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CUESTIONARIO IV: LA MÚSICA EN EL BARROCO Y EL ROCOCÓ
1. ¿Cómo era el arte en general en el Barroco? (1punto)
2. En el trance del renacimiento al Barroco, existió un compositor llamado
Claudio Monteverdi, investiga su biografía y escribe un resumen de su
vida, aportes y obras más importantes. (2punto)
3. Explica ¿cuál era el contexto de la música en el Barroco (1punto)
4. ¿Cuáles fueron las características de la música en el barroco? (1punto)
5. Menciona a los compositores del barroco más destacados (1punto)
6. Realiza un resumen de la Biografía de Johann Sebastian Bach, sus
aportes, sus obras y por qué es de los músicos más importantes
(2puntos)
7. Describe con tus palabras todas las Formas musicales del Barroco y
realiza un cuadro sinóptico. (1punto)
8. ¿Qué fue el rococó, en qué país surgió y qué características tenía el
arte de esta corriente? (2puntos)
9. ¿Cómo era la música del rococó? (1punto)
10. Escribe un pequeño resumen sobre la ópera, ¿Qué es la ópera? ¿Qué es
la ópera seria? ¿Qué es la ópera Bufa o cómica? ¿Quiénes eran los
castrati? (2puntos)
Una visión general del contexto del Siglo de las luces
11. ¿Qué fue la ilustración o iluminismo? (Escribe sus características, el
periodo o años en el que se dio (2puntos)
12. ¿Cuáles fueron algunos hechos importantes en el siglo? Completa la
siguiente tabla (2puntos)
HECHOS IMPORTANTES DEL SIGLO XVIII
Ciencia y
tecnología
Relaciones
internacionales
Cultura y
Sociedad
Artes
plásticas
Literatura
13. Hasta ahora sabes que primero fue la edad antigua con los griegos y
romanos, seguido de una edad media oscura con poco avance que abarcó
mil años, alrededor del 1490 surge el renacimiento, en el 1600 nace el
Barroco y en 1750 termina con la muerte de Joan S. Bach y comienza
una nueva corriente llamada clasicismo.
Contesta la siguiente tabla (2puntos)
EL CLASICISMO
¿Qué es el
clasicismo?
Temas y estilo
del clasicismo
Contexto
Histórico
LECTURAS DE INFORMACIÓN
La humanidad se encuentra en evolución continua, viviendo, creando, cometiendo errores y
aprendiendo para seguir avanzando. Como colectivo, poseemos a nuestro favor miles de años de
conocimiento que se ha ido acumulando y poniendo a prueba para decidir lo que presenta valor real
para nuestro futuro.
El arte no es la excepción sino es de hecho una parte crucial de la evolución, ya que representa
nuestra necesidad de expresión y los motivos detrás de ello. Por lo tanto podemos decir ciertamente
que la creatividad es una forma de contar y comprender la historia. En esta lección de hablaremos
acerca una de estas etapas en el arte musical con la música en el barroco: resumen corto y
comprenderemos más acerca de sus distintas expresiones.
Contexto de la música en el Barroco
Dentro de las etapas de la música tenemos que hablar sobre el Barroco. Ubicamos la época barroca
en Europa durante el s. XVII, aproximadamente data desde el nacimiento de la ópera (año 1600)
hasta la muerte del compositor Johan Sebastian Bach (1750). El barroco sucedió con más auge en
Italia, Alemania, Inglaterra, Francia y España. Durante esta etapa la ideología se aplicaba no solo a
la música sino al arte en general. Se le dio especial apreciación a la hechura, los extremos y el
contraste, en ocasiones se le describe incluso como “pesado” y “retorcido”.
Para la música este tiempo en la historia resulta ser interesante puesto que fue un momento de
reformas y transiciones religiosas. A consecuencia, la música fue utilizada como un medio de
propagada por parte de la iglesia y la nobleza. Es de esta manera que la música se vuelve un
elemento poderoso como espectáculo público, determinante e influyente y el músico pasa a ser un
sirviente de la nobleza.
Características de la música en el Barroco
Es en ésta época que se desarrolló del lenguaje instrumental de la orquesta. Esto sucede a raíz de la
popularidad de la ópera, que se interpretaba en grandes teatros y era acompañada por grupos
instrumentales. En la orquesta barroca, el área predominante fueron los instrumentos de cuerda
frotada.
Estos son los elementos característicos musicales en la música barroca:
La aparición del concepto de tonalidad.
Bajos de uso continuo.
Ritmos de compás claros y sencillos.
Voces extremas simultáneas (textura bipolar).
Acordes de progresiones funcionales.
Espacios amplios para la improvisación el virtuosismo.
Fuertes contrastes sonoros.
Compositores del Barroco más destacados
Algunos de los músicos notables de ésta etapa fueron: Georg Fredrich Händel, Georg Phillip
Telemann, Antonio Vivaldi, Jean-Baptiste Lully, Henry Purcell, Domenico Scarlatti, Claudio
Moteverdi y quizás uno de los músicos más influyentes de la historia: Johann Sebastian Bach.
