de director principal y en 2005 fue nombrado director honorario. Desde septiembre de 2013 la OSI ha trabajado con el gran director y pianista Vladimir Ashkenazy, quien dirigiría la orquesta las siguientes cuatro temporadas como director invitado principal. A partir de la temporada 2015-16 OSI es dirigida por el director alemán Markus Poschner, quien guía la orquesta en la actualidad.

Sir Neville Marriner (1924- 2016) fue un violinista y director de orquesta británico, sin duda una de las figuras más destacadas de la dirección en el siglo XX. Estudió en el Royal College of Music y en el Conservatorio de París. Después de ejercer como docente en 1947-1948 en el Eton Collage, llegó a ser profesor titular en la Royal Academy of Music a partir de 1949, alternando labor con su pertenencia al Martin String Quartet. En 1956 se convirtió en principal de los segundos violines en la London Symphony, hasta 1968. Después de haber formado con Thurston Dart el Jacobean Ensemble, conjunto especializado en la música de los siglos XVII y XVIII, se trasladó brevemente a los Estados Unidos para formarse en dirección de orquesta con Pierre Monteux. A partir de 1958 comenzó a juntar en su casa de Kensington a doce compañeros de la London Symphony, relación de la que surgió la famosa orquesta de cámara Academy of Saint Martin in the Fields, inicialmente sin director. Marriner la fundó con el propósito de recuperar los repertorios, poco explorados por entonces, del Clasicismo y el Barroco a partir de criterios que pretendían aproximarse a las músicas desde el rigor musicológico e interpretativo. Marriner fundó también la Orquesta de Cámara de Los Ángeles, dirigió la Orquesta de Minnesota de 1979 a 1986 y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Stuttgart de 1986 a 1989. También tuvo un vínculo duradero fue con la Orquesta de Cadaqués, de la que era desde 1992 principal Director Invitado. En 1979 se le concedió el título de Comendador de la Orden del Imperio Británico y en 1985 el título honorífico de caballero. En 1995 recibió el título de la Orden de las Artes y las Letras por parte del Ministerio de la Cultura de Francia por su contribución y compromiso con la cultura francesa.

En este programa se interpretan tres obras: la Sinfonía n.º 35 en Re mayor, intitulada Haffner, de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), obra de 1782 en la que se observa su evolución en la sinfonía clásica; Cuatro interludios marinos, extracto de la ópera Peter Grimes, de Benjamin Britten (1913-1976), compuestos como intermedios de la ópera para poder realizar rápidos cambios de escena; y la Sinfonía n.º 8 en Sol mayor, de Antonín Dvořák (1841-1904), obra compuesta en 1889 y estrenada en Praga el 2 de febrero de 1890, con la dirección del propio autor.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00404_Marriner_conducts_OSI _1.jpg

Concierto: Neville Marriner dirige a la Orquesta de la Suiza italiana Mozart, Britten & Dvořák Estreno 5 de noviembre 21:30 Argentina/Uruguay | 20:30 Paraguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Neville Marriner dirige a la célebre Orquesta de la Suiza italiana en este magnífico concierto en el que se interpretan tres obras bien diferentes, pero igual de extraordinarias: la Sinfonía n.º 35, Haffner, de Wolfgang Amadeus Mozart; Cuatro interludios marinos extraídos de la ópera Peter Grimes, de Benjamin Britten, y la Sinfonía n.º 8, de Antonín Dvořák.

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La ópera más célebre del compositor francés, que cuenta con Netrebko y Villazón como

protagonistas y la dirección de Barenboim.

Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto.

Intérpretes: Anna Netrebko, Rolando Villazón, Alfredo Daza, Christof Fischesser, Rémy Corazza, Arttu Kataja, Hanan Alattar, Gal James, Silvia de la Muela, Matthias Vieweg; Staatsopernchor; Vincent Paterson [dirección de escena y coreografía], Johannes Leiacker [escenografía], Susan Hilferti [vestuario], Duane Schuler [iluminación].

Director: Daniel Barenboim.

Orquesta: Orquesta Estatal de Berlin.

Año: 2007.

Lugar: Staatsoper Unter den Linden, Berlin.


Manon es una ópera en cinco actos compuesta por Jules Massenet sobre libreto en francés de Henri Meilhac y Philippe Gille, a su vez basado en la novela de Abbé Prévost, Manon Lescaut, que del mismo modo inspiró a Giacomo Puccini para la composición de su ópera homónima. Se estreno tuvo lugar en la Opéra-Comique de París el 19 de enero de 1884, con Marie Heilbronn en el papel principal, quien lo interpretó con un éxito clamoroso unas ochenta veces. Solo su muerte interrumpió la serie de representaciones, ante lo que Massenet prefirió retirar la obra de la escena antes de que ese papel fuera encarnado por otra cantante. Tras el incendio de la Opéra-Comique, Manon ya había entrado de manera definitiva en el repertorio de numerosos teatros de todo el mundo,

Ópera: Manon Ópera en cinco actos de Jules Massenet 11 de noviembre 15:00 Argentina/Uruguay | 14:00 Paraguay | 13:00 Colombia/Ecuador



para regresar el lugar de su estreno diez años después, tras lo cual se ha representado en más de mil ocasiones. Sin embargo, no fueron Massenet ni Puccini los primeros en atender a esta historia, pues ya Halévy [Manon Lescaut, ballet, 1830] y Auber [Manon Lescaut, opéra comique, 1856] habían usado el tema para obras escénicas de cierta importancia. Massenet comenzó a ocuparse del tema en 1881, completando la ópera en un plazo de dos años, para lo cual trabajó temporalmente en El Havre, la misma casa en la que un siglo antes había trabajado el abate Prévost en su novela. L'Histoire du Chevalier Des Grieux et de Manon Lescaut es una célebre y en cierta parte autobiográfica novela del abate Antoine Francois Prévost d'Exiles, que narra la aparentemente verídica historia de una pareja de enamorados: Des Grieux sigue a Manon al destierro norteamericano y allí, después de la muerte de la joven, se casa y echa raíces. Meilhac y Gille siguieron el original de Prévost, excepción hecha de la última escena, que sitúan en Francia, mientras que la novela original lo hace en Norteamérica. A partir de la excelente novela se logra algo no tan habitual como puede parecer, la factura de un buen libreto, en el que los contrastes son llevados a extremos con una lograda efectividad: pasión auténtica y el medio frívolo: la sala de juego y la iglesia; el trajín mundano y la muerte en la soledad…

Massenet se ajusta de manera brillante al libreto. Su música es inspirada, llena de melodías que expresan multitud de sentimientos, y está construida e instrumentada de manera brillante. Algunas escenas constituyen puntos culminantes de la obra de su creador y de la ópera francesa: la descripción del sueño de Des Grieux, Manon despidiéndose de la pequeña mesa del modesto nido de amor en que pasó horas felices con Des Grieux, la grandiosa aria de éste, en la que trata de ahuyentar, ya en el convento, la imagen de Manon que se le aparece constantemente, así como varios dúos de amor. Esta ópera sigue en el repertorio, aunque no está entre las más representadas de manera habitual. En las estadísticas de Operabase aparece la n.º 89 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 10.ª en Francia y la segunda de Massenet, con 43 representaciones.

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Ópera: Manon Ópera en cinco actos de Jules Massenet 11 de noviembre 15:00 Argentina/Uruguay | 14:00 Paraguay | 13:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Un deleite fascinante: Manon, la gran ópera de Jules Massenet, en una magnífica producción de la Staatsoper Unter den Linden berlinesa, que cuenta con las voces de Anna Netrebko, Rolando Villazón, Alfredo Daza, Christof Fischesser, Rémy Corazza, Arttu Kataja, Hanan Alattar, Gal James, Silvia de la Muela y Matthias Vieweg, a las que se unen el Staatsopernchor y la Staatskapelle Berlin, todos bajo la dirección musical del gran Daniel Barenboim.

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Magnífico programa doble con la excelsa Orquesta de la Suiza italiana a la que dirige aquí

el francés Serge Baudo.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música contemporánea, música sinfónica, piano.

Intérpretes: Mikhail Rudy.

Director: Serge Baudo.


Año: 2000.



Tras formarse en el Conservatorio de París, donde obtuvo el primer premio en armonía y dirección de orquesta, Serge Baudo (1927) comenzó su carrera como percusionista en la Orquesta Lamoureux. Después sería director de la Orquesta de la Radio de Niza de 1959 a 1962, justo antes de ser nombrado director de la Opera de París entre 1962 y 1965. Trabajó en la música de dos películas-documentales de Jacques-Yves Cousteau: Le Monde sans soleil [1964] y Voyage au bout du monde [1976]. Realizó los estrenos mundiales de las óperas La mère coupable [1966], de Darius Milhaud, y Andrea del Sarto [1969], de Jean-Yves Daniel-Lesur. En julio de 1970 llevó a cabo la dirección de la premier de la obra de Henri Dutilleux, Tout un monde lointain..., con Mstislav Rostropovich y la Orquesta de

Concierto: Serge Baudo dirige a la Orquesta de la Suiza italiana Mendelssohn & Rachmaninov Estreno 11 de noviembre 21:30 Argentina/Uruguay | 20:30 Paraguay | 19:30 Colombia/Ecuador



París en el Festival de Aix-en-Provence. Realizó también distintas grabaciones de las sinfonías completas de Arthur Honegger con la Filarmónica Checa. A finales de 1970 se convirtió en director musical de la Orquesta Filarmónica de Rhône-Alpes, puesto en el que permaneció hasta 1987. Durante su tiempo en Lyon fundó el Festival Berlioz en 1979. También fue director principal de la Orquesta della Svizzera Italiana [1997 a 2000] y de la Orquesta Sinfónica de Praga [2001 a 2006]. En su honor, el 6 de marzo de 2004 el asteroide 36235 recibió el nombre de Sergebaudo.

El concierto se divide entre dos de los grandes autores de la historia de la música. Del alemán Felix Mendelssohn (1809-1847) se interpreta la obertura de Ruy Blas Op. 95, que es el resultado de una petición a Mendelssohn por parte del Fondo Teatral de Pensiones de Leipzig, una organización de caridad que a Mendelssohn le gustaba apoyar. Tenían la intención de presentar la obra Ruy Blas, de Victor Hugo, para lo que le pidieron una obertura y una canción para la producción. Mendelssohn se mostró inicialmente en contra de la obertura, más aún al leer la obra, que le resultó bastante horrible, por lo que renunció cortésmente a escribir una obertura. Entonces pensó en la situación y se dio cuenta de que había dado la impresión de que no podía escribir una obertura en el espacio de unos meses. Su naturaleza competitiva se encendió y escribió la obertura en tres días. La otra obra es la Sinfonía n.º 5 en Re mayor, conocida como de la Reforma. Fue compuesta por Mendelssohn en 1830 y estrenada en noviembre de 1832, en Berlín. La sinfonía se compuso en honor al tricentenario de la presentación de las confesiones de Augsburgo. En ellas Mendelssohn incluye dos temas de manifiestos protestantes que normalmente no tendrían cabida en una sinfonía: el Dresden Amen y el coral Ein' feste Burg ist unser Gott.

