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Teatro Cuyás1999 - 2019

AÑOS

SEPTIEMBRE 2019JUNIO 2020

SEPTIEMBRE 2019JUNIO 2020

Índice

SEPTIEMBRE 2019

La loca, loca historia de Ben-Hur 6 de L. Wallace

La Strada 8 de F. Fellini

OCTUBRE 2019

Entre bobos anda el juego 10de F. de Rojas Zorrilla

Play 12 Aracaladanza

ENERO 2020

Señora de rojo sobre fondo gris 32 de M. Delibes

Proyecto Fausto 34de A. Tabares

El mago 36de J. Mayorga

FEBRERO 2020

Siete hombres buenos 38 de J. Mayorga

Señor Ruiseñor 40de Joglars

Joaquín Reyes 42 Nuevo espectáculo

MARZO 2020

Adiós Peter Pan 44 de Festuc Teatre

Ballet Nacional de España 46 Electra

Rey Lear 48de W. Shakespeare

NOVIEMBRE 2019

Lizz Wright 14 Jazz Otoño 2019

La Veronal 16 Voronia

Electra 18 Companhia do Chapitô

7 años 20 de J. Cabeza

Lehman Trilogy 22 de S. Massini

DICIEMBRE 2019

James Rhodes 24 en concierto

Manolo Vieira 26 Nuevo espectáculo

Misericordia 28 de B. P. Galdós

Gran Canaria Big Band 30 & New York VoicesChristmas Time

ABRIL 2020

La fuerza del cariño 50 de Brooks y Gordon

Ángaro 52Pieles

Ballet Víctor Ullate 54 30 años de danza

MAYO 2020

Prostitución 56 de A. Boronat y A. Lima

Las cosas que sé 58 que son verdad de A. Bovell

San Juan 60de M. Aub

JUNIO 2020

¿Qué hacemos con Walter? 62 de J.J. Campanella

La Jaula de las locas 64de H. Fierstein y J. Herman

2019 2020

Espectáculos

La loca, loca historia de Ben-HurDe Lewis WallaceVersión: Nancho Novo Dirección artística: David Ottone y Juan Ramos Toro

Ideada y dirigida por Yllana, y escrita por Nancho Novo, Ben-Hur es una nueva y original mirada sobre el mítico personaje, desde la perspectiva del humor. Con un ritmo trepidante y un ingenio visual que ellos han definido como: TEATROMASCOPE, una propuesta que permite un juego constante entre el lenguaje cinematográfico y el teatral, y que acerca tan épica historia al espectador de hoy sin perder un ápice de su grandiosidad. Un auténtico espectáculo en 3D sin necesidad de usar gafas.

La obra está plagada de ingeniosos gags, mordaces y absurdos diálogos y una curiosa reflexión sobre la verdad, el amor y la lucha de género. Cuatro actores y dos actrices en estado de gracia, dan vida a multitud de personajes para volver a mostrarnos, esta vez sin cortapisas, lo que nadie se atrevió a contar sobre Ben Hur... “Nunca serán iguales las Navidades”.

SINOPSIS

En un teatro romano, una compañía del siglo I anuncia que va a representar “La verdadera y nunca contada historia de Ben-Hur”.

Fiel al contenido de la novela, la obra viaja por todos los lugares comunes del imaginario co-lectivo: el comienzo con los Magos de Oriente siguiendo una estrella que les guiará al Portal de Belén, la teja que se cae hiriendo al prefecto romano y cuyas consecuencias arrastrarán a Ben–Hur a una fabulosa aventura. La aparición de Cristo, que paraliza con su mirada hasta a los

legionarios romanos, la memorable batalla naval, la carrera de cuádrigas… y, sobre todo, la acé-rrima rivalidad entre Judá Ben-Hur y su amigo del alma, Messala. Un encono que les llevará a competir hasta la muerte.

¡¡O quizás no!!!

Porque en esta historia las cosas no son lo que parecen.

Mejor dicho, en esta historia las cosas sí son lo que parecen…

Reparto:Agustín Jiménez, Elena Lombao, Richard Collins-Moore, Víctor Massán, Fael García y María Lanau.

Una coproducción de Festival de Teatro Clásico de Mérida, Focus e Yllana.

Fotos: David Ruano

V20 - S21 Septiembre 2019 20.30h.

T

TeatroDuración: 1 h. 50 min.

Precio23€ - 20€ - 15€ - 12€ Espectáculo con descuentos (Pág. 68)

19 Septiembre, 19.00h.Sala Josefinade la Torre

7

PATROCINA

La StradaDe Federico FelliniVersión: Gerard Vázquez Dirección: Mario Gas

La poesía y la miseria se unen en esta obra que refleja la Italia de la postguerra. Todo comienza cuando una muchacha ingenua y tranquila es vendida por su madre a un forzudo de circo, bravucón y violento, para que le ayude en su espectáculo ambulante. En el camino surge entre ellos un atisbo de amor, que no consigue aflorar a causa del orgullo de él y la timidez de ella. Ambos comparten una profunda soledad y una vida de marginación, desarraigo y miseria, hasta que se encuentran con el Loco, otro artista de circo que provocará los celos de Zampanó y con ello un trágico desenlace.

La Strada cuenta la historia de tres personajes que se encuentran en el camino durante la postguerra. Tres personajes atrapados en una vida a la que están condenados por su propio carácter a un destino trágico que resulta inevitable.

A través de tres personajes casi sin artificio, La Strada habla de todos nosotros, de nuestra dificultad para cambiar, para luchar contra las ideas preestablecidas que moldean nuestro pensamiento de forma invisible, de nuestra

ceguera para romper las cadenas que nos impiden salir de la caverna y conocer... para ser más libres.

Entrañable y conmovedora, La Strada es como mirar un lago cristalino. Vemos el fondo, pero solo tenemos que cambiar el foco para vernos reflejados nosotros mismos. La Strada es una fábula de rabiosa modernidad. Una tragedia donde lo dramático y lo simbólico conforman un relato poético sobre la fragilidad con la que construimos el sentido de nuestra vida.

Reparto:Alfonso Lara, Mar Ulldemolins y Alberto Iglesias.

Fotos: Sergio Parra

V27 - S28 Septiembre 2019 20.30h.

T



26 Septiembre, 19.00h.Sala Josefinade la Torre

CRÍTICA

La historia se juega en el combate de los contrastes: la inocencia y el maltrato, la búsqueda de la vida y el encuentro con la muerte. Nunca Fellini fue más Chéjov, nunca Mario Gas logró unir a Chéjov con Samuel Beckett y los cómicos del cine mudo. ABC

9

PATROCINA

Entre bobosanda el juegode F. de Rojas ZorrillaVersión: Yolanda PallínDirección: Eduardo Vasco

LA VERSIÓN: LA FRIVOLIDAD QUE NOS SALVA

Como dice Eric Bentley en La vida del drama “si la comedia llega a perder su tono frívolo, se convierte en teatro social serio”. En el caso de la comedia de figurón es más que evidente su intención satírica; y toda sátira encierra, en menor o mayor medida, la denuncia de comportamientos perniciosos, además de un interés crítico con frecuencia ajeno a la comedia romántica. Como en el barroco todo es mezcla, no hay comedia de capa y espada en nuestro repertorio que no tenga rasgos farsescos; y, salvo los entremeses y en las comedias burlescas, no hay otro subgénero que se encuentre más cercano a la farsa que la comedia de figurón.

Pero donde la farsa es hostilidad y desmedimiento, la comedia defiende la convicción de algunas verdades de orden social y emocional.

Yolanda Pallín

SINOPSIS

Don Lucas del Cigarral es un caballero adinerado, ridículo y desmedido que pretende casarse con doña Isabel de Peralta que, sin embargo, ha quedado prendada de don Pedro, primo de don Lucas, y tan apuesto como pobre. Ambos quedaron enamorados en un encuentro fortuito que tuvieron antes de conocerse y se reencuentran porque el propio don Pedro es el encargado de realizar los primeros contactos con la dama antes de su boda y esto da pie a que los enamorados cultiven su amor de manera

intensa. Mientras intentan burlar a don Lucas, aparecen dos estorbos imprevistos: otro galán, don Luis, que también pretende a Isabel y una dama, doña Alfonsa, hermana de don Lucas, que anda detrás de don Pedro…

El enredo está servido y a cargo de Cabellera, Carranza y Andrea, los criados que engrasarán el mecanismo de esta obra, que transcurre prácticamente en un camino, con parada, fonda, nocturnidad y alevosía; el mejor caldo de cultivo ideal para la comedia de enredo.

Reparto:Daniel Albaladejo, Arturo Querejeta, Isabel Rodes, José Ramón Iglesias, Fernando Sendino, Rafael Ortiz, José Vicente Ramos, Elena Rayos y Antonio de Cos.

Noviembre Teatro

Fotos: Asís G. Ayerbe

COORGANIZA

3 Octubre, 19.00h.Sala Josefinade la Torre

V4 - S5 Octubre 2019, 20.30h.

TTeatroDuración: 1 h. 30 min.

Precio23€ - 20€ - 15€ - 12€ Espectáculo con descuentos (Pág. 68) 11

PATROCINA

Playde AracaladanzaIdea y dirección: Enrique CabreraCoreografía: Aracaladanza

Tras su estreno en diciembre de 2018 en los Teatros del Canal (Madrid), Aracaladanza explora un nuevo desafío que obliga a la compañía de danza contemporánea madrileña a abandonar la certeza de un camino iniciado hace una década con la puesta en escena de “Pequeños Paraísos”.

PLAY significa un nuevo y fresco punto y aparte en la historia de la compañía, conocida internacionalmente por unas producciones escénicas dedicadas al público familiar e infantil.

Con la contribución de un equipo artístico de vanguardia que ha compartido inventiva, magia y valores estéticos durante cerca de 15 años, Aracaladanza no ha buscado el impulso de pintor alguno. Ni ha buceado en el universo de un gran artista.

La necesidad de sentirse totalmente libre para lograr así disfrutar del proceso artístico y, también, el deseo de dedicarse simplemente a jugar es la fuerza que impulsa esta nueva producción que es llevada a escena por cinco bailarines que han trabajado junto a Enrique Cabrera, verdadera alma impulsora de Aracaladanza, para construir un trabajo basado en el juego.

Con el apoyo de los Teatros del Canal de Madrid, la ayuda de SHCAT (de Shanghai), Comunidad de Madrid, el teatro londinense Sadler’s Wells y el Festival Grec de Barcelona 2019, la compañía ha trabajado para crear este espectáculo en el que desea reflejar la calidad y el espíritu que siempre ha mostrado sobre los escenarios de los cinco continentes.

SINOPSIS

¡No! ¡No se abre el telón al empezar!

Antes, hay que “construir” el escenario. Y llenarlo de cojines. Y colocar al bailarín.

E iluminarlo todo.

Y entonces, y sólo entonces el escenario cobra vida, suspendido.

Para jugar a la “gallinita ciega”. O para entrecruzar gomas y participar en un antiguo

videojuego. Para saltar sobre el sofá, o descubrir cisnes buscando su lago.

Para seguir a perros bailarines que escuchan gatos o llenarse la cabeza de aire. Para provocar fuegos artificiales o danzar todos juntos.

PLAY es una fiesta sin respiro que contagia alegría, alienta la sonrisa y comparte diversión.

Y el telón, esta vez, tampoco baja.

