artistica dibujo

COLEGIO SIERRA MORENA INSTITUCION EDUCATIVA DISTRITAL LIC: FERNANDO GALARZA VEJARANO - DEPARTAMENTO DE ARTES PLASTICAS - DIBUJO / 2.008

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1. ESTRATEGIA: Perseverancia y voluntad. 2. TECNICA DEL TALLER: Lápiz, carboncillo, sanguina y Plumilla. 3. TEMA: Punto, Línea, Mancha. “Un camino hacia la Composición Artística”. 4. FIJACION DE LA SESION: Explicación metodológica de la historia e importancia del dibujo. Reconocimiento y uso apropiado de materiales. Desarrollo de taller pedagógico. INDICADORES DE COMPETENCIAS

INTERPRETATIVAS: • Diferencia elementos básicos y características del punto, la línea y la mancha, en

la Composición Artística. • Identifica Principios Fundamentales y características de ritmo, movimiento y valor

tonal en la Composición artística. ARGUMENTATIVAS: • Explica las características sobresalientes de cada uno de los elementos Plásticos

Básicos de la Composición artística. • Analiza los diferentes procedimientos a utilizar para el manejo de las diferentes

herramientas y materiales para la realización del Dibujo Artístico. PROPOSITIVAS: • Demuestra que se pueden trazar en varias superficies, puntos y líneas con

diferentes materiales como el lápiz o la plumilla. • Compara algunos de los elementos Plásticos básicos y las características del

punto, la línea y la mancha, en la Composición Artística. COMUNICATIVAS: • Coordina su motricidad expresivamente, se

aproxima y explora la naturaleza y su entorno social-cultural inmediato, afirma y comparte respetuosamente intuiciones,

sentimientos, fantasías con sus expresiones Artísticas. DESEMPEÑOS COGNITIVOS:

• Distinguir el lenguaje Artístico como una expresión de ideas por medio de la forma.

• Mediante el uso de Elementos Plásticos Básicos, el estudiante repite, superpone y modela a su juicio hasta obtener formas agradables de expresión Artística.

SOCIOAFECTIVO: • Denota un comportamiento respetuoso y sensible con su entorno, con los otros,

confía en sí mismo y se muestra comprometido con su visión particular del mundo y con su pertenencia a un proceso cultural.

PSICOMOTOR: • Coordina sus habilidades hacia la

construcción de formas con sentido crítico; investiga, interpreta, transforma y comunica simbólicamente, experiencias de interacción con su entorno, con los otros y con la producción cultural.

• Descubre y explica comparativamente los procedimientos técnicos que desarrolla; transforma creativamente accidentes, errores e imprevistos.

VOLITIVO: • Emite juicios mediante ensayos críticos sobre la calidad de su contexto natural y socio-cultural, sus propios trabajos

Artísticos, la historia local y universal de las Artes y la producción cultural en general.


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ACTIVIDADES METODOLOGICAS PRESENTACION: El presente material versa sobre la forma de promover el desarrollo de la auto expresión artística por medio de la utilización del lápiz, el carboncillo y la plumilla, como una forma de desarrollar la creatividad y la sensibilidad por la belleza y con ellas una

serie de habilidades y destrezas motrices e intelectuales básicas para el aprendizaje del dibujo. Esta forma de expresión, denominada dibujo artístico, permite al estudiante plasmar y representar creativamente sobre cualquier material, lo que ve, siente y piensa, buscando siempre el deleite espiritual a través de la apreciación que tiene de la belleza de su vida, de la naturaleza y del mundo que lo rodea. Así, el Arte, como expresión sublime del hombre, recoge la visión particular de cada ser humano, para transmitirla como herencia visual de una sociedad o de un pueblo, en un

tiempo y en un espacio determinado, reflejando ideas y pensamientos imposibles de comunicar con el uso del lenguaje oral. En solo una hoja de papel un águila puede volar majestuosamente sobre las montañas cubiertas de nieve, gotas de rocío pueden brillar al sol sobre una tierna rosa, con el dibujo se pueden abarcar campos inimaginables. Tratar de entender lo que vivimos a partir del dibujo puede hacernos a nosotros mismos y a los demás cambiar la manera de cómo percibimos el mundo. El dibujo es una herramienta poderosa y a causa de este poder mucha gente teme iniciarse en el. Crear un dibujo por iniciativa propia conlleva emoción y satisfacción personal, ser capaz de realizar esto nos enriquece en todos los campos de la vida ya que: nuestros dibujos muestran nuestras impresiones; el dibujo nos reta a expresar de manera no narrativa lo que vemos ya que nos permite expresarnos sin palabras. Dibujar implica tener una actividad nueva y emocionante; no se necesitan más que unos cuantos materiales no muy costosos y unas bases para sentirse orgulloso de lo que uno comienza a lograr. OBJETIVO TERMINAL DEL TALLER: Al finalizar este taller de Dibujo Artístico, los estudiantes podrán aplicar los elementos plásticos y principios fundamentales de la Composición artística, en sus diferentes expresiones, con un sentido estético, pues, habrán adquirido progresivamente las destrezas y habilidades necesarias para su ejecución, mediante la práctica y la utilización correcta de las herramientas correspondientes.

Con el desarrollo del taller el estudiante adquiere la técnica necesaria para crear formas originales con líneas, puntos y manchas, mediante la organización de los elementos que conforman un conjunto con sentido armónico, hasta conseguir efectos de emoción, belleza, plasticidad y estética. Integrar el desarrollo del taller con las demás áreas del conocimiento humano buscando siempre la interdisciplinariedad con la creación de afiches, libros, carátulas de cd’s, revistas, vallas publicitarias, sitios Web, presentaciones multimedia, decoración, diseño de modas, diseño arquitectónico, planos y muchísimo más y además como fuente esencial para el desarrollo de la imaginación y de la memoria.

