l a i n t e rru p ci ó n d e l a p ro d u ct i vi d a d a
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La interrupción de la productividad a través del cuerpo en el cine contemporáneo
Juan Camilo Velásquez Buriticá Professor/a: Fran Benavente Historia Crítica de las Metodologías del Cine II , Segundo Trimestre, 2017 Facultat de Comunicación Universitat Pompeu Fabra
Resum / Resumen: Este ensayo establecer las bases teoricas y metodologicas para un proyecto de investigación alrededor de las funciones improductivas del cine, la imagen cinematográfica y el cuerpo humano en el cine. Con este propósito, se trazará una genealogía de textos cinematográficos que intervienen y/o interrumpen la productividad laboral y también la narratividad fílmica. Entonces, se realizará una lectura de textos fílmicos a partir de los gestos, movimientos y ritmos del cuerpo humano y del cuerpo fílmico. Esto nos permitirá encontrar un conflicto dentro de la imagen entre las acciones productivas y los gestos improductivos. En este contexto, el baile y la detención del cuerpo surgen como coyunturas formales que interrumpen la producción laboral y narrativa. A partir de estas consideraciones se atisban formas improductivas de encarnar el cuerpo humano y fílmico. Paraules clau / Palabras clave: · Cine, Charlie Chaplin, Cuerpo, Claire Denis, Gesto, Improductividad, Interrupción, Movimiento, Narración, Productividad, Ritmo, Trabajo, Lars Von Trier. Abstract: This essay seeks to establish the theorical and methodological foundations for a research project around the unproductive functions of cinema, of the filmic image, and of the human body in film. With this purpose, I will trace a genealogy of texts that intervene and/or interrupt labor productivity and filmic narrativity. I will read the filmic texts using its gestures, movements, and rhytms of the human body and the filmic body. This will allow us to find a conflict within the image between productive action and unproductive gesture. In this context, dance and the immobility of the body arise as formal instances that interrupt labor and narrative productivity. From these considerations one can glimpse unproductive ways of incarnating human and filmic bodies. Keywords: Film, Charlie Chaplin, Body, Claire Denis, Gesture, Unproductivity, Interruption, Movement, Narration, Productivity, Rhythm, Work, Lars Von Trier
La interrupción de la productividad a través del cuerpo en el cine contemporáneo
Juan Camilo Velásquez Buriticá
Tendencias en el Cine Digital
Universitat Pompeu Fabra
14 de Abril de 2017
“Y el hecho es que nadie, hasta ahora, ha determinado lo que puede el cuerpo…”1 decía
Spinoza en su Ética hace más de trescientos años, aunque pareciese que en pleno siglo XXI este
fervor por conocer las capacidades del cuerpo humano no ha disminuido. Por el contrario, en
parte gracias a las tecnologías de representación que logran capturar y representar el cuerpo en
movimiento, esta preocupación corporal ha emergido como una de las cuestiones constituyentes
del espíritu de la época en el nuevo milenio. Entre estas tecnologías de representación del cuerpo
el cine se ha destacado por su capacidad de registrar la duración, los gestos, movimientos, y
ritmos del cuerpo humano. Al tener esta posición representacional y formal privilegiada vis-a-vis
el cuerpo, los creadores de estas imágenes en movimiento tendrían que ser interlocutores claves
en este discurso en la contemporaneidad. La gran variedad de conclusiones y diálogos que los
directores de cine han propuesto en relación a esta misión de conocer el cuerpo señala algo. La
imagen cinematográfica es un sitio critico dentro de los esfuerzos epistemológicos de saber el
cuerpo. Por esto, el dispositivo cinematográfico es un lugar en el cual convergen y coagulan las
preocupaciones éticas y políticas que son inherentes a este ímpetus de conocer lo que el cuerpo
puede. Porque determinar lo que puede el cuerpo no es un conocimiento neutro, este tiene
utilidades en el campo del trabajo y la producción económica cuando se tiene en cuenta que el
cuerpo humano ha sido históricamente el agente de producción por excelencia.
Este trabajo de investigación cinematográfica surge de este lugar de conflicto ético-
político, y su intención final es intervenir, aunque sea de manera microscópica, en este. En gran
medida, el cine narrativo se ha caracterizado por seguir principios básicos de la acción
productiva y de la causalidad lógica. Es decir, el cine narrativo ha funcionado a partir de
supuestos de causa y efecto y por esto los las acciones dentro de la diégesis conllevan a
reacciones también en ella. Dentro de este régimen de productividad y causalidad en el cine, los
gestos, ritmos y movimientos del cuerpo humano se han ajustado a esta tarea linear de la
narración y producción de significado. Entonces, el cine parece no explorar lo que puede el
cuerpo sino que más bien este medio se ha fijado en solo una de sus capacidades. Entonces, ¿que
sucede cuando se quiebra esta acción productiva en la representación cinematográfica? ¿Bajo
qué condiciones se da este tipo de intervención en la acción productiva? ¿Cómo ocurre y como
se representa este quiebre en el cine? Y por último, ¿Qué implicaciones tiene este tipo de
interrupción en el espectador?
1 Spinoza, Baruch. Etica demostrada segun el orden geometrico. Madrid: Alianza, 2015.
Este trabajo partiría de la hipótesis de que los gestos, ritmos y movimientos del cuerpo
humano y fílmico han sido y siguen siendo elementos esenciales para representar la interrupción
de la causalidad y la productividad. Según esta perspectiva, algunos directores han hecho uso del
cuerpo de sus actores y del cuerpo fílmico para poner en escena este tipo de intrusión en la
causalidad y la acción productiva. Al estar interesado en la dinámica de causalidad y producción
asociada con la narración cinematográfica, este trabajo se inscribe en el ámbito del cine narrativo
y por esto se limitará a formar relaciones entre textos de esta tradición – aunque también señalará
ejemplos de otros tipos de imágenes cuando sea pertinente. Sin embargo, la categoría de cine
narrativo abarca una gran cantidad de producción cinematográfica, por lo cual es
metodológicamente crucial delimitar el campo investigativo aún más. Entonces, el cine que
representa el trabajo y la producción económica surgen como documento crucial de la
representación cinematográfica de la acción productiva. En este cine del trabajo, la acción
productiva y el cuerpo son puestos en primer plano, y entonces su interrupción se vuelve aún
más clara e interesante.