Del otro gran autor, el ruso Sergei Rachmaninov (1873-1943), se interpreta el Concierto para piano n.º 1 en Fa sostenido menor, iniciado en 1890 y terminado el 6 de julio de 1891. El primer movimiento fue interpretado en Moscú el 17 de marzo de 1892, con el compositor en el piano y Vasily Safonov dirigiendo la Orquesta del Conservatorio de Moscú. En octubre de 1917 Rachmaninov inició amplias revisiones, que terminaron el 10 de noviembre de 1917. Años atrás, cuando Rachmaninov era estudiante, tenía gran respeto por Tchaikovski, quien a su vez dio apoyo al joven compositor. Por lo tanto, no es sorprendente que Rachmaninov muestre su deuda con los conciertos para piano del viejo compositor. Él mismo hablaba así de la obra: He vuelto a escribir mi Primer Concierto. Ahora es verdaderamente bueno. Tiene toda la frescura juvenil y sin embargo se toca mucho más fácilmente. Y nadie le presta ninguna atención. Cuando en Norteamérica anuncio que voy a tocar el Primer Concierto, no protestan, pero detecto en sus rostros que preferirían el Segundo o el Tercero.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00410_Baudo_conducts_OSI _1.jpg

Concierto: Serge Baudo dirige a la Orquesta de la Suiza italiana Mendelssohn & Rachmaninov Estreno 11 de noviembre 21:30 Argentina/Uruguay | 20:30 Paraguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Serge Baudo se pone al frente de la afamada Orquesta de la Suiza italiana en esta magnífica velada en el que se interpretan tres obras de las más exquisitas del repertorio de los siglos XIX y XX: la Sinfonía n.º 5 y la obertura Ruy Blas, de Felix Mendelssohn, así como el Concierto para piano n.º 1, de Sergei Rachmaninov, con las manos solistas de Mikhail Rudy.

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El célebre festival de jazz y world music de Basel ofrece esta velada de la mano del

cantautor británico, uno de los más destacados de su generación.

Género: concierto, world music, música popular, voz, guitarra, piano.

Intérpretes: James Blunt (voz, guitarra y piano), Chris Pemberton (teclados y piano), Karl Brazil (batería), Ben Castile (guitarra), John Garrison (bajo).

Año: 2014.

Lugar: Event Hall, Basel.


James Hillier Blount (1974), más conocido como James Blunt, es un cantautor británico que alcanzó la fama en 2005 tras la salida al mercado de su primer álbum Back to Bedlam y su primer sencillo You're Beautiful. Su estilo presenta una amalgama de géneros musicales que incluyen pop, rock y folk, siempre con un especial interés por lo acústico. A lo largo de su carrera ha sido acreedor de dos Premios Brit, dos Premios Ivor Novello y la nominación a cinco Premios Grammy en 2006. Seguidamente presentó al mercado su segundo álbum, All the Lost Souls [2007], por el cual obtuvo un disco de oro en la primera semana de lanzamiento. Antes de emprender su carrera musical sirvió en el Ejército Británico como oficial del regimiento Life Guards y en 1999 actuó con la fuerza de paz de la OTAN en el conflicto de Kosovo. Desde 2006 reside oficialmente en la isla española de Ibiza, donde ha compuesto y escrito muchas de las canciones a partir de su segundo álbum.

World: James Blunt Baloise Session en vivo 12 de noviembre 20:15 Argentina/Uruguay | 19:15 Paraguay | 18:15 Colombia/Ecuador



Durante su niñez recibió lecciones de violín y piano, pero su principal contacto con la música popular tuvo lugar en Harrow School. Ahí, un compañero le introdujo al mundo de la guitarra, y con tan sólo catorce años aprendió a tocar dicho instrumento y a componer canciones. Durante sus estudios en la Universidad de Bristol realizó su tesis final titulada Comercialización de la imagen – La producción de un ídolo de pop, y una de sus principales referencias en su proyecto final fue Simon Frith, un conocido sociólogo, crítico de rock y presidente del comité de premios musicales Mercury Music Prize. En 2002 Blunt abandonó el Ejército Británico para poder iniciar su carrera musical. En aquel momento fue cuando empezó a utilizar el nombre artístico Blunt. Tras concluir su vida militar firmó un contrato con la compañía musical EMI y con Twenty-First Artists. No obstante, a principios de 2003 la cantante y productora Linda Perry se encontraba inaugurando su propio sello discográfico Custard Records, quien durante su visita a Londres escuchó una maqueta promocional de Blunt, y después de haberlo escuchado en vivo en el festival musical South by Southwest se puso en contacto y firmó un contrato de grabación con él. Un mes después Blunt viajó a Los Ángeles y comenzó a trabajar con el productor Tom Rothroc. Su tercer álbum llegó en 2010, bajo el título de Some Kind of Trouble.

James Blunt presentó su cuarto álbum de estudio, titulado Moon Landing, a finales de 2013, siendo precisamente este el álbum que presentó en esta sesión de apertura del festival Baloise Session de Basel en el año 2014. El recital se compone de trece temas, escogidos entre lo más célebre de su discografía, de los que cabe destacar Carry You Home, Satellites, Heart to Heart o You’re Beautiful.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00258_James_Blunt_Baloise_Session_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00258_James_Blunt_Baloise_Session_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00258_James_Blunt_Baloise_Session_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00258_James_Blunt_Baloise_Session_4.jpg

World: James Blunt Baloise Session en vivo 12 de noviembre 20:15 Argentina/Uruguay | 19:15 Paraguay | 18:15 Colombia/Ecuador

Sinopsis: El joven cantautor británico le invita a disfrutar una velada desde el Baloise Session, que supone un recorrido por sus más de diez años de carreras, ofreciendo algunos de sus éxitos más celebrados. Una cita en la que se acompaña de una pequeña banda de grandes músicos para hacer vibrar al público de Basel y a los que lo disfrutan ahora desde sus casas.

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Excepcional velada con la estratosférica orquesta germana en un programa dedicado a dos

de los grandes compositores de la historia.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música sinfónica.

Director: Simon Rattle.

Orquesta: Filarmónica de Berlín.

Año: 2016.

Lugar: KKL, Lucerna.


La Orquesta Filarmónica de Berlín [Berliner Philharmoniker] es una de las más

importantes del mundo. Tras la destrucción –en la Segunda Guerra Mundial– de su antigua sede, la orquesta reside desde 1963 en la Berliner Philharmonie, una de las salas de conciertos más importantes del mundo. Desde 2002 es una fundación pública, gestionada por el land de Berlín, cuyos fondos para la organización son subvencionados por el gobierno de la ciudad de Berlín, con el patrocinio del Deutsche Bank. La precursora de la Filarmónica de Berlín fue la orquesta creada por Johann Ernst Benjamin Bilse, antiguo miembro de la orquesta de Johann Strauss I en Viena, la cual comenzó a dar conciertos en 1867 en la nueva sala de conciertos de la Leipziger Strasse. Los Bilsekonzerte se hicieron muy populares en poco tiempo, y aunque inicialmente se dedicaron a la música de entretenimiento, Bilse introdujo poco a poco las obras del gran repertorio, e incluso llegó

Concierto: Simon Rattle & Filarmónica de Berlín Dvořák & Brahms Estreno 12 de noviembre 21:30 Argentina/Uruguay | 20:30 Paraguay | 19:30 Colombia/Ecuador



a invitar al propio Richard Wagner a dirigir como invitado la orquesta. En 1882 los músicos de la orquesta se rebelaron contra Bilse, por sus mediocres condiciones de trabajo durante una gira a Varsovia, y decidieron establecerse como una orquesta autónoma, que pasó a gestionarse y administrarse por los propios músicos. La nueva orquesta se fundó oficialmente el primero de mayo de 1882. Los primeros conciertos de la orquesta, bajo la dirección de Ludwig von Brenner mantenían el mismo repertorio anterior, y el nombre de Antigua Orquesta Bilse. En el verano de 1882 se hizo cargo de la organización de la orquesta el agente de conciertos Hermann Wolff, que cambió su nombre a Orquesta Filarmónica de Berlín, encontrando sede fija en la antigua pista de patinaje de la Bernburger Straße. Wolff inició una serie de conciertos de abono que se dirigieron al público más entendido, en los que destacados directores interpretaban el gran repertorio sinfónico del momento y anterior. Entre ellos se encontraron figuras de la talla de Brahms, Tchaikovsky y Grieg. Simultáneamente, durante varios días a la semana, los músicos de la orquesta debían actuar en conciertos populares con los que mantener la salud financiera de la entidad. Después llegarían los reinados de Hans von Bülow, Wilhelm Furtwängler, Herbert von Karajan Claudio Abbado y el propio Rattle, quienes han moldeado su sonido hasta convertirla en una de las mejores orquestas del mundo. Para Rattle: Esta orquesta piensa y responde con una rapidez increíble, cada uno de los músicos nunca se detiene, tal vez porque Berlín funciona de esta manera. Con la Filarmónica de Berlín puedes estar seguro de que los músicos están dando todo lo que quieras. Ellos llegan al escenario como músicos de cámara, y no preguntan «cómo», sino «por qué», por eso me encanta trabajar con ellos. El programa se compone de dos obras principales. La primera de ellas son las Danzas eslavas, una serie de 16 obras para orquesta compuesta por Antonín Dvořák (1841-1904) en 1878 y 1886, publicadas en dos grupos como Opp. 46 y 72. Originalmente escritas para piano a cuatro manos, las Danzas eslavas encuentran su inspiración en las Danzas húngaras de Johannes Brahms y fueron compuestas a petición de la editorial de Dvořák. Las piezas son de corte animado y notablemente nacionalista, y fueron bien recibidas en su momento, encontrándose entre las obras más memorables del compositor. Los tipos de bailes en los que basa su música incluyen la furiant, el dumka, la polka, el sousedská, el skočná, la mazurca, el odzemek, la spacirka, el kolo y la polonesa. Por su parte, la Sinfonía n.º 2 de Johannes Brahms (1833-1897) se inició en junio de 1877, siendo terminada en el siguiente otoño y estrenada el 30 de diciembre de 1877 por la Orquesta Filarmónica de Viena, dirigida por Hans Richter. Después de años de lucha para componer la Primera Sinfonía, Brahms descubrió que era mucho más fácil componer la Segunda. Trabajaba mejor lejos de la ciudad, y así la escribió en pocos meses, en una pequeña ciudad a orillas del lago de Wörth. La Segunda es una obra de arte de construcción compacta e inventiva rítmica y presenta interesantes paralelismos con la obra de Beethoven.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00418_Rattle_and_Berlin_philharmonic _1.jpg

Concierto: Simon Rattle & Filarmónica de Berlín Dvořák & Brahms Estreno 12 de noviembre 21:30 Argentina/Uruguay | 20:30 Paraguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Simon Rattle dirige a la Filarmónica de Berlín, considerada como una de las mejores orquestas del mundo, en un fantástico programa doble dedicado a dos impresionantes obras para el Festival de Lucerna: las Danzas eslavas de Antonín Dvořák y la Sinfonía n.º 2 de Johannes Brahms.

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Una de las combinaciones director/orquesta más exitosa y celebrada de las últimas

décadas, en un fabuloso concierto en esta bella localidad francesa.



Orquesta: West-Eastern Divan Orchestra.

Año: 2013.

Lugar: Ópera de Marsella.


El proyecto West-Eastern Divan fue concebido en 1999 por las mentes de dos artistas e intelectuales de primer orden a nivel mundial: el pianista y director de orquesta argentino-israelí Daniel Barenboim y el intelectual palestino Edward Said. Ambos creyeron en un proyecto que supusiera la creación de un taller para jóvenes músicos de Israel y otros países de Oriente Medio que facilitara el estudio y el desarrollo musical, además de la posibilidad de compartir el conocimiento y la comprensión entre culturas que han sido tradicionalmente rivales. Aquí, los músicos asistentes mejoran su nivel musical mientras conviven con jóvenes de países que pueden estar en situaciones de conflicto con el suyo propio. La base de la orquesta la componen músicos árabes e israelíes acompañados de músicos españoles. Sus primeros pasos los dieron entre Weimar y Chicago hasta que en 2002 se establecieron definitivamente en Sevilla gracias al apoyo de la Junta de Andalucía. Pero este no es únicamente un proyecto musical, sino quizá por encima de ello, un foro para el diálogo y la reflexión sobre el problema palestino-

Concierto: Daniel Barenboim & West–Eastern Divan Orchestra en Marsella 15 de noviembre 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador



israelí. Gracias a todos los contactos interculturales que allí se realizan, el proyecto aspira a representar un importante papel en la superación de diferencias políticas y culturales entre los países representados en el taller. El uso de las palabras West-Eastern Divan hace referencia a una colección de poemas de Johann Wolfgang von Goethe. Sus propios fundadores comentan al respecto: La razón por la que hemos llamado así a esta orquesta proviene del hecho de que Goethe fue uno de los primeros alemanes verdaderamente interesado en otros países, ya que empezó a aprender árabe con más de 60 años.