Debemos fomentar la sensibilidad por la belleza y la comprensión Artística, por medio de la observación del medio natural o de grabados, ilustraciones o reproducciones de Obras de arte de la Pintura, del Dibujo, de la Escultura, la arquitectura, la cerámica, la artesanía...., que encuentre en revistas, diccionarios, libros, enciclopedias, periódicos, filmes y diapositivas. Debemos recalcar que el dibujo es en sí mismo es arte puro y siendo practicado con profusión por artistas de todas las épocas a lo largo de toda la historia, no sólo como estudio previo a la obra acabada sino como manifestación artística descriptiva o expresiva.


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Ahora bien; Después de desarrollar este Taller, el cual hace referencia a la importancia del Dibujo artístico como un medio para expresar gráficamente las ideas y pensamientos, lo mismo que la diferenciación de cada uno de los elementos básicos y principios fundamentales de la Composición artística y los procedimientos para el empleo de las herramientas correspondientes; se espera: INDIVIDUALES: • Que el estudiante realice composiciones artísticas, utilizando dibujos con: PUNTOS: • Realizar dibujos con puntos, con base en temas sugeridos, aplicando los principios de la Composición artística. • Aplicar puntos a diferentes objetos para darles sombras y textura. • Aplicar puntos con diferente intensidad, para obtener la valoración tonal de los grises. • Aplicar puntos simétricos y asimétricos a diferentes distancias. LINEA: • Trazar a mano alzada, diferentes clases de líneas rectas, con variedad de distancias y sentidos para desarrollar destrezas

en motricidad fina. • Trazar a mano alzada, diferentes clases de líneas curvas y mixtas, para desarrollar destreza en motricidad fina. • Realizar diferentes dibujos originales con juegos de líneas rectas, curvas y mixtas, para aplicar los principios de la

Composición artística. MANCHA: • Realizar una composición tonal con manchas mediante la técnica del húmedo sobre el húmedo con armonía y variedad

tonal. • Realizar una composición con manchas, mediante la técnica del plegado, para desarrollar la expresión subjetiva. GRUPALES:

Socializar conceptos aprendidos, determinando la importancia del Dibujo artístico como medio de expresión del hombre, y de cada uno de los elementos básicos y principios fundamentales de la Composición Artística.

APOYO TEORICO EL ARTE EN EL HOMBRE El arte se da en el hombre a partir del hombre, como un sujeto de necesidades. En el proceso de satisfacción de esas

necesidades el hombre establece relaciones continuas con el mundo y su naturaleza encuentra cosas a las cuales descubre cualidades y los múltiples usos que de ellas se derivan. Surge, así, la necesidad que el hombre tiene que comunicar, plasmar y representar la interpretación personal de él y de su mundo: del cómo lo ve, del cómo lo siente, del cómo lo percibe, iniciando entonces una etapa transformadora de sí mismo y de ese mundo que lo rodea. Por lo tanto, es también el punto de partida para que el hombre obtenga composiciones artísticas, ya sean demostrando su sensibilidad interior ó comunicando lo que existe en su entorno, las cuales se inician con el acto de ver, de observar la naturaleza, las cosas y los elementos que la componen; las cuales se convierten en estímulos permanentes que motivan en el hombre la expectativa o la necesidad de representar con “algo” y sobre “algo” lo que ve, siente o piensa respecto a

él mismo, respecto a su mundo o respecto a los demás.


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LA CONCEPCION ARTISTICA El hombre desde que nace tiene instrumentos muy especiales, los cuales le permiten establecer esa relación hombre-mundo. A través de estos instrumentos que pueden ser internos o externos es como percibe el mundo, se relaciona con él para satisfacer sus necesidades, se apropia de él, lo usa, lo interpreta, lo aprende a conocer y vuelve sobre él para transformarlo. El ojo es uno de los más importantes instrumentos externos de percepción del hombre, Es un órgano que genera la acción de

observar, ver o mirar, para captar y percibir el mundo en una dimensión más amplia. Esta acción origina todo un proceso mental que le permite elaborar y representar en su cerebro (Instrumento interno), imágenes de la realidad que tiene fuera de él, y que a su vez, le originan nuevas necesidades y la disposición de representar o transcribir sus experiencias sobre cualquier material, sobre una pared, sobre la

arena, sobre la piedra, sobre la tela o simplemente sobre un papel, por tal razón, utiliza o crea símbolos con el fin de comunicar sus ideas, sus pensamientos, sus sentimientos y sus acciones sobre el mundo. Pero para realizar esta acción necesita de otro instrumento externo que se proyecte, traduzca y señale sobre un material, lo que el ojo ve, lo que su cerebro analiza y la lógica de su pensamiento. Este instrumento vital es: La mano. Este resultado supone entonces que existe una correlación entre el ojo, el cerebro y la mano, y es a

partir de darse ese proceso que el hombre puede desarrollar toda concepción artística. La expresión del hombre, ya sea con relación al mundo que conoce o consigo mismo, siempre se da en orden a lo estético; o sea en la belleza de la vida, de la naturaleza que lo rodea, de lo que vive a diario, de lo que imagina y anhela, de la historia de que es participe y dentro del marco más humano posible.

Por lo tanto el dibujo no es una simple representación de símbolos, sino aquello que el hombre, como productor de Arte, toma de la naturaleza para interpretar, según su apreciación particular de la realidad para comunicarla a través de un mensaje general, reuniendo elementos lógicos en una estética determinada. Así el dibujo transmite un mensaje general más no universal; pues no se expresa a través de modelos prefijados, refinados ni estandarizados; sino que su expresión parte de cada hombre que piensa, siente y actúa sobre el mundo y que a través de sus capacidades interpreta, comunica, transforma, sistematiza y estructura la realidad. La expresión del arte se produce en múltiples dimensiones; así tenemos concepciones artísticas en disciplinas, como: Literatura, Música, Dibujo, Escultura, Danza, Grabado, Teatro, y otras. Todas ellas, además de buscar el deleite espiritual, se ejecutan para satisfacer las necesidades intelectuales, sensoriales, sociales o culturales del hombre y por ello se clasifican con el fin que pretendan.

