celuloide digital - diciembre 2013

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L a saga de El Señor de los Anillos se convirtió una de las más exito-sas en la historia del cine, por lo

que no fue sorpresa el anuncio de la a-daptación cinematográfica de la historia que precede a esa épica aventura: El Hobbit. Como ya sabemos, el plan original era adaptar la obra de Tolkien en dos capí-tulos, pero en pleno rodaje, el director Peter Jackson decidió echar mano de los Ápéndices de Tolkien (una serie de escritos del autor en los que se encuen-tran varios relatos cortos y muchas notas y datos detallados sobre toda la mitolo-gía creada para su obra) para enriquecer el relato sobre el Mediano y extender la saga a una nueva trilogía precuela de las películas estrenadas a principios de la década pasada. Ya el año pasado fui-mos testigos de la primera parte de la aventura y su éxito dejó muy en claro que las historias de Tolkien tienen una enorme cantidad de fieles seguidores (recaudó más de mil millones de billetes verdes en todo el planeta), por lo que se espera que esta segunda entrega supe-re su éxito... Y no dudamos para nada que así será. La última vez que vimos a Bilbo, se en-contraba listo para dirigirse a Erebor, el Reino Perdido de los Enanos y ya había superado su miedo a emprender una aventura al lado de la Compañía de Tho-rin Escudo de Roble; ya había sobrevivi-do a trolls, trasgos, huargos, gigantes de piedra y a Gollum, con quien se aventó una serie de adivinanzas de la que por poco resultó perdedor y en cuya caverna encontró el mítico Anillo Único. Y aun-que al final de la cinta, el Hobbit se en-contraba sumamente optimista sobre lo que les esperaba y sentía que lo peor ya había pasado, pronto se dará cuenta que no podría estar más equivocado, pues ha llegado el momento en que Bil-bo realice la tarea para la que fue reclu-tado por el mismo Gandalf: escabullirse en la cueva donde se encuentra el Dra-gón Smaug para poder analizar sus de-bilidades y, junto con los enanos, dise-ñar un plan de ataque para recuperar la Montaña Solitaria; aunque hay una cosa con la que el Mediano no cuenta, y es que la temible bestia no es 'solamente' un dragón común, sino una criatura su-mamente inteligente, por lo que re-querirá más que una buena estrategia para poder vencerlo.

L a saga de El Señor de los Anillos se convirtió una de las más exito-sas en la historia del cine, por lo

que no fue sorpresa el anuncio de la a-daptación cinematográfica de la historia que precede a esa épica aventura: El Hobbit. Como ya sabemos, el plan original era adaptar la obra de Tolkien en dos capí-tulos, pero en pleno rodaje, el director Peter Jackson decidió echar mano de los Ápéndices de Tolkien (una serie de escritos del autor en los que se encuen-tran varios relatos cortos y muchas notas y datos detallados sobre toda la mitolo-gía creada para su obra) para enriquecer el relato sobre el Mediano y extender la saga a una nueva trilogía precuela de las películas estrenadas a principios de la década pasada. Ya el año pasado fui-mos testigos de la primera parte de la aventura y su éxito dejó muy en claro que las historias de Tolkien tienen una enorme cantidad de fieles seguidores (recaudó más de mil millones de billetes verdes en todo el planeta), por lo que se espera que esta segunda entrega supe-re su éxito... Y no dudamos para nada que así será. La última vez que vimos a Bilbo, se en-contraba listo para dirigirse a Erebor, el Reino Perdido de los Enanos y ya había superado su miedo a emprender una aventura al lado de la Compañía de Tho-rin Escudo de Roble; ya había sobrevivi-do a trolls, trasgos, huargos, gigantes de piedra y a Gollum, con quien se aventó una serie de adivinanzas de la que por poco resultó perdedor y en cuya caverna encontró el mítico Anillo Único. Y aun-que al final de la cinta, el Hobbit se en-contraba sumamente optimista sobre lo que les esperaba y sentía que lo peor ya había pasado, pronto se dará cuenta que no podría estar más equivocado, pues ha llegado el momento en que Bil-bo realice la tarea para la que fue reclu-tado por el mismo Gandalf: escabullirse en la cueva donde se encuentra el Dra-gón Smaug para poder analizar sus de-bilidades y, junto con los enanos, dise-ñar un plan de ataque para recuperar la Montaña Solitaria; aunque hay una cosa con la que el Mediano no cuenta, y es que la temible bestia no es 'solamente' un dragón común, sino una criatura su-mamente inteligente, por lo que re-querirá más que una buena estrategia para poder vencerlo.

En esta continuación de la gran aven-tura veremos a varios nuevos persona-jes, incluyendo a algunos que no existen en el libro y a otros que, aunque no apa-recen en él, sí forman parte del universo LOTR, como Legolas (nuevamente en-carnado por Orlando Bloom), perso-naje que tiene gran importancia en la sa-ga de El Señor de los Anillos pero que no aparece originalmente en el libro de El Hobbit. Entre los personajes que se pre-sentarán están: Tauriel, una joven elfa -interpretada por Evangeline Lily de la serie Lost- que a diferencia de Legolas y el Rey Thranduil, personaje interpretado por Lee Pace al que ya vimos muy bre-vemente en la primera entrega pero que cobrará mucha mayor importancia en esta cinta, apoya completamente la odi-sea emprendida por los enanos para re-cuperar su Reino, además de mantener una especie de romance secreto/prohi-bido con uno de ellos (Kili, interpretado por Aidan Turner); el enigmático Beorn (a quien da vida el actor sueco Mikael Persbrandt), un 'cambiapieles' capaz de adoptar la forma de un enorme oso negro, además de contar con la habili-dad de poder comunicarse con los ani-males y ser el capitán de la raza de los Beórnidas; y Bardo (encarnado por Lu-ke Evans), un magnífico arquero de Es-garoth, conocida también como La Ciu-dad del Lago, cuya participación será decisiva en el enfrentamiento con Smaug. Y por supuesto, ningún perso-naje nuevo es más esperado que el ya mencionado Dragón Smaug, el reptil al que el actor Benedict Cumberbatch presta su voz y sus movimientos (pues se utilizó una técnica similar al motion-capture utilizado en el personaje de Go-llum) para darle vida a este vital perso-naje. Así las cosas, no nos queda más que esperar el inminente estreno fijado para este 12 de diciembre aquí en México, cuando podremos volver a maravillarnos con la fantástica historia de Tolkien re-latada por uno de los grandes de la na-rrativa cinematográfica, el señor Peter Jackson.

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FLASHFORWARD ‘Ronin’ - Pág. 12 | OUT ‘Quebranto’ - Pág. 14 | LATITUD 7 ‘Suzanne’ - Pág. 16 | LATITUD 7 ‘¿Y si viviéramos todos juntos?’ - Pág. 18 | CRONOS: CLÁSICOS DEL CELULOIDE ‘2001: A Space Odyssey’ - Pág. 20 | EL OTRO CINE ‘Being John Malkovich’ - Pág. 22 | PANTALLA ALTERNA ‘CutOut Fest: La Experiencia Multisensorial’ - Pág 24 | RESEÑAS ‘The Hunger Games: Catching Fire’, ‘Metegol’, ‘This is the end’ - Pág. 34 | CIERTA FICCIÓN ‘Cuestión del Pasado’

N o quiero empezar con un co-mentario negativo en este artí-culo, pero siempre el hablar de

Keanu Reeves, es como hablar del ying-yang. Podemos encontrarnos con películas que siempre queremos recor-dar, como el caso de Matrix, por poner un simple ejemplo, hasta el olvidarnos por completo de algunas de ellas, como es mi caso y las tengo bien bloqueadas que hasta ya he olvidado sus nombres. En esta nueva película, que al parecer está basada en una antigua leyenda ja-ponesa, sigue a unos guerreros Samu-ráis pierden a su amo y se convierten en Ronins, que es el nombre que se les da-ba a estos distinguidos guerreros que por alguna causa perdían a su amo y va-gaban por el mundo sirviendo a cual-quiera que se les parase en frente. Aquí la trama si está apegada a la historia ori-ginal, es en la que su amo es obligado a hacerse Seppuku (o Harakiri), una espe-cie de suicidio por un deshonor, el haber actuado mal, el morir sin dignidad. Es aquí donde estos guerreros samuráis se convierten en guerreros Ronin, que deci-den cobrar venganza por la muerte de su amo. En esta película, lo que hemos visto en los trailers es una lucha contra seres in-creíbles, vemos a una señora dulce en

un simple kimono, transformarse en un horripilante y agresivo dragón; también, seres con poderes especiales, mons-truos gigantes, deformes. Bueno, una in-finidad de cosas y creaturas fantásticas al por mayor. ¿Qué podemos esperar? Pues muchí-sima acción, excelentes efectos espe-ciales, y una historia buena, si es que no se salen mucho de la premisa original de esta increíble leyenda japonesa; una mi-rada acartonada como nos tiene acos-tumbrado el señor Reeves interpretando a Kai este personaje al parecer principal dentro de la historia, a la muy bella Rinko Kikuchi (que vimos en Titanes del Pací-fico), al Gran Hiroyuki Sanada (que tam-bién vimos actualmente en Wolverine In-mortal), entre otros excelentes actores del cine japonés. No queda más que esperar, los aman-tes a las películas llenas de acción, lle-nas de fantasía y de excelentes efectos especiales quedarán seguramente com-placidos. Ya ansioso y en espera de que esta vez no me defraude mi querido y odiado Keanu, y que ésta sí sea una gran película en la que lo podamos re-cordar y no que pase al olvido como, co-mo… como… ya lo he olvidado de nue-vo.

N o quiero empezar con un co-mentario negativo en este artí-culo, pero siempre el hablar de

Keanu Reeves, es como hablar del ying-yang. Podemos encontrarnos con películas que siempre queremos recor-dar, como el caso de Matrix, por poner un simple ejemplo, hasta el olvidarnos por completo de algunas de ellas, como es mi caso y las tengo bien bloqueadas que hasta ya he olvidado sus nombres. En esta nueva película, que al parecer está basada en una antigua leyenda ja-ponesa, sigue a unos guerreros Samu-ráis pierden a su amo y se convierten en Ronins, que es el nombre que se les da-ba a estos distinguidos guerreros que por alguna causa perdían a su amo y va-gaban por el mundo sirviendo a cual-quiera que se les parase en frente. Aquí la trama si está apegada a la historia ori-ginal, es en la que su amo es obligado a hacerse Seppuku (o Harakiri), una espe-cie de suicidio por un deshonor, el haber actuado mal, el morir sin dignidad. Es aquí donde estos guerreros samuráis se convierten en guerreros Ronin, que deci-den cobrar venganza por la muerte de su amo. En esta película, lo que hemos visto en los trailers es una lucha contra seres in-creíbles, vemos a una señora dulce en

un simple kimono, transformarse en un horripilante y agresivo dragón; también, seres con poderes especiales, mons-truos gigantes, deformes. Bueno, una in-finidad de cosas y creaturas fantásticas al por mayor. ¿Qué podemos esperar? Pues muchí-sima acción, excelentes efectos espe-ciales, y una historia buena, si es que no se salen mucho de la premisa original de esta increíble leyenda japonesa; una mi-rada acartonada como nos tiene acos-tumbrado el señor Reeves interpretando a Kai este personaje al parecer principal dentro de la historia, a la muy bella Rinko Kikuchi (que vimos en Titanes del Pací-fico), al Gran Hiroyuki Sanada (que tam-bién vimos actualmente en Wolverine In-mortal), entre otros excelentes actores del cine japonés. No queda más que esperar, los aman-tes a las películas llenas de acción, lle-nas de fantasía y de excelentes efectos especiales quedarán seguramente com-placidos. Ya ansioso y en espera de que esta vez no me defraude mi querido y odiado Keanu, y que ésta sí sea una gran película en la que lo podamos re-cordar y no que pase al olvido como, co-mo… como… ya lo he olvidado de nue-vo.

