cómo nos miran

ALBANO AFONSOSão Paulo (BR), 1964

Vive e traballa en São Paulo. A obra de Albano Afonso está embebida nunha

vontade de cambio que en ocasións volve a vista á estética do barroco, tanto

no tema coma na forma, enarborando a vanitas como temática primordial, e

conseguindo que ese artificio todo se convirta nun instrumento de conmoción

estética. Aínda que se sente fundamentalmente fotógrafo, o seu interese pola

cor lévao a realizar pinturas de luz, ao tempo que as súas investigacións

sobre a inestabilidade do espazo e a fugacidade do tempo o conducen cara

ao vídeo e ás instalacións.

Vive y trabaja en São Paulo. La obra de Albano Afonso está impregnada de

una voluntad de cambio que en ocasiones vuelve los ojos a la estética del

barroco, tanto en el tema como la forma, enarbolando la vanitas como

temática primordial, y consiguiendo que todo ese artificio se convierta en un

instrumento de conmoción estética. Aunque se siente fundamentalmente

fotógrafo, su interés por el color lo lleva a realizar pinturas de luz, al tiempo

que sus investigaciones sobre la inestabilidad del espacio y la fugacidad del

tiempo lo conducen al vídeo y a las instalaciones.

He lives and works in São Paulo. Albano Afonso’s work is impregnated with

a will for change which at times takes us back to the baroque aesthetic, both

in the theme and in the form, hoisting vanitas as the main subject matter and

achieving that all the artifice be transformed into an instrument of aesthetic

commotion. Although he knows himself to be fundamentally a photographer,

his interest in colour led him to paint ‘paintings of light,’ while at the same time

his research into the instability of space and the fleetingness of time has led

him to use video and installations.

EXPOSICIÓNS INDIVIDUAIS EXPOSICIONES INDIVIDUALES SOLO EXHIBITIONS

2010 Albano Afonso, Casa Triângulo, São Paulo (BR)

2009 En faisant des étoiles, Espace Beaujon, Paris (FR)

Natureza-morta, Igreja de São Tiago de Óbidos, Óbidos (PT)

2008 Still Life – You and Me, Winnipeg (CA)

2007 ¿Qué hora es en el paraíso?, Galería Fernando Pradilla, Madrid (ES)

Albano Afonso, Casa Triângulo, São Paulo (BR)

EXPOSICIÓNS COLECTIVAS EXPOSICIONES COLECTIVAS GROUP EXHIBITIONS

2010 En construcción 3, Fundación Pedro Barrié de la Maza, Vigo (ES)

Proyecto ideal, Museo de Arte Contemporáneo, Universidad de

Chile, Santiago de Chile (CL)

Fotografía iberoamericana contemporánea, Galería Fernando

Pradilla, Madrid (ES)

2008 Albano Afonso & Sandra Cinto, Casa Triângulo, São

Paulo (BR)

LatinoLatino, Palazzo della Vicaria, Trapani (IT)

Tangled Up in You, 21c Museum, Louisville (US)

—

STEPHAN BALKENHOLFritzlar, Hesse (DE), 1957

Alumno e profesor da Hochschule für Bildende Künste de Hamburgo. Alí

coñeceu o escultor minimalista Ulrich Rückriem, que dirixía o centro e do que

máis adiante se ía converter en axudante. O perfil minimalista da escola e a

convivencia co seu director marcan a súa traxectoria artística. O seu traballo

escultórico céntrase na representación figurativa en madeira, xogando coa

escala, desde pequenas figuras a grandes formatos. As súas coñecidas figuras

humanas de madeira policromada móstranse estáticas, contemplativas,

anónimas, sen aspiraren en ningún momento a unha pulcritude estética,

deixando que o material e o traballo do escultor queden ao descuberto. En 1992

accedeu a unha cátedra na Staatliche Kunstakademie de Karlsruhe.

Alumno y profesor de la Hochschule für Bildende Künste de Hamburgo. Allí

conoció al escultor minimalista Ulrich Rückriem, que dirigía el centro y del que

más adelante se convertirá en ayudante. El perfil minimalista de la escuela y la

convivencia con su director marcan su trayectoria artística. Su trabajo

escultórico se centra en la representación figurativa en madera, jugando con

la escala, desde pequeñas figuras a grandes formatos. Sus conocidas figuras

humanas de madera policromada se muestran estáticas, contemplativas,

anónimas, sin aspirar en ningún momento a una pulcritud estética, dejando que

el material y el trabajo del escultor queden al descubierto. En 1992 accedió

a una cátedra en la Staatliche Kunstakademie de Karlsruhe.

Pupil and teacher of the Hochschule für Bildende Künste in Hamburg. There

he met the minimalist sculptor Ulrich Rückriem, who ran the centre and to

whom he would later become assistant. The minimalist profile of the school

and shared experience with its director marked his artistic career. His

sculptures are based on figurative representation in wood, where he plays

with scale, from small figures to large formats. His well-known human

figures in polychrome wood are static, contemplative, anonymous, never

aspiring to aesthetic pulchritude, leaving the material and the artist’s work

exposed. In 1992 he gained a chair in the Staatliche Kunstakademie in

Karlsruhe.

CENTRO GALEGO DE ARTE CONTEMPORÁNEA31 maio / 18 setembro 2011

CCóómmoo nnooss mmiirraann


2010 Stephan Balkenhol, Musee de Grenoble, Grenoble (FR)

2009 Stephan Balkenhol, Galerie Thaddaeus Ropac, Paris (FR)

2008 Stephan Balkenhol, Stephen Friedman Gallery, London (UK)

2005 Stephan Balkenhol, National Museum of Art Osaka, Osaka (JP)

2001 Stephan Balkenhol, Centro Galego de Arte Contemporánea,

Santiago de Compostela (ES)


2011 30 Jahre Galerie Löhrl in Mönchengladbach, Galerie Löhrl,

Mönchengladbach (DE)

2010 What Surrounds Me, Dominik Mersch Gallery, Sydney (AU)

Sockel, das Fundament der Kunst, Gerhard Marcks Haus, Bremen (DE)

2008 Paixóns privadas, visións públicas, Museo de Arte Contemporánea

de Vigo, Vigo (ES)

—

ARTUR BARRIOPorto (PT), 1945

Desenvolve o seu traballo en Río de Xaneiro. Matricúlase na Escola de Belas

Artes da Universidade Federal da dita cidade e comeza a interesarse pola

pintura en 1965. En 1969, crea Situacións, un conxunto de obras realizadas con

lixo, materiais orgánicos e obxectos fóra do convencional. Ese mesmo ano lanza

tamén Manifesto, unha denuncia «contra as categorías de arte» e as inxustizas

do Terceiro Mundo. É autor, entre outras, de instalacións ao aire libre como

Blooshluss (1972) e esculturas realizadas con obxectos de a cotío. En 1975

trasladouse a París. O Centre Georges Pompidou adquiriu os seus cadernos e

libros. Durante este período, levou a cabo performances, arte postal, esculturas,

libros e cadernos de artista. En 1985 participou na 17a edición da Bienal

Internacional de São Paulo.

Desarrolla su trabajo en Río de Janeiro. Se matricula en la Escuela de Bellas Artes

de la Universidad Federal de dicha ciudad y comienza a interesarse por la pintura

en 1965. En 1969, crea Situaciones, un conjunto de obras realizadas con

basura, materiales orgánicos y objetos fuera de lo convencional. Ese mismo año

lanza también Manifiesto, una denuncia «contra las categorías de arte» y las

injusticias del Tercer Mundo. Es autor, entre otras, de instalaciones al aire libre

como Blooshluss (1972) y esculturas realizadas con objetos cotidianos. En 1975

se trasladó a París. El Centre Georges Pompidou adquirió sus cuadernos y libros.

Durante este período, llevó a cabo performances, arte postal, esculturas, libros y

cuadernos de artista. En 1985 participó en la 17.a edición de la Bienal

Internacional de São Paulo.