Por su parte, Daniel Barenboim es una de esas figuras que no necesitan presentación, pues está presente permanentemente en nuestra programación. Su importancia en la revalorización de repertorios desde finales del XVIII hasta la actualidad ha sido fundamental en la historia de la música.

El programa interpretado para esta ocasión se compone de algunos fragmentos orquestales extraídos de célebres óperas de Giuseppe Verdi (1813-1901), como I vespri siciliani [obertura], La traviata [preludios de los actos I y III] y La forza del destino [obertura]. La obra principal es la Sinfonía fantástica, op.14, subtitulada Episodio de la vida de un artista, compuesta por Hector Berlioz (1903-1869) y estrenada el 5 de diciembre de 1830 en el Conservatorio de París. Interpretada bajo la dirección de François-Antoine Habeneck, gozó de un inmenso éxito en su acogida. La sinfonía, considerada el primer gran ejemplo de música programática estricta, consta de cinco movimientos, algo poco usual en aquella época, ya que hasta entonces se componía de únicamente cuatro, a excepción de la Sinfonía Pastoral de Beethoven. La obra contiene un argumento muy detallado, por lo que se incluye en ella un programa que describe un entorno literario en el que poder apoyarse para su comprensión. La sinfonía está inspirada en una obra literaria y narra los sueños de un joven músico que, tras sufrir un desamor, decide recurrir al opio. El compositor, además, introduce variedad de elementos autobiográficos referidos al amor no correspondido de la actriz Harriet Smithson. Este amor se puede ver representado bajo una línea melódica fija que aparece de forma distinta a lo largo de la sinfonía. Considerada la obra más representativa del compositor, la Sinfonía Fantástica consagra a Hector Berlioz como uno de los grandes compositores del Romanticismo.

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Concierto: Daniel Barenboim & West–Eastern Divan Orchestra en Marsella 15 de noviembre 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: El Festival Internacional de Piano de la Roque d’Anthéron y la Ópera de Marsella le invita a deleitarse con la colaboración inigualable entre Daniel Barenboim y la West-Eastern Divan Orchestra, en un programa conformado por fragmentos orquestales de algunas óperas de Giuseppe Verdi, y especialmente por la Sinfonía fantástica de Hector Berlioz.

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El gran pianista argentino–israelí interpreta el corpus concertístico de Chopin junto a la

Orquesta Estatal de Berlin dirigida por Andris Nelsons.

Género: concierto, música clásica, música romántica, piano.

Intérpretes: Daniel Barenboim.

Director: Andris Nelsons.


Año: 2010.

Lugar: Festival de Piano de Ruhr.


Frédéric Chopin (1810-1849) es el gran protagonista de este concierto, que celebró el 200.º aniversario de su nacimiento. Compositor polaco de nacimiento, aunque francés de adopción, revolucionó considerablemente la interpretación y la composición para piano en la primera mitad del siglo XIX y ha sido considerado como uno de los principales exponentes del Romanticismo musical. Su vida merece el calificativo de romántica por su brevedad y por sus sufrimientos, que se pueden concretar en tres aspectos esenciales: su enfermedad; el exilio de su patria natal, Polonia, que poco después de su marcha es invadida por Rusia; y el amor frustrado, que en 1836 habían hecho que no se consumara su

compromiso con la adolescente Maria Wodzinska –cuya familia rechazó el compromiso a

causa de la enfermedad de Chopin– o la constante admiración que le profesaron mujeres siempre inteligentes, apasionadas y casi siempre aristocráticas. La mayor parte de las piezas de Chopin tienen un carácter introspectivo y, dentro de contornos formales

Concierto: Daniel Barenboim, Orquesta Estatal de Berlín & Andris Nelsons Conciertos para piano de Frédéric Chopin 16 de noviembre 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador



claramente definidos, tienden a sugerir una cualidad improvisatoria. Aunque Chopin era concertista de piano, no se trataba de un ejecutante arrollador y teatral y es probable que otros virtuosos hayan proyectado el aspecto heroico de su música con mayor énfasis que él mismo. Sin embargo, todas sus obras exigen del ejecutante no sólo una técnica y una pulsación inmaculadas, sino asimismo un imaginativo empleo de los pedales y una discreta aplicación del tempo rubato, que el propio Chopin definía como un ligero impulso o retención dentro de la frase de la mano derecha, mientras que el acompañamiento de la mano izquierda prosigue en tiempo estricto.

El presente programa está protagonizado, de manera casi total, por sus dos conciertos para piano. Compuesto en 1830, el primero de ellos en su catálogo fue estrenado el 11 de octubre del mismo año en el Teatro Nacional de Varsovia. Está dedicado a Fredrich Kalkbrenner, pianista, profesor y constructor de pianos de origen alemán que se había establecido en Paris seis años antes que Chopin y que dio lecciones pianísticas al joven compositor polaco durante algunos años. Aunque fue compuesto en segundo lugar, al ser publicado antes que su segundo concierto le ha hecho pasar a la historia como el primero de ellos en su catálogo. En este concierto se sigue el camino andando previamente por el concierto en Fa menor, pues ambos comparten la textura y la forma, además de una clara estética romántica, aunque en este se aprecia una escritura más firme y experimentada en comparación.

El segundo de ellos fue compuesto 1836, estando dedicado en su primera edición a la Condesa Delphine Potocka. Lo compone en un momento en el que acaba de sufrir el desengaño por su amor hacia la dulce María Wodzinska y en el que ver surgir un prometedor avance en su amistad con la escritora George Sand, hacia la cual había experimentado anteriormente cierta antipatía. En ese momento, en el que permaneció en Viena durante un breve tiempo, advirtió a Chopin la necesidad de contar dentro de su repertorio con algunas obras pertenecientes al género del concierto para piano y orquesta y a ello se debe en parte la escritura de este concierto que, aunque apareció publicado en segundo lugar, fue compuesto con anterioridad al primero de su serie. Su desarrollo presenta características muy originales si las comparamos con el resto de la obra del compositor, incluso en cierta medida con su otro concierto.

El concierto se completa con el Valse brillante en La menor, Op. 34/2, obra de una escritura apabullante y genial. Junto a esta, una obra orquestal firmada aquí por Franz Joseph Haydn (1732–1809), padre de la sinfonía clásica y autentico dominador del género en la segunda mitad del XVIII, del que se interpreta su Sinfonía en Mi menor Hob. I:44, La mañana, gran ejemplo de su escritura sinfónica.

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Concierto: Daniel Barenboim, Orquesta Estatal de Berlín & Andris Nelsons Conciertos para piano de Frédéric Chopin 16 de noviembre 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: A pesar de lo breve del mismo, el catálogo de conciertos de Chopin es una pequeña joya que todo pianista desea interpretar. Les invitamos a descubrir la lectura que de ella hacen el gran pianista y director Daniel Barenboim, al que acompañan la Orquesta Estatal de Berlin, en una grabación desde el Festival de Piano de Ruhr que dirige el letón Andris Nelsons.

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El proyecto musical y humano de Barenboim y Said desde el célebre Teatro Colón de

Buenos Aires, acompañados por la gran Martha Argerich.

Género: concierto, música clásica, música romántica, impresionismo, piano.

Intérpretes: Martha Argerich, Daniel Barenboim.


Orquesta: Orquesta West–Eastern Divan.

Año: 2014.

Lugar: Teatro Colón, Buenos Aires.

Duración: 116 minutos. El proyecto West-Eastern Divan fue concebido en 1999 por las mentes de dos artistas e intelectuales de primer orden a nivel mundial: el pianista y director de orquesta argentino-israelí Daniel Barenboim y el intelectual palestino Edward Said. Ambos creyeron en un proyecto que supusiera la creación de un taller para jóvenes músicos de Israel y otros países de Oriente Medio que facilitara el estudio y el desarrollo musical, además de la posibilidad de compartir el conocimiento y la comprensión entre culturas que han sido tradicionalmente rivales. Aquí, los músicos asistentes mejoran su nivel musical mientras conviven con jóvenes de países que pueden estar en situaciones de conflicto con el suyo propio. La base de la orquesta la componen músicos árabes e israelíes acompañados de músicos españoles. Sus primeros pasos los dieron entre Weimar y Chicago hasta que en 2002 se establecieron definitivamente en Sevilla gracias al apoyo de la Junta de Andalucía. Pero este no es únicamente un proyecto musical, sino quizá por encima de ello, un foro para el diálogo y la reflexión sobre el problema palestino-israelí. Gracias a todos los contactos

Concierto: Daniel Barenboim, Martha Argerich & Orquesta West–Eastern Divan en el Teatro Colón 17 de noviembre 19:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Paraguay | 17:00 Colombia/Ecuador



interculturales que allí se realizan, el proyecto aspira a representar un importante papel en la superación de diferencias políticas y culturales entre los países representados en el taller. El uso de las palabras «West-Eastern Divan» hace referencia a una colección de poemas de Johann Wolfgang von Goethe. Sus propios fundadores comentan al respecto: la razón por la que hemos llamado así a esta orquesta proviene del hecho de que Goethe fue uno de los primeros alemanes verdaderamente interesado en otros países, ya que empezó a aprender árabe con más de 60 años. El Taller del West-Eastern Divan tiene lugar cada año en Andalucía. Se estructura en torno a un plan de trabajo intensivo en el que los jóvenes artistas desarrollan sus habilidades musicales, pero en el que también discuten temas diversos y distintos puntos de vista sobre el conflicto árabe-israelí. Cuando este proceso finaliza se inicia la gira de la Orquesta West-Eastern Divan. Desde su creación la Orquesta West-Eastern Divan ha ofrecido conciertos en numerosos países de Europa, América y Asia. En agosto de 2003 la orquesta tocó por primera vez en un país árabe con un concierto en Rabat y en 2005 dio un gran paso al dar su primer concierto en un país de Oriente Próximo, ofreciendo una actuación en Ramala, que fue retransmitida en directo. Asimismo, el West-Eastern Divan ha tocado en dos ocasiones en el Emirato de Catar en los años 2010 y 2011. El presente programa supone todo un ejercicio de conciliación musical, reflejo absoluto de la filosofía que el proyecto persigue desde sus inicios. Un recorrido por dos siglos de música, que comienza de la mano de Ludwig van Beethoven (1770–1827) y su Concierto para piano n.º 1, y que se traslada aún más atrás en el tiempo para interpretar la obertura de La nozze di Figaro de Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791). A partir de ahí se produce en interesante recorrido por la música del siglo XIX, con la presencia de Robert Schumann (1810–1856) y sus Fantasiestücke Op. 12, Georges Bizet (1838–1875) y su Suite de Carmen, para pasar a centrarse en el siglo XX, de la mano de Maurice Ravel (1875–1937), del que se interpretan algunas de sus obras más célebres: Pavane por une infante défunte y el Bolero, junto a otras menos conocidas: Rapsodie espagnole y Alborada del gracioso. Como nota de color local se interpreta El Firulete, una milonga porteña compuesta a mediados de siglo por Mariano Mores, el polifacético músico argentino.

