COLECTIVA DE ESCULTURARoberto Barni · Fernando Botero · Martín Chirino Juan Genovés · Francisco Leiro · Jacques Lipchitz · Antonio López García · Blanca Muñoz Pelayo Ortega · Tom Otterness · David Rodríguez Caballero · Manolo Valdés · Moisès Villèlia

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COLECTIVA DE ESCULTURA

19 septiembre - 9 noviembre 2013

Nace en 1939 en Pistoia, Italia. Trabaja sobre la idea de la condición humana y presenta al hombre de manera anónima en inquietantes y enigmáticas situaciones. De este modo, en su universo artístico se despliega un ejército de seres realizando difíciles juegos de equilibrio y formando columnas humanas. Generalmente algún objeto acompaña a estos hombres, estableciéndose una relación vital entre ambos que trasciende el tiempo.

Barni comienza a exponer sus obras a principios de los años 70 y desde entonces se han celebrado numerosas exposiciones individuales y colectivas en Italia y el resto del mundo, destacando su exposición en 2007 en los Jardínes de Boboli y en el Museo Arqueológico de Florencia (2007); en el Centre d’Art Ville de Cannes (2010) y en el Museo Cobra de Amsterdam (2011).

Su obra forma parte de importantes colecciones públicas internacionales, tal como la Fondazione Giuliano Gori, Celle (Pistoia), Tialia; Galleria d’Arte Moderna (Bolonia), Galleria d’Arte Moderna (Roma), Museo d’Arte Contemporanea Luigi Pecci, Prato, Italia; Galleria degli Uffizi - Gabinetto dei Disegni (Florencia), Musée des Beaux-Arts (Budapest), Queens Museum (Nueva York), y la Tate Gallery – Print Collection (Londres).

ROBERTO BARNI

Vasomuto, 2007, bronce, ed. de 8, 50 x 33 x 20 cm. Impresa, 2012, bronce, ed. de 6, 231 x 41 x 245 cm.

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Woman on a horse, 2010, bronce, ed. de 6, 117 x 81 x 47 cm.

FERNANDO BOTERO

Nació en Medellín, Colombia en 1932 y se trasladó a Bogotá en 1951, donde expuso por primera vez en la Galería Leo Matiz.

Su primera retrospectiva tuvo lugar en 1970 en Alemania en museos de Baden Baden, Berlín, Dusseldorf y Hamburgo. A partir de entonces, Botero ha seguido exponiendo continuamente en museos de todo el mundo.

Después de 13 años en Nueva York, Botero se traslada a París en 1973, donde realiza sus primeras esculturas.

Su obra se caracteriza por la interpretación que da el artista a diversas temáticas universales (el ser humano, la mujer, el hombre, sus sentimientos, pasiones, dolores, vicios, mitos, manifestaciones culturales, así como dramas, acontecimientos y personajes históricos, sociales y políticos, animales y naturaleza en general) con una volumetría exaltada, dando fuerza y sensualidad a la obra. Tanto sus pinturas como sus esculturas exploran las formas curvilíneas y los volúmenes voluptuosos. Sin embargo, Botero no da un trato individual a las esculturas, nunca les da expresiones faciales humanas ni personalidad, sino que en todas ellas reina un primitivo hieratismo.

Sus esculturas monumentales son bien conocidas a lo largo de todo el mundo. Han sido expuestas en aclamadas exposiciones y adoradas por todo el público en capitales como París, Washington D.C., Madrid, Berlín, Mónaco, Tokio o Nueva York.

La obra de Botero puede encontrarse en los más destacados museos de todo el mundo como The Israel Museum, Jerusalén; The Metropolitan Museum of Art, Nueva York; Museo de Arte Moderno, Bogotá; The Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York; The State Hermitage Museum, San Petersburgo; Collezione d’Arte Religiosa Moderna, Monumenti, Musei e Gallerie Pontificie, Ciudad del Vaticano; Hiroshima City Museum of contemporary Art, Hiroshima, Japón; Museo Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Museum Modrne Kunst, Ludwig Foundation, Viena, Austria; Colección Fernando Botero, Fundación Banco Santander, Medellín, Colombia; Ateneumin Taidemuseo, Helsinki, Finlandia o el Museo de Bellas Artes de Santiago, Chile, entre otros.

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El viento. El alisio VII, 2005, hierro forjado, 113 x 80 x 110,5 cm.