Así aparece el grupo de las Artes Plásticas al que pertenecen las ejecutadas con un alto sentido de la Belleza y logran la representación de las figuras o la reproducción de las formas por medio de elementos o materiales que además de poderlos utilizar se pueden modelar y plasmar. La Arquitectura, La Pintura; la Escultura y El Dibujo, son las llamadas ARTES MAYORES; La Cerámica y El Grabado, figuran entre las ARTES MENORES. Ahora bien; En la Arquitectura se usan y modelan materiales para proyectar y construir edificaciones de diversos tipos y se adornan las formas para embellecer su conjunto. En la Pintura se modelan los colores en diferentes gamas para representar con exactitud el relieve (Dimensiones, perspectivas, volúmenes y luz), de las figuras por medio de varias técnicas.


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En la Escultura se modelan figuras en barro, cera o yeso para reproducirlas en madera, mármol o metal. En el Dibujo se modelan puntos y líneas (Vectores y dirección) para representar las formas de los objetos y los contornos de las figuras, con herramientas como el carboncillo, el lápiz o la pluma.

EL DIBUJO

El dibujo ha existido desde tiempo atrás. A través de la historia, el hombre se ha expresado con el arte, dejando constancia de los acontecimientos y las cosas más sagradas que hicieron parte de su vida. Los dibujos encontrados en las cuevas prehistóricas, por ejemplo, nos demuestra cómo vivía el hombre de ese tiempo.

Las antiguas civilizaciones egipcias utilizaron el dibujo en la realización de los planos para la construcción de grandes palacios, jardines y acueductos, así cómo en la decoración de muchas de sus estructuras, incluyendo las tumbas. El hombre nativo, en las diferentes partes del mundo, usó materiales naturales como la arcilla para representar aspectos de su vida en el dibujo: Maestros tales como Leonardo de Vinci y Miguel Ángel Buonarroti investigaron con apoyo del dibujo la ciencia, la anatomía humana, la arquitectura, la ingeniería y la perspectiva.

Haciendo un poco de histde una primitiva inteligengrabados en la memoria,

En un principio empleó lorojo que obtenía de las tielíneas discontinuas que im

Sadrtbae

En los dibujos se representan las formas de vida y la cultura de los hombres desde la prehistoria hasta la época moderna. El dibujo de hoy documentará la

historia del mañana.

oria en el Arte Prehistórico durante el Paleolítico Superior surge el hombre de “CRO-MAGNON” dotado cia y aspiraciones artísticas, que realiza dibujos inspirado en animales y escenas del campo abierto, para representarlos a la luz de una antorcha en las paredes de las cavernas. (Fig. a).

s dedos como pinceles, después los confeccionó de crines, hierbas o plumas; utilizó el color, como el rra ocres y también el negro que sacaba del hollín, dibujó las siluetas y los entornos de las figuras con itaban el pelo de los animales. (Fig. b).

Expresar una idea o sentimiento y representar los contornos de las figuras reales o imágenes por medio de trazos de líneas, puntos, manchas o colores, sobre una superficie en forma bella se

denomina DIBUJO ARTISTICO.

Fig.a Fig.b

i desde la prehistoria el hombre trató de reproducir en las paredes de las grutas lo que observaba a su lrededor era por esa necesidad de expresar y comunicar lo que pasaba a su alrededor; así, nace el ibujo artístico que es uno de los primeros practicados por el ser humano, que siempre ha procurado epresentar los objetos como sus ojos los veían. El hombre a través del tiempo deja su huella raduciendo la impresión que le transmite un objeto reproduciendo su forma, su tamaño y su volumen, ien por medio de un trazo, como en el arte egipcio, griego y japonés, bien sugiriendo sobre todo el specto del relieve por el juego de las sombras y de la luz; este último modo de expresión es ya visible n los frescos de Pompeya y en los artistas del Renacimiento italiano, como Leonardo Da Vinci.


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En términos generales el dibujo se ha desarrollado en función de las condiciones de existencia de cada época, de cada cultura y de los progresos y conocimientos acerca de los instrumentos y técnicas utilizadas por los artistas. Ante lo cual podemos considerar, que el dibujo es la representación de un objeto por medio de líneas que limitan sus formas y contornos. Se trata de una abstracción de nuestro espíritu que permite fijar la apariencia de la forma, es el arte de representar gráficamente sobre una superficie plana de dos dimensiones objetos que, por lo regular, tienen tres.

También, debemos tomar en cuenta que el dibujo es la base de toda creación plástica y es un medio arbitrario y convencional para expresar la forma de un objeto por la línea, un trazo y juegos de sombras y luz. Lo que caracteriza al dibujo es la limitación de las formas mediante líneas; esto lo diferencia de la pintura, en la cual la estructura de los planos se logra mediante masas coloreadas. El dibujo es un elemento abstraído del complejo pictórico, que en virtud de su fuerza expresiva, se convierte en un arte independiente.

Más que una técnica gráfica basada en el uso de la línea, el punto y la mancha, el dibujo es la expresión de una imagen que se hace en forma manual, es decir, se usa la mano para realizarlo. Los materiales que se pueden usar son muchos, como también la superficie donde se puede hacer. Los más usados son el papel como soporte y el lápiz como el instrumento, pero actualmente se usa la computadora utilizando un lapicero óptico (También conocido como Tabla o Tableta digitalizadora.) o un ratón de ordenador. Las técnicas del dibujo son diversas y han variado con el tiempo; en general, los instrumentos más utilizados son el lápiz, la pluma (tinta china o sepia), el carbón, la sanguina. El hombre prehistórico adornaba los muros de las cavernas o ciertas figuras de marfil, hueso, utilizando para su construcción buriles y raspadores de sílice, etc. Los primeros dibujos se encuentran en las cavernas como Altamira, donde los homo erectus hicieron grabados en las paredes representando lo que ellos consideraban importante transmitir o expresar. Nos valemos del dibujo para representar lo que tenemos en la mente y que no podemos expresar detalladamente con palabras.

Podría afirmarse que el dibujo es el lenguaje universal porque sin mediar palabras, podemos transmitir ideas que todos entiendan mediante dibujos. Hay dibujos que ya son reconocidos universalmente a los que llaman íconos. La torre Eiffel, por ejemplo, es un icono Parisino y la podemos esbozar como una larga torre que tiene barras cruzadas en forma de equis a lo largo de su estructura.

