anacronismos de la monumentalidad · 2021. 5. 31. · arte del grado de artes de la universitat...

Universitat Oberta de Catalunya

Trabajo Fin de Grado en Artes

Junio 2021

Autor: Antonio Ruiz Torres

Tutor: Claudia Rodríguez-Ponga

Profesores: Pau Farell, Valeria Linera, Jonathan Millán,

Josep Vidal.

Anacronismos de la

monumentalidad

MEMORIA DEL

PROYECTO

ANACRONISMOS DE LA MONUMENTALIDAD

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ÍNDICE

ÍNDICE ........................................................................................................................................... 2

1. ABSTRACT ................................................................................................................................ 3

2. MOTIVACIÓN PERSONAL ................................................................................................... 3

3. CONCEPTO Y DESARROLLO ............................................................................................... 5

4. FORMALIZACIÓN ................................................................................................................ 16

5. METODOLOGÍA Y CALENDARIO .................................................................................... 26

6. DOCUMENTACIÓN DEL PROCESO Y REFLEXIÓN ..................................................... 28

7. DIFUSIÓN DEL PROYECTO ................................................................................................ 34

8. PRESUPUESTO ....................................................................................................................... 35

9. REFERENCIAS Y BIBLIOGRAFÍA ...................................................................................... 36


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1. ABSTRACT Barcelona is a city full of monuments and parks dedicated to famous people, especially men, although there is also a place for public recognition of a few women who have a dedicated statue or a park. However, the history of these personages has been written through a prevailing Western, colonialist and sexist discourse. At a time when the traditional historical version is being questioned, art proposes a new vision of time in a heterochronic and anachronistic way that breaks with the historical narrative, paving the way for new contemporary feminist, postmodern, decolonial, intercultural, environmentalist and pro-alterity discourses. "Anachronisms of monumentality” is an artistic research project that aims to explore the new strategies of temporality that some artists, historians and critics have recently proposed. These new poetics of temporality are focused on critical or genealogical re-readings of the past that also imbricate themselves in the future. Figures such as the artist and curator Mieke Bal, the art historian Miguel Ángel Hernández or Georges Didi-Huberman have contributed to spreading these new poetics of temporality in contemporary art. The purpose is to investigate the official historical discourse and, simultaneously, other alternative narratives that relate to some of the already existing monumental sites of the city of Barcelona. Our interest, for the time being, will focus on those statuesque personages that we see in open spaces and that we hardly know beyond the collective imaginary that has been build according to the political and economic concerns of the dominant classes. Specifically, we have chosen to work with the monuments dedicated to Mercè Rodoreda, Lluïsa Vidal, Pepita Teixidor, Antoni Gaudí and Joan Güell. A series of montages with image manipulation software will be key in this rereading of the history of these people from a new narrative or, rather, anti-narrative. Art will be the tool to demolish this chronological model of time that has supported their written official biography. The overlapping of several layers with drawings and photographs will allow us different degrees of opacity and transparency, a very graphic overlapping or narratives that will play with the border between visibility-invisibility. The surrealist idea of “montage” is relevant, but probably more so the idea of the palimpsest, which refers to a manuscript that has been erased and rewritten, leaving traces of its previous markings. Anachronisms of monumentality seeks to construct an artwork concerned with political issues. Political but not linked to any form of party-politics. The political dimension or art, as defined by the artist William Kentridge, has to do with «an art of ambiguity, contradiction, uncompleted gestures and uncertain endings, an art (and a politics) in which keeps optimism in check and nihilism at bay» (Bal, 2016, p. 47), and this is the definition which we will stand by.

2. MOTIVACIÓN PERSONAL La idea embrionaria de este proyecto surge en el trabajo que realicé para la asignatura Crítica de Arte del Grado de Artes de la Universitat Oberta de Cataluny, titulado La riqueza catalana, que aplica las estrategias decoloniales y de temporalidad a una figura femenina olvidada de la historia catalana, Clotilde Cerdà, hija ilegítima del gran urbanista Ildefons Cerdà. El artículo Nuevas poéticas históricas en las bienales de arte. Arte y acción social, que Pol Capdevila publicó el año pasado en la revista Arte, Individuo y Sociedad, desvela las recientes prácticas


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discursivas que se han abierto paso en el arte contemporáneo relativas a la temporalidad. Su lectura me resultó tan interesante que me llevó a indagar más sobre esas nuevas poéticas sobre la noción del tiempo y su interpretación a través de la expresión artística, fundamentada en las ideas de filósofos, historiadores y críticos de arte que se han replanteado los modos tradicionales de la narrativa cronológica e historiográfica. La relectura histórica a través de nuevas narrativas que contradicen el discurso histórico oficial es la estrategia que están llevando a cabo diversos artistas actualmente. Estas unas nuevas poéticas de la temporalidad que he descubierto a través de los textos de autores como el citado Pol Capdevila, Mieke Bal o Miguel Ángel Hernández, y, más recientemente, Georges Didi-Huberman o incluso Jaques Rancière y Reinhart Koselleck, me resultan especialmente interesantes en un momento en que la construcción de los imaginarios colectivos está tan supeditada a los intereses del capitalismo neoliberal mediante poderosas estrategias comunicativas: un continuo flujo de información visual instantánea que no deja tiempo para una reflexión consciente ni para la modulación de cualquier tipo de relato paralelo, que se considera “contradictorio" en los términos del discurso polarizado y maniqueo imperante. Anacronismos de la temporalidad responde a estas estéticas a contratiempo a las que se refiere Miguel Ángel Hernández, que también han inspirado las obras de artistas como María José Climent o Fernando Bryce. Proyectos como estos trabajan con una estética que altera la concepción convencional del tiempo sucesivo para construir nuevas narrativas o anti-narrativas, o bien, para detener ese devenir temporal en un espacio-tiempo de complicidad entre obra y espectador. De hecho, todas estas interpretaciones sobre la temporalidad concentran el debate generado sobre el mundo globalizado y los diferentes tiempos de la historia. Esta globalización ha supuesto en el campo humanístico que se pongan en entredicho los discursos históricos de Occidente y la concepción secuencial del tiempo. Disciplinas como la Historia, el Arte y la Filosofía han puesto de manifiesto cómo el sentido lineal, causal y teleológico de la historia universal ha sido desmontado y ha llevado a pensar el tiempo histórico como una multiplicidad de líneas, tradiciones y experiencias temporales que ya no tienen un único centro ni una dirección unívoca. (Hernández, 2020). El proceso en que se ha ido desarrollando este proyecto me ha supuesto también una inmersión en una suerte de arqueología del presente a partir de la reconstrucción de las diferentes narrativas del pasado. La vigencia del pasado en el presente se manifiesta a través de las miradas con las que he enfocado la experiencia del reportaje fotográfico de los monumentos y la posterior plasmación en la obra textual y gráfica de los resultados de esta investigación anacrónica. Liberarse del sometimiento a una cronología de la sucesión histórica para afrontar los retos conceptuales y formales que supone abordar en toda su plenitud la estrategia anacrónica ha supuesto todo un estímulo a la actividad creativa. Resulta así que el propio proceso de investigación y creación artística ha supuesto en sí mismo una experiencia personal transformadora, que se ha traducido en una nueva forma de percepción no sometida al ritmo convencional del paso del tiempo, sino que se ha expandido a través de una nueva dimensión sensorial en que el espacio, el contexto y los agentes objetuales o humanos se muestran más allá de la limitación circunstancial temporal. El tiempo no determina una narrativa unívoca, sino que es la generación de una multiplicidad de posibilidades discursivas lo que determina una nueva forma de percepción temporal desde el presente que rescata y redescubre el pasado a la vez que intuye el futuro.


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El artista contemporáneo es un artista político, en el sentido que tan bien sintetiza William Kentridge, comprometido con el momento en que vive, ubicado en un presente que tiene la vigencia que le ha proporcionado el pasado con sus historias y contrahistorias. La capacidad de releer ese pasado sobre el que se ha construido la sociedad actual, no supone en absoluto un recuerdo nostálgico, ni tampoco un propósito de olvido, borrón y cuenta nueva, ni siquiera de demonizar lo antiguo para legitimar discursos modernos; sino una labor de comprensión de nosotros mismos y generación de conocimiento necesarios para afrontar los retos que abordamos en el presente para construir el futuro.