Dentro de la genealogía del cine del trabajo una obra destaca por su particular uso del
cuerpo y la interrupción del trabajo industrial: Modern Times (1932) dirigida y protagonizada por
Charlie Chaplin. En la película, Chaplin es un obrero de una fábrica industrial que
está en proceso de modernización y la labor del personaje consiste en una repetición de
atornillar una y otra vez dentro de una gran línea de ensamblaje. Pero debido a la aceleración del
ritmo laboral y el agotamiento del personaje, el personaje tiene un momento de quiebre tras el
cual empieza a repetir su labor frenéticamente, como si fuese un tic corporal sobre el cual él no
tiene control. En gran medida, las lecturas de Modern Times y de esta escena las interpretan
como una crítica de Chaplin al capitalismo estadounidense del siglo XX. Aunque es cierto que la
película sirve como crítica política, esta hermenéutica socio-histórica se agota rápidamente e
ignora aspectos latentes dentro de la escena. Al representar esta situación laboral a través de
gesticulaciones excesivas y un paroxismo corporal, Chaplin también exhibe un tipo de critica
gestual, el cual excede los límites de la crítica verbal que se le adjudica a la escena. Con sus
movimientos espasmódicos, Chaplin ejerce un quiebre en la acción productiva industrial y revela
los mecanismos de control del cuerpo y del gesto.
Metodología y Hermenéutica
El visionado de Modern Times surge como el punto de partida para considerar las
necesidades hermenéuticas de esta investigación. Si la actuación de Chaplin excede una exegesis
puramente sociológica e histórica es necesario encontrar otras avenidas de interpretación, las
cuales deben ser capaces de considerar al cuerpo, el gesto, el ritmo y el movimiento en sus
propios términos. Para esta investigación, entonces, se desarrollará un tipo de hermenéutica o
modelo interpretativo de la imagen cinematográfica que surge de la unión de tres teóricos
distintos, pero con mucho en común. Primero, está la definición que Giorgio Agamben provee
del gesto en su texto “Notas Sobre el Gesto.”Agamben describe el gesto como “la exhibición de
una medialidad, el hacer visible un medio como tal.”2 Este concepto tiene resonancia con la
escena en la cual Chaplin interrumpe la acción productiva y causal de la línea de ensamblaje con
un tipo de gestualidad espasmódica y un baile enloquecido que no producen nada y solo se
exhibe a sí mismos.
Asimismo, las consideraciones cinematográficas del texto L’Acinema de Jean-François
Lyotard son pertinentes para examinar como el movimiento del cuerpo ha sido constreñido por el
cine. Para Lyotard, el cine narrativo se caracteriza por una normalización libidinal y de los
movimientos del cuerpo. El autor escribe “el cine producido en la industria capitalista viene del
esfuerzo de eliminar movimientos aberrantes, gastos inútiles, diferencias de consumo puro. La
película está compuesta como un cuerpo unificado y propagante.”3 En este texto, Lyotard hace
referencia al cine como un medio que se ha caracterizado por la normalización de los movimientos
en favor de la productividad capitalista.4 En otras palabras, y en relación con esta investigación, el
cine narrativo ha propagado imágenes y movimientos de la acción productiva y ha excluido tipos
de movimientos que no son productivos, movimientos como el gesto puro de Agamben. Ambos
autores utilizan el gesto y el movimiento del cuerpo como sitios claves para el análisis de textos e
imágenes artísticas, incluyendo películas. Entonces al intentar construir una hermenéutica que se
ocupe de los gestos y los movimientos tanto del cuerpo del actor como del cuerpo fílmico, el gesto
de Agamben y el “nihilismo de los movimientos convencionales” de Lyotard proveen
consideraciones interesantes.
2 Giorgio Agamben. Medios sin fin: notas sobre la política. Pre-textos, 2001. 3 Jean-François Lyotard. Acinema (trans. P. Livingston), Wide Angle, vol. 2, no.3. 1978 4 Ibid.
Por último, este modelo interpretativo al que se enfrentarán los textos fílmicos de esta
investigación también debe tener en cuenta los ritmos del cuerpo, ya que en el ritmo ocurre la
unión de gesto y duración – ambos elementos esenciales del aparato cinematográfico. En su texto,
Ritmo-análisis: Espacio, Tiempo y Vida Cotidiana, Henri Lefebvre escribe que un ritmo ocurre en
la interacción entre un lugar, un tiempo, y una gasto de energía.5 Según Lefebvre, el tiempo social
de la producción fragmenta la vida en varias formas discretas y separadas de ocio, entretenimiento
y trabajo. A través del hábito, la linearización y la cuantificación, los ritmos circadianos y
biológicos del cuerpo tienden a acomodarse estos ritmos sociales de producción.6 Como Lyotard,
Lefebvre cree que los regímenes de producción económica no solo han invadido el régimen
libidinal y corporal, sino que la producción ha llegado a determinar las posibilidades rítmicas del
cuerpo humano. Lefebvre ofrece el Ritmoanalisis como una hermenéutica y ciencia para analizar
el día a día, entonces, este trabajo intentará aplicar esta hermenéutica al cine como un medio de
representación que es profundamente dependiente de los ritmos a través de elementos del aparato
como la edición y la narrativa, pero también a través del cuerpo de los actores. El gesto de
Agamben, el Ritmoanalisis de Lefebvre, y el Acinema de Lyotard son visibles en la escena de
Modern Times en la cual vemos a un Chaplin que no solo subvierte la acción productiva a través
del gesto, sino que también introduce movimientos y ritmos repetitivos y exagerados que no
concuerdan con el ideal de producción de la maquina ni de la narrativa cinematográfica. El gesto,
el movimiento, y el ritmo son términos que están inextricablemente incorporados y que son casi
imposibles de separar. Un gesto corporal implica un movimiento y al sumarse varios gestos en una
unidad de tiempo surge entonces un ritmo. El cine como medio de documentación del movimiento,
el tiempo y de la duración entonces esta enredado profundamente con cada uno de estos tres
términos.
Entonces, la actuación de Chaplin debe ser estudiada a través de la interacción de estos tres
conceptos. En la escena, el gesto no-productivo de Chaplin se repite y repite creando así un ritmo
que se rebela contra el ritmo maquinal y también una coreografía de movimientos que intentan
eludir el nihilismo de movimientos de producción industrial. El gesto, el movimiento y el ritmo se
ensamblan y este ensamblaje se ve en la danza de Chaplin, quien en esta escena termina bailando
por toda la fábrica mientras sus colegas de trabajo lo observan y sus jefes intentan detenerle.
5 Henri Lefebvre. Rhythmanalysis: space, time, and everyday life. London: Continuum, 2010. 6 Ibid.
Entonces la danza y el momento musical en el cine narrativo emergen como el objeto de estudio
clave de esta investigación como las instancias cinematográfica en las cuales el cuerpo humano
busca formas de resistir los regímenes productivos del gesto, el movimiento y el ritmo capitalista.