Entonces podemos afirmar que el dibujo, es una forma de expresión visual que se da a través de imágenes, la palabra dibujo puede ser tanto un verbo como un sustantivo:

• Dibujar (verbo) que significa "Delinear en una superficie, y sombrear imitando la figura de un cuerpo.

• Dibujo (sustantivo) que significa "Delineación, figura o imagen ejecutada en claro y oscuro, que toma nombre del material con que se hace."

• Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por los seres racionales para transmitir sus ideas, proyectos y en un sentido más amplio su cultura.

Cabe aclarar que dibujar y pintar no es lo mismo; "pintar" incorpora la aplicación de pigmentos, generalmente aplicados mediante un pincel, que son esparcidos sobre un lienzo; mientras que el dibujo es la delineación en una superficie que generalmente es el papel. El termino dibujar también sugiere un proceso distinto al de pintura. El dibujo es generalmente exploratorio, con énfasis principal en la observación, solución de problemas y composición. En contraste, la pintura es la ejecución del dibujo mediante la inserción de pigmentos.

INICIO AL DIBUJO ARTÍSTICO El proceso de dibujo no se aprende, es innato y se perfecciona con el tiempo. Esa evolución a base de práctica proporciona al artista un estilo propio y personal. No obstante, se tiene que conocer unas leyes o principios básicos aptos para poder empezar. Sin estas nociones empezaremos con un camino muy pedregoso. Lo primero, situarnos y coger el material. La situación variaría según el entorno. En el interior, dentro del estudio, nos colocaremos en la mesa de dibujo; en el exterior apoyar la hoja sobre una carpeta rígida o una base de madera para conseguir rigidez. El material, el imprescindible. No rellenar demasiado el aérea de trabajo para que éste no nos moleste al dibujar. Libreta u hoja, lápiz y goma lo básico. Y ahora a trazar...


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ACTITUD; La primera cosa que nos pasa si intentamos crear una obra a conciencia, y damos la impresión de que no avanzamos, los dibujos nos salen torcidos, mal proporcionados o incluso, ese perfil tan simple a simple vista es impensable plasmarlo en nuestra hoja en estos instantes.

Esa actitud es lo primero a modificar. No se debe pensar en lo mal que dibujamos o en la poca semejanza de nuestros dibujos; simplemente trazar, de momento, imitando literalmente las formas que nuestros ojos vean. Para ello se debe practicar un juego de visualización y trazo.

Coge un objeto, sitúalo delante de ti. Míralo unos segundos y realiza una línea imitando un trozo de ese objeto. Vuelve a mirar el objeto y continúa trazando. Sigue el procedimiento hasta terminar el dibujo.

Te habrás dado cuenta que en este periodo no has mal interpretado tus trazos. Simplemente has ido reproduciendo tal cual veías. Esta es la idea a asimilar.

A partir de este momento vamos a realizar ejercicios para facilitar nuestra adaptación a un dibujo más espontáneo y fluido.

POSICION, POSTURA Y HABITOS AL DIBUJAR

• Distancia; La idea principal es no acercarnos ni alejarnos demasiado del papel; sin una óptica clara y general de lo que estamos dibujando no podemos obtener lo deseado. Por lo tanto, dependiendo del tamaño del lienzo o del folio debemos situarnos en distancias diferentes. Si nuestro dibujo no supera el tamaño de una hoja tamaño carta la distancia recomendada es la de codo-cabeza. Cuando la superficie a aumentando también lo hace la distancia. Es a distancias relativamente grandes, como en murales, cuando la intuición y la experiencia del dibujante escogen la mejor longitud.

• Inclinación; A la hora de dibujar, como se ha dicho hasta ahora, se ha de tener una visión generalizada de lo que

estamos creando; la inclinación de la mesa ayuda a ello, a demás de proporcionar la libertad del movimiento del brazo necesaria. Si dibujamos sobre una superficie completamente horizontal el brazo ha de realizar un esfuerzo complementario. Cuando se extiende hacia la parte superior del papel el brazo ha de estirarse forzosamente, igualmente ocurre cuando nos acercamos el brazo hacia nosotros, que ha de replegarse. Al inclinar alejamos la zona próxima a nosotros y acercamos la alejada, consiguiendo así un "equilibrio" favorable. Esta inclinación también viene marcada por el tamaño de la figura: mayor tamaño-mayor inclinación, menor tamaño-menor inclinación. En obras de tamaño grande es conveniente situar el papel o el lienzo en posición vertical para podernos mover con facilidad por todas las zonas.

• Visión; La cabeza a de situarse paralela al dibujo, de manera que nuestra vista siempre sea perpendicular a la

superficie donde dibujar.

• Superficie; El rozamiento es el causante del desprendimiento de partículas de grafito (o el material con el que estamos trabajando) sobre el papel, por eso la zona de contacto entre estos dos elementos ha de presentarse siempre constante. Así evitaremos que nuestro trazo salga irregular y tosco. Si dibujamos sobre superficies rugosas obtendremos texturas no deseadas; aunque a veces se utilice intencionadamente como técnica de dibujo. Lo ideal son superficies lisas y duras para evitar el hundimiento de la mina sobre dicha superficie. Si nuestro lugar de trabajo no cumple dichos requisitos podemos servirnos de un tablero adicional de tamaño superior a la hoja que utilicemos para dibujar, para poder albergar toda su extensión.

• Material de referencia; Cuando estamos realizando un dibujo siempre se basará en un tema. Es muy aconsejable

disponer de material de referencia. En revistas especializadas (si dibujamos animales disponer de revistas del mundo animal, si lo hacemos con las plantas coger un libro de botánica, etc.), en periódicos (además de informarnos diariamente ofrecen cantidad de muestras gráficas en sus fotos), cómics, cintas de vídeo, Dvds; actualmente estamos rodeados de información fácilmente alcanzable. Aunque sin embargo lo que de verdad da práctica al artista es experimentar por su propia piel. Mientras nos desplazamos, cuando vamos de compras, al trabajo; absolutamente todo es tangible de ser interpretado como una nueva inspiración. Una pequeña libreta de mano nos permite ir tomando apuntes en cualquier sitio para así aprovecharlos cuando llegamos al estudio para dibujar.