3. CONCEPTO Y DESARROLLO Anacronismos de la monumentalidad es un proyecto de investigación artística que se enmarca dentro de las nuevas poéticas de la temporalidad que se han ido abriendo paso en el arte contemporáneo en las últimas décadas a través de la labor de artistas, historiadores y críticos que pretenden realizar una relectura del pasado desde una visión del presente y con la mirada puesta en el futuro. Como explica el profesor Pol Capdevila en relación con las nuevas poéticas de la temporalidad (Capevila, 2020) se están extendiendo las prácticas artísticas contemporáneas que tienen al tiempo como referente principal, adoptando estrategias estéticas de anacronismo, heterocronía, cuestionamiento del discurso histórico convencional e incluso las llamadas estéticas migratorias, un término acuñado a partir del año 2000 a raíz de la labor de Mieke Bal, que se refiere a las estrategias estéticas que tratan de la experiencia de la migración y de cómo afectan y se reflejan en las prácticas artísticas contemporáneas (Hernández, 2020). Ya Reinhart Koselleck advirtió que la obsesión de la modernidad por aventurar lo que está por llegar ha ignorado las aportaciones del pasado relegando el presente a una experiencia limitada sometida a un proceso de aceleración hacia el futuro (Koselleck, 1993). Con estas consideraciones se hace necesario abordar la lectura del pasado con un enfoque nuevo que permita potenciar la memoria y su capacidad para generar anacronismos productivos que puedan activar potencialidades reprimidas u ocultas en el pasado y abrir un abanico de nuevas posibilidades para el futuro, tal como proponen autores tales como Didi-Huberman, Rancière o Bal (Capevila, 2020). Reconociendo la problemática acerca de la inteligibilidad del tiempo que se ha planteado tanto a nivel filosófico como epistemológico, resultan muy sintetizadoras las tesis de inescrutabilidad temporal que plantea la obra de Paul Ricoeur. El filósofo francés aborda las tres aporías temporales que se generan en torno al tiempo cosmológico y fenomenológico, la unidad o multiplicidad temporales y la posibilidad de una única y completa definición del tiempo. Para ello pone a dialogar todas estas cuestiones en torno a la narración, ya sea literaria, histórica o artística: «El mundo desplegado por toda obra narrativa es siempre un mundo temporal […] el tiempo se hace tiempo humano en cuanto se articula de modo narrativo; a su vez, la narración es significativa en la medida en que describe los rasgos de la experiencia temporal» (Ricoeur, 2004, p. 39). A través de la narración se articulan de una manera práctica estas aporías temporales de tal manera que se integra de forma coherente la vivencia humana a través de la estructura temporal, englobando la realidad y la subjetividad dentro del proceso narrativo. Por otra parte, Giorgio Agamben nos da una definición de la contemporaneidad con un claro enfoque anacrónico: «La contemporaneidad es, entonces, una singular relación con el propio tiempo, que adhiere a él y, a la vez, toma distancia; más precisamente, es aquella relación con el tiempo que adhiere a él a través de un desfasaje y un anacronismo. Aquellos que coinciden


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demasiado plenamente con la época, que encajan en cada punto perfectamente con ella, no son contemporáneos porque, justamente por ello, no logran verla, no pueden tener fija la mirada sobre ella» (Agamben, 2008, p. 2). Así pues, como afirma Capdevila: «Si conjugamos la caracterización de Agamben sobre lo contemporáneo y la teoría del tiempo de Ricoeur, podremos tomar como fenómenos contemporáneos desde una perspectiva crítica no aquellos que reconcilian las contradicciones temporales de nuestra época mediante narraciones coherentes, sino los que, al subvertir la narratividad, hacen emerger las aporías temporales y manifiestan los conflictos de nuestro mundo» (Capevila, 2020, p. 873). Anacronismos de la monumentalidad es un proyecto de arte contemporáneo, acorde con la idea de Agamben, que desmonta la secuencia cronológica, generando saltos y cortes en el tiempo, que permiten reconstruir el pasado, remodelando el presente y el futuro. Actualmente las prácticas artísticas de las poéticas de la temporalidad están adoptando tres estrategias diferenciadas: la apropiación, la performance y la participación. En este sentido este proyecto adopta una estrategia innovadora que podríamos calificar como collage, generando a base de fragmentos y capas una obra nueva, que no se basa en una obra anterior, como en la estética apropiacionista, sino que recrea esa amalgama de narrativas que responden a las diferentes temporalidades representadas. En este sentido el proyecto se inspira en una estrategia análoga a la que ha seguido el artista peruano Fernando Bryce (Bryce, 2003), quien plantea un “arte de historia” llevando a cabo una relectura a partir de los materiales de archivo que recopila mediante una estrategia anacrónica en que se pone en entredicho el discurso oficial y se plantean posibilidades a nuevas narrativas e interpretaciones sobre los personajes y hechos históricos. Así en The Spanish Revolution o The Spanish War, Bryce presenta un nuevo relato de la guerra civil española que no se alinea con ninguno de los discursos historiográficos sobre el conflicto, sino que plantea un nuevo abanico de posibilidades interpretativas. Anacronismos de la monumentalidad se alimenta también de material de archivo fotográfico y textual sobre las historiografías de unos personajes, para presentar un conjunto de relatos que aportan nuevas visiones y hacen propicias la reflexión y la interpretación no sometidas ya a un discurso unidireccional. En analogía con el trabajo de Bryce, este proyecto materializa un arte de archivo, que más bien se corresponde con la idea de un “contra-archivo” que introduce, que trastoca las historias relatadas, descomponiéndolas, mostrando sus incoherencias y ambigüedades (Guasch, 2011). Cabe señalar también que en el trabajo de Bryce confluyen algunas de las estrategias de los creadores que trabajan el “arte de historia”: la recopilación de documentos del pasado en una labor de investigación sobre archivos, la utilización del dibujo como práctica reivindicativa de lo manual y anacrónico frente a la actualidad tecnológica y el sentido performativo en la repetición y la reverberación de la historia a través de la parodia (Hernández, 2020). Anacronismos de la monumentalidad hace uso también del dibujo y de los tonos en blanco y negro como una forma de resistencia de lo manual y anacrónico frente a la tecnología actual, representando así esas narrativas del pasado que se mezclan en el collage con imágenes en color, que evocan lo moderno, lo actual. No obstante, las historias de este presente no están desligadas del pasado, sino que, por el contrario, integran unos tiempos en otros a través de solapamientos y dibujos.


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También resulta de interés la obra del artista Pedro G Romero, que, con su “Archivo FX”, produce una especie de “atlas” de la iconoclastia en España accesible tanto “online” como por medio de las instalaciones en que se muestra esta historia no-lineal. O el de Ibon Aranberri con su trabajo multifacetado sobre las capas que conforman el fenómeno de la monumentalidad; o incluso el trabajo recientemente descubierto de Paloma Polo, concretamente el trabajo realizado en torno al monumento de Isla de Príncipe en conexión con el proyecto titulado “Posición Aparente”. También artistas de la talla de Doris Salcedo han trabajado vinculando la idea de “monumento” y la de “palimpsesto”, como podemos ver en la instalación que realizó en el Palacio de Cristal de Madrid. Formalmente, son de interés las fotografías intervenidas de Carlos Garaicoa que, con ayuda del dibujo técnico y la palabra, juega con la acumulación de capas de significado sobre fotografías históricas de entornos urbanos.

The Spanish War (2003). Serie de 117 dibujos. The Spanish Revolution (2003) Serie de 21 dibujos. Fernando Bryce. The Burger Collection, Zúrich/Hong Kong & Galerie Barbara Thumm, Berlín. http://www.laboralcentrodearte.org/es/recursos/obras/the-spanish-war-2003/

http://www.laboralcentrodearte.org/es/recursos/obras/the-spanish-war-2003/


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En línea con estos proyectos que alteran la construcción temporal convencional, Anacronismos de la monumentalidad trabaja con una estética que altera la concepción del tiempo sucesivo para construir nuevas narrativas o anti-narrativas, con la pretensión de detener ese devenir temporal

La palabra transformada (2009). Madera, metal, objetos trouvés, manta de corte y cinta adhesiva cortada a mano. Carlos Garaicoa. Centro Botín https://www.centrobotin.org/recorrido_piece/carlos-garaicoa/

La palabra transformada (IV) (2009). Carlos Garaicoa. Centro Botín, exposición Orden Aparente. https://www.arteinformado.com/agenda/f/orden-aparente-poetico-politico-96935

https://www.centrobotin.org/recorrido_piece/carlos-garaicoa/

https://www.arteinformado.com/agenda/f/orden-aparente-poetico-politico-96935


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en un espacio-tiempo de complicidad entre obra y espectador, que genere un espacio libre para la reflexión atemporal y crítica, como hace la artista María José Climent en su Dialéctica homicida (Climent, 2016) al condensar el tiempo en el espacio expositivo propiciando una nueva lectura subjetiva de unos sucesos que se han relatado siempre bajo una misma óptica homogeneizadora.