MARTÍN CHIRINO

Nace en Las Palmas de Gran Canaria en 1925. En 1948 se traslada a Madrid e ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, al tiempo que sigue sus investigaciones escultóricas en talleres de forja del hierro. En 1958 se incorpora al grupo “El Paso”.

Desde 1959 la espiral se convierte en el leit motiv de su obra. Desde 1960 viaja constantemente a Estados Unidos e instala allí un taller, alternando su residencia entre este país y España.

De 1983 a 1990 desempeña la presidencia y gestión del Círculo de Bellas Artes de Madrid, y a partir 1989 hasta 2002 funda y dirige el Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas de Gran Canaria.

Ha sido galardonado, entre otros, con el Premio Internacional de Escultura de la Bienal de Budapest (1978), Premio Nacional de Artes Plásticas (1980), Premio Canarias de Artes Plásticas, la Medalla de Oro a las Bellas Artes (1985), Premio Nacional de Escultura de la CEOE, Medalla de Honor del Círculo de Bellas Artes de Madrid (1991), y el Premio Artes Plásticas 2003 de la Comunidad de Madrid.

Su obra está presente en muchos de los museos y colecciones más importantes del mundo: Carnegie Institute; Fundación Juan March, Madrid; Colección Testimonio Fundación La Caixa, Barcelona; Joseph H. Hirshhorn Foundation, Smithsonian Institution, Washington; The Metropolitan Museum of Art, Nueva York; The Solomon R. Guggenheim Museum. Nueva York; Middleheim Museum, Amberes; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Museo de Arte Abstracto Español, Cuenca; Museo de Arte Contemporáneo, Barcelona; Museo de Bellas Artes, Caracas; CAAM. Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canaria; Museo-Colección Eduardo Westerdahl, Santa Cruz de Tenerife; Museo Internacional de la Solidaridad Salvador Allende, Santiago de Chile; Meadows Museum at Southern Methodist University in Dallas, TX, Estados Unidos.

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Espéculo, 2013, aluminio, 250 x 320 x 125 cm. c/u.

JUAN GENOVÉS

Formado en la Escuela de Bellas Artes de Valencia, desde el inicio de su trayectoria profesional fue un creador inquieto y preocupado tanto por la necesidad de renovar el arte español como por la función del arte y el artista en la sociedad. Ha formado parte de colectivos muy significativos en el panorama español de posguerra: Los Siete (1949), Parpalló (1956) y Hondo (1960).

En la década de los sesenta y tras una breve crisis pictórica y una relación profunda con los movimientos de oposición al régimen franquista comenzó a plantear dos temas: “el individuo solo” y “la multitud”.

En 2002 se introduce con la escultura y un año después realiza en bronce con pedestal en blanco la escultura El abrazo que se instala en la plaza Antón Martín de Madrid como homenaje a los abogados asesinados en Atocha. También en 2003 expone por primera vez su obra escultórica en pequeño formato El muro invisible y El abrazo.

La escultura Espéculo de esta colectiva ha formado parte de su más reciente muestra en el Centro del Carmen de Valencia (19 abril-15 septiembre 2013).

Ha sido galardonado con la Mención de Honor (XXXIII Biennale de Venecia, 1966), la Medalla de Oro (VI Biennale Internazionale de San Marino, 1967), el Premio Marzotto Internazionale (1968), el Premio Nacional de Artes Plósticas (1984), el Premio de las Artes Plásticas de la Generalitat Valenciana (2002) y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, Ministerio de Cultura (2005).

Su obra se encuentra en los más importantes museos y colecciones, entre otros: The Art Institute of Chicago, Chicago, Illinois; Centre National d’Art Contemporain, París, Francia; Collezione Thyssen-Bornemisza, Lugano, Suiza; Galeria Nazionale d’Arte Moderna, Roma, Italia; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C.; Instituto Valenciano de Arte Moderno, Valencia; The Israel Museum, Jerusalén, Israel; Minneapolis Institute of Arts, Minneapolis, Minnesota; Montreal Museum of Fine Arts, Montreal, Canadá; The Museum of Modern Art, Nueva York; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Nagasaki Prefectural Art Museum, Nagasaki, Japón; Nationalgalerie, Staatliche Museum zu Berlin, Berlín, Alemania; The Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York o el Museo Rufino Tamayo, Mexico City, México D.F.

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Triángulo abierto, 2008, acero inoxidable, ed. de 6, 49 x 30 x 20 cm.