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EMPEZAR A DIBUJAR

Para entrar al fascinante mundo del dibujo, lo primero que debemos realizar es coger soltura de la muñeca, por lo tanto ya es el momento de utilizar esos folios rayados y sucios para trazar líneas rectas de arriba a bajo. Todas ellas paralelas entre si utilizando la técnica de mano alzada.

Cada línea ha de hacerse de un único movimiento de muñeca. La línea ha de ser suave (no se debe apretar la hoja, ya que la fricción exagerada sobre el papel entorpece el avance de la mina), rápida y constante. Al realizar las líneas rápidamente y de un único trazo evitamos estar pensando el camino que traza la punta del lápiz. La línea sale mucho más recta y uniforme.

Ahora repite el la línea corta, e

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Rellena las últimas líneas sobre una hoja blanca, para ir perdiendo el miedo a la hoja desierta.

procedimiento pero extendiendo la línea a lo largo de la hoja. Para ello, debes mover el brazo. Como hiciste con l trazo ha de hacerse de un mismo tirón y espontáneo. Las últimas líneas realízalas sobre una hoja blanca.

a será trazar círculos sobre la hoja. Han de ser círculos frescos y naturales. Sin pensar en su perfección o

El segundo que intente imitar la dimensión del anterior. Vuelve a trazar otro círculo e imita este con el próximo. llenar un par de hojas.

jercicios ya tendrás suficiente confianza en ti mismo como para empezar a dibujar objetos reales.

ONTROL ue no usas para dibujar apartada de la hoja y fíjate en ella. Ahora intenta dibujarla sin apartar los ojos de la os de la mano. Traza el contorno, los pliegues y todos los detalles con la otra mano. Como en este ejercicio no lo que dibujabas, no has podido introducir ideas preconcebidas de la mano. Tu dibujo es fresco y espontáneo. ctamente lo que tus ojos te describían.

UE SE VEA, NO LO QUE SE CREA sitúalo sobre la mesa y dibújalo, a que ha sido relativamente fácil reproducirlo. Coge el mismo lápiz con la mano y gíralo para modificar su perspectiva. A continuación dibújalo. En este momento lo más seguro que te hayas e cuesta mucho más y probablemente no te haya salido proporcionado. Esto se debe a que no dibujamos lo que dea, el concepto que tenemos en la cabeza. Al dibujar aplicamos nuestro sentido común, el cual nos perjudica la ento.) roducirlo sin utilizar la memoria proporciona un trabajo más pesado y lento, pero más detallista y real.

N Y EQUILIBRIO se utilice podrás plantear tu dibujo, sin embargo la composición puede ir impuesta totalmente por el dibujante, nes y aprovechando mejor unas u otras zonas del papel. La colocación del dibujo y de sus elementos en rminadas denota sensaciones. El dibujo horizontal denota tranquilidad y solidez. Es apto para describir isajes. Un dibujo vertical demuestra fragilidad. Las ilustraciones en diagonal representan fuerza y dinamismo. xperimentemos podremos descubrir otros formatos de equilibrio.

la teoría. Solamente tenemos que evitar centrar la atención en el centro, colocar la atención ligeramente cluso situarlo en un extremo de la hoja. Tenemos que entender el dibujo como un escenario de teatro donde los escomponen en profundidades. Los objetos que están más cerca del espectador, los primeros planos, son más mentados. A medida que nos alejamos los trazos se vuelven más imprecisos y pequeños.

VOLÚMENES mento de subir un escalón en el arte del dibujo. Hasta la fecha, simplemente hemos reproducido lo que veíamos e momento tendremos que entender lo que vemos para transformar lo de nuestro alrededor en objetos simples odo elemento puede descomponerse en agrupaciones de cubos, esferas, cilindros y pirámides.


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Escoge el motivo que quieras dibujar. Es aconsejable que la primera vez que empieces a dibujar escojas un objeto inmóvil. Si tenías pensado escoger una persona, déjalo para más adelante, ya que aguantar la misma posición durante cierto tiempo es cansado y provocará que nuestro figurante se mueva, modificando la posición inicial. Ve realizando líneas suaves siguiendo los contornos y formas del objeto. En caso que se produzcan imprecisiones no utilices la goma, delinea de nuevo rectificando al lado de la línea incorrecta. De este modo no se pierde tiempo ni se desconcentra de la idea actual. Cuando acabemos tendremos ante nosotros una obra fresca, donde el artista ha ido representado líneas a medida que avanza en su creación. CONTENIDOS CONCEPTUALES: Seguramente en muchos de nosotros existe el fermento del artista, pero el desconocimiento de nuestras habilidades y de las diferentes técnicas, no nos ha permitido transportar a una hoja de papel ó a un lienzo la visión que tenemos de nuestro entorno. Por lo tanto pretendemos despertar interés en conocer apropiadamente el conocimiento de ciertos elementos que son básicos para darles forma a las figuras y adquirir seguridad en nuestras habilidades. Los elementos básicos que pueden repetir, superponer o modelar hasta obtener una forma agradable, se llaman ELEMENTOS PLASTICOS BASICOS de la Composición Artística y son: EL PUNTO, LA LINEA Y LA MANCHA. Cada uno de estos elementos ha alcanzado una gran valoración y se llevaran a la práctica por que con ellos se pueden realizar creaciones de extraordinaria belleza de acuerdo con la imaginación y sensibilidad estética del dibujante. El primer elemento es EL PUNTO, es un medio creativo que posee condiciones plásticas muy ricas dado su tamaño, agilidad y liviandad. Con él se pueden interpretar variedad de temas de naturaleza, obtener luces y sombras muy variadas por su carácter fino y transparente. (Fig. 1).

El segundo elemento es LA LINEA, que tiene un gran poder de expresión por sí misma; a través de ella es posible llevar la vista a un determinado lugar y controlar el sentido de la dirección. Produce además, diferentes sensaciones de acuerdo con la posición que tome: las líneas HORIZONTALES expresan calma y descanso (Fig. 2). Las VERTICALES dan un efecto de ascensión, fuerza y seguridad (Fig. 3). Los TRIANGULOS dan sensación de aplomo y permanencia (Fig. 4). Los CIRCULOS relación de inmensidad (Fig. 5), y los ANGULOS efectos de dirección y fuerza (Fig. 6).

