bachiller el arte del cinquecento
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El arte del Cinquecento:
Alto Renacimiento y Manierismo
500, siglo XVI
Entre 1500 y 1520 el arte renacentista alcanza su máxima plenitud. Es la etapa llamada Alto Renacimiento.
La arquitectura, con Bramante y Miguel Ángel, sacrifica la ornamentación del período anterior y se centra en la escultura del edificio. En escultura aparecen nuevos valores, la grandiosidad y la monumentalidad, resumidas en la obra de Miguel Ángel. Sin embargo, es en la pintura donde se llega a uno de los momento de mayor equilibrio y armonía. Las principales figuras de este nuevo período son Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael.
La capitalidad del arte se traslada a Roma y más tarde a Venecia. La principal razón de ello es el impulso de los papas, que se constituyen en nuevos mecenas, dan al arte. Bajo los papados de Julio II, León X y Adriano VI se realizan algunos de los encargos más brillantes del Renacimiento, que tienen como gran protagonista a Miguel Ángel.
A partir de 1525 se empiezan a abandonar el equilibrio y la armonía de tendencia clásica. Las composiciones pierden la simetría, la proporción y la serenidad de las obras renacentistas, y la atención se centra en el decorativismo más que en la estructura forma de la obra. Ello anuncia la crisis del Renacimiento y el inicio del Manierismo.
ArquitecturaLas principales tipologías arquitectónicas desarrolladas en el Cinquecento fueron:El templo. Se plantearon sobre todo dos tipos, que ya habían surgido en el
Quattrocento.De planta centralizada cubierta con una cúpula. Fue la más utilizada por su
especial simbolismo, la unión del cuadrado de la planta (que representaba la Tierra) y las del círculo de la cúpula (el Cielo).
De planta de cruz. Simboliza la cruz de Cristo y se adaptaba mejor al culto católico, por lo que fue potenciada por la Contrarreforma y difundida por los jesuitas. El crucero se cubría con una cúpula.
El palacio urbano. Mantuvo la estructura del Quattrocento, compuesta por cuatro crujías abiertas con arquerías a un patio cuadrado. En el siglo XVI, la búsqueda de la monumentalidad llevó a la construcción de imponentes fachadas, pero sin dejar de mostrar la armonía entre todos sus elementos.
La villa. Adquirió gran importancia encontrando su precedente en las villas del mundo romano diseñadas para el control por parte del terrateniente de su explotación agraria. En el siglo XVI se convirtieron en casas campestres para el descanso. En estos edificios, de menores dimensiones que los palacios, también se buscaba la monumentalidad.
Bramante (1444-1514)
Fue el arquitecto más destacado de los inicios del Cinquecento. Si Florencia había sido el centro artístico italiano del siglo XV, Roma es el núcleo más importante del siglo XVI.
Se interesa por los problemas de geometrismo, perspectiva, simplicidad, que van a caracterizar la arquitectura del siglo XVI.
Decidió buscar la monumentalidad y evitar el exceso decorativo en sus edificios.
Superintendente general de todas las construcciones papales, proyectó la unión de los palacios vaticanos con la villa de Inocencio VIII mediante el patio del Belvedere y dio comienzo a los trabajos para el nuevo San Pedro, de planta central con cruz griega dominada por una inmensa cúpula.
Tuvo como herederos y continuadores a algunos de los mayores artistas de su tiempo: Rafael, Antonio da Sangallo el Joven, Sansovino.
La primera obra en la que se apreció el cambio fue el templete de San Pietro in Montorio.
Fue encargado por los Reyes Católicos para conmemorar la Toma de Granada en 1492, levantándose en el lugar donde según la tradición fue martirizado San Pedro.
Esta obra se tiene como el manifiesto de la arquitectura del clasicismo renacentista, dada su pureza de líneas y austeridad decorativa. Se puede apreciar que, si bien utiliza elementos del clasicismo grecorromano, es una reinterpretación o actualización del mismo: no es simplemente “recuperación”, es una interpretación.
El templete fue realizado en granito, mármol travertino, con acabados de estuco y revoco.
San Pietro in Montorio.
Alzado y planta del templete
San Pietro in Montorio
• La edificación es de planta circular, e imita a los martyria orientales, pues de hecho es un martyrium.
• El templete se levanta sobre una escalinata seguida de un corto podio sobre el que se eleva la columnata o peristilo que envuelve a la cella. Ésta está cubierta por una cúpula semiesférica.
• El muro de la cella, con dos cuerpos, tiene un muro exterior decorado con nichos de remate semicircular, de concha de venera, que alternan con vanos adintelados para las puertas y las ventanas, separados por pilastras, cada una de las cuales se corresponde con una de las columnas del peristilo.