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Concierto: Daniel Barenboim, Martha Argerich & Orquesta West–Eastern Divan en el Teatro Colón 17 de noviembre 19:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Paraguay | 17:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Un evento musical, pero por encima de todo conciliador. Acompáñennos a presenciar un concierto de primer nivel mundial, que presenta al proyecto musical y humanístico Orquesta West–Eastern Divan, dirigida por su cofundador, el argentino–israelí Daniel Barenboim. Junto a Martha Argerich interpretan un rico y variado repertorio de más de dos siglos, ofrecido desde una de las cunas de la música clásica en Latinoamérica, el Teatro Colón de Buenos Aires.

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Una extraordinaria conjunción de solistas, orquesta y director para disfrutar de forma

única de la gran música del genio de Bonn.

Género: concierto, música clásica, música romántica, piano, violín, violonchelo, música sinfónica.

Intérpretes: Martin Helmchen, Isabelle Faust, Jean–Guihen Queyras.

Director: Herbert Blomstedt.

Orquesta: Orquesta del Gewandhaus de Leipzig.

Año: 2017.

Lugar: Gewandhaus, Leipzig.


La Gewandhaus [Sala de paños] es una importante sala de conciertos de Leipzig. El primer edificio, de 1781 y diseñado por Johann Carl Friedrich Dauthe, fue construido en la Gewandhaus, un edificio utilizado por la industria textil. El segundo, de Martin Gropius y famoso por su acústica, sirvió de modelo a otros teatros similares, siendo inaugurado en 1884 y destruido por los bombardeos durante la Segunda Guerra Mundial. El actual, diseñado por Kurt Masur, comenzó a construirse en 1977 y abrió sus puertas en 1981. La Orquesta del Gewandhaus de Leipzig [Gewandhausorchester] es una orquesta sinfónica llamada así por el auditorio de conciertos que es su residencia. Es una de las más famosas del mundo y cuenta hoy en día con 175 músicos. Los conciertos en Leipzig datan de inicios

Concierto: Herbert Blomstedt dirige Beethoven a la Orquesta del Gewandhaus de Leipzig Estreno 18 de noviembre 20:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Paraguay | 18:00 Colombia/Ecuador



del siglo XVIII. Es la orquesta nacida de la burguesía más antigua de Alemania. Desde 1781 lleva su nombre actual, cuando se mudó al reconstruido Gewandhaus. Llamada hacia 1743 como El Nuevo Concierto [Das Neue Concert], en 1780-1781 se adecuó a una sala de conciertos por primera vez: el Gewandhaus. Así la orquesta adquirió su primer teatro. A inicios del siglo XIX Felix Mendelssohn fue el kapellmeister. Entre sus principales directores de orquesta están Arthur Nikisch, Wilhelm Furtwängler, Bruno Walter, Václav Neumann y entre Kurt Masur [1970-1996]. En 1998 Herbert Blomstedt tomó el puesto hasta 2005 y fue sucedido por Riccardo Chailly. A partir de la temporada 2017/18 el nuevo kapellmeister será Andris Nelsons.

La velada se compone de dos excepcionales obras. Se abre con el Concierto para violín, violonchelo y piano en Do mayor, Op. 56, de Ludwig van Beethoven (1770-1829), conocido comúnmente como Triple concierto, que fue compuesto entre 1804 y 1805. Se interpretó varias veces en público desde entonces, aunque su estreno oficial tuvo lugar en 1808, durante los conciertos de verano del palacio de Augarten, Viena. Es probable que en ese estreno los solistas fueran Ignaz Schuppanzigh [violín], Anton Kraft [chelo] y el propio compositor [piano].

Concluye con una de las más célebres sinfonías de su catálogo y de toda la historia de la música occidental: la Sinfonía n.º 5 en Do menor, Op. 67, que fue compuesta por entre 1804 y 1808 y estrenada el 22 de diciembre de 1808 en el Theater an der Wien, formando parte de un gigantesco concierto que duró cerca de cuatro horas y que se conformaba con algunos estrenos de Beethoven, que él mismo dirigió. Fue en realidad un encargo del conde Franz von Oppersdorff en junio de 1807, a quien le había satisfecho enormemente la Cuarta Sinfonía, compuesta también por su encargo. A pesar de ello la obra está dedicada a dos de sus patrones y amigos, el príncipe von Lobkowitz y el conde Razumovsky. El proceso compositivo fue largo y sopesado, ya que se encontraba en un momento vital realmente angustioso, marcado ya por una sordera galopante que prácticamente le impedía cualquier escucha, y el estado anímico producido tanto por las relaciones amorosas como por la situación de Europa en aquel momento influyen poderosamente en la obra. Aunque el estreno no fue un gran éxito, la obra rápidamente obtuvo parabienes y se interpretó de manera recurrente. Beethoven creó en ella uno de los motivos más afamados y repetidos de la historia de la música, el formado por cuatro notas con el que se abre el primer movimiento. Para E. T. A. Hoffmann esta sinfonía era una de las obras más importantes de todos los tiempos.

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Concierto: Herbert Blomstedt dirige Beethoven a la Orquesta del Gewandhaus de Leipzig Estreno 18 de noviembre 20:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Paraguay | 18:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Un viaje fascinante al mundo creador del genial Ludwig van Beethoven, de la mano del trío solista conformado por Martin Helmchen, Isabelle Faust y Jean–Guihen Queyras, a los que acompaña la Orquesta del Gewandhaus de Leipzig y la batuta del gran director germano Herbert Blomstedt, para interpretar el Triple concierto y la Sinfonía n.º 5.

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Un encantador programa protagonizado por dos intérpretes de lujo, para dar vida a dos los

grandes autores rusos: Rimsky–Korsakov y Tchaikovsky.

Género: concierto, música clásica, romanticismo, música de cámara, voz, piano.

Intérpretes: Anna Netrebko, Daniel Barenboim.

Año: 2010.

Lugar: Philharmonie, Berlin.


La música rusa guarda una especial relación con la voz, no únicamente a través de sus

óperas o de la música ortodoxa para coro –con sus increíbles graves–, sino también de manera especial con el género de la canción, en el que el solista vocal se acompaña de un conjunto pequeño, e incluso en muchas de las ocasiones únicamente del piano, como en este caso. El presente programa recopila una serie de breves canciones de dos de los autores más destacados en la historia de la música rusa. En ellas se puede encontrar un universo de géneros y estilos fascinante, desde escenas dramáticas hasta canciones de amor repletas de gracilidad y simplicidad, pasando por obras con melancólicas melodías, serenatas repletas de pasión, melodías de corte popular, o hermosas y delicadas nanas. Nikolay Rimsky-Korsakov (1844–1908) fue el miembro mejor preparado desde el punto de vista técnico del llamado Grupo de los Cinco, a pesar que al igual que sus compañeros Balakirev, Borodin, Cui y Mussorgski, su entrega a la música no fuera en sus inicios profesional. Como los demás músicos de su generación, buscaba plasmar en sus óperas un

Concierto: Daniel Barenboim & Anna Netrebko Canciones rusas 18 de noviembre 21:30 Argentina/Uruguay | 20:30 Paraguay | 19:30 Colombia/Ecuador



carácter más auténticamente ruso en los temas y la música que sus predecesores. Parte de personajes de la poesía popular, de viejos cuentos, de ritos eslavos, de temas legendarios fantásticos y del romanticismo de Oriente y trata la ópera con gran variedad de estilos y riqueza musical. Pero también se ocupa de temas en los que la tendencia política se manifiesta claramente. Su dominio de la orquestación es quizá el elemento más destacado dentro de su marcada estilo, que fue muy respetado por sus coetáneos rusos, e incluso por otros compositores europeos. De este se interpretan algunas canciones de sus Opp. 3, 8, 27, 42, 43 o 56, entre otros. Por su parte Piotr Ilich Tchaikovsky (1840–1893), fue el primer compositor de un nuevo tipo en Rusia, totalmente profesional, que continuó de manera firme las tradiciones del sinfonismo europeo occidental asimilándolo como propio. Consiguió un estilo profundamente original, personal y nacional que aunó la idea sinfónica de Beethoven y Schumann con el trabajo de Glinka. A pesar de ser contemporáneo estricto del Grupo de los Cinco supo mantener un estilo que no puede encasillarse en el marco del nacionalismo imperante entonces en su país natal. De

carácter cosmopolita en lo que respecta a las influencias –preponderante es la del

sinfonismo alemán, aunque no carente de elementos rusos–, su música es ante todo profundamente expresiva y personal, reveladora de la personalidad del autor, compleja y atormentada. Aquí se presentan algunas canciones de sus ciclos Opp. 6, 16, 47, 55, 57, 60 o 73. La interpretación vocal corre a cargo de la soprano rusa Anna Netrebko, de inimitable mezcla de glamour y sencillez, aspecto atractivo y una línea de canto seductora que presenta una potencia musical extraordinaria, que son algunas de sus mejores cualidades. Número uno en ventas de discos y entradas en teatros de ópera de los roles que protagoniza, ha sabido acercar la ópera a un público más amplio. La parte pianística queda en manos de Daniel Barenboim, pianista y director de orquesta argentino-israelí, que debutó en Buenos Aires con tan solo siete años, logrando tal éxito que fue invitado por el Mozarteum de Salzburg para formarse en su prestigioso centro. Posteriormente continuó sus estudios con Nadia Boulanger, Ígor Markevitch y en la Academia de Santa Cecilia de Roma. En 1956 se presentó en Londres y Nueva York apoyado por Arthur Rubinstein. Con veinte años, las grandes orquestas del mundo requerían ya sus servicios, y en 1966 se incorporó como director de la English Chamber Orchestra. Desde entonces ha copado la práctica totalidad de los escenarios del mundo y se ha subido al podio frente a las mejores orquestas y teatros del mundo. Su interés se ha transitado por un vasto repertorio, que busca ofrecer bajo nuevas concepciones obras de los clásicos, mientras se preocupa de las obras de los autores contemporáneos.

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Concierto: Daniel Barenboim & Anna Netrebko Canciones rusas 18 de noviembre 21:30 Argentina/Uruguay | 20:30 Paraguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Este hermoso programa les acercará a su hogar la Rusia más fascinante, esa alejada de la grandilocuencia y la monumentalidad. Una velada repleta de intimismo y delicadeza, en la voz de la soprano rusa Anna Netrebko y el pianista Daniel Barenboim, que interpretan la música de Nikolay Rimsky-Korsakov y Piotr Ilich Tchaikovsky.

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Uno de los grandes títulos de la ópera rusa, en una excepcional producción de la Ópera

Estatal de Berlín y dirección de Daniel Barenboim.

Género: ópera, música clásica, música romántica.

Intérpretes: Anatoli Kotscherga, Olga Peretyatko, Johannes Martin Kränzle, Pavel Černoch, Anita Rachvelishvili, Anna Tomowa-Sintow, Anna Lapkovskaja, Carola Höhn, Tobias Schabel, Stephan Rügamer; Dmitri Tcherniakov [dirección de escena].


Orquesta: Orquesta Estatal de Berlín.

Año: 2013.

Lugar: Ópera Estatal, Berlín.