He carries out his work in Rio de Janeiro. He studied at the Federal

University’s Fine Arts School and became interested in painting in 1965. In

1969 he created Situaciones, a set of works done with rubbish, organic

material and non-conventional objects. That same year he also launched

Manifiesto, which denounced “art categories” and the injustices of the Third

World. He is the author, among others, of open-air installations such as

Blooshluss (1972) and sculptures made with everyday articles. In 1975 he

moved to Paris. The Georges Pompidou Centre acquired his books. During

that period he was dedicated to performance art, postal art, sculptures,

books and artist books. In 1985 he took part in the 17th edition of the São

Paulo International Biennial.


2008 Artur Barrio - Museo Tamayo, Mexico City (MX)

2006 The Moore International Discovery Series 6: Artur Barrio: Actions

After Actions - Galleries at Moore College of Art & Design,

Philadelphia (US)

2005 Artur Barrio, FRAC, Provence-Alpes-Côte d’Azur, Marseille (FR)


2010 Um dia terá que ter terminado 1969/74, Museu de Arte

Contemporânea da Universidade de São Paulo, São Paulo (BR)

29° Bienal de São Paulo, Bienal de Sao Paulo, São Paulo (BR)

Tropicália. Die 60s in Brasilien, Kunsthalle Wien (Museumsquartier),

Wien (AT)

2009 GAGARIN The Artists in their Own Words, Stedelijk Museum

voor Actuele Kunst (SMAK), Ghent (BE)

Subversive Praktiken, Kunst unter Bedingungen politischer

Repression, Württembergischer Kunstverein, Stuttgart (DE)

PREMIOS PREMIOS AWARDS

2011 Premio Velázquez de Artes Plásticas, Ministerio de Cultura

de España

—

SERGEY BRATKOVKharkov (UA), 1960

Vive e traballa en Moscova. Estudou arte na súa cidade natal e graduouse

en industrias electrónicas na Academia Politécnica. O seu traballo está

profundamente marcado pola súa nacionalidade e a realidade social que se

viviu no seu país despois da desintegración da URSS. O cambio e a confusión

que deixou aquela época son reflectidos cun realismo radical. Comprometido

coa súa cidade e co seu país, Bratkov interésase polas persoas e polos lugares

que viu ao longo da súa vida, e pola transformación que estes sufriron no

novo contexto político. A través duna mirada descarnada e conmovedora

preséntanos unha sociedade que deixou atrás os seus mellores anos. A súa

obra esta influenciada pola doutro fotógrafo ucraniano: Boris Mikhailov.

Vive y trabaja en Moscú. Estudió arte en su ciudad natal y se graduó en

industrias electrónicas en la Academia Politécnica. Su trabajo está

profundamente marcado por su nacionalidad y la realidad social que se

vivió en su país tras la desintegración de la URSS. El cambio y la confusión

que dejó aquella época son reflejadas con un realismo radical.

Comprometido con su ciudad y su país, Bratkov se interesa por las personas

y lugares que ha visto a lo largo de su vida, y por la transformación que

estos han sufrido en el nuevo contexto político. A través de una mirada

descarnada y conmovedora nos presenta una sociedad que ha dejado atrás

sus mejores años. Su obra esta influenciada por la de otro fotógrafo

ucraniano: Boris Mikhailov.

He lives and works in Moscow. He studied in his native city and graduated in

electronic industries in the Polytechnic Academy. His work was deeply marked

by his nationality and the social reality of his country after the break-up of the

USSR. The change and confusion that reigned are reflected with radical

realism. Committed to his city and his country, Bratkov is interested in the

people and places he has known throughout his life and in the transformation

they have undergone in the new political context. Starkly and movingly, he

shows us a society whose best years have passed. His work is influenced by

that of another Ucrainian photographer: Boris Mikhailov.


2010 Heldenzeiten, Deichtorhallen Hamburg (DE)

How Much?, Deweer Art Gallery, Otegem (BE)

Male Games, Galería espacio mínimo, Madrid (ES)

Ukraine, PinchukArtCentre, Kyiv (RU)

2009 La Queue remue le chien - TMproject 21st Century Fine Arts, Genève

(CH)

Sergey Bratkov, Regina Gallery, Moskva (RU)

2008 Sergey Bratkov - Heldenzeiten - Fotomuseum Winterthur,

Winterthur (CH)


2011 Crossroads: Contemporary Russian Photography, Australian Centre

for Photography, Sydney (AU)

2010 History of Russian Video Art. Volume 3, Moscow Museum of modern

art, MMOMA, Moskva (RU)

Modernikon, Contemporary Art from Russia, Fondazione Sandretto

Re Rebaudengo, Turin (IT)

Objects in Mirror Are Closer than They Appear: About Videoart in

Russia, Futura, Praha (CZ)

—

JIRI DAVIDRumburk (CZ), 1956

Graduado pola Academia de Belas Artes de Praga, o traballo deste artista

desenvólvese a través de diferentes medios de comunicación como o cine, a

fotografía, as ferramentas 3D, a escultura, o vídeo ou a pintura. No seu

traballo contrapón o papel da arte aos roles da cultura e os eventos políticos.

Traballa na República Checa, pero o seu interese céntrase nos problemas

derivados das relacións internacionais, os medios de comunicación, o

terrorismo e os dereitos humanos. Jiri David defínese como un mero

instrumento da arte que descoñece de onde procede a súa inspiración.

Graduado por la Academia de Bellas Artes de Praga, el trabajo de este artista

se desarrolla a través de diferentes medios de comunicación como el cine, la

fotografía, las herramientas 3D, la escultura, el vídeo o la pintura. En su trabajo

contrapone el papel del arte a los roles de la cultura y los eventos políticos.

Trabaja en la República Checa, pero su interés se centra en los problemas

derivados de las relaciones internacionales, los medios de comunicación, el

terrorismo y los derechos humanos. Jiri David se define como un mero

instrumento del arte que desconoce de dónde procede su inspiración.

He graduated in Fine Arts at the Prague Academy. His work has developed

through different media such as cinema, photography, 3D tools, sculpture,

video or painting. In his work, he contrasts the role of art with the roles of

culture and political events. He works in the Czech Republic, but his interest

focuses on the problems that derive from international relations, the media,

terrorism and human rights. Jiri David is defined as being just an instrument

of the art whose source of inspiration is unknown.


2010 Jiri David. Common Retrospective, Galéria Jana Koniarka, Trnava (SK)

2009 Jiri David. A Preliminary Retrospective, Moravska Galerie /

Moravian Gallery, Brno (CZ)

Nehledej mou tvá�, není to tvé zrcadlo, Galerie ad astra, Kurim (UA)

Jiri David .Touch My Head. DOMINIK ART PROJECTS, Kraków (PL)

Jiri David. Anticipatory Retrospective, City Gallery Prague, Praha (CZ)


2010 1984-1995. Czech Painting of the 1980s Generation, Wannieck

Gallery of Modern Art, Brno (CZ)

Trouble with Love - Dvorak Sec Contemporary, Praha (CZ)

Gaspard of the Night, Futura, Praha (CZ)

2009 Jak to bylo s Kainem a Ábelem, Galeria Kritiku, Praha (CZ)

Prague Biennale 4, Prague Biennale, Praha (CZ)

—

WILLIE DOHERTYDerry (UK), 1959

A obra de Doherty está fondamente marcada por unha experiencia da súa

xuventude. En 1972 foi testemuña directa dos sucesos que tiveron lugar en

Derry durante o coñecido como Domingo Sanguento. Este acontecemento

fíxoo reformular a cuestión dos múltiples significados que unha imaxe pode

ter, xa que entendía que cada unha das imaxes do suceso contaban apenas

unha parte da historia. Nas súas obras usa material tomado dos medios de

comunicación que adapta para os seus fins. Os seus vídeos crean unha

sensación de claustrofobia que foi comparada co cine negro.