• La planta circular imprime ritmo al edificio, tanto al exterior como al interior: partiendo de la disposición de tres puertas y el altar, situados en los extremos de dos ejes de la planta circular, que se cruzan perpendicularmente, cada paño de muro situado entre dos puertas está ornado a su vez mediante un vano (ventana central flanqueada por dos nichos).
• Bramante parte de un módulo que no es una medida sino una forma: el cilindro, pues cilíndricas son las columnas, pórtico, balaustrada, cella y tambor.
San Pietro in Montorio.
Detalle del módulo inferior: la escalinata y el podium, las columnas del peristilo (aquí las dos anteriores a la puerta de entrada de la cella), la puerta con dos hornacinas y las pilastras que enmarcan las ventanas. Las columnas son de estilo toscano (el dórico no tiene basa).
El entablamento circular que recorre toda la cella y divide en dos cuerpos el templete se compone de “metopas” (decoradas) y triglifos.
Sobre la puerta, la placa que señala a los donantes como “reyes de España”.
San Pietro in Montorio.
La obra principal de Bramante fue el proyecto de San Pedro del Vaticano, encargado por el papa Julio II. La nueva iglesia que sustituiría a la basílica paleocristiana y que sería la imagen de Roma, se planteó como un edificio de planta de cruz griega, con cuatro ábsides y el crucero cubierto por una gran cúpula. En los cuatro ángulos de la cruz, cuatro capillas generaban una planta casi cuadrada y sin fachada principal.
San Pedro del Vaticano.
Basílica de San Pedro, Roma (proyecto).Planta de cruz griega con ábsides terminales en los cuatro brazos,gran cúpula en el crucero y otras cuatro más pequeñas entre losbrazos de la cruz.Cuatro torres en los ángulos.
Rafael (1483-1420)
El papa Julio II falleció en 1514 y Bramante al año siguiente. El nuevo pontífice, León X, designó como arquitecto de las obras de San Pedro a Rafael, que planteó convertir el proyecto en una iglesia basilical que no llegó a realizarse. El proyecto pasó a manos de Antonio da Sangallo el Joven (1475-1546) que mantuvo la idea de planta basilical.
Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564)Escultor
Pintor
ArquitectoArquitecto
Miguel Ángel (1475-1564)
Fue arquitecto, pintor y escultor. Su especial atracción por la escultura le hizo dar prioridad en sus edificios al volumen. Adelantó los rasgos manieristas, como el uso del orden gigante.
En 1546, Miguel Ángel, que tiene 72 años, recibe el encargo por parte del papa de continuar la obra de la basílica de san Pedro del Vaticano que había iniciado Bramante y que había sido continuada por Rafael de Sanzio y por Sangallo. Tras los intentos de Rafael de hacer una planta de cruz latina, Miguel Ángel vuelve a la idea primitiva de plan central en forma de cruz griega con una cúpula en el centro. Pero modifica el esquema de Bramante. Reduce las esquinas del cuadrado para que las áreas más pequeñas puedan recibir luz directa. Magnifica la cúpula y la dota de un perfil más elevado. Suprime las torres de las cuatro esquinas, con lo que la cúpula toma una mayor prestancia. No hay que olvidar el sentido platónico de la cúpula como imagen de la perfección de Dios. De las cuatro puertas de Bramante se pasa a una sola.
San Pedro del Vaticano.
San Pedro, Roma, 1546.Planta de cruz griega.Eleva la monumental cúpulasobre un tambor circular.Columnas pareadas y ventanascon alternancia de frontonesrectos y curvos.Supresión de las torres.Cabecera exterior con grandespilastras pareadas.
Biblioteca Laurenciana.En Florencia, donde comenzó su actividad logró colocar una escalera colosal en un espacio muy reducido y de gran altura, y cuyos escalones alterna líneas curvas y rectas. Articuló las pareces de forma monumental a modo de fachada.
Plaza del Capitolio.En Roma, por encargo del papa Paulo III, diseñó la remodelación de la plaza del Capitolio, centro histórico de la antigua Roma. Buscó los efectos de sorpresa y la perspectiva, y en su centro instaló la estatua ecuestre del emperador Marco Aurelio.
Marco Aurelio , emperador desde 161 a 180. La estatua en bronce data del año 176.
Vignola (1507-1573)
Jacopo Barozzi, nacido en Vignola. Fue arquitecto y tratadista, inmerso en la estética manierista. Su tratado de arquitectura Regole dei Cinque ordini dell’architecture civile, tuvo gran difusión.
San Francisco de Borja le encargó la iglesia madre de los jesuitas en Roma. En la Iglesia del Gesú se buscaba el sentido práctico y la adaptación a las ideas del Concilio de Trento. Se inspiró en la iglesia de San Andrés de Mantua de Alberti.
