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Presentación de José María Domenech para 2º de Bachillerato.TRANSCRIPT
LA PINTURA DEL CINQUECENTO
Los pintores mostraron mucho interés por la renovación de los contenidos temáticos.
En cuanto al sistema de representación, ya dominado e investigado por sus antecesores en el quattrocento, los avances técnicos consiguieron dotar a las obras de una perfecta integración de figuras y fondos. En este aspecto pintaron con una naturalidad que superó las rigideces de la pintura anterior.
Como ocurre con las demás artes en el primer tercio del siglo triunfa la armonía y el equilibrio del clasicismo y poco a poco se va imponiendo la personalidad de los artistas llegando hasta el manierismo.
Llegados a la plenitud del arte de la pintura se desarrollan las dos grandes escuelas italianas. Por un lado la florentina , donde predomina el concepto el dibujo y por otro la veneciana que se destaca por la primacía del color.
LEONARDO DA VINCI ( 1452 – 1519)
Tuvo un destacado papel en los más diversos campos de la ciencia, el arte y el conocimiento y representa el hombre renacentista por excelencia.
Experimentó técnicas y procedimientos que recogió en su “Tratado de la pintura”.
No son muchas las obras que pintó, entre las que destacan:
- La Virgen de las rocas.
- La última cena.
- La Gioconda.
LA VIRGEN DE LAS ROCASCorresponde a su etapa milanesa y fue realizada en 1485.
La composición es piramidal, denotando el equilibrio y la serenidad propia del clasicismo. El equilibrio se complementa con la distribución de luces y colores.
Las figuras y el paisaje responden a una belleza ideal.
Los personajes se vinculan entre sí a través de las miradas y los gestos de las manos.
Leonardo recurrió a una innovadora y personal técnica de claroscuro llamada “sfumato” porque difumina los contornos. De esta forma las figuras aparecen fundidas con el espacio de forma natural, sin que parezcan sobre un telón de fondo.
Otros recursos pictóricos usados son :
- El escorzo de algunas figuras ( mano de la virgen)
- El uso de la “perspectiva aérea”, disminuyendo la intensidad de los colores y la definición de los objetos con la lejanía.
LA ÚLTIMA CENALeonardo realizó esta pintura mural entre 1495 y 1497 en Milán.
En vez de emplear la técnica tradicional de pintura al fresco, experimentó empleando óleo y temple sobre capas de pared seca. El resultado fue erróneo y las pinturas se deterioraron rápidamente.
La composición representa el momento de la última cena cuando Jesús comunica que hay un traidor entre ellos.
Todos los personajes están relacionados entre sí por grupos en una composición simétrica pero flexible.
Se resalta la figura de Cristo por diferentes medios:
- Aparece enmarcada por el vano iluminado en un contraluz.
- Los gestos de las manos de los apóstoles nos conducen a ella.
- Ocupa le centro geométrico del cuadro.
- En ella confluyen todas las líneas de fuga de la perspectiva.
La GiocondaRealizada en Florencia entre 1503 y 1506 representa a Monna Lisa, esposa de Francesco del Giocondo y es una de las más célebres pinturas de la historia del arte..
Es un retrato de medio cuerpo en donde se utiliza la composición piramidal que proporciona serenidad y equilibrio. Además la figura no se muestra frontal , sino a tres cuartos, ligeramente vuelta para buscar la profundidad.
Leonardo aplica de forma magistral la técnica del “sfumato”. Los contornos del dibujo están muy difuminados y pasan sin violencia de la figura al fondo. Esa concepción borrosa de la imagen crea una sensación de atmósfera.
Esta sensación se crea cuando la luz que entra por la izquierda baña suavemente al personaje.
Además se aplica la perspectiva aérea en el paisaje del fondo que se va deshaciendo en la lejanía.
Por último es inevitable comentar la originalidad de la actitud frente al retrato y su enigmática sonrisa.
RAFAEL (1483 – 1520)
Es el pintor renacentista que mejor encarna el puro clasicismo.
Sintetiza el orden y el equilibrio de sus predecesores del quattrocento con las innovaciones de Leonardo y la grandiosidad de Miguel Ángel.