La obra de Doherty está profundamente marcada por una experiencia de su

juventud. En 1972 fue testigo directo de los sucesos que tuvieron lugar en Derry

durante el conocido como Domingo Sangriento. Este acontecimiento le hizo

replantearse la cuestión de los múltiples significados que una imagen puede

tener, ya que entendía que cada una imágenes del suceso contaban apenas

una parte de la historia. En sus obras usa material tomado de los medios de

comunicación que adapta para sus fines. Sus vídeos crean una sensación de

claustrofobia que ha sido comparada con el cine negro.

Doherty’s work is significantly marked by experiences from his youth. In 1972 he

witnessed the events of Bloody Sunday in Derry. This made him reconsider the

question of the multiple meanings an image can have, as he understood that each

of the images of the event only told a part of the whole story. In his works he uses

material taken from the media which he adapts to meet his aims. His videos

create a sense of claustrophobia which has been compared to film noir.


2010 Willie Doherty: LACK, Alexander and Bonin, New York (US)

2009 Willie Doherty: Requisite Distance, Dallas Museum of Art, Dallas (US)

Willie Doherty, Fruitmarket Gallery, Edinburgh (UK)

Willie Doherty - Three Potential Endings, Galerie Peter Kilchmann,

Zürich (CH)


2011 Moving Portraits, De La Warr Pavilion, Bexhill on Sea (UK)

2010 Storytellers – Passages. Centre d’art contemporain, Troyes (FR)

Manifesta 8, Murcia (ES)

Medianoche en la ciudad, Centre d’Art la Panera, Llèida (ES)


1994 Pize Nominee Turner

2003 Pize Nominee Turner

—

VALIE EXPORTLinz (AT), 1940

Waltrud Lehner-Hollinger, coñecida internacionalmente polo nome artístico de

Valie Export, vive e traballa en Viena. É membro do consello universitario da

Kunstuniversität de Linz desde 2003. Vinculada no inicio da súa carreira artística

ao accionismo vienés, Valie Export desenvole o seu traballo coma unha especie

de colaxe expandida no tempo mediante a cal busca establecer novas formas

de comunicación co espectador. Son célebres as súas Body Configurations

(1972-1982), obras nacidas do seu rexeitamento á galería e ao museo, clixés

que relacionan a arquitectura co corpo e que lembran as pezas de Robert Morris

ou Vito Acconci. A linguaxe corporal que emprega en obras como Body Sign

Action e Body Sign Action B, ambas as dúas de 1970, é un reflexo da súa

posición como muller artista que asume un papel activo dentro dun contexto

teórico hostil, patriarcal e eurocentrista.

Waltrud Lehner-Hollinger, conocida internacionalmente por el nombre artístico

de Valie Export, vive y trabaja en Viena. Es miembro del consejo universitario

de la Kunstuniversität de Linz desde 2003. Vinculada en el inicio de su carrera

artística al accionismo vienés, Valie Export desarrolla su trabajo como una

suerte de collage extendido en el tiempo mediante el cual busca establecer

nuevas formas de comunicación con el espectador. Son célebres sus Body

Configurations (1972-1982), obras nacidas de su rechazo a la galería y al

museo, clichés que relacionan la arquitectura con el cuerpo y que recuerdan a

las piezas de Robert Morris o Vito Acconci. El lenguaje corporal que utiliza en

obras como Body Sign Action y Body Sign Action B, ambas de 1970, es un

reflejo de su postura como mujer artista que asume un rol activo dentro de un

contexto teórico hostil, patriarcal y eurocentrista.

Waltrud Lehner-Hollinger, known internationally by the artistic name of Valie

Export, lives and works in Vienna. She has been a member of the

Kunstuniversität’s university council in Linz since 2003. Linked at the beginning

of her artistic career to Viennese actionism, Valie Export carries out her work

as a sort of collage extended out in time through which she seeks to establish

new forms of communication with the spectator. Famous are her Body

Configurations (1972-1982), works born from her rejection of the gallery and

the museum, clichés that relate architecture to the body and remind us of works

by Robert Morris or Vito Acconci. The body language she uses in works such

as Body Sign Action and Body Sign Action B, both from 1970, is a reflection

of her position as a female artist who takes on an active role within a

patriarchal and euro-centrist theoretical context.


2011 VALIE EXPORT. Schwarz Weiß ist mir Farbe genug, Charim Ungar,

Berlin (DE)

VALIE EXPORT: Body = Language, Centro de Arte Contemporânea e

Fotografia, Belo Horizonte, Minas Gerais (BR)

VALIE EXPORT. Zeit und Gegenzeit/Tempo e Controtempo/Time and

Countertime, Museion, Bolzano (IT)

2010 VALIE EXPORT. Time and Countertime, Lentos Kunstmuseum, Linz

(AT); Österreichische Galerie Belvedere, Wien (AT)


2011 Video, an Art, an History: 1965-2010, Centre national d’art et de

culture, Georges Pompidou, Paris (FR)

Unmittelbare Kunst. Wiener Aktionismus und andere Positionen aus

Österreich 1960-2011, Konzett, Wien (AT)

∅AMAP TOY BLEMMATOS? (Die Zähmung des Blicks?), The Art

Foundation, Athens (GR)


2010 Gropes Goldene Ehrenzeichen für Verdienste um die Republik

Österreich

—

ANNETTE FRICKBonn (DE), 1957

Fotógrafa e realizadora experimental. Estudou na Fachhochschule für Kunst

und Design en Colonia. Durante varios anos percorreu o Berlín underground

plasmando nas súas fotografías a escena gai e lesbiana da cidade. En 2011

presentou na Berlinale o filme Lightflight, un documental sobre Herbert Tobias,

o primeiro fotógrafo alemán que traballou para a revista parisiense Vogue.

Fotógrafa y realizadora experimental. Estudió en la Fachhochschule für Kunst

und Design en Colonia. Durante varios años recorrió el Berlín underground

plasmando en sus fotografías la escena gay y lésbica de la ciudad. En

2011 ha presentado en la Berlinale el film Lightflight, un documental sobre

Herbert Tobias, el primer fotógrafo alemán que trabajó para la revista

parisina Vogue.

Experimental photographer and producer. She studied at the Fachhochschule

für Kunst und Design in Cologne. For several years she took in the Berlin

underground, expressing the city’s gay and lesbian scene. In 2011 she

presented the film Lightflight at the Berlinale, a documentary on Herbert Tobias,

the first German photographer to work for the Parisian magazine Vogue.


1997 Annette Frick. Tabuzonen, Kölnisches Stadtmuseum, Köln (DE)


2008 Dr. Reinold in Memoriam, Galerie Skala, Köln (DE)

2004 Von Körpern und anderen Dingen... - Deutsche Fotografie im 20.

Jahrhundert, Kunstmuseum Bochum, Bochum (DE)

—

ALBERTO GARCÍA-ALIXLeón (ES), 1956

Fotógrafo moi relacionado coa chamada Movida Madrileña, de sona

internacional por mor dos seus traballos en branco e negro e dos seus retratos.

Celebrou a súa primeira exposición na galería Buades en 1981. A través das

súas fotografías non só asistimos ao retrato dun individuo ou dun grupo, senón

que grazas a elas tamén podemos facer un percorrido pola biografía do artista.

García-Alix actúa como narrador de historias, de personaxes marxinados,

esquecidos da nosa sociedade. Trata de desenmascarar o mundo que o rodea,

sen disimular o grotesco, o inmoral ou o feo. Os seus retratos son adoito unha loita

entre o artista e o retratado, desprenden tensión e forza; nos seus nus os corpos

preséntanse sen pudor, cunha gran carga expresiva.