Porque la fiesta continúa después…

Reparto:Jorge Brea Salgueiro, Raquel de la Plaza Húmera, Jonatan de Luis Mazagatos, Elena García Sánchez y Jimena Trueba Toca.

Fotos: Pedro Arnay

S26 Octubre 2019, 18.00h.

F

Danza FamiliarDuración: 55 min.

Precio+ 14 años:15€ - 12€ - 12€ - 8€ - 14 años:12€ - 10€ - 10€ - 6€ Espectáculo sin descuentos (Pág. 69)

PROYECTO PEDAGÓGICO DEL TEATRO CUYÁS

ESPECTÁCULO PERTENECIENTE A LA PROGRAMACIÓN DE:

PATROCINAPara niños y niñas a partir de 4 años

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Jazz Otoño 2019 Lizz Wright

Como en sus anteriores álbumes presenta un jazz vocal exquisito con barniz soul y raíces en el góspel. Según The New York Times, es la heredera de una línea directa que va de Odetta hasta Tracy Chapman, cantantes que tienen como fuente primigenia la tradición espiritual afroamericana.

LIZZ WRIGHT

La famosa vocalista Lizz Wright se ha ganado fama internacional a través del lanzamiento de cinco álbumes aclamados por la crítica. Nacida en el estado de Georgia, su padre fue predicador y su madre cantaba gospel en misa. Tiene dos hermanos con quienes formó un trío vocal que acompañaba a su padre en la iglesia. A los 14 años aprendió a tocar el piano. Estudió canto en la Georgia State University de Atlanta y más tarde en Nueva York y en Vancouver.

Con 22 años, Lizz Wright se hizo un nombre como vocalista a nivel nacional con un concierto en homenaje a Billie Holiday. Un año después presenta su primer disco, Salt, encabezando las listas de jazz contemporáneo de Billboard. Su posteriores álbumes -Dreaming Wide Awake, The Orchard, Fellowship, y Freedom & Surrender de 2015- continuaron encabezando las listas. Su single de Freedom & Surrender, Lean In, llegó a la lista de reproducción que hizo en Spotify el verano de 2016 del Presidente Obama.

Fotos: Jesse Kitt

S2 Noviembre 2019, 20.30h.

M

MúsicaDuración: 1 h. 40 min.

Precio30€ - 30€ - 25€ - 15€ Espectáculo sin descuentos (Pág. 69)

CRÍTICAS

Wright se ha convertido en la protagonista de las cantantes de jazz actuales, capaz de hacer suyas y transformar canciones de géneros dispares. Su disco Grace es su homenaje a su sur natal -creció como la hija de un predicador en Georgia-, aunque sus canciones tienen diversas fuentes. Una mezcla poderosa. THE GUARDIAN

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La VeronalVoroniaDirección: Marcos MorauCoreografía: Marcos Morau encolaboración con los intérpretesDramaturgia: Pablo Gisbert – El Conde de Torrefiel y Roberto Fratini

CRÍTICAS

Rabiosamente contemporánea. ABC

Una pieza exquisita sobre la maldad, con un brillante trabajo coral y una sofisticada puesta en escena. EL PAÍS

Majestuosidad, inteligencia y belleza. ARA

Una puesta en escena muy depurada y simbólica, a través de una danza hipnótica. EL PERIODICO

Coherencia dramatúrgica, más rito, más mito y menos texto. LA VANGUARDIA

Una pira creativa de lo más superlativo nunca ofrecido por La Veronal. ESCENA

DE LA MEMORIA

Hipnótica, conmovedora, imaginativa. NÚVOL

¿QUÉ o bien DÓNDE está el Mal?

La Veronal se lo pregunta, mediante la coreografía, la imagen y el texto, en esta creación de 2015. Y, en busca de una respuesta enigmática al enigma del mal, se adentra simbólicamente bajo tierra, en la cueva más profunda del mundo, una cavidad llamada Voronia que se sitúa en el Cáucaso occidental y que aquí se convierte en una alegoría de lo indecible: un vacío, incluso el lugar de una aterradora indiferencia, donde toma forma la

apasionada tendencia de la humanidad a usar el pretexto del bien y de la inocencia para alcanzar todo tipo de violencia. Un vacío, un centro de gravedad donde el Dios único de mil religiones se convierte en la mejor razón para hacer lo peor; donde una humanidad alucinada, casi sin darse cuenta, va bajando todos los niveles de su abismo moral, todos los círculos de su Hades, sin parar de festejar y festejarse; acompañada de todos los ídolos y símbolos y rituales y decálogos que se ha inventado para creer;

Intérpretes:Joaquín Collado, Rober Gómez, Jon López, Ariadna Montfort, Lorena Nogal, Shay Partush, Marina Rodríguez y Sau-Ching Wong.

Fotos: Jesús Robisco

COORGANIZA


D

DanzaDuración: 1 h. 10 min.

Precio único20€ Espectáculo sin descuentos (Pág. 69)

convencida de ir hacia arriba mientras una fuerza irresistible la precipita hacia una total, subterránea y banalísima ausencia de bien: la revelación, tal vez, de que no hay ya nada por revelar; o la revelación de que el centro de gravedad donde se reúne todo lo más grave (“il mezzo al quale ogni gravezza si rauna” del que hablaba Dante), el corazón mismo del infierno, es también el lugar más superficial, el más normal de todos. Y no tiene fondo.

Ser en el mal significa siempre ir lo más lejos posible. Georges Bataille

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ElectraCreación colectiva: Companhia do ChapitôDirección artística: José Carlos García & Claudia Novoa

Electra es el montaje con el que la Companhia do Chapitô, fundada en 1996, celebró sus primeros 20 años de existencia. La compañía emplea siempre la comedia por su poder para cuestionar todos los aspectos de la realidad física y social. Desde su nacimiento, ha creado espectáculos multidisciplinares que se asientan en el trabajo físico del actor, en un proceso colectivo y en constante desarrollo que interpela a la imaginación del público y que se relaciona estrechamente con él. Chapitô se comunica principalmente a través del gesto y de la imagen, rompiendo las barreras lingüísticas y poniendo de relieve su vocación universal, lo que le permite mantener una relación muy próxima con los espectadores.

Después de Edipo, la Companhia do Chapitô se atreve con otro título complejo –que no complicado– dentro del teatro clásico griego: Electra. Y aun partiendo del episodio trágico de venganza de la hija de Agamenón y Clitemnestra, la compañía elabora una sofisticada parodia en un ingenioso espectáculo de actualización, coherencia estilística, trabajo físico y concreción escénica: apenas se necesitan tres intérpretes y una escenografía a base de cucharas de postre para traer hasta nuestros días el mito de Sófocles en clave humorística y sin perder un ápice de su naturaleza trágica.

Reparto:Jorge Cruz,Susana Nunes yTiago Viegas.

Fotos: Catarina Veiga


FTeatro FamiliarDuración: 1 h.




PATROCINARecomendado para mayores de 12 años

CRÍTICAS

Son irreverentes, desaforados, respetuosamente irrespetuosos, si se me permite la expresión, y sus versiones seguramente divertirían a Esquilo, Sófocles y Eurípides. EL DÍA

Chapitô tiene el don de saber contar estas historias griegas llenas de laberintos de la manera más divertida y comprensible. LE COOL LISBOA

Un espectáculo de portentosa invención, coherencia estilística y gran concretización. JORNAL DE LETRAS

SINOPSIS

En la Atenas del rey Agamenón se convoca una guerra para liberar a la bella Helena de las garras de su secuestrador. Al no tener viento favorable para sus barcos, Agamenón sacrifica a su hija Ifigenia por indicación de los profetas. Este hecho desencadena que Clitemnestra trame su venganza junto a Egisto, su amante y primo del rey. Tras diez años de guerra, al volver de Troya, Agamenón es asesinado y Electra, la hija preferida del padre, por el que siente devoción, consumará su venganza con la ayuda de su hermano Orestes, matando a su propia madre y a su tío. Todo este baño de sangre familiar se narra con el estilo propio e inconfundible de la Companhia do Chapitô: en clave de comedia desternillante.

19

7 añosObra basada en la película original de NetflixIdea original: José CabezaVersión y dirección: Daniel Veronese

SINOPSIS

Cuatro personajes, tres hombres y una mujer, se reúnen en el ‘loft’ que ocupan sus oficinas en el centro de Madrid, fuera de su horario laboral. No es un encuentro festivo y, aunque los cuatro se conocen desde hace años, tampoco es un encuentro amistoso.

Sus peores temores se han cumplido, el fisco les ha pillado y es cuestión de horas que la policía entre en la empresa a detener a los cuatro.

Según sus abogados, la mejor opción, tanto para ellos como para la empresa, es que uno de ellos se entregue y asuma la responsabilidad de los delitos cometidos, algo que le llevará a pasar siete años en prisión. La solución no les parece mal pero lleva un inconveniente implícito...

¿Quién asume la culpa? ¿Cuál es el precio de pasar casi una década entre rejas?

Reparto:Miguel Rellán, Carmen Ruiz, Eloy Azorín, Juan Carlos Vellido y Daniel Pérez Prada.

Fotos: Sergio Parra

V22 - S23 Noviembre 2019 20.30h.

T



21 Noviembre, 19.00h.Sala Josefinade la Torre

CRÍTICAS

¡Qué fácil es hacer buen teatro cuando se tienen los ingredientes adecuados! O, por lo menos, qué fácil parece. Y cómo agradece el público una buena función de teatro como es «7 años»,

El argentino Daniel Veronese lleva a la práctica esa máxima que dice que la mejor dirección es la que no se nota. Y es que se acompasa al ritmo interno del texto y deja que sea él y los actores quienes construyan la función. Destaca, por jerarquía y naturalidad, Miguel Rellán; es uno de esos actores a los sienta bien cualquier personaje que encarna, y que tiene la virtud de hacer que parezca fácil lo que en realidad es muy difícil, lo mismo que el buen teatro. ABC

Una espléndida obra teatral de intriga psicológica que se ve de principio a fin sin pestañear.Está contada con mucha destreza y con la suficiente pretensión filosófica para convertir este thriller en una grandísima y gratísima obra de arte al estilo del mejor teatro clásico norteamericano. Y, si tenemos en cuenta que la función contiene también buenas dosis de inteligente humor adecuadamente administrado, no puede uno sino quitarse el sombrero. LA RAZÓN

21

PATROCINA

Lehman Trilogyde Stefano MassiniDirección: Sergio Peris-Mencheta

¿CÓMO HEMOS LLEGADO HASTA AQUÍ?

Lehman Trilogy reflexiona sobre el poder destructor del dinero y la deshumanización que han sufrido las instituciones económicas y políticas desbordadas por la loca carrera en busca del fácil beneficio.

3 actos, de alrededor de 45 minutos cada uno, conforman un espectáculo diferente a lo habitual en su formato, atravesando a través del humor y del relato, las diferentes etapas de la

construcción del capitalismo moderno, con un aroma a la vez pedagógico y crítico, haciendo al público partícipe de los vaivenes de la economía.

El relato comienza a las 4:58 de la madrugada del 11 de septiembre de 1844, momento en el que Heyum Lehman, el hijo mayor de un comerciante de ganado de Baviera, desembarca en el puerto de Nueva York, y termina el 15 de septiembre de 2008, con el anuncio de la quiebra de Lehman Brothers, 158 años después.