Fig. 1

Fig. 2 Fig. 3 Fig. 4 Fig. 5 Fig. 6


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Se pueden crear efectos ópticos sorprendentes, cuando se repite la línea con trazos en forma ondulante, paralela o entrecruzada, arremolinada o con ligeras sinuosidades. (Fig. 7). Así mismo, con ella se pueden interpretar creativamente todas las formas de la naturaleza como: flores, árboles, plumas, hojas, cabellos, texturas. (Fig. 8).

Fig. 7 Fig. 8 Fig. 9 LA MANCHA, es el tercer elemento plástico. Esta puede realizarse con colores o en blanco y negro, mediante el esparcimiento o difusión de gotas de material en una superficie, por medio de diferentes técnicas. La mancha tiene un rico significado expresivo para representar incontable variedad de formas de la naturaleza, basada en la luz y sombra de los cuerpos. (Fig. 9). Es un elemento creativo de espontánea y libre ejecución, que ha originado muchos estilos de arte como la ABSTRACION PURA, el INFORMALISMO y el EXPRESIONISMO ABSTRACTO. Si bien es cierto que con cada uno de los elementos anteriores podemos obtener infinidad de creaciones compositivas, es importante conocer un ELEMENTO PLASTICO NATURAL como la TEXTURA, que no es más que la cualidad externa o superficie que presentan los cuerpos, los objetos y las cosas. En consecuencia, toda superficie tiene una trama diferente o por la disposición de los tejidos o de las partículas que la conforman. Por esta cualidad en muchas especies animales y seres de la naturaleza, observamos listados y figuras de coloridos variados con apariencias lisas o estriadas, suaves o ásperas, brillantes o mates a que le son características. (Fig. 10). Así las múltiples formas y apariencias que presentan las texturas, le sugieren al artista temas para realizar obras de extraordinaria belleza y las representa con el lápiz, pluma o pincel o directamente con la textura del objeto a la cual le agrega una tintura. (Fig. 11).

Fig. 10 Fig. 11

En fin, con la línea se sugieren y producen variedad de imágenes, por su condición de continuidad, desplazamiento y versatilidad para distribuirla en un plano e infinidad de relaciones.


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El siguiente paso es la COMPOSICION, lo cual es organizar los elementos de un conjunto con sentido armónico para conseguir efectos de emoción, belleza, plasticidad y estética. En dibujo existen unas normas o PRINCIPIOS FUNDAMENTALES que sirven para facilitar la buena organización de dichos elementos y que ayudan también a expresar las sensaciones, educar la visión y desarrollar la imaginación y la creatividad. Ahora bien, para dibujar es necesario el conocimiento y la práctica de los principios fundamentales de la composición artística tales como: EL RITMO, EL MOVIMIENTO y EL VALOR TONAL; pues son conceptos relativos a la manera como se emplean los elementos plásticos, para crear formas o figuras. EL RITMO es una sucesión de sílabas, de notas musicales, de elementos lineales o de colores. Este se manifiesta en el dibujo por la continuidad, la repetición y el arreglo de las líneas que vamos a utilizar para delimitar los contornos de las figuras o para realizar composiciones. Esa continuidad debe ser fácil y armoniosa para que la vista pueda recorrerla con tranquilidad y reposo y el espectador sienta emoción por su gracia y progresión. Todas las cosas y objetos de la naturaleza tienen ritmo: las plantas, los insectos, los contornos de las figuras de los animales, de las flores, del hombre. En algunos es dinámico y gracioso (Fig. 12) y en otros pasivo y melancólico. Con la infinita variedad de formas de la línea se obtienen diferentes ritmos: horizontales, curvos, verticales, angulares, paralelos, en espiral, en ese, en lazo, en parábola, ondulantes y otros. (Fig. 13). Si trazamos una línea horizontal en un espacio (Fig. 14), nos sugiere reposo, pero si la repetimos progresivamente (Fig. 15) y a intervalos regulares obtenemos una sensación rítmica que además, de facilitar el recorrido de la vista en todo el espacio, nos sugiere acción, arreglo, fluidez y movimiento aparente.

Fig. 12 Fig. 13 Fig. 14 Fig. 15 El MOVIMIENTO como principio de la Composición artística imprime a las figuras acción para animarlas y darles vida y orienta la visión del espectador dentro de los límites del cuadro. Mover o moverse se identifica con vitalidad y lo captamos en todas las cosas vivientes y en las inanimadas e inconscientemente tratamos de representarlo en cualquier dibujo que realicemos pues se encuentra en la imaginación del hombre. Por ejemplo: Al dibujar un tren, sugerimos el movimiento por el humo que sale de la locomotora, en dirección contraria a al que lleva el tren, si ensayamos a quitarle la espiral de humo, el tren queda parado o sin movimiento (Fig.16). En la (Fig.17), observamos simplemente un vehículo al frente de un árbol, en el cual no hay presencia alguna de movimiento, en la (Fig.18), representamos la misma escena pero añadiéndole movimiento, para este caso se puede aplicar el principio del ritmo, éste dará mayor o menor velocidad al carro, en la medida en que repita las líneas para sugerir movimiento. Si le aplicamos más rayas al carro dará la sensación de mayor velocidad y es una forma de expresar el principio del ritmo. Con esta experiencia podemos apreciar que una línea horizontal, indica un movimiento, pero si le imprimimos un ritmo o una cadencia determinada, el movimiento es más dinámico.