Anacronismos de la monumentalidad comparte con estas estrategias anti-cronológicas una nueva forma de presentar el relato de hechos históricos, en este caso, biográficos. A partir de los registros disponibles y mediante una combinación y reformulación de la sucesión de los relatos, se elabora una nueva propuesta, sin un discurso prefijado, abierta a la libre interpretación del espectador que no va a encontrar respuestas, ni consensos ni conclusiones armonizadoras, sino, más bien, ambigüedades, contradicciones y, en definitiva, nuevos significados que planteen nuevas cuestiones y no respuestas deterministas. Como señala Antonio Oviedo en la nota preliminar del libro de Georges Didi-Huberman, Ante el tiempo. Historia del arte y anacronismo de las imágenes, el historiador interpreta el pasado a partir de las categorías del pasado, cuidándose mucho de evitar que podamos proyectar nuestras ideas o percepciones del presente en las realidades pasadas. Establece así como dogma que para comprender objetos del pasado sólo es posible hacerlo desde el mismo pasado. Este proyecto rompe con esa tradición cronológico-descriptiva y deja “florecer la paradoja” abriendo el pliegue temporal mediante el anacronismo de las imágenes, como nos propone Didi-Huberman cuando afirma con rotundidad: «Siempre, ante la imagen, estamos ante el tiempo». (Didi-Huberman, 2011, p. 31). Cada uno de los collages que integran la obra gráfica de este proyecto constituye una amalgama de dibujos, fotos, símbolos y textos actuales y antiguos. En la línea del filósofo francés, al contemplar las imágenes del pasado, el presente no deja de reconfigurarse, mientras que ante esas fotografías tomadas hace unos días en las calles de Barcelona, el pasado sigue reconfigurándose también sin cesar, ya que para que nuestro pensamiento se apropie de la imagen es precisa una construcción de la memoria, incluso de nuestras propias obstinaciones.

Dialéctica homicida. 2016. Mª José Climent. Exposición GRAMÁTICAS DE LA TEMPORALIDAD (enero-marzo 2016, La Conservera). http://mariajosecliment.blogspot.com/2016/03/dialectica-homicida-en-la-exposicion.html

http://mariajosecliment.blogspot.com/2016/03/dialectica-homicida-en-la-exposicion.html


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Dibujo de la Sagrada Familia de Barcelona. Técnica digital. Antonio Ruiz. 2021

Estudios de fábricas y chimeneas. Dibujo. Técnica digital. Antonio Ruiz. 2021


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El collage como conjunto de imágenes, conforma un conjunto de tiempos. De esta forma la lectura anacrónica que permite extraer la riqueza, la complejidad y la sobresignificación de cada una de ellas implica también una estrategia heterocrónica. En cada una de las cinco composiciones gráficas encontramos diferentes tiempos. Así por ejemplo en la obra Feminismos y flores el tiempo biográfico de la pintora Pepita Teixidor, convive con el tiempo de los homenajes y reconocimientos, pero también con tiempos diferentes del feminismo y de las desigualdades socioeconómicas. Son tiempos anacrónicos en tanto unos están relacionados con los otros, a la vez que son tiempos heterogéneos, con sus propios agentes y circunstancias que los definen, con sus respectivas narraciones sin las que -como apunta Ricoeur- no sería posible hacernos una concepción inteligible del tiempo y de la propia narración, en cuanto articulación necesaria de aquel. La estética anacrónica que impregna este proyecto responde también al concepto de “imagen dialéctica” de Walter Benjamin. En relación con las tesis del filósofo alemán, Didi-Huberman explica cómo constituyó una auténtica revolución conceptual la nueva lectura del pasado que pasa de tratar este como hecho objetivo a considerarlo como hecho de memoria, dotado de movimiento, hecho psíquico a la vez que material. Es esta memoria la que confiere movimiento a los hechos que recuerda y los articula en el conocimiento presente del historiador. Así, este historiador -que también puede ser narrador o artista- debe llevar a cabo un trabajo de arqueología material recopilando piezas, como un trapero que recoge vestigios, despojos de la historia, contra-motivos, contra-ritmos y otros anacronismos que fragmentan la secuencialidad de los hechos pasados. A la vez, la memoria marca el ritmo de esta tarea investigadora, en una suerte de arqueología psíquica que indaga en los detalles, en lo oculto, en lo reprimido y las interrelaciones con lo observado (Didi-Huberman, 2011). La imagen que se muestra en el presente ante el espectador es dialéctica, mostrando la fugacidad fulgurante de esa experiencia del instante irrecuperable, poniéndola en relación con un pasado narrado y latente, heterogéneo, ambiguo y conjetural, cuya impronta guardará un futuro de tensiones, anhelos e incertidumbres. Y a esto le da una explicación Benjamin: «Porque en la imagen se chocan y se separan todos los tiempos con los cuales está hecha la historia. Porque en la imagen se condensan también todos los estratos de la “memoria involuntaria de la humanidad”» (Benjamin, 1940, p. 348). El propósito principal de este proyecto consiste en indagar en el discurso histórico oficial y en otras narrativas alternativas que entran en contradicción con éste, en relación con cinco figuras masculinas y femeninas del monumentario de la ciudad de Barcelona: personajes a los que se les han dedicado estatuas, jardines o calles y que no tienen cabida en el imaginario colectivo más allá del relato oficial y político o de una simple referencia cultural. Estos personajes son: Mercè Rodoreda, Lluïsa Vidal, Pepita Teixidor, Antoni Gaudí y Joan Güell, que, aunque de sobra conocidos por su nombre y sus obras, resultan propicios para este tipo de análisis genealógico realizado a base de capas de contradicciones. El proceso de investigación que aquí se ha desarrollado es también un proceso de creación artística, que pone de manifiesto nuevas narrativas, fruto de la ambigüedad y la contradicción que suponen derrocar ese modelo cronológico del tiempo sobre el que se ha escrito y se continúa escribiendo una historia coherente con los intereses y las ideologías dominantes, fundamentados en modelos patriarcales y colonialistas. En resumen, Anacronismos de la monumentalidad cumple estos objetivos generales:


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• Acercar al público la figura de unos personajes ligados a la ciudad de Barcelona que han destacado en diferentes ámbitos de la actividad humanista, mediante una visión contemporánea crítica.

• De-construir el discurso unívoco, derribando una coherencia impuesta por el relato oficial y construyendo una amalgama de diferentes narrativas, contrapuestas pero coexistentes, por medio de la técnica del palimpsesto, la superposición de diferentes estratos de visibilidad y el montaje.

• Subvertir la descripción cronológica a través de una nueva narrativa que enfrente el pasado con la visión del presente, planteando una reflexión sobre la construcción del futuro.

• Realizar una relectura de la biografía de estos personajes que, lejos de plantear la armonización de discursos, haga aflorar conflictos y plantear contradicciones y ambigüedades que promuevan la reflexión personal del espectador y la abran a todas las posibilidades de interpretación.

Las actuaciones que se han desarrollado durante la planificación y ejecución del proyecto, acordes con los objetivos señalados han consistido en:

• Ubicar los reconocimientos que la ciudad de Barcelona ha dedicado a estos personajes en forma de estatuas, jardines o calles.

• Profundizar en la biografía de estos personajes.

• Indagar en los significados ocultos y discursos alternativos, así como en los elementos integrantes del discurso dominante sobre el que se ha escrito la biografía oficial.

• Realizar una relectura a través de una nueva narrativa que facilite la construcción de nuevos discursos alternativos en clave feminista, decolonial y relativizadora.

• Plasmar el resultado de esta investigación artística a través de la obra gráfica y la documentación del proceso artístico. Una obra gráfica que tiene la fuerza de la imagen «ante la cual el pasado no cesa de reconfigurarse». (Didi-Huberman, 2011, p. 32).