Reparto:Aitor Beltrán, Pepe Lorente, Darío Paso, Leo Rivera y Víctor Clavijo.

Premio Ercilla de Teatro 2018 al Mejor Espectáculo Teatral.

Fotos: Sergio Parra

V29 - S30 Noviembre 2019 20.30h.

T

TeatroDuración: 3 h. 30 min.con 2 pausas


28 Noviembre, 19.00h.Sala Josefinade la Torre

Más de 120 personajes desfilan delante de nuestros ojos, en un fascinante viaje que narra la deriva del capitalismo moderno, en un tono mordaz e irónico, a través del relato de la saga de tres generaciones de una familia de judíos.

Lehman Trilogy es un cuento cuyo desenlace conocemos, donde lo importante no es el QUÉ, sino el CÓMO.

CRÍTICA

Massini es un estupendo narrador, con poesía y capacidad de síntesis, y su función es un gran espectáculo. El capitalismo como una carrera sin límites, dibujada con didactismo pero sin sombra de panfleto, presentando a los personajes en toda su humanidad, con sus luces y sombras. EL PAÍS

Fascinado por el texto de Stefano Massini, por lo que tiene de viaje en el tiempo, por su aroma de cuento para adultos, desde el primer momento lo visualicé como un espectáculo musical. Me invadió la idea de recorrer esos 160 años de la historia de Estados Unidos de la mano de 6 músicos-actores o actores-músicos, 6 juglares, 6 vendedores de crecepelo, 6 maestros circenses, 6 trileros que nos hagan viajar durante 3 horas a través de la historia de la saga Lehman, a ritmo de worksong, de minstrel, de rythm and blues, de espiritual negro, de ragtime, de twist, y por supuesto de coro espiritual yiddish.

Sergio Peris-Mencheta

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PATROCINA

James Rhodesen concierto

Y es que en sus conciertos, James Rhodes habla de las piezas que interpreta, cuenta por qué las ha elegido, qué importancia tienen para él y en qué contexto se compusieron. Así nos lo explicaba en el prólogo de su primer libro, “Instrumental. Memorias de música, medicina y locura” (7ª edición, más de 100.000 ejemplares vendidos), con el que ha obtenido un enorme e inesperado éxito en todo el mundo.

Su libro más reciente, “Fugas” –“Fire on all Sides” en su edición en inglés–, repasa una de sus giras más importantes y recoge las vivencias, miedos y derivas emocionales de su día a día, siempre rodeado de la música que tanto ama.

Reverenciado por la crítica por su estilo irreverente e innovador, Rhodes aporta un toque muy personal a cada una de sus actuaciones. Y su actuación de este año en el Teatro Cuyás de Las Palmas de Gran Canaria promete ser mágica, sin duda, y no dejará a nadie indiferente…

JAMES RHODES

La música que interpreto en esta nueva gira nos habla de nuestros mundos internos y externos. Desde la interioridad de Beethoven y la espiritualidad de Chopin hasta el alegre y grandilocuente mundo de Bach, sumergirse en el universo de estos grandes compositores nos brinda una oportunidad única para escapar del mundo cada vez más loco en el que vivimos y recargarnos un poco las pilas.

Así nos presenta James Rhodes el show de su nueva gira de 2019, en el que el pianista

británico interpretará un programa totalmente nuevo con piezas de Bach, Chopin y Beethoven.

Carismático, visceral y muy talentoso, James Rhodes asegura que Bach le ha salvado la vida. Y no exagera. A sus 43 años se ha convertido en uno de los principales divulgadores de la música clásica en el mundo, gracias a sus giras y conciertos en todo tipo de festivales y salas, y varios documentales sobre su figura filmados con la complicidad de cadenas de televisión británicas.

Programa:L. van Beethoven: Sonata in D minor Op 28 ‘Pastoral’

F. Chopin: Scherzo n. 2 in B flat minor Op 31

F. Chopin: Nocturne in C minor Op 48/1

J. S. Bach arr F Busoni: Toccata, Adagio & Fugue in C BWV 564

Fotos: Richard Ansetty Peter Hundert

X4 Diciembre 2019, 20.30h.

M



CRÍTICASLo bueno de James Rhodes es la forma que tiene de llegar al público joven, que desconoce la música clásica, porque los mete de lleno en lo más difícil -Beethoven, Bach- con actuaciones que destilan tal naturalidad y brillantez que es imposible resistirse.THE TIMES

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Manolo VieiraNuevo Espectáculo

Son años los que se necesitan para crear una familia. Un grupo de personas que conviven sumando experiencias que, de un modo u otro, son nuestras mismas vivencias. Historias que reconocemos en nuestra vida cotidiana y las tomamos como algo nuestro. Vidas de otros que también son el reflejo de nuestras propias vidas, eso si, llevadas a un aspecto absurdo y cómico; pero tan real como la misma vida nuestra.

Carmelo, Maruca, Fefita, Alerxis, Cuco, Fefo, Chanin, el cuñado (con el cacho de cartón), la

azafata soplando (Fu Fu), la abuela royendo un trozo de pan, la ensaladilla rusa rociada de arena, el traje de la boda arrastrando aceitunas y palillos, ¡adiós Canarias querida!, ¿yo que te ha hecho?, te espero en la curva de La Laja...

Manolo Vieira nos presenta su nuevo espectáculo, con historias de siempre y nuevas sorpresas. Con la única pretensión de reírnos juntos de nosotros mismos (eso sí, sin faltarnos el respeto). Que no te lo cuenten, ¡vívelo!

V6 Diciembre 2019, 20.00h.S7 Diciembre 20.00h. y 22.30h.

T


Precio único20€ Espectáculo sin descuentos (Pág. 69) 27

Fotos: Alejandro Quevedo

Misericordiade Benito Pérez GaldósDirección: Los Profetas(Juan Ramón Pérez, Fernando Navas y Carmelo Alcántara)Versión: Miguel Ángel Martínez

MISERICORDIA es un retablo de la miseria de Madrid, en sus infinitas gradaciones. A la par que un retrato del ser humano: capaz de abnegación sin límites y de ingratitud igualmente infinita.

La protagonista es la señá Benina, criada de lo que en tiempos fue una casa acomodada pero que, dado el mal gobierno del ama de la casa, ha acabado en la pobreza más vergonzante. Benina, apegada a la familia como si fuera la propia, sale cada día a pedir limosna, para que no falte lo elemental, pero encubre su dedicación a la mendicidad ante los ojos de su señora fingiendo que va a trabajar como cocinera a casa de un cura.

Mientras Benina corre de la ceca a la meca pidiendo, tapando deudas y haciendo malabares para poder comer, todavía tiene tiempo y moral para ayudar a los que están aún más desfavorecidos que ella. Y en sus ratos libres fantasea junto a su ama con que un golpe de fortuna les devuelva a su primitivo estado. Y en efecto la fortuna se acuerda de ellas y doña Paca, la señora, recibe una herencia que le permite volver a la vida acomodada de sus primeros años. Por desgracia no hace partícipe de su riqueza a Benina, que se marcha de la casa y sigue con su vida de mendicante, pero resignada y feliz.

Galdós, en esta obra maestra, disecciona la sociedad, el espacio que la constituye, y dibuja una España decadente, donde la doble moralidad burguesa, con todas las hipocresías y bajezas, es la que rige los designios de la sociedad.

El título Misericordia, novela de Benito Pérez Galdós, indudablemente con valores universales, encierra un doble sentido y hace referencia al atributo divino encarnado en la piedad de sus protagonistas, pareja inmortal de nuestra literatura, la criada y mendicante Benina y el ciego Almudena. Con un descarnado argumento que, con el mismo título que la novela original, hemos solicitado al también canario Miguel Ángel Martínez (El Corredera, …), nos llegan con fuerza y nitidez los ecos del genio Galdós y lo que la crítica ha dado en llamar “Evangelio Laico”.

Un estreno absoluto cuyo reparto se está aún completando. Para la escenografía, vestuario e iluminación contaremos con el equipo habitual - encabezado por Bartolomé Ruano - de Profetas de mueble bar, compañía teatral que cumple en 2020, cuarenta años de reconocida trayectoria. Al frente, el equipo de directores (Juan Ramón Pérez, Fernando Navas y Carmelo Alcántara) que configura la nómina habitual desde sus orígenes.

Profetas de mueble bar

Foto Pérez Galdós: FEDAC

V20 - S21 Diciembre 2019 20.30h.



Gran Canaria Big Band & New York VoicesChristmas Time

NEW YORK VOICES

Más de 30 años llevan los New York Voices en esta exigente industria de la música, y no muestran signos de desaceleración en sus actuaciones. Este grupo vocal aclamado por la crítica mundial ha refinado su historia musical hasta el punto de ser considerada como gran arte. Son conocidos por sus voces unidas y aterciopeladas, así como contar con arreglos que hacen que se origine una mezcla vocal sin parangón. Su musicalidad, similar a las características de un camaleón, les permite moverse sin problemas de una configuración a otra, ya sea orquesta sinfónica, big band o a capella. Han colaborado con inmensas figuras del jazz como Bob Mintzer, Don Sebesky, Michael Abene, Keith Lockhart o Rob Fisher, quienes conocen y admiran la complejidad de lo que hacen y siempre quieren algo fuera de lo común cuando desarrollan nuevos proyecto con ellos.

GCBB - X ANIVERSARIO EN EL CUYÁS.

Tras el éxito cosechado el pasado año con el gran Paquito D´Rivera, la Gran Canaria Big Band nos vuelve a ofrecer un concierto muy especial. Esta vez con un marcado carácter festivo en el que la navidad será la protagonista, con el espectáculo que junto a los geniales e internacionalmente reconocidos New York Voices tienen preparado, para hacer que este concierto sea una experiencia inolvidable en estas entrañables fechas.

V27 - S28 Diciembre 2019 20.30h.

M


Christmas Time (Tiempo de Navidad), es el título que Sebastián (Chano) Gil y Darmon Meader (director artístico de New York Voices) han querido poner a un espectáculo que girará en torno a los temas navideños más tradicionales en clave de jazz, con formidables arreglos que confeccionaron los New York Voices para editar su flamante trabajo discográfico Let It Snow.

Nos podremos encontrar con un concierto muy familiar en el que este maravilloso cuarteto vocal, junto a nuestra Gran Canaria Big Band nos trasladará a un genuino tiempo de navidad con temas como Let It Snow, O little town of Bethlehem, Have Yourself a Merry Little Christmas,…que, combinados con interpretaciones a capella de los New York Voices y alguna sorpresa preparada para este show, nos harán pasar una navidad musical diferente.


Fotos: Chris Carroll

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Señora de rojosobre fondo grisde Miguel DelibesAdaptación: José Sámano, José Sacristán e Inés CamiñaDirección: José Sámano

SINOPSIS

Un pintor, con muchos años en el oficio, lleva tiempo sumido en una crisis creativa. Desde que falleció de forma imprevista su mujer, que era todo para él, prácticamente no ha podido volver a pintar.

Estamos en el verano y otoño de 1975. La hija mayor de ambos está en la cárcel por sus actividades políticas, y es en esas fechas cuando surgen los primeros síntomas de la enfermedad

de su madre que la hija vivirá desde dentro de la prisión. Es otro recuerdo permanente en la vida de su padre, que también ahora revive.

Esta obra teatral es el relato de una historia de amor en camino desenfrenado hacia la muerte, que nos sitúa en aquella España con rasgos inequívocos, que nos habla de la felicidad y de su pérdida, y que llega a la intimidad de cada ser humano y a su emoción, por el camino recto y simple de la verdad.