El baile y el momento musical en el cine ya han sido exhaustivamente teorizados y analizados
dentro de la teoría del género musical por autores como Richard Dyer. Sin embargo, aunque esta
teoría puede ayudarnos en ciertos momentos, este trabajo cinematográfico busca lidiar con el cine
narrativo del trabajo y no con el género del musical. Por esta razón, el momento musical como
objeto de estudio se referirá a aquellos momentos que surgen como un quiebre o interrupción del
régimen dominante de gestos, movimientos y ritmos. De manera específica, este trabajo parte de
la premisa, asunción, u observación de que el baile, el momento musical, y la interrupción gestual,
rítmica y de movimiento emergen en el cine narrativo cuando los personajes son llevados a
momentos límites en los cuales la verbalidad y el dialogo ya no sirven como mecanismos de
protección. Al interactuar con los conceptos de violencia sacrificial y del mecanismo de la víctima
propiciatoria de René Girard7, se observará como la interrupción y la repetición a través del
momento musical surge como recurso estético y narrativo en el cine frente a aquellas situaciones
donde un personaje es usado como chivo expiatorio de la sociedad y violentado debido a este
estatus de Otro. En muchas ocasiones, este estatus de Otro emerge debido a la no normatividad
gestual y rítmica de los personajes que se rehúsan al régimen de la productividad. Pero también se
verá como este estatus de Otro también es propio de las relaciones sociales en el capitalismo, en
las cuales el trabajador se vuelve este chivo expiatorio en numerosas ocasiones. Esta noción de la
víctima propiciatoria en Girard también debe ser puesta en dialogo con el Homo Sacer de
Agamben, quien es en la ley romana una persona que puede ser violentada con impunidad.8
Entonces, la interrupción y repetición por parte cuerpo del actor y del cuerpo del cine son
mecanismos de emancipación en situaciones donde la palabra falla. En la escena de Modern Times
esto es evidente cuando se ve que todos los trabajadores y jefes utilizan a Charlot como chivo
expiatorio, como sujeto de experimento y conejillo de indias de nuevas tecnologías, y como homo
sacer de la sociedad que debe ser enviado al exilio carcelario. La contestación gestual parece surgir
7 Rene Girard. La violencia y lo sagrado. Trad. Joaquín Jorda. Barcelona, Espana: Editorial Anagrama, 2012. 8 Giorgio Agamben. "Homo Sacer: Sovereign Power and Bare Life." Trans. Daniel Heller-Roazen. Palo Alto:
Stanford up (1998): 3-18.
de estos momentos limites en los cuales solo una gestos, ritmos, o movimientos heterogéneos y
excesivos pueden salvar al personaje de regímenes opresivos de productividad y socialidad.
Al hablar del trabajo como algo que debe ser interrumpido o algo de que emanciparse a
través del cuerpo se hace evidente que esta investigación también parte de una tradición teorica
que problematiza el trabajo. El trabajo y sus condiciones han sido un concepto central en la teoría
marxista desde Karl Marx hasta el día de hoy. Sin embargo, en The Problem with Work: Feminism,
Marxism, Antiwork Politics, and Postwork Imaginaries, Kathi Weeks señala que aun así la teoría
marxista se ha concentrado en la categoría analítica de la clase social y ha ignorado el trabajo y la
labor como un concepto crítico. Aunque el concepto de clase obrera y el concepto de trabajo están
inherentemente unidos, Weeks cree que la categoría de clase obrera ha fallado en representar varios
sitios de la sociedad, incluyendo a los desempleados, los trabajadores precarios, y los trabajadores
domésticos quienes son mujeres en su mayoría.9 Según Weeks, esto ha llevado a una genealogía
de teoría marxista en la cual no se ha cuestionado la ética protestante del trabajo y se ha propuesto
a este como un bien necesario, entre los que destaca Georg Lukács.10 Por esto, su estudio se enfoca
no en la lucha de clases sino en el campo menos examinado de la lucha contra el trabajo como tal.
Entonces, Weeks se alía con autores de la tradición post-marxista autonomista como Antonio
Negri, Michael Hardt que buscaban maneras de rehusarse al trabajo y también conviene con teorías
anti-productivistas de Jean Baudrillard.11
Al examinar el trabajo como tal y no la clase obrera, esta investigación cinematográfica
debe tener en cuenta estas consideraciones y además de centrarse en el trabajo también debe hacer
caso a la ética e ideología del trabajo y del productivismo. Aquí tambien merece la pena resaltar
el libro La Condicion Obrera de Simone Weil en el cual la autora resalta las maneras como el
trabajo industrial en sí, mas allá de las categorías de clase, tiene un efecto psicológico y
epistemológico en las personas que lo ejecutan.12 Weil nos ayudará a entender de qué manera el
trabajo limita las potencialidades del cuerpo al obligarnos a ejecutar siempre la acción productiva
y dejar poco espacio a la contemplación no-productiva. Para entender el potencial improductivo o
anti-trabajo de la danza y del momento musical se puede entonces referir al pensamiento de
9 Weeks, Kathi. The problem with work: feminism, Marxism, antiwork politics, and postwork imaginaries. Durham:
Duke University Press, 2011. 10 Ibid. 11 Ibid. 12 Simone Weil. La condicion obrera. Madrid: Trotta, 2014.
Friedrich Nietzche, en particular a Así hablo Zaratustra, La Gaya Ciencia y La Genealogia de la
Moral. En este ultimo el arguye en terminos irónicos o insinceros que la “bendición del trabajo”
es una manera de hipnotizar y amortiguar la sensibilidad del cuerpo. “La actividad maquinal y lo
que con ella se relaciona – como la regularidad absoluta, la obediencia puntual e irreflexiva, la
adquisición, de un modo de vida de una vez para siempre, el tener colmado el tiempo, una cierta
autorización, más aun una crianza para la impersonalidad, para olvidarse a sí mismo, para la incuria
sui lei (descuido de sí).”13 Para el Nietzsche de Zaratrusta, la danza y el arte bailarín son los medios
para elevar a la humanidad y deshacerse de la pesadez de la moralidad, o de la ética protestante
del trabajo.
Constelación de Textos Audiovisuales
La investigación cinematográfica que anima este proyecto inició desde el visionado de
Modern Times pero no se limita solo a este texto. El objetivo de este trabajo es el de proponer una
constelación histórica de referencias cinematográficas en las cuales se presentan estas
consideraciones del cuerpo, ritmo, gesto y movimiento y en las cuales también se vislumbra el
baile o el momento musical como forma de resistencia a regímenes dominantes. Una consideración
importante será la de evitar un estudio taxonómico o meramente de catalogación del baile y el
momento musical en el cine del trabajo. Por esta razón la intención no es encontrar todas las
películas que muestran un momento musical en el trabajo sino más bien concentrar el estudio
teórico alrededor de aquellos textos que tienen apuestas formales y conceptuales similares. En este
sentido, el Charlot de Chaplin es un nodo crucial de la constelación histórica de esta investigación,
pero esto no significa que sea el jefe ni el patrón de este trabajo.