En este proyecto, los dibujos y fotografías conforman las diferentes capas heterocrónicas, que configuran esas imágenes que nos sitúan ante el tiempo, como explica el filósofo francés. El blanco y negro del pasado tienen una convivencia anacrónica con los colores del presente, con los que se confunden. El dibujo es la forma de expresión plástica que une temporalidades diferentes, con esa idea de reivindicación de lo manual y anacrónico frente a la aceleración de un futuro que no deja tiempo al presente. Pero el dibujo, que uso también para dar fe del cambio producido en mi mirada a lo largo del proceso de investigación de los personajes y de los emplazamientos de sus monumentos, se mezcla con la vivacidad fotográfica y la manipulación digital, remitiéndonos así estéticamente a esas diferentes temporalidades.


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Heterocronías del feminismo. Composiciones de dibujo y fotografía que forman parte de uno de los collages. Técnica digital. Antonio Ruiz. 2021


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Anacronismos de la monumentalidad ha construido una obra de arte político, no en un sentido ideológico (sometida a unas directrices marcadas por una u otra forma del ejercicio del poder), sino en la línea de la teoría política de Wendy Brown, que afirma que: «El rico contenido connotativo de politeia sugiere que la política se refiere siempre a una condición de pluralidad y diferencia, a la capacidad humana para producir un mundo de significados, prácticas e instituciones, y la constante implicación del poder entre nosotros: su generación, distribución, circulación y efectos» (Brown, 1995, p. 38). De hecho, el carácter político de la obra está asociado también a esa noción de conflicto que introduce la politóloga Chantal Mouffe como un escenario necesario para la pluralidad. La obra política es un agente de conflicto y, por tanto, de debate. Como señala Mieke Bal el arte político, como arte que es, cumple con lo que define a un dominio político en funcionamiento, conforme a las tesis de Brown: elaboración de juicios, ejecución de actos democráticos y la existencia de los llamados “espacios políticos” (Bal, 2016). La obra de arte política provoca al espectador para que se pronuncie libremente, pero no para emitir juicios sobre lo que es verdadero o especulativo, sino sobre lo que es justo o injusto, mediante un ejercicio democrático, plural, abierto al debate. Anacronismos de la monumentalidad genera un espacio político de discusión y debate. Precisamente para tal fin se han rescatado diferentes historias, versiones divergentes, una pluralidad de discursos cuya validez no se discute sobre la base de la objetividad sino de sus contradicciones éticas y conceptuales. El artista William Kentridge ha explorado también a través de sus creaciones el sentido político inherente a la obra de arte contemporánea, concretamente en su Sudáfrica natal post-apartheid. Reconstruye la historia a través de fragmentos, combinándolos, desmembrándolos y reorganizándolos con sus dibujos, performances, películas y esculturas, a modo también de un collage de elementos. Como ya hemos dicho anteriormente, el propio artista define así la obra política: «un arte de la ambigüedad, de la contradicción, de los gestos incompletos y los finales inciertos, un arte (y una política) en la que se pone en jaque al optimismo y a raya el nihilismo» (Bal, 2016, p. 47). En cuanto al aspecto más metodológico, este proyecto responde a una estrategia de construcción histórica indirecta, indiciaria y conjetural (Jiménez, 2012), de esas microhistorias asociadas a unos personajes sobre los que se han construido unos relatos unívocos e interesados que encajan en el relato macrohistórico. A tal fin Carlo Ginzburg propone un método de investigación, que, si bien en su obra El queso y los gusanos, se enfoca como una forma de historia crítica para el estudio de las culturas subalternas, su modelo metodológico tiene plena aplicación a cualquier labor de investigación que pretenda rescatar fragmentos discursivos contrapuestos y producir fisuras en los discursos oficiales, como es el proyecto que aquí nos ocupa. Anacronismos de la monumentalidad ha hecho suyas las siguientes directrices del método indiciario de Ginzburg:

• El trabajo de investigación como libre de consideraciones previas historiográficas e ideológicas.

• La observación atenta a lo micro-social, de los personajes en concreto y a los hechos en que han intervenido.

• Una práctica de la “tentativa” ante hechos y circunstancias que se presentan más o menos ocultos o disimulados, como objetos que se palpan cuando uno se mueve a tientas por un espacio oscuro.


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• La asunción de que el conocimiento histórico es indirecto: está basado en indicios y se construye sobre la base de las conjeturas.

• La recopilación de imágenes históricas, pinturas, dibujos y fotografías, que adquieren la consideración de verdaderos testimonios figurativos de las narrativas implicadas.

• La actitud del artista-historiador como abierta a la variedad de historias posibles. Con esta estética anacrónica el proyecto aborda un enfoque particular sobre el giro decolonial y la perspectiva de género, cuestiones que han captado la atención de los artistas contemporáneos en los últimos años y la nuestra también. El giro decolonial está activándose fundamentalmente en una actitud combativa contra los monumentos de nuestras ciudades, que se configuran como tótems en piedra de la dominación colonialista, construyendo así imaginarios colectivos sometidos al discurso imperialista. las prácticas del activismo anticolonial efervescentes en estos últimos tiempos en ciudades europeas y americanas tienen como único objetivo el derribo sistemático de viejas estatuas dedicadas a personas que se vinculan de forma directa o indirecta con la esclavitud. Y en Barcelona, la figura de Joan Güell es uno de los ejemplos de estos personajes que se están demonizando en una suerte de nueva caza de brujas con propósitos de hacer memoria histórica decolonial. De esta manera, el discurso de la modernidad eurocéntrica está siendo contestado con el giro decolonial que incorpora necesariamente prácticas que van desde el activismo en las calles hasta el desarrollo de teorías y nuevas construcciones discursivas, las cuales pueden correr el riesgo de volver a enfrentarse en dicotomías reductoras del estilo de “Europa-no Europa”, “modernidad-el otro de la modernidad” y modernidad-tradición (Browitt, 2014). La problemática es más compleja, y no se acaba con el colonialismo a fuerza de derribos de monumentos cuando, aun en nuestros días, se asiste a nuevas formas de dominación que asume, sin remilgos, una sociedad que purga de forma hipócrita sus culpas históricas esculpidas en mármol para tranquilizar consciencias colectivas. La relectura de la historia en clave decolonial resulta -sin duda- necesaria, pero no es suficiente para tratar con justicia la cuestión. La estética decolonial ha de producir la necesaria tensión anacrónica entre un pasado que merece ser denunciado y un presente que amaga nuevos modos de explotación en las desigualdades socioeconómicas y la xenofobia, en un contexto político en que las retóricas nacionalistas y populistas contribuyen juntas a negar la evidencia de las nuevas formas de dominación (Ruiz, 2020). Se trata pues, no tanto de destruir como deconstruir monumentos, o más bien construir contramonumentos que nos hagan reflexionar sobre esas nuevas formas de opresión instauradas y asumidas por un consumismo que nos hace cómplices de aquello que denunciamos. No obstante, nuestra sociedad que parece adoptar una actitud unánime de repulsa contra los viejos esquemas coloniales se somete sin remilgos a las lógicas mercantilistas actuales. La estética decolonial del collage dedicado a Joan Güell erige una nueva estatua sobre la vieja que ha sido derribada, pero no para elevar un contramonumento sino para construir un nuevo tótem, de la misma manera que una novedosa forma de imperialismo legitimado por la lógica consumista -con la que comulgamos religiosamente- viene a imponerse sobre arcaicas formas colonialistas demonizadas. Por otra parte, Anacronismos de la monumentalidad trata la cuestión de género desde una perspectiva realista y desmitificadora, al hilo de la percepción que tenía Mercè Rodoreda de un feminismo aparente, de cara a la galería, con el que ella no se sentía en absoluto identificada. Ese “yo no soy feminista” no es una negación sino una revelación de la realidad profunda de la opresión de género vivida en primera persona por la escritora catalana y que supo trasladar muy bien a los personajes novelados de La Plaça del Diamant.


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También las narrativas en torno a los otros dos personajes femeninos estudiados, las pintoras Pepita Teixidor y Lluïsa Vidal, aportan una visión contemporánea de las formas de discriminación por razón de género y de posición social. El hecho de que unas mujeres pertenecientes a una sociedad fuertemente patriarcal pudieran dedicarse a la pintura constituye la base sobre la que se escriben dos historias personales de liberación y reivindicación. La lectura feminista institucional de estos tiempos conforma un discurso desde la perspectiva de género, que ignora otras connotaciones sociales no menos importantes como la clase. Aquí precisamente entra en juego este proceso de convivencia entre temporalidades distintas, esta anacronía que saca a la luz contrahistorias del pasado que tienen su vigencia en el presente.