Reparto:José Sacristán.

Producción: Sabre Producciones, Pentación Espectáculos, TalyCual y AGM.

Fotos: Pablo González Sarompa

V10 - S11 Enero 2020, 20.30h.

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CRÍTICAS

LA ENFERMEDAD, LA MUERTE Y LA VIDATras ver al actor entregado a esta aventura llena de dolor, permanentemente enamorado, abriendo una herida a medida que avanza la narración, el espectador ya nunca podrá imaginar este papel en otra voz que no sea la de Sacristán.José Sámano… pone todos los focos sobre el texto y la interpretación con una resolución técnica extraordinaria.CORDÓPOLIS

VIVIR SIN LA OTRA MITADSacristán respira sobre el escenario y lo colma de humanidad sin necesidad de recurrir a artificios.Una magnífica dramaturgia.Sámano también realiza la lectura adecuada en su dirección con habilidad y llena de sutileza.Noventa minutos de teatro en esencia pura. EL DÍA DE CÓRDOBA

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formidable despliegue aéreo y naval que se organizó para buscar el navío, pese a que éste apareció de forma fortuita en dos ocasiones, el Fausto volvió a desaparecer en altamar de manera aún más misteriosa, en medio de los rumores de un rocambolesco secuestro o una posible huida a Venezuela en un tiempo en el que la emigración a aquel país era la salida natural a una desesperada situación de pobreza.

Contado desde el punto de vista de las mujeres de aquellos cuatro tripulantes, el episodio del Fausto trasciende lo local al abordar temas como la espera, la esperanza o la imposibilidad de conocer la verdad sobre tantos episodios de la vida, además de, por supuesto, el amor.

Para el desarrollo textual de la obra ha habido un amplio trabajo de investigación documental, así como de entrevistas a algunas de las protagonistas y a testigos directos de la tragedia, hasta conformar un espectáculo a medio camino entre el teatro documento, y el metateatro, en el que conviven lo poético, lo ritual y lo descarnado.

Antonio Tabares

Proyecto Faustode Antonio TabaresEspacio escénico y dirección: Severiano García NodaAniversario 2020: Delirium Teatro cumple 35 años

SINOPSIS

La historia de un barco perdido, encontrado y vuelto a desaparecer en altamar hasta tres veces. Una historia contada a través de la voz de cuatro mujeres condenadas a la soledad del que espera. A la angustia de no conocer nunca la verdad. Al dolor de la pérdida. Las mujeres del Fausto. Un sentimiento trágico y universal, que en la actualidad están viviendo tantos seres humanos.

Inspirado en el caso del pesquero Fausto, un barco que en 1968 desapareció de forma totalmente inexplicable mientras cubría la ruta entre las islas de El Hierro y La Palma con tres pescadores y un pasajero a bordo.

Reparto:Irene Álvarez, Lioba Herrera, Carmen Hernández y Soraya González del Rosario.

Acordeonista: Pablo González Pérez

Delirium Teatro

5 PREMIOS RÉPLICA 2018: Mejor Texto teatral, Mejor Dirección, Mejor Actriz, Mejor Espacio Escénico y Mejor Iluminación.

Fotos: Javier Pino

V17 - S18 Enero 2020, 20,30h.



NATURALEZA DEL PROYECTO

Buscábamos hace tiempo historias que tuvieran relación con el mar. El océano como condicionante del carácter insular, pero a la vez como vehículo para abordar temas como la emigración, el exilio o el desarraigo. La representación escénica del mar, además, nos plantea importantes retos creativos y técnicos a la hora de afrontar la puesta en escena.

En nuestra búsqueda encontramos un apasionante episodio real que de inmediato capturó nuestra imaginación. El caso del pesquero Fausto, un barco que en 1968 desapareció de forma totalmente inexplicable mientras cubría la ruta entre las islas de El Hierro y La Palma con tres pescadores y un pasajero a bordo. Pese al

16 Enero, 19.00h.Sala Josefinade la Torre

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El magode Juan MayorgaDirección: Juan Mayorga

Hace un par de otoños asistí a un espectáculo que se presentaba como Congreso Mundial de Magia. Sin duda era un título excesivo, pero lo cierto es que en él participaban personas de nombres y vestuarios muy interesantes. Al llegar el número de la hipnosis, el ilusionista pidió voluntarios y yo fui uno de los que levantó la mano, por lo que se me invitó, junto a los otros, a subir al escenario. En él se nos sometió, ante el resto del público, a una serie de pruebas para seleccionar a aquellos voluntarios que

Reparto:María Galiana, José Luis García-Pérez, Ivana Heredia, Julia Piera, Tomás Pozzi y Clara Sanchis.

Coproducción: Centro Dramático Nacional, Entrecajas Producciones Teatrales, Avance Producciones Teatrales y García-Pérez Producciones

V24 - S25 Enero 2020, 20.30h.


eran aptos para ser hipnotizados. Las pruebas me parecieron muy fáciles y pensé que las estaba haciendo bien, pero el caso es que fui separado junto a los no aptos y devuelto a mi asiento. Desde allí, viendo lo que sucedía a los voluntarios aptos, se me ocurrió una obra de teatro que empecé a escribir enseguida y que he querido llevar a escena.Todo es mentira, pero queremos pensar que está lleno de verdad.

Juan Mayorga


23 Enero, 19.00h.Sala Josefinade la Torre

CRÍTICAS

Juan Mayorga es un maestro incluso en obras aparentemente simples y engañosamente realistas, porque cualquier principio de realidad en sus manos vuelve a ser un punto de fuga, una subversión un camino hacia las sombras, siempre bajo una dimensión filosófica marca de la casa. Más allá de cierta confusión argumental, esto es destacable aquí, en este cuento negro, bufo y divertido que hay que entender lejos de su propia apariencia, como un símbolo social y político de los simulacros en los que hoy vivimos. ABC

Juan Mayorga es de los poquísimos autores cuyas piezas tienen misterio, interrogación metafísica, sin perder de vista el humor y, para decirlo a la manera

de Brossa, sin otro pedestal que sus zapatos. Podría calificar El mago de juguete paranoico, con tantas honduras como vericuetos. Su antiquísimo tema es lo inaprensible de lo real; asunto barroco por excelencia, aunque se remonta a las primeras fábulas de la historia.El reparto es ideal. Todos están estupendos y tienen “su” escena, e incluso varias. EL PAÍS.

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Siete hombres buenosde Juan MayorgaDirección: Rafael Rodríguez

RAZONES DE LA REPRESENTACIÓN

Siete hombres buenos de Juan Mayorga significa para 2Rc Teatro, compañía de repertorio, un montaje ambicioso dentro de su compromiso con el teatro contemporáneo, es la apuesta que desde sus comienzos ha realizado por los autores españoles vivos. El objetivo fundamental es seguir trabajando desde el territorio canario tratando de aunar los mejores artistas de nuestro panorama teatral, en la búsqueda de un resultado ambicioso digno de un texto

2RC Teatro

Foto: Marcos G PuntoV7 - S8 Febrero 2020, 20.30h.


como el que se plantea y que a su vez sirva de proyección en todo el territorio nacional e internacional.Es sobrada la importancia de Juan Mayorga como exponente de la mejor dramaturgia contemporánea española. Siete hombres buenos es el primer texto de una larga lista de creación dramática de Mayorga. Además, este texto es premiado con un Accésit del premio Marqués de Bradomín en el año 1989. Aún así, Siete hombres


6 Febrero, 19.00h.Sala Josefinade la Torre

EL DOLOR DEL EXILIO

Dijo Juan Gelman (Argentina, 1930,-): “El exilio produce una profunda sensación de desamparo, de vivir en la intemperie”. La historia de España está llena de exilios. Exilios económicos, políticos, artísticos todos ellos han contado con un deseo común: la añoranza de la vuelta.

Pero en el camino, en la espera de que esa vuelta pueda producirse cada exiliado va conformando su propia historia, unos aferrados a la memoria de lo que han dejado, otros construyendo nuevas realidades, perdiendo incluso su propio acento. Y mientras tanto en esta espera los exiliados van conformando una comunidad

de antiguos conocidos y nuevos desconocidos.

Siete hombres buenos no deja de ser una de esas historias de exiliados y del deseo nunca renunciado de la vuelta. Y es en esos momentos, cuando la posibilidad de volver se abre ante ellos, cuando surge el verdadero conflicto, descubrimos que ya no todos, aun siendo exiliados, están en el exilio, volver o no y cómo volver son algunas de las cuestiones que Mayorga nos pone sobre la mesa.

Siete hombres buenos es un texto con sutiles referentes que cada espectador podrá situar desde su propia experiencia.

Rafael Rodríguez

buenos es un texto aún sin estrenar.Los valores del texto quedan claramente expresados en esta propuesta pero queremos insistir en la rigurosa actualidad de las ideas que desarrolla ¿quiénes nos dirigen y con qué finalidad? ¿Son realmente hombres limpios y honestos? ¿Es posible tener esperanza cuando todo se ha perdido? ¿Qué es luchar por un ideal?

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JoglarsSeñor RuiseñorDramaturgia: Ramon Fontserè con la colaboración de Dolors Tuneu y Alberto Castrillo-FerrerDirección escénica: Alberto Castrillo–Ferrer

Un jardinero de Parques y Jardines debe dejar el trabajo por culpa del reuma y le ubican en el Museo Rusiñol donde hará de Rusiñol presentando las visitas teatralizadas. Pero al cabo de un tiempo, cuando él se ha enamorado del pintor, deciden transformar el Museo Rusiñol en el Museo de la Identidad. A partir de aquí se crea un conflicto entre los dos mundos: el de Rusiñol y el de los que defienden la identidad, a los que llamamos bárbaros. La obra es una reivindicación del arte como patria universal, a partir de Rusiñol, contra las patrias identitarias.

Reparto:Ramon Fontserè, Juan Pablo Mazorra, Rubén Romero, Pilar Sáenz, Dolors Tuneu y Xevi Vilà.

Fotos: David Ruano

V14 - S15 Febrero 2020, 20.30h.

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CRÍTICAS

Me quedo con este ‘Señor Ruiseñor’ que devuelve al legendario grupo teatral catalán a sus mejores páginas satíricas sobre un escenario burlándose de los Pujol, las nuevas cocinas, el Opus, los padres permisivos de nuestros días o la manipulación de los medios. La risa inteligente está aquí garantizada y, a veces, incluso puede hacerse incontenible. DIARIO CRÍTICO

Los Joglars recobran el brío escénico perdido y ensanchan de nuevo el campo a su pulsión interpretativa para asestar el más inteligente, divertido y descomunal batacazo al independentismo catalán que se haya podido ver hasta la fecha dentro de un teatro. LA RAZÓN13 Febrero, 19.00h.

Sala Josefinade la Torre

Santiago Rusiñol (1861-1931), nacido en el seno de la burguesía catalana, simboliza una personalidad intensa y compleja, con una visión melancólica, amarga y desencantada de la vida, Un hombre dotado de un gran talento personal que deriva en la pintura y cuya obra figura en las más prestigiosas colecciones.

También alcanza gran notoriedad como dramaturgo, escritor y poeta. Su carácter ingenioso y cosmopolita hace de él un referente de lo que los españoles consideran la Cataluña cívica, culta y abierta al mundo.