Fotógrafo muy relacionado con la llamada Movida Madrileña, conocido inter-

nacionalmente por sus trabajos en blanco y negro y sus retratos. Celebró su pri-

mera exposición en la galería Buades en 1981. A través de sus fotografías no solo

asistimos al retrato de un individuo o de un grupo, sino que gracias a ellas tam-

bién podemos hacer un recorrido por la biografía del artista. García-Alix actúa

como narrador de historias, de personajes marginados, olvidados de nuestra so-

ciedad. Trata de desenmascarar el mundo que le rodea, sin disimular lo grotesco,

lo inmoral o lo feo. Sus retratos son frecuentemente una lucha entre el artista y el

retratado, desprenden tensión y fuerza; en sus desnudos los cuerpos se presentan

sin pudor, con una gran carga expresiva.

Photographer closely linked to the so-called “Movida Madrileña”, known

internationally for his black and white works and his portraits. He held his

first exhibition in the Buades gallery in 1981. Through his photographs not

only do we stand before the portrait of an individual or a group, but thanks

to them we are treated to a biography of the artist. García-Alix acts as a

narrator of stories, or people who are marginalised, the forgotten of our

society. He tries to expose the world around him, without concealing the

grotesque, the immoral or the ugly. His portraits are frequently a struggle

between the artist and the one portrayed, they reveal tension and strength;

in his nudes the bodies are presented without shame, with great

expressiveness.


2010 From Where there Is no Return, Ullens Center for Contemporary Art,

Beijing (CN)

Alberto García-Alix, Es Baluard, Palma de Mallorca (ES)

Alberto García-Alix (1976-86). No me sigas… Estoy perdido,

Espacio AV, Murcia (ES)

2008 De donde no se vuelve, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía,

Madrid (ES)


2010 BIPOLAR. Video y fotografía en la Colección del Centro Atlántico de

Arte Moderno, Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas de

Gran Canaria (ES)

Afinities. Paths 10 Spanish photographers, National Museum of

Contemporary Art, Bucarest (RO)

Madrid, oh cielos!, Círculo de Bellas Artes, Madrid (ES)

Miradas singulares, voces plurales, Claustro de Exposiciones Palacio

Provincial, Cádiz (ES)

A piel de cama, Sala Parpalló, Valencia (ES)

Años 70. Fotografía y vida cotidiana, Centro Andaluz de Arte

Contemporáneo, Sevilla (ES)


1999 Premio Nacional de Fotografía

—

ANNA BELLA GEIGERRío de Janeiro (BR), 1933

Artista multidisciplinar brasileira. Logo de se licenciar en Letras, en 1954

trasladouse a Nova York onde estudou Historia da Arte. Actualmente é

profesora da Escola de Artes Visuais do Parque Lage.

A partir dos setenta a pintura abstracta de Geiger comezou a presentar

elementos representacionais. Desde ese momento vai recorrer a diferentes

técnicas como a cartografía, o vídeo ou a instalación para as súas creacións.

En 1983 foi nomeada membro da John Simon Guggenheim Memorial

Foundation.

Artista multidisciplinar brasileña. Tras licenciarse en Letras, en 1954 se trasladó

a Nueva York donde estudió Historia del Arte. Actualmente es profesora de la

Escola de Artes Visuais do Parque Lage.

A partir de los setenta la pintura abstracta de Geiger comenzó a presentar

elementos representacionales. Desde ese momento recurrirá a diferentes técnicas

como la cartografía, el vídeo o la instalación para sus creaciones. En 1983 fue

nombrada miembro de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation.

Multi-disciplinary Brazilian artist. After graduating in Arts, in 1954 she moved

to New York where she studied History of Art. She presently teaches at the

Parque Lage School of Visual Arts.

It was after the 1970s when Geiger’s abstract painting began to show

representational elements. From then on, she would resort to different techniques,

such as cartography, video or the installation for her creations. In 1983 she was

named a member of the John Simon Guggenheim Memorial Foundation.


2005 Anna Bella Geiger, Laura Marsiaj Arte Contemporânea, Rio de

Janeiro (BR)

2004 Anna Bella Geiger, Instituto Tomie Ohtake, São Paulo (BR)


2011 Modern Women: Single Channel, MoMA PS1, New York (US)

2010 Tékhne, Museu de Arte Brasileira da Fundação Armando Alvares

Penteado, São Paulo (BR)

89 Km. Colección CGAC, Museo de Arte Contemporánea de

Vigo (ES)

—

ROBERT KINMONTLos Angeles (US), 1937

Cara a 1970 o escultor conceptualista Robert Kinmont decide deixar o mundo

da arte para retirarse ao deserto a vivir coa súa familia. En 1978 faise

carpinteiro, profesión á que se dedica durante vinte anos até que decide

volver ao mundo da creación. Na súa obra, tanto nas series de fotografías

como nas esculturas, pódese apreciar unha forte influencia do deserto

californiano e da natureza.

Hacia 1970 el escultor conceptualista Robert Kinmont decide dejar el mundo

del arte para retirarse al desierto a vivir con su familia. En 1978 se hace

carpintero, profesión a la que se dedica durante veinte años hasta que decide

volver al mundo de la creación. En su obra, tanto en las series de fotografías

como en las esculturas, se puede apreciar una fuerte influencia del desierto

californiano y de la naturaleza.

Around 1970 the conceptualist sculptor Robert Kinmont decided to leave the

world of art to move to the desert and live with his family. En 1978, he became

a carpenter, a profession to which he would dedicate his time for twenty years

until he decided to return to the world of creation. In his work, both in the

photographic series as well as the sculptures, we can appreciate the important

influence of the Californian desert and nature.


2009 Robert Kinmont, Alexander and Bonin, New York (USA)


2010 The Moon is an Arrant Thief, The David Roberts Art Foundation,

London (UK)

The Traveling Show, Galería de la Fundación/Colección Jumex,

México D.F. (MX)

Group Exhibition, Darren Knight Gallery, Sydney (AU)

2005 Mirage, Alexander and Bonin, New York (US)

—

MARIE JO-LAFONTAINEAntwerpen (BE), 1950

En 1975 inicia os seus estudos en La Cambre, École Nationale Supérieure des

Arts Visuels, en Bruxelas. En 1987 participa na Documenta 8 cunha

videoinstalación titulada Les Larmes d’acier (Steely Tears) que lle outorgará un

gran recoñecemento, converténdose nunha das figuras máis importantes da

arte contemporánea europea polo que recibirá numerosos premios. Nos seus

últimos traballos trata os temas da identidade, a mocidade e a cultura xuvenil.

En 2006 o seu proxecto I Love the World foi o gañador para a cerimonia de

apertura do mundial de fútbol en Frankfurt.

En 1975 inicia sus estudios en La Cambre, École Nationale Supérieure des

Arts Visuels, en Bruselas. En 1987 participa en la Documenta 8 con una

videoinstalación titulada Les Larmes d’acier (Steely Tears) que le otorgará un

gran reconocimiento, convirtiéndose en una de las figuras más importantes del

arte contemporáneo europeo recibiendo numerosos premios. En sus últimos

trabajos trata los temas de la identidad, la juventud y la cultura juvenil. En

2006 su proyecto I Love the World fue el ganador para la ceremonia de

apertura del mundial de fútbol en Frankfurt.

In 1975, she began her studies in La Cambre, École Nationale Supérieure des

Arts Visuels, in Brussels. In 1987 she took part in Documenta 8 with a video

installation titled Les Larmes d’acier (Steely Tears) for which she was widely

recognised, becoming one of the most important figures in contemporary art

and receiving a number of awards. In her latest works she looks at themes

such as identity, youth and youth culture. In 2006 her project I Love the World

was the winner for the opening ceremony of the World Cup in Frankfurt.