Mensajero, 2013, madera policromada, 280 x 60 x 60 cm.Non II, 2012, madera policromada, 118 x 90 x 35 cm.

FRANCISCO LEIRO

Nace en Cambados (Pontevedra) en 1957. Inicia su formación en la Escuela de Artes y Oficios de Santiago de Compostela, completándola en la Escuela de Bellas Artes de Madrid. En 1983 es invitado a participar en la última de las exposiciones del grupo Atlántica, que se propuso como una iniciativa de renovación de las artes plásticas gallegas.

En 1985 representa a España en la Bienal de Sao Paulo, Brasil. En 1988 se instala en Nueva York y al año siguiente empieza a trabajar con la galería Marlborough. Desde entonces su trabajo se exhibe regularmente en las diversas sedes de esta galería, especialmente en Madrid y Nueva York.

El artista elige la materia prima de sus piezas aprovechando las peculiaridades de los materiales que el entorno le ofrece: madera pintada o natural, piedra de diversos tipos, pasando por hormigón, alambres, metales o plásticos.

Los tintes claramente surrealistas de sus primeras esculturas no dejan lugar a duda sobre los intereses e influencias primigenias del artista. Seres deformes y fantásticos, hieratismo, carácter figurativo y abstracto, personajes mitológicos y una obra que bebe, también, de la escultura románica en piedra, una de las influencias más claras y directas de este artista.

Entre sus numerosas obras públicas cabe destacar: Mis Sofás (Pontevedra, 1988), Sireno (Vigo, 1991), Homenaje a Castelao (Alameda, Santiago de Compostela, 1995), Miarritz (Biarritz, 1997), Astronauta (Valdemoro, 2001), Vértigo (Autovía M50, Madrid, 2004) y Simeón sentado (Torre Espacio, Cuatro Torres, Madrid).

Su obra está presente en numerosas colecciones públicas de todo el mundo, entre las que se pueden citar: Akron Art Museum (Ohio), Asociación de Amigos del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Centro Gallego de Arte Contemporáneo (Santiago de Compostela), Colección-Fundación Caja de Madrid, Colección Fundación La Caixa (Barcelona), Grounds for Sculpture (New Yersey), Instituto del Crédito Oficial (ICO, Madrid), Museo de Arte Contemporáneo (Barcelona), Museo de Arte Contemporáneo Patio Herreriano (Valladolid), Museo de Bellas Artes de Álava (Vitoria), Museo de Castrelo (Vigo), Museo Marugame Hirai (Kagawe, Japón), Stedelijk Museum (Amsterdam) y la Fundación Caixanova (Vigo).

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Rape of Europa I, 1938, bronce, ed. de 7, 40,6 x 49,9 x 26,4 cm. David and Goliath, 1933, bronce, ed. de 7, 102.8 x 64.7 x 99 cm.

JACQUES LIPCHITZ

Lipchitz (Druskieniki, Lituania, 1891 – Capri, Italia, 1973) llegó a París en 1909 donde asistió a clases de escultura en piedra y anatomía en la École de Beaux-Arts. Estudió también en la Académie Julian y en la Académie Colarossi. Pero es probable que su interés por la historia del arte, fundamentalmente por el arte del antiguo Egipto, el arte griego arcaico y el gótico, tuviera más peso en su futura evolución que sus estudios académicos. En 1913 conoció a Max Jacob y a Modigliani y un año más tarde via jó con Diego Rivera a Mallorca y Madrid, donde las obras que vio en el Museo del Prado de Tintoretto, Goya, El Bosco y, sobre todo, El Greco tuvieron para él el impacto de una revelación. A través de Diego Rivera conoció a Picasso y a otros artistas del círculo cubista.

Su adscripción a los principios de la escultura tradicional fue contrastada con las creaciones que vio en los estudios de los vanguardistas parisinos, especialmente de los cubistas. Lipchitz, uno de los grandes renovadores de la escultura moderna, encontró en el cubismo una vía de transformación de su obra anterior, rompiendo con los convencionalismos de volumen, naturalismo y tema, y convirtiéndola en objeto de arte que experimenta con nuevos motivos y formas. La colaboración con Juan Gris le dio a Lipchitz la pauta para la reducción de sus formas a planos elementales y discontinuos. Entre 1915 y 1925 desarrolla su etapa cubista y más tarde trabaja en lo que denomina “transparentes”, una de sus aportaciones más influyentes en la escultura posterior, en las que juega con los contrastes entre sólido y hueco, luz y sombra, lleno y vacío. Durante los años siguientes reacciona ante los trágicos acontecimientos políticos europeos y comienza a explorar temas mitológicos y bíblicos. Sus esculturas se redondean y cobran un mayor dinamismo y expresividad. En 1941 se exilió a Estados Unidos, huyendo de la II Guerra Mundial, y su producción se decanta hacia el monumento público.