Se distinguen en su obra tres etapas en tres ciudades: Umbría, Florencia y Roma.
LOS DESPOSORIOS DE LA VIRGEN
Realizada en 1504, con una técnica mixta de óleo y temple sobre tabla, es la mejor obra de la etapa de Umbría.
El cuadro narra el matrimonio de la Virgen María. Entre un grupo de invitados, el sumo sacerdote de Jerusalén sostiene las manos de María y José mientras este le coloca el anillo nupcial.
La composición tiene dos niveles claramente diferenciados. El grupo humano se extiende a lo largo del piso inferior.
En la zona superior aparece un maravilloso edificio de planta central y estructura renacentista: el Templo de Jerusalén.
Una perspectiva de gran profundidad, acentuada por las losas y los escalones convierten al edificio en el protagonista del cuadro.
LA VIRGEN DEL JILGUERO
En 1504 Rafael se trasladó a Florencia, donde se consagró como retratista y sobre todo como pintor de vírgenes.
En esta etapa es evidente la influencia que ejerció en él la obra de Leonardo.
Esta obra, pintada en 1504 se pueden apreciar los rasgos que repetirá en diferentes composiciones:
- Composición piramidal estricta, en cuyo vértice se coloca la cabeza de la Virgen. Se dota al cuadro de equilibrio y simetría.
- La virgen sobresale de la línea del horizonte y está colocada a tres cuartos. Se favorece la profundidad y la perspectiva.
- Los personajes son idealizados con delicadeza y elegancia.
- La Virgen y los niños Jesús y San Juan se comunican entre sí con gestos y miradas.
- Suave transición entre luces y sombras.
- Perspectiva aérea en el paisaje del fondo.
LAS ESTANCIAS DEL VATICANO
A petición de Julio II Rafael realizó la decoración de sus estancias privadas del Vaticano:
- La “stanza della Segnatura”( 1510 -1511) y
- La ”stanza del Heliodoro” (1511 y 1512).
Ambas estancias se componen de dos grandes frescos principales en paredes enfrentadas, otros frescos menores en las paredes donde se encuentran los ventanales y una serie de paneles y medallones en la bóveda.
En la estancia de la Signatura destacan la gran pintura mural de “La escuela de Atenas”.
En la estancia del Heliodoro es célebre el fresco sobre “La liberación de San Pedro”.
LA ESCUELA DE ATENASEs una gran pintura mural de ocho metros de largo por cinco de alto.
Predomina en todo el conjunto un dibujo detallado, preciso y claro.
La gama cromática es muy amplia y queda relegada a un segundo plano.
El conjunto es iluminado por una luz difusa y suave.
El volumen está plenamente conseguido mediante la gradación tonal.
La composición se articula entre dos grupos de personajes dispuestos horizontalmente que ocupan sendos planos de profundidad: un grupo en un plano más alejado del observador y a un nivel más alto y otro grupo en un primer plano más cercano y a un nivel más bajo.
Todos estos personajes se mueven en un imponente escenario arquitectónico que se inspira en las obras de la antigua Roma.
El monumental fondo compensa con su verticalidad y altura las líneas horizontales de los grupos de personas.
El uso de un perfecto sistema de perspectiva central con un único punto de fuga simula una amplitud y profundidad extraordinaria, que se ve incrementada con la sabia utilización de la iluminación. Se puede observar como se produce una alternancia de luces y sombras entre los diferentes planos de profundidad.
Con La Escuela de Atenas, motivo elegido para tal finalidad, Rafael sintetiza la idea del saber filosófico y científico en el momento del clasicismo renacentista. Las figuras centrales representan a Platón y Aristóteles, los más grandes filósofos de la antigüedad. Platón (Retratado como Leonardo) señala con su dedo índice al cielo expresando el mundo ideal, mientras Aristóteles se opone a ello exponiendo su mano hacia la realidad tangible que nos rodea. Con esta escena, Rafael no ha podido resumir de mejor manera el compendio filosófico de los dos grandes maestros de la Grecia Clásica.