2009 Samuelis. Baumgarte Galerie, Bielefeld (DE)

2008 Come to me!, André Simoens Gallery, Knokke (BE)


2010 Ein Hauch von Eden, Samuelis Baumgarte Galerie, Bielefeld (DE)

ABC. Contemporary Art from Belgium, Le Fresnoy - Studio national

des arts contemporains. Tourcoing (FR)

Mediation Biennale 2010, Mediation Biennale, Poznan (PL)

Mediators, The National Museum in Warsaw, The Gallery of 20th-

Century Polish Art, Warsaw (PL)

Intimacy! Baden in der Kunst, Kunstmuseum Ahlen, Ahlen (DE)

—

URS LÜTHILuzern (CH), 1947

Na actualidade vide e traballa en Múnic e Kassel. Desde a súa primeira

presentación en público, en 1974, o seu corpo convértese no principal material

das súas obras. Os seus autorretratos, ambivalentes e irónicos, constitúen unha

reflexión en clave kitsch e ilusionista sobre o corpo, o tempo e a vida. O seu

universo plástico preséntase como unha persoal interpretación da body art, e

desprega un irónico xogo psicológico entre o eu e o outro, estratexicamente

presentados nun continuo cambio de papeis. Nas súas primeiras fotografías,

xoga co concepto de travestismo nun estilo que parodia o xénero clásico do

retrato. Na década dos oitenta abandona a fotografía e inclínase pola pintura

acrílica de grandes dimensións. Entre as súas obras máis coñecidas atópanse as

instalacións Run for Your Life e Placebos and Surrogates, nas que a publicidade

e o culto desmedido ao corpo constitúen o tema central.

Actualmente vive y trabaja en Munich y Kassel. Desde su primera presentación

en público, en 1974, su cuerpo se convierte en el principal material de sus

obras. Sus autorretratos, ambivalentes e irónicos, constituyen una reflexión en

clave kitsch e ilusionista sobre el cuerpo, el tiempo y la vida. Su universo

plástico se plantea como una personal interpretación del body art, y despliega

un irónico juego psicológico entre el yo y el otro, estratégicamente presentados

en un continuo cambio de papeles. En sus primeras fotografías, juega con el

concepto de travestismo en un estilo que parodia el género clásico del retrato.

En la década de los ochenta abandona la fotografía y se decanta por la

pintura acrílica de grandes dimensiones. Entre sus obras más conocidas se

encuentran las instalaciones Run for Your Life y Placebos and Surrogates, en las

que la publicidad y el culto desmedido al cuerpo constituyen el tema central.

He presently lives and works in Munich and Kassel. From his first public

presentation in 1974 his body has been the main material for his works. His

self-portraits, ambivalent and ironic, are a reflection both kitsch and illusionist

on the body, time and life. His plastic universe is posed as a personal

interpretation of body art, and he reveals an ironic psychological game

between the I and the other, strategically presented in a continuous exchange

of roles. In his early photographs, he plays with the concept of transvestism in

a style that parodies the classic genre of the portrait. In the eighties, he

abandoned photography and dedicated himself to acrylic painting in large

formats. Among his most well-known works are the installations Run for Your

Life and Placebos and Surrogates, in which advertising and excessive body

worship are the central theme.


2010 Urs Lüthi. Art is the Better Life, Fondazione Brodbeck Arte

Contemporanea, Catania (IT)

2009 Urs Lüthi. Just Another Story About Leaving, MACRO - Museo d’Arte

Contemporanea Roma, Roma (IT)

Urs Lüthi. Art is the Better Life, Craa Centro di ricerca arte attuale Villa

Giulia, Verbania (IT)

Art is the Better Life, Sammlung Falckenberg, Kulturstiftung Phoenix

Art, Hamburg (DE)

Urs Lüthi. Art is the Better Life, Kunstmuseum Luzern, Luzern (CH)


2010 Nude Visions. 150 Jahre Körperbilder in der Fotografie, WestLicht -

Schauplatz für Fotografie, Wien (AT)

Fashionable Art. Mode in der Kunst, Kunst Raum Riehen, Basel (CH)

Anni ’70, Cannaviello, Milano (IT)

Copyright No. 8: Vom Himmel der Ästhetik und die Moral von der

Geschicht, Kasseler Kunstverein, Kassel (DE)

—

ANNA MARIA MAIOLINOScalea (IT), 1942

Vive e traballa no Brasil. É unha das artistas que se engloban dentro do

movemento antropofáxico da vangarda brasileira, que xorde na década

dos setenta. O traballo da artista desenvolveuse a través de múltiples

medios como a pintura, a escultura ou a fotografía. O corpo e a linguaxe

son as dúas áreas principais arredor das cales se articula a súa carreira.

Os temas que trata, como a semiótica, o escatolóxico ou a comida, xunto

coa diversidade de medios que utiliza, testemuñan a natureza rizomática

da súa obra.

Vive y trabaja en Brasil. Es una de las artistas que se engloban dentro del

movimiento antropofágico de la vanguardia brasileña, que surge en la

década de los setenta. El trabajo de la artista se ha desarrollado a través

de múltiples medios como la pintura, la escultura o la fotografía. El cuerpo

y el lenguaje son las dos áreas principales en torno a las cuales se articula

su carrera. Los temas que trata, como la semiótica, lo escatológico o la

comida, junto con la diversidad de medios que utiliza, testimonian la

naturaleza rizomática de su obra.

She lives and works in Brazil. She is one of the artists who falls within the

anthropophagic movement of the Brazilian vanguard which arose in the

1970s. The artist’s work has developed through multiple media, such as

painting, sculpture or photography. The body and language are the two main

areas around which her work revolves. The themes she deals with, for example

semiotics, scatology or food, together with the diversity of the media she uses,

is a testimony to the rhizomatic nature of her work.


2011 Anna Maria Maiolino. Centro Galego de Arte Contemporánea,

Santiago de Compostela (ES)

2010 Anna Maria Maiolino. Sine Die, Fundación Antoni Tàpies,

Barcelona (ES)

Anna Maria Maiolino: Continuous, Camden Arts Centre, London (UK)

Video and Photographs ‘70-’80s, Galleria Raffaella Cortese,

Milano (IT)


2010 On Line: Drawing Through the Twentieth Century, Museum of

Modern Art, New York (US)

29.° Bienal de São Paulo, Bienal de Sao Paulo, São Paulo (BR)

VIBRACIÓN. Modern Art from Latin America. The Ella Fontanals-

Cisneros Collection, Kunst und Ausstellungshalle der Bundesrepublik

Deutschland, Bonn (DE)

Mind and Matter: Alternative Abstractions, 1940s to Now, Museum

of Modern Art, New York (US)

—

BORIS MIKHAILOVCharkov (UA), 1938

Descubriu a súa vocación cando lle encargaron unha reportaxe fotográfica

sobre a fábrica na que traballaba, antes de o expulsaren por considerar as

súas imaxes de mal gusto. Hoxe é un dos fotógrafos máis recoñecidos da

antiga Unión Soviética. A temática principal da súa obra é o esborrallamento

da utópica sociedade soviética. Os seus traballos teñen varias capas de

significado, achegándonos á caída dun réxime a través de fotografías que

tratan de rachar co clásico e ofrecernos unha visión profunda dos actuais

acontecementos sociais que lle tocou vivir.

Descubrió su vocación cuando le encargaron un reportaje fotográfico sobre la

fábrica en la que trabajaba, antes de que lo expulsaran por considerar sus

imágenes de mal gusto. Hoy es uno de los fotógrafos más reconocidos de la

antigua Unión Soviética. La temática principal de su obra es el desmoronamiento

de la utópica sociedad soviética. Sus trabajos tienen varias capas de significado,

acercándonos a la caída de un régimen a través de fotografías que tratan de

romper con lo clásico y ofrecernos una visión profunda de los actuales

acontecimientos sociales que le han tocado vivir.

He discovered his vocation when he was asked to do a photographic report

on the factory where he was working, before he was expelled as his images

were deemed to be in bad taste. Today, he is one of the most well-known

photographers of the ex-Soviet Union. The main subject matter of his work is

the collapse of the utopian Soviet society. His works have various levels of

meaning, showing us the fall of a regime through photographs which aim to

break with the classic and offer us a profound look at the present-day social

events he is witnessing.