La novia del zar [Tsárskaya nevesta] es una ópera en cuatro actos compuesta por Nikolai Rimski-Korsakov (1844-1908) sobre libreto en ruso de Ilia Fiodorovich Tiumenev, basado en el drama del mismo nombre de Liev Aleksandrovich Mei. El texto de Mei le fue sugerido por primera vez al compositor como un asunto propio para ópera en 1868, por Mili Balakirev. El también compositor ruso Aleksandr Borodin llegó en una ocasión a barajar la posibilidad de componerla. Rimsky-Korsakov tenía en mente ya en 1891 el trabajar de manera seria sobre la historia, aunque no sería hasta 1898 que lo hizo finalmente. La primera representación de la ópera tuvo lugar el 22 de octubre de 1899 en el Teatro Solodovnikov de Moscú. San Petersburgo tuvo que esperar dos años para ver el estreno de la ópera, en el Teatro Mariinski. Otra representación notable fue en el Teatro Bolshoi de

Ópera: La novia del zar Ópera en cuatro actos de Nikolai Rimsky-Korsakov 19 de noviembre 17:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Paraguay | 15:00 Colombia/Ecuador



Moscú. Años después, en 1966, se realizó una versión filmada, bajo la dirección de Vladimir Gorikker. El propio Rimsky-Korsakov dijo que con ella pretendía una reacción contra las ideas de Richard Wagner, además de crear una partitura en el estilo de la cantilena par excellence. La novia del zar no forma parte del repertorio operístico estándar en Occidente, pero sí en Rusia. En las estadísticas de Operabase aparece la n.º 124 de las óperas representadas en 2005-2010, siendo la 8.ª en Rusia y la primera de su autor, con 26 representaciones en el período. Se trata de una ópera de enorme belleza melódica, con uso muy interesante de algunas melodías populares de su tierra. Es además un notable ejercicio de veracidad operística, con pasajes en los que el canto está al servicio de una poderosa idea expresiva cargada de sentido trágico, no al del lucimiento de los cantantes. Además, la mezcla entre el sabor folclórico y el refinamiento de la música académica ofrece un enorme atractivo, a lo que hay que sumar las excepcionales dotes de orquestador que siempre destacan en la figura de Rimsky-Korsakov. Defiende Barenboim que la dificultad de la ópera rusa estriba precisamente en su eclecticismo, no suena a ópera alemana, francesa o italiana, sino que incorpora elementos de las tres, y los mezcla con influencias de la música popular rusa. Quizá es por ello que, además del siempre complicado tema del ruso para el canto, no sean muchos los teatros, cantantes y directores que se atreven con ella fuera de su hábitat natural. A pesar de ello, de vez en cuando emergen visiones ajenas al mundo al menos parcialmente, que llevan títulos tan magníficos como este a todos los rincones del planeta.

La acción se desarrolla en 1572. Presenta la sociedad del Zarato ruso, dominada por el zar y los cortesanos que lo rodean, con un poder omnímodo sobre sus súbditos. Se basa en el tercer matrimonio del zar Iván el Terrible con Maria Sobakina, pero se aparta bastante de la realidad históricamente acreditada. Griaznoi ha raptado a la joven Liubasha, pero luego se enamora de Marfa, prometida de Lykov. Griaznoi acude a un mago para que le ayude en la conquista con un filtro de amor. Liubasha quiere que el mago le dé, en su lugar, un veneno que la vaya matando poco a poco. Iván el Terrible quiere casarse con Marfa, pero esta muere. Cuando al final Griaznoi descubre lo ocurrido, mata a Liubasha. La guardia del zar lo arresta.

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Ópera: La novia del zar Ópera en cuatro actos de Nikolai Rimsky-Korsakov 19 de noviembre 17:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Paraguay | 15:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La novia del zar es una de las óperas fundamentales en el repertorio lírico ruso, además del título para la escena más destacado de Nikolai Rimsky-Korsakov. Le invitamos a descubrirlo en esta fascinante producción de la Ópera Estatal de Berlín, que cuenta con las voces solistas de Anatoli Kotscherga, Olga Peretyatko, Johannes Martin Kränzle, Pavel Černoch, Anita Rachvelishvili, Anna Tomowa-Sintow, Anna Lapkovskaja, Carola Höhn, Tobias Schabel y Stephan Rügamer. Les acompañan las Orquesta Estatal de Berlín y la batuta de Daniel Barenboim.

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Magnífico documental en el que la joven y excepcional soprano rusa interpreta y habla

sobre su relación con el magnífico operista italiano.

Género: documental, ópera, música clásica, música romántica, voz.

Intérpretes: Olga Peretyatko.

Director: Alberto Zedda.

Orquesta: Orchestra del Teatro Comunale di Bologna.

Año: 2016.


Una de las sopranos más solicitadas actualmente en el panorama de la lírica es sin duda la rusa Olga Peretyatko (1980), nacida en la hermosa ciudad de San Petersburgo, que comenzó su carrera musical cantando en el coro de niños del célebre Teatro Mariinsky, para estudiar después en la Hanns Eisler-Hochschule für Musik de Berlín y en el estudio de ópera de la Ópera de Hamburgo. Su debut internacional se produjo en el prestigioso concurso Operalia, organizado y auspiciado por Plácido Domingo. Hoy continúa recibiendo importantes premios, entre ellos la alta distinción del Premio Franco Abbiati della Critica Musicale Italiana y el premio más importante de Europa ofrecido por los medios especializados, el ECHO Klassik, en la categoría de Mejor Álbum Solista del Año. Peretyatko ha firmado un exclusivo contrato con Sony Classical, casa discográfica con la que ha lanzado su cuarto álbum, Russian Light, con algunas de las más hermosas arias y canciones del repertorio ruso. Esta grabación continúa el éxito de crítica y público de los álbumes La

Documental: Olga Perytyatko Mi amor por Rossini Estreno 19 de noviembre 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador



Bellezza del Canto [2011] y Arabesque [2013], así como Rossini! [2015], dedicado enteramente a la música de Gioachino Rossini y que salió acompañado del documental producido por la televisión pública italiana [RAI 5] y que aquí le ofrecemos. La voz única y su presencia escénica permiten a Peretyatko combinar una carrera de ópera activa con recitales frecuentes en los lugares más legendarios del mundo. No hay un gran teatro de ópera que aún no la haya invitado a cantar papeles principales, como Deutsche Oper Berlin, las óperas estatales de Berlín y Múnich, Ópera Estatal de Viena, Ópera de Zúrich, La Fenice en Venecia, La Scala de Milán, Teatro Real Madrid, Opéra Bastille en París, Ópera holandesa en Amsterdam, La Monnaie en Bruselas, Teatro Bolshoi de Moscú, Teatro Mariinsky de San Petersburgo y Metropolitan Opera de Nueva York. Su repertorio incluye desde óperas de Georg Friedrich Händel hasta Wolfgang Amadeus Mozart, pasando por Richard Wagner y Richard Strauss. Como participante de la Accademia Rossiniana en Pesaro ha cantado habitualmente en el Rossini Opera Festival: Corinna y Contessa di Folleville [Il viaggio a Reims, 2006], Desdemona [Otello, 2007), Giulia [La scala di seta, 2009), Aldamira [Sigismondo, 2010) y el rol principal en Matilde di Shabran [2012].

Gioachino Rossini (1792–1868) destacó especialmente dentro de la ópera cómica, en la que se desenvolvió de manera más fructífera y genial que en el propio drama escénico. Ningún compositor en la primera mitad del siglo XIX disfrutó del prestigio, la riqueza, la aclamación popular y la influencia artística que Rossini atesoró. Sus contemporáneos le reconocieron como el compositor italiano más grande de su época. Sus logros arrojaron al olvido el mundo operístico de Domenico Cimarosa y Giovanni Paisiello, creando nuevos estándares ante los que otros compositores iban a ser juzgados. Tanto Vincenzo Bellini como Gaetano Donizetti trabajaron bajo la sombra de Rossini, y sus personalidades artísticas surgieron en confrontación con sus óperas. No fue hasta la llegada de Giuseppe Verdi que Rossini fue reemplazado en el centro de la vida operística italiana.

Olga Peretyatko: Mi amor por Rossini muestra a la gran cantante rusa en su sincera y enorme admiración por Gioachino Rossini. Este documental incluye fragmentos de Peretyatko cantando varias de las arias más famosas de Rossini en concierto con la Orquesta del Teatro Comunal de Bolonia dirigida por Alberto Zedda. Peretyatko se presenta en escenarios prestigiosos de todo el mundo, incluso el Festival d'Aix-en-Provence, el Festspielhaus Baden-Baden, el Festival de la Ópera Rossini, el Deutsche Staatsoper Berlin y el Teatro de los Campos Elíseos. Además reflexiona sobre su vida, sus experiencias como cantante, y sobre todo, su amor por Rossini.

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Documental: Olga Perytyatko Mi amor por Rossini Estreno 19 de noviembre 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Olga Peretyatko, una de las sopranos más relevantes de las últimas generaciones, se sincera ante las cámaras de Gabriele Cazzola para narrar su relación y el inmenso respeto que siente por la figura de Gioachino Rossini, el gran operista y compositor italiano, al que además interpreta en varios de los mejores escenarios del mundo, con la compañía de la Orchestra del Teatro Comunale di Bologna y la dirección de Alberto Zedda.

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Apertura del festival de la mano de uno de los pianistas y directores más importantes de la

historia, en un recital de auténtico lujo.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música contemporánea, sinfónico-coral, piano.

Intérpretes: Dorothea Röschmann, Elīna Garanča, Klaus Florian Vogt, René Pape; Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena.


Orquesta: Orquesta Filarmónica de Viena.

Año: 2010.

Lugar: Grosses Festspielhaus, Wien.


Como es habitual, el Festival de Salzburg echa el resto para ofrecer en su concierto de apertura de cada nueva edición un evento de primer orden mundial. En el año 2010 invitó

a Daniel Barenboim a hacerse cargo –en una doble faceta como pianista y director– de dicho concierto, dirigiendo a la habitual orquesta de la casa, la excepcional Filarmónica de Viena. Se interpretaron tres obras del repertorio, aunque no de las más comunes en las salas de conciertos. Se abrió con la presencia de Ludwig van Beethoven (1770-1827) y su Concierto para piano n.º 4 en Sol mayor, Op. 58, uno de los que menos se interpreta de los cinco que compuso. Fue compuesto entre 1805 y 1806, aunque no se han conservado de él copias autógrafas. La obra se concibe en tres movimientos y con una plantilla

Concierto: Festival de Salzburg 2010 Concierto de apertura con Daniel Barenboim & Filarmónica de Viena 19 de noviembre 22:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Paraguay | 20:00 Colombia/Ecuador



orquestal habitual en la época. Tuvo su estreno, con el propio Beethoven al piano, en un concierto privado en marzo de 1807 en el palacio de su patrón, el príncipe Lobkowitz. Sin embargo, el estreno público no fue hasta el 22 de diciembre de 1808 en el Theater an der Wien, de nuevo con Beethoven al piano. Beethoven dedicó el concierto a su amigo, alumno y patrón el Archiduque Rudolf de Austria. Un comentario en el Allgemeine Musikalische Zeitung de mayo de 1809 dice que se trata del más admirable, singular, artístico y complejo concierto que Beethoven haya escrito. A pesar de ello la obra, después de su estreno, cayó en el olvido hasta 1836, cuando fue recuperada por Felix Mendelssohn. Emil Ludwig, el más importante biógrafo de Beethoven, lo considera también el más perfecto concierto para solo instrumento jamás compuesto.

Del compositor francés Pierre Boulez (1925-2016) se interpretan tres números de sus

Douze Notations, obras para piano –orquestadas posteriormente, de las que no se

publicaron todas– compuestas en la fase final de sus estudios privados con Leibowitz y Messiaen. Habiendo descubierto el método de doce notas a principios de 1945. Años después, por primera vez, lo utilizó como base de una pieza entera. El diseño de Notaciones puede ser visto como un homenaje musical al número 12: consta de doce piezas cortas, cada una de las cuales dura doce compases. Cada una de estas miniaturas tiene su carácter distintivo, con contrastes notables no solo entre las piezas, sino a veces en una sola pieza. El elemento que todos tienen en común es una línea de doce notas que se emplea de diferentes maneras a lo largo de las piezas, creando así coherencia en el nivel del material musical. Pero Notations no es un trabajo rígido de doce notas, pues Boulez trata la técnica que aprendió de Leibowitz con gran libertad. La línea se utiliza no solo horizontalmente y verticalmente, sino también en permutación, dividida y fragmentada en segmentos. También hay muchas notas repetidas, clusters, glissandi y varias formas de ostinato.