Cuando el dibujante le da vida a las figuras y organiza armónicamente los elementos que ya conocemos: líneas y colores, obtiene una COMPOSICION

ARTISTICA


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Fig. 16 Fig. 17 Fig. 18 Con base en los ejemplos descritos podemos afirmar que, el movimiento y el ritmo se producen simultáneamente y en la composición son principios básicos para darles animación y vida a todas las figuras y componentes de un cuadro y para que la vista del que observa permanezca dentro de los límites del dibujo sin distraerse. Además con la practica de estos dos principios, se obtienen composiciones abstractas con efectos ópticos agradables, producidos por el movimiento rítmico de los elementos básicos que utilicemos (Fig.19). El VALOR TONAL es otro principio fundamental de la composición artística porque se refiere a la armonía de las sombras claras y oscuras, producidas por los grises que deben llevar las figuras y cuyo atractivo obliga a observar con satisfacción la obra o a retirar la vista de ella. Todo objeto está influido por la luz, por lo tanto, los tonos claros u oscuros dependen de la intensidad con que ésta los afecte. Un ejemplo que ilustra la importancia de la luz, es una fotografía en blanco y negro, porque en ella observamos los contrastes claros y oscuros de las figuras, que nos permiten apreciar su realidad. Con la combinación de blanco y negro surge la escala de valores tonales para los grises, que se reducen a siete valores, como se aprecia en la (Fig.20), la cual representa una sensación según la intensidad de ellos. Al combinar los grises como aparece en los tres ejemplos ilustrados apreciamos sensaciones diferentes. Así en nuestras composiciones con puntos, líneas, manchas o texturas, podemos aplicar las intensidades o valores tonales de los grises, para lograr un gran atractivo y la sensación que deseamos que se aprecie. (Figs. 21, 22, 23).

Fig. 19 Fig. 20


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Fig. 21 Fig. 22 Fig. 23 Vitalidad y claridad. Corriente Común. Poca expresión. Gran Vigor. Expresión fuerte. Normalmelementseparad Cuando cual es eestablecpor el coni luces, Un dibunormalmprofund La sensaforma, esuperfic

El dibujo, como cualquier acción que el ser humano realiza, para conseguir un objetivo con seguridad exige una técnica, si se quiere dominar la situación. Por tanto, necesita un tiempo de aprendizaje para conseguir

dibujar lo que uno quiere y cómo uno quiere, y no lo que salga.

Atendiendo al material e instrumento utilizado para resolver el dibujo, se puede dibujar con carbón, lápiz, sanguina, pincel, pluma, rotulador, tiza o bien, con la pintura y color directamente. También se puede

hacer con un estilete como en los grabados, rompiendo la capa de parafina, o con el mango del pincel o un palillo como en las ceras si se da un color base. Es decir, cada artista encuentra la forma y manera que

mejor va con él y, si no encuentra ninguna adecuada la inventa.

ente, antes de comenzar a pintar un cuadro, es necesario definir qué vamos a pintar y cómo lo vamos hacer, de qué os se compondrá y cómo los vamos a colocar. Todo ello se suele resolver mediante dibujos previos de los elementos por o y en conjunto.

miramos un objeto, lo primero que percibimos es el contorno, el l conjunto de líneas que limitan un cuerpo o espacio y que en el dibujo propiamente dicho. Los niños distinguen los objetos ntorno pues es el que define las cosas sin necesidad de colores, ni sombras.

jo se compone sólo de dos dimensiones (ancho y alto) pero ente, se pretende crear la ilusión de la tercera dimensión: la

idad (el volumen).

ción de profundidad se expresa de forma convencional; de igual l contorno también es un artificio para definir un objeto en la ie del lienzo o papel.

La ilusión de profundidad puede expresarse por la línea bien jugando con el grueso de la misma o con el tono. El modelado o volumen de los objetos se produce por la combinación de la luz con la sombra. El dibujo no es la forma sino la manera de ver las formas (Degas). Se llega a la representación de un objeto mediante el dibujo, con una gran capacidad de observación de la realidad y potencia analítica, para ver el cómo y el por qué de lo que se observa y así encontrar el método más simple para su representación en el papel. Podemos ver en el dibujo las diferentes zonas tonales en que la luz divide a un cuerpo: medio tono, sombra propia, reflejo y luz. Fuera de él está la sombra proyectada.


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También podemos crearnos nuestra propia escala de tonos y dependiendo de la valoración de cada zona lograremos diversos efectos de luz. LAS CLAVES TONALES Mediante las Claves Tonales podemos transmitir unas sensaciones generales que en definitiva pueden llegar a ser lo primero que se perciba al mirar la obra. Por tanto, es muy importante definirla antes de comenzar a ejecutarla.


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Sugerimos aplicar las leyes de la composición a todos los cuadros, dibujos, fotos, imágenes, en definitiva, que se pongan al alcance de nuestros ojos. Se sorprenderán de los significados que encontrarán y cómo nos ayudará a comprender una obra de arte. Aunque aquí las exponemos dirigidas a elementos planos, si piensan en volumen, verán que son igualmente aplicables a la escultura y a la arquitectura.

Como un ejemplo más formal y recurriendo a la utilización del valor tonal sobre el dibujo convertiremos un círculo en una esfera.

Para cambiar un círculo totalmente plano en una esfera sólida, diseña el dibujo de un círculo tratando de no destacar demasiado en el uso del lápiz, luego procederemos a realizar sombra debajo del circulo para saber donde esta la fuente de luz principal, en contra de la luz la sombra es más profunda, Colocar muy temprano uno de los tonos más oscuros también ayuda a establecer los valores tonales. Posteriormente empezaremos a sombrear la esfera representando en ella la parte más oscura, esta será la primera de una serie de capas de las que vamos a construir hasta obtener el tono deseado. Después de mezclar continuamente los tonos oscuros hasta obtener su total difuminado procederemos a cuidar la luz del objeto, por lo general si colocamos bien nuestros tonos oscuros los tonos claros se conservarán por si solos ya que por supuesto no los hemos tocado. Y está la esfera terminada después de varias capas de sombreado y mezcla, usando los cinco tonos: 1. El Realce, donde la luz golpea el objeto. 2. La luz reflejada en la parte inferior del objeto. 3. El color real del objeto. 4. El lado oscuro del objeto. 5. La sombra emitida directamente por debajo del objeto, nuestro tono más oscuro.