2010 AT Dusk, 1993, Suzanne Tarasiève Galerie, París (FR)

Boris Mikhailov, Galería Casado Santapau, Madrid (ES)

Utopia and Reality, Kunstverein Rosenheim, Rosenheim (DE)

2009 Boris Mikhailov. Yesterday’s Sandwich. 1969/70, Suzanne Tarasiève

Galerie, Paris (FR)

Boris Mikhailov. Dusk, Deweer Art Gallery, Otegem (BE)


2011 Leipzig. Fotografie seit 1839 – 1962, Museum der bildenden Künste

Leipzig. Leipzig (DE)

2010 Les Recherches d’un chien, La Maison Rouge, Paris (FR)

The Adventure of Reality International Realism. Kunsthal Rotterdam,

Rotterdam (NL)

Arbeit / Labour, Fotomuseum Winterthur, Winterthur (CH)

—

MUNTEAN/ROSENBLUMGraz (AT),1962 / Haifa (IL), 1962

O austríaco Markus Muntean e a israelí Adi Rosenblum levan traballando

xuntos como tándem artístico desde 1992. Durante ese tempo

desenvolveron unha linguaxe pictórica a base de composicións corais

complexas de xente nova con fondos urbanos. As figuras, representadas en

lenzos de gran formato coas esquinas redondeadas a modo de pantalla

televisiva, correspóndense cos arquetipos de mozos e mozas que acostuman

aparecer nas revistas de tendencias. As pezas de Muntean/Rosenblum

cuestionan o estereotipo físico e a imaxe que estes medios transmiten ao

tempo que abordan o tema da morte, recorrente nas frases escritas nas

marxes a modo de alegoría.

El austriaco Markus Muntean y la israelí Adi Rosenblum llevan trabajando juntos

como tándem artístico desde 1992. Durante ese tiempo han desarrollado un

lenguaje pictórico a base de composiciones corales complejas de jóvenes con

fondos urbanos. Las figuras, representadas en lienzos de gran formato con las

esquinas redondeadas a modo de pantalla televisiva, se corresponden con los

arquetipos de jóvenes que suelen aparecer en las revistas de tendencias. Las

piezas de Muntean/Rosenblum cuestionan el estereotipo físico y la imagen que

estos medios transmiten al tiempo que abordan el tema de la muerte, recurrente

en las frases escritas en los márgenes a modo de alegoría. Su obra ha

evolucionado desde el pop su obra hacia un barroquismo que busca

sorprender y emocionar.

The Austrian Markus Muntean and the Israeli Adi Rosenblum have been

working together as an artistic duo since 1992. During this time, they have

developed a painting language based on complex coral compositions of

young people in urban backgrounds. The figures, represented on large-format

canvases with the corners rounded like a television screen, correspond to the

archetypes of young people who usually appear in trendy magazines.

Muntean/Rosenblum’s works question the physical stereotype and the image

that those media transmit while at the same time tackle the theme of death,

recurring in the sentences written in the margins as an allegory.


2010 Muntean/Rosenblum, Maureen Paley, London (UK)

MUNTEAN/ROSENBLUM, Georg Kargl Fine Arts, Wien (AT)

2009 Muntean/Rosenblum - Untitled ‘09, Team Gallery, New York (US)

2008 Muntean/Rosenblum, Essl Museum, Klosterneuburg (AT)

Muntean/Rosenblum, ARNDT, Berlin (DE)


2010 Körper Codes. Menschenbilder aus der Sammlung, Museum der

Moderne Salzburg, Salzburg (AT)

No New Thing Under the Sun, Royal Academy of Arts, London (UK)

Lust und Laster. Die 7 Todsünden von Dürer bis Naumann,

Kunstmuseum Bern, Bern (CH)

Director’s Choice, ARKEN Museum for Moderne Kunst, Ishoj (DK)

—

CARLOS PAZOSBarcelona (ES), 1949

A obra de Carlos Pazos ten constantes referencias á infancia e aos tempos

pasados. No seu traballo podemos apreciar o poético e mais o kitsch como

elementos persistentes. Define as súas obras como souvenirs xa que, segundo

afirma, así atribúelles un significado, o de obxecto do recordo, o que

permanece do pasado.

La obra de Carlos Pazos tiene constantes referencias a la infancia y a los

tiempos pasados. En su trabajo podemos apreciar lo poético y lo kitsch

como elementos persistentes. Define sus obras como souvenirs ya que, según

él, así les atribuye un significado, el de objeto del recuerdo, lo que

permanece del pasado.

Carlos Pazos’ work makes constant references to childhood and the past. In

his work the poetic and kitsch are persistent elements. He defines his works as

souvenirs, as, in his opinion, it gives them a meaning, the subject of memory,

what remains from the past.


2008 A comodos Pazos, Galería Vanguardia, Bilbao (ES)

2007 Carlos Pazos. No me digas nada, Museo Nacional Centro de

Arte Reina Sofía, Madrid (ES)

Carlos Pazos, Museu d’Art Contemporani de Barcelona,

Barcelona (ES)


2011 Medianoche en la ciudad, ARTIUM - Centro-Museo Vasco de Arte

Contemporáneo Vitoria-Gasteiz, Vitoria-Gasteiz (ES)

2010 Signes i escriptures, Fundacio Suñol, Barcelona (ES)

Medianoche en la ciudad, Centre d’Art la Panera, Llèida (ES)

[itinerante]

Años 70. Fotografía y vida cotidiana, Centro Andaluz de Arte

Contemporáneo, Sevilla (ES)


2004 Premio Nacional de Artes Plásticas

—

ULRIKE ROSENBACHSalzdefurth (DE), 1943

Artista pioneira da performance e da videoarte en Alemaña. Estudou na

Kunstakademie Düsseldorf. O feminismo e mais a identidade de xénero son

cuestións centrais na súa obra. Mediante asociacións rituais e significados

simbólicos, os seus vídeos e performances reflicten a evolución do papel da

muller no ámbito social e cultural, así como a eterna loita entre o principio

masculino e o feminino.

Artista pionera de la performance y el videoarte en Alemania. Estudió en la

Kunstakademie Düsseldorf. El feminismo y la identidad de género son

cuestiones centrales en su obra. Mediante asociaciones rituales y significados

simbólicos, sus vídeos y performances reflejan la evolución del papel de la

mujer en el ámbito social y cultural, así como la eterna lucha entre el principio

masculino y el femenino.

An artist who pioneered the performance and video art in Germany. She stud-

ied in the Kunstakademie Düsseldorf. Feminism and gender identity are central

questions in her work. Through ritual associations and symbolic meanings, her

videos and performances reflect the evolution of the women’s role socially and

culturally, as well as the eternal struggle between the masculine and feminine

principle.


2010 Ulrike Rosenbach, Galerie Heinz Holtmann, Köln (DE)

Ulrike Rosenbach, Galerie Maier-Hahn, Düsseldorf (DE)

2009 Ulrike Rosenbach. Media Installations, Photographs, Drawings,

Brigitte March Stuttgart, Stuttgart (DE)

Ulrike Rosenbach: Alte Bilder - Neue Szenen, Saarländische

Galerie, Berlin (DE)

Flügelhand, Galerie Julia Philippi, Heidelberg (DE)


2010 Der erste Impuls. Skizzen – Zeichnungen. 1958-2010. Brigitte

March Stuttgart, Stuttgart (DE)

Mixed Emotions, Kunsthalle Brennabor, Brandenburg an der

Havel (DE)

Das zweite Selbst, Brigitte March Stuttgart, Stuttgart (DE)

Das im Entschwinden Erfasste, Videokunst im Museum Folkwang,

Museum Folkwang Essen, Essen (DE)

Superfemmes - Rathausgalerie München, München (DE)

Was ist schön?, Deutsches Hygiene Museum, Dresden (DE)

—

THOMAS RUFFZell am Harmersbach (DE), 1958

É un dos fotógrafos máis significativos da escola alemá dos noventa. Estudou

na prestixiosa Academia de Düsseldorf, onde foi alumno de Bernd e Hilla

Becher. Xunto con outros fotógrafos da mesma escola como Candida Höfer ou

Andreas Gursky contribuíu á renovación da fotografía contemporánea. O seu

afán por experimentar co medio levouno a ser un dos pioneiros no uso do

dixital como ferramenta. Para el a fotografía só acada a tona das cousas; por

iso a súa mirada é fría, petrificadora, case científica e é o espectador quen ten

que completar a imaxe coas súas vivencias. Os seus retratos de gran formato

cunha estética que recorda á fotografía dun pasaporte están entre os seus

traballos máis coñecidos. Presta atención ao proceso de posprodución, a

edición e a manipulación da imaxe obtida, como na serie Nudes, onde se

apropia de imaxes pornográficas extraídas da Internet, imaxes borrosas pero

de cores nítidas.