Bach contribuyó con una prominente cantidad de composiciones que destacan por un gran valor
intelectual y balance estructural. Bach se considera el maestro del contrapunto y sus obras servirían
de inspiración para futuros músicos imprescindibles en la historia como Mozart, Beethoven, Franz
Liszt y Wagner entre muchos otros.
Formas musicales del Barroco
Es en esta época que se asientan las formas musicales importantes como la ópera, el oratorio, la
cantata, el concierto, la sonata y la suite. En general podemos dividir las formas en vocales e
instrumentales.
Formas Vocales
La más destacada es la ópera. Esta forma es de género teatral y fue ampliamente popular. La ópera
posee un argumento base que es plasmado en un libreto e interpretado principalmente por
cantantes en escena, acompañados por instrumentistas.
Otra forma vocal popular fue el Oratorio, que es muy similar a la ópera pero posee su enfoque
primordial en los coros, sin escenificación. Dentro de otras formas tenemos la cantata, con carácter
litúrgico, y el motete, de menor popularidad y casi obsoleto durante la época. Se trataba de
composiciones religiosas para varias voces iguales.
Formas Instrumentales
Dentro de las formas instrumentales encontramos la sonata, el concierto grosso, la suite y algunas
formas solísticas dedicadas a la improvisación como el preludio, la tocata, la fantasía y la fuga.
Algunas formas como la Suite en concreto, asienta su estructura como una obra de 4 movimientos,
que a su vez poseen un nombre y características propias. La suite tiene una orden específica para
proceder con dichos movimientos y realizaba combinaciones entre los mimos. Estos eran
generalmente allemande, cuorante, sarabande, giga, minueto y rondó.
La sonata es otra de las formas prominentes, dedicada a ser interpretada por un solista acompañado
de uno o dos instrumentos. La formación habitual se constituía de violín, flauta u oboe para solista,
violonchelo y algún instrumento para acordes como el arpa, órgano, clave o laúd.
Ahora que conoces más acerca del barroco quizás puedas encontrar en obras actuales las
reminiscencias de su legado y comprender sus razones de ser.
EL ROCOCÓ
https://es.slideshare.net/Cattaljnaa/trabajito-rococo (Entrar a este vículo)
¿Qué es el Rococó?
El Rococó fue un movimiento artístico que tuvo lugar en Francia para luego extenderse por
diferentes lugares de Europa entre los años 1730 y 1770. El movimiento estuvo presente en las
diferentes artes (música, cultura, escultura, arquitectura) y representa la vida aristocrática de
aquella época.
El Rococó se caracterizó por una elección de colores claros (en especial el blanco), colores luminosos
y suaves. Intenta reflejar el aspecto agradable, exótico, sensual y refinado de las cosas y casi no
utiliza los contrastes.
El movimiento se presenta en casi todas las expresiones artísticas ya que buscaba mostrar la vida
aristocrática del momento, y las relaciones sociales eran el eje principal de su estilo
de vida ostentoso.
Origen del nombre Rococó
Existen dos teorías respeto del origen de su nombre:
Por un lado se dice que el nombre nació cerca del año 1797 y surgió producto de una broma
pues el nombre rococó intenta unir dos palabras francesas “rocaille” (concha marina) y
“Baroque” (roca) porque los primeros diseños eran de aspecto irregular semejantes a
conchas marinas o rocas.
Por otra parte se dice que el nombre proviene de la palabra “rocalla”, tipo de decoración
realizada con plantas y rocas que son semejantes al estilo que utilizó el movimiento rococó.
Estilo del rococó
Se caracterizó por una elección de colores claros (en especial el blanco), colores luminosos y suaves.
Intenta reflejar el aspecto agradable, exótico, sensual y refinado de las cosas y casi no utiliza los
contrastes.
Se inclinó por expresar temas de la vida cotidiana y las relaciones humanas. Posee un estilo
recargado que expresa el sentimiento de libertad de la sociedad aristocrática.
Expresión del rococó
El rococó ejemplificaba las fiestas y reuniones presentes en aquella época.
Es un movimiento que expresa la vida social. No se detiene en la observación de la vida de los seres
inmortales o monarcas (como ocurría en tiempos anteriores) sino más bien intentaba ejemplificar
la forma en que los seres humanos vivían durante aquellos años. Así se muestran viviendas, objetos
personales, fiestas o reuniones, dejando en evidencia la ostentación de aquella sociedad.
Teatro del rococó
Se presenta en casi todas las expresiones artísticas ya que este movimiento intenta mostrar la vida
aristocrática del momento y las relaciones sociales eran el eje principal de su estilo de vida
ostentoso.
Influencia religiosa del rococó
Durante el rococó se deja de lado la influencia religiosa.
No se caracterizó por expresar una corriente o pensamiento religioso en particular, más bien
durante este período se deja de lado la influencia religiosa.
Tipo de composición del rococó
Todas las representaciones expresan alegría, frescura y sensualidad.