En Chaplin, la resistencia se hace por medio de la repetición y de la gesticularidad
exagerada, y esta estrategia performativa tiene antecedentes históricos. Entonces este trabajo
examinara la teoría de la actuación de Bela Balazs y la teoría del evento de Mary Ann Doane para
entender las condiciones históricas que precedieron el cine de Chaplin. Específicamente, el trabajo
se enfocara en los experimentos proto-cinematograficos de Edward Muybridge, quien según
Doane, fue el precursor del gesto en el cine. Según esta autora, el cine primitivo se alía con la
naciente producción industrial para congelar gestos productivos y también para instaurar una
13 Nietzsche, Friederich. La Genealogía de la Moral. Buenos Aires: Gradfico, 2007
temporalidad en el cine narrativo que esta aliada con los intereses capitalistas de la productividad
y la acción.14 Al examinar el cine mudo y el género de la actualité, Doane muestra como el cine
fue un aparato crucial para la creación y reificación de la acción productiva misma. Por otra parte,
Balazs examina lo que siguió al cine primitivo y el autor encuentra un periodo en el cual se pasa
de la crisis del cuerpo a una revolución de los gestos. Examinando los textos de la actriz Lilian
Gish se volverá evidente como el cine entre 1905 a 1916, antes de que se estableciera lo narrativo
como el cine dominante, usaba la puesta en escena coreográfica para exceder la narración y desatar
los potenciales del gesto, movimiento, y ritmos del cuerpo humano.15 Después de este periodo de
revolución gestual, el ímpetus narrativo se empieza a solidificar en el cine y para 1933, cuando se
estrena Modern Times, ya es el estándar de la producción cinematográfica. Algunos textos de
consideración en este periodo histórico contemporáneo a Chaplin incluyen a La Huelga (1925) de
Sergei Eisenstein y A Nous la Liberté de René Clair. Ambos textos refieren a la imposición de un
régimen gestual, rítmico y de movimiento en el trabajo pero lo tratan de maneras diversas. En La
Huelga surge una temática que retorna en varios textos de nuestra investigación y que recuerda al
Acinema de Lyotard: el suicidio en la fábrica como inmovilización fundamental de los
movimientos del cuerpo.
El cine moderno ofrece un campo bastante fértil para las consideraciones de esta
investigación. Durante este periodo, bastantes directores utilizan la interrupción gestual, rítmica,
y del movimiento de la productividad en su cine, incluyendo a John Cassavetes, Chantal
Ackerman, y Rainer Werner Fassbinder. El cine de Cassavetes será examinado también a través
de las estrategias performativas que coagulan alrededor de su actriz Gena Rowlands y el uso de la
actuación de método. A pesar de diferir de la actuación gesticular de Chaplin o de Lilian Gish, la
actuación de método de Rowlands también presenta elementos similares incluyendo el uso del
baile o el momento musical y el de una infantilización de su gestualidad y sus personajes.
Enfocándome en Opening Night (1977) y A Woman Under the Influence (1974) mirare la manera
en que Rowlands usa el momento musical para interrumpir su trabajo. En este caso, el trabajo ya
no es el trabajo industrial de Chaplin sino la labor del interprete en Opening Night y de la
trabajadora doméstica en A Woman Under the Influence. En el cine de Chantal Ackerman también
14 Mary Ann Doane. The emergence of cinematic time: modernity, contingency, the archive. Cambridge, MA:
Harvard University Press, 2002. 15 Erin Brannigan. Dancefilm: choreography and the moving image. Oxford University Press, 2010.
emerge una crítica gestual de la productividad pero a través estrategias performativas distintas. En
Jeanne Dielman, 23, Quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975), la directora examina el aspecto
gestual y rítmico del trabajo, a través también de la figura de la empleada doméstica en este caso
actuado de manera minimalista por Delphine Seyrig. Este tipo de gestualidad microscópica, se ve
contrapuesta a la exagerada e infantil y casi Chapliniana actuación de la misma Ackerman en su
película Saute Ma Ville (1968) en la cual la directora francesa baila frenéticamente mientras hace
su labor doméstica, terminando con la inmovilización total del suicidio.
Por último, este trabajo mirará el cine de Fassbinder para encontrar más pistas de cómo el
cine moderno subvirtió la productivización de los ritmos, movimientos y gestos. En particular,
prestaré atención particular a dos tipos de actuación en el cine de Fassbinder. Primero la actuación
alienante y cuasi-Brechtiana del Fassbinder temprano ejemplificado en Katzelmacher (1969), ¿Por
qué le da el ataque de locura al señor R.?(1969), y Las Amargas Lágrimas de Petra Von Kant
(1972). Y después en la actuación melodramática Sirkiana de películas como Todos Nos Llamamos
Ali (1973), Viaje a la Felicidad de Mama Kusters (1975), El Matrimonio de Maria Braun (1978).
En Fassbinder vuelven a surgir las temáticas y figuras que guían este trabajo como el chivo
expiatorio (Katzelmacher, Ali), el trabajo doméstico (Petra Von Kant, Mama Kusters, Ali), el
suicidio en el trabajo (Señor R., Mama Kusters, Maria Braun). Además, Fassbinder también hace
uso de nuevas figuras y personajes que influenciarán el cine contemporáneo como el personaje
homosexual, el trabajador inmigrante, y el oficinista los cuales – como veremos – serán nodos
cruciales de este proyecto. Fassbinder es vital para esta investigación porque el director utiliza el
momento musical del personaje (Petra Von Kant, señor R., Katzelmacher) como estrategia formal
de una emancipación de los gestos, movimientos y ritmos. Pero el director también utiliza el
tableau vivant (Katzelmacher, Petra Von Kant) para interrumpir el ritmo y movimientos de los
cuerpos humanos y fílmico, el cual es una estrategia estética crucial en el Acinema de Lyotard. Sin
embargo, el cine este periodo estuvo muy ligado a las cuestiones de este trabajo por esto también
se tendrá en cuenta las obras de directores como Luis Buñuel, Jean-Luc Godard, Pier Paolo
Pasolini, Sydney Pollack y Ousmane Sembène. Aunque no se entrará en dialogo exhaustivo con
las obras de estos directores, si se mencionarán cuando coincidan con las temáticas y figuras que
guían esta investigación.