Concluye el concierto con el Te Deum de Anton Brucker (1824-1896), composición para cuatro solistas, coro, orquesta y órgano, sobre la que comenzó a trabajar entre el 3 y el 17 de mayo de 1881, cuando estaba finalizando su Sinfonía n.º 6. Tras concluir su Sinfonía n.º 7 volvió a trabajar en su Te Deum, el 28 de septiembre de 1883. La partitura vocal y orquestal fue completada el 7 de marzo de 1884. El órgano ad libitum se añadió en una partitura el 16 de marzo de 1884. El Te Deum se estrenó en el Kleiner Musikvereinssaal de Viena el 2 de mayo de 1885. El propio compositor llamó a la obra el orgullo de su vida. El borrador de 1881 y el primer esbozo de 1883 se guardan en el archivo de la Abadía de Kremsmünster. La voz, la partitura orquestal y órgano ad lib. de 1884 se almacenan en el archivo de la Österreichische Nationalbibliothek.

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Concierto: Festival de Salzburg 2010 Concierto de apertura con Daniel Barenboim & Filarmónica de Viena 19 de noviembre 22:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Paraguay | 20:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Daniel Barenboim es el protagonista de este concierto de apertura del célebre y fantástico Festival de Salzburg en su edición de 2010. Está acompañado por las voces de Dorothea Röschmann, Elīna Garanča, Klaus Florian Vogt y René Pape. Se les une el Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena y la Orquesta Filarmónica de Viena, para interpretar un hermoso programa protagonizado por Ludwig van Beethoven, Pierre Boulez y Anton Bruckner.

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Espectacular documental que narra la visión del gran Daniel Barenboim en su integral de

las sinfonías beethovenianas junto a West-Eastern Divan Orchestra.

Género: documental, música clásica, música romántica, música sinfónica.


Orquesta: West-Eastern Divan Orchestra.

Año: 2012.

Sin duda, la integral de las nueve sinfonías de Ludwig van Beethoven (1770-1827) es un acontecimiento fundamental en el desarrollo del género sinfónico en su historia. La sinfonía, que había nacido en el Barroco como un género consustancial a la ópera, se fue desarrollando a partir de ahí como género independiente, alcanzando una trascendencia y una significación mucho mayor y totalmente distinta a aquella. Durante el Clasicismo se erigió como el género que ha llegado hasta la actualidad, alcanzo en las figuras de Franz

Joseph Haydn –considerado como padre del género– y Wolfgang Amadeus Mozart a sus máximos representantes en aquel momento. Después llegaría la figura de Beethoven que, a pesar de componer un número mucho menor de obras que los dos anteriores, llevó el género hacia su máximo apogeo en el nuevo estilo del Romanticismo. Sus nueve sinfonías son un dechado de su capacidad compositiva, de su lenguaje, además de una exquisita muestra de su evolución creadora. Con sus sinfonías se inicia el desarrollo de una visión sinfónica, que será continuada por Brahms, Mendelssohn, Schumann, Bruckner, hasta desembocar en Mahler.

Documental: Barenboim en Beethoven Nueve sinfonías que cambiaron el mundo 20 de noviembre 21:30 Argentina/Uruguay | 20:30 Paraguay | 19:30 Colombia/Ecuador



El presente documental, que lleva por elocuente título Barenboim en Beethoven: nueve sinfonías que cambiaron el mundo, es la plasmación de la aventura que, a lo largo de tres años, llevó a Daniel Barenboim y a su orquesta, West–Eastern Divan Orchestra, a recorrer el mundo con las nueve sinfonías de Beethoven. El cineasta Michael Waldman se unió a los ensayos del conjunto en España y a la gira a Corea del Sur y China para producir este documental, singularmente atractivo, sobre la interpretación y actuaciones musicales, así como sobre los pensamientos y sentimientos de los músicos sobre Beethoven y Barenboim. La gira culmina con una interpretación especial de la Novena Sinfonía, la sinfonía que se ha convertido en el símbolo musical de la libertad, en la frontera entre Corea del Norte y Corea del Sur.

El proyecto West-Eastern Divan fue concebido en 1999 por las mentes de dos artistas e intelectuales de primer orden a nivel mundial: el pianista y director de orquesta argentino-israelí Daniel Barenboim y el intelectual palestino Edward Said. Ambos creyeron en un proyecto que supusiera la creación de un taller para jóvenes músicos de Israel y otros países de Oriente Medio que facilitara el estudio y el desarrollo musical, además de la posibilidad de compartir el conocimiento y la comprensión entre culturas que han sido tradicionalmente rivales. Aquí, los músicos asistentes mejoran su nivel musical mientras conviven con jóvenes de países que pueden estar en situaciones de conflicto con el suyo propio. La base de la orquesta la componen músicos árabes e israelíes acompañados de músicos españoles. Sus primeros pasos los dieron entre Weimar y Chicago hasta que en 2002 se establecieron definitivamente en Sevilla gracias al apoyo de la Junta de Andalucía. Pero este no es únicamente un proyecto musical, sino quizá por encima de ello, un foro para el diálogo y la reflexión sobre el problema palestino-israelí. Gracias a todos los contactos interculturales que allí se realizan, el proyecto aspira a representar un importante papel en la superación de diferencias políticas y culturales entre los países representados en el taller.

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Documental: Barenboim en Beethoven Nueve sinfonías que cambiaron el mundo 20 de noviembre 21:30 Argentina/Uruguay | 20:30 Paraguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La unión de Daniel Barenboim con la obra de Ludwig van Beethoven conoce una simbiosis especial. No solo destaca el gran artista en su obra para piano, sino que como director son célebres sus magníficas versiones de las obras orquestales del alemán, especialmente de sus sinfonías. Este documental desentraña la visión de los intérpretes sobre tan extraordinario legado artístico, aunando momentos de ensayos y conciertos en su gira al frente de la West–Eastern Divan Orchestra.

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La Orquesta Estatal de Berlin, bajo la dirección del gran Daniel Barenboim, se

acerca al final de su viaje con las seis últimas sinfonías del austríaco.




Año: 2010.

Lugar: Philharmonie, Berlin.


El estilo compositivo de Anton Bruckner (1824-1896) es definible de diversas maneras según las obras sobre las que nos detengamos. Sin embargo, quizá en todas ellas se encuentran acentos tradicionales de la música romántica alemana. Bruckner parece tomar ante la música una postura beethoviana. Sus sinfonías, casi inabarcables, combinan la música ingenua y conmovedora, la sencillez de la inspiración con procedimientos wagnerianos, para lograr un apabullante complejo de monumentalidad. Es quizá una mirada ausente de pasión, remplazada por un gusto constante por la solemnidad, casi grandilocuente, y sobre todo una espiritualidad realmente honda. Formalmente sus sinfonías no son más que ampliaciones de la sinfonía beethoviana, aunque no son amplificaciones debidas a necesidades del pensamiento, pues en ellas asistimos a una curiosa multiplicación de los temas, de los instrumentos y de los desarrollos. Todo es intencionado en sus sinfonías y su música coral. La música de Bruckner, con su sonoridad semejante a la de un órgano, su grandeza en el tiempo y el espacio, resulta de gran

Concierto: Sinfonía n.º 8 de Anton Bruckner Daniel Barenboim y Orquesta Estatal de Berlín 21 de noviembre 21:30 Argentina/Uruguay | 20:30 Paraguay | 19:30 Colombia/Ecuador



convicción, de una arquitectura casi catedralicia, que en la orquestación de las sinfonías sufre evidentemente la influencia de la registración organistica. Wilhelm Furtwängler decía de su estilo sinfónico que era una especie de mística gótica.

Comenzada a componer en 1884, inmediatamente después de terminar la Séptima, y todavía con la euforia del éxito conseguido, la Sinfonía n.º 8 en Do menor tiene una historia difícil, pues es junto con la Tercera y la Cuarta la que reviste un historial de revisiones más complejo. Su primera versión fue terminada en 1887. Todo parecía presagiar que la Octava —la más extensa de todas sus sinfonías— alcanzaría un éxito similar al que había acompañado desde su estreno a la Séptima. Y por eso el 4 de septiembre de 1887 escribió a Hermann Levi con gran jubilo: ¡Aleluya! Mi padre artístico debe ser el primero en conocer la noticia de que la Octava ha sido concluida. Cuando Levi examinó la partitura, no pudo ser más tajante: es inejecutable. Pidió a Franz Schalk, discípulo de Bruckner, que le hiciera conocer su opinión. Al conocerla cayó en una notable crisis, describiendo tiempo después ese período como un infierno. Aun así, en marzo de 1889 comenzó la segunda versión de la Octava, una versión que le ocuparía hasta el 10 de marzo del año siguiente. En su espíritu, la nueva partitura representaba un logro total. Tras su revisión, la sinfonía conoció gran éxito en su estreno en Viena el 18 de diciembre de 1892 en interpretación de la Filarmónica de Vierna y la dirección de Hans Richter. La crítica la nombró incluso como sinfonía de las sinfonías. Hans Relich dijo de ella: es prometeica en su estructura, fáustica en su espíritu, panabarcativa en su esfera emocional, franqueando el abismo que media entre el idilio pastoral de la Alta Austria y la sublimación de lo religioso.

Se conservan dos manuscritos autógrafos de la sinfonía [1887 y 1890], y además de estos existen más esbozos de las diferentes fases de composición que de ninguna otra sinfonía. Las versiones y ediciones ejecutables de la sinfonía son las siguientes: I. versión de 1887, conocida como la primera versión de Bruckner, pero no editada hasta 1972, preparada por Leopold Nowak; II. Adagio en versión de 1888; III. versión de 1890, que varios estudiosos sugieren como producto de la inseguridad de Bruckner, y de la presión de sus colaboradores, como el director Josef Schalk; IV. versión de 1892, que es la primera publicación de la sinfonía, y la que se utilizó para el estreno en Viena, los cambios fueron hechos por Schalk, probablemente sin intervención de Brucker, aunque este diera su aprobación final antes de

la publicación y de las sucesivas interpretaciones; V. versión de Robert Hass –que se

interpreta aquí–, editada en 1939, y basada en el autógrafo de 1890, pero incluyendo numerosos pasajes de la versión de 1887 que habían sido omitidos o modificados en la primera.

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Concierto: Sinfonía n.º 8 de Anton Bruckner Daniel Barenboim y Orquesta Estatal de Berlín 21 de noviembre 21:30 Argentina/Uruguay | 20:30 Paraguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Seguimos ofreciéndoles uno de los hitos sinfónicos más destacados de los últimos años, la integral de las sinfonías de madurez del genial compositor austríaco Anton Bruckner. Como es habitual, la Orquesta Estatal de Berlin y su director titular, Daniel Barenboim, les guían en tan esplendoroso viaje.

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El director letón se pone el frente de su actual orquesta para ofrecer un fantástico

programa de compositores rusos desde la mítica Odeonsplatz muniquesa.

Género: concierto, música clásica, música romántica, balalaika, música sinfónica.

Intérpretes: The Terem Quartet.

Director: Mariss Jansons.

Orquesta: Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera.

Año: 2014.

Lugar: Odeonsplatz, München.