También se pueden localizar en el fresco a otros destacados filósofos como Zenón, Heráclito (Retratado como Miguel Angel en la figura barbuda del primer plano), Parménides, Epicuro… Retratados todos con los rostros de artistas de la época. El ideal cultural de la Roma de Julio II, esto es, la unión de la época clásica y renacentista, aparece así expresada a la perfección. Además, en el fresco se dan cita todas las artes: Se pintan esculturas de Apolo y Minerva, seres mitológicos que alegorizan distintos aspectos del saber, y el marco arquitectónico, de colosales proporciones, es un guiño a Bramante quién por esos años estaba enfrascado en la construcción de la nueva Basílica Romana.
ESTANCIA DEL HELIODORO
Misa de Bolsena
Liberación de SanPedro
MIGUEL ÁNGEL
Las dos grandes realizaciones pictóricas de Miguel Ángel se encuentran en la capilla Sixtina del Vaticano.
La primera de ellas, la bóveda, fue encargo de Julio II y la realizó entre 1508 y 1512.
La segunda de ellas, el muro tras el altar con el Juicio Final la llevaría a cabo treinta años después.
Bóveda de la CAPILLA SIXTINAMiguel Ángel creó sobre la bóveda de cañón de la capilla sixtina una arquitectura fingida simulando arcos fajones y falsas cornisas que dividían la bóveda en tramos.
Sobre estos espacios estableció el siguiente programa iconográfico:
- En el registro central sobre los rectángulos pasajes del Génesis como “la creación de Adán”, “el pecado original y la expulsión del paraiso”, etc.
Enmarcando estos rectángulos aparecen los “ignudi”, figuras desnudas sentadas que anticipan a sus “esclavos” para la tumba de Julio II.
- En los registros exteriores los siete profetas y las cinco sibilas que habían anunciado la venida de Jesús.
- En los lunetos y sus triángulos , antepasados de Cristo.
Miguel Ángel no crea figuras realistas. Idealiza a sus personajes a través de una anatomía que los convierte en seres superiores. Representó todas las figuras monumentales y vigorosas creando un conjunto que impresiona y fascina al espectador.
Otra característica de su pintura es el gran movimiento que tienen tanto las composiciones como las figuras individuales. Los escorzos y las actitudes rebuscadas le permite expresar toda su energía como creador.
Su visión de escultor se refleja en el interés de pintar expresándose a través del dibujo y el claroscuro resaltando el volumen de cada forma dejando el color en un segundo plano.
Miguel Ángel parte de los modelos grecorromanos pero reinterpreta sus esquemas clásicos con absoluta libertad.
JUICIO FINAL (CAPILLA SIXTINA)Treinta años después acomete la tarea de pintar la pared del altar con un Juicio Final. El tema tiene importantes precedentes en el arte medieval.
La composición está presidida por Cristo Juez tratado como Júpiter.
A su derecha, los elegidos se elevan al cielo y a su izquierda, los condenados descienden al infierno.
En la parte superior los ángeles portan los elementos de la Pasión.
En la parte inferior se representa la resurrección de la carne (izda), un coro de ángeles (centro) y el infierno (derecha).
El infierno también tiene reminiscencias mitológicas del Hades de la Antigüedad al aparecer la laguna estigia y la barca de Caronte.
Toda la composición describe un espacio sin profundidad, en un movimiento circular, caótico y agitado.
Se expresa un gran dramatismo en el conjunto.
La serenidad y el orden del renacimiento ha desaparecido y se anuncia el barroco.
LA PINTURA VENECIANA
Rasgos peculiares:
- el color prima sobre el dibujo, lo que produce una pintura más sensitiva que cerebral, como es el caso de la pintura florentina y romana interesada en el predominio del dibujo y la forma.
- el paisaje se trata con gran importancia y lirismo, no unicamente como fondo.
- la riqueza y el lujo inundan las composiciones, dando una visión placentera y sensual de la vida.
- son muy frecuentes los temas profanos o mitológicos
GIORGONE (1478- 1510)
Se educó artísticamente en el taller de los hermanos Bellini y trabajó con Tiziano.
Su muerte prematura truncó una prometedora carrera.
Sus obras son escasas pero demuestran su calidad e innovación.
Destacan:
- “la tempestad”.
- “venus dormida”.
LA TEMPESTAD
A Giorgone se le debe la innovación de pintar al óleo sin dibujo previo. Esta técnica explica el predominio de la mancha de color sobre la línea.