Con el “Señor Ruiseñor” queremos reflexionar sobre la destrucción de unos conceptos de vida libre, conceptos que no han sido sustituidos en la actualidad. En Cataluña se ha arrancado o falseado el pasado y de esta manera se ha podido configurar un orden inventado. Solo se utiliza la parte de conocimiento y de tradición que conviene para contar un relato sesgado. Para nosotros, Rusiñol es la antítesis de este mundo: este artista de carácter ingenioso y cosmopolita representa la inducción a la vida alegre y sensual, el gusto por la belleza, la sutileza y el conocimiento. Santiago Rusiñol fue un destructor de fanáticos que representó una sociedad de ciudadanos holgados y juiciosos a orillas del Mediterráneo.

Ramon Fontserè

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Joaquín ReyesNuevo espectáculo

Producción:Sueños Musicales

Fotos: Óscar Lafox

V21 - S22 Febrero 2020, 20.30h.

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Joaquín Reyes Cano nació el 16 de agosto de 1974 en Albacete. Estudió en la Universidad de Cuenca junto a sus compañeros Julián López, Raúl Cimas y Ernesto Sevilla y, pese a que muchos lo dudaban, llegaron a licenciarse en Bellas Artes. Por aquel entonces andaban con Carlos Areces y Pablo Chiapella, y todos juntos emprendieron un nuevo proyecto y dieron a nuestro país un lugar en el humor de culto.

Comenzó su trabajo como dibujante en la página Cartun.com, donde dio vida a varios personajes, como el conocido Súper Ñoño. En 2001 empezó a hacer monólogos en el programa Nuevos Cómicos y un año después, como integrante del grupo cómico El trío de Albacete, fichó por la cadena privada de televisión Paramount Comedy. Fue ganando fama gracias al programa La hora chanante, del que fue además director y productor. Acabada la quinta temporada de este, colaboró en otros espacios de televisión como Noche sin tregua, Lo + plus, Camera café, Smonka! y A pelo. En 2007 firmó contrato con La 2 e inició el programa Muchachada Nui, con el que cosechó un gran éxito. Además de los guiones y las actuaciones como actor, Reyes creó el personaje animado Enjuto Mojamuto. En 2010 comenzó un nuevo proyecto televisivo de humor en el canal Neox, llamado Museo Coconut.

Visitó el Teatro Cuyás en junio de 2015 con su espectáculo Que me aspen!

SINOPSIS

Sin lugar a dudas, hablar de Joaquín Reyes es sinónimo de humor, humor absurdo, humor de culto... o como se le quiera catalogar. Estamos ante el heredero de artistas como Gila o Faemino y Cansado, el cómico de las nuevas

generaciones, que ha conseguido cosechar un club de fans y seguidores por todo el territorio nacional, gracias a la creación de programas y series tan talentosos como “La hora Chanante, Museo Coconut, Muchachada Nui y Capítulo 0”.

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Adiós Peter Pande Festuc TeatreDirección: Pere PampolsAdaptación del texto: Ingrid Teixidó

Una historia muy tierna en la cual se plasma una realidad actual: el vínculo entre los niños y sus abuelos y, además, la manera en cómo los padres gestionan estas nuevas relaciones familiares.

Un espectáculo de títeres y actores, sensible y divertido, que buscará en todo momento la complicidad de pequeños y grandes con una puesta en escena que te cautivará desde el primer momento.

Un cuento de ahora y siempre, para disfrutarlo con toda la familia.

No dejes nunca de soñar. Solo quien sueña aprende a volar.

SINOPSIS

A María, una niña con mucha imaginación, le encantan los cuentos, historias y aventuras que le explica su abuelo, con el que pasa todas las tardes jugando a ser Peter Pan.

Pero, una noche, los niños perdidos se llevarán a María de su habitación hacia el País de Nunca Jamás. Y será entonces cuando las aventuras las vivirá en primera persona. Los piratas, Campanilla, los indios y todo el imaginario que escribió James Matthew Barrie pasarán a formar parte de su realidad.

Actores titiriteros:Ingrid Teixidó y Pere Pampols.

Fotos: Xavi Rué

S14 Marzo 2020, 18.00h.

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Teatro FamiliarDuración: 55 min.




PATROCINAPara niños y niñas a partir de 5 años

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¿POR QUÉ ELECTRA?

Siempre que me enfrento a un nuevo proyecto, intento escuchar mi intuición y busco los nexos de unión entre su temática y mi propio universo creativo, mi imaginario, mis raíces. Así ocurrió cuando surgió Electra para el Ballet Nacional de España y visualicé su historia en la España rural, profunda y costumbrista que tanto me ha inspirado y fascinado desde niño. Aunque su argumento dista de nosotros más de dos mil años, su visceralidad y su belleza estética provocaron en mí un magnetismo que me llevó a nuestra propia cultura popular, la española, la mediterránea. Soñando con devolver a la danza y al coro el lugar que imaginamos ocupaban en las tragedias clásicas como elemento aglutinador de ideas y emociones, Electra, más allá de estilos o disciplinas, es para mí la continuación del camino creativo que emprendí como coreógrafo hace años. Electra es una experiencia humana y sensorial en la que movimiento, espacio, luz, música y voz forman parte de un todo.

Antonio Ruz

Ballet Nacional de EspañaElectraDirección y coreografía: Antonio RuzColaboración coreográfica: Olga PericetMúsica: Pablo Martín Caminero, Moisés P. Sánchez y Diego LosadaDramaturgia y letras: Alberto Conejero

El espectáculo Electra, primera propuesta de obra argumental completa del BNE bajo la dirección de Antonio Najarro, es una creación del coreógrafo Antonio Ruz en la que da vida, ahondando en diferentes lenguajes de danza, a la tragedia clásica con una visión original y contemporánea inspirada en nuestro imaginario popular.

La acción de Electra se ubica en la España rural y profunda del siglo XX. Una historia de destino y venganza; de sangre condenada y de búsqueda de libertad.

Antonio Ruz es Premio Nacional de Danza 2018.

Fotos: James Rajotte y Jesús Robisco

V20 - S21 Marzo 2020, 20.30h.

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DanzaDuración: 1 h. 30 min.


ARGUMENTO

Tras asesinar a su esposo Agamenón —que había sacrificado antes a su hija Ifigenia—, la reina Clitemnestra ha casado a Electra, su otra hija, con un humilde pastor. Quiere evitar así que la muchacha tenga descendencia noble. Sin embargo, el campesino, de buen corazón, no ha consumado el matrimonio con la muchacha al saberse no correspondido. Su único afán es alejar a Electra de los pensamientos sombríos que la persiguen. Cuando visita la tumba de su padre, Electra se reencuentra con su hermano Orestes, que regresa ahora del exilio. Los dos hermanos acuerdan vengar la muerte del padre asesinando a su madre y a Egisto, su amante.

Electra es una historia de fantasmas familiares, de viejas querellas, de ausencias ingobernables. Un mito que sigue deslumbrándonos por su fuerza y su universalidad.

Alberto Conejero, dramaturgo

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Rey Learde William ShakespeareDirección y dramaturgia: Ricardo Iniesta

INTRODUCCIÓN

Rey Lear es el segundo montaje shakesperiano de Atalaya, tras Ricardo III; la crítica destacó que destilaba el perfume del autor y de su universo. Hemos querido profundizar aún más en esa línea.

No tratamos de ubicar la acción en época alguna… Estamos ante un texto universal en el tiempo y en el espacio. Las pasiones y los instintos humanos no han cambiado en los últimos 4.000 años.

Nuestra versión elige potenciar la búsqueda de la condición humana desnuda que subyace

Reparto:Carmen Gallardo, Joaquín Galán, María Sanz, Raúl Vera, Elena Aliaga, Silvia Garzón, Lidia Mauduit, José Ángel Moreno y Javi Domínguez.

Atalaya Teatro

V27 MarzoDía Mundialdel Teatro

Fotos: Curro Casillas

V27 - S28 Marzo 2020, 20.30h.


en el texto, despojando al individuo de todo lo superfluo, conectando con la esencia de la Naturaleza y buscando la empatía hacia el resto de la Humanidad.

Los coros, cada vez más presentes en Atalaya, alcanzan aquí una potencia estremecedora y acompañan a los cambios escénicos que se realizan a la vista.

Carmen Gallardo -protagonista de Madrecoraje y Celestina– aborda el personaje más rico en matices del teatro universal, recientemente interpretado por actrices de la talla de Nuria Espert y Glenda Jackson.


26 Marzo, 19.00h.Sala Josefinade la Torre

LA OBRA

El Rey Lear fue estrenada en 1606 y corresponde a la época más madura de su autor. Se basa en una leyenda a la que dio forma Godofredo de Monmouth, quien hiciera lo propio con la del Rey Arturo. El Lear histórico se remontaría a hace 30 siglos.

Shakespeare amplía y transforma la trama, infundiéndole una visión personal. Paralelamente a la propia historia de Lear, plasma la de Gloucester y sus hijos. El resultado supone una experiencia extrema de dolor, locura y destrucción expresada crudamente y sin reservas. La obra representa una travesía sobre la emoción y el sentimiento humano pero con una denuncia muy fuerte hacia los potentados y una toma de partido en favor de los desheredados.

Los grandes temas que subyacen en la obra: naturaleza, locura, caos, ambición… están llevados a la mayor dimensión que se haya escrito jamás, dotándola de una potencia extraordinaria que provoca una catarsis en el espectador fuera de lo común.

Shakespeare establece en la obra un paralelismo entre el desorden y caos que acontece a tres niveles: la Naturaleza, la sociedad y las personas. El eclipse y la tempestad enfurecida se desencadenan tras la ruptura del status quo social y acarrean locura, destrucción y/o muerte entre la mayor parte de los protagonistas.

CRÍTICAS

Olmedo se rinde a ‘Atalaya’ en el estreno de un ‘Rey Lear’ potente, turbador y muy emocionante (...) llevado a escena de manera magistral. El elenco actoral ha transmitido con un gran trabajo, desde la emoción y la capacidad de apasionar, sobre todo a través de una excepcional Carmen Gallardo en el papel principal. Han obtenido sus frutos en forma de calurosa aclamación. LA VANGUARDIA.

Prodigioso. Un soberbio montaje. Vuelve a confirmar el trabajo de excelencia que Atalaya muestra en este momento dulce de su historia. Altísima calidad de interpretación. Destaca el magnífico trabajo de máscara de Lidia Mauduit como el bufón grotesco. ABC

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Reparto:Lolita Flores, Luis Mottola, Antonio Hortelano y Marta Guerras.

Fotos: Segio ParraLa fuerzadel cariñoAdaptación: Emilio Hernández de la película de J.L. Brooks y la obra teatral de Dan Gordon Versión y dirección: Magüi Mira

V3 - S4 Abril 2020, 20.30h.



1 Abril, 19.00h.Sala Josefinade la Torre

Aurora, la madre perfecta y tímida viuda, y Emma, su hija rebelde y entrañable, y el profesor torpe y seductor, y el astronauta excéntrico y mujeriego. Estos cuatro seres, a pesar de sus grandes diferencias, celebran la vida de cada día.

La celebran con humor, lágrimas, ironías, enfados, gritos, risas...Esta vida que nos ordena al azar, que nos acerca y separa por lazos de sangre o de deseo, de forma misteriosa, cumpliendo mágicas constelaciones que no

sabemos interpretar, y que ahí nos deja, en medio del viaje.