Pintura del rococó
La pintura del rococó incluía temas como el amor, los mitos y las reuniones sociales.
Tuvo su auge en la década de 1730. Las temáticas específicas de la pintura del rococó ronda temas
como el amor, mitos, paisajes, aventuras amorosas y reuniones sociales. También se pueden ver
figuras mitológicas que surgen en tonalidades suaves de color pastel en contraste con la vida
cotidiana también representado en los mismos cuadros. Esto otorga un aspecto sensual y delicado
a la pintura.
Arquitectura del rococó
La arquitectura del rococó presentaba interiores cargados y ostentosos.
Se caracteriza por marcar una notable diferencia entre los exteriores e interiores. Así los interiores
son cargados, ostentosos y representantes de fantasías mientras que las fachadas exteriores son
sencillas, lisas, en formas circulares y rodeadas de jardines o parques naturales.
Fuente: https://www.caracteristicas.co/rococo/#ixzz6MMKHR6PI
LA HISTORIA DE LA ÓPERA
En latín la palabra ópera es el plural de opus, que significa 'obra'. El término sugiere que combina
los artes de canto coral y solo, declamación y baile, en un espectáculo en escena.
La ópera es un drama cantado con acompañamiento instrumental que, a diferencia del oratorio, se
representa en un espacio teatral ante un público. Existen varios géneros estrechamente
relacionados con la ópera, como son el musical, la zarzuela y la opereta.
La primera obra considerada una ópera, en el sentido comúnmente entendido, data
aproximadamente del año 1597. Esta fue Dafne, (obra actualmente desaparecida) escrita por
Jacopo Peri para un círculo de humanistas letrados florentinos conocidos como la Camerata de Bardi
de Dafne fue un intento por revivir la tragedia griega clásica, como parte de la amplia reaparición
de la antigüedad que caracterizó al Renacimiento. Un siguiente trabajo de Peri, Euridice, que data
del año 1600, es la primera ópera que haya sobrevivido hasta la actualidad.
No obstante, el uso del término ópera se inicia cincuenta años después, a mediados del siglo XVII
para definir las piezas de teatro musical, a las cuales se les refería hasta ese momento con
formulaciones universales como dramma per musica ('drama musical') o fávola in musica ('fábula
musical'). Diálogo hablado o declamado, llamado "recitativo" en la ópera, acompañado por una
orquesta o por una escueta línea de bajo, es la característica fundamental del melodrama, en el
sentido original.
Descripción
El drama se presenta usando los elementos típicos del teatro, tales como escenografía, vestuarios y
actuación. Sin embargo, la letra de la ópera (conocida como libreto), se canta en vez de ser hablada.
Los cantantes son acompañados de un grupo musical, que en algunas óperas puede ser una
orquesta sinfónica total.
La ópera tradicional consiste en dos modalidades de canto: recitativo, declamación y aria; esta
última se refiere a composiciones para voz solista. Composiciones cortas para voz solista también
se denominan "ariosos". Cada tipo de canto tiene acompañamiento orquestral.
Voces de cantantes
Los cantantes y sus personajes son clasificados de acuerdo a sus rangos vocales. Las cantantes
femeninas están clasificadas, de tesitura aguda a tesitura grave, en soprano, mezzosoprano y
contralto. Los cantantes masculinos se clasifican, de agudo a grave, en tenor, barítono y bajo.
Existe también la clasificación masculina de contratenor o sopranista.
Cada una de estas clasificaciones tiene subdivisiones, como por ejemplo: un barítono puede ser un
barítono lírico, un barítono de carácter o un barítono bufo. Estas subdivisiones asocian la voz del
cantante con los personajes más apropiados para su calidad y timbre de voz.
Los castrati —en singular, «castrato»— eran hombres capaces de cantar con una tonalidad de
voz muy aguda. Tanta, que causaron furor durante el Barroco, época en la que llegaron a
convertirse en el equivalente a las actuales estrellas musicales.
https://youtu.be/5jJl0Kn1b9o
Ópera Barroca
La ópera no se mantuvo confinada a audiencias cortesanas. En el año 1637 en Venecia emergió la
idea de una "temporada" de óperas de asistencia abierta a todo público, financiada por la venta de
entradas. Influyentes compositores de ópera del siglo XVII incluyen a Francesco Cavalli y Claudio
Monteverdi, cuyo Orfeo (1607) es la ópera más antigua que todavía se representa hoy en día. Una
siguiente obra de Monteverdi, Il Ritorno d'Ulisse in Patria (1640), también es conocida como una
obra muy importante de los inicios de la ópera.
En estas primeras óperas barrocas, se combinaba la comedia con elementos trágicos de una
manera tal que desprendía una amplia sensibilidad, lo que inició el primero de muchos
movimientos reformistas de la ópera, el cual fue asociado con el poeta Pietro Trapassi, conocido
como Metastasio, cuyos libretos contribuyeron a cristalizar el tono moralista de la ópera seria. La
comedia en la ópera barroca estaba reservada para la ópera bufa, en una tradición en desarrollo
separado que, en parte, se derivó de la comedia del arte.