Es uno de los fotógrafos más significativos de la escuela alemana de los

noventa. Estudió en la prestigiosa Academia de Düsseldorf, donde fue alumno

de Bernd y Hilla Becher. Junto con otros fotógrafos de la misma escuela como

Candida Höfer o Andreas Gursky contribuyó a la renovación de la fotografía

contemporánea. Su afán por experimentar con el medio lo llevó a ser uno de

los pioneros en el uso de lo digital como herramienta. Para él la fotografía solo

alcanza la superficie de las cosas; por eso su mirada es fría, petrificadora, casi

científica y es el espectador quien ha de completar la imagen con sus

vivencias. Sus retratos de gran formato con una estética que recuerda a la

fotografía de un pasaporte están entre sus trabajos más conocidos. Presta

atención al proceso de posproducción, la edición y la manipulación de la

imagen obtenida, como en la serie Nudes, donde se apropia de imágenes

pornográficas extraídas de Internet, imágenes borrosas pero de colores nítidos.

He is one of the most significant photographers of the German school of the

nineties. He studied in the prestigious Düsseldorf Academy, where he was a

pupil of Bernd and Hilla Becher. Together with other photographers from the

same school such as Candida Höfer or Andreas Gursky, he contributed

towards the renovation of contemporary photography. His desire to

experiment with this medium led him to become a pioneer in the use of the

digital medium as a tool. For him, photography does not only touch the

surface of things; that is why his eye is cold, petrifying, almost scientific and it

is the spectator who has to complete the image with his experiences. His large-

format portraits with an aesthetic which reminds us of a passport photograph

are among his most well-know works. He pays attention to the post-production

process, the editing and the manipulation of the image obtained, as in the

series Nudes, where he takes pornographic images from the Internet, fuzzy

images but with clear colours.


2010 Thomas Ruff, Palazzo Buonamici, Prato (IT)

ma.r.s., Johnen Galerie, Berlin (DE)

Thomas Ruff, Galerist Istanbul, Istanbul (TR)

Thomas Ruff, Konrad Fischer Galerie, Düsseldorf (DE)

Six Portraits by Thomas Ruff, Henry Art Gallery, Seattle (US)


2011 The Truth is not in the Mirror. Photography and a Constructed

Identity, Haggerty Museum of Art, Milwaukee (US)

LITOS GRAFERA, Kunst Centret Silkeborg Bad, Silkeborg (DK)

2010 Bild für Bild. Film und zeitgenössische Kunst, Museum Ostwall im

Dortmunder U, Dortmund (DE)

21st Century: Art in the First Decade, Queensland Art Gallery /

Gallery of Modern Art, Brisbane (AU)

—

REGINA SILVEIRAPorto Alegre (BR), 1939

A obra da artista brasileira está ligada ao conceptualismo e á poesía, ademais

de facer un aceno á arte pop e ao minimalismo. Interésase polos grandes temas

da pintura: a luz, a sombra, os volumes e os sistemas de representación visual.

Ao longo da súa carreira, o xogo entre o obxecto cotián e a súa representación,

entre a realidade e a ficción, foi unha constante.

La obra de la artista brasileña está ligada al conceptualismo y a la poesía,

además de hacer un guiño al arte pop y al minimalismo. Se interesa por los

grandes temas de la pintura: la luz, la sombra, los volúmenes y los sistemas de

representación visual. A lo largo de su carrera, el juego entre el objeto cotidiano

y su representación, entre la realidad y la ficción, ha sido una constante.

The work of the Brazilian artist is linked to conceptualisation and poetry, as

well as looking at art pop and minimalism. She is interested the most

important themes of painting: light, shade, volumes and visual

representation systems. Throughout her career, the game between the

everyday object and its representation, between reality and fiction, has

been a constant factor. Her work has evolved from pop to a baroque which

seeks to surprise and to move.


2010 Regina Silveira, Atlas Sztuki, Lodz (PL)

Regina Silveira, Bolsa de Arte, Porto Alegre (BR)

2009 Regina Silveira, Alexander Gray Associates, New York (US)


2010 Tékhne, Museu de Arte Brasileira da Fundação Armando Alvares

Penteado, São Paulo (BR)

Fiat Lux. Creación e iluminación, Museo de Arte Contemporáneo

Unión Fenosa, A Coruña (ES)

Galeria expandida, Luciana Brito Galeria, São Paulo (BR)

2009 Dispositivos ópticos. La arquitectura como trayectorias de la mirada,

Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla (ES)

—

BEAT STREULIAltdorf (CH), 1957

Beat Streuli é un dos máis coñecidos expoñentes dunha tendencia

denominada “escola da fotografía da rúa”, que consiste en retratar as

persoas que habitan as beirarrúas das cidades máis importantes do mundo.

O seu traballo está protagonizado por persoas de diferentes culturas que

transitan pola rúa sen saberen que están a ser fotografados ou filmados.

Tamén é coñecido polos seus grandes carteis publicitarios, que coloca nos

centros urbanos.

Beat Streuli es uno de los más conocidos exponentes de una tendencia

denominada “escuela de la fotografía de la calle”, que consiste en retratar a las

personas que habitan las aceras de las ciudades más importantes del mundo. Su

trabajo está protagonizado por personas de diferentes culturas que transitan por

la calle sin saber que están siendo fotografiados o filmados. También es conocido

por sus grandes carteles publicitarios, que coloca en los centros urbanos.

Beat Streuli is one of the most well-known exponents of a trend known as the

‘street photography school,’ which consists of portraying people who inhabit

the pavements of the world’s most important cities. His work shows people of

different cultures who are walking along the street without realising they are

being filmed or photographed. He is also known for his large advertising

posters, which he places in city centres.


2010 Beat Streuli, Galerie Wilma Tolksdorf, Berlin (DE)

Beat Streuli, Dogenhaus Galerie Leipzig, Leipzig (DE)

Beat Streuli - NYC 91/09, Murray Guy, New York (US)

Beat Streuli. New Works, Galerie Erna Hécey, Bruxelles (BE)

2009 Beat Streuli. Barcelona Series, Galería SENDA, Barcelona (ES)


2011 Singapore Biennale 2011, Singapore Biennale, Singapore (SG)

2010 21st Century: Art in the First Decade, Queensland Art Gallery /

Gallery of Modern Art, Brisbane (AU)

Group Show, Galerie Wilma Tolksdorf, Berlin (DE)

Port Izmir 2 - Silence_Storm - Port Izmir, Izmir (TR)

The Adventure of Reality International Realism, Kunsthal Rotterdam,

Rotterdam (NL)

—

GAIL THACKERProvidence (US), 1959

Fotógrafa que traballou coas imaxes captadas a través da súa cámara Polaroid

665, conferíndolles ás súas pasaxes e retratos un aspecto avellentado,

deteriorado e borroso. Co seu traballo, Thacker intenta mostrar o papel que

desempeña a fotografía nos relatos que construímos acerca das nosas vidas.

Entre 1990 e 2003 mantivo unha estreita colaboración co tamén artista Rafael

Sánchez, que se traduciu nun bo número de instantáneas que oscilaban entre o

retrato, a colaboración entre ambos e a fotografía documental.