La madre, la hija, el profesor y el astronauta viven enredados en lazos amorosos que les hacen salir de las sábanas cada mañana. Transitan la vida veloces, con un corazón trepidante que apenas les permite gozar del fondo hermoso y profundo del paisaje.

Merodean alrededor de la burbuja en la que todos queremos entrar para olvidar la angustia

de la vida, para encontrar el placer infinito de dar amor y sentirse amado. Amor. La emoción que necesitamos como alimento ecológico y esencial para despertar las hormonas de la felicidad.

Pero cuando la vida tiembla y el temporal se lleva la ropa y tiritan de frio, el viaje se detiene. Ya no hay filtros, y con potencia salvaje aparece la fuerza del cariño que de golpe los coloca en el paisaje real de la vida. que los convierte en seres humanos completos. Imbatibles. Auténticos. Sinceros. Admirables. Verdaderos supervivientes.

Magüi MIra51

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LA CREACIÓN MUSICAL

La banda sonora de Ángaro está inspirada en el folclore tradicional del archipiélago canario. Se trata de una serie de composiciones concebidas desde un prisma cinematográfico, visual y sensorial, desde donde el oyente es capaz de moverse en un espacio atemporal; recuerdos, anhelos, esperanzas y euforias se entrelazan con las melodías que nos acompañan en nuestros camino.

También se reflejan las historias individuales, cercanas o lejanas, que viajan en forma de melodías desde otros pueblos. Hermanos, abuelos, familias de otras tierras..., desconocidos.

La música que se interpreta en Ángaro pretende ser la emoción que vive el ser humano cuando no encuentra palabras para expresarla.

LA IDEA —el origen—

Ángaro nace como un proyecto artístico interdisciplinar en el que se aúnan el sonido, la palabra y el lenguaje audiovisual interpretado a través de los cuatro elementos —agua, fuego, tierra y viento, como sinónimo de aire—. Estos elementos ofrecen el soporte donde las manifestaciones populares de diferentes lugares del planeta se enlazan con el folclore prehispánico y la música popular de Canarias.

La secuencia sonora y tímbrica de Ángaro se desarrolla teniendo en cuenta el germen musical

intacto y ancestral que más tarde se revirtió en un folclore global. De esta manera, se tiende un puente hasta el ritmo primigenio con la intención de reconocer el contenido artístico-cultural de Canarias y del resto del mundo y su evolución hasta nuestros días.

Ángaro pertenece al eco de un legado que aún perdura en los barrancos y el agua..., en la arena y la sal..., en las ardientes piedras..., en el aire y el viento. Un diálogo entre saberes e intuiciones, una manifestación artística concebida para

incidir en la emoción del espectador.

Así como el entorno encauza la vida de los pueblos, también determina sus expresiones artísticas y su música en particular. Ángaro nace desde un sentimiento de pertenencia global, por lo que se interesa por el acervo cultural universal y propicia el acercamiento entre las diferentes culturas. Para ello, se entrelazan canciones, ritmos, palabras, danzas, imágenes y saberes populares a través de viejas y nuevas herramientas de creación.

ÁngaroPielesDirección Artística: Jonatan RodríguezDirección Escénica: Oswaldo BordónCreación Musical: Jonatan Rodríguez

S18 Abril 2020, 20.30h.

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Para mí la Danza nunca ha sido un negocio, es alma, algo que llevas dentro y necesitas sacar, dar a cambio de nada.

Mi Maestro, Maurice Béjart, me dijo una vez que siempre eligiese temáticas españolas, que me centrase en la cultura de mi país como tantos grandes coreógrafos ya habían hecho antes. Así lo he hecho en obras como Arraigo, Jaleos, Arrayan D’Araxa, Bolero o El Amor Brujo.

Otro aspecto muy importante que siempre he querido reflejar en el ballet es mi implicación con la humanidad. No siento que haya suficiente amor ni respeto en el mundo. Samsara es una lección sobre ello.

Esto es vocacional, el éxito es hacer algo y llegar al público. Formar bailarines y hacer sus sueños posibles. Y, ahora, ha llegado el momento de dar paso a alguien que siga con la misma línea y quién mejor que Lucía Lacarra para hacer este trabajo, que es el que ha hecho Eduardo Lao durante más de 20 años.

Víctor Ullate

Ballet Víctor Ullate30 años de danzaCoreografías: Víctor Ullate, Eduardo LaoPuesta en escena: Eduardo LaoArtista invitada: Lucía Lacarra

El Víctor Ullate Ballet pone en escena un espectáculo que rinde homenaje a los treinta años de trayectoria de la Compañía de Víctor Ullate y que recoge extractos de las coreografías más emblemáticas de su repertorio.

Un recorrido por su historia, por las más representativas piezas que fueron bailadas, y en ocasiones creadas ad hoc para ellos, por la destacada cantera de primeros bailarines que han salido de su elenco.

El espectáculo, que se compone como un crisol de Danza bajo el sello Ullate, cuenta con identidad propia y con la dirección artística de Eduardo Lao.

Una celebración de los treinta años de trayectoria de la Compañía y una celebración de la Danza.

Música: Carl Orff, Johann Sebastian Bach, Luis Delgado, Philip Glass, Rene Aubry, Jocelyn Pook, Mahabharata, Ethiopian Musicians, Hamza El Din, John Williams, Michael Stearns, Dead can Dance, Kodo, Max Richter, Ludwig van Beethoven, Leo Delibes, Ben Frost, Georges Bizet, Antonio Vivaldi, Arvo Pärt

Fotos: Fernando Marcos

V24 - S25 Abril 2020, 20,30h.

DDanzaDuración: 2 h. con pausa


Me siento muy orgulloso de todo el trabajo de estos 30 años y puedo decir que el balance es positivo. Han sido años de esfuerzo y entrega, lo he dado todo, he estado al cien por cien, en este mundo no puede haber relojes.

Desde que empecé, mi idea era quedarme en España, estaba todo por hacer y ha habido momentos muy duros, la unión con la profesión siempre me ha resultado difícil.

Aunque he sido muy feliz, gracias al apoyo de un público devoto, que siempre me ha hecho sentir muy querido y me ha permitido seguir avanzando. También agradezco a la Comunidad de Madrid haber hecho estos 30 años posibles.

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Prostituciónde Albert Boronat y Andrés LimaDirección: Andrés LimaDirección documental:Carolina Cubillo

UN ESPECTÁCULO TEATRAL-MUSICAL-DOCUMENTAL

A partir de una investigación sobre ‘La prostitución en Madrid y Barcelona’, el director de escena Andrés Lima y el productor Joseba Gil ponen en marcha este proyecto, un proceso de exploración sobre la prostitución.

Reparto:Carmen Machi, Nathalie Poza, Elena Rivera.

Producción de Check-in en coproducción con Teatro Español, Molinos de Papel y ENA (Escena Nacional D’Andorra)

Estreno enero 2020

V8 - S9 Mayo 2020, 20.30h.

TTeatroDuración: Pendiente de estreno

¿QUÉ ES ‘PROSTITUCIÓN’?

Es teatro y es reportaje. Es escenario y video. Es música y es baile. Es ficción y es realidad.

Es un retrato, una foto, un fresco que cobra vida en el escenario y en la pantalla a través de personajes reales y ficticios.

Deseo, necesidad, secreto, violencia, ternura, dolor, placer, compañía, pagar por sexo, cobrar por sexo. La experiencia de la prostitución, ponerse en su lugar, subirse a sus tacones, correr el riesgo, comprender.


7 Mayo, 19.00h.Sala Josefinade la Torre

UN PROCESO DE EXPLORACIÓN SOBRE LA PROSTITUCIÓN.

Un tema que nos hace plantearnos muchas preguntas y en diferentes planos: sobre nuestra visión como ciudadanos (plano político-social), como seres humanos (plano antropológico, psicológico y emocional), como artistas con la voluntad de reflejar nuestra sociedad (plano teatral, plano musical, plano documental).

Y lo haremos dando voz a las protagonistas del tema, las prostitutas. Hablamos con ellas, entramos en sus clubes, las acompañamos en sus calles. Se trata de iniciar una investigación documental de la que beberá un grupo de artistas–actrices, con el propósito de comprender esta realidad y de plasmarla en una obra teatral. Esto dará lugar a un espectáculo y a un documental que se fusionarán y a la vez tendrán vida propia.

El espectáculo nace en la calle y se mueve hasta el escenario. El espectador vive esta experiencia.

Enseña, no juzga. Se acerca.

El tema: la Prostitución. El problema: la trata, tráfico y explotación sexual de mujeres y niñas (y todos los que se derivan de ello: inmigración ilegal, drogas, violencia de género, etc…).

Las bases del problema: la mercantilización del ser humano. La Industria alrededor de la venta de sexo (mal llamada industria de placer. PLACER, otra palabra en la que pararse.) Y el dinero, siempre el dinero.

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ANDREW BOVELLEL AUTOR

Andrew Bovell es un autor australiano nacido en 1962 que ha escrito para teatro, cine, radio y televisión.

Su obra teatral más conocida es Speaking in Ton gues (traducida al castellano como Babel, monta da hace unos años en nuestro país). De dicha obra teatral escribió el guión cinematográfico de la pelí cula Lantana, que dirigida por Ray Lawerence tuvo un gran éxito de crítica y público en 2001. Y por el que le consideraron el mejor escritor cinematográ fico del 2002 por la London Film Critics´s Circle.

Su anterior texto teatral Cuando deje de llo ver se estrenó en España en 2014 como pro ducción del Teatro Español y consiguió el Pre mio MAX 2015 a mejor montaje teatral del año.

Otras de sus obra son: An Ocean out of my window, Ship of Fools, After Dinner, The Ballad of Lois Ryan y Holy Day. Todas ellas inéditas en castellano.

Actualmente trabaja en varias adaptaciones cine matográficas y en un proyecto televisivo para la BBC.

Reparto:Verónica Forqué, Jorge Muriel, Pilar Gómez y Borja Maestre.

Foto Verónica Forqué: Alberto Roldán/Fundación AISGE

Las cosas que sé que son verdadde Andrew BovellAdaptación y traducción: Jorge MurielDirección: Julián Fuentes Reta

V15 - S16 Mayo 2020, 20.30h.

TTeatroDuración: Pendiente de estreno.



Las cosas que sé que son verdad es un retrato complejo e intenso de los mecanismos de la familia -y del matrimonio- desde el punto de vista de cuatro hijos que se esfuerzan por ser ellos mismos más allá de las expectativas y el amor de sus padres.

SINOPSIS

Bob y Frank han trabajado duro toda su vida para que sus cuatro hijos tengan las oportunidades que ellos nunca tuvieron. Ahora, que sus hijos empiezan a tomar sus decisiones y tienen sus propias vidas, es el momento de relajarse y disfrutar. Pero el cambio de las estaciones del año, como metáfora de los cambios que ocurren en la vida, traerá verdades ocultas, que nos harán cuestionarnos si quizás en las familias el amor que se da es excesivo.

SOBRE LA OBRA

Esta obra, inédita en España, fue estrenada en enero de 2016 en el Adelaida, Australia, y es una coproducción entre la compañía británica Frantic Assambly y la compañía State Theater Company of South Australia. Posteriormente se estrenó en Londres en Septiembre de 2016 en el teatro Lyric Hammersmith. Recibiendo excelentes críticas en ambos continentes.