4. FORMALIZACIÓN Anacronismos de la monumentalidad es un proyecto de investigación artística que propone la creación de obra gráfica junto a un soporte documental tipo archivo o atlas de dicha investigación. La obra gráfica se estructura en forma de cinco collages que operan a modo de palimpsestos donde se recuperan las narrativas “borradas”, alternas al discurso original. Estos collages se han elaborado sobre la base de:

• Fotografías realizadas por el autor del proyecto sobre los monumentos, jardines o calles dedicados a los personajes que son objeto del proyecto creativo.

• Fotografías y otros referentes gráficos de otros autores recopilados sobre los personajes que el autor selecciona a partir de las narrativas construidas y que se presentan en forma de atlas digital que reúne las diferentes narrativas generadas a partir de cada personaje.

• Dibujos, texto y composiciones gráficas del autor sobre dichos personajes, los discursos y referencias gráficas, confeccionados mediante software de diseño gráfico Paint 3D, Picosmos Tools 2.6.0. y Autodesk SketchBook 8.7.1 y combinados a base de superposiciones de diferentes capas mediante el software Gimp 2.10.24.

Anacronismos de la monumentalidad es un proyecto de arte visual en el que la imagen y también la palabra colaboran para presentar las narrativas alternativas al discurso unívoco oficial. Se conforma una nueva construcción histórica mediante el montaje de imágenes y textos que coinciden en un collage de significados contradictorios e incluso ambiguos -como el propuesto en la exposición Atlas del Reina Sofía (Atlas, 2011)- que provocan la reflexión del espectador. La obra textual se ha confeccionado como artículos periodísticos de cada uno de los personajes que recogen las narrativas afloradas para cada uno de ellos a partir de esta inmersión anacrónica en sus biografías. Los discursos que se plantean acerca de cada persona desembocan en historias paralelas, que no siguen la continuidad y secuencialidad del modelo cronológico-biográfico uniforme, sino que beben de diferentes fuentes, muchas veces contradictorias, con lo que se construye un conjunto de temporalidades heterocrónicas, que, desde el pasado, ofrecen lecturas de lo que está pasando en el presente.


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Relatos en torno a Joan Güell, en formato periodístico, pág. 1 de 2. Antonio Ruiz. 2021


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Relatos en torno a Joan Güell, en formato periodístico, pág. 2 de 2. Antonio Ruiz. 2021


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Algunos de los bocetos desarrollados para la confección de Derribando estatuas, construyendo imperios. Técnica digital. Antonio Ruiz. 2021


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La obra gráfica se ha construido a partir de la obra textual, compartiendo con ella sus ambigüedades, contradicciones e insinuaciones, fruto de la estrategia anacrónica que se ha seguido en todo el proceso. Este juego de narrativas se ha formalizado a modo de atlas gráfico que se compone de una diversidad de capas, que representan esos discursos que conviven en esa dimensión espaciotemporal que se configura entre la obra visual y la percepción y lectura que el espectador puede hacer de ella. Es así como la obra gráfica, los collages, y la obra textual, maquetada en formato periodístico, constituyen un todo, un artefacto artístico conjunto e inseparable. Por la propia naturaleza y objeto del proyecto, el proceso productivo ha requerido una gran versatilidad y adaptabilidad ante el abanico de posibilidades con el que me encontraba durante la búsqueda de las diferentes opciones plásticas y conceptuales. Se hacía preciso una suerte de juego de prueba y selección entre diversas posibilidades expresivas para conformar la versión definitiva del artefacto visual. Para tal fin, se ha decidido utilizar exclusivamente medios digitales, pues son los que permiten trabajar con la suficiente agilidad, eficacia y eficiencia para combinar las diferentes propuestas plásticas hasta llegar a la versión definitiva del objeto gráfico. El trabajo con medios y técnicas tradicionales de pintura y dibujo no habría respondido a esa necesidad de realizar sucesivos cambios, correcciones, y combinaciones que el proyecto demandaba. Para la formalización de este proyecto se han utilizado como recursos: ordenador portátil, cámara réflex digital, smartphone, tableta gráfica, software para tratamiento de textos y presentaciones, software de dibujo y software para edición fotográfica. La obra gráfica contempla los cinco collages dedicados a cada uno de los personajes y a las narrativas anacrónicas derivadas de sus biografías y referencias:

• Amor místico. Mercè Rodoreda.

• De calles, de nombres, de hombres. Lluïsa Vidal.

• Feminismos y flores. Pepita Teixidor.

• Derribando estatuas, sosteniendo imperios. Joan Güell.

• El arquitecto y el hombre. Antonio Gaudí.

La serie de collages proponen un diálogo entre personalidades y temporalidades diferentes que, sin embargo, convergen en el presente compartiendo problemáticas y cuestiones que se heredaron del pasado y que se mantienen irresolutas en el presente, planteando así retos para el futuro. El discurso patriarcal, colonial y capitalista se pone de manifiesto en las historias del pasado, trasladándose a prácticas del presente bajo las nuevas formas que esta posmodernidad indefinida e indefinible ha legitimado, asumiéndolas como naturales e incluso necesarias.


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Amor místico precisamente viene a desmitificar unas ideas feministas que se han institucionalizado en una sociedad en la que los medios, la publicidad y la avalancha de información a la que se somete al individuo por parte del sistema mercantilista esconden o difuminan conductas y percepciones machistas, disfrazadas muchas veces de feministas. Esta realidad es la que Mercè Rodoreda, a pesar de ser conocida como figura emblemática del feminismo, ya denunció en el pasado con su rotunda aseveración: «Yo creo que el feminismo es como un sarampión […] creo que no tiene sentido el feminismo». Por otro lado, la simbología esotérica y las inclinaciones lésbicas de la escritora se configuran como una auténtica reivindicación de libertad desde una personalidad compleja, una complejidad que los cánones patriarcales no admiten para una mujer.

Amor místico. Collage, técnica digital. Antonio Ruiz. 2021


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De calles, de nombres, de hombres trata la problemática de la cultura patriarcal desde la vivencia de una artista, Lluïsa Vidal, cuya maestría pictórica escapa al cliché de mujer pintora de objetos delicados para adentrarse en un terreno plástico que sólo ha sido reconocido como exclusivo del género dominante, hasta tal punto que algunas de sus obras han sido reconocidas como obras de Santiago Rusiñol. El universo patriarcal solo admite nombres masculinos detrás de las grandes obras del quehacer humano y relega casi al olvido a aquellas mujeres que se han atrevido a dejar su impronta en el mundo. En nuestros días, se discute mucho sobre las dedicatorias de calles y monumentos, en una pretensión de restablecer la memoria histórica de unos hechos y de unos personajes. En muchas de estas prácticas, que se dicen democráticas, no se oculta una nueva interpretación reduccionista y unívoca, que siguen estrategias sectarias no muy diferentes de las utilizadas para imponer los viejos discursos que se quieren cuestionar. Estos debates, sin embargo, contribuyen poco o nada a cambiar la lógica sexista dominante en nuestra sociedad. Prueba de ello es que, aunque Lluïsa Vidal tenga su “pasaje”, muchas de sus obras siguen siendo atribuidas a Rusiñol por cuestiones vinculadas al valor y la legitimidad del arte.

De calles, de nombres, de hombres. Collage, técnica digital. Antonio Ruiz. 2021


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Feminismos y flores aborda las narrativas que se generan en torno a los movimientos feministas. En el pasado las modestas reivindicaciones de los ambientes femeninos burgueses de principios del siglo XX que frecuentaba la pintora Pepita Teixidor propiciaron que hoy consideremos como indiscutible el derecho al voto de la mujer. Sin embargo, las nuevas problemáticas del presente van más allá del mantenimiento de rancias prácticas patriarcales, en forma de desigualdad de género – que el feminismo institucionalizado no duda en denunciar-, sino que asistimos a una reactivación de formas de discriminación socioeconómicas del pasado, como el acceso a la universidad o a puestos de responsabilidad, en las que la mujer es vulnerable, pero no sólo por razón de género sino también de clase. En definitiva, la sucesión cronológica que nos lleva a nuevos tiempos no puede ocultar la perduración de lógicas arcaicas con repercusión en los ámbitos social, económico y cultural. Y esto es precisamente lo que revela la estética anacrónica.