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Soy feliz, si no fuera feliz no hubiera hecho las tonterías que hice, no me hubiera puesto chichis”, cuen-

ta una actriz transgénero que después de tener una carrera fructífera como ac-tor infantil, y como bailarín e imitador en la adolescencia, actualmente se en-cuentra en el olvido, pero con la certeza de haber hecho lo correcto. Quebranto es un largometraje docu-mental dirigido por Roberto Fiesco que plasma la transición vivida por un hom-bre que a una edad madura se dio cuen-ta que quería ser mujer, el éxito a una edad en la que él no comprendía la di-mensión de las cosas, confusión por su sexualidad en la adolescencia, temor por cambiar de género a una edad adul-ta, y las puertas que le fueron cerradas por ser una mujer y actriz trans. Fernando García, actualmente Coral Bonelli, fue actor infantil en los años se-tenta, mejor conocido como Pinolito, ini-ció su carrera imitando al cantante Ra-phael, después incursionó en el cine en películas como Los hijos de los pobres de Rubén Galindo y Fe, esperanza y caridad junto a Jorge Fons, Katy Jura-do y Julio Aldama. Años después fue bailarín en el Teatro Blanquita, donde experimentó y des-

cubrió su orientación sexual, pero no fue hasta su edad adulta, cercana a los 50 años, que después de una presentación en la que imitaba a Lucha Villa se fue vestida así hasta su hogar, donde deci-dió y anunció a su madre que a partir de ese momento iba a ser mujer. Coral na-rra que de no haberlo hecho probable-mente hubiera llegado al suicidio. “Me preocupaba que entrara a un char-co de lodo que no conocía; no sabía lo que era ser mujer” relata la madre de Co-ral. Y lo que vino después, ya como mu-jer, fue el rechazo, el estigma y la falta de oportunidades laborales, orillada por al-gunos años a ejercer como trabajadora sexual. Sin embargo, el retrato que hace Fies-co de Coral, es el de una vida plena y feliz a pesar de las circunstancias y pe-sares que ha vivido, ella sigue tocando puertas para volver a actuar, da clases de baile, continúa imitando a Lucha Vi-lla y a Lupita D'Alessio, y vive tranqui-lamente con su madre. “No me arrepiento… hay que seguir vi-viendo” dice en un momento la actriz cuando se le cuestiona si ha valido la pe-na cambiar por completo una vida de más de treinta años, “ahora puedo ser yo, yo, yo”.

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Soy feliz, si no fuera feliz no hubiera hecho las tonterías que hice, no me hubiera puesto chichis”, cuen-

ta una actriz transgénero que después de tener una carrera fructífera como ac-tor infantil, y como bailarín e imitador en la adolescencia, actualmente se en-cuentra en el olvido, pero con la certeza de haber hecho lo correcto. Quebranto es un largometraje docu-mental dirigido por Roberto Fiesco que plasma la transición vivida por un hom-bre que a una edad madura se dio cuen-ta que quería ser mujer, el éxito a una edad en la que él no comprendía la di-mensión de las cosas, confusión por su sexualidad en la adolescencia, temor por cambiar de género a una edad adul-ta, y las puertas que le fueron cerradas por ser una mujer y actriz trans. Fernando García, actualmente Coral Bonelli, fue actor infantil en los años se-tenta, mejor conocido como Pinolito, ini-ció su carrera imitando al cantante Ra-phael, después incursionó en el cine en películas como Los hijos de los pobres de Rubén Galindo y Fe, esperanza y caridad junto a Jorge Fons, Katy Jura-do y Julio Aldama. Años después fue bailarín en el Teatro Blanquita, donde experimentó y des-

cubrió su orientación sexual, pero no fue hasta su edad adulta, cercana a los 50 años, que después de una presentación en la que imitaba a Lucha Villa se fue vestida así hasta su hogar, donde deci-dió y anunció a su madre que a partir de ese momento iba a ser mujer. Coral na-rra que de no haberlo hecho probable-mente hubiera llegado al suicidio. “Me preocupaba que entrara a un char-co de lodo que no conocía; no sabía lo que era ser mujer” relata la madre de Co-ral. Y lo que vino después, ya como mu-jer, fue el rechazo, el estigma y la falta de oportunidades laborales, orillada por al-gunos años a ejercer como trabajadora sexual. Sin embargo, el retrato que hace Fies-co de Coral, es el de una vida plena y feliz a pesar de las circunstancias y pe-sares que ha vivido, ella sigue tocando puertas para volver a actuar, da clases de baile, continúa imitando a Lucha Vi-lla y a Lupita D'Alessio, y vive tranqui-lamente con su madre. “No me arrepiento… hay que seguir vi-viendo” dice en un momento la actriz cuando se le cuestiona si ha valido la pe-na cambiar por completo una vida de más de treinta años, “ahora puedo ser yo, yo, yo”.

S uzanne es un filme apasionado muy dinámico y melancólico. Es el segundo de la directora Katell

Quillévéré y cuenta con las actuaciones de Sara Forestier, Adèle Haenel, Fran-çois Damiens, Corinne Masiero, Anne Le Ny, Lola Dueñas y Paul Hamy. Es un drama que retrata la vida familiar de las hermanas Suzanne y Maria, quie-nes viven una infancia feliz bajo la crian-za de su padre Nicolas, un hombre fuerte y frío que trabaja como chofer de un trái-ler, su mamá muere cuando ellas eran muy pequeñas, así que la familia apren-de a vivir sin la imagen materna. En la infancia, Suzzane es una niña inocente, coqueta y expresiva, pero con-forme va creciendo, su carácter es total-mente diferente, es solitaria y triste. To-do era tranquilidad y juegos hasta que Suzzane crece y se convierte en adoles-cente, en esta etapa queda embaraza-da, motivo que rompe la aparente armo-nía familiar, pues ella decide tenerlo sin dudarlo ni un momento. Charly es el nue-vo miembro de la familia. La cinta juega con los tiempos majes-tuosamente, ya que recorre la vida de las

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hermanas con un abrir y cerrar de puer-tas, no necesita más que un cambio de luces para pasar de la infancia a la ado-lescencia. La vida de Suzzane corre rá-pidamente, el niño va creciendo y ella sobrellevando su crianza, hasta que se cruza en su camino Julien, el hombre que cambiará el rumbo de su vida en to-dos los aspectos, pues se enamora loca y obsesivamente de él, hasta el punto de ser más importante que su propio hijo. Es interesante entender hasta qué gra-do puede ser mayor el amor de una ma-dre a un hijo que el de tu pareja la per-sona que te complementa y te hace vi-brar; si la vida te pone a elegir, cómo jus-tificas tu elección y cómo sobrellevas el dolor de esa fuerte decisión. El amor ge-neralmente te hace crecer, construir, ser feliz. Pero qué sucede cuando es tu per-dición, cuando es el objeto de tu deca-dencia. Suzzane es una apasionante película con sorpresas durante toda su compli-cada vida, genera un ritmo bien logrado y poco visto en otros filmes, lo que no te dará tiempo de enjuiciarla hasta termi-narla.

S uzanne es un filme apasionado muy dinámico y melancólico. Es el segundo de la directora Katell

Quillévéré y cuenta con las actuaciones de Sara Forestier, Adèle Haenel, Fran-çois Damiens, Corinne Masiero, Anne Le Ny, Lola Dueñas y Paul Hamy. Es un drama que retrata la vida familiar de las hermanas Suzanne y Maria, quie-nes viven una infancia feliz bajo la crian-za de su padre Nicolas, un hombre fuerte y frío que trabaja como chofer de un trái-ler, su mamá muere cuando ellas eran muy pequeñas, así que la familia apren-de a vivir sin la imagen materna. En la infancia, Suzzane es una niña inocente, coqueta y expresiva, pero con-forme va creciendo, su carácter es total-mente diferente, es solitaria y triste. To-do era tranquilidad y juegos hasta que Suzzane crece y se convierte en adoles-cente, en esta etapa queda embaraza-da, motivo que rompe la aparente armo-nía familiar, pues ella decide tenerlo sin dudarlo ni un momento. Charly es el nue-vo miembro de la familia. La cinta juega con los tiempos majes-tuosamente, ya que recorre la vida de las

hermanas con un abrir y cerrar de puer-tas, no necesita más que un cambio de luces para pasar de la infancia a la ado-lescencia. La vida de Suzzane corre rá-pidamente, el niño va creciendo y ella sobrellevando su crianza, hasta que se cruza en su camino Julien, el hombre que cambiará el rumbo de su vida en to-dos los aspectos, pues se enamora loca y obsesivamente de él, hasta el punto de ser más importante que su propio hijo. Es interesante entender hasta qué gra-do puede ser mayor el amor de una ma-dre a un hijo que el de tu pareja la per-sona que te complementa y te hace vi-brar; si la vida te pone a elegir, cómo jus-tificas tu elección y cómo sobrellevas el dolor de esa fuerte decisión. El amor ge-neralmente te hace crecer, construir, ser feliz. Pero qué sucede cuando es tu per-dición, cuando es el objeto de tu deca-dencia. Suzzane es una apasionante película con sorpresas durante toda su compli-cada vida, genera un ritmo bien logrado y poco visto en otros filmes, lo que no te dará tiempo de enjuiciarla hasta termi-narla.

¿ Y si viviéramos todos juntos? (Et si on vivait tous ensemble?) es una cinta excepcionalmente di-

vertida con un manejo de picardía y eventuales momentos de drama que te harán pasar un rato muy ameno. La cinta más taquillera del 16° Tour de Cine Francés, cuenta con un acertado y experimentado reparto: Guy Bedos, Daniel Brühl, Geraldine Chaplin, Jane Fonda, Claude Rich, Pierre Richard, Bernard Malaka, Camino Texeira, Gwendoline Hamon y Gustave de Ker-vern, bajo el guion y dirección de Sté-phane Robelin. Juntos logran, sin temor alguno, transmitir las aventuras y pesa-res de un grupo de amigos en la vejez. Annie, Jean, Claude, Albert y Jeanne han sido amigos por más de cuarenta años. Ellos han logrado exitosamente llevar su amistad hasta su vejez y siguen compartiendo momentos muy íntimos e importantes. La vida tiene un ciclo y ellos están en la última etapa, ya vivieron sus aventuras y errores de juventud, ya los hijos se ale-jaron y tienen sus propias familias. Ellos planificaron y aseguraron sus casas, sus carros, pero como saber lo que les es-pera en esta etapa, ¿Cómo pasaran sus últimos años? ¿Quién los cuidará? Pues habrá algún momento en que ellos no podrán valerse por sí solos. Un asilo o casa de descanso suena muy crudo, pero qué más pueden es-perar, sus hijos no estarán deseosos de llevarlos a sus casas y hacerse cargo de ellos. Y eso lo descubre rápidamente Claude, quien fue un mujeriego en su ju-

ventud y quiere seguir siéndolo en su ve-jez, pero su corazón no lo ayuda, pues se va debilitando día a día; su hijo preo-cupado por su salud, decide que la mejor opción es llevarlo a un asilo. Pero cuan-do sus amigos lo van a visitar, se dan cuenta que es un lugar deprimente y de abandono, allí concluyen que sólo se pueden ayudar entre ellos y que sus últimos días tienen que vivirlos felices y no solitariamente deprimidos en un asi-lo. A partir de este momento viven juntos, cosa que no será fácil pero que se puede sobre llevar gracias a ese nutrido vínculo que han alimentado por años llamado “amistad”. Albert inicia con lapsos de pérdida de memoria, por ello decide es-cribir un diario, el cual es su llave para re-gresar al presente y darse cuenta de su realidad. El transcurso de su vida diaria con sus enfermedades, dolores, olvidos y el compartir espacios los hará enterar-se de secretos fuertemente guardados que afectaran la convivencia entre ellos. La empatía que logran tener todos, es la clave de su armoniosa comuna, el sa-ber que es lo único que tienen, que son la familia que eligieron formar y que serán su compañía hasta el expiro de sus días. ¿Y si viviéramos todos juntos? es un fil-me con un divertido guión y sobresalien-tes actuaciones, sin vergüenzas ni tapu-jos, que rescatan la dignidad de vivir la tercera edad (si es que llegamos) como tú lo decidas, donde podrás reír y llorar pero no saldrás triste, sino planeando con cuáles amigos podrás formar tu co-muna.