Fotógrafa que ha trabajado con las imágenes captadas a través de su cámara

Polaroid 665, confiriéndoles a sus pasajes y retratos un aspecto envejecido,

deteriorado y borroso. Con su trabajo, Thacker intenta mostrar el rol que

desempeña la fotografía en los relatos que construimos acerca de nuestras vidas.

Entre 1990 y 2003 mantuvo una estrecha colaboración con el también artista

Rafael Sánchez, que se tradujo en un buen número de instantáneas del que

oscilaban entre el retrato, la colaboración entre ambos y la fotografía

documental.

A photographer who has worked with images taken on her Polaroid 665,

lending the landscapes and portraits an aged look, decrepit and fuzzy. With

her work, Thacker tries to show the role photography plays in the tales we

build around our lives.

Between 1990 and 2003, she was in close collaboration with the also artist

Rafael Sánchez, which was transformed into a significant number of shots

ranging between the portrait, the collaboration between the two and

documentary photography.


2010 Lush Life, Collette Blanchard Gallery, New York (US)

Lush Life - Shell be Apples, Eleven Rivington, New York (US)

Lush Life - Chapter One: Whistle, Sue Scott Gallery, New York (US)

2009 Familiar Feelings. Sobre o grupo de Boston, Centro Galego de Arte

Contemporánea, Santiago de Compostela (ES)

—

DAVID WOJNAROWICZNew Jersey (US), 1954-1992

Artista polifacético; pintor, escritor, fotógrafo, cineasta e activista. David

Wojnarowicz é un dos creadores máis importantes da súa xeración; a súa

rebeldía, o seu estatus de figura pública e o seu carácter visionario colócano

na longa tradición artística norteamericana.

A súa obra nace da historia social, da cultura popular e dos seus propios

soños e visións. Superpondo texto, pintura, elementos en colaxe e fotografía,

e en ocasións organizándoos en cuadrantes ou en forma de tiras cómicas,

Wojnarowicz xerou narrativas provocadoras e alegorías históricas sobre a

orde e a desorde, o nacemento e a morte.

Artista polifacético; pintor, escritor, fotógrafo, cineasta y activista. David

Wojnarowicz es uno de los creadores más importantes de su generación; su

rebeldía, su estatus de figura pública y su carácter visionario lo colocan en la

larga tradición artística norteamericana.

Su obra nace de la historia social, la cultura popular y sus propios sueños y

visiones. Superponiendo texto, pintura, elementos en collage y fotografía, y en

ocasiones organizándolos en cuadrantes o en forma de tiras cómicas,

Wojnarowicz generó narrativas provocadoras y alegorías históricas sobre el

orden y el desorden, el nacimiento y la muerte.

Multi-faceted artist; painter, writer, photographer, film-maker and activist.

David Wojnarowicz is one of the most important creators of his generation;

his rebelliousness, his status as a public figure and his visionary nature make

him a part of a long American artistic tradition.

His work is based on social history, popular culture and his own dreams and

visions. Superimposing texts, painting, collage and photography, and on

occasions organising them in quadrants or in the style of comic strips,

Wojnarowicz has generated provocative narratives and historical allegories

on order and disorder, birth and death.


2011 Fire in My Belly. Richmond Center for Visual Arts. Kalamazoo (US)

2010 Irutturi, September, Berlin (DE)

2009 David Wojnarowicz, Supportico Lopez Berlin, Berlin (DE)


2011 Sex Drive, Cantor Fitzgerald Gallery, Haverford (US)

EN-GARDE II: omg, Ronald Feldman Fine Arts Inc., New York (US)

2010 Decadence Now! Visions of Excess. Galerie Rudolfinum, Praha (CZ)

Busan Biennale 2010, The Busan Biennale, Busan (KR)

Because We Are, Museum of Contemporary Art, Houston (US)

Manhattan, uso mixto. Fotografía y otras prácticas artísticas desde

1970 al presente, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía,

Madrid (ES)

—

AKRAM ZAATARISaida (LB), 1966

O traballo deste artista libanés céntrase no tratamento de cuestións de índole

histórica, política e social a través da imaxe. Na súa obra usa técnicas

fragmentarias e metáforas con base documental. O seu traballo evolucionou

cara a un rexistro híbrido e contemporáneo na fronteira entre ficción,

memoria e historia. É moi crítico coa visión que occidente ofrece de Oriente

e das condicións morais, sociais e políticas da súa rexión. Cofundador de The

Arab Image Foundation, con sede en Beirut.

As pezas mostradas nesta exposición forman parte dun proxecto coñecido

como Madani Project, que se traduce nunha serie de exposicións temáticas,

publicacións e vídeos centrados na figura do fotógrafo Hashem el Madani (n.

1928) e na súa obra.

El trabajo de este artista libanés se centra en el tratamiento de cuestiones de

índole histórica, política y social a través de la imagen. En su obra usa técnicas

fragmentarias y metáforas con base documental. Su trabajo evolucionó hacia

XUNTA DE GALICIAPresidente da Xunta de GaliciaAlberto Núñez Feijóo

Conselleiro de Cultura e TurismoRoberto Varela Fariña

Director xeral do Patrimonio CulturalJosé Manuel Rey Pichel

CENTRO GALEGO DE ARTE CONTEMPORÁNEADirector Miguel von Hafe Pérez

XerenteManuel Arroyo Núñez

EXPOSICIÓNComisariadoMiguel von Hafe Pérez

CoordinaciónLourdes P. Seoane

MontaxeCarlos Fernández, David Garabal (CGAC)

TraduciónInterlingua Traduccións S. L., Jesús Riveiro Costa

DeseñoCecilia Labella

CGGACCENTRO GALEGO DE ARTE CONTEMPORÁNEARamón del Valle Inclán s/n

15704 Santiago de Compostela

[email protected] / www.cgac.org

aberto de martes a domingo

de 11 a 20 h [luns pechado]

un registro híbrido y contemporáneo en la frontera entre ficción, memoria e

historia. Es muy crítico con la visión que occidente ofrece de Oriente y de las

condiciones morales, sociales y políticas de su región. Cofundador de The

Arab Image Foundation, con sede en Beirut.

Las piezas mostradas en esta exposición forman parte de un proyecto conocido

como Madani Project, que se traduce en una serie de exposiciones temáticas,

publicaciones y vídeos centrados en la figura del fotógrafo Hashem el Madani

(n. 1928) y en su obra.

The work of this Lebanese artist focuses on historical, political and social

questions through the image. In his work he uses fragmentary techniques and

metaphors, based on the documentary. His work evolved towards the hybrid

and contemporary at the border between fiction, memory and history. He is

very critical about the vision that the West shows of the Middle East and the

moral, social and political conditions of his region. Co-founder of The Arab

Image Foundation, with its office in Beirut.

The works shown in this exhibition form a part of a project known as Madani

Project, which comprises a series of thematic exhibitions, publications and videos

focussing on the photographer Hashem el Madani (b. 1928) and his work.


2010 Documents/rumeurs/histories, Laboratoires d’Aubervilliers,

Aubervilliers (FR)

2009 Earth of Endless Secrets Writing for a Posterior Time, Beirut Art

Center, Beirut (LB)

Akram Zaatari: Earth of Endless Secrets, Galerie Sfeir-Semler, Beirut

(LB)

Akram Zaatari. Nature Morte, BALTIC Centre for Contemporary Art,

Gateshead (UK)


2011 Sharjah Biennial 10. Plot for a Biennial, Sharjah Biennial,

Sharjah (AE)

2010 BREAKING NEWS. Contemporary Photography from the Middle

East and Africa, Ex Ospedale Sant’Agostino, Modena (IT)

The Future of Tradition – The Tradition of Future, Haus der Kunst

München, München (DE)

Tarjama/Translation, Herbert F. Johnson Museum of Art, Ithaca (US)