Feminismos y flores. Collage, técnica digital. Antonio Ruiz. 2021


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Derribando estatuas, sosteniendo imperios se enmarca en las poéticas decoloniales contemporáneas mediante una estrategia anacrónica que pone de relieve incoherencias y rigideces de algunas de las prácticas del giro decolonial. Optamos por repensar el monumento en lugar de destruirlo, lo cual implicaría silenciar una parte innegable de la historia sobre la que hemos construido nuestra sociedad. La figura de Joan Güell representa uno de esos chivos expiatorios de una suerte de purga histórica que no va a borrar el pasado colonial sobre el que se ha construido nuestra sociedad capitalista. El giro decolonial es inútil si no es capaz de aplicarse a la percepción de nuestra realidad cotidiana y de las nuevas formas de explotación, simbolizadas aquí por la precariedad de los ciclistas y la caja que corona el pedestal vacío de la estatua derrocada. Un esclavismo sustituye a otro.

Derribando estatuas, sosteniendo imperios. Collage, técnica digital. Antonio Ruiz. 2021


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El arquitecto y el hombre aborda cómo se construyen discursos acerca de un personaje, Antoni Gaudí, de la misma manera que se levanta un edificio para responder a las necesidades de una comunidad o de unos intereses colectivos. La edificación se ha construido con unas dimensiones enormes, con una solidez indiscutible y profusamente ornamentada, aunque su interior es oscuro y frío, y apenas se vislumbra lo que esconden sus muros de piedra. Diferentes Gaudí se han construido en el imaginario colectivo, incluyendo al hombre devoto y religioso, al colaborador necesario de la industrialización catalana y al reclamo comercial de la marca Barcelona. Pero desconocemos a esos otros Gaudí posibles, que el discurso oficial ha ignorado o silenciado, como el joven rebelde, el hombre iniciado en prácticas esotéricas y tantos otros, hasta el viejo confundido con un pordiosero al ser atropellado mortalmente por un tranvía. Una vez conformada así la obra gráfica, se debe reconocer que la naturaleza de este proyecto implica que no hay soluciones formales únicas y que aquellas por las que se ha optado finalmente responden sin duda a una reflexión meditada, pero desde el reconocimiento de la pluralidad de opciones y de la validez de muchas de ellas. De la misma manera que se han recopilado narrativas diferentes a partir de la investigación documental y gráfica de los personajes, como tal proceso de investigación, nunca está cerrado y siempre queda abierta la puerta a nuevas aportaciones conceptuales y formales.

El arquitecto y el hombre. Collage, técnica digital. Antonio Ruiz. 2021


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La selección de los mensajes y de los formatos expresivos se ha realizado en un momento y contextos concretos, situados en este presente que además es efímero por naturaleza, pero también inevitable en la conformación de la experiencia personal, que es la que en último caso determina el proceso creativo y sus resultados.

5. METODOLOGÍA Y CALENDARIO Este proyecto de investigación artística se ha desarrollado en cuatro fases: investigación y contextualización, conceptualización, producción, memoria del proyecto y difusión.

INVESTIGACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN Las tareas de investigación han cumplido el objetivo de recopilar toda la información documental y gráfica necesaria para elaborar los discursos asociados a la biografía de los personajes a partir de una labor de campo inicial que ha consistido en un reportaje fotográfico por los monumentos, jardines y/o calles de la ciudad de Barcelona. Se ha puesto en práctica un método histórico indiciario de análisis de las microhistorias que se generan para cada uno de los personajes, alineado con las tesis del historiador Carlo Ginzburg. Esta metodología historiográfica se centra en el aspecto micro-social, en las historias personales de los personajes, indagando y elaborando conjeturas a partir de las piezas de información que se van recopilando. El carácter eminentemente cualitativo de esta forma de investigación indiciaria, indirecta y conjetural hace que se alcancen unos resultados con un margen incuestionable de alteridad (Jiménez, 2012). Las actuaciones realizadas durante esta fase han sido:

• Reportaje fotográfico de los monumentos/jardines/calles dedicadas a los personajes.

• Investigación de la documentación sobre las biografías y referencias de los personajes procedentes de diversas fuentes que han aportado versiones diferenciales.

• Recopilación de la información y datos obtenidos.

CONCEPTUALIZACIÓN Como fuente de inspiración se consideran los referentes conceptuales, filosóficos y estéticos de las estrategias artísticas contemporáneas de la temporalidad que se describen en esta memoria: el montaje de tiempos heterogéneos de Georges Didi-Huberman, la construcción de microhistorias de Carlo Ginzburg, el concepto de lo contemporáneo de Giorgio Agamben, la teoría del tiempo de Paul Ricoeur y los referentes estéticos y conceptuales sobre las nuevas poéticas de la temporalidad de autores como Mieke Bal y Miguel Ángel Hernández. Las actividades integrantes de esta fase han incluido:

• Búsqueda de referencias documentales, conceptuales y estéticas de las estrategias artísticas contemporáneas de la temporalidad.

• Descripción de los fundamentos conceptuales en la memoria del proyecto, concretamente en el apartado 3 de la misma.

En lo relativo a los referentes estéticos, cabe destacar el trabajo artístico de: Fernando Bryce, Pedro G Romero, Ibon Aranberri, Paloma Polo, Doris Salcedo, Carlos Garaicoa y Mª José Climent.


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PRODUCCIÓN Los resultados de la investigación artística se han materializado en un conjunto de obra gráfica y documental que se describen en el apartado 4 de esta memoria. Con estos artefactos artísticos resultado del proyecto, se pretende la incorporación del espectador en el debate generado por la relectura anacrónica de la historia de estos personajes. Se trata así de un proyecto en que no se hace una distinción clara entre lo que es documentación y lo que es obra, pues la documentación forma parte integrante del conjunto de la obra. La producción de la obra ha supuesto las siguientes tareas:

• Elaboración de bocetos y diseños preliminares.

• Adquisición de los medios técnicos necesarios.

• Elaboración de la obra gráfica: fotografía, dibujo, texto y diversas combinaciones de todo lo anterior.

MEMORIA DEL PROYECTO La redacción de la memoria del proyecto se ha llevado a cabo durante las fases de conceptualización y producción.

CALENDARIO DE DESARROLLO

ANACRONISMOS DE LA MONUMENTALIDAD 2021 marzo abril mayo junio

INVESTIGACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN

Reportaje fotográfico

Investigación documental

Recopilación información

CONCEPTUALIZACIÓN

Referencias documentales

PRODUCCIÓN

Bocetos

Adquisición de material

Producción obra gráfica y textual

MEMORIA DEL PROYECTO

DIFUSION

Publicación redes sociales

Defensa del proyecto


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6. DOCUMENTACIÓN DEL PROCESO Y REFLEXIÓN En Anacronismos de la monumentalidad, el propio proceso de planificación, desarrollo y ejecución adquiere tanta importancia como el dispositivo final. No se puede entender la obra sin el proceso y es precisamente este hecho lo que hace que lo documental y lo gráfico se complementen en una sinergia conceptual y estética El trabajo de campo a partir del cual se genera el reportaje fotográfico de los monumentos no ha resultado una simple toma de fotografías por las calles y parques de Barcelona. Más bien ha supuesto una experiencia sensorial fundamental para configurar el contexto en el que plasmar por medios plásticos y textuales este compendio anacrónico de discursos. Así, por ejemplo, durante la visita al Parque de la Ciutadella para fotografiar el busto de Pepita Teixidor, resultó palpable esa proliferación de estatuas de figuras masculinas, encabezada por la monumental figura ecuestre del general Prim a la entrada, que eclipsan la mínima representación femenina protagonizada por el busto de la pintora. La localización del monumento erigido en homenaje a Pepita Teixidor constituye una suerte de aventura de búsqueda azarosa entre un bosque de próceres masculinos, incluso con la asistencia de la tecnología que aporta la aplicación de Google Maps.