Fue uno de los 250 escultores que expusieron en la Tercera Internacional de Escultura celebrada en el Museo de Arte de Filadelfia en el verano de 1949. En 1954 una retrospectiva de Lipchitz via jó desde en MoMA de Nueva York hasta el Centro de Arte Walker en Minneapolis y el Museo de Arte de Claveland. En 1959, su serie de pequeños bronces titulado <To the Limit of the Possible> (Hacia el límite de lo posible) se mostró en Fine Arts Associates en Nueva York.

A partir de 1963 regresó a Europa donde trabajó varios meses al año en Pietrasanta, Italia. En 1972 se publicó su autobiografía, con ocasión de una exposición de escultura suya en el MoMA de Nueva York. Jacques Lipchitz murió en Capri, Italia, aunque su cuerpo fue enterrado en Jerusalén.

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ANTONIO LÓPEZ GARCÍA

Nace en Tomelloso en 1936. En 1949 se traslada a Madrid y entre 1950 y 1955 cursa estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. En 1961 contrae matrimonio con la también pintora María Moreno.

López ha desarrollado una obra independiente en medio de un panorama artístico estructurado en base al informalismo y la abstracción. El pintor busca entre la realidad que le rodea aquellos aspectos cotidianos que él recoge con un tratamiento pleno de detallismo.

En enero de 1993 es nombrado miembro de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En octubre de 2001 presenta las esculturas Hombre y Mujer y ese mismo año, el Museo Reina Sofía le dedica una exposición antológica. En el año 2004 es nombrado Miembro Honorario del American Academy of Arts and Letters de Nueva York.

Entre su escultura pública destaca El Día y la Noche, en la Estación de Atocha, Madrid; La Mujer de Coslada, Coslada, Madrid y Carmen Dormida y Carmen despierta, en el Museum of Fine Arts Boston, Estados Unidos.

Su obra se ha expuesto en los principales museos y salas en todo el mundo y forma parte de las más importantes colecciones privadas y públicas nacionales e internacionales, entre otros: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Museo Thyssen Bornemisza, Madrid; Museo de Bellas Artes de Bilbao; The Museum of Modern Art, Nueva York; The Museum of Fine Arts, Boston; Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou, París o el Nagasaki Prefectural Museum of Art, Nagasaki, Japón.

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Hombre tumbado, 2011, bronce, 25,5 x 184,5 x 81,5 cm.Figura de mujer. Eva, 2010, cera blanca y escayola, 67 x 53 x 25 cm.

Candombe II, 2009, varilla y chapa perforada de acero inoxidable, 36 x 65 x 39 cm. Candombe, 2009, tubo y chapa azul perforada de acero inoxidable, 200 x 400 x 230 cm.

BLANCA MUÑOZ

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, ha sido galardonada con numerosos premios de escultura y grabado, obteniendo en 1999 el Premio Nacional de Grabado.

El acero inoxidable se ha convertido en su material predilecto proporcionando un efecto cinético a la escultura porque a medida que el visitante avanza alrededor de ella, la chapa perforada proporciona un efecto moaré que da sensación de movilidad.

De sus trabajos monumentales destacamos sus obras públicas: Géminis, Torre de Norman Foster, Madrid (2009); Panta rei, Málaga (2008); Eclíptica, Palacio de Congresos de Badajoz (2006); Perseidas II, Parque de la curva de Elorrieta, Bilbao (2004) y Leónidas, Estación de Príncipe Pío, Madrid (2004).