El tema de la obra es enigmático y se desconoce.
En esta época no se consideraba de relevancia el paisaje para ser convertido en el tema de una obra pictórica.
Giorgone al reducir la escala de las figuras y separarlas del centro otorga todo el protagonismo del cuadro a un bello paisaje que representa con exquisita sensibilidad.
VENUS DORMIDA
Giorgone introduce en esta obra un modelo de belleza femenina innovador.
Su venus yacente está dotada de una gran sensualidad y será ampliamente desarrollado en la pintura posterior.
En primer lugar la desrrollaría Tiziano, que se encargó de terminar esta y otras obras que dejó inacabadas Giorgone al morir repentinamente.
Destaca el fondo del paisaje de tonos cálidos, cuya belleza natural y carácter apacible contribuye a crear un ambiente de relajación propicio para el sueño de la diosa.
TIZIANO (1481-1576)
En sus comienzos Tiziano trabajó con Giorgone y ambos fueron los renovadores de la pintura veneciana.
La gran longevidad de Tiziano le permitiría realizar una inmensa y completa obra pictórica.
A lo largo de su carrera se convirtió en el pintor más famoso y cotizado de su época, llegando a ser el pintor preferido de entre otros Carlos V y Felipe II.
Destacó en todo tipo de temáticas: religiosas, retratos, mitologías,etc.
Entre los pintores de todas las épocas es reconocido como el “príncipe “ de la pintura.
LA ASUNCIÓN DE LA VIRGENRealizada en óleo sobre tabla para el altar mayor de la iglesia de Santa María dei Frari de Venecia es una de las obras religiosas más populares del artista.
El tema de la Asunción de la Virgen es dividido verticalmente en tres niveles:
- En el inferior los apóstoles, dispuestos en círculo, que contemplan la ascensión de la Virgen.
- En el central, la Virgen que dirige sus brazos y su mirada al cielo mientras se eleva sobre nubes rodeada de ángeles.
- En el superior Dios que se prepara para recibirla.
Todo el conjunto está dotado de gran dinamismo, en especial los apóstoles y los ángeles que adoptan posiciones muy variadas.
Composición perfecta con una geometría ordenadora: eje de simetría, cuadrado y círculo.
La Virgen ocupa el centro de la composición y se halla en el tránsito entre el cuadrado que contiene la escena terrenal y el círculo de la escena celestial que definen el arco de medio punto del marco superior y en sentido inverso el que forman los ángeles.
El punto de vista adoptado en la perspectiva es muy bajo, lo que enfatiza el movimiento de ascensión de la escena.
Se observa un tratamiento diferenciador en la iluminación del ámbito celestial que es bañado con una luz dorada.
VENUS DE URBINO
Pintada al óleo en 1538, Tiziano retoma el modelo de virgen dormida de Giorgone, pero interpretándolo y enriqueciéndolo.
En este caso Tiziano sustituye el fondo paisajístico por un escenario interior. Esta novedad le permite introducir elementos verticales que ayudan a equilibrar mejor la composición por un lado y por otro le permiten introducir un elemento temático que enriquece la obra con nuevos personajes.
Las lecturas de la obra son diversas. Unas apuntan a una alegoría nupcial y otros no ven más que el retrato de una cortesana realizado con intenciones eróticas.
En el cuadro de Giorgone el observador contempla la Venus dormida. En el de Tiziano,la Venus muestra su desnudez mirando directamente al espectador.
Si la Venus de Giorgone recuerda una representación de la belleza ideal en este cuadro Tiziano representa una belleza individual y concreta. La sensualidad del artista convierte a la diosa en una seductora mujer real.
CARLOS V EN LA BATALLA DE MÜLHBERGTiziano destacó por ser un extraordinario retratista.
Su mérito consiste en que no sólo refleja fielmente los rasgos físicos del personaje, sino también se esmera enexpresar su personalidad y su estado emocional.
Este retrato ecuestre de gran formato fue pintado en 1548 e introduce en el arte pictórico la costumbre de representar a caballo a los grandes emperadores de la Antiguedad.