Estableció una planta de cruz latina de una sola nave con una bóveda de cañón y capillas laterales. Cubrió el crucero con una cúpula de amplias ventanas.
Las demás iglesias jesuíticas tendrán este modelo.
I glesia del Gesú 1568
Iglesia del Gesú.Roma, 1568.
I glesia del Gesú 1568
Vignola no pudo terminar la fachada que
fue encarcargada por Giacomo della Porta (1537-1601). Éste dispuso un cuerpo inferior como un arco de triunfo con pilastras y columnas adosadas, y uno superior más estrecho rematado por un frontón irregular. La diferencia de anchura entre ambos cuerpos la solucionó con un alerón a modo de voluta en los ángulos.
Giacomo DELLA PORTA
Último representantedel clasicismo en Roma.
Fachada del Gesú.Amplio cuerpo bajo y un segundo cuerpo, más estrecho, con dos aletones laterales, y cerrado todo por un frontón.
Jacobo Barozzi di VI GNOLA
Villa Julia. Roma, 1550. Mandada construir por Julio III. Hoy sede del Museo Etrusco.
Villa Julia: encargada por el Papa Julio III.
Antonio da SANGALLO, el Joven (1483-1546)
Palacio Farnesio, 1515, Roma.Alternancia de frontones triangulares y curvos.Sustituyó a Bramante en la construcción de San Pedro a partir de 1520.
Jacopo SANSOVI NO (1477-1570)
Trabaja en Venecia.Arquitectura solemney rica.Junta la diafanidadveneciana con la incorporación deelementos escultóricos y la superposición de órdenes clásicos.
Biblioteca Marciana.Venecia.
Vista de la Biblioteca desde el Palacio Ducal, con la columna de San Teodoro.
Andrea Palladio (1508-1580)
En Venecia destacó Palladio. Nacido en Padua se formó en Roma, donde conoció la arquitectura clásica. Redactó un tratado de gran difusión llamado Los cuatro libros de la arquitectura. Está influido por Vitrubio y por Alberti. Utiliza todos los órdenes clásicos, a veces de orden gigante.
Andrea PALLADI O
Basílica de Vicenza (Véneto). 1542.Utiliza el arco serliano (llamado luego palladiano o venceciano) que difundió Sebastián Serlio, consiste en un arco de medio punto flanqueado por dos vanos adintelados.
Serliana es el recurso compositivo que consiste en dividir un hueco en tres partes, simétricamente, de manera que la parte central queda cubierta por un arco y es de mayor amplitud que las dos laterales, que se cubren mediante dinteles.
Sigue los esquemas de Sansovino.Edificio medieval rodeado de pórticos.Repite el motivo de arco entre dinteles: “motivo palladiano”.
El edificio fue originalmente construido en el siglo XV y era el Palazzo della Ragione de la ciudad, la sede del gobierno ciudadano y de los tribunales. Cuando parte del mismo se vino abajo en el siglo XVI, un consejo de cien personas entre las que se encontraban numerosos arquitectos designó a Andrea Palladio. Palladio añadió un nuevo armazón exterior de marmol, una logia y un pórtico que ahora oscurecen en original diseño gótico de la basílica.
Andrea PALLADI O
El Teatro Olímpico en el que recreó un teatro romano e hizo un verdadero prodigio en la aplicación de elementos de perspectiva.
Teatro Olímpico de Vicenza.Resucita el modelo romano a través de Vitruvio.
Villa Capra, La Rotonda. Vicenza, 1550.
Villa Capra, conocida como La Rotonda, construida con planta central o de cruz griega, con cuatro ingresos,con frontones y columnas jónicas.Gran salón circular en el centro.
Interior de la Villa Capra, con frescos de Ludovico Dorigny.
La Rotonda vista desde el camino posterior
San Giorgio Maggiore, Venecia, 1560.
El Redentor,Venecia, 1580.
Modo personal de resolverlas fachadas coronadas porfrontones incrustadosunos en otros.Plantas complejas queintegran también lolongitudinal y losespacios centrales.
Escultura En Roma los escultores
entraron en contacto con las obras clásicas como con el Apolo de Belvedere o con el Laoconte helenístico, cuya aparición, en 1506 y fue adquirida por el papa Julio II, causó una gran conmoción.
Características El antropocentismo y el consecuente interés por
mostrar la belleza del cuerpo humano llevaron a dar una gran importancia al desnudo, que se convirtió en uno de los principales temas.
Según avanzó el manierismo, la escultura adquirió mayor fuerza expresiva, lo que se manifestaba en la gesticulación y el ímpetu de los movimientos y las posturas, que pretendían reflejar la potencia de las pasiones humanas. Fue especialmente característico el retorcimiento helicoidal de la figura humana (figura serpertina).