La ópera italiana estableció el estándar. Los libretti italianos fueron la norma, incluso para
compositores alemanes como Händel que escribía para audiencias londinenses, o Mozart en
Viena, cerca de finales del siglo XVIII.
Ópera Francesa
En rivalidad con producciones importadas de ópera italiana, una tradición francesa separada,
cantada en francés, fue fundada por el compositor francés Jean-Baptiste Lully, quien monopolizó
la ópera francesa desde 1672. Las oberturas de Lully, sus recitativos disciplinados y fluidos y sus
intermezzi, establecieron un patrón que Cristoph Willibald Gluck luchó por reformar casi un siglo
después. La ópera en Francia ha continuado incluyendo interludios de ballet y una elaborada
maquinaria escénica. La ópera francesa estuvo influenciada por el bel canto de Rossini y otros
compositores italianos.
Ópera Comique o Buffa
La ópera francesa con diálogo hablado es conocida como ópera-comique, indistintamente de su
contenido. Ésta tuvo su auge entre los años 1770 y 1880, y una de sus representantes más
reconocidas fue Carmen de Bizet en 1875. La ópera-comique sirvió como modelo para el
desarrollo del singspiel alemán y puede llegar a asemejarse a la operetta dependiendo del peso de
su contenido temático.
UN PASEO POR EL SIGLO XVIII
https://es.slideshare.net/juan1230/acontecimientos-histricos-durante-los-siglos (ENTRA A ESTE
VÍNCULO)
¿Qué fue el Iluminismo?
Se denomina Iluminismo, Siglo de las Luces o Ilustración, a un movimiento cultural e intelectual que
se dio en la Europa de finales del siglo XVII y mediados del XVIII, especialmente en Francia, el Reino
Unido y Alemania.
Representó la ruptura con las tradiciones oscurantistas, supersticiosas y tiránicas del
pasado medieval, abrazando en cambio la luz de la razón y el conocimiento humanos como única
forma de disipar las tinieblas de la ignorancia.
La Ilustración asentó en Occidente la idea de la fe en el progreso, devolviéndole al ser humano el
control de su destino, ya que a través de la ciencia y el conocimiento podría fraguarse un mejor
destino y una mejor vida.
Estas ideas hicieron que la Revolución Francesa de 1789 cobrara una importancia histórica y política,
como símbolo de la ruptura con el pasado monárquico medieval y el inicio de una era republicana
que trajera igualdad entre los seres humanos.
La Ilustración cambió para siempre el destino filosófico, político y cultural de Europa y
de Occidente entero, teniendo una profunda repercusión en todos los países y prolongándose en
algunos de ellos hasta el siglo XIX.
Impactó en las artes, en las ciencias y en la organización de las sociedades.
Definición de Iluminismo
Los términos Ilustración e Iluminismo, en este contexto, pueden emplearse como sinónimos,
aunque se prefiere el uso del primero.
Proviene del nombre francés para el “Siglo de las Luces” (Siécle des Lumières), como se llamó a esta
época.
Este a su vez derivó en equivalentes en distintas lenguas, como Enlightenment en inglés
o Aufklärung en alemán.
El filósofo alemán Immanuel Kant, en su ¿Qué es la ilustración?, la definió como “…el abandono del
hombre de una infancia mental de la que él mismo es culpable. Infancia es la incapacidad de usar la
razón sin la guía de otra persona”.
Causas del Iluminismo
Las Reformas protestantes fueron parte de las causas del Iluminismo.
La Ilustración fue la consecuencia histórica y cultural del debilitamiento del Cristianismo y sus
dogmas medievales que tuvo lugar gracias al Renacimiento y su redescubrimiento de los saberes
clásicos de la antigüedad.
También fue causado por las Reformas protestantes y el humanismo, padre de los descubrimientos
científicos de Francis Bacon, Nicolás Copérnico, Galileo Galilei, René Descartes y Sir Isaac Newton.
Todo este camino cultural en Occidente condujo al debilitamiento de los paradigmas culturales
tradicionales.
Esto se sumó al surgimiento de una nueva clase social dominante: la burguesía. El resultado fue la
imposición de un nuevo modelo de sociedad, la pre-capitalista.
Ideas fundamentales del Iluminismo
La experiencia sensible y la razón humana se erigieron como valores supremos.
El Iluminismo sostuvo ciertas ideas centrales o directrices, que pueden resumir su nuevo paradigma
de pensamiento:
Antropocentrismo. Lo que ya había asomado el humanismo renacentista cobró mucha
mayor fuerza: el ser humano es el centro de su existencia y es quien decide su futuro. Por
eso, la razón, el conocimiento y el libre albedrío reemplazaron a la fe y la religiosidad.