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PATROCINA

San JuanDe Max AubDirección: Nacho Cabrera

MAX AUB

Autor y dramaturgo español de origen alemán, Max Aub es considerado como uno de los grandes narradores y autores teatrales del exilio tras la Guerra Civil Española.

Cuando tenía once años, su familia se exilió a España, fijando residencia en Valencia, en donde realizó sus estudios completando el bachillerato. Durante cuatro años, viajó con su padre, que era representante por toda España, y durante los catorce siguientes lo hizo por la provincia de Barcelona, en donde acudió a tertulias literarias.

Había adquirido la nacionalidad española al cumplir la mayoría de edad, y realizó su primera publicación en 1924. Afiliado al Partido Socialista, durante la Guerra Civil, formó parte del bando republicano, siendo enviado en 1936 a la embajada en París, y un año después fue secretario del Consejo Nacional de Teatro.

Tras la guerra, se exilió a París, en donde fue detenido e internado en varios campos de concentración, desterrado a Marsella y nuevamente detenido y enviado a Argelia. Logró marchar a México, en donde trabajó en cine, periodismo en los periódicos Nacional y Excelsior, y fue profesor de la Academia de Cinematografía. Fue en México en donde desarrolló la mayor parte de su carrera literaria.

La obra de Aub está compuesta por poemas, relatos novelas, ensayos y textos teatrales. De entre toda su producción habría que destacar títulos como la serie de El laberinto mágico, Crímenes ejemplares, San Juan o su Discurso de la novela española contemporánea.

Teatro La República pondrá en escena el San Juan, una de las obras fundamentales de Max Aub bajo la dirección de Nacho Cabrera. Estamos hablando de una obra que es una cruda alegoría sobre la intransigencia y las minorías perseguidas. Con la cuestión judía de fondo en el marco de la II Guerra Mundial, el San Juan es una crítica a la falta de humanidad y solidaridad.

Max Aub se centra en un grupo de judíos que se encuentran encerrados en un barco con

la esperanza de que den el visto bueno para desembarcar en algún puerto. Esta obra es también producto de un Aub apátrida que llegó a tener hasta cuatro nacionalidades distintas (francesa, española, alemana y mejicana).

San Juan es una crítica a una humanidad a la deriva, que con una crueldad inimaginable, carece de empatía y solidaridad con el prójimo.

Reparto:Compuesto por más de 20 actores.

La República

V29 - S30 Mayo 2020, 20.30h.

T




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¿Qué hacemos con Walter?de Juan José Campanella y Enmanuel DíezVersión: David Serrano y Fernando CastetsDirección: Juan José Campanella

La Comunidad de propietarios celebra una Junta Extraordinaria para tomar una importante decisión que cambiará la vida de todos, o por lo menos, la de Walter, el encargado: echarlo. Eso, si el grupo que impulsa el despido logra vencer la resistencia de los que quieren la cabeza de Villegas, el Administrador.

Reparto:Fernando Tejero,Daniel Guzmán,Iñaki Ardanaz y cuatro actores por determinar.

Una producción de: Pentación Espectáculos y Milonga

Fotos: David Sueiro

V5 - S6 Junio 2020, 20.30h.


Mientras, las acusaciones, las peleas, los amores, los rencores, las alianzas y las traiciones se suceden una tras otra, los miembros del consorcio deberán buscar un aparentemente imposible consenso y aprender a lidiar con los efectos colaterales de sus decisiones en esta desternillante comedia sobre la convivencia, el diálogo, los prejuicios y la búsqueda de reconocimiento.


4 Junio, 19.00h.Sala Josefinade la Torre

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PATROCINA

La jaula de las locasde H. Fierstein y J. HermanDirección: Àngel Llácer y Manu GuixMúsica y letras: Jerry HermanLibreto: Harvey Fierstein

¡LA GRAN COMEDIA MUSICAL DE BROADWAY!

La Jaula de las Locas es una producción de Nostromo Live, con la dirección de Àngel Llàcer y Manu Guix.

Protagonizado por Àngel Llàcer e Ivan Labanda, el espectáculo cuenta con un elenco de 22 artistas y músicos en directo.

Inspirada en la popular obra francesa “La Cage aux Folles”, escrita por Jean Poiret en 1973,

Junio 2020J18, 20.30h.V19 y S20, 18.00h. y 22.00h.D21, 17.00h. y 21.00h.M23, X24 y J25, 20.30h.V26 y S27, 18.00h. y 22.00h.

MMusicalDuración: 2 h. 30 min.pausa de 15 min.

el montaje se basa en la versión revival de Broadway de 2010, ganadora de tres Premios Tony y tres Drama Desk Awards.

El musical “La Cage aux Folles” se estrenó originalmente en Broadway en 1983, convirtiéndose en un espectáculo especialmente importante en la historia del género, influyendo en el estilo y la forma de llevar a escena temas socialmente sensibles, de una manera abierta y optimista.

Precio59€ - 59€ - 45€ - 45€Entre semana y 2ª función del domingo55€ - 55€ - 40€ - 40€Espectáculo sin descuentos (Pág. 69)

SINOPSIS

¡La Jaula es una fiesta!

La apacible vida de pareja de Albin y Georges, propietarios del club nocturno “La Cage aux Folles” de Saint Tropez, se ve totalmente alterada por una noticia inesperada.

Jean Michel, el hijo de Georges, se va a casar con la hija de un diputado ultraconservador, acérrimo defensor de los valores más tradicionales en la vida familiar. El encuentro explosivo entre dos familias tan distintas desata una divertidísima comedia llena de amor y de situaciones delirantes.

La Jaula de las Locas es un gran canto a la libertad individual y colectiva. Una atrevida puesta

en escena, sorprendentes coreografías, exuberante diseño de vestuario y una temática universal, lo convierten en uno de los musicales más aclamados de la historia. Cada función transforma “La Jaula” en una fiesta, una celebración de la “joie de vivre” que, se sabe cómo empieza, ¡pero nunca como acaba!

CRÍTICAS

Apoteósico. Monumental. LA VANGUARDIA

Música, glamour y mucha diversión. TIME OUT

Un canto a la libertad. ABCUn chute de optimismo. EL PAÍS

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Información General

Precios

Espectáculos con descuento

La loca, loca historia de Ben-Hur de L. WallaceLa Strada de F. FelliniEntre bobos anda el juego de F. de Rojas Zorrilla7 años de J. CabezaLehman Trilogy de S. MassiniMisericordia de B. P. GaldósSeñora de rojo sobre fondo gris de M. DelibesProyecto Fausto de A. TabaresEl mago de J. Mayorga

PRECIO 20% DESCUENTO 30% DESCUENTO 50% DESCUENTO ABONO 20 ABONO 30 / MENORES DE 31, MAYORES 65 ESTUDIANTES Y DESEMPLEADOS

PATIO BUTACAS 23€ 18€ 16€ 11,50€1ER ANF BAJO 20€ 16€ 14€ 10€1ER ANF ALTO 15€ 12€ 11€ 7,50€2º ANFITEATRO 12€ 10€ 9€ 6€

Siete hombres buenos de J. MayorgaSeñor Ruiseñor de JoglarsRey Lear de W. ShakespeareLa fuerza del cariño de Brooks y GordonÁngaro PielesProstitución de A. Boronat y A. LimaLas cosas que sé que son verdad de A. BovellSan Juan de M. Aub¿Qué hacemos con Walter? de J.J. Campanella

Espectáculos sin descuento

Aracaladanza PlayElectra Companhia do ChapitôAdiós Peter Pan de Festuc Teatre

ADULTO NIÑOS + 14 AÑOS HASTA 14 AÑOS

PATIO BUTACAS 15€ 12€1ER ANF BAJO 12€ 10€1ER ANF ALTO 12€ 10€2º ANFITEATRO 8€ 6€

Jazz Otoño 2019 Lizz WrightGCBB New York Voices

PRECIO

PATIO BUTACAS 30€1ER ANF BAJO 30€1ER ANF ALTO 25€2º ANFITEATRO 15€

La Veronal VoroniaManolo Vieira Nuevo espectáculo

PRECIO


James Rhodes en conciertoBallet Nacional de España ElectraBallet Víctor Ullate 30 años

PRECIO


PRECIO (ENTRE SEMANA y 2ª F. DOMINGO)

PATIO BUTACAS 59€ 55€1ER ANF BAJO 59€ 55€1ER ANF ALTO 45€ 40€2º ANFITEATRO 45€ 40€

La Jaula de las locas

Joaquín Reyes Nuevo espectáculo

PRECIO


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Queremos que vengas a cualquier precio…

NOVEDADES

20º ANIVERSARIO

Si te gustan muchos espectáculos, ¡queremos que te compense!Si compras a partir de 12 espectáculos, te ofrecemos un 40% de descuento.

ABONO 20º ANIVERSARIO

PACK FAMILIAR

Si compras los 3 espectáculos familiares, disfrutarás de un 20% de descuento.

PlayElectraAdiós Peter Pan

Si vienes a los 3 espectáculos de danza, te hacemos un 20% de descuento.

La VeronalBallet Nacional de EspañaBallet Víctor Ullate

PACK DANZA

Condiciones de los PACK:• Estas promociones solo es válida para compras

en taquilla. • El PACK incluye una localidad por espectáculo.• Los descuentos no son acumulables.

ESPECIAL PACK

FOREVER YOUNG

Si tienes de 31 a 45 años, eres JOVEN.

Porque queremos que pruebes el teatro y te enganches, porque queremos que vuelvas cada vez que te apetezca, porque para nosotros todavía estás

en la juventud, te presentamos esta oferta que no podrás rechazar: 45 euros por 3 espectáculos en

patio de butacas (para que lo vivas bien): a 15 euros cada localidad.

Solo debes acudir a la TAQUILLA, presentar tu DNI y elegir los 3 espectáculos que más te gusten: para ti el asiento cuesta 15 euros, cueste lo que cueste el

espectáculo.

Disfruta de tu juventud en el Cuyás.

Condiciones del PACK FOREVER YOUNG:• Oferta válida solo para espectáculos con descuento.• No admite otros descuentos.• Debe presentar su DNI en vigor en la taquilla.• El pack incluye 1 localidad por espectáculo en la zona de patio de butacas.• Solo se vende en la taquilla del teatro. 71

(Ver pág 72) +14 -14

PATIO BUTACAS 36€ 29€1ER ANF BAJO Y ALTO 29€ 24€2º ANFITEATRO 19€ 14,5€

PATIO BUTACAS 75€ 1ER ANF BAJO Y ALTO 56€ 2º ANFITEATRO 40€

Venta de entradas

En la taquilla del Teatro CuyásDe lunes a viernes, de 17 a 20.30h.Sábados: de 11.30 a 13.30h.Sábados tarde, domingos y festivos con función: aprox. 2 horas antes del comienzo de la misma.TLF. 928 43 21 81

En la web www.teatrocuyas.com

Abonos

ABONO 20: 20% de descuento aprox. por la compra de un mínimo de 4 espectáculos.

ABONO 30: 30% de descuento aprox. por la compra de un mínimo de 6 espectáculos.

ABONO 20º ANIVERSARIO: 40% de descuento por la compra de un mínimo de 12 espectáculos.

Puede abonarse durante todo el año en la TAQUILLA del teatro. Para hacerlo, deberá presentar su D.N.I. y seleccionar los espectáculos de su gusto con los datos del día de función y butaca. Sólo se permite realizar un máximo de 4 abonos por persona.