Por último, pero no menos importante, examinaré como se manifiesta esta contestación de
la productividad por medio del gesto, el ritmo, y los movimientos en el cine contemporáneo. El
nodo crítico de la constelación será, de hecho, este cine contemporáneo y por lo tanto se examinará
a fondo usando los antecedentes primitivos, clásicos y modernos como herramientas para entender
la producción cinematográfica de finales del siglo XX y del siglo XXI. Este análisis se hará por
medio de las figuras y personajes que ya han emergido de la investigación. Específicamente, el
análisis contemporáneo se estructurara a través de tres figuras o arquetipos: la empleada doméstica,
el soldado, y el intérprete. Estos tres personajes tienen en común algo que es claramente relevante
para el propósito de este estudio: todos son trabajadores. Asimismo, surge en el cine
contemporáneo un contra `plano interesante a estas figuras de la trabajadora: el niño. La infancia
es interesante para la investigación porque funciona como un espacio y tiempo pre-laboral, y de
esta manera podría señalar como se organizan los gestos, movimientos y ritmos antes de que la
lógica de la productividad los asimile. Quizás por esto el estilo performativo de tantos de los
actores que analizamos adopten gestos y movimientos infantiles. Aunque este trabajo se organizara
a través de la aparición de estas tres figuras y su contra plano, el objeto de estudio se limitará a las
practicas formales de tres europeos directores en particular: Terence Davies, Claire Denis y Lars
Von Trier, ya que estos directores se han preocupado por pensar el trabajo a través del cuerpo.
En Distant Voices, Still Lives (1988), Terence Davies cuenta una historia semi-biográfica
de una familia de clase trabajadora en el Liverpool de mitad del siglo XX. En esta historia destacan
las tres figuras de la investigación: la madre que se ocupa de las labores domésticas, el hijo que es
un soldado, y todos los personajes que de vez en cuando asumen el rol de intérpretes. Los
personajes asumen este rol gracias a una estrategia formal osada pero increíblemente interesante
de Davies. El director estructura varias escenas de la película alrededor de momentos musicales
en los cuales los personajes de la diegesis interrumpen el curso de la narración para empezar a
cantar. Estas escenas, y muchas otras, son grabadas haciendo uso del tableau vivant lo cual
contiene varias implicaciones para esta investigación. Distant Voices, Still Lives nos ayudará a
examinar el uso del tableau vivant y de las estrategias performativas de los actores en estos
tableaux para entender qué tipo de regímenes gestuales y rítmicos la película intenta subvertir. Una
escena en particular muestra a la madre que limpia una ventana repitiendo el mismo gesto varias
veces cuando de repente irrumpe un momento musical. En esta escena se atisban algunas de las
apuestas de este director que coinciden con las preocupaciones de la investigación. Se puede de
verdad subvertir los ritmos y gestos del trabajo doméstico a partir del momento musical o es esta
interrupción una simple ruptura utópica? Otra obra crucial de este director británico es su corto
Madonna and Child en la cual el director cuenta la historia de un oficinista homosexual. En este
corto, el actor Terry O’ Sullivan debe negociar dos tipos de gestualidades distintas: la de la oficina
y la de su vida sexual clandestina. Por último, está Neon Bible en la cual Geena Rowlands aparece
de nuevo y vuelve a asumir su rol de interprete y cantante, y en una escena de canto en particular
muestra como el momento musical puede irrumpir en las economías libidinales de los personajes
y proveer una instancia de catarsis para aquellos personajes que son chivos expiatorios. En estas
tres películas, y en la obra de Davies, la infancia y el niño también reaparece como lugar de fantasia
pre-laboral pero el director también complica esta noción al mostrar que los regímenes de gestos,
movimientos, y ritmos también afectan a estos personajes.
En la obra de Claire Denis también se pueden ver estas figuras y consideraciones del gesto
y los ritmos del cuerpo. En Beau Travail (1999), Denis se concentra en el segundo de nuestros
trabajadores, el soldado, y al mostrar como una legión extranjera francesa se organiza a través de
un régimen estricto de coreografías, movimientos, gestos y ritmos. Denis contrapone escenas en
las cuales muestra la repetición de gestos y movimientos del entrenamiento militar con escenas de
baile y momentos musicales. La primera escena de la película muestra este tipo de contraposición:
la primera imagen muestra una pintura estatica – un tableau no tan vivant – de unos soldados
mientras la cámara se mueve horizontalmente. Inmediatamente, Denis libera a la cámara de este
movimiento horizontal y libera a los soldados de la inmovilidad en la escena siguiente, en la cual
muestra a los soldados bailando en un bar mientras la cámara se mueve alrededor en círculos
imitando el ritmo de la música. En esta escena, el personaje de Grégoire Colin atraviesa el espacio
de manera linear mientras el resto baila en círculos, el personaje abandona también los ritmos de
la música y de esta manera Denis nos sugiere que esta subversión de los ritmos, gestos, y
movimientos convertiría al personaje en el chivo expiatorio de este grupo. La escena final también
contiene varias temáticas relevantes para nuestra investigación, en ella se sugiere que el personaje
de Denis Lavant se suicidará y después de hacer énfasis en los ritmos biológicos del cuerpo al
hacer un zoom sobre sus venas palpitando, Denis muestra a Lavant bailando frenéticamente y
escapando de las coreografías de su trabajo militar. En este sentido, Lavant también emerge como
un nodo clave, ya que como Geena Rowlands y Chaplin, las estrategias performativas de Lavant
son interesantes para examinar cómo se puede subvertir los regímenes corporales a través del actor.
Entonces, películas como Mauvais Sang (1991), Holy Motors (2012), y claramente Mister Lonely
(2007) – en la Lavant interpreta a un imitador de Charlie Chaplin – también emergerán en esta
discusión. Claire Denis muestra su interés por el momento musical como lugar de interrupción y
conflicto en películas como U.S. Go Home (1994) en la cual Gregoire Colin baila solo en su cuarto
y su documental Vers Mathilde (2005) en la cual la directora sigue la preparación de la coreógrafa
francesa Mathilde Monnier.
Por ultimo llegamos al director danés Lars Von Trier. Su película Dancer in The Dark es
tal vez la más similar de la constelación a Modern Times sobre todo cuando se tiene en cuenta la
escena en la cual el personaje de Björk interrumpe el ritmo maquinal y repetitivo de su trabajo y
se inmersa en una fantasía de baile y música en la fábrica. En la película, este personaje se
caracteriza por sus impulsos musicales y su realidad es frecuentemente interrumpida por
momentos musicales a través de los cuales ella intenta librarse de los regímenes del cuerpo que la
llevarían al final a cometer un cuasi-suicidio. En Dancer in the Dark, la actuación de los personajes
oscila entre la performativa melodramática y un método más alienante y Brechtiano sobre todo en
las escenas finales más perturbadoras, y aqui se atisba un lazo entre Fassbinder y Von Trier. Junto
a Rowlands y Lavant, Björk es otro nodo clave de la constelación y por ello se examinará las
estrategias actorales de Bjork a través de sus videos musicales, lo cual también nos dará pistas de
la influencia del video musical en el cine y sobre todo en la representación cinematográfica del
momento musical y el baile. La investigación también se detendrá a examinar la película El Jefe
de Todo Esto (2006) en la cual el rol del interprete coincide con el rol del jefe en el lugar de trabajo
de la oficina. La actuación en esta película revela la manera en que el trabajo oficinista
contemporáneo tiene mucho que ver con el trabajo del interprete, ya que gran parte del trabajo
postfordista requiere el entrenamiento de los gestos y ritmos para interpretar el rol de empleado
ejemplar. Asimismo, Dogville nos muestra como los mecanismos de la víctima propiciatoria son
utilizados para distribuir las labores y acciones productivas y la manera en que los chivos
expiatorios son esenciales para el establecimiento de la división del trabajo y para definir quiénes
deben interpretar las acciones productivas más degradantes.