El material más utilizado fue el mármol, pero también tuvo importante desarrollo el bronce.
Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564)
Pintor
Arquitecto
Escultor
Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564)
Tuvo a la escultura como su arte predilecta. En ella expresó toda su fuerza interior y su espíritu apasionado. Desde sus comienzos hasta 1505 se consideraba su etapa de juventud, y desde ahí su etapa de madurez.
Virgen de la escalera (1489). Conservada en la casa de Bounarroti de Florencia. Utiliza la técnica del sciacciato, aprendida de Donatello.
En San Pedro del Vaticano está la Piedad (1495-1501), que se considera una obra clasicista. Se aprecia la composición triangular.
Los rostros a pesar del dramatismo del momento no muestran gran dolor. La Virgen dirige su mirada hacia su hijo muerto, aceptando el hecho como algo necesario y ajeno a su voluntad.
David (1501) Moisés (1505-1513)
Capilla de los Médicis en San Lorenzo de Florencia. Sepulcros de Giuliano (izquierda) aparece como una persona altiva, en relación a su actividad militar, flanqueado por el Día y la Noche, y Lorenzo (derecha), pensativo, acompañado por el Crepúsculo y la Aurora.
La Piedad Rondanini. Una de las obras finales de Bounarroti. Cambia la tradicional manera de representar este tema mostrándolo de pie. Las texturas sin pulir, los contornos sin acabar, el peso del cuerpo de Jesús, la postura retorcida y el alejamiento radical del naturalismo son ejemplos de un estilo que más allá de manierismo, adelanta el expresionismo contemporáneo.
Benvenuto Cellini (1500-1571) En la segunda mitad del siglo
XVI hubo una interesante producción escultórica llevada a cabo por artistas que recibieron la influencia de Miguel Ángel y cuyas formas estéticas quedaron encuadradas en el manierismo, como Benvenuto Cellini, de quién destaca la escultura de Perseo con la cabeza de Medusa, en Florencia.
Giambologna (Juan de Bolonia
1529-1608) Es franco-flamenco. Utilizó diversos materiales. En
bronce realizó su Mercurio volador, del Museo Bargello (1564) en el que hizo un verdadero alarde de equilibrio de la figura. En mármol, el Rapto de las sabinas, de la Loggia dei Lanzi (1583), donde los cánones de belleza clásica se conjugaron con el movimiento, las postura contrapuestas y una enorme fuerza interior.
Tanto en el Rapto de las sabinas como en su Mercurio, Giambologna da a sus figuras el movimiento y la ruptura del equilibrio característicos del manierismo.
PinturaEn el Alto Renacimiento:• El marco arquitectónico pierde importancia. La pintura se independiza.• Composiciones en una sola escena. De esquemas triangulares.• Abandono progresivo de los contornos muy definidos por las figuras.• Preocupación por el movimientos y la luz. El tratamiento de la luz es más real, de tal
modo que se incluyen matices que hacen diferenciar los distintos momentos del día. Este hecho da lugar a un mayor estudio de las sombras.
• Búsqueda de la belleza ideal y se mantiene el orden, la simetría, el equilibrio y la serenidad en las obras.
En el Manierismo todos estos postulados cambiarán para dar paso a una forma nueva de entender la pintura:
• Reacción anticlásica: la belleza, la armonía y unidad se sustituyen por tensión, desequilibrio, inestabilidad y ruptura.
• Figuras estilizadas, de cánones alargados, que presentan exagerados escorzos, dando sensación de inestabilidad.
• Formas curvas y ondulantes que cubren el plano, negando la profundidad del espacio.
• Una gama cromática muy rica, que aporta a la obra un aspecto más decorativo que plástico. Se utiliza una paleta de tonalidades frías, que no siempre corresponde con la realidad de los objetos representados.
• Las composiciones están formadas por diversos ejes, generalmente diagonales.
Leonardo da Vinci (1452-1519)
Autorretrato El hombre de Vitrubio
Leonardo fue el prototipo de hombre humanista renacentista, artista polifacético, científico dotado de un conocimiento casi universal (ingeniería, anatomía, botánica, arquitectura, filosofía…). Escribió un Tratado de la pintura y, aunque no dejó muchas obras, su aportación a la historia de la pintura fue trascendental: introdujo el sfumato (esfumado), técnica que difumina los contornos logrando un mayor naturalismo y dando paso a la perspectiva aérea (simula el efecto atmosférico que la luz ejerce sobre los objetos, dependiendo de donde se encuentren situados, representándose los más alejados de forma menos nítida que los cercanos).