Entre sus exposiciones individuales podemos destacar De l’acier à l’or. Galeria Minimasterpiece, París, Francia (2013); Cincunnavegación 1990-2013. Sala Alcalá 31, Madrid (2013); Superficial. Galería Marlborough, Madrid (2012); Joyas de Blanca Muñoz. Joyería Grassy, Madrid (2010); Cueva de estrellas. Sala La Gallera, Valencia (2010); Esculturas. Galería Art Nueve, Murcia (2009); Blue Dance. Galería Marlborough Chelsea, Nueva York, Estados Unidos (2009); Rompecabezas. Galería Marlborough, Madrid (2008); Esculturas. Galería Art Nueve, Murcia (2006); Noche y día. Galería Marlborough, Madrid (2004); El universo transparente. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Espacio Uno, Madrid (2004); Obra gráfica 1991-2003, XI Edición de Estampa, Madrid (2003); Art Cologne 2001. Köln Skulptur. Baukunst Galerie, Colonia, Alemania (2001); Skulpturen. Baukunst Galerie, Colonia, Alemania (2001); Secciones. Obra gráfica, Galería La Caja Negra, Madrid (2001); Secciones. Obra gráfica, XXIV Bienal Internacional de Artes Gráficas, Ljubljana, Eslovenia (2001); Galería María Martín (2000); Esculturas al aire libre. Fundación Olivar de Castillejo, Madrid (1996); Galería Saro León, Las Palmas de Gran Canaria (1993).

Su obra se ha expuesto también en la Biblioteca Nacional de España, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y Museo Nacional del Prado. Entre las colecciones públicas destacan el Palacio de la Zarzuela; Museo Würth, La Rioja; Museo de Bellas Artes de Álava, Vitoria; Calcografía Nacional, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid; Banco de España, Madrid; Ayuntamiento de Pamplona; Colección Caja de Burgos; Colección Würth, Alemania; Fundación Bancaja, Valencia; Fundación Bilbao-Arte, Bilbao; Fundación Coca-Cola, Madrid; La Quinta Colorada, México D.F.

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Cúmulo, 2012, acrílico sobre tela sobre tabla, 150 x 330 cm.

PELAYO ORTEGA

Nace en Mieres, Asturias, en 1956. Estudió dibujo, pintura y grabado en la Agrupación de Bellas Artes de Gijón y en la Escuela de Artes y Oficios de Oviedo. Luego continuó su formación en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, donde vivió entre 1975 y 1990.

En 1990 hace su fuerte en Gijón, su actual ciudad de residencia. Una cierta memoria de Mieres, y de Asturias en general, está siempre presente en su obra. El tema de la provincia, una provincia metafísica, recorrida por su característico paseante solitario con paraguas. Un lenguaje también presente en su obra escultórica, como en las tres terracotas y la veleta en hierro que presentó en su última individual en Marlborough en 2013 bajo el título PP.OO. Pinturas y esculturas.

Entre los premios que ha conseguido destacan el Premio Francisco de Goya 2010 a la Mejor Exposición del año en Madrid, Villa de Madrid (Ayuntamiento de Madrid); el XXXVI Prix International d´Art Contemporain de Monte-Carlo (Prix du Conseil National), Fondation Prince Pierre de Monaco, Mónaco, 2002; el Premio de Pintura “Santa Lucía” por Seguros Santa Lucía, Madrid (1991) y Premio Fundación Príncipe de Viana (Gobierno Foral de Navarra, Pamplona, 1991).

Su obra está presente en numerosos museos e instituciones públicas nacionales e internacionales, entre los que podríamos señalar: Colección Aeropuertos Nacionales – AENA (Madrid), Colección Ayuntamiento de Madrid, Colección BBVA, Colección Caja de Ahorros de Asturias – CAJASTUR, Colección ENDESA (Madrid), Colección Masaveu (Oviedo), Colección Patrimonio Nacional del Estado Español (Palacio de la Zarzuela, Madrid), Colección Santander Central Hispano, Colección MAPFRE, Fundación Juan March (Madrid), Fundación Prince Pierre de Mónaco (Montecarlo), Fundación Príncipe de Asturias (Oviedo), Fundación Telefónica – FUNDESCO (Madrid), Museo de Arte Abstracto Español – Fundación Juan March, (Cuenca), Museo de Bellas Artes de Asturias (Oviedo), MNCARS (Madrid), Museo de Navarra (Pamplona), Museo Unión Fenosa de Arte Contemporáneo (La Coruña), ARTIUM (Vitoria) o el Museo Vaticano (Roma), entre otros.

18Pequeña isla de los afortunados, 2011, terracota, 35 x 35 x 33 cm.

Viador, 2012, yeso patinado, 39 x 27 x 24 cm.

Paisaje sobre la mesa - La travesía del desierto, 2012, terracota, 31 x 21 x 12 cm.