A pesar de enfocarse en los textos de estos tres directores, al estructurase a través de estas
figuras y personajes, el campo de investigación será lo suficientemente flexible para considerar
otros textos del cine contemporáneo. En la medida en que nuestras figuras, temáticas, y
consideraciones emerjan en otras películas contemporáneas esta investigación también debe
referirse a otros directores para lograr una perspectiva completa. Una de las omisiones más obvias
de la triada de Davies-Denis-Von Trier tal vez sería el no incluir a Ken Loach cuyo cine se ha
caracterizado por su interés en el trabajo y la clase obrera. Entonces el estudio se referirá a películas
como Riff-Raff (1991), The Navigators (2001), y Bread and Roses (2000) entre muchas otras. La
obra de Loach, sin embargo, funcionara casi como un contraplano formal al de la triada de
directores de este trabajo, ya que, a diferencia de ellos, Loach se preocupara por la clase obrera
más que por el trabajo como tal y además lo hará a través de una óptica de realismo social. Esta
óptica, aunque éticamente notable e interesante en sus propios términos, no converge con nuestras
consideraciones del gesto, el ritmo y el movimiento del cuerpo del trabajador y del cuerpo fílmico.
Merece la pena mencionar acá a Andrea Arnold y su interés por el baile y el niño como contraplano
al trabajador en películas como Fish Tank (2009), American Honey (2016), y su corto Wasp (2003).
De manera similar, Stephen Daldry también muestra a un niño bailando en Billy Elliot (2000)
como un personaje que se enfrenta a sus dificultades a través del momento musical en lugar de la
palabra. Los hermanos Dardenne también aparecen con su películas Rosetta (1999), Le fils (2002),
L’Enfant (2005) y otras para complicar la noción de la niñez como espacio pre-laboral, ya que es
cierto que en muchos casos la niñez no significa falta de trabajo sino todo lo contrario. Dentro el
cine contemporáneo del trabajo tampoco se podrá ignorar a Mi Piace Lavorare (2004) dirigida por
Francesca Comencini en la cual se examina explícitamente las relaciones de víctima propiciatoria
en el trabajo de oficinas. Además, en el cine contemporáneo latinoamericano se vislumbran
consideraciones relevantes para nuestra investigación alrededor la figura de la trabajadora
doméstica en películas como La Nana (2009) de Sebastian Silva, La Ciénaga (2000) y La Mujer
Sin Cabeza (2008) de Lucrecia Martel, La Teta Asustada (2009) de Claudia Llosa, y Que Horas
Ela Volta? (2015) de Anna Muylaert entre muchas otras. En estas películas aparecerán momentos
musicales y danza que merecen la pena mencionar en cuanto a se relacionen con las obras de
nuestros tres directores claves.
Tal vez la limitación más grande de esta investigación es su concentración alrededor del
cine narrativo. Desde Lyotard hasta Erin Branning, el cine experimental y underground ha sido
señalado por su interés por el baile y las contestaciones gestuales. Aunque este trabajo apuntara a
textos audiovisuales fuera del cine narrativo – en especial el video musical y la videodanza – este
trabajo centra en el cine narrativo debido a sus apuestas conceptuales. El trabajo busca examinar
las respuestas actorales y fílmicas a la linearidad, causalidad y la productividad, las cuales son
determinantes del cine narrativo pero no necesariamente del cine experimental. Entonces, la
elección de limitarse al cine narrativo viene de una perspectiva en la cual se cree que la producción
de significado a través de la narrativa ha estado ligado a la producción económica. Este argumento
histórico se hace más claro en el texto de Jonathan Beller The Cinematic Mode of Production.
Al poner en dialogo a los tres directores contemporáneos entre sí y con los demás textos
ya señalados se podrá examinar tendencias estéticas, formales y hasta éticas del cine del trabajo
contemporáneo en cuanto este intenta subvertir los regímenes de gestos, ritmos, y movimientos.
Una de las tendencias generales más claras es un movimiento del cuerpo del actor hacia el cuerpo
fílmico mismo. El cine moderno de Fassbinder, Akerman, Cassavetes y Buñuel ya se había
aproximado a una subversión de los gestos a través no solo de los actores sino también del cuerpo
fílmico a través de la repetición (El Angel Exterminador), el tableau vivant (Fassbinder), el
movimiento de la cámara (A Woman Under the Influence) y también la inmovilización de la
cámara (Jeanne Dielman). El cine contemporáneo recoge estas estrategias y las lleva a una
dimensión nueva. El cine del trabajo de Davies, Denis, y Von Trier usa estrategias performativas
particulares para interrumpir la productividad a través del cuerpo de los actores. Pero además de
esto, estos directores extienden estas nociones al cuerpo fílmico. En Davies aparece a través del
uso del tableau vivant pero también de su estructura narrativa que funciona a través de saltos,
círculos y movimientos inesperados. En Denis aparece a través del movimiento de la cámara y de
la imagen misma, la cual la directora hace bailar para interrumpir las lógicas narrativas de
linearidad y productividad. Y en Von Trier esto se ve a través de la edición y del uso de varias
cámaras para crear una ruptura en el cuerpo unificado de la película. Sin embargo, esto no quiere
decir que las estrategias performativas y actorales hayan sido ignoradas. Por el contrario, en el cine
de estos directores se ve como los actores utilizan momentos de movilidad e inmovilidad, de
gestualidad excesiva y de detención. Las actuaciones de Bjork, Denis Lavant, y Geena Rowlands
señalan un resurgimiento de un cine gestual similar al cine clásico mudo, pero con variaciones
inherentes al espíritu de su época.