Leonardo da Vinci nació en Vinci (Italia) en 1459. A los 14 años (1463 aprox.) entró en el prestigioso taller del pintor florentino Andrea Verrochio, donde estudió junto a Sandro Botticelli y Perugino. Desarrolló el estudio de las matemáticas, la geometría, la perspectiva y todas las ciencias de la observación del medio natural, las cuales se consideraban indispensables en la época. Como educación complementaria, también estudió arquitectura e ingeniería. Leonardo fue un humanista renacentista, destacado en múltiples disciplinas. Sirvió a personas tan distintas e influyentes como Lorenzo de Médici, al duque de Sforza, a los soberanos de Mantua y al rey Francisco I de Francia.Entre sus obras más destacadas están La Virgen de las Rocas, La batalla de Anghiari, La Gioconda y por supuesto, La última cena.
“No hay artista más legendario que Leonardo da Vinci. En toda la historia del Arte, ningún otro nombre ha generado más debates, más discusiones y más horas de estudio que el genio nacido en Vinci en 1452. Pintor, escultor, arquitecto, científico e investigador, la figura de Leonardo ha generado multitud de leyendas, mitos, rumores sobre su homosexualidad, sobre su pertenencia o no a infinidad de logias o sectas, las extrañas historias sobre su estancia en el estudio de Verrocchio, o su al parecer extraña relación con varias de sus modelos -derivado al parecer de su ya comentada presunta homosexualidad- forman la larga lista de mitología leonardesca de la que el éxito de El código da Vinci es sólo su más reciente ejemplo” (por G. Fernández - theartwolf.com)
Museo del Louvre, París.Óleo sobre lienzo 199 cm × 122 cm.
National Gallery, Londres.óleo sobre tabla, 189,5 × 120 cm.,
La Virgen de las Rocas es un nombre usado para denominar dos cuadros de Leonardo da Vinci pintados con idéntica técnica pictórica de óleo sobre lienzo. La versión del Museo del Louvre (que se cree fue la primera) fue transferida a lienzo desde el panel original de madera, pero la que se conserva en Londres aún permanece sobre tabla.
La Última Cena (en italiano, Il cenacolo o L’ultima cena) es una pintura mural original de Leonardo da Vinci ejecutada entre 1495 y 1497/8, se encuentra en la pared sobre la que se pintó originariamente, en el refectorio del convento dominico de Santa María de las Gracias en Milán (Italia). La pintura fue elaborada, para su patrón, el duque Ludovico Sforza de Milán. No es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. Mide 460 cm. de alto por 880 cm. de ancho. Para muchos expertos e historiadores del arte, La Última Cena de Leonardo es considerada como la mejor obra pictórica del mundo.
Leonardo creó La Última Cena, su mejor obra, la más serena y alejada del mundo temporal, durante esos años característicos por los conflictos bélicos, las intrigas, las preocupaciones y las calamidades. Se cree que en 1494 el duque de Milán Ludovico Sforza, llamado "el Moro" encargó a Leonardo la realización de un fresco para el refectorio de la iglesia dominica de Santa Maria delle Grazie, Milán. Ello explicaría las insignias ducales que hay pintadas en las tres lunetas superiores.
Técnicamente no se puede afirmar que sea un fresco, ya que este sistema le parecía a Leonardo muy precipitado. Esto le llevó a pintar con óleo sobre el yeso seco, técnica experimental que provocaría un rapidísimo deterioro de La Última cena, provocando numerosas restauraciones.
Varias inundaciones acaecidas en Milán contribuyeron al deterioro de la obra. La incorporación de una puerta en la sala en 1652, cercenó los pies de varios personajes del mural. En 1797 un ejercito francés utilizó la sala como establo deteriorando la obra aún más. En 1943 los bombardeos aliados pusieron su grano de arena en el progresivo deterioro de la obra. En 1977 se inició un programa de restauración y conservación que mejoró en gran medida el mural. No obstante gran parte de la superficie original se ha perdido.
La pintura refleja el momento de la última cena en el que Jesús anuncia que entre los discípulos hay un traidor. Se forman cuatro grupos de tres personajes donde cada uno plasma una emoción humana: estupor, ira, miedo... Es sabido que Leonardo utilizó personas reales como modelos para los personajes del mural. Incluso se retrató a sí mismo el segundo empezando por la derecha como se puede ver en la imagen. Esto es lo que cuenta Mateo Bandello, novicio del convento sobre la ejecución de La Última Cena:"Llegaba bastante temprano, se subía al andamio y se ponía a trabajar. A veces permanecía sin soltar el pincel desde el alba hasta la caída de la tarde, pintando sin cesar y olvidándose de comer y beber. Otras veces no tocaba el pincel durante dos, tres o cuatro días, pero se pasaba varias horas delante de la obra, con los brazos cruzados, examinando y sopesando en silencio las figuras. También recuerdo que en cierta ocasión, a mediodía, cuando el sol estaba en su cenit, abandonó con premura la Corte Vecchia, donde estaba trabajando en su soberbio caballo de barro, y, sin cuidarse de buscar la sombra, vino directamente a Santa Maria delle Grazie, se encaramó al andamio, cogió el pincel, dio una o dos pinceladas y se fue“.