Ballerina and Tin Soldier, 2001, bronce, ed. de 6, 34,29 x 13,02 x 21,59 cm./38,74 x 13,02 x 15,88 cm. Watch Dog, 2011, bronce, ed. de 6, 45,7 x 30,5 x 33 cm.

TOM OTTERNESS

Nace en Kansas, en 1952. Reside y trabaja en Nueva York desde 1970, en su estudio de Brooklyn.

Sus obras mezclan la aparente sencillez formal con la crítica social y política siempre conservando y disfrutando de su peculiar mirada infantil. Seducido por los dibujos animados, sus esculturas facilitan el discurso social sobre la discriminación racial y las diferencias económicas, con grandes dosis de humor. Sus esculturas mantienen una mirada irónica al arte actual norteamericano y al ineludible binomio arte-dinero representando, entre otras cosas, enormes monedas de un centavo, personajes regordetes en tra jes de negocios con maletines, trabajadores con casco y herramientas gigantes, etc. Cabe destacar sus numerosos encargos de obra pública instalados en EEUU y Europa.

Su obra está presente en colecciones de museos en todo el mundo, entre los que cabe destacar The Museum of Modern Art, Nueva York; The Whitney Museum of American Art, Nueva York; Israel Museim, Jerusalén; The Miyagi Museum of Art, Sendai; Beelden aan Zee Museum, La Haya o en el IVAM de Valencia.

Muchas de las obras públicas de Otterness se pueden encontrar en la ciudad de Nueva York, en The Real World, que se encuentra en Battery Park City, instalado en 1992. Este conjunto escultórico está destinado a representar el mundo exterior, el patio de recreo, una amplia alegoría social al arte y la vida donde los juegos de poder y control se reproducen en miniatura de personajes adorables y un parque imaginativo con cosas para tocar e historias para inventar.

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Mouse, 2007, bronce, ed. de 9, 41,9 x 29,2 x 31,7 cm.

06.abril.2011 (políptico), 2011, aluminio, 200 x 605 x 43 cm.01.julio.2013, 2013, aluminio, 53 x 100 x 73 cm.

DAVID RODRÍGUEZ CABALLERO

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco (1995), David Rodríguez Caballero ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas a nivel nacional e internacional y en importantes ferias como Art Basel Miami, KIAF de Seúl, MACO de México, BALELATINA de Basilea, ARCO de Madrid y Armory Show de Nueva York.

Su obra más reciente muestra el desarrollo que ha experimentado su trabajo escultórico con los metales desde que ha fijado su residencia en Nueva York. Plegados, relieves de planteamiento pictórico, esculturas de pared y esculturas exentas como los tótems donde destacan las referencias a la imaginería africana y a los rascacielos de la ciudad que nunca duerme.

Rodríguez Caballero ha recibido diversos galardones como el Primer Premio Internacional de Grabado Bodegas Dinastía Vivanco (La Rioja, 2008), Primer Premio de la IX Mostra Colección Unión Fenosa (Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa, 2006), Primer Premio de Pintura Volksbank Paderborn (Paderborn, Alemania, 1996) y Primer Premio de Pintura Pamplona Jóvenes Artistas (Pamplona, 1995), entre otros.

Su obra está presente en numerosas colecciones internacionales, como Fundación Coca-Cola, Museo Würth (La Rioja), Museo de la Cultura del Vino Dinastía Vivanco, Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa (MACUF), Museo Patio Herreriano, Biblioteca Nacional, Ayuntamiento de Pamplona, Palacio de los Papas (Viterbo, Italia), Fundación Volksbang (Paderborn, Alemania), Museo de Navarra, Instituto Nacional de Estadística, Repsol y la ISE Cultural Foundation (Nueva York / Tokio).

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Galatea, 2012, hierro y bronce, ed. de 9, 107 x 161 x 56 cm.

MANOLO VALDÉS

Considerado uno de los más importantes artistas contemporáneos españoles en activo y con una gran reputación internacional, Manolo Valdés nació en Valencia en 1942. Comenzó su formación en 1957 al ingresar en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos en su ciudad natal. Inició su carrera a principios de los años 60, fue miembro fundador de “Estampa Popular Valenciana” (1964-1967), y más tarde creó junto a Rafael Solbes y Juan Antonio Toledo el “Equipo Crónica” hasta el fallecimiento de Rafael Solbes en 1981. Desde entonces, Manolo Valdés comenzó una nueva etapa profesional en solitario, como pintor, escultor, grabador y cartelista, participando en numerosas exposiciones individuales y colectivas.