Finalmente emerge una consideración ética interesante acerca de la imagen
cinematográfica, la cual pareciese contener una dualidad dentro de sí. Primero, como señalan
Doane, y también Jonathan Beller en The Cinematic Mode of Production, la imagen
cinematográfica se ha aliado con la productividad capitalista para definir, reificar y congelar la
acción productiva como tal. El cine narrativo como medio de representación de la duración, el
gesto y el movimiento tiene la capacidad de definir a través de imágenes y arquetipos qué es lo
productivo, y puede además normalizarlo en sus espectadores. Sin embargo, al examinar el cine
de Chaplin, Davies, Denis, Von Trier y más directores de esta constelación, también se ve que el
cine tiene un potencial para quebrantar estas imágenes congeladas de la acción productiva. El cine
narrativo emerge como un medio crucial para quebrantar y cuestionar la acción productiva como
tal. Entonces, como diría Agamben, esta interrupción de la medialidad pura nos lleva a la esfera
de la ética y la política. Si la imagen cinematográfica contiene esta dualidad entonces decidir cual
es más importante sería una cuestión ética y política. Este trabajo termina con la determinación de
que la segunda es crucial en un contexto contemporáneo en el cual el régimen de la productividad
pareciese expandirse a todos los rincones. Asi la interrupción de la productividad a través del
cuerpo humano y del cuerpo fílmico señala un inconsciente gestual de nuestra época en el cual el
trabajo ya no es solo un trabajo industrial chapliniano, sino un trabajo que se extiende por todos
los cuerpos y entes con los que se cruza. Entonces, la búsqueda de hetero-ritmos, hetero-gestos, y
hetero-movimientos dentro del cine narrativo contemporáneo es una búsqueda de potencialidades
no aun actualizadas del cuerpo humano y del cuerpo fílmico.
Estado de la Cuestion
Este trabajo de investigación cinematográfica se inscribe en el sitio donde interactúan y
coinciden varias tradiciones del cine: el cine del trabajo, el baile o momento musical en el cine, y
la gestualidad en el cine. Entonces, el trabajo brota de estas investigaciones previas pero intenta
asimismo encontrar un camino único a través de la interacción de estos elementos y de
consideraciones nuevas. La cuestión de la representación del trabajo en el cine ya ha sido
explorada pero estas investigaciones están lejos de ser exhaustivas. Así como la representación
del trabajo ha sido un problema del cual la producción cinematográfica ha intentado huir, la
teoría cinematográfica ha huido de la interpretación del trabajo en el cine. Sin embargo, aun así
destacan algunos textos claves en este campo. El trabajo teórico de Farun Harocki por ejemplo,
se ha preocupado por esta brecha representacional al mirar la salida de los trabajadores de la
fábrica pero todavía hace falta una óptica teórica y critica dentro de los lugares de trabajo.
La investigación de Ewa Mazierska de la University of Central Lancashire sobresale
dentro del campo del trabajo y el cine. En su ensayo “Introduction: Cinema and the Realities of
Work,” Mazierska hace enfasis en el gran vacío teórico en cuanto al cine del trabajo y el trabajo
en el cine. En este ensayo, Mazierska señala dos hipótesis que han intentado explicar esta escases
de investigaciones. La primera, apoyada por Martin O’Shaughnessy, cree que la falta de este
interés teórico se debe a que el cine ha representado el trabajo desde tópicos escapistas y no
mundanos. Segun O’Shaughnessy, se ha mostrado los gestos coreografiados de los trabajadores
pero no la duración y la fatiga del trabajo. La segunda hipótesis, que Mazierska prefiere, cree que
el trabajo ha sido descuidado por el cine porque este de hecho está presente en prácticamente
todos las películas que conciernen humanos. Este trabajo de investigación, entonces, también
encuentra que la segunda hipótesis es más fértil y provechosa para estudiar el trabajo en el cine
ya que esta permite una definición del trabajo más amplia y flexible que incluye a la trabajadora
doméstica, al soldado, y al intérprete. Aun así, este trabajo tendrá que interactuar y responder a
las complicaciones que la primera hipótesis plantea. Entonces, estas líneas esquematizadas por
Mazierka serán cruciales porque no solo interactúan con nuestras temáticas y figuras claves, sino
que también problematizan y complican las hipótesis y tesis del trabajo.
Dos compilaciones claves han intentado explorar el trabajo en el cine. La primera, en la
cual se encuentra el ensayo de Mazierska, está en la publicación académica Framework: The
Journal of Cinema and Media. En la edición de la primavera del 2012, esta publicación dedico
sus páginas a la examinación del trabajo en el cine a través de ensayos que examinan temáticas
variadas incluyendo el cine lento y el cuerpo, la representación del trabajo postfordista, y el
cuerpo en el cine sexploitation. La segunda compilación de ensayos es el libro Work and
Cinema: Labour and the Human Condition, editado por Mazierska. En este libro destacan el
ensayo de Glyn White quien analiza el trabajo y la locura en las comedias de la década de 1930,
incluyendo Modern Times. También sobresalem el ensayo de Jonathan L. Owen en el cual este
compara el trabajo en el cine de Andy Warhol, Chantal Akerman y Apichatpong Weerasethakul
y el trabajo de Zaneta Jamrozik alrededor del trabajo del interprete a través de Juliette Binoche
en Code Unkown de Michael Haneke.
El contexto español también se caracteriza por la falta de teoría frente al trabajo y el cine.
Sin embargo, si existen consideraciones de este estilo y una de las más prominentes ha sido la
compilación de Carlos Besteiro González y Benjamín Rivaya titulada Trabajo y Cine: Una
introducción al mundo del trabajo a través del cine. El libro es una colección detallada de la
historia de la representación del trabajo en el cine pero de igual manera se caracteriza por el
intento de sus autores de dibujar, aunque de manera preliminar, los contornos de un género
laborista. De este esfuerzo son especialmente relevantes el ensayo de Juan Lopez Gandía acerca
de Modern Times, el de Xacobe Bastida acerca de La Huelga. Este texto también es importante
debido a su gran variedad de investigaciones del trabajo en el cine contemporáneo con ensayos
acerca del cine de Ken Loach, Laurent Cantet, y Patricia Cardoso entre muchos otros. En gran
medida, estos textos se han preocupado por problemas teóricos como el realismo
representacional del trabajo, la posibilidad de crear un género de cine laborista, y las condiciones
de la clase obrera representada en el cine. Es claro que todavía hay una brecha en la examinación
del trabajo como tal, en contraste a la clase obrera como concepto clave de muchas de estas
investigaciones. Igualmente se ve como dentro de la ya limitada tradición teórica del cine y el
trabajo también hace falta examinaciones del baile y el momento musical como estrategias
formales en el cine del trabajo. Asimismo, estos textos no se han preocupado de manera
exhaustiva en examinar los ritmos, gestos, y movimientos del trabajo y del potencial de subvertir
el trabajo por medio de la interrupción de la acción productividad misma.