Gioconda o Mona Lisa Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1506, y retocado varias veces por el autor. La técnica usada fue el sfumato, procedimiento muy característico de Leonardo. El esfumado (del italiano sfumato) es un efecto vaporoso que se obtiene por la superposición de varias capas de pintura extremadamente delicadas, proporcionando a la composición unos contornos imprecisos, así como un aspecto de vaguedad y lejanía. Se utiliza para dar una impresión de profundidad en los cuadros del renacimiento. Este efecto hace que los tonos se difuminen hasta valores más oscuros como en la Mona Lisa.
Rafael Sanzio de Urbino (1483-1520)
Es conocido como el pintor que mejor representó el clasicismo. Hijo de pintor y escritor, heredó de su padre los ideales humanistas. A lo largo de su vida consiguió en sus obras la anhelada asimilación del mundo pagano y el cristianismo.
Nació en Urbino donde se formó con Perugino, como se observa en una de las obras iniciales de Rafael, Los desposorios de la Virgen, que reflejan la influencia de su maestro.
Perugino Rafael
Entre 1504 y 1508 tuvo su etapa florentina. Allí recibió la influencia de Leonardo y Miguel Ángel, como muestran sus composiciones triangulares y el sfumato en sus Madonas y en las Sagradas Familias
La bella jardinera (1507).
El triunfo de Galatea (1511).
Retrato de quien se supone es Isabel de Aragón, elaborado por Rafael Sanzio. Galería Doria, Roma. Aquí se muestra la influencia de Leonardo, sobre todo del retrato de la Gioconda.
En 1508 llega a Roma llamado por el papa Julio II. Allí recibió de nuevo la influencia de Miguel Ángel en cuanto a monumentalidad, pero su estética clasicista hace que su obras sean más expresivas y de mayor fuerza interior.
Se aprecia esta evolución en los frescos de las estancias vaticanas.
Las pinturas se suelen subordinar al marco arquitectónicos. Se caracterizan por un perfecto equilibrio y por la consecución de una belleza idealizada y una estudiada composición simétrica desarrollada en los amplios espacios.
Representan temas como la filosofía en La Escuela de Atenas; la religión, en La Disputa del Sacramento; o la poesía, con El Parnaso.
Disputa del Sacramento, 1509,
Expulsión de Heliodoro del templo
Encuentro del papa León el Grande con Atila
Incendio del Borgo sofocado por León IV, 1514
La batalla de Constantino contra Majencio o Batalla del Puente Milvio , es un fresco en una de las habitaciones que hoy son conocidas como Stanze di Raffaello, en el Vaticano. Se aprecia la evolución desde el más puro clasicismo hasta el movimiento, la tensión y la torsión provocados por la influencia de Miguel Ángel.
Rafael murió a los 37 años luego de que se enfermara, el 6 de abril del 1520 el día de su cumpleaños. Sus restos reposan en El Pantheón en Roma y sobre su tumba yace este epitafio: "Aquí yace Rafael, del cual la naturaleza temía ser vencida mientras era vivo, mas ahora que es muerto, teme morir".
Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564)
EscultorPintor
Arquitecto
Pintor
Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564)
Al ser escultor, Miguel Ángel da
importancia al dibujo y utiliza el color como auxiliar con el fin de dar volumen a los cuerpos. Estos tomaron apariencia de esculturas, especialmente los desnudos, como los de la Capilla Sixtina (1508-1512), encargo de Julio II.
Realizó una trama arquitectónica ficticia para distribuir pasajes del Génesis, junto a ellos ignudi (muchachos desnudos), profetas y sibilas.
Años más tarde, Clemente VII le encargó en la misma capilla el fresco para el muro de la cabecera con el tema del Juicio Final (1533-1541). Refleja la transformación espiritual del artista (angustia y desesperación).
Escuela veneciana Venecia fue el único centro artístico capaz de rivalizar
con Roma. En el siglo XV se sentaron las bases de la Escuela Veneciana, caracterizada por el predominio del color en detrimento del dibujo y por acompañar a las pinturas con un paisaje de fondo que ilumina las escenas:– Se plasmaba un mundo alegre enmarcado en escenarios
lujosos.– Se representaba una atmósfera luminosa y llena de color.– Las técnicas más utilizadas eran la pincelada suelta y el
sfumato.– Se introdujo un tipo de desnudo femenino delicado y
sensual.