Racionalismo. La experiencia sensible y la razón humana se erigieron
como valores supremos, por lo que no se puede creer lo que la razón no admite. Esto motivó
sentimientos y pensamientos anticlericales o antirreligiosos, como el nihilismo, el
agnosticismo y el ateísmo, pero a la vez significó un rechazo las pasiones humanas y todo lo
irracional o emocional del individuo.
Idealismo. Todo en la Ilustración se mostró comprometido con el ideal educativo y
formativo, sobre todo en las artes y las ciencias. El “buen gusto” se convirtió en una norma
culta que rechaza lo feo, lo decadente y lo salvaje, así como temas “de mal gusto” como el
suicidio, o los vinculados con el gusto popular.
Universalismo. La Ilustración fue un movimiento inspirado en las tres máximas de
la Revolución Francesa: Libertad, Igualdad y Fraternidad, según la cual todos los humanos
serían idénticos y merecerían los mismos derechos. Este principio igualador supone cierto
grado de cosmopolitismo y universalismo, a partir de una concepción objetiva y
generalizadora de la cultura y las sociedades. Esto, paradójicamente, significó imponer la
horma grecorromana a cualquier tipo de imaginario humano.
Algunas personalidades clave del Iluminismo fueron:
John Locke (1632-1704). Padre del liberalismo económico y uno de los principales
pensadores ilustrados, impulsó la creación de gobiernos civiles y Estados liberales con
separación de poderes.
Voltaire (1694-1778). Escritor y filósofo francés, cuya obra literaria reflejó su convicción en
la liberación del hombre mediante la razón y el saber, así como la evolución de la ciencia.
Jean-Jacques Rousseau (1712-1778). Uno de los fundadores de la antropología y un escritor,
filósofo y pensador suizo, cuya obra tuvo enorme relevancia en Occidente, sobre todo en la
Revolución Francesa y en las Revoluciones de Independencia americanas.
Montesquieu (1713-1784). Fue un escritor y ensayista francés, padre de muchas de las tesis
sobre la creación del Estado que condujeron a la modernidad política en Europa.
David Hume (1711-1776). Pensador escocés de obra fundamental en la
historia, sociología y economía, fue un seguidor del Empirismo, que planteaba la
experiencia como la mayor vía de aprendizaje del hombre, y no la tradición.
Las artes durante el Iluminismo
Las artes durante la Ilustración florecieron, pero bajo el precepto racionalista del momento. Muchas
de las grandes obras de este período reflejaron el deseo de educar a las masas o transmitirles
valores elevados, apelando siempre a su raciocinio.
En muchas variantes artísticas se impuso luego el realismo, como una forma de compromiso de los
artistas con su momento político y social y una labor de crítica que, no obstante, debía reflejar lo
más fielmente los dilemas humanos del momento.
Política en el Iluminismo
En el Iluminismo, el poder político se hizo laico y secular.
Inicialmente, la Ilustración dio cabida al despotismo ilustrado, una suerte de absolutismo culto y
educacional. Sin embargo, muy pronto se impuso la necesidad de un Estado con poderes
independientes: ejecutivo, legislativo, judicial.
Además, la Iglesia perdió su control sobre el ejercicio político, que se hizo laico y secular,
comprometido con las necesidades del ser humano y no con el “orden divino”.
Durante este período tendrá fin el llamado “Antiguo Régimen”.
Filosofía iluminista
La Ilustración se nutrió de muchas corrientes filosóficas previas y provenientes del Renacimiento,
tales como el Empirismo, el Antropocentrismo, el Materialismo y el Hipercriticismo.
La ciencia como campo central del saber humano asciende y se democratiza, comprendiéndose
como la mayor aplicación posible del pensamiento humano.
Impacto del Iluminismo en la religión
El Iluminismo se caracterizó por una tendencia más intelectual y enciclopédica.
El surgimiento de nuevas libertades permitió al ciudadano occidental entender la religión de otra
manera, mucho más tolerante y diversa, lo cual en ocasiones condujo a actitudes anticlericales, y
otras al ateísmo o el agnosticismo.
Sin embargo, el librepensamiento se extendió por Europa y junto a él una tendencia más intelectual,
más enciclopédica, del mundo.
El surgimiento de sectas como la Francmasonería o el rosacrucismo también es evidencia de la
pérdida de poder político de la Iglesia Católica.
¿Por qué es importante el Iluminismo?
La Ilustración sentó las bases para movimientos filosóficos y culturales occidentales posteriores,
como el Positivismo, que hicieron del progreso y de la acumulación de saberes científicos la
esperanza de la humanidad.
También, desde un punto de vista marxista, la Ilustración trajo la universalización de los gustos y
filosofías burguesas, es decir, la confirmación del triunfo de la nueva clase social imperante, lo cual
a su vez condujo al establecimiento del capitalismo.
Esto significa que fue un punto importante de inflexión en la historia moderna de Occidente.
.
Fuente: https://www.caracteristicas.co/iluminismo/#ixzz6MMS7rlM2
¿Qué es el clasicismo?
El clasicismo es una corriente estética y cultural que tuvo su apogeo hacia finales del siglo XVIII,
acompañando a la compleja transición que vivió Occidente al salir de la denominada Edad
Moderna para pasar a la Edad Contemporánea.