¿ Y si viviéramos todos juntos? (Et si on vivait tous ensemble?) es una cinta excepcionalmente di-

vertida con un manejo de picardía y eventuales momentos de drama que te harán pasar un rato muy ameno. La cinta más taquillera del 16° Tour de Cine Francés, cuenta con un acertado y experimentado reparto: Guy Bedos, Daniel Brühl, Geraldine Chaplin, Jane Fonda, Claude Rich, Pierre Richard, Bernard Malaka, Camino Texeira, Gwendoline Hamon y Gustave de Ker-vern, bajo el guion y dirección de Sté-phane Robelin. Juntos logran, sin temor alguno, transmitir las aventuras y pesa-res de un grupo de amigos en la vejez. Annie, Jean, Claude, Albert y Jeanne han sido amigos por más de cuarenta años. Ellos han logrado exitosamente llevar su amistad hasta su vejez y siguen compartiendo momentos muy íntimos e importantes. La vida tiene un ciclo y ellos están en la última etapa, ya vivieron sus aventuras y errores de juventud, ya los hijos se ale-jaron y tienen sus propias familias. Ellos planificaron y aseguraron sus casas, sus carros, pero como saber lo que les es-pera en esta etapa, ¿Cómo pasaran sus últimos años? ¿Quién los cuidará? Pues habrá algún momento en que ellos no podrán valerse por sí solos. Un asilo o casa de descanso suena muy crudo, pero qué más pueden es-perar, sus hijos no estarán deseosos de llevarlos a sus casas y hacerse cargo de ellos. Y eso lo descubre rápidamente Claude, quien fue un mujeriego en su ju-

ventud y quiere seguir siéndolo en su ve-jez, pero su corazón no lo ayuda, pues se va debilitando día a día; su hijo preo-cupado por su salud, decide que la mejor opción es llevarlo a un asilo. Pero cuan-do sus amigos lo van a visitar, se dan cuenta que es un lugar deprimente y de abandono, allí concluyen que sólo se pueden ayudar entre ellos y que sus últimos días tienen que vivirlos felices y no solitariamente deprimidos en un asi-lo. A partir de este momento viven juntos, cosa que no será fácil pero que se puede sobre llevar gracias a ese nutrido vínculo que han alimentado por años llamado “amistad”. Albert inicia con lapsos de pérdida de memoria, por ello decide es-cribir un diario, el cual es su llave para re-gresar al presente y darse cuenta de su realidad. El transcurso de su vida diaria con sus enfermedades, dolores, olvidos y el compartir espacios los hará enterar-se de secretos fuertemente guardados que afectaran la convivencia entre ellos. La empatía que logran tener todos, es la clave de su armoniosa comuna, el sa-ber que es lo único que tienen, que son la familia que eligieron formar y que serán su compañía hasta el expiro de sus días. ¿Y si viviéramos todos juntos? es un fil-me con un divertido guión y sobresalien-tes actuaciones, sin vergüenzas ni tapu-jos, que rescatan la dignidad de vivir la tercera edad (si es que llegamos) como tú lo decidas, donde podrás reír y llorar pero no saldrás triste, sino planeando con cuáles amigos podrás formar tu co-muna.

L a obra maestra del genio cineas-ta Stanley Kubrick se gestó de manera paralela a la de la novela

homónima de Arthur C. Clark; ambas inspiradas en el relato corto El Centinela (The Sentinel), escrito por el mismo Clark en 1951 y publicado un par de años después en su libro Expedición a la Tierra. 2001: A Space Odissey es uno de los clásicos de la cinematografía mundial y la máxima representante del cine de ciencia ficción del siglo XX. A partir de cuatro episodios, Kubrick escarba en la naturaleza humana a través de marca-dos acontecimientos en la historia del Hombre en los que subraya el uso de las armas y la violencia como característica de superioridad humana y el avanzado desarrollo tecnológico que, paradójica-mente, llevan al hombre a la deshumani-zación. En Dawn of the Man (El Amanecer del Hombre), Kubrick nos sitúa en la época del protohombre, la bestia pre homo sa-piens, donde la aparición de un impo-nente monolito ¿coincide? con su 'des-pertar' y con el uso de la primera herra-mienta/arma (un fémur) como medio pa-ra imponer su superioridad a través de una frenética violencia. Aquí, nace el Hombre y nace la primera pieza tecnoló-gica. Comienza, entonces, el eterno con-flicto armamentista. El segundo fragmento (que carece de título) inicia en el momento en el que el antropoide arroja al aire el fémur y se convierte en una nave que se dirige a una estación espacial: el Orbital Hilton. En este capítulo el director ofrece un contraste muy marcado entre el anterior segmento, con el descubrimiento de la tecnología, y éste, donde se muestran los últimos avances tecnológicos (video-

llamadas, viajes interestelares -con be-llas cosmoazafatas incluidas-, alimentos en forma de licuados, etc.) en un am-biente exageradamente antiséptico y ul-traergonómico (nada más chequen el di-señito de las sillas). Aquí también se nos muestra el descubrimiento del mismo monolito en el cráter lunar Tycho, el cual repentinamente emite una transmisión de radio (un molesto ruido que aturde a los cosmonautas que investigan la imp-onente estructura) dirigida a Júpiter. En Jupiter Mission (Misión Júpiter), el siguiente fragmento en la cinta, dos as-tronautas, Dave Bowman y Frank Poole (Keir Dullea y Gary Lockwood respec-tivamente), viajan hacia el lugar receptor de la señal lanzada por el monolito lunar. La nave en la que viajan, la ya legendaria Discovery, es controlada por la computa-dora HAL 9000 (con la voz de Douglas Rain), una supermáquina tan avanzada que tiene miedos, aspiraciones, ambi-ciones y un poquito de neurosis. Otro contraste es planteado aquí por Ku-brick: las figuras de los parcos y auto-matizados cosmonautas contrapuntean con la ambiciosa y emocionalmente inestable inteligencia artificial de HAL ¿Dónde está la línea que marca la des-humanización de los astronautas al ser controlados, hasta en sus más vitales actividades (como dormir), por una má-quina? Los humanos aquí se 'robotizan' ¿Dónde se encuentra el límite que hu-maniza a HAL al usurpar y tomar el con-trol sobre el uso de la razón y las deci-siones? Las máquinas aquí se humani-zan. ¿Es el conflicto 'HAL-Dave' una analogía al enfrentamiento 'Dios-Hom-bre'? Un viaje psicodélico, a través de una especie de portal interestelar, nos anun-cia que hemos llegado al cuarto (y últi-

mo) fragmento del filme: Jupiter and Be-yond the Infinite (Júpiter y Más Allá del Infinito). Aquí, Bowman ha llegado al lu-gar receptor de la transmisión: el mono-lito de Júpiter. En ese lugar, el cosmo-nauta se descubre en una sala donde se encuentra a sí mismo, envejeciendo, pa-ra después, verse en su lecho de muerte; finalmente, y a manera de feto, renacien-do como un nuevo hombre. A 45 años de su lanzamiento, y a poco más de una década de la llegada (y par-tida) de la mítica fecha, 2001: A Space Odyssey sigue más vigente que nunca y se siguen realizando nuevos descubri-mientos alrededor de ella. Kubrick con-struyó un relato enigmático y trascen-dental sobre la humanidad en la frontera del nuevo milenio y en el que el discurso estético fue crucial, siempre innovando con el manejo de la cámara logrando una audacia narrativa inigualable, y en esta ocasión, con los últimos avances tecno-lógicos en los terrenos de la cinemato-grafía (¡y sin efectos digitales!) con los que se hizo una suposición (más que re-creación) sobre los viajes al espacio ex-terior, pues para las fechas en las que se realizaba la filmación de la película, aún no se habían realizado, por ejemplo, los viajes a la Luna (el primer alunizaje se dio un año después del estreno de la pe-lícula). Sin duda alguna, un parte aguas en los relatos cinematográficos, inaugu-rando un nuevo cine de ciencia ficción, un filme de culto y un clásico de la cine-matografía mundial que es considerada como una de las mejores películas de todos los tiempos.

L a obra maestra del genio cineas-ta Stanley Kubrick se gestó de manera paralela a la de la novela

homónima de Arthur C. Clark; ambas inspiradas en el relato corto El Centinela (The Sentinel), escrito por el mismo Clark en 1951 y publicado un par de años después en su libro Expedición a la Tierra. 2001: A Space Odissey es uno de los clásicos de la cinematografía mundial y la máxima representante del cine de ciencia ficción del siglo XX. A partir de cuatro episodios, Kubrick escarba en la naturaleza humana a través de marca-dos acontecimientos en la historia del Hombre en los que subraya el uso de las armas y la violencia como característica de superioridad humana y el avanzado desarrollo tecnológico que, paradójica-mente, llevan al hombre a la deshumani-zación. En Dawn of the Man (El Amanecer del Hombre), Kubrick nos sitúa en la época del protohombre, la bestia pre homo sa-piens, donde la aparición de un impo-nente monolito ¿coincide? con su 'des-pertar' y con el uso de la primera herra-mienta/arma (un fémur) como medio pa-ra imponer su superioridad a través de una frenética violencia. Aquí, nace el Hombre y nace la primera pieza tecnoló-gica. Comienza, entonces, el eterno con-flicto armamentista. El segundo fragmento (que carece de título) inicia en el momento en el que el antropoide arroja al aire el fémur y se convierte en una nave que se dirige a una estación espacial: el Orbital Hilton. En este capítulo el director ofrece un contraste muy marcado entre el anterior segmento, con el descubrimiento de la tecnología, y éste, donde se muestran los últimos avances tecnológicos (video-

llamadas, viajes interestelares -con be-llas cosmoazafatas incluidas-, alimentos en forma de licuados, etc.) en un am-biente exageradamente antiséptico y ul-traergonómico (nada más chequen el di-señito de las sillas). Aquí también se nos muestra el descubrimiento del mismo monolito en el cráter lunar Tycho, el cual repentinamente emite una transmisión de radio (un molesto ruido que aturde a los cosmonautas que investigan la imp-onente estructura) dirigida a Júpiter. En Jupiter Mission (Misión Júpiter), el siguiente fragmento en la cinta, dos as-tronautas, Dave Bowman y Frank Poole (Keir Dullea y Gary Lockwood respec-tivamente), viajan hacia el lugar receptor de la señal lanzada por el monolito lunar. La nave en la que viajan, la ya legendaria Discovery, es controlada por la computa-dora HAL 9000 (con la voz de Douglas Rain), una supermáquina tan avanzada que tiene miedos, aspiraciones, ambi-ciones y un poquito de neurosis. Otro contraste es planteado aquí por Ku-brick: las figuras de los parcos y auto-matizados cosmonautas contrapuntean con la ambiciosa y emocionalmente inestable inteligencia artificial de HAL ¿Dónde está la línea que marca la des-humanización de los astronautas al ser controlados, hasta en sus más vitales actividades (como dormir), por una má-quina? Los humanos aquí se 'robotizan' ¿Dónde se encuentra el límite que hu-maniza a HAL al usurpar y tomar el con-trol sobre el uso de la razón y las deci-siones? Las máquinas aquí se humani-zan. ¿Es el conflicto 'HAL-Dave' una analogía al enfrentamiento 'Dios-Hom-bre'? Un viaje psicodélico, a través de una especie de portal interestelar, nos anun-cia que hemos llegado al cuarto (y últi-

mo) fragmento del filme: Jupiter and Be-yond the Infinite (Júpiter y Más Allá del Infinito). Aquí, Bowman ha llegado al lu-gar receptor de la transmisión: el mono-lito de Júpiter. En ese lugar, el cosmo-nauta se descubre en una sala donde se encuentra a sí mismo, envejeciendo, pa-ra después, verse en su lecho de muerte; finalmente, y a manera de feto, renacien-do como un nuevo hombre. A 45 años de su lanzamiento, y a poco más de una década de la llegada (y par-tida) de la mítica fecha, 2001: A Space Odyssey sigue más vigente que nunca y se siguen realizando nuevos descubri-mientos alrededor de ella. Kubrick con-struyó un relato enigmático y trascen-dental sobre la humanidad en la frontera del nuevo milenio y en el que el discurso estético fue crucial, siempre innovando con el manejo de la cámara logrando una audacia narrativa inigualable, y en esta ocasión, con los últimos avances tecno-lógicos en los terrenos de la cinemato-grafía (¡y sin efectos digitales!) con los que se hizo una suposición (más que re-creación) sobre los viajes al espacio ex-terior, pues para las fechas en las que se realizaba la filmación de la película, aún no se habían realizado, por ejemplo, los viajes a la Luna (el primer alunizaje se dio un año después del estreno de la pe-lícula). Sin duda alguna, un parte aguas en los relatos cinematográficos, inaugu-rando un nuevo cine de ciencia ficción, un filme de culto y un clásico de la cine-matografía mundial que es considerada como una de las mejores películas de todos los tiempos.

Ponerse en los zapatos de otro", "¿Y si yo fuera...?", ¿Qué pasaría si supiera lo que otra persona

piensa? Son algunas de las preguntas que cualquiera que vea ¿Quieres ser Jo-hn Malkovich? se haría al terminar de verla. Una película que ayuda a generar el debate sobre si en verdad estamos conformes con quienes somos en reali-dad. Craig Schwartz está desempleado y aprovecha para dedicarle más tiempo a su mayor hobby, el arte de los títeres (marionetas), y es así como pasa la ma-yor parte de su tiempo, imaginando que él es otra persona, en este caso sus ma-rionetas, trata de entender y vivir como cada una de estas. Pero como 'no solo de pan vive el hombre' tiene que buscar trabajo, y lo encuentra en el peculiar piso 7 1/2. Un día, mientras estaba en el ar-chivo y por accidente, descubre lo que parece ser un portal que lo transporta -aunque usted no lo crea- a la mente del actor John Malkovich. 'To Be, or not to be, Esa es la cuestión', entiendo que no es una afirmación fácil

22 www.facebook.com/celuloidedigital

de responder o incluso de entender, pe-ro díganme ustedes si la idea de 'ser' otra persona o incluso vivir un día de su vida, no ha invadido a cualquiera, por in-significante que sea la razón. Spike Jonze y su guionista Charlie Kaufman abordan esta interrogante de una mane-ra brillante, sutil, perfecta diría yo, pues no sólo lo plantean sino que lo hacen realidad. De ahí que la película sea muy sólida por su guión, que brilla como uno de los mejores del género de fantasía. No pue-do menospreciar el excelente y fenome-nal trabajo que hace nuestro cuarteto de 'enamorados' y entre estos la víctima de todo, el gran Malkovich, respaldado por Cusak, Diaz y Keener. Música brillante y obviamente, los efectos visuales que acompañan a la interesante trama psico-lógica que tiene detrás de lo divertida e incluso temerosa que puede llegar a ser la idea de 'ser alguien más'. Indispen-sable, pero mi consejo es 'acepta quien eres por siempre'.