Discípulo de Bellini, supuso un tránsito al nuevo siglo. Implanta una técnica nueva con pinceladas sueltas y desenfada al pintar directamente sobre tabla o lienzo, abandonando el boceto.
Giorgione (1478-1510)
La Tempestad, 1508
Utiliza el sfumato y dio importancia a luz y el color. Introdujo la temática de la diosa Venus recostada desnuda, de forma muy sensual. Representó figuras desnudas de apariencia mitológica mezcladas con otras vestidas a la moda del siglo XVI, sin temática concreta que justificara los desnudos, como en el Concierto campestre.
La Venus dormida, 1510
El concierto campestre,1510. Antecedente del Desayuno en la hierba de Manet, 1863.
Pintor cortesano de fama internacional, desarrolló tanto la temática pagana como la religiosa. Se formó también en el Taller de los Bellini y posteriormente con Giorgione, pero desarrolló un estilo muy personal.
Tiziano Vencelio (1488-1576)
Pronto abandonó el dibujo y la pincelada detallista, para utiliza la pincelada suelta, casi abocetada, de marcada modernidad, en la que llegó a sustituir los pinceles por los dedos. Su gran producción de obras puede agruparse en tres géneros:• Religiosas: destaca la Virgen de Pésaro, contrasta con la Coronación de
espinas de los últimos tiempos, más dinámica y pincelada muy suelta.• Retratos: destaca el Emperador Carlos V, a caballo, en Mühlberg. La armadura
y elegancia del caballo dan al emperado la imagen de vencedor en medio de un ambiente de penumbra y misterio.
• Mitológicos: Sobresalen los desnudos femeninos, bañados de luz suave que modela los cuerpos.
Amor profano y amor sacro. 1515-1516. Representa una escena con una doncella vestida lujosamente (probablemente de novia) sentada junto a Cupido y siendo asistida por la diosa Venus. Varios detalles sugieren que la mujer es posiblemente una novia: su pelo suelto decorado con una corona de mirto (planta sagrada de Venus), el velo transparente sobre sus hombros, las rosas en su mano derecha, y el cinturón (símbolo de la castidad). La figura vestida sujeta en sus manos una vasija llena de oro y gemas, que simboliza la efímera felicidad de la Tierra y la diosa, desnuda, sostiene una lamparilla con la llama ardiendo de Dios que simboliza la felicidad eterna del Cielo. Es una escena alegórica influida por la concepción neoplatónica renacentista, según la cual la belleza terrenal es un reflejo de la belleza celestial y su contemplación es un preludio de su consecución ultraterrena.
La Bacanal, 1518-19
Venus recreándose con la música.
Venus de Urbino, 1538. Influido por Giorgione, precursor de Manet en su Olimpia.
Dánae recibiendo la lluvia de oro, 1553.
El rapto de Europa, 1559-62. Luego sería copaiado por Rubens.
Paolo Caliari, conocido como el Veronés por su población natal, es autor de grandes composiciones pictóricas donde se representa al riqueza y el lujo de la sociedad veneciana, a las que se suma el gusto por lo anecdótico y lo exótico. Utiliza amplios escenarios con arquitecturas inspiradas en Palladio que luego sustituirá por paisajes naturales. Sus temas son en general religiosos, pero rodeados de múltiples personajes y a veces los principales personajes se pierden.
Predominan en sus obras ricos colores con tonos fríos y claros.
Veronés (1528-1594)
Las bodas de Caná, 1562.
Cena en casa de Leví.
Tintoretto (1518-1594)
Jocopo Robusti, el Tintoretto por la profesión de su padre. Combinó el gusto por la luz y el color veneciano con rasgos manieristas, que reflejan la influencia de Miguel Ángel. De él adoptó la expresividad y las actitudes violentas, las posturas forzadas y la fuerza del volumen. Exagera las composiciones diagonales en espacios de gran fondo, creando perspectivas y escorzos artificiales.
Susana y los viejos, 1560-65.
• La leyenda del dragón relacionada con el santo Jorge de Capadocia. Un dragón hace un nido en la fuente que provee de agua a una ciudad. Como consecuencia, los ciudadanos debían apartar diariamente el dragón de la fuente para conseguir agua, lo que conseguían mediante la ofrenda de un sacrificio humano que se decidía al azar entre los habitantes. Un día resultó seleccionada la hija del rey. Cuando estaba a punto de ser devorada por el dragón, aparece San Jorge, oficial romano en Capadocia, se enfrenta con el dragón, lo mata y salva a la princesa. Los agradecidos ciudadanos abandonan el paganismo y abrazan el cristianismo.