En la segunda mitad del siglo XVIII se producen una serie de acontecimientos históricos muy
significativos, que cambiaron drásticamente el paradigma social hasta entonces vigente;
la Revolución Francesa en 1789 fue sin duda el más destacado.
En términos de arte, el clasicismo se ubica entre el Barroco y el Romanticismo. A continuación, y a
modo de resumen del clasicismo, explicamos las principales características de esta corriente.
Estilo y temas del clasicismo
El clasicismo protagonizó las grandes gestas y los relatos mitológicos.
El clasicismo se inspira en los modelos clásicos e ideales de belleza de la Antigua Grecia y Roma, con
enorme atención a las formas, que deben armonizar con los contenidos. Los artistas
y compositores del clasicismo tuvieron al equilibrio, la sencillez, la sobriedad y la proporción como
ideales estéticos.
Con el clasicismo se da un regreso lo clásico e imperecedero, y esto no solo se refiere a las formas y
estilos, sino también a que se produce una vuelta temática, en la que lo religioso (que hasta
entonces dominaba) pierde protagonismo en favor de las grandes gestas y los relatos mitológicos,
o de los sentimientos humanos.
Contexto histórico del clasicismo
El clasicismo nace en una época en la que Europa revisa de manera crítica el orden establecido; una
época en la que crecen la filosofía y la ciencia, lo que permite ir saliendo de un largo período
de oscurantismo para dar paso a la razón, a la reflexión, al mundo de las ideas. La burguesía surge
como clase social relevante.
Clasicismo e Ilustración
El movimiento de la Ilustración de Francia es un claro ejemplo de este proceso intelectual, que
propone a la razón como método universal de generación de conocimiento. La publicación
de L’Encyclopédie o Dictionnaire raisonné des sciences, des arts et des métiers bajo la dirección de
Diderot y d’Alembert (1751-1772) materializa este proceso; dicha obra incluye artículos de Voltaire,
Rousseau, Condillac y Turgot.
Fuente: https://www.caracteristicas.co/clasicismo/#ixzz6MMUHWjQK
BIOGRAFIAS
Claudio Monteverdi
Claudio Monteverdi fue un músico y compositor italiano de los siglos XVl y XVII. Vivió el
último esplendor de las ciudades-estado del norte de la península, sometidas a los intentos
expansionistas de franceses, españoles y austríacos, hostigados a su vez por las guerras religiosas
que sacudieron Europa tras la Reforma de 1521. Junto con la de Frescobaldi y Corelli, su música
revoluciona el ámbito renacentista, sienta las bases para la ópera y modifica radicalmente el
tratamiento de la voz humana, individualizando su expresión.
Acontecimientos importantes en la vida de
Monteverdi
1567 Nace en Cremona.
1586 Publica su primer libro de madrigales.
1590 Se establece en Mantua, al servicio de los Gonzaga.
1606 Compone Ariadna.
1612 Se instala en Venecia como maestro de capilla de San Marcos, recopila sus obras y
compone óperas.
1643 Muere en Venecia.
Su vida transcurrió entre tres de los principales centros musicales que, durante el Renacimiento,
hicieron posible la plasmación de la música tal como hoy la entendemos: Cremona, Mantua y
Venecia. Ciudades y polos políticos y económicos prósperos e independientes, a punto de ser
sometidos a los poderes enfrentados del Imperio español de los Austrias, el papado y los
reformistas luteranos.
Claudio Monteverdi, hijo de Baldassare, un farmacéutico metido a barbero y cirujano, y de su
primera mujer, Maddalena Zignani, nació en Cremona el 15 de mayo de 1567. Cuando el
niño cumplió los nueve años su madre murió, dejándolo con una hermana y dos hermanos
varones. Tres años más tarde tenía una madrastra y tres hermanastros; poco después moría la
segunda esposa y Baldassare, trajinando en la barbería y visitando enfermos, buscaba una
tercera esposa que le atendiera el poblado hogar. Aun así, con dificultades para pagar el alquiler
de su tienda, Baldassare dio a sus dos hijos mayores una educación esmerada: ambos recibieron
lecciones privadas de música del maestro de capilla de la catedral de Cremona, Marco Antonio
Ingegneri, uno de los espíritus formadores del gusto y el hacer musical de Monteverdi. En 1586
publica su primer libro de madrigales.
Entre 1589 y 1590 Monteverdi visita Mantua por primera vez; un año después está al servicio
del duque Vincenzo I de Gonzaga, formando parte de su grupo de solistas. En los conciertos
semanales ante la corte, Monteverdi era ejecutante de viola da gamba y violín; ya ha dado a
conocer dos libros más de madrigales y en el tercero acusa la influencia directa del maestro de
capilla de los Gonzaga, De Wert. En 1596, al morir éste, aspira a ocupar su puesto. Relegado,
sigue no obstante componiendo durante tres años más, alternando sus ocupaciones
profesionales con visitas a la que sería su esposa desde 1599: una cantante del coro de la corte,
Claudia de Cattaneis, que fijaría residencia en Cremona para cuidar de su anciano suegro,
Baldassare.