Ponerse en los zapatos de otro", "¿Y si yo fuera...?", ¿Qué pasaría si supiera lo que otra persona

piensa? Son algunas de las preguntas que cualquiera que vea ¿Quieres ser Jo-hn Malkovich? se haría al terminar de verla. Una película que ayuda a generar el debate sobre si en verdad estamos conformes con quienes somos en reali-dad. Craig Schwartz está desempleado y aprovecha para dedicarle más tiempo a su mayor hobby, el arte de los títeres (marionetas), y es así como pasa la ma-yor parte de su tiempo, imaginando que él es otra persona, en este caso sus ma-rionetas, trata de entender y vivir como cada una de estas. Pero como 'no solo de pan vive el hombre' tiene que buscar trabajo, y lo encuentra en el peculiar piso 7 1/2. Un día, mientras estaba en el ar-chivo y por accidente, descubre lo que parece ser un portal que lo transporta -aunque usted no lo crea- a la mente del actor John Malkovich. 'To Be, or not to be, Esa es la cuestión', entiendo que no es una afirmación fácil

de responder o incluso de entender, pe-ro díganme ustedes si la idea de 'ser' otra persona o incluso vivir un día de su vida, no ha invadido a cualquiera, por in-significante que sea la razón. Spike Jonze y su guionista Charlie Kaufman abordan esta interrogante de una mane-ra brillante, sutil, perfecta diría yo, pues no sólo lo plantean sino que lo hacen realidad. De ahí que la película sea muy sólida por su guión, que brilla como uno de los mejores del género de fantasía. No pue-do menospreciar el excelente y fenome-nal trabajo que hace nuestro cuarteto de 'enamorados' y entre estos la víctima de todo, el gran Malkovich, respaldado por Cusak, Diaz y Keener. Música brillante y obviamente, los efectos visuales que acompañan a la interesante trama psico-lógica que tiene detrás de lo divertida e incluso temerosa que puede llegar a ser la idea de 'ser alguien más'. Indispen-sable, pero mi consejo es 'acepta quien eres por siempre'.

Al día siguiente, después de la primera dosis multisensorial del día anterior, iniciaron las actividades más concurridas del fes-tival, las conferencias impartidas por importantes y emergen-tes estudios de animación a nivel internacional. Distintos artistas estuvieron presentes, de Londres el Estu-dio Aardman Animation que realizó la famosa serie animada Wallace and Gromit; Mikey Please, escritor y director de ani-mación que presentó su último cortometraje Marilyn Myller y el proceso creativo que lo llevó a realizar esta y otras historias, un artista que a pesar de ser víctima de los problemas técnicos de audio en más de una ocasión, los aminoraba con un poco de humor y una sonrisa nerviosa. La fila para las conferencias era tan larga que en más de una ocasión los asistentes tuvieron que esperar en la escaleras del Teatro Alameda para poder ingresar a la siguiente presen-tación, como sucedió con el estudio americano Tiny Inven-tions, conformado por los directores de animación Max Porter y Ru Kuwahata, quienes mostraron el uso de técnicas mixtas de animación en sus cortometrajes; los argentinos 2Veinte en-señaron el trabajado que han hecho para cadenas televisivas y agencias publicitarias, o los sudafricanos Shy The Sun entre muchos otros más. Pero los que se convirtieron en el hit del festival fueron los creadores de la campaña virtual de la quinta edición de Cut-Out Fest, Memoma, estudio de diseño gráfico y de animación quienes explicaron todo el proceso de creación de la campa-ña, desde las ideas más elementales, los pequeños detalles que los inspiraron, el proceso de investigación y hasta la ma-nera en como crearon la animación para los cineminutos del festival. Eso y además las muchas entrevistas que realizaron, los carteles que autografiaron, las fotos que les tomaron y lo que se notaba más, la alegría y sorpresa que todo eso les ge-neraba. Sin duda los artistas eran el centro de CutOut Fest, los que sorprendían a cada asistente con su trabajo, profesionalismo y sobre todo sencillez para con los demás, no importaba si eras prensa, un organizador, o un asistente asiduo del festival, el trato siempre fue cordial, unos rockstars de la animación muy alivianados.

La animación The Congress del cineasta israelí Ari Folman, más conocido por su película Vals con Bashir (2008), fue la película con la que oficialmente dio inicio el Festival Internacional de Animación CutOut Fest, The Congress nos transportó a un mundo surrealista de los sueños, en el que un sentimiento de “felicidad” prevalecía por encima de todo y de todos, esta premiere contó con la cálida presencia del director de animación de la película, Yoni Goodman, quien se alejó de los protocolos formales y simplemente invitó a disfrutar de la proyección. Un mundo de posibilidades: el mundo de la animación nos comenzaba a envolver.

Había asistido a algunos festivales de cine pero nunca a uno especializado en animación; de los 128 cortometrajes de la competencia descubrí que identificaba un estudio, una película y sólo un par de cortometrajes, la nada y

mis conocimientos en animación eran más parecidos que dos gemelos en gestación; un mundo nuevo por conocer, un mundo animado por descubrir. Alrededor de 80 asistentes, entre productores, prensa, público y artistas como Yoni Goodman, Mikey Please, Shy The Sun, Pablo Gav; quienes se convertirían, al día siguiente, en los rockstars de la animación, inauguraron el CutOut Fest en medio de la noche más fría del año en la ciudad de Querétaro.

Al día siguiente, después de la primera dosis multisensorial del día anterior, iniciaron las actividades más concurridas del fes-tival, las conferencias impartidas por importantes y emergen-tes estudios de animación a nivel internacional. Distintos artistas estuvieron presentes, de Londres el Estu-dio Aardman Animation que realizó la famosa serie animada Wallace and Gromit; Mikey Please, escritor y director de ani-mación que presentó su último cortometraje Marilyn Myller y el proceso creativo que lo llevó a realizar esta y otras historias, un artista que a pesar de ser víctima de los problemas técnicos de audio en más de una ocasión, los aminoraba con un poco de humor y una sonrisa nerviosa. La fila para las conferencias era tan larga que en más de una ocasión los asistentes tuvieron que esperar en la escaleras del Teatro Alameda para poder ingresar a la siguiente presen-tación, como sucedió con el estudio americano Tiny Inven-tions, conformado por los directores de animación Max Porter y Ru Kuwahata, quienes mostraron el uso de técnicas mixtas de animación en sus cortometrajes; los argentinos 2Veinte en-señaron el trabajado que han hecho para cadenas televisivas y agencias publicitarias, o los sudafricanos Shy The Sun entre muchos otros más. Pero los que se convirtieron en el hit del festival fueron los creadores de la campaña virtual de la quinta edición de Cut-Out Fest, Memoma, estudio de diseño gráfico y de animación quienes explicaron todo el proceso de creación de la campa-ña, desde las ideas más elementales, los pequeños detalles que los inspiraron, el proceso de investigación y hasta la ma-nera en como crearon la animación para los cineminutos del festival. Eso y además las muchas entrevistas que realizaron, los carteles que autografiaron, las fotos que les tomaron y lo que se notaba más, la alegría y sorpresa que todo eso les ge-neraba. Sin duda los artistas eran el centro de CutOut Fest, los que sorprendían a cada asistente con su trabajo, profesionalismo y sobre todo sencillez para con los demás, no importaba si eras prensa, un organizador, o un asistente asiduo del festival, el trato siempre fue cordial, unos rockstars de la animación muy alivianados.

La animación The Congress del cineasta israelí Ari Folman, más conocido por su película Vals con Bashir (2008), fue la película con la que oficialmente dio inicio el Festival Internacional de Animación CutOut Fest, The Congress nos transportó a un mundo surrealista de los sueños, en el que un sentimiento de “felicidad” prevalecía por encima de todo y de todos, esta premiere contó con la cálida presencia del director de animación de la película, Yoni Goodman, quien se alejó de los protocolos formales y simplemente invitó a disfrutar de la proyección. Un mundo de posibilidades: el mundo de la animación nos comenzaba a envolver.

Había asistido a algunos festivales de cine pero nunca a uno especializado en animación; de los 128 cortometrajes de la competencia descubrí que identificaba un estudio, una película y sólo un par de cortometrajes, la nada y

mis conocimientos en animación eran más parecidos que dos gemelos en gestación; un mundo nuevo por conocer, un mundo animado por descubrir. Alrededor de 80 asistentes, entre productores, prensa, público y artistas como Yoni Goodman, Mikey Please, Shy The Sun, Pablo Gav; quienes se convertirían, al día siguiente, en los rockstars de la animación, inauguraron el CutOut Fest en medio de la noche más fría del año en la ciudad de Querétaro.

Con poco más de cinco años de existencia MEMOMA ha realizado proyectos para Ambulante 2014, Nissan, La Voz México, Nike, Buchanan's, Lifedots, y

recientemente desarrolló la campaña de la quinta edición del Festival Internacional de Animación CutOut Fest. El estudio está conformado por Pablo Díaz, Roberto Andreu, Kike del Mar y Juan Arriagada, ellos se conocieron en la universidad mientras estudiaban la carrera de diseño gráfico y en el proceso redescubrieron su gusto por la animación, sin embargo, a falta de cursos especializados en su universidad, su experiencia con la animación ha sido autodidacta. Ellos se dedican a la animación pero se definen como diseñadores, “todo el trabajo que hacemos parte de algo bien diseñado, fijo y bien realizado, a partir de ahí empezamos a generar la animación y buscar que cada cuadro sea visualmente atractivo”, explicaron durante la conferencia.

virtual, se nos encargaron piezas específicas, y a partir de ahí contamos una historia narrativa.Kike: primero encontramos las palabras clave de lo que significa el CutOut, la primera es animación, lo que tomamos como referente de ella es lo que todo mundo conoce: las caricaturas. Otra parte que nos inspiró fueron los símbolos que transmiten un mensaje, que tienen una carga histórica y de contenido, eso nos inspira muchísimo para poder hacer nuevos diseños. Tener muchos símbolos que nos cuenten una historia en un solo cuadro.Pablo: por otro lado teníamos muy claro que el color tenía que ser algo clave, nuestros referentes eran todas las artesanías mexicanas que son muy ricas en color, entonces decidimos escoger esa paleta de color para representar un festival de animación mexicano.Roberto: el proyecto duró casi un año y fue muy complejo, no fue lineal como se acostumbra en otros proyectos, fue un desarrollo de concepto, realización y entrega, aquí todo iba de la mano de las necesidades que tenía el festival, de lo que nos iban pidiendo y como iba evolucionando; el primer material que nos pidieron fue generar un cartel de convocatoria para darle inicio a este festival, para generarlo bajamos todo lo que nos inspiraba y comenzamos a concretarlo en un concepto que fuera el punto de partida de todo lo que queríamos contar.

la experiencia multisensorial cutout fest

El año pasado MEMOMA fue invitado a una conferencia y a un par de actividades al CutOut Fest, ahí se dio el acercamiento con los organizadores del festival y entonces comenzó la experiencia multisensorial que vio la luz total este mes de noviembre.Juan: ellos nos dieron la confianza y libertad creativa para proponer lo que se nos ocurriera y abarcar toda la campaña