• La batalla entre San Jorge y el Dragón simbolizaba la lucha entre el bien y el mal, con triunfo del primero.
• Domina la composición la figura de la princesa en el primer plano. Mira hacia atrás, atrayendo con su mirada la del espectador hasta la figura de san Jorge que lucha con el dragón y el mar al fondo.
• El tema está tratado de forma muy diferente a las representaciones anteriores, con un gran dinamismo entre las direcciones opuestas de la princesa, que parece que va a salir por el lado inferior derecho del cuadro, y la dirección del caballero, hacia la izquierda. Se trataría de una composición centrífuga, en zigzag, opuesta al estilo del Alto Renacimiento y que acerca la obra al barroco.
• Hay cierta teatralidad en la escena, muy al gusto de la nobleza veneciana como puede verse en el viento que azota la capa de la princesa y en la aparición en lo alto de Dios Padre bendiciendo la victoria del santo sobre el dragón.
• Inusual es también la presencia de un cadáver con los brazos extendidos, en la postura de Jesucristo crucificado, puesto que no aparece en las representaciones tradicionales de san Jorge.Se cree que con ello pretende establecer un paralelismo entre san Jorge vencedor del mal y Jesucristo
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Pintura manierista: Correggio y Parmigianino.
Antonio Allegri (1489-1534), conocido por su pueblo natal, Correggio. Pintor de delicada sensualidad. Entre 1520 y 1523 realizó la decoración de la cúpula de la iglesia de San Juan Evangelista de Parma, donde combinó la utilización de la perspectiva y la creación de espacios dinámicos, lo que lo sitúa cerca de los planteamientos del siglo XVII. Se anticipa también en los claroscuros, contrastes de efectos de luces y sombras. Destacan Los amores de Ío y Júpiter (o Zeus) y Dánae.
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Parmigianinio (1503-1540), Firolamo F. Mazzola, llamado Parmigianino. Fue discípulo de Correggio. Sus obras se caracterizan por desvirtuar las proporciones humanas con un canon alargado de las figuras y por crear ambientes fantásticos mediante la aplicación de una luz irracional y la utilización arbitraria de los colores, tal como se aprecia en la Madona del cuello largo, en Florencia.
Sofonisba Anguissola (1532-1625)Sofonisba Anguissola nació en Cremona (Italia). Era la
mayor de siete hermanos, seis de los cuales eran niñas. Su padre, Amilcare Anguissola, era miembro de la baja nobleza genovesa. Su madre, de familia influyente.
Durante las cuatro generaciones anteriores, la familia tuvo una estrecha conexión con la historia antigua de Cartago, por lo que nombraron a su progenie en honor del gran general Aníbal, llamando a su hija como la trágica protagonista cartaginesa Sofonisba.
En el invierno de 1559-1560 Sofonisba llega a Madrid para convertirse en pintora de la corte además de dama de compañía de la nueva reina Isabel de Valois, tercera esposa del rey. Enseguida se ganó la estima y confianza de la joven reina. Durante este tiempo, trabajó estrechamente con Alonso Sánchez Coello.
Anguissola pasó los años siguientes pintando sobre todo retratos de corte oficiales, incluyendo los de la reina y otros miembros de la familia real.
Retrato de Felipe II, tradicionalmente atribuído a Sánchez Coello y que ahora se asigna a Sofonisba.
Isabel de Valois, tercera esposa de Felipe II. Infantas Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela, Hijas de Felipe II e Isabel de Valois.
Bernardino Campi
Historia del Arte
Bachillerato smAna María Arias de CossíoJesús Cantera MontenegroFernando de Ologuer-Feliú AlonsoJosé Luis Sánchez Noriega
Pps realizado por María del Pilar González LópezIES Vallé-Inclán
2
Historia del Arte 2 Bachillerato
Proyecto La Casa de Saber
Santillana
Carmen Aguilar DíazAlbert Ferrer Orts
Mª José López AzorínBeatriu Navarro Buenaventura
PPS realizado por Mª Pilar González LópezIES VALLE INCLÁN
Historia del Arte Bachillerato edebé
M.C. Guerrero RománI. López Martínez J. Rubio LapazJuan B. Terrón Martínez
PPS realizado por Mª Pilar González LópezIES VALLE INCLÁN
Páginas web utilizadas de refuerzo
• http://contemplalaobra.blogspot.com/2009/03/san-pedro-del-vaticano-de-miguel-angel.html• http://www.medicinaycultura.org.ar/31/Articulo_03.htm• http://es.wikipedia.org/wiki/1503• http://historiadelarteuniversaltec.blogspot.com/2009/11/la-ultima-cena-de-leonardo-da-vinci.html