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Monumento a Pepita Teixidor en el Parc de la Ciutadella, Barcelona, Manuel Fuxà i Leal. Fotografías. Antonio Ruiz. 2021

Estudio del monumento al general Prim en el Parc de la Ciutadella de Barcelona. Dibujo. Técnica digital. Antonio Ruiz. 2021

Copia de retrato de Pepita Teixidor. Dibujo. Técnica digital. Antonio Ruiz. 2021


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Por otra parte, resultó una experiencia sensorial muy reveladora la visita a la Plaza del Diamant de Barcelona, donde se ubica la Colometa, la escultura en bronce que el escultor Xavier Medina dedicó a la protagonista de la novela más famosa de Mercè Rodoreda; la figura femenina que pretende escapar de ese plano dimensional en el que el universo patriarcal la ha circunscrito. La fuerza desgarradora de este pasado alimenta la experiencia sensorial de un presente llevándome a ser más consciente de esas nuevas formas de encasillamiento de la mujer, toleradas por nuestra sociedad, de tal manera que pasan desapercibidas si no somos capaces de jugar entre tiempos. Solo dentro de una lectura heterocrónica podemos escapar de la ceguera que nos produce el ritmo cronológico del tiempo y nuestro propio presente. De esta manera, en una farmacia ubicada en la misma plaza, pude contemplar ese anuncio publicitario de un producto cosmético en que el rostro de una mujer se presenta como evocador de una disimulada sensualidad dirigida a una mirada masculina, pero también como modelo a seguir por la mujer, que continúa siendo direccionada mediante formas más amables de encasillamiento. Más rudas son otras formas de machismo comercial, de las que pude percatarme nada más salir de la plaza y tomar una calle adyacente, cuando comprobé como en el escaparate visible de una tienda de artículos eróticos se exponía la figura de exuberantes mujeres como objeto exclusivo para la mirada masculina. Resultó intrigante ver aquellas fotografías insinuantes detrás de unos cristales protegidos por rejas que, si no evitaban las miradas indiscretas -algo que evidentemente no era su propósito- sí parecían una metáfora de una prisión a la que hemos condenado a esa mujer objeto que a la vez es fuente de deseo y de menosprecio. Las instantáneas tomadas durante estas visitas conforman esta amalgama de shocks e impactos visuales que van a configurar las diferentes capas discursivas de la obra gráfica y los textos de las narrativas sobre los personajes. Las diferentes referencias bibliográficas recopiladas constituyen la base documental de trabajo que, gracias a la experiencia visual vivida durante los paseos por la ciudad de monumentos, ha adquirido una dimensión más vívida y cercana. Esta inmersión anacrónica en documentación e imágenes me ha supuesto una experiencia perceptiva y creativa que he trasladado a la obra resultante.


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La Colometa, en la Pl. del Diamant, Barcelona, Xavier Medina Campeny. Fotografías. Antonio Ruiz. 2021

Detalles de imágenes en que la mujer se exhibe como un objeto, tomadas en las cercanías de la Pl. del Diamant: anuncio publicitario de producto cosmético en una farmacia y escaparate de una tienda erótica. Fotografías. Antonio Ruiz. 2021


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Junto con estas experiencias, el estudio de la bibliografía y referencias que hay sobre los diferentes personajes constituye la base documental de las narrativas y discursos construidos. La complejidad de la lectura y conceptualización de estas diferentes versiones se ha manifestado tanto en el estudio de personajes más conocidos, como, por ejemplo, Antoni Gaudí, como en el estudio de personajes menos conocidos, como el de la pintora Lluïsa Vidal, cuyo personaje, al parecer, resultaba menos atractivo a los historiadores y críticos. A veces la abundancia de discursos oficiales interesados eclipsaba otras historias más recónditas del personaje, mientras que en otros casos son pocas las fuentes documentales halladas. Cuando la exuberancia de literatura sobre un personaje no hacía sino conformar un discurso uniforme y unívoco, se requería un esfuerzo indagatorio importante. El método indiciario de Carlo Ginzburg aportaba aquí una estrategia individualizadora útil, y me condujo a prestar especial atención a las situaciones particulares y extrañas que afloraban de los relatos presentados. Los pequeños detalles cobraban un protagonismo que el discurso oficial les había negado y resultaban así muy valiosos para reconstruir historias alternativas y contradictorias. El hecho de que la objetividad y la especulación puedan entrar en conflicto es innegable y es parte inherente del proceso indiciario. En otros casos, la falta de información requería un análisis más exhaustivo de la misma con el fin de nutrir satisfactoriamente los relatos atemporales. Como señala Absalón Jiménez en su artículo sobre el método de Ginzburg, la labor de investigación supone andar a tientas en una habitación oscura donde uno se topa con elementos que intuye pero que no reconoce completamente. Es esa práctica de “tocar y palpar” aquello que apenas se deja entrever lo que permite la elaboración de conjeturas, «rescata las huellas del pasado con la distancia justa entre la emoción y la indiferencia, y asumiendo una actitud abierta a la multiplicidad de los puntos de vista que se presentan» (Jiménez, 2012, p. 22). Esta inmersión en un contexto de historias, contradicciones, conjeturas y ambigüedades hace que surjan resquicios entre las diferentes temporalidades de esas narrativas. Ello implica el reto importante desde el punto de vista conceptual y plástico, que supone rescatar ese rico mensaje de atisbos, sugerencias, dudas y evidencias de esa compleja amalgama de datos compilados y experiencias sensoriales para elaborar ese artefacto o dispositivo proyectual que va a presentarse ante los ojos del espectador.

Plano de El Senyal con el alzado occidental: chalet con multitud de referencias esotéricas, donde convivió Mercè Rodoreda y su íntima amiga Carme Manrúbia. https://barcelodona.blogspot.com/2021/03/carme-manrubia-companya-sentimental-de.html?q=merce+rodoreda

https://barcelodona.blogspot.com/2021/03/carme-manrubia-companya-sentimental-de.html?q=merce+rodoreda

https://barcelodona.blogspot.com/2021/03/carme-manrubia-companya-sentimental-de.html?q=merce+rodoreda


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Estudio de la simbología masónica. Dibujo. Técnica digital. Antonio Ruiz. 2021

Estudio de la simbología rosacruz. Composición de dibujo y fotografía. Técnica digital. Antonio Ruiz. 2021

Banderas y timón como símbolo de los imperialismos catalán y español. Técnica digital. Antonio Ruiz. 2021

Patera con inmigrantes, que forma parte de uno de los collages. Técnica digital. Antonio Ruiz. 2021


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Ciertamente no puedo esperar que el espectador comparta conmigo mis percepciones, pero sí creo que el conjunto de obra gráfica-documental le va a permitir escapar de esa cotidianidad sucesiva a la que nos somete el tiempo cronológico y que nos determina en buena forma las percepciones que asumimos como válidas y las decisiones que tomamos a partir de ellas. Anacronismos de la monumentalidad se propone como una puerta a otras dimensiones conceptuales y sensoriales, que permite desembarazarse de ese paso medido del tiempo y así poder aventurarse en un desplazamiento atemporal que no está desligado del presente que vivimos, disfrutamos y sufrimos. La obra de arte es, digamos, “objeto artístico”, pero conforma también la idea y la materialización de la experiencia de encuentro con el monumento y el personaje, que se reconstruye cada vez. Es anacrónica, pero no por ello menos vigente, porque estamos situados en el presente y eso nos sirve de referencia para poder modelar el tiempo, estirándolo y comprimiéndolo, para poder leer diferentes historias de una forma heterocrónica, libre de la sumisión cronológica. La tarea de investigación documental, de recopilación de archivos textuales y gráficos que comporta este “arte de historia” implica una ardua labor de búsqueda, clasificación, selección, estudio y análisis. Pero este tipo de trabajo no puede categorizarse como un ejercicio de “ratón de biblioteca” -en este caso de la gran biblioteca digital que supone internet-. Cuando se dispone de una cantidad tal de información se corre el riesgo de verse hastiado por la misma, quizá más bien debido al exceso informativo al que nos someten los medios y la tecnología actuales. No es imposible entrar en el círculo vicioso que lleva de la exaltación anímica al desasosiego y hastío intelectual, que producen una inquietud que vuelve a despertar la búsqueda ansiosa de nuevo conocimiento. La práctica más idónea para superar estos escollos conjuga esa distancia emocional e ideológica que se debe guardar con respecto al objeto de estudio con la necesaria implicación y aproximación a los detalles de las historias y sus circunstancias. Lo que resulta un reto es interpretar los relatos en un marco donde la objetividad más o menos evidenciable puede confrontarse a la especulación intuitiva y donde la frialdad del analista historiográfico se ve sometida a las tensiones perceptivas del artista en el presente. En cualquier caso, la experiencia que aporta el propio proceso en que se conjugan tiempos diferentes en narrativas, supone un ejercicio de autoaprendizaje que nos facilita técnicas para futuros proyectos que se puedan desarrollar sobre la base de las poéticas de la temporalidad. Como compendio de esta experiencia artística, historiográfica y personal, se presenta aquí una memoria que recoge este proyecto de investigación y creación artísticas, describiendo la base conceptual y el contexto referencial y sensorial en que se ha desarrollado el proceso creativo. No se trata tanto de una mera justificación teórica sino del relato de una experiencia personal sensorial, racional y estética que me ha proporcionado no sólo nuevas herramientas y recursos técnicos de expresión plástica sino, sobre todo, una forma de visión de la realidad a mi alrededor que amplía el campo perceptivo a horizontes insospechados.