Pero como en todo buen festival las opciones se vuelven una difícil selección, entre lo qué más nos gusta y las cosas que nos gustaría descubrir; eso fue lo que vivimos más de un asis-tente durante la quinta edición del festival, pues al mismo tiempo había una interesante conferencia y una selección que se antojaba exquisita de cortometrajes animados, la incerti-dumbre de haber elegido lo correcto siempre permanecía, pe-ro se diluía al vernos ante una ma-gistral conferencia o una in-creíble selección de cortos. Los trabajos provenía de más de 27 países alrededor del mundo, los que sorprendían eran los de la selección narrativa, el corto español El ruido del mundo de Coke Riobóo sobre un compositor que oía todos los ruidos del mundo; o Pac! de la po-laca Alicja Blaszczynska ¿qué pasaría en un mundo al revés si una araña encontrara a una mujer en su bañera?, y no po-dían faltar los trabajos mexicanos como el de Sofía Carrillo con La casa triste, un cortometraje hecho con objeto antiguos encontrados en bazares y que cuenta la historia de una familia que padece una enfermedad. Esta experiencia de tres días que duro el CutOut Fest, que iba de la animación al diseño gráfico, de una galería de carte-les a una presentación exclusiva de nuevos sonidos y proyec-ciones animadas, no podía estar completa sin las reuniones nocturnas que te acercaban más a los rockstars, lo mismo te topabas con miembros del jurado como la Baronesa Jane Bonham-Carter que con los artistas invitados, como fue el ca-so de la reunión nombrada Lost Highway, en la que podías charlar cómodamente con las celebridades, sin grabadoras, sin buscar la noticia, conociendo las mentes que nos sacan de este mundo para llevarnos a miles más. De las caricaturas del Canal 5 y las películas de Disney aho-ra podemos decir que son sólo una posibilidad dentro de las muchas alrededor del mundo, una parte de lo muchos proyec-tos en demasía creativos e innovadores que nacen con peque-ñas y brillantes ideas. CutOut Fest es sin duda una cita obli-gada para el próximo año.

www.facebook.com/celuloidedigital 27www.facebook.com/celuloidedigitalwww.facebook.com/celuloidedigital26

Con poco más de cinco años de existencia MEMOMA ha realizado proyectos para Ambulante 2014, Nissan, La Voz México, Nike, Buchanan's, Lifedots, y

recientemente desarrolló la campaña de la quinta edición del Festival Internacional de Animación CutOut Fest. El estudio está conformado por Pablo Díaz, Roberto Andreu, Kike del Mar y Juan Arriagada, ellos se conocieron en la universidad mientras estudiaban la carrera de diseño gráfico y en el proceso redescubrieron su gusto por la animación, sin embargo, a falta de cursos especializados en su universidad, su experiencia con la animación ha sido autodidacta. Ellos se dedican a la animación pero se definen como diseñadores, “todo el trabajo que hacemos parte de algo bien diseñado, fijo y bien realizado, a partir de ahí empezamos a generar la animación y buscar que cada cuadro sea visualmente atractivo”, explicaron durante la conferencia.

virtual, se nos encargaron piezas específicas, y a partir de ahí contamos una historia narrativa.Kike: primero encontramos las palabras clave de lo que significa el CutOut, la primera es animación, lo que tomamos como referente de ella es lo que todo mundo conoce: las caricaturas. Otra parte que nos inspiró fueron los símbolos que transmiten un mensaje, que tienen una carga histórica y de contenido, eso nos inspira muchísimo para poder hacer nuevos diseños. Tener muchos símbolos que nos cuenten una historia en un solo cuadro.Pablo: por otro lado teníamos muy claro que el color tenía que ser algo clave, nuestros referentes eran todas las artesanías mexicanas que son muy ricas en color, entonces decidimos escoger esa paleta de color para representar un festival de animación mexicano.Roberto: el proyecto duró casi un año y fue muy complejo, no fue lineal como se acostumbra en otros proyectos, fue un desarrollo de concepto, realización y entrega, aquí todo iba de la mano de las necesidades que tenía el festival, de lo que nos iban pidiendo y como iba evolucionando; el primer material que nos pidieron fue generar un cartel de convocatoria para darle inicio a este festival, para generarlo bajamos todo lo que nos inspiraba y comenzamos a concretarlo en un concepto que fuera el punto de partida de todo lo que queríamos contar.

la experiencia multisensorial cutout fest

El año pasado MEMOMA fue invitado a una conferencia y a un par de actividades al CutOut Fest, ahí se dio el acercamiento con los organizadores del festival y entonces comenzó la experiencia multisensorial que vio la luz total este mes de noviembre.Juan: ellos nos dieron la confianza y libertad creativa para proponer lo que se nos ocurriera y abarcar toda la campaña

Pero como en todo buen festival las opciones se vuelven una difícil selección, entre lo qué más nos gusta y las cosas que nos gustaría descubrir; eso fue lo que vivimos más de un asis-tente durante la quinta edición del festival, pues al mismo tiempo había una interesante conferencia y una selección que se antojaba exquisita de cortometrajes animados, la incerti-dumbre de haber elegido lo correcto siempre permanecía, pe-ro se diluía al vernos ante una ma-gistral conferencia o una in-creíble selección de cortos. Los trabajos provenía de más de 27 países alrededor del mundo, los que sorprendían eran los de la selección narrativa, el corto español El ruido del mundo de Coke Riobóo sobre un compositor que oía todos los ruidos del mundo; o Pac! de la po-laca Alicja Blaszczynska ¿qué pasaría en un mundo al revés si una araña encontrara a una mujer en su bañera?, y no po-dían faltar los trabajos mexicanos como el de Sofía Carrillo con La casa triste, un cortometraje hecho con objeto antiguos encontrados en bazares y que cuenta la historia de una familia que padece una enfermedad. Esta experiencia de tres días que duro el CutOut Fest, que iba de la animación al diseño gráfico, de una galería de carte-les a una presentación exclusiva de nuevos sonidos y proyec-ciones animadas, no podía estar completa sin las reuniones nocturnas que te acercaban más a los rockstars, lo mismo te topabas con miembros del jurado como la Baronesa Jane Bonham-Carter que con los artistas invitados, como fue el ca-so de la reunión nombrada Lost Highway, en la que podías charlar cómodamente con las celebridades, sin grabadoras, sin buscar la noticia, conociendo las mentes que nos sacan de este mundo para llevarnos a miles más. De las caricaturas del Canal 5 y las películas de Disney aho-ra podemos decir que son sólo una posibilidad dentro de las muchas alrededor del mundo, una parte de lo muchos proyec-tos en demasía creativos e innovadores que nacen con peque-ñas y brillantes ideas. CutOut Fest es sin duda una cita obli-gada para el próximo año.

Este nuevo cortometraje animado en stop motion cuenta la historia de una familia que lo mismo ha experimen-tado la felicidad y la tristeza, la vida y la muerte, narrado

a través de diferentes objetos perdidos que Sofía ha ido encon-trado en su vida. Ganador del Mejor Cortometraje de Anima-ción en el Festival Internacional de Morelia, Mejor Corto-metraje Animado en el Fantastic Fest y Oaxaca Film Fest, y recientemente, la Mención Especial Mexicana en el Festival Internacional de Animación CutOut Fest. ¿De dónde nace la idea de contar esta historia?En estos recorridos obligados por bazares y mercados bus-cando los objetos que serían lo props del cortometraje, me en-contraba con joyitas que terminaba adquiriendo e inevitable-mente me preguntaba a quién habrían pertenecido esos obje-tos, cómo habían sido adquiridos por sus dueños, por qué los dejaron ahí, si esas personas viven o no, y cuánto afecto ha-brán tenido por ellos. Fue conviviendo con estos objetos y pre-guntándome sobre la vida oculta de todos ellos que me vino esta idea de hacer una animación con los objetos y que estos contaran la historia de una familia. ¿La historia de esa familia tiene que ver con tu historia personal o es ficción?Mi experiencia familiar es a través de mi familia, pero hay mu-chísimas cosas estilizadas que realmente son parte de la his-

toria familiar de todos, pero si hay muchas cosas basadas en mi historia personal y sobre todo la relación con esta enfer-medad, el cáncer, que creo es algo que ha ido en incremento sobre todo en la zona de los altos de Jalisco, y creo que es un tema importante no solamente en mi familia, sino en muchas familias. En el cortometraje están presentes los temas de la tristeza y la muerte a partir de esta enfermedad. ¿Por qué los escogiste?Efectivamente yo quería hablar del amor, de la vida, de la muerte, de la tristeza, a través de los objetos que los humanos creamos, y me interesaba mucho que fuera como si los objetos pudieran tener una voz para contarnos esas historias. Necesitaba hablar de esto porque a finales de 2012 tuvimos dos muertes familiares, ambas por esta enfermedad, y fue ne-cesario para mi abordar este tema, creo que el final es espe-ranzador y creo que es importante conocer si tenemos este ti-po de antecedentes en la familia porque entonces te puedes cuidar, y sobre todo la premisa del cortometraje es que la tris-teza es el cáncer y efectivamente a que luchar contra la tris-teza. ¿De dónde proviene el nombre de ‘La casa triste’?Me fascinan desde pequeña los secreters, este pequeño mue-ble donde guardas y escribes cartas. Cuando era pequeña

El CutOut Fest celebraría su quinta edición y fue del número cinco que también partieron las ideas de MEMOMA, número que tiene muchas connotaciones simbólicas e icónicas, los in-tegrantes del estudio explicaron que el pentagrama fue su pri-mer acercamiento al número, “el pentágono simboliza los cin-co elementos de la naturaleza dentro de los cuales el espíritu es dominante de los otros cuatro”, de ahí decidieron que el es-píritu sería el festival, y el aire, fuego, tierra y agua serían con-trolados por el festival como esencia. Otros símbolos que utilizaron en la elaboración del primer cartel de convocatoria fue la pirámide de cinco puntos y el ícono del ojo de dios que todo lo ve, “el cinco tiene muchas con-notaciones divinas, es este número que representa la conex-ión de lo divino con lo terrenal, y esta pirámide con el ojo repre-senta eso: el ser divino que todo lo ve y está en constante ob-servación de lo que el humano hace”, explicó Roberto Andreu. A partir de ahí usaron el view-master, símbolo que el festival venía usando desde su primera edición, lo sustituyeron por el ojo y el view-master se transformó en ese ojo que estaría cons-ciente de todo lo que iba a desarrollarse en el festival. El último elemento que usaron fue la carta número cinco del Tarot de Marsella, el hierofante, la persona con el poder para unir el mundo divino con el terrenal, “de ahí comenzamos a re-interpretarlo como un personaje de caricatura, el báculo que él manipula, las llaves que abren las puertas al lado espiritual; to-do iba ligado, y de aquí partimos el concepto principal”, señaló Andreu.Kike: la imagen del CutOut Fest es toda una historia, y cada pieza es un fragmento de esa historia. Juan: después del cartel se nos encargo el teaser de convoca-toria, tenía que ser animado, viendo la parte del arte del cartel nos pusimos a pensar en como resolverlo a partir del cartel. Un reto porque no habíamos trabajado animación tradicional de manera profesional, sin embargo quisimos meternos en ese mundo porque era la manera más fiel de representar al cartel en una pieza de animación.Roberto: nosotros lo que sabemos es diseñar y animar, pero no nos dedicamos solo a 3d, 2d o tradicional, conforme se van presentando los proyectos eso es lo que nos gusta, encararlos de la forma que sea mejor aunque no lo sepamos hacer o aun-que el resultado no sea una animación tradicional de Disney, pero es nuestro acercamiento a esta técnica. Pablo: el chiste era disfrutar el proyecto y que al final les gus-tara el proyecto.