De Claudia tendría Monteverdi tres hijos: Francesco (1601), Leonora (1603, muerta a los pocos
meses) y Massimiliano (1604). Con su vida en la corte, las felices visitas a la familia y una
producción vasta, los años que transcurren entre 1600 y 1607 son de apacible y frecuente
felicidad. En 1607 muere Claudia, y Monteverdi se traslada a Cremona para el entierro y
hacerse cargo de la familia; se resiste entonces a retornar a la corte de los Gonzaga. Un año
antes había empezado a componer Ariadna. Con su primera ópera, Orfeo, esta obra será la
base de su renombre como artista; aunque de ella sólo se conserve en nuestros días el
Lamento, una de sus piezas más reconocidas.
Pero Monteverdi volvió al seno de los Gonzaga, retomó sus funciones, montó su ópera Ariadna,
que debía ejecutarse, junto con un poema pastoril y un ballet, en las fiestas nupciales del
heredero de Vincenzo I, y sufrió otro duro golpe: la cantante encargada del papel, amiga y
discípula de su desaparecida Claudia, muere de sarampión y debe ser reemplazada. Tras las
fiestas, agotado, Monteverdi regresa a Cremona y pide permiso para descansar alejado de la
corte. Se le niega, y él reacciona con una violenta carta contra sus patrones; la querella dura
alrededor de tres años, durante los cuales Monteverdi visita Roma y tal vez Venecia; inútil
forcejeo, pues a la muerte del duque, su heredero despidió intempestivamente a los músicos de
la corte. Pero la zozobra dura poco: en agosto de 1612 Monteverdi es contratado como maestro
de capilla de San Marcos de Venecia y hasta 1629 se extiende el período de su máxima
actividad: reforma el coro, busca y encuentra solistas, introduce nuevos usos en las misas,
utilizando música de maestros del siglo XVI (como Palestrina), publica antologías y libros de
madrigales (hasta el sexto), recibe encargos de Mantua, compone diálogos dramáticos y óperas
(La finta pazza licori, 1627), se ocupa del destino de su hijo Massimiliano, preso por la
Inquisición en 1627 bajo el cargo de lectura de libros prohibidos, y mantiene buenas relaciones
con su otro hijo, Francesco, carmelita desde 1620.
En los diez próximos años, despreciando con rencor justificado las insistencias de los Gonzaga
para que retornara a Mantua, Monteverdi sobrevive a las penurias que causó la peste en
Venecia entre 1630 y 1631, remonta su quebranto económico (la peste había causado, junto con
los disturbios políticos en Mantua, el cese de los encargos) y da a conocer sus otros libros de
madrigales, amén de volúmenes de música sacra y profana. Entre 1640 y 1643 compone tres
óperas: Il ritorno di Ulisse in patria, La nozze d’Enea con Lavinia (perdida) y L’incoronazione
di Poppea. Murió en Venecia, en 1643, y está enterrado en la iglesia de los Frari. Su música
funde una poderosa capacidad de síntesis de la tradición con la introducción de ciertos
elementos nuevos ligados a la búsqueda de expresividad y profundidad psicológica de la voz
humana. Esta unión constituye uno de los pilares de la música clásica que hemos heredado.
JOHANN SEBASTIAN BACH
Johann Sebastian Bach nació el 31 de Marzo de 1685 en la
ciudad de Eisenach (Alemania), en el seno de una familia de
destacados músicos y compositores (con más de 35
compositores famosos y muchos intérpretes destacados),
muere en Leipzig el 28 de julio de 1750. Fue un organista y
compositor. Sus obras más importantes están entre las más
destacadas y trascendentales de la música clásica y de la
música universal. Su carrera que puede dividirse en varias
etapas, según las ciudades en las que ejerció: Arnstadt (1703-
1707), Mühlhausen (1707-1708), Weimar (1708-1717),
Köthen (1717-1723) y Leipzig (1723-1750).
Sus padres, Johann Ambrose Bach (era un talentoso violinista
y trompetista) y Lizabeth Lammerhirt, estimularon sus
tempranas dotes musicales. Fallecieron cuando él tenía
aproximadamente 10 años así que se fue a vivir con su hermano Johann Cristopher, organista en
San Miguel de Ohrdruf y quien se ocupara en lo sucesivo de su educación musical y le enseñará
a tocar el clavicordio. El niño era aplicado, serio e introvertido. Además de la música, sentía una
viva inclinación por la lengua latina, cuya estructura rígida y lógica cuadraba perfectamente con
su carácter, y por la teología. Estas materias, tamizadas por una intensa educación luterana,
acabarían por modelar completamente su personalidad y convertirse en los sólidos fundamentos
de su existencia y de su fuerza creadora. Aparte del órgano y del clavecín, también aprendió a
tocar el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música, de
renombre.