Hay algunos lugares que parecen hechos expresamente, a pesar de no serlo, para la realización de conciertos. La Odeonsplatz es una de las plazas más singulares del Altstadt muniqués. Es un lugar emblemático de la ciudad alemana, que ha sido testigo de algunos eventos singulares en su historia. En 1923 tuvieron lugar aquí sangrientos enfrentamientos tras el Golpe de Múnich. Acceso septentrional al centro histórico muniqués, sobresale en su centro el monumental Pórtico de los Mariscales [Feldherrnhalle]. Esta logia fue concebida por el arquitecto Friedrich von Gärtner a instancias del rey Luis I y construida entre 1841 y 1844. La plaza está rodeada por otros importantes monumentos. A un lado los confines de la Residencia real y el Hofgarten; al otro la iglesia barroca Theatinerkirche. Lugar de encuentro y buena puerta de acceso y salida del centro histórico, el 9 de noviembre de 1923 tuvieron lugar unos sangrientos enfrentamientos frente a la Feldherrnhalle, entre miembros del Partido Nazi y las fuerzas del orden de Baviera. Un día antes, Adolf Hitler y sus seguidores habían intentado perpetrar sin éxito un golpe de

Concierto: La noche rusa Concierto Odeonsplatz con Mariss Jansons y Sinfónica de la Radio de Baviera 24 de noviembre 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador



estado, el conocido como Golpe de Múnich o de la Cervecería. Durante el Tercer Reich fue el lugar predilecto para los homenajes y desfiles militares.

Este el fantástico lugar elegido para la celebración de este concierto, que bajo el título La noche rusa, presenta un programa íntegramente dedicado a compositores del país transcontinental de los siglos XIX y XX. Se abre con el Capriccio italiano Op. 45 de Piotr Illych Tchaikovsky (1840-1893), quizá el maestro ruso con el que comenzó todo. Del menos conocido Alexander Tchaikovsky (1946), compositor que forjó su nombre en la década de 1970, se interpreta su Sinfonía «jardín», una obra muy poco interpretada fuera de las fronteras de su país. Aleksandr Borodin (1833-1887), coetáneo de Tchaikovsky, está representado por sus célebres Danzas polovtsianas, repletas del exotismo de la ópera rusa del XIX, extraídas de El Príncipie Igor. Nikolay Rimsky-Korsakov (1844-1908), quizá el último gran autor ruso del XIX, está presente por partida doble: por un lado con La batalla de Kerzhenets, extraída de La leyenda de la invisible ciudad de Kitezh y la doncella Fevróniya, ópera en cuatro actos basados en leyendas rusas; por otro lado con su afamado Capricho español Op. 34, enmarcada dentro de la visión exótica y poco cercana a la realidad que los compositores extranjeros tenían de España.

Otro autor contemporáneo es Evgeny Petrov (1972), que destacada también como clarinetista, de quien se interpreta La serenata, una poderosa obra orquestal en arreglo aquí para conjunto de balalaikas y contrabajo solista. De Dmitry Shostakovich (1906-1975), el último gran compositor de la tradición rusa, se interpreta su Obertura festiva Op. 96, una de sus obras quizá menos interpretadas, compuesta para conmemorar el XXXVII aniversario de la Revolución de Octubre. Aram Khachaturian (1903-1978), compositor de origen armenio, gran director y profesor, aparece representada por sendas obras, ejemplo de sus composiciones para ballet: el Adagio de Spartacus, y la famosísima Danza del sable, de Gayaneh. Sin duda un concierto de ricas sonoridades, de obra muy descriptivas y evocadoras de la multiculturalidad y la personalidad prismática de un país de la dimensiones y riqueza artístico–cultural de Rusia. Una manera brillante y hermosa de hermanar dos países que durante largo tiempo tuvieron profundas diferencias y que, en pleno siglo XXI, se une de la mejor manera posible, la que solo la música es capaz de provocar.

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Concierto: La noche rusa Concierto Odeonsplatz con Mariss Jansons y Sinfónica de la Radio de Baviera 24 de noviembre 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Deléitense con este concierto a cargo de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, bajo la batuta de su director titular, Mariss Jansons, quienes ofrecen un extraordinario programa dedicado a maestros rusos, con la colaboración del conjunto de balalaikas The Terem Quartet. Todo ello ofrecido desde un lugar realmente espectacular: la legendaria Odeonsplatz de München.

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Uno de los títulos operísticos más legendarios y fascinantes de la historia en una

impresionante producción desde el Festival de Bregenz.

Género: ópera, música clásica, singspiel, voz.

Intérpretes: Alfred Reiter, Ana Durlovski, Norman Reinhardt, Bernarda Bobro, Daniel Schmutzhard, Dénise Beck, Magdalena Anna Hofmann, Verena Gunz, Katrin Wundsam, Laila Salome Fischer, Eva Dworschak, Dymfna Meijts, Eike Wilm Schlute, Martin Koch, Eleftherios Chladt; Coro Filarmónica de Praga; David Pountney [dirección de escena], Johan Engels [escenografía], Marie-Jeanne Lecca [vestuario y diseño de marionetas], Fabrice Kebour [diseño de iluminación].

Director: Patrick Summers.

Orquesta: Orquesta Sinfónica de Viena.

Año: 2013.

Lugar: Festpielahus, Bregenz.


La flauta mágica [Die Zauberflöte] es un singspiel en dos actos de Wolfgang Amadeus Mozart [1756-1791] sobre libreto en alemán de Emanuel Schikaneder. Es la última ópera del genial compositor salzburgués, que fue estrenada en el Freihaus-Theater auf der Wieden de Viena el 30 de septiembre de 1791 bajo la dirección del propio Mozart, tan solo un par de meses antes de su muerte. Es sin duda su obra escénica más enigmática, evocadora y fascinante, en la que Mozart fue capaz de realizar una síntesis perfecta de la inmensa variedad de géneros músico-teatrales de su época, pues hay en ella destellos del drama serio italiano, pero también de la ópera buffa, del oratorio o del vaudeville. El

Ópera: La flauta mágica Ópera en dos actos de Wolfgang Amadeus Mozart 25 de noviembre 17:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Paraguay | 15:00 Colombia/Ecuador



singspiel es un tipo de ópera de corte más popular que se cantaba en lengua vernácula y en la que se intercalan partes habladas con las cantadas. Como sucede en muchas obras mozartianas, aunque que aquí como nunca, las diversas consideraciones sobre su significación se disparan por completo: la más básica es la que nos muestra el triunfo del bien sobre el mal, contado a través de un sencillo cuento de hadas; una más sopesada nos lleva a comprender que hay en ella una alegoría sobre la búsqueda del camino hacia la iluminación y el conocimiento; la última, más extendida y enigmática, es la que tiene a lo masónico como centro de la historia.

Mozart tenía 35 y estaba a tan solo dos meses del final de su vida. Se encontraba en un momento delicado de salud y las condiciones económicas en las que se encontraban no eran más halagüeñas. Fue entonces cuando el empresario teatral Emanuel Schikaneder, que también pasaba por graves apuros económicos, decidió escribir para Mozart una obra que pudiera dar notables beneficios económicos a ambos. Cuando este conoció la noticia de que un teatro rival iba a estrenar otra ópera con un asunto prácticamente igual decidió modificar por completo la acción, a la que añadió además una significación simbólica de acuerdo con las prácticas masónicas, ya que tanto Mozart como Schikaneder pertenecían a la misma logia. Se ha convenido en considerar que el libreto se inspiró en la obra Lulú o la flauta mágica de Liebeskind, aunque transcrita por Christoph Martin Wieland, pero también se suelen considerar otras fuentes, como Rey de Egipto, de Philippe von Gebler, o Sethos, de Jean Terrasson, incluso algunos consideran que Giesecke fue coautor de la obra junto a Schikaneder. Sea como fuere, el caso es que el libreto es uno de los más brillantes y fascinantes de cuantos se hayan escrito en la historia de la ópera. Y junto a la música de Mozart producen una de las uniones libreto/ópera más impresionantes del género.

En lo musical está repleta de arias magníficas para la totalidad de los personajes, rebosantes de complejidad técnica y belleza casi sin igual. Sus números de conjunto son igualmente brillantes, y su dominio orquestal se demuestra aquí como el gran epílogo a una carrera absolutamente genial. Todo ello hace de esta una de las óperas más queridas por el público y respetada por intérpretes y teatros de ópera, siendo año tras año una de las más escenificadas de su autor y de la historia del género.

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Ópera: La flauta mágica Ópera en dos actos de Wolfgang Amadeus Mozart 25 de noviembre 17:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Paraguay | 15:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Si hay una ópera que destile imaginación y traslade al espectador a un mundo de ensoñación y magia, esa es sin duda La flauta mágica, última ópera en el extraordinario catálogo operístico del genial Wolfgang Amadeus Mozart, que les invitamos a disfrutar en esta emisión desde el Festival de Bregenz, con un plantel vocal protagonizado por Alfred Reiter, Ana Durlovski, Norman Reinhardt, Bernarda Bobro, Daniel Schmutzhard y Dénise Beck. Les acompañan la Sinfónica de Viena bajo la dirección de Patrick Summers, y la impresionante dirección de escena de David Pountney, que aprovecha al máximo el incomparable marco flotante al aire libre del festival.

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Una magnífica velada operística con algunas de las voces de mayor proyección en el

panorama internacional.

Género: concierto, ópera, música clásica, música romántica, voz.

Intérpretes: Simone Kermes, Julia Navikova, Roberto di Biasio, Marina Prudenskaya, Ingeborg Gillebo, Davide Luciano, Chiara Skerath, Robin Johannsen; Coro del Teather Bonn.

Director: Stefan Blunier.

Orquesta: Bonn Beethoven Orchestra.

Año: 2016.

Lugar: Opera House, Bonn.


¿Puede ser la música un arma eficaz contra una epidemia mundial? Tal parece, a tenor de la ocurrido en esta gala operística que le ofrecemos para su deleite. Las melodías operísticas pueden reducir las inhibiciones, incluida la de contribuir a una buena causa, como se demostró en esta gala lírica. La 5.ª Gala de Ópera Bonn recaudó fondos para la Fundación Alemana del Sida. Entre las estrellas de ópera internacionales que han reservado ese día en sus ajetreadas agendas se encuentran algunos de los cantantes de mayor proyección e importancia en el panorama operístico mundial, alguno de los cuales llegaron a acudir a la gala de forma desinteresada y gratuita.

Concierto: Gala de ópera Bonn 2016 Kermes, Navikova, di Biasio, Prudenskaya, Gillebo, Luciano, Skerath & Johannsen Estreno 25 de noviembre 21:30 Argentina/Uruguay | 20:30 Paraguay | 19:30 Colombia/Ecuador



El Theater Bonn es una casa que engloba diversas líneas de actuación y ofrece numerosas producciones de ópera, teatro, teatro infantil, así como actuaciones internacionales de ballet, conciertos, lecturas y eventos especiales, aumentando la oferta cultural de la ciudad de Bonn y la región de manera exponencial. El Director General del Theater Bonn, desde la temporada 2013/14, es Bernhard Helmich, que junto con el director de la ópera, Andreas K. W. Meyer, el director del teatro, Nicola Bramkamp, y el director musical a partir de 2017, Dirk Kaftan, conforman la dirección artística de la casa. En conjunto, entre los dramas y la ópera se ofrece una amplia gama de actuaciones que van desde las producciones clásicas y modernas a estrenos absolutos. La historia del Teatro de Bonn se remonta a la época de los electores. En 1826 los ciudadanos construyeron el primer teatro y en 1848 se construyó un nuevo edificio en la Plaza Wilhelm, en la casa de una compañía de ópera privada; en 1902 pasó a un teatro privado; durante la Segunda Guerra Mundial el edificio fue destruido por bomba y se trasladó a la antigua sede de la Sociedad Civil de Bonn hasta 1965. El nuevo edificio, a orillas del Rhin, cuenta con 1.024 asientos y es ahora el hogar de la ópera, así como de una pequeña sala de teatro [176 localidades], una sala íntima de teatro que es utilizada especialmente para primeras actuaciones, proyectos y experimentos contemporáneos.