Este nuevo cortometraje animado en stop motion cuenta la historia de una familia que lo mismo ha experimen-tado la felicidad y la tristeza, la vida y la muerte, narrado

a través de diferentes objetos perdidos que Sofía ha ido encon-trado en su vida. Ganador del Mejor Cortometraje de Anima-ción en el Festival Internacional de Morelia, Mejor Corto-metraje Animado en el Fantastic Fest y Oaxaca Film Fest, y recientemente, la Mención Especial Mexicana en el Festival Internacional de Animación CutOut Fest. ¿De dónde nace la idea de contar esta historia?En estos recorridos obligados por bazares y mercados bus-cando los objetos que serían lo props del cortometraje, me en-contraba con joyitas que terminaba adquiriendo e inevitable-mente me preguntaba a quién habrían pertenecido esos obje-tos, cómo habían sido adquiridos por sus dueños, por qué los dejaron ahí, si esas personas viven o no, y cuánto afecto ha-brán tenido por ellos. Fue conviviendo con estos objetos y pre-guntándome sobre la vida oculta de todos ellos que me vino esta idea de hacer una animación con los objetos y que estos contaran la historia de una familia. ¿La historia de esa familia tiene que ver con tu historia personal o es ficción?Mi experiencia familiar es a través de mi familia, pero hay mu-chísimas cosas estilizadas que realmente son parte de la his-

toria familiar de todos, pero si hay muchas cosas basadas en mi historia personal y sobre todo la relación con esta enfer-medad, el cáncer, que creo es algo que ha ido en incremento sobre todo en la zona de los altos de Jalisco, y creo que es un tema importante no solamente en mi familia, sino en muchas familias. En el cortometraje están presentes los temas de la tristeza y la muerte a partir de esta enfermedad. ¿Por qué los escogiste?Efectivamente yo quería hablar del amor, de la vida, de la muerte, de la tristeza, a través de los objetos que los humanos creamos, y me interesaba mucho que fuera como si los objetos pudieran tener una voz para contarnos esas historias. Necesitaba hablar de esto porque a finales de 2012 tuvimos dos muertes familiares, ambas por esta enfermedad, y fue ne-cesario para mi abordar este tema, creo que el final es espe-ranzador y creo que es importante conocer si tenemos este ti-po de antecedentes en la familia porque entonces te puedes cuidar, y sobre todo la premisa del cortometraje es que la tris-teza es el cáncer y efectivamente a que luchar contra la tris-teza. ¿De dónde proviene el nombre de ‘La casa triste’?Me fascinan desde pequeña los secreters, este pequeño mue-ble donde guardas y escribes cartas. Cuando era pequeña

El CutOut Fest celebraría su quinta edición y fue del número cinco que también partieron las ideas de MEMOMA, número que tiene muchas connotaciones simbólicas e icónicas, los in-tegrantes del estudio explicaron que el pentagrama fue su pri-mer acercamiento al número, “el pentágono simboliza los cin-co elementos de la naturaleza dentro de los cuales el espíritu es dominante de los otros cuatro”, de ahí decidieron que el es-píritu sería el festival, y el aire, fuego, tierra y agua serían con-trolados por el festival como esencia. Otros símbolos que utilizaron en la elaboración del primer cartel de convocatoria fue la pirámide de cinco puntos y el ícono del ojo de dios que todo lo ve, “el cinco tiene muchas con-notaciones divinas, es este número que representa la conex-ión de lo divino con lo terrenal, y esta pirámide con el ojo repre-senta eso: el ser divino que todo lo ve y está en constante ob-servación de lo que el humano hace”, explicó Roberto Andreu. A partir de ahí usaron el view-master, símbolo que el festival venía usando desde su primera edición, lo sustituyeron por el ojo y el view-master se transformó en ese ojo que estaría cons-ciente de todo lo que iba a desarrollarse en el festival. El último elemento que usaron fue la carta número cinco del Tarot de Marsella, el hierofante, la persona con el poder para unir el mundo divino con el terrenal, “de ahí comenzamos a re-interpretarlo como un personaje de caricatura, el báculo que él manipula, las llaves que abren las puertas al lado espiritual; to-do iba ligado, y de aquí partimos el concepto principal”, señaló Andreu.Kike: la imagen del CutOut Fest es toda una historia, y cada pieza es un fragmento de esa historia. Juan: después del cartel se nos encargo el teaser de convoca-toria, tenía que ser animado, viendo la parte del arte del cartel nos pusimos a pensar en como resolverlo a partir del cartel. Un reto porque no habíamos trabajado animación tradicional de manera profesional, sin embargo quisimos meternos en ese mundo porque era la manera más fiel de representar al cartel en una pieza de animación.Roberto: nosotros lo que sabemos es diseñar y animar, pero no nos dedicamos solo a 3d, 2d o tradicional, conforme se van presentando los proyectos eso es lo que nos gusta, encararlos de la forma que sea mejor aunque no lo sepamos hacer o aun-que el resultado no sea una animación tradicional de Disney, pero es nuestro acercamiento a esta técnica. Pablo: el chiste era disfrutar el proyecto y que al final les gus-tara el proyecto.

quería ser escritora entonces me imaginaba mucho como en este espacio, finalmente este secreter es una casa y es un pla-to donde se suceden todas las historias aunque sean geográ-ficamente en distintos lugares. Me gustó la idea de ponerle La casa triste porque me parecía que el mueble en si contenía toda la alegría, la tristeza, la vida, la muerte, era como una metáfora de nuestro mundo; y la ca-becita es el personaje que mira, que observa, que aprende, re-presenta una de las últimas generaciones que vuelve a revivir los sucesos que hay en la familia, y que finalmente también tie-ne que tomar una decisión cuando le viene este destino del que aparentemente no se puede desviar. ¿Qué es lo que más disfrutas del proceso de hacer un cortometraje?Toda la generación de la idea fue deliciosa. Los rodajes siem-pre son un poquito complicados porque a veces tenía que ver más con que el muñequito no se paraba o se caía porque no era un muñeco preparado para ser animado, pero fue una eta-pa deliciosa, me fascinó. Yo entraba al set muy temprano y era como estar jugando a las muñecas todo el día. Era maravilloso reinterpretar algunos acontecimientos de mi familia o de otras familias, para mi era increíble pensar "¡hoy se van a casar mis papás!" y entonces te preparabas para ¡el evento! Ha sido uno de los cortometrajes en los que más he disfru-tado el rodaje; también he sufrido porque igual cuando había muertes era súper difícil y complicado, por ejemplo algunos de mis abuelos murieron antes de que yo naciera, sin embargo los tengo muy presentes y recrearlos con objetos fue muy difícil. Creo que cuando terminé el cortometraje ya había sido un gran premio, un privilegio maravilloso haber vivido todo este pro-ceso de producción, desde ahí ya me sentía plena. ¿Por qué le gusta hacer cine a Sofía Carrillo?Soy la hija menor de una pareja de pintores de una gran vo-cación artística, y cuando estaba chiquita no sabía si quería ser pintora o escritora, me parecía que hacer cine era un poco de ambas cosas, era darle vida a la imagen, darle vida a una historia, me imagino que era una niña muy fantasiosa y que vi en la animación y en el cine la posibilidad de dar vida a los mun-dos que me imaginaba, así que básicamente me puse a estu-diar cine y terminando la carrera me di cuenta que hay que ha-cerlo, y hay que seguirlo haciendo para encontrar tu voz y para encontrar un estilo. Cada uno de mis trabajos ha sido muy importante en mi vida, no los veo como trabajo sino como un momento específico en mi vida. Cada trabajo ha sido un acto pánico según dice Jodo-rowsky, una manera en la que intento sanar algo que está pa-sando y La casa triste no es una excepción.

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Robin decide volver a Miramount Pictures para dar por terminado ese contrato, pero para ingresar debe inhalar una sustancia que la misma compañía ha hecho, ahora líder en productos fa rmacéu t i cos y d rogas . Es te alucinógeno traslada al que lo consume a un mundo completamente animado en el cual puedes ser Frida Kahlo o Michael Jackson, una pintura de Magritte o el mismo Jesús, puedes ver los sueños de los demás, fundirte de diversas formas con aquello que amas, manos que se vuelven alas, edificios que vuelan, pero sucede que es un mundo creado por la propia mente. Salir parece imposible, la vida continúa pero sucede en un mundo que sólo existe en la mente de todos los consumidores, viven una realidad que no los deja despertar. Robin ha perdido a sus hijos, y buscará la forma de volver a ellos, al mundo real. Una madre que ha dejado, en cierto modo, abandonado a su hijo indefenso, va fortificando un argumento cada vez más sólido que termina por sorprender y apabullar en su final. Un mundo fantástico en donde los imposible se vuelve posible, y lo inimaginable en imaginable, es el escenario surreal, mágico, fantástico y terrorífico que Robin explorará para darse cuenta de una degradación humana casi increíble, una fantasía que los vuelve felices y dependientes. The Congress es una historia muy poderosa y conmovedora, un poema surrealista de los sueños, de la mente y de la evasión de la realidad. Una película que debes de ver antes de desaparecer.

¿Firmarías un contrato que dejara permanente la belleza de tus 33 años? La actriz Robin Wright lo

hizo.Después de formar parte de importantes películas como The Princess Bride y Forrest Gump, la actriz Robin Wright recibe una propuesta por parte de la compañía Miramount Pictures, quieren comprar su imagen, usarla para diferentes películas durante 20 años, pero quieren su belleza actual y hacerla permanente mediante la digitalización de su cuerpo, sus expresiones, de la felicidad a la tristeza, del éxtasis a la desolación.Robin tiene dos hijos con los que vive en un viejo edificio cerca de un aeropuerto; Aaron, el menor, es amante de la aviación y gusta de volar en su patio un enorme cometa rojo, el cual imagina se estrellará con alguno de los aviones que aterriza, él padece una enfermedad auditiva degenerativa lo cual mantiene preocupada a su madre.Entre la propuesta de permanecer joven y bella además de recibir una enorme cantidad de dinero, y la enfermedad de su hijo, decide firmar el contrato que le dará vigencia, dinero y tiempo para estar con su familia. Este es sólo el comienzo de The Congress del cineasta israelí Ari Folman, esta parte está grabada con actores reales, los cuales sorprenden con su nivel actoral como la brillante Robin Wright quien se interpreta a sí misma pero dentro de una ficción. Pero es después de este gran comienzo, 20 años después de firmar el contrato, cuando inicia la verdadera experiencia multisensorial, mágica y brillante de la animación de Ari Folman y Yoni

Robin decide volver a Miramount Pictures para dar por terminado ese contrato, pero para ingresar debe inhalar una sustancia que la misma compañía ha hecho, ahora líder en productos fa rmacéu t i cos y d rogas . Es te alucinógeno traslada al que lo consume a un mundo completamente animado en el cual puedes ser Frida Kahlo o Michael Jackson, una pintura de Magritte o el mismo Jesús, puedes ver los sueños de los demás, fundirte de diversas formas con aquello que amas, manos que se vuelven alas, edificios que vuelan, pero sucede que es un mundo creado por la propia mente. Salir parece imposible, la vida continúa pero sucede en un mundo que sólo existe en la mente de todos los consumidores, viven una realidad que no los deja despertar. Robin ha perdido a sus hijos, y buscará la forma de volver a ellos, al mundo real. Una madre que ha dejado, en cierto modo, abandonado a su hijo indefenso, va fortificando un argumento cada vez más sólido que termina por sorprender y apabullar en su final. Un mundo fantástico en donde los imposible se vuelve posible, y lo inimaginable en imaginable, es el escenario surreal, mágico, fantástico y terrorífico que Robin explorará para darse cuenta de una degradación humana casi increíble, una fantasía que los vuelve felices y dependientes. The Congress es una historia muy poderosa y conmovedora, un poema surrealista de los sueños, de la mente y de la evasión de la realidad. Una película que debes de ver antes de desaparecer.

¿Firmarías un contrato que dejara permanente la belleza de tus 33 años? La actriz Robin Wright lo

hizo.Después de formar parte de importantes películas como The Princess Bride y Forrest Gump, la actriz Robin Wright recibe una propuesta por parte de la compañía Miramount Pictures, quieren comprar su imagen, usarla para diferentes películas durante 20 años, pero quieren su belleza actual y hacerla permanente mediante la digitalización de su cuerpo, sus expresiones, de la felicidad a la tristeza, del éxtasis a la desolación.Robin tiene dos hijos con los que vive en un viejo edificio cerca de un aeropuerto; Aaron, el menor, es amante de la aviación y gusta de volar en su patio un enorme cometa rojo, el cual imagina se estrellará con alguno de los aviones que aterriza, él padece una enfermedad auditiva degenerativa lo cual mantiene preocupada a su madre.Entre la propuesta de permanecer joven y bella además de recibir una enorme cantidad de dinero, y la enfermedad de su hijo, decide firmar el contrato que le dará vigencia, dinero y tiempo para estar con su familia. Este es sólo el comienzo de The Congress del cineasta israelí Ari Folman, esta parte está grabada con actores reales, los cuales sorprenden con su nivel actoral como la brillante Robin Wright quien se interpreta a sí misma pero dentro de una ficción. Pero es después de este gran comienzo, 20 años después de firmar el contrato, cuando inicia la verdadera experiencia multisensorial, mágica y brillante de la animación de Ari Folman y Yoni

culas se queden en el plano de ciencia ficción, pues en ningún momento se identifica como algo que pudiera suce-der en la realidad, ni siquiera por el canto de Rubén Blades “¿a dónde van los desaparecidos?”. En fin que en los 75 juegos del hambre, vemos a una Katniss Everdeen implaca-ble (aunque también notamos su lado vulnerable en casa), con determinación y liderazgo total, que hacen ver a Peeta Mellark como un joven indefenso, fuera de lugar, pero sobre todo, resignado a que puede perder el único vínculo que lo une a Katniss, en algún punto de la cace-ría. No es raro que una mujer sea el mo-tor que impulsa a todo un equipo de tra-bajo, pero es raro que la muestren en su esplendor, dejando a su compañero en un plano muy inferior y que sólo se equi-libra cuando Haymitch Abernathy le dice a ella: “no te podemos contar nada” o al-go así, dando a entender que en su con-dición femenina es poco confiable. Evi-dente machismo arraigado en el dis-curso mundial. Pareciera un poco forzada la solución de llamar a los ganadores de los juegos anteriores, como una precuela insertada en la secuela, ya que nos soltaron bas-tante información luego del drama de de-jar la casa, para enterarnos de los rivales en cuestión. Sin embargo, el hecho de que exista el acuerdo secreto para sabo-tear los juegos, le da el toque necesario para hacerlo creíble. Si a ello le agre-gamos la llegada de Philip Seymour Hoffman como elemento clave para el desarrollo de los juegos, entenderemos que se buscó un mayor impacto en la ac-tuación y el discurso verbal, por encima del visual.