Valdés vuelve la mirada hacia los clásicos para dar una nueva orientación estética a través de la materia, la luz y el color. Los trabajos de los grandes creadores le sirven de «pretexto» para sus planteamientos estéticos. En sus trabajos escultóricos refleja una profunda reflexión sobre la materia y el espacio, que le ha llevado a la creación de obras ciertamente monumentales.

En el año 2005 una completa exposición de sus Reinas Marianas e Infantas Margaritas llegaron a los Jardines del Palais Royal de París, convirtiéndose en primera parada en el recorrido de las Meninas por Europa. En total nueve Reinas Marianas y doce Infantas Margaritas que después via jaron a Zurich, Asturias y Helsinki. En 2006 algunas de estas esculturas fueron expuestas en el Desert Botanical Garden en Arizona, convirtiéndose en la primera visita de la obra de Valdés a la costa oeste americana. En el 2002, dentro del Parks & Recreation’s Public Art Program, Valdés mostró una escultura monumental de bronce titulada La Dama en Park Avenue. Numerosas exposiciones de su escultura han seguido via jando por todo el mundo, recientemente al Botanical Garden de Nueva York.

Entre sus numerosas obras públicas destacan La Dama del Manzanares, en bronce y acero de 13 metros de altura instalada en el Parque Lineal del Manzanares (Madrid) o Las Damas de Barajas en el aeropuerto madrileño; también La Exorcista en la ampliación del Puente de Cantalojas en Bilbao, la Reina Mariana Les Terrasses du Casino en Mónaco, o la Dame de la Mer en Biarritz.

Su obra está presente en más de 40 colecciones públicas del mundo, entre las que podríamos señalar: Peggy Guggenheim Collection (Venecia), Hamburger Kunsthalle (Hamburgo, Alemania), Menil Foundation (Houston, Texas), Metropolitan Museum of Art (New York), Modern Museet Art (Estocolmo), Centre Georges Pompidou (París), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Museum of Fine Arts (Houston, Texas) o el Museum of Fine Arts (Boston, Massachusetts).

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Iris, 2012, bronce, ed. de 9, 46 x 30 x 18 cm.

MOISÈS VILLÈLIA

Moisès Villèlia (Barcelona 1928-1994) ha sido uno de los artistas que ha conseguido crear un mundo propio con materiales que nunca habían sido considerados como merecedores de entrar en la categoría de “escultóricos”.

Empezó realizando tallas en madera y en 1954 rompió con la figuración y fundó el grupo “Arte Actual”. En 1956 participó en el IX Salón de Octubre de Barcelona, siendo su escultura la única de carácter abstracto. Este hecho despertó un gran interés en los miembros del “Club 49” de Barcelona, y entró a formar parte de los artistas apadrinados por Joan Prats y Vidal de Llobatera, y que estos consideraban como las nuevas generaciones después de Joan Miró.

De entre todos los materiales con que experimentó, las estructuras de cañas de bambú, las esculturas que llamaba de “tela de araña”, así como, las esculturas y los jardines con tubos de fibrocemento son sus mundos más personales.

Paralelamente a su mundo escultórico, hizo una incursión en el diseño industrial dejando una obra extensa. Su interés por el diseño le llevó a ser cofundador en 1961 junto con Arrando, Bohigas, Cirici, Coderch, Cumella, Fabià Estapé, Fargas, Marinello, Marquina, Martorell, los hermanos Milà, Moragas, Moreno y Tous , de la Fundación FEDIS de Barcelona, organismo dedicado exclusivamente a la promoción y realización de diseños industriales.

Su gran conocimiento de la línea le llevó a dejar una gran variedad de dibujos y a descubrir en 1970 el lenguaje de los sellos de la cultura Quitu-Cara del Ecuador (500 años a.C.)

Su obra se encuentra en colecciones públicas como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM), el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), el Patio Herreriano o de Artium, entre otros.

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Estático, 1984, bambú, pintura acrílica y cordel, 178 x 40 x 30 cm.Móvil, 1986, bambú, alambre e hilo lacado, 186 x 166 x 166 cm.

N U E VA YO R K /

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Marlborough Madrid

19 septiembre - 9 noviembre 2013

colectiva de escultura