Representa al emperador Carlos V en la batalla de Mülhberg en el momento de detener su caballo y decidir si cruza o no el río Elba para luchar contra los protestantes alemanes. Según cuenta la leyenda el sol se detuvo alargando el día y facilitando su victoria. Las referencias clásicas nos trasladan ahora al Rubicón de Julio César.
La escena está presenta al emperador sobre un imponente corcel negro en medio de un anochecido paisaje donde se adivina al fondo el río Elba.
Tiziano consigue convertir a Carlos V en un héroe clásico sin realizar una compleja alegoría literaria, sino apoyándose unicamente en las calidades plásticas
El perfecto tratamiento realista se puede apreciar en el retrato del personaje y en su armadura.
El prodigio colorista del veneciano crea el anochecer rojizo que envuelve toda la escena.
TINTORETTO (1547- 1594)
Fue discípulo de Tiziano y es el mejor representante del manierismo en Venecia.
Sus modelos artísticos fueron en el dominio del dibujo Miguel Ángel y en el dominio del color Tiziano.
Sus obras más importantes son de tema religioso.
Se caracteriza su pintura por lo atrevido de sus composiciones y por el tratamiento irreal de la luz.
LAVATORIORealizada en 1547 representa el momento en el que Jesús, en un gesto de humildad, se dispone a lavar los pies de sus apóstoles antes de la última cena.
La composición se aborda desde una complejidad que lse puede calificar de manierista:
- Se abandona la perspectiva central, para situar el punto de fuga en un arco de triunfo en la parte superior izquierda.
- El asunto principal, Cristo lavando los pies, se desplaza al extremo derecho. El centro de la composición lo ocupa la anecdótica figura de un perro tumbado que observa la escena
- Los personajes se distribuyen por el escenario formando grupos independientes, perdiéndose completamente la ley de unidad de las composiciones clásicas.
- Las fuentes de luz son diversas y contradictorias, creándose unos efectos nocturnos irreales.
TRASLACIÓN DEL CUERPO DE SAN MARCOSEste cuadro es una pintura al óleo sobre lienzo pintada sobre el 1566.
Describe el momento en el que unos mercaderes venecianos robaron el cuerpo de San Marcos de Alejandría en el siglo IX y lo llevaron a Venecia.
Se observan en él, de nuevo, como el autor se aleja de las formas clásicas y se expresa mediante recursos manieristas:
- La iluminación es irreal, combina efectos de luz y oscuridad para crear un ambiente sorprendente. Por un lado la arquitectura de la derecha está sobreiluminada y por otro el cielo aparece oscuro y amenazador.
- Los personajes se sitúan fuera del centro del cuadro. Todos se concentran en la esquina inferior derecha en primer término, acercándose más al espectador y desequilibrando claramente la composición.
- Las figuras son tratadas en posiciones de escorzo violento y con actitudes rebuscadas. Se huye deliberadamente de la serenidad clásica.
VERONÉS (1528-1588)
Es el pintor que mejor refleja el lujo y la riqueza de los ambientes venecianos.
Es característico también en su pintura los grandiosos escenarios arquitectónicos en donde desarrolla sus escenas.
Fue también discípulo de Tiziano con el que comparte el gusto por el clasicismo.
LAS BODAS DE CANÁSe trata de un cuadro de grandísimo formato ( diez metros) destinado al refectorio de la iglesia de San Giorgio Maggiore en Venecia, construida por Palladio.
El tema representa el primer milagro público de Jesús en las bodas de Caná. Jesús convirtió el agua en vino una vez que este ya se había acabado.
Cristo aparece en el centro del cuadro, sentado , junto a la Virgen y a los apóstoles en el centro del cuadro entre una multitud e más de cien personas.
Veronés en realidad ha contextualizado el pasaje del evangelio en su propia realidad. Nos presenta una fiesta de celebración de una boda en su época, tal y como se llevaban a cabo en los círculos aristocráticos de Venecia.
El lujo y la riqueza se observa en el grandioso marco arquitectónico y en las indumentarias de los personajes.
Entre el grupo de invitados vemos gentes de toda procedencia y se puede distinguir a reyes como Carlos V y Francisco I de Francia o artistas como Tiziano o el propio Veronés.