En la continuación de la cacería hu-mana más leída en los últimos tiempos, En Llamas, del director

Francis Lawrence, muestra que segun-das partes pueden ser satisfactorias y sorprendentes, no sólo por lo que impli-ca la historia a contar, sino por el mismo elenco que la conforma. En esta ocasión, el toque fue bastante más dramático, por tratarse de lo que si-gue al “final feliz” de la victoria de los buenos sobre los malos: ¿Qué hacer con ese privilegio cuando vuelves a ca-sa, en donde todo sigue igual? Más aún, el peso de una farsa televisada cuando la realidad es una situación muy distinta. Decididamente la escritora Suzanne Collins, hace un retrato de la vida en un escenario y, luego de la maravillosa ex-periencia, muestra la situación tras bam-balinas, lo no ensayado, ruin y sucio que se puede encontrar ahí, completo reflejo de la sociedad imperialista estadouni-dense que se conforma con unos minu-tos de belleza, mismos que aspira a ob-tener, aunque sabe que le puede tomar toda una vida lograrlo, pero sin ver del to-do lo que hay fuera de cámara. Es así que ante el desafío que Katniss Everdeen lanza al Presidente Snow, al final de la primera película, este busca una nueva estrategia para borrar la sen-sación de esperanza y por ende, derro-camiento del régimen entre la gente de los distritos: se muestra entonces la lu-cha callada que se lleva a cabo en cada uno de ellos, al mostrarse simpatizantes ante el gesto de la supervivencia, pero también esperanzados en que sea un pie de lucha en contra de quienes les so-meten y restringen. Es curioso que en México y Latinoamérica este tipo de pelí-

culas se queden en el plano de ciencia ficción, pues en ningún momento se identifica como algo que pudiera suce-der en la realidad, ni siquiera por el canto de Rubén Blades “¿a dónde van los desaparecidos?”. En fin que en los 75 juegos del hambre, vemos a una Katniss Everdeen implaca-ble (aunque también notamos su lado vulnerable en casa), con determinación y liderazgo total, que hacen ver a Peeta Mellark como un joven indefenso, fuera de lugar, pero sobre todo, resignado a que puede perder el único vínculo que lo une a Katniss, en algún punto de la cace-ría. No es raro que una mujer sea el mo-tor que impulsa a todo un equipo de tra-bajo, pero es raro que la muestren en su esplendor, dejando a su compañero en un plano muy inferior y que sólo se equi-libra cuando Haymitch Abernathy le dice a ella: “no te podemos contar nada” o al-go así, dando a entender que en su con-dición femenina es poco confiable. Evi-dente machismo arraigado en el dis-curso mundial. Pareciera un poco forzada la solución de llamar a los ganadores de los juegos anteriores, como una precuela insertada en la secuela, ya que nos soltaron bas-tante información luego del drama de de-jar la casa, para enterarnos de los rivales en cuestión. Sin embargo, el hecho de que exista el acuerdo secreto para sabo-tear los juegos, le da el toque necesario para hacerlo creíble. Si a ello le agre-gamos la llegada de Philip Seymour Hoffman como elemento clave para el desarrollo de los juegos, entenderemos que se buscó un mayor impacto en la ac-tuación y el discurso verbal, por encima del visual.

En la continuación de la cacería hu-mana más leída en los últimos tiempos, En Llamas, del director

Francis Lawrence, muestra que segun-das partes pueden ser satisfactorias y sorprendentes, no sólo por lo que impli-ca la historia a contar, sino por el mismo elenco que la conforma. En esta ocasión, el toque fue bastante más dramático, por tratarse de lo que si-gue al “final feliz” de la victoria de los buenos sobre los malos: ¿Qué hacer con ese privilegio cuando vuelves a ca-sa, en donde todo sigue igual? Más aún, el peso de una farsa televisada cuando la realidad es una situación muy distinta. Decididamente la escritora Suzanne Collins, hace un retrato de la vida en un escenario y, luego de la maravillosa ex-periencia, muestra la situación tras bam-balinas, lo no ensayado, ruin y sucio que se puede encontrar ahí, completo reflejo de la sociedad imperialista estadouni-dense que se conforma con unos minu-tos de belleza, mismos que aspira a ob-tener, aunque sabe que le puede tomar toda una vida lograrlo, pero sin ver del to-do lo que hay fuera de cámara. Es así que ante el desafío que Katniss Everdeen lanza al Presidente Snow, al final de la primera película, este busca una nueva estrategia para borrar la sen-sación de esperanza y por ende, derro-camiento del régimen entre la gente de los distritos: se muestra entonces la lu-cha callada que se lleva a cabo en cada uno de ellos, al mostrarse simpatizantes ante el gesto de la supervivencia, pero también esperanzados en que sea un pie de lucha en contra de quienes les so-meten y restringen. Es curioso que en México y Latinoamérica este tipo de pelí-

Ya entrados en los dilemas por resol-ver en esta entrega, descubrimos la ra-zón por la cual los héroes y heroínas siempre van solos en su lucha: sus cui-tas mentales, la responsabilidad por quedar bien con cada persona que cono-cen, además de los movimientos o ac-ciones improvisadas que deben realizar sin esperar aprobación u ocasionar una pérdida de tiempo. Eso sí, nos queda claro que la motivación es la determina-ción porque los suyos estén bien, sin im-portar si la vida les va en ello. Es así que las pesadillas e insomnios de Katniss se presentan incluso desde la gira de la victoria e incrementan ya en los albores de los juegos. Si a ello aunamos la pre-sión por identificar a quiénes serán los verdaderos rivales, se intensifica la emo-ción por reconocer el siguiente paso. Como celebración extraordinaria que era, los vestuarios y la alta costura lucie-ron adecuadamente, incluso en Caeser Flickerman, quien ahora fue sorprendido al aire un par de veces, pero no por eso perdió la compostura ni su impecable sonrisa, brillante competencia de su tra-je. Nuevamente los trajes con fuego se esperaban en la entrada, pero el que realmente resultó impactante fue el de la presentación individual de Katniss, que le costaría la vida a su diseñador y amigo Cinna, descalabro adicional justo antes de comenzar la cacería. Ya en los retos dentro del domo, hubo sorpresas y ayuda inesperada, sin que por eso decayera el miedo. El hecho de que el cañón comenzara a sonar tan rá-pidamente logró suplir las escenas san-grientas o desagradables mientras los personajes se protegían de sus cazado-res. Esta vez fue más el sufrimiento por el drama de perder a los aliados, que el mismo enfrentamiento armado; es más, ciertos mandriles hicieron su labor de in-timidación en forma efectiva y estrecha-ron el lazo del grupo de sobrevivientes. La inserción de dos conocedores de cibernética mejora la estrategia: logran

identificar el algoritmo que impulsa las acciones y mueve las pruebas, de modo que surge una ventaja: vuelvo al punto de que no podía seguirse la misma diná-mica de la primera parte, pues en esta ocasión había gente experimentada y hábil. Por otro lado, la fuerza física y la inteligencia logran encaminar al equipo hacia la salida del domo, lo cual significa que pudieron sortear varios puntos, es-tableciendo un plan para contrarrestar el ataque por completo. Se rescata el hecho de que se marca un referente respecto a los juegos: ya hay vencedores que se convierten en ejemplos a seguir, porque tienen las cualidades y elementos necesarios para ser ídolos de las nuevas generaciones. El director nos manda un pequeño tele-grama entonces de lo que vendrá en una tercera parte, que necesariamente será la creación de una figura tan fuerte, que si muere se convertirá en mártir y si so-brevive será líder. Por supuesto va implí-cito el fenómeno de la imposición de ído-los y las modas que los medios masivos generan en un público heterogéneo, ba-sado sólo en lo que se muestra en una pantalla, sin buscar más información y sin notar la incoherencia de lo que signi-fica en un entorno diferente al presenta-do. Por supuesto, no hubo un final cerrado, sino la expectativa de la revolución inci-piente que se empieza a gestar, luego de los bombardeos a los distintos distritos y de la abrupta interrupción de los juegos. Seguramente la verdadera cacería dará inicio, pero ¿cuál será el papel que jue-guen los sobrevivientes del Distrito 12? Por supuesto que se espera mucha ac-ción, suspenso e incluso un final feliz, que necesariamente seguirá en llamas a causa del triángulo amoroso que debe resolverse, o bien, el verdadero tributo hacia el amor, no hacia un pueblo, al cual, en realidad, le importará bastante dicho desenlace. Esta historia continuará…

Ya entrados en los dilemas por resol-ver en esta entrega, descubrimos la ra-zón por la cual los héroes y heroínas siempre van solos en su lucha: sus cui-tas mentales, la responsabilidad por quedar bien con cada persona que cono-cen, además de los movimientos o ac-ciones improvisadas que deben realizar sin esperar aprobación u ocasionar una pérdida de tiempo. Eso sí, nos queda claro que la motivación es la determina-ción porque los suyos estén bien, sin im-portar si la vida les va en ello. Es así que las pesadillas e insomnios de Katniss se presentan incluso desde la gira de la victoria e incrementan ya en los albores de los juegos. Si a ello aunamos la pre-sión por identificar a quiénes serán los verdaderos rivales, se intensifica la emo-ción por reconocer el siguiente paso. Como celebración extraordinaria que era, los vestuarios y la alta costura lucie-ron adecuadamente, incluso en Caeser Flickerman, quien ahora fue sorprendido al aire un par de veces, pero no por eso perdió la compostura ni su impecable sonrisa, brillante competencia de su tra-je. Nuevamente los trajes con fuego se esperaban en la entrada, pero el que realmente resultó impactante fue el de la presentación individual de Katniss, que le costaría la vida a su diseñador y amigo Cinna, descalabro adicional justo antes de comenzar la cacería. Ya en los retos dentro del domo, hubo sorpresas y ayuda inesperada, sin que por eso decayera el miedo. El hecho de que el cañón comenzara a sonar tan rá-pidamente logró suplir las escenas san-grientas o desagradables mientras los personajes se protegían de sus cazado-res. Esta vez fue más el sufrimiento por el drama de perder a los aliados, que el mismo enfrentamiento armado; es más, ciertos mandriles hicieron su labor de in-timidación en forma efectiva y estrecha-ron el lazo del grupo de sobrevivientes. La inserción de dos conocedores de cibernética mejora la estrategia: logran

identificar el algoritmo que impulsa las acciones y mueve las pruebas, de modo que surge una ventaja: vuelvo al punto de que no podía seguirse la misma diná-mica de la primera parte, pues en esta ocasión había gente experimentada y hábil. Por otro lado, la fuerza física y la inteligencia logran encaminar al equipo hacia la salida del domo, lo cual significa que pudieron sortear varios puntos, es-tableciendo un plan para contrarrestar el ataque por completo. Se rescata el hecho de que se marca un referente respecto a los juegos: ya hay vencedores que se convierten en ejemplos a seguir, porque tienen las cualidades y elementos necesarios para ser ídolos de las nuevas generaciones. El director nos manda un pequeño tele-grama entonces de lo que vendrá en una tercera parte, que necesariamente será la creación de una figura tan fuerte, que si muere se convertirá en mártir y si so-brevive será líder. Por supuesto va implí-cito el fenómeno de la imposición de ído-los y las modas que los medios masivos generan en un público heterogéneo, ba-sado sólo en lo que se muestra en una pantalla, sin buscar más información y sin notar la incoherencia de lo que signi-fica en un entorno diferente al presenta-do. Por supuesto, no hubo un final cerrado, sino la expectativa de la revolución inci-piente que se empieza a gestar, luego de los bombardeos a los distintos distritos y de la abrupta interrupción de los juegos. Seguramente la verdadera cacería dará inicio, pero ¿cuál será el papel que jue-guen los sobrevivientes del Distrito 12? Por supuesto que se espera mucha ac-ción, suspenso e incluso un final feliz, que necesariamente seguirá en llamas a causa del triángulo amoroso que debe resolverse, o bien, el verdadero tributo hacia el amor, no hacia un pueblo, al cual, en realidad, le importará bastante dicho desenlace. Esta historia continuará…

Jay Baruchel llega a Los Angeles con la idea de pasar un fin de se-mana en casa de Seth Rogen fu-

mando mota y jugando videojuegos en su nueva pantalla 3D, pero el protago-nista de Ligeramente Embarazada tiene planes de llevárselo de fiesta a la casa de James Franco. Pero cuando a mitad de la fiesta, los dos amigos van a com-prar cigarros, el Día del Juicio Final se hace presente y varias celebridades convierten la casa de Franco en un refugio mientras esperan ser rescata-dos. Así, Rogen, Baruchel, Franco, acompañados de Jonah Hill, Danny McBride y Craig Robinson deben man-tenerse juntos y sobrevivir al fin del mun-do. This is the End es un juego irónico don-de los actores se interpretan a sí mismos y se burlan de todas las críticas que han recibido señalándoles que siempre se interpretan a sí mismos en sus películas, especialmente Seth Rogen, quien en esta ocasión no sólo protagoniza sino también dirige al lado del también cana-diense Evan Goldberg, quien prepara ya para el próximo año The Interview, su primera cinta dirigida en solitario.