El repertorio interpretado estuvo conformado por las siguientes piezas: obertura y Deh vieni non tardar [Le nozze di Figaro], y Voi avete un cor fedele, de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791); Ah! Je veux vivre dans le reve… [Romeo et Juliette], de Charles Gounod (1818-1893); O wär’ ich schon mit dir vereint [Fidelio], de Ludwig van Beethoven (1770-1827); Il segreto per esser felici [Lucrezia Borgia] y Pronta io son [Don Pasquale], de Gaetano Donizetti (1797-1848); O mon Dieu! o mon Dieu, vois notre misere! [Jérusalem], Per me giunto è il di supreme / O don fatale [Don Carlos] y Quando le sere al placido [Luisa Miller], de Giuseppe Verdi (1813-1901); Gran Dio! - Giusto Dio, … ah d’Amor [Tancredi] y Largo al factocum [Il barbiere di Siviglia], de Gioachino Rossini (1792-1868); Viens, Mallika … Dôme épais le jasmin [Lakmé], de Léo Delibes (1836-1891); Les oiseaux dans la charmille [Les Contes d’Hoffmann], de Jacques Offenbach (1819-1880); Non ti scordar di me, de Ernesto de Curtis (1875-1937); Il bacio, de Luigi Arditi (1822-1903); e Ich lade gern mir Gäste ein [Die Fledermaus], de Johann Strauss II (1825-1899).

Enlaces de imágenes:

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Concierto: Gala de ópera Bonn 2016 Kermes, Navikova, di Biasio, Prudenskaya, Gillebo, Luciano, Skerath & Johannsen Estreno 25 de noviembre 21:30 Argentina/Uruguay | 20:30 Paraguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Le invitamos a trasladarse a Bonn, ciudad alemana célebre por acoger el nacimiento del genial Beethoven. Disfruten de esta Gala de Ópera Bonn, en su edición 2016, que cuenta con las voces de las sopranos Simone Kermes, Julia Navikova, Chiara Skerath y Robin Johannsen; las mezzosopranos Marina Prudenskaya e Ingeborg Gillebo; el tenor Roberto di Biasio; y el barítono Davide Luciano. Están acompañados por la Bonn Beethoven Orchestra, el Coro del Theater Bonn y la batuta de Stefan Blunier.

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Una de las voces más experimentadas del blues y el soul en directo desde el célebre festival de jazz y world music de Basilea.

Género: concierto, jazz, world music, música clásica.

Intérpretes: Dionne Warwick, David Elliot.

Año: 2012.

Lugar: Musical Theater, Basel.


Avo Session Basel es el nombre de un festival que lleva más de treinta años atrayendo a la ciudad suiza a un gran número de artistas de primer orden mundial dentro de los géneros del jazz, blues, pop-rock, o world music, en un formato íntimo de club. Celebrado habitualmente entre los meses de octubre y noviembre, el festival surgió en 1986 bajo el nombre de Rheinknie Session, cuya primera edición se celebró en mayo de ese mismo año contando con la presencia de algunos artistas de primer nivel mundial, como Oscar Peterson, Albert Collins o Koko Taylor. El gran empujón del festival vendría en 1988, con la presencia en el escenario del legendario Miles Davis. Los amantes de la música de toda Suiza tuvieron en Basilea a su centro por esa noche y expertos en la escena musical descubrieron el festival. Claude Nobs, uno de los fundadores del Festival de Jazz de Montreux, asistió entusiasta a aquella edición del festival, de tal forma que inmediatamente decidió convertirse en patrón del mismo.

Con el paso de los años el festival se va abriendo a multitud de géneros, y es ya en 1998 cuando pasa a denominarse como Avo Session, estando detrás del patrocinio una famosa marca de cigarrillos. El festival siguió creciendo, y se había posicionado ya entre las

Iconos: Dionne Warwick en Avo Session 26 de noviembre 20:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Paraguay | 18:30 Colombia/Ecuador



mejores opciones para disfrutar de estos repertorios en el mundo. En 1999 se emite por primera vez el festival en la televisión suiza SFR2 y 3sat, con lo que se establece su presencia en diversos países de habla alemana. 2005 marcó otro hito, con los veinte años del festival, que seguía creciendo en importancia y audiencia. 2010 marcó su 25.º aniversario con una gran edición por la que pasaron nada menos que más de 20.000 espectadores. 2012 marcó el cambio de nombre del festival, ante la marcada normativa antitabaco europea, para tomar el nombre de Baloise Session, su nuevo patrocinador. El pasado 2015 marcó los 30 años de un festival que sin duda se ha establecido como una fecha ineludible en el calendario de aquellos apasionados del jazz y la world music. Ray Charles (1999), James Brown (2000), Chris de Burgh (2001), Paolo Conte (2002), Deep Purple (2003), Lionel Richie (2004), Lucio Dalla (2004), Simply Red (2005), Francesco De Gregori (2005, 2015), Sir Elton John (2006), Patti Austin (2007), Joe Cocker (2007), Mark Knopfler (2007), Zucchero (2008), Amy Macdonald (2008), Grace Jones (2009), Tom Jones (2009), Jamiroquai (2010), Mary J. Blige (2010), Liza Minnelli (2011), Daniela Mercury (2011), Rod Stewart (2012), Eric Clapton (2013) o Toto (2015) nos dan buena muestra de su importancia artística.

Marie Dionne Warrick (1940) es una cantante nacida en Nueva Jersey, que ha destacado dentro del soul y el pop. Prima de las cantantes Cissy y Whitney Houston, ha estado durante más de cincuenta años sobre los escenarios. Se inició en la música como cantante gospel con su familia y su debut en solitario de la mano de Burt Bacharach en 1962 [Don't Make Me Over]. Como dato curioso hay que destacar que por una errata de imprenta bajo el apellido Warwick, no Warrick, se propició el nombre artístico de Dionne para el resto de su carrera. Este tema tuvo cierto éxito, lo que no volvería a repetirse hasta 1964 con Anyone Who Had a Heart y Walk on By, grandes éxitos, incluso fuera de Estados Unidos. En 1971 abandonó el sello Scepter por una fuerte disputa mantenida con Bacharach. Entre sus interpretaciones más recordadas se pueden citar la de temas como Alfie, la célebre I Say

A Little Prayer For You, Promises, Promises, Endless Love –junto a Barry White y que

también ha interpretado con Tom Jones…– En su siguiente etapa en Warner apenas

consiguió un éxito con el tema Then Came You. En la década de los 80 –tras un nuevo

cambio de sello discográfico– obtuvo un nuevo éxito con Heartbreaker, y a partir de entonces sus grabaciones se fueron produciendo con mayor espacio entre unas y otras, hasta que su popularidad vivió un notable repunte en 2006 con un álbum de duetos [My friends & me].

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Iconos: Dionne Warwick en Avo Session 26 de noviembre 20:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Paraguay | 18:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Hay voces que pasan a la historia ligadas a un género. Este es el caso de Dionne Warwick, una de las cantantes de los géneros llamados negros con una carrera más sólida e internacional desde hace más de cinco décadas, que ofrece aquí alguno de sus grandes éxitos para su deleite.

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Fantástico recital que tiene al Clasicismo y al violonchelo como auténticos protagonistas,

de la mano de Ivan Monighetti, la orquesta suiza y el director galo.

Género: concierto, música clásica, violonchelo, música sinfónica.

Intérpretes: Ivan Monighetti.

Director: Olivier Cuendet.


Año: 2004.



Olivier Cuendet (1953) es un director de orquesta, de conservatorio, compositor y arreglista francés que estudió órgano y dirección musical en La Chaux-de-Fonds, donde se graduó en 1976, perfeccionando su formación en Italia, con Franco Ferrara en Venecia y en la Accademia Santa Cecilia de Roma. Posteriormente desempeñó labores como asistente en el Teatro La Fenice de Venecia [1977-1979], antes de viajar a Tanglewood, donde estudió con Seiji Ozawa y Leonard Bernstein, así como en la Juilliard School de Nueva York [1979-1980]. También incluye entre sus maestros a Igor Markevitch y Rafael Kubelik. En 1983 ganó el concurso de directores N. Malko en Copenhague, tras lo cual ha ido construyendo su carrera como director por toda Europa. Cuendet es el primer director artístico y director principal de la Orquesta de Caen desde 1992 hasta 1995 y luego de

Concierto: Olivier Cuendet dirige a la Orquesta de la Suiza italiana Haydn & Boccherini Estreno 26 de noviembre 21:30 Argentina/Uruguay | 20:30 Paraguay | 19:30 Colombia/Ecuador



Västerås Sinfonietta en Suecia entre 1995 y 1998. Su repertorio de conciertos abarca desde la música barroca hasta la música contemporánea, que él ama. Ha dirigido numerosos estrenos mundiales de compositores como György Kurtág, Franco Donatoni, Olga Neuwirth, Pascal Dusapin y Heinz Holliger.

Por su parte, Ivan Monighetti (1948), a quien Pênderecki se refirió como un violonchelista extraordinario, fue el último alumno de Mstislav Rostropovich en el Conservatorio de Moscú. Ha sido ganador de primeros premios, incluyendo el Tchaikovsky en 1974, y desde entonces su carrera le ha llevado por toda Europa, América y Japón. Como solista ha actuado con la Filarmónica de Berlín, Gewandhaus de Leipzig, Gulbenkian y la Filarmónica de Moscú, entre otras. Monighetti cuenta con un amplísimo repertorio del siglo XX como resultado de su trabajo con los compositores Penderecki, Xenakis, Dutilleux, Knaifel, Schnittke, Gubaidulina, Silvestrov y Ali-Zadeh. Actualmente es profesor de violonchelo en la Academia de Música de Basilea, profesor invitado en el Conservatorio de Moscú y profesor de la cátedra de violonchelo en la Escuela de Música Reina Sofía de Madrid. Ha actuado como miembro del jurado en prestigiosos concursos como el J. S. Bach de Leipzig e imparte lecciones magistrales por todo el mundo.

En programa, tres magníficas obras servidas por dos de los mejores compositores en la Europa del siglo XVIII: Franz Joseph Haydn (1732-1809) y Luigi Boccherini (1743-1805). Del maestro austríaco se interpreta su Sinfonía n.º 68 en Si bemol mayor, una composición de 1779 y uno de los magníficos ejemplos del género por el llamado padre de la sinfonía. Esta es, además, una de las primeras sinfonías en contener dos partes para fagot independientes. La otra obra de Haydn es el Concierto para violonchelo nº 1 en Do mayor, compuesto entre 1761 y 1765 para Joseph Franz Weigl, destacado chelista de la orquesta de Esterházy, que dirigía Haydn. Este concierto se creía perdido hasta una fecha tan reciente como 1961, cuando apareció en el Museo Nacional de Praga entre diversos documentos pertenecientes al Castillo Radenin. Como en otras obras compuestas para Weigl se le exige al solista un gran virtuosismo. Las cadencias del primer y segundo movimientos no son originales del compositor. Del compositor italiano se interpreta su Concierto para violonchelo y cuerda n.º 2 en La mayor, que fue arreglado y reorquestado por al menos una media docena de manos, con Ottorino Respighi y Gaspar Cassadó entre los más destacados. A pesar de que no ha encontrado el predicamento de su concierto en Si bemol mayor, se trata de una obra de un calibre muy considerable del que fue, sin duda, el gran compositor para el instrumento en la segunda mitad del siglo XVIII.

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Concierto: Olivier Cuendet dirige a la Orquesta de la Suiza italiana Haydn & Boccherini Estreno 26 de noviembre 21:30 Argentina/Uruguay | 20:30 Paraguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Olivier Cuendet extrae las esencias de la Orquesta de la Suiza italiana en este programa doble dedicado a dos de los mayores genios del siglo XVIII: Franz Joseph Haydn y Luigi Boccherini. Del primero se interpreta su Sinfonía nº 68 y el Concierto para violonchelo n.º 1; del segundo su Concierto para violonchelo y cuerda n.º 2. Ivan Monighetti suma su violonchelo a la causa para construir un recital que le deleitará.

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