7. DIFUSIÓN DEL PROYECTO La presentación pública del proyecto viene condicionada por la situación de pandemia, por lo cual no se prevé una exposición física de las obras y la documentación del proyecto en el momento de la defensa de este proyecto, pero no se descarta hacerlo con posterioridad, como más adelante se explica.


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La difusión virtual del proyecto Anacronismos de la monumentalidad se ha realizado a través de las redes sociales. La obra gráfica y documental que constituyen en su conjunto el artefacto generado por el proceso de investigación artística se publican a través de Instagram, para lo cual se ha activado el hashtag #anacronismosmonumentalidad, estando también disponibles en la página personal del autor https://www.instagram.com/antonioruiztorres68/ . En el blog personal (https://aruiztorres.folio.uoc.edu/) se dispone de enlace al hastag y de acceso a la documentación generada en el proyecto y a la memoria final, que pueden descargarse libremente en formato pdf. También se han publicado los cinco collages y la obra textual en la plataforma de difusión artística ARTEINFORMADO, en el site: https://www.arteinformado.com/guia/f/antonio-ruiz-torres-197367 . Asimismo, la obra Amor místico ha sido seleccionada por ARTEINFORMADO para formar parte de la exposición virtual colectiva QUEEReme para artistas internacionales, disponible del 29 de mayo al 20 de junio en el site: https://www.arteinformado.com/agenda/f/queereme-para-artistas-internacionales-obras-propuestas-199464 . Con la intención de poder acceder a una futura exposición física de la obra, se ha presentado la serie de obra gráfica a la Convocatoria 2021 de la Bienal de Arte de la Diputació de Tarragona, en la que las obras seleccionadas formarán parte del catálogo de la bienal y se exhibirán en la exposición colectiva que se prevé tendrá lugar en septiembre de 2021 en las salas temporales del Museu d’Art Modern de la Diputació de Tarragona. Por último, se presenta esta memoria para la defensa del proyecto Anacronismos de la monumentalidad ante el tribunal evaluador del Grado de Artes de la Universitat Oberta de Catalunya.

8. PRESUPUESTO Para el cálculo de este presupuesto se han tenido en cuenta las siguientes consideraciones:

• Tanto el hardware (cámara de fotos, ordenador portátil y smartphone) como el software están disponibles y por tanto no se ha precisado habilitar una partida para su adquisición.

• Para el coste de consumo energético se ha calculado el consumo eléctrico para el número de horas dedicadas al proyecto (18 créditos x 25 horas), asumiendo el coste medio de la factura de electricidad mensual.

• La producción gráfica ha sido digital y su difusión también se ha realizado en formato digital, por lo que no se han incurrido en costes de consumibles. No obstante, se ha invertido en la compra de un equipo de diseño digital: una tableta gráfica.

• Se incluyen gastos de transporte público para la realización del reportaje fotográfico por la ciudad de Barcelona.

• No se ha incurrido en costes relativos a alquiler de espacios y otros gastos para una exposición física, puesto que se ha descartado la misma por la pandemia.

https://www.instagram.com/antonioruiztorres68/

https://aruiztorres.folio.uoc.edu/

https://www.arteinformado.com/guia/f/antonio-ruiz-torres-197367

https://www.arteinformado.com/guia/f/antonio-ruiz-torres-197367

https://www.arteinformado.com/agenda/f/queereme-para-artistas-internacionales-obras-propuestas-199464

https://www.arteinformado.com/agenda/f/queereme-para-artistas-internacionales-obras-propuestas-199464


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9. REFERENCIAS Y BIBLIOGRAFÍA REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS CONCEPTUALES

• Agamben, Giorgio (2008). ¿Qué es lo contemporáneo? Texto leído en el seminario de Filosofía Teorética impartido en la Facultad de Artes y Diseño de Venecia entre 2006 y 2007.

• Aranberri, Ibon (2019). Línea de sombra, en Duplicación de lo difunto, de Ángela Molina. EL PAIS. https://elpais.com/cultura/2019/11/19/babelia/1574154884_438604.html Consulta:24/3/2021

• Atlas (2011). Entrevista a Georges Didi-Huberman. Museo Reina Sofia. https://vimeo.com/18063038

• Bal, Mieke (2016). Tiempos trastornados. Análisis, historias y políticas de la mirada. Madrid: Akal.

• Benjamin, Walter (1940). Paralipomènes et variantes des thèses Sur le concept d’histoire. Trad. J.-M. Monnoyer, Écrits français.

• Browitt, Jeff (2014). La teoría decolonial: buscando la identidad en el mercado académico. Cuadernos de literatura, Vol. XVIII nº 36. Bogotá: Pontificia Universidad Javeriana.

• Brown, Wendy (1995). States of Injury. Power and Freedom in Late Modernity. Princetown, NJ: Princetown University Press.

• Bryce, Fernando (2003). The Spanish Revolution. The Spanish War. Laboral. Centro de Arte y Creación Industrial. http://www.laboralcentrodearte.org/es/recursos/obras/the-spanish-revolution-2003 Consulta: 9/3/2021.

• Capdevila, Pol (2020). Nuevas poéticas históricas en las bienales de arte. Arte y acción social. Arte, Individuo y Sociedad 32(4).

• Climent, Mª José (2016). Dialéctica homicida. http://mariajosecliment.blogspot.com/2016/03/dialectica-homicida-en-la-exposicion.html Consulta: 8/3/2021.

• Didi-Huberman, Georges (2011). Ante el tiempo. Historia del arte y anacronismo de las imágenes. Buenos Aires: Adriana Hidalgo.

• Garaicoa, Carlos (2009). La palabra transformada. https://www.centrobotin.org/obra/la-palabra-transformada-i-ii-iii-iv-v-vi-vii-y-viii/ Consulta: 24/3/2021.

• Guasch, Anna María (2011). Arte y archivo, 1920-2010. Genealogías, tipologías y discontinuidades. Madrid: Akal.

• Hernández, Miguel Ángel (2020). El arte a contratiempo. Historia, obsolescencia, estéticas migratorias. Madrid: Akal. 2020.

• Jiménez, Abasalón (2012). Carlo Ginzburg: reflexiones sobre el método indiciario. Esfera, vol. 2, nº. 2. Bogotá: Universidad Distrital Francisco José de Caldas.

• Koselleck, Reinhart (1993). Futuro pasado. Para una semántica de los tiempos históricos. Barcelona: Paidós.

PRESUPUESTO

PROYECTO ANACRONISMOS DE LA MONUMENTALIDADCONCEPTO Unidades/Coste unidad/ Coste

horas hora total

Consumo eléctrico 450 0.04 € 20.06 €

Tarjeta transporte 1 11.35 € 11.35 €

Tableta gráfica Huion Kamvas Pro 22 1 426.00 € 426.00 €

TOTAL PRESPUESTO 457.41 €

https://elpais.com/cultura/2019/11/19/babelia/1574154884_438604.html

https://vimeo.com/18063038

http://www.laboralcentrodearte.org/es/recursos/obras/the-spanish-revolution-2003

http://www.laboralcentrodearte.org/es/recursos/obras/the-spanish-revolution-2003



https://www.centrobotin.org/obra/la-palabra-transformada-i-ii-iii-iv-v-vi-vii-y-viii/

https://www.centrobotin.org/obra/la-palabra-transformada-i-ii-iii-iv-v-vi-vii-y-viii/


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• Mouffe, Chantal (2005). On the political. Londres: Routledge.

• Ricoeur, Paul (2004). Tiempo y narración I. México: Siglo XXI.

• Ricoeur, Paul (2008). Tiempo y narración II. México: Siglo XXI.

• Romero, Pedro G (2000). Archivo FX. http://www.fxysudoble.org/archivo-f.x.html Consulta: 24/3/2021.

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anacronismos de la monumentalidad · 2021. 5. 31. · arte del grado de artes de la universitat...

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