La película, con una trama sencillísima llevada al extremo, es una colección de divertidísimos gags que serán la delicia de quienes disfruten este tipo de humor absurdo, guarro y estúpido. Los protago-nistas hacen gala de su indudable ta-lento cómico burlándose de sí mismos (y de muchos otros, Lindsay Lohan inclui-da -para no perder la costumbre), así co-mo de las películas tan tontas que prota-gonizan, incluso hay una escena donde Franco y Rogen discuten las ideas para una secuela de Pineapple Express... ¡Y la realizan mientras están sobreviviendo (bien pachecos, obviamente) al final de los días!. La cinta es entretenida de principio a fin, con algunos baches a medio camino que hacen que pierda ligeramente el rit-mo pero nada en extremo grave. Cuenta con varios cameos bastante ingeniosos (Emma Watson y Channing Tatum, los mejores) y varias secuencias con efec-tos especiales bastante buenas, espe-cialmente las del último tercio de la cinta. Mención honorífica se merece ese epílo-go celestial con una banda noventera que pone a bailar a todos en el Reino del Señor.

Metegol, dirigida por Juan José Campanella, sigue a Amadeo, un chico tímido inmerso perma-

nentemente en su propio mundo pambo-lero y jugando siempre al metegol (el 'fut-bolito', aquí en México), pero cuando a su pequeño pueblo regresa Grosso, un chico prepotente al que derrotó en el jue-go cuando eran niños y que ahora se ha convertido en una superestrella del ba-lompié (gracias a un engañoso mana-ger), Amadeo debe demostrar que no sólo es bueno en el juego a escala, sino también en la cancha. La primera película animada del ga-nador del Oscar en 2009 por El Secreto de sus Ojos como Mejor Película Ex-tranjera, abre con una extraordinaria e ingeniosa secuencia que emula a la de los monos (futuros humanos) de 2001: Odisea del espacio de Stanley Kubrick. En aquella legendaria escena, una de

las bestias lanza un fémur al aire, convir-tiéndose después en un satélite; aquí, es un cráneo el que es lanzado al espacio, convirtiéndose finalmente en un balón de futbol, y construyendo así una doble lectura: La pasión del hombre por el fut-bol, y la de Campanella por el séptimo arte. A partir de ahí, y con la ayuda de perso-najes entrañables como Amadeo, Lau-ra (el interés amoroso de nuestro prota-gonista), el 'Capi', el 'Beto' y el 'Loco' -en-tre otros-, el director argentino utiliza el universo del deporte más popular en el mundo para hablar de cosas un poquito más profundas que de once personajes corriendo detrás de una esfera; Metegol habla sobre las figuras mediáticas, la co-rrupción deportiva, el deporte como ne-gocio, la confianza, la amistad, el respe-to, el amor, pero sobre todo, de la pa-sión. Todo esto enmarcado bajo una

producción sobresaliente (ojo a las se-cuencias de acción en el tiradero de ba-sura -con ratas incluidas-), donde el nivel de animación en realidad no tiene nada que envidiarle a Pixar o DreamWorks, a exceptuar tal vez, que estos grandes estudios han sabido (o por lo menos sabían en un principio, a últimas fechas ya no se sabe) equilibrar sus películas para que sean disfrutables tanto por los niños como por los adultos. Metegol tampoco se salva de ciertos baches en el guión que hacen que la película se es-tanque un par de veces, y el cómo los personajes superan los obstáculos a ve-ces resultan un tanto inverosímiles o fue-ra de lugar; pero fuera de eso, la cinta en general funciona a la perfección como un producto de entretenimiento que de-muestra que se pueden hacer cosas de gran calidad en Latinoamérica.

Jay Baruchel llega a Los Angeles con la idea de pasar un fin de se-mana en casa de Seth Rogen fu-

mando mota y jugando videojuegos en su nueva pantalla 3D, pero el protago-nista de Ligeramente Embarazada tiene planes de llevárselo de fiesta a la casa de James Franco. Pero cuando a mitad de la fiesta, los dos amigos van a com-prar cigarros, el Día del Juicio Final se hace presente y varias celebridades convierten la casa de Franco en un refugio mientras esperan ser rescata-dos. Así, Rogen, Baruchel, Franco, acompañados de Jonah Hill, Danny McBride y Craig Robinson deben man-tenerse juntos y sobrevivir al fin del mun-do. This is the End es un juego irónico don-de los actores se interpretan a sí mismos y se burlan de todas las críticas que han recibido señalándoles que siempre se interpretan a sí mismos en sus películas, especialmente Seth Rogen, quien en esta ocasión no sólo protagoniza sino también dirige al lado del también cana-diense Evan Goldberg, quien prepara ya para el próximo año The Interview, su primera cinta dirigida en solitario.

La película, con una trama sencillísima llevada al extremo, es una colección de divertidísimos gags que serán la delicia de quienes disfruten este tipo de humor absurdo, guarro y estúpido. Los protago-nistas hacen gala de su indudable ta-lento cómico burlándose de sí mismos (y de muchos otros, Lindsay Lohan inclui-da -para no perder la costumbre), así co-mo de las películas tan tontas que prota-gonizan, incluso hay una escena donde Franco y Rogen discuten las ideas para una secuela de Pineapple Express... ¡Y la realizan mientras están sobreviviendo (bien pachecos, obviamente) al final de los días!. La cinta es entretenida de principio a fin, con algunos baches a medio camino que hacen que pierda ligeramente el rit-mo pero nada en extremo grave. Cuenta con varios cameos bastante ingeniosos (Emma Watson y Channing Tatum, los mejores) y varias secuencias con efec-tos especiales bastante buenas, espe-cialmente las del último tercio de la cinta. Mención honorífica se merece ese epílo-go celestial con una banda noventera que pone a bailar a todos en el Reino del Señor.

Metegol, dirigida por Juan José Campanella, sigue a Amadeo, un chico tímido inmerso perma-

nentemente en su propio mundo pambo-lero y jugando siempre al metegol (el 'fut-bolito', aquí en México), pero cuando a su pequeño pueblo regresa Grosso, un chico prepotente al que derrotó en el jue-go cuando eran niños y que ahora se ha convertido en una superestrella del ba-lompié (gracias a un engañoso mana-ger), Amadeo debe demostrar que no sólo es bueno en el juego a escala, sino también en la cancha. La primera película animada del ga-nador del Oscar en 2009 por El Secreto de sus Ojos como Mejor Película Ex-tranjera, abre con una extraordinaria e ingeniosa secuencia que emula a la de los monos (futuros humanos) de 2001: Odisea del espacio de Stanley Kubrick. En aquella legendaria escena, una de

las bestias lanza un fémur al aire, convir-tiéndose después en un satélite; aquí, es un cráneo el que es lanzado al espacio, convirtiéndose finalmente en un balón de futbol, y construyendo así una doble lectura: La pasión del hombre por el fut-bol, y la de Campanella por el séptimo arte. A partir de ahí, y con la ayuda de perso-najes entrañables como Amadeo, Lau-ra (el interés amoroso de nuestro prota-gonista), el 'Capi', el 'Beto' y el 'Loco' -en-tre otros-, el director argentino utiliza el universo del deporte más popular en el mundo para hablar de cosas un poquito más profundas que de once personajes corriendo detrás de una esfera; Metegol habla sobre las figuras mediáticas, la co-rrupción deportiva, el deporte como ne-gocio, la confianza, la amistad, el respe-to, el amor, pero sobre todo, de la pa-sión. Todo esto enmarcado bajo una

producción sobresaliente (ojo a las se-cuencias de acción en el tiradero de ba-sura -con ratas incluidas-), donde el nivel de animación en realidad no tiene nada que envidiarle a Pixar o DreamWorks, a exceptuar tal vez, que estos grandes estudios han sabido (o por lo menos sabían en un principio, a últimas fechas ya no se sabe) equilibrar sus películas para que sean disfrutables tanto por los niños como por los adultos. Metegol tampoco se salva de ciertos baches en el guión que hacen que la película se es-tanque un par de veces, y el cómo los personajes superan los obstáculos a ve-ces resultan un tanto inverosímiles o fue-ra de lugar; pero fuera de eso, la cinta en general funciona a la perfección como un producto de entretenimiento que de-muestra que se pueden hacer cosas de gran calidad en Latinoamérica.

Carrie

Durante mucho tiempo me he re-husado a cambiar algo de mi pa-sado. Las mujeres de mi familia,

desde hace incontables generaciones, han tenido el poder de viajar atrás en el tiempo y cambiar cosas a su convenien-cia, todas lo han hecho, y yo, yo nunca quise cambiar ningún momento… Hasta que te conocí. No es que no te aprecie, tampoco sig-nifica que nunca te quise sólo significa que mi vida sería más sencilla si tú nun-ca hubieras entrado en ella. Lo pensé durante muchas noches, ya había decidido volver al pasado y evitar nuestro encuentro pero… ¿Cuál? Hay tres momentos, tres instantes, en los que nuestras vidas se cruzaron, que nuestros caminos se unieron y los iba a evitar todos si era necesario.

PRIMER INSTANTE: La BibliotecaSi iba a cambiar el futuro de nosotros de-bía evitar que nos conociéramos en pri-mer lugar: Era mi primer año de Universidad, ha-bía elegido una carrera más por puro or-gullo de probar que podía hacerlo que por gusto, no era sorpresa que en el pri-mer año no tuviera ningún amigo. No to-maría el riesgo de conocerte y decidí ol-vidar el orgullo y elegir una carrera distin-ta, en una universidad lejana. Nunca entré a la clase de biología, nunca me senté a tu lado, no nos conoci-mos y no me reí de tus chistes tontos. Nunca me ayudaste a estudiar, ni nos

quedamos tarde en la biblioteca, no me prestaste tu chamarra y no me enamoré de ti. Después de mi primer viaje al pasado, volví al presente creyendo que todo es-taba solucionado, que nuestras vidas habían seguido cursos distintos pero se-guías en ella.

SEGUNDO INSTANTE: El DestinoCambiar sucesos del pasado es fácil, re-lativamente fácil, siempre y cuando el destino no esté involucrado. Cuando me mudé de casa de mis pa-dres, después de la Universidad, a una ciudad nueva, con vecinos nuevos y completamente distintos a los de mi anti-guo hogar. Los vecinos eran ruidosos, hacían fiestas cada dos días y no deja-ban dormir a nadie en la cuadra. Usual-mente no me molestaba por que traba-jaba hasta tarde pero un día estaba can-sada e intentaba dormir, había tenido un día horrible y estaba malhumorada ¿al-guien podría culparme por salir de la ca-sa en pijama hecha una furia a reclamar a los vecinos? Me llevé la sorpresa de mi vida al entrar a esa casa y encontrarte allí, de pie, mi-rándome. Eso es a lo que todos llaman destino. Después de un segundo viaje al pasa-do ese instante tampoco ocurrió, nunca me mude a la casa de al lado, nunca fui a esa fiesta. Pero al volver al presente se-guías en mi vida.

TERCER INSTANTE: La PromesaPor un momento dudé sobre volver al pasado de nuevo, estaba comenzando a creer que nuestras vidas no podían se-pararse, pero si no lo hacía me arrepen-tiría por siempre. Ultimo viaje: Volvería a cambiar el momento que lo decidió todo.Nunca acepté ese trabajo en la compa-ñía de tu familia, no pasábamos tanto tiempo juntos y no nos casaríamos. No diría “acepto” y nada de lo consiguiente pasaría. Pero como en los demás viajes, no fun-cionaron los cambios que hice en nues-tras vidas, porque al volver al presente todo estaba igual. Era prácticamente imposible que todos los cambios derivaran un futuro igual. No me podía resignar a dejar que las cosas continuaran de ese modo pero ya no te-nía nada que cambiar. No tenía más op-ciones que dejar que… No quería ser tu compañera de clase (nunca lo había sido), no quería ser tu vecina (nunca lo había sido), no quería ser tu esposa (nunca lo había sido) y todo seguía igual, seguía siendo la viuda.

Si hoy alguien me preguntara que cam-biaria de mi pasado si pudiera volver no cambiaría nada pero si volvería a vivir to-das esas contigo nuevamente.

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