Condiciones Generales

• Los abonos son personales e intransferiblesy permiten la compra de una sola localidad por espectáculo.

• Los abonados tendrán un periodo preferentede compra de entradas al inicio de cada temporada.

• Los descuentos de abonos no son acumulables.

• En caso de suspensión de una función, secambiará la entrada por otro día para el mismo espectáculo, siempre que haya aforo disponible.

• En ningún caso se podrá anular un abono.

Ventajas para nuestros Abonados

Gracias a los acuerdos establecidos por el Teatro Cuyás con otras instituciones y empresas, los abonados cuentan con las siguientes ventajas:

• 10% de descuento en los espectáculosprogramados por la Sociedad Filarmónica de Las Palmas de Gran Canaria, Amigos Canarios de la Zarzuela y los conciertos de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria.

• 10% de descuento en reservas de alojamientoen Gloria Palace a través de la web www.gloriapalaceth.com introduciendo su código de abonado (debe solicitarlo en la taquilla del teatro) 20% de descuento en Circuito Thalasso Piscina puesta en forma y 10% de descuento en tratamientos Wellness y otros servicios. Consulte las condiciones de las ofertas en www.teatrocuyas.com/ventadeentradas/abonos

• 10% descuento en las colecciones para hombrede la boutique ROES (no incluye servicios a medida ni de alquiler). (C7 Viera y Clavijo 16).

• 10% de descuento en La Alacena del Jamón (c/ Cebrián, 31).

• 5% de descuento en la adquisición de libros enLibrería Sinopsis (c/ Perdomo 6).

Los establecimientos colaboradores podrán solicitar la acreditación mediante la presentación del carné de abono.

Estas ventajas no son acumulables con otros descuentos.

NUEVO

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Descuentos

• 30% de descuento: mayores de 65 años.

• 50% de descuento:desempleados, estudiantes y menores de 31 años (Carné joven europeo).

• Grupos concertados: descuentos especialesa partir de 10 personas. Información y reservas: Tlf. 928 43 21 80 Ext. 108.

• Personas en silla de ruedas: Precio desegundo anfiteatro aunque dispondrán de espacios habilitados en el patio de butacas. Se ruega contactar con personal del teatro para realizar reserva (Tlf. 928 43 21 80 Ext. 106).

Condiciones Generales Descuentos

• Los descuentos no son acumulables y solopodrán aplicarse en las compras realizadas en taquilla.

• Para determinados descuentos - mayores, menores, jóvenes y desempleados- el personal del teatro pedirá, en el momento de la adquisición de la entrada y el día de la función, la documentación que acredite que el espectador puede disfrutar del descuento.

Tarjetas Regalo

Las TARJETAS REGALO son una cómoda solución si quieres regalar CULTURA.

Para esta temporada, les ofrecemos las tarjetas monedero de 60 y 80€ para canjear en los espectáculos programados por el Teatro Cuyás hasta el 27 de junio de 2020.

Lea detenidamente las condiciones de cada una para que conozca su uso correcto. Todas tienen fecha de caducidad, es decir, tienen una fecha final de uso: téngalo en cuenta a la hora de comprar y, sobretodo, de canjear.

CÓMO COMPRAR LAS TARJETAS REGALO

Usted puede adquirir las TARJETAS REGALO de dos maneras:

En TAQUILLA: acuda a la taquilla en horario habitual* y solicite la tarjeta que más le interese. Puede pagar con tarjeta o en efectivo.

WEB www.teatrocuyas.com:

1. Las tarjetas regalo aparecen en la home de laweb. También puede encontrarla en la sección VENTA DE ENTRADAS/ REGALE CUYÁS.

2. Pinche en la tarjeta que más le interese yrealice el proceso de compra como cualquier otro espectáculo.

3. Imprima su tarjeta para regalar.

Tenga en cuenta que, si COMPRA la tarjeta por TAQUILLA, la persona que disfrute de la TARJETA debe realizar el CANJEO por TAQUILLA; si la compra por INTERNET, debe CANJEAR sus entradas por INTERNET.

CÓMO CANJEAR LAS TARJETAS REGALO

A usted le han regalado la TARJETA REGALO y quiere cambiarla por entradas. IMPORTANTE: debe fijarse en el nombre de la TARJETA: si pone TAQUILLA, debe CANJEAR sus entradas en TAQUILLA. Si pone WEB, debe canjear sus entradas en la WEB.

TAQUILLA: debe presentar la hoja impresa de la TARJETA REGALO donde aparece el LOCALIZADOR y elegir el espectáculo, día de función y asiento que le interese.

WEB:

1. Acceda a la web del Teatro Cuyás www.teatrocuyas.com y pinche en la imagen CANJEA TU REGALO, en la parte superior de la página.

2. Elija la obra que más le interese (día de función,zona y nº de localidades), seleccione las butacas manual o automáticamente y pinche COMPRAR. En la casilla DATOS DE PAGO POR CÓDIGO, abra el desplegable TIPOS

EXISTENTES y seleccione su tarjeta regalo correspondiente. Introduzca su CÓDIGO (LOCALIZADOR) y pinche en CONTINUAR.

3. Recibirá sus entradas en su email. Imprímalas ypreséntese en el acceso a la sala. No tendrá que pasar por taquilla.

Condiciones Generales

• Las TARJETAS REGALO (TR) no sonrecargables.

• Las TR no admiten ningún tipo de descuento.

• Puede canjear cuantas localidades quiera, encualquier zona del teatro, siempre que el saldo de la tarjeta y el aforo del espectáculo se lo permita.

• Si sobrara dinero en la TR pero en una cantidad inferior al precio de una entrada, no se preocupe: ese importe se le descontará en su siguiente compra de algún espectáculo del Cuyás. Ese descuento solo puede ser aplicado en TAQUILLA.

• Las TR tienen fecha de CADUCIDAD. Pasadaesa fecha no podrá realizar ningún CANJEO. Dicha fecha de caducidad está indicada al lado del LOCALIZADOR de esta entrada.

¡NOVEDAD!

¡NOVEDAD!

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Información práctica

PARKING SAGULPA SUBIDA DE MATA:

50% descuento para nuestros clientes:

Si viene a ver algún espectáculo a alguna de nuestras salas (Teatro Cuyás, Sala Josefina de la Torre o la Sala Insular de Teatro), podrá beneficiarse de un 50% de descuento presentando su entrada a la obra.

Sólo es válido para el día del espectáculo y en horario de 18.00 a 06.00h.

El parking está situado el comienzo de la Carretera de Mata (con calle Bravo Murillo).

ALQUILER DE ESPACIOS

Si está interesado en celebrar una orla, un seminario, un taller u otro tipo de evento, ¡no lo dude! Entre en la web del Cuyás sección EVENTOS y consulte los precios y equipamientos de las diferentes salas con aforos variados.

Puede pedir presupuesto online o llamar por teléfono al teatro 928 43 21 80 Ext. 108. Estaremos encantados de atenderle y celebrarlo con ustedes.

¿QUIERE ESTAR INFORMADO DE TODAS NUESTRAS ACTIVIDADES?

Entre en nuestra web, suscríbase al boletín electrónico y recibirá nuestras noticias sobre la programación.

También puede seguirnos en las redes sociales: Facebook, Twitter, Instagram y Youtube, donde comentamos todo lo referente a las artes escénicas y la cultura.

Se ruega máxima puntualidad.

Una vez comenzada la representación, el teatro se reserva la posibilidad de retrasar o prohibir la entrada en la sala, sin que dé lugar a devolución ni indemnización alguna.

Recordamos que las entradas adquiridas no podrán ser cambiadas ni reembolsadas.

El teatro realizará reserva de entradas sólo para grupos a partir de 10 personas (contactar en el tlf. 928 43 21 80 Ext. 108).

Una hora antes de cada función, en la taquilla del teatro se interrumpirá la venta anticipada de otros espectáculos.

Si una vez comenzada la función ésta es cancelada por causas ajenas al teatro, no será posible el reembolso del importe de la entrada.

El teatro se reserva el derecho a presentar espectáculos no sujetos a descuento.

La entrada sujeta a cualquier tipo de descuento deberá, tanto en la venta como en el control de entrada del recinto, ir acompañada del correspondiente documento acreditativo.

Todo el público que asista a los espectáculos familiares deberá adquirir su entrada, sin excepción alguna de edad (niños incluidos).

Se recomienda a las personas en silla de ruedas que se presenten en el teatro 30 minutos antes del comienzo del espectáculo para facilitar su ubicación.

Se ruega a las personas ciegas o con discapacidad visual que acudan al teatro con perros lazarillos, avisen en taquilla al adquirir la entrada del espectáculo (tlf. 928 43 21 81).

Condiciones Generales Teatro Cuyás

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Cabildo de Gran Canaria Fundación Canaria de las Artes Escénicas y de la Música de Gran Canaria

PresidenteAntonio Morales Méndez

Consejero de CulturaCarlos Matías Ruiz Moreno

Director General de Cultura, Patrimonio Histórico y MuseosOswaldo Guerra Sánchez

PATRONATO

Presidente: Carlos Matías Ruiz Moreno

Vicepresidente: Pedro Justo Brito

Vocales:Carmen Luz Vargas Palmés, Miguel Montero Naranjo, Inés Jiménez Martín, Miguel Hidalgo Sánchez, Ángel Víctor Torres Pérez, Carlos A. Ester Sánchez, Ruth León Ojeda, José Francisco Pérez López, Fernando Bañolas Bolaños, José Manuel González Pérez, Antonio Tabares Martín, Carmen Márquez Montes, Anatol Yanowsky Yanguez y Yeray Rodríguez Quintana

Secretaria: Raquel Artiles Viera

EQUIPO

Gerente Manuel Pineda Navarro

Director Artístico Gonzalo Ubani Bazán

Producción Carmen Fernández Quintana

Gestión Circuito Insular Inmaculada Hernández Viera

Gestión de Audiencias Marta Saavedra Doménech

Comunicación y Marketing Pilar Martínez Rivas

Prensa Ezequiel Mateos Álamo

Jefe de Sala Samuel Suárez Ramírez

Atención al Público y Administración Javier Habib Haidar Peñate

Sala Insular de Teatro Francisco Javier Carvias Carrillo

Jefa de Administración Raquel Medina Ortiz

Gestión Laboral Josefina Mª Villegas Delgado

Gestión Taquilla Ana Jiménez Ojeda

Director Técnico Pedro Javier Hernández Alonso

Adjunto a la Dirección Técnica Manuel José Rodríguez Hernández

Técnicos de Audiovisuales Vicente Ferrera Ramos y César Santana Suárez

Técnicos Eléctricos José Manuel Suárez Moreno y Marcos Antonio Ortiz Pérez

Técnicos Maquinistas Manuel Sánchez Jiménez y José Manuel González Pérez

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Plano del Teatro

Butacas a la venta en función de las característicastécnicas y artísticas de cada espectáculo

+ Información

Taquilla: 928 43 21 81

De lunes a viernes, de 17.00h. a 20.30h.Sábados: de 11.30h. a 13.30h.

Sábados tarde, domingos y festivos con función: 2 horas antes.

Teatro Cuyás

C/ Viera y Clavijo s/n35002 Las Palmas de Gran Canaria

Tlf. 928 43 21 80

[email protected]

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