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EJERCICIOS Observe los siguientes ejercicios realizados en cada cuadro, para el trazo de líneas rectas de diferentes sentidos. Trace el formato para esta practica en hoja de borrador (incluyendo margen). Trace cada línea con los sentidos indicados, a mano alzada, de lado a lado, con regular velocidad. Observe en la regla la distancia de los milímetros exigidos y calcúlela en el papel. Este ejercicio le ayuda a educar la visión para que la mano responda en forma segura. Gire el lápiz después del trazo de cada línea con el fin de lograr uniformidad en ellas, por que la mina se desgasta. Practique con constancia el ejercicio y poco a poco alcanzará mayor destreza para trazar la línea con dominio y agilidad. LA LINEA Ejercicios con líneas rectas horizontales.

Ejercicios con líneas rectas verticales.


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Ejercicios con líneas rectas oblicuas.


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Ejercicios con líneas curvas circulares, espirales y ondulantes.

Ejercicios con líneas mixtas.


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Composiciones con líneas rectas.


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Composiciones con líneas curvas espirales y ondulantes.

Composiciones con líneas mixtas.


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Composición obtenida con líneas circulares.


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Composición obtenida con líneas mixtas.

EL PUNTO Observe los siguientes ejercicios realizados en cada cuadro, para el trazo de puntos. Trace el formato para esta practica en hoja de borrador (incluyendo margen). Realice un dibujo ligero o boceto de las formas o figuras que interpretan uno de los temas. Distribúyalas adecuadamente dentro del espacio previsto. Modele las figuras con puntos. Aplique la valoración tonal de los grises con armonía. Obtenga efectos de luminosidad, lejanía, contrastes y profundidad. Observe si el producto le satisface porque es estéticamente adecuado. Si no le satisface diseñe otro boceto. Reinicie el proceso de nuevo para interpretar otro tema.


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Composiciones con puntos.

LA MANCHA Tome una hoja de papel, realice su correspondiente margen y proceda con un algodón empapado en agua a deslizarlo finamente sobre la hoja. Introduzca un pincel o una plumilla en tinta china y salpique indistintamente las gotas de tinta sobre la superficie húmeda. Observe el comportamiento de las diferentes formas y jaspeados producidos por el esparcimiento de las gotas sobre el papel húmedo. Busque la semejanza que tengan estos efectos conseguidos con la realidad y colóquele titulo.


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TEXTURAS Normalmente las primeras informaciones que tenemos de las cualidades de los objetos, nos las proporciona el sentido de la vista. Los primeros análisis son ópticos, posteriormente, si queremos reafirmar esas primeras percepciones recurrimos a otros sentidos como el del tacto. En el primer análisis tenemos una percepción clara de la forma y del color, y una intuitiva de la textura. La textura está relacionada con la composición de la materia del objeto en cuestión. Para confirmar estas cualidades que le suponemos a un objeto, recurrimos al sentido del tacto. La información percibida la primera vez, se asocia en todas las visiones posteriores del mismo objeto o similares a la cualidad táctil experimentada. De tal manera que, a las texturas, con el fin de poder evocarlas sin verlas ni tocarlas, se les ha descrito por medio del lenguaje hablado, para que nuestro cerebro procese las mismas y tengamos una idea exacta de esa cualidad diferencial que confiere identidad a cualquier objeto. Así podemos decir que la seda es suave, el papel de lija es áspero o el tronco de un árbol es rugoso, hablar de la lisura de un espejo, de la aterciopelada piel de un melocotón, del brillo refulgente y suavidad de una porcelana o del mate y rasposa superficie de un Cacharro de barro.

La textura es una cualidad abstracta, añadida a la forma concreta para personificarla y distinguirla entre las demás. La textura, por lo tanto, es una cualidad diferencial que ayuda a distinguir y reconocer los objetos, por ejemplo, un muro puede ser igual a otro en forma, superficie, color y simplemente distinguirse por su textura. Todo lo que percibimos por el sentido de la vista esta compuesto por formas, colores y texturas. En el caso del dibujo solamente habremos de conocer las cualidades de todos los útiles y recursos que tenemos a nuestro alcance como el papel, instrumentos y la técnica.

Pensemos por un momento en la textura que presentaría una calle reseca, llena de polvo, o después de una tormenta. Imaginémonos un paisaje urbano rural con sus viejos tejados de teja de barro en la que habitan ciertos líquenes y musgos o esos muros con piedras de distintos colores y materias que confieren a los muros una textura rugosa y áspera. En la mayor parte de las ocasiones no es necesario incidir mucho en este aspecto simplemente es necesario insinuar utilizando un carboncillo o un lápiz que suelte mucho grafito. También podemos aplicar un ligero raspado con una cuchilla con el fin de sacar luces y brillos, algún frotado con el difumino o borrador al fin de aclarar un poco, toques con el dedo...etc. También con el color podemos aprovechar algunos comportamientos de los pigmentos, por ejemplo: el negro marfil, al ser mezclado con cualquier color, tiende a producir no sólo un color diferente, sino también una textura distinta. El papel juega un papel muy importante a la hora de concretar una textura. El grado de satinado que posea el papel, la superficie más o menos lisa, o más o menos granulosa y rugosa son cualidades que debemos aprovechar. Por último advertir que no debemos confundir textura con detalle.


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POR ULTIMO;

La línea por sus virtudes de agilidad y desplazamiento fluido, es capaz de concretizar imágenes instantáneamente. Esta versatilidad expresiva acompañada de ritmo, le da la posibilidad de distribuir el plano o espacio en infinitas relaciones, produciendo con ello las más sorpresivas imágenes. Con solo trazar líneas rítmicas y paralelas se crea el efecto más sorprendente para la visión humana. Se trata del fenómeno de la distorsión de la luz, dando por resultado un tipo de arte óptico. Dentro de esta modalidad, ofrece la línea un campo infinito de creación. Movimientos rítmicos ondulantes con ligeras sinuosidades dan como resultado efectos de gran originalidad. Asimismo, las formas más caprichosas de la naturaleza que se interpretan como tejidos, plumas, cabellos, flores, texturas, sombras, volúmenes, perspectivas, se fundamentan en la línea como elemento creativo. A partir de este momento ya podremos con mucha seguridad el empezar ya y de manera segura a realizar nuestras composiciones artísticas, he aquí algunos ejemplos.


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FERNANDO GALARZA VEJARANO AÑO DE 2.008

artistica dibujo

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