A los catorce años, Bach, junto a su amigo del colegio
Georg Erdmann, mayor que él, fue premiado con una
matrícula para realizar estudios corales en la prestigiosa
Escuela de San Miguel en Lüneburg. Además de cantar
en el coro a capella, es probable que tocase el órgano
con tres teclados y sus clavicémbalos y probablemente
aprendió francés e italiano, recibiendo formación en
teología, latín, historia, geografía y física.
En el año 1703 lo encontramos ocupando el puesto de
organista del templo de San Bonifacio de la cercana
ciudad de Arnstadt. Se estima que por esta época realiza
un viaje para conocer al compositor Buxtehude. En el
año 1707 se casa con su prima María Bárbara con quien
vive felizmente y tendrá siete hijos. En 1708 se traslada
a ocupar el puesto de “Organista de corte” a la ciudad
de Weimar llegando al puesto de “Konzertmeister” en
el año 1714, lo que le proporcionó la estabilidad
necesaria para abordar la creación musical. Se cree que en los años que paso en la corte de
Weimar es cuando compuso la mayoría de sus obras para órgano puesto que desempeñaba
funciones de organista de la capilla, Kammermusicus, violín solista, director del coro y maestro
suplente de capilla. Allí conoció y transcribió la obra de los compositores italianos (Corelli,
Albinoni o Vivaldi), formó a alumnos, como su sobrino Johann Bernhard y Johann Tobias Krebs,
y trabó una estrecha amistad con el maestro Johann Gottfried Walther, quien enriqueció su arte
del contrapunto y de la coral. Pero las intrigas teológico-palaciegas enfrentaron a Bach con el
duque, quien llegó a encarcelar cuatro semanas al compositor cuando se enteró de que Bach había
obtenido el nombramiento de maestro de capilla del príncipe Leopold de Köthen sin solicitar su
autorización previa.
En el año 1717 abandonó su puesto en Weimar a raíz de haber sido nombrado maestro de capilla
de la corte del príncipe Leopold de Anhalt, en Köthen, uno de los períodos más fértiles en la vida
del compositor, durante el cual vieron la luz algunas de sus partituras más célebres, sobre todo
en el campo de la música orquestal e instrumental: los dos conciertos para violín, los
seis Conciertos de Brandenburgo, el primer libro de “El clave bien temperado” (una colección
de preludios y fugas en todas las claves), las seis sonatas y partitas para violín solo y las seis
suites para violoncelo solo. En julio del año 1720 muere su esposa Bárbara, Bach se sumió
entonces en un profundo abatimiento.
Al año siguiente contrae matrimonio con Anna Magdalena
Wilcken, hija menor del trompetista de la corte, Caspar
Wilcken. Para la mentalidad y necesidades de un viudo de
aquel tiempo, con cuatro hijos menores a su cargo, nada
había de extraño en un rápido segundo matrimonio, que
efectivamente recibió la aprobación general. Además, Anna
Magdalena era una intérprete aventajada, bien dotada para
el canto, que profesó toda su vida una ejemplar devoción por
Johann Sebastian, convirtiéndose con el tiempo en la
cronista de la familia Bach; están en deuda con ella todos
los biógrafos posteriores. Supo comprender y compartir el
complejo mundo espiritual de su marido y lo ayudó como
eficiente copista de sus partituras. Fue otro matrimonio feliz
del que nacerían trece hijos; el benjamín fue Johann
Christian, el músico cuyas composiciones tanto influirían en
el primer Mozart. Por segunda vez en su vida Bach tuvo la
fortuna de encontrar una compañera ideal.
La muerte del Kantor de Leipzig en 1722 le brindó al compositor la esperada oportunidad para
dedicarse a la composición sacra. La obtención de la plaza no le resultó fácil: fue primero
concedida a Telemann, luego a Graupner y sólo en tercer lugar a Johann Sebastian. Para
conseguirla, Bach tuvo que aceptar gravosas condiciones, no tanto económicas cuanto laborales,
pues, además de sus funciones religioso-musicales en las iglesias de Santo Tomás y de San
Nicolás, debía hacerse cargo de tareas pedagógicas en la escuela de Santo Tomás (entre ellas la
enseñanza del latín), que le produjeron notables sinsabores.
Sólo su vida familiar le proporcionaba estabilidad y alegrías. Siempre respaldado por su mujer y
por una íntima certidumbre en la validez de su genio, pudo hacer frente a las adversidades sin
perder ni un ápice de su poder creativo ni caer víctima de la apatía. Infatigable ante sus
obligaciones como padre y como músico, Bach nunca desatendió a ninguno de sus hijos, ni
interrumpió la ardua tarea de ampliar sus conocimientos copiando y profundizando en las
partituras de sus antepasados.
Un año antes de su muerte pierde totalmente la vista, se cree que su ceguera fue originada por
una diabetes sin tratar. Según ciertos médicos, padecía de blefaritis, enfermedad ocular visible
en los retratos de sus últimos años. Un ataque de apoplejía puso fin a su vida.