La cuestión del baile o el momento musical en el cine tiene bastante tradición dentro de la
teoría e historiografía fílmica. El texto tal vez más relevante para nuestra cuestión es el libro de
Erin Brannigan titulado Dancefilm: Choreography and the Moving Image ya que este no se
concentra solo en el género musical sino que extiende la examinación del cine a varios géneros y
además estudia los elementos subversivos del gesto. En este libro, Banning hace un análisis
histórico de la teoría del baile en el cine en comparación al baile en vivo. La autora hace
referencia a teóricos del baile como Daniel Nagrin y Susan Leigh Foster, y artistas como Isadora
Duncan e Yvonne Rainer para encontrar como el baile en el cine debe articular una forma
particular de presencia. Estas consideraciones serán de gran importancia al señalar formas en que
se ha pensado el uso del baile en el cine. Sin embargo, este texto se concentra en examinar el
cine experimental y el baile en video. Y aunque si examina el cine narrativo, este texto no provee
ninguna consideración explicita del baile en el cine narrativo del trabajo ni las maneras en que
este subvierte los ritmos, gestos, y movimientos del trabajo. Este trabajo, entonces, intenta
ocupar el vacío que surge en las consideraciones del cine del trabajo y la danza en el cine. El
objetivo de la investigación es el de hacer las preguntas que aún quedan por hacer dentro de esta
tradición de teoría cinematográfica y señalar nuevas maneras de pensar el cine.
Reseñas Bibliográficas
Los textos más importantes para la investigación vienen de variados campos académicos.
Desde la filosofía y la teoría política hasta la teoría cinematográfica, este trabajo conceptual y de
investigación se apoyara en la interacción de los siguientes textos claves:
Giorgio Agamben, “Notas Sobre el Gesto”
En Notas Sobre el Gesto, Agamben desarrolla una teoría del cine del gesto y argumenta
que “el elemento del cine es el gesto y no la imagen.” Para Agamben, la concepción del cine
gestual sirve para argumentar que el cine pertenece al ámbito de la ética y no la estética. Este
ensayo comienza con una esquematización de la desaparición de los gestos en la burguesía
occidental a finales del siglo XIX. Agamben traza esta través de los experimentos de Gilles de la
Tourette y el síndrome que lleva su nombre, el cual el autor describe como “una proliferación
asombrosa de tics, espasmódico tirones, y los manierismos - una proliferación que no puede
definirse de otra manera que como una catástrofe generalizada de la esfera de Gestos." La
pérdida de gestos conduce a un intento desesperado por recuperar o registrar lo que se ha
perdido. El cine es entonces el medio perfecto para tratar de documentar y evocar gestos que
están siendo perdidos. Si Deleuze define las imagen cinematográfica como imagen-movimiento,
Agamben extiende esta noción y ve la imagen del cine como la imagen-gesto. Al pertenecer a la
esfera del gesto, entonces el cine también pertenece al ámbito de la ética y la política ya que el
gesto es un tipo particular de acción la cual es medialidad pura, es la exhibición de una
medialidad y el hacer visible un medio como tal. Agamben toma el ejemplo de la danza - lo que
la danza exhibe no es un movimiento que tiene un fin en sí mismo, sino el movimiento por sí
mismo.
Henri Lefebvre, Ritmo-análisis: Espacio, tiempo y vida cotidiana
En este libro, el teórico marxista Henri Lefebvre sostiene que los ritmos ocurren en la
interacción entre un lugar, un tiempo y un gasto de energía. Lefebvre aboga por el uso del cuerpo
como un metrónomo para "percibir distintamente los ritmos distintos, sin interrumpirlos, sin
dislocarlos." Lefebvre está interesado en hacer del estudio de los ritmos una ciencia y una
estrategia hermenéutica cultural (ritmo-analisis): un examen encarnado de tiempos, repeticiones,
ciclos, diferencias, movimientos y gestos. Así, al examinar los aspectos rítmicos de la vida
cotidiana, el autor muestra que lo cotidiano es precisamente el sitio de lo que está en juego en un
conflicto entre ritmos biológicos "indestructibles" de la naturaleza y los procesos repetitivos o
ritmos sociales impuestos por la organización socioeconómica de la producción. A través de la
cuantificación y la linealización, el tiempo social de los fragmentos de producción vivió el
tiempo en diversas formas de ocio, entretenimiento y trabajo. A través del hábito, además, los
ritmos circadianos y biológicos del cuerpo se doblan para acomodar estos ritmos sociales de
producción. Así, la lucha de los ritmos es una desposesión del cuerpo (Lefebvre, 74). Aunque el
autor plantea una dialéctica algo problemática entre los ritmos "naturales" y los ritmos "sociales"
de la producción, vale la pena señalar que su esquematización de la expansión temporal y
corporal capitalista es importante hoy en día.
Kathi Weeks, The Problem with Work: Feminism, Marxism, Antiwork Politics, and Postwork
Imaginaries.
Weeks presenta un argumento y una vision politica contra el trabajo como tal. En este
libro, Weeks argumenta que las teorías marxistas y feministas necesitan romper con la idea de
que el trabajo productivo debe ser la base de una sociedad post-capitalista. Weeks comienza con
una detallada revisión de la ética del trabajo encontrando sus orígenes en la ética cristiana y
sirviéndose de Max Weber. Así, el texto discute la tendencia productivista en la teoría marxista y
esquematiza dos variantes: la primera que llama la “modernización socialista,” segun la cual la
prduccion socialista se orgarnizara igual que ahora solo que de manera más eficiente, y la
segunda que llama el marxismo humanista que sostiene que una vez el trabajo ya no sea
alienado, este será restaurado como la característica esencial de la vida humana. Ambas
tendencias fallan en cuestionar la ética del trabajo productivo, el cual ven como la única fuente
de significado y autorrealización para la vida humana. Weeks encuentra en el marxismo
autonomista una salida a esto y en el resto de su libro articula una política utópica post-trabajo y
feminista.
Erin Brannigan, Dancefilm: choreography and the moving image
Partiendo desde los puntos de intersección entre los campos de los estudios de danza y la
teoría cinematográfica para describir los dispositivos y parámetros formales del “dancefilm,” o
videodanza,” este libro ofrece una nueva perspectiva y marco interpretativo para considerar la
forma de la imagen cinematográfica. Para unir el cine con la danza, Brannigan utiliza a teóricos
como Gilles Deleuze, Andre Bazin, y Bela Balazs para esquematizar un tipo de presencia que sea
propia a los cuerpos cinematográficos para así considerar la corporalidad bailarina que existe en
la videodanza. Ademas, Brannigan se preocupa por la manera en que este cuerpo
cinematográfico tiene impactos afectivos sobre el espectador, haciendo énfasis en las respuestas
somáticas y miméticas de quien mira la danza en movimiento. La autora examina objetos de
estudios variados incluyendo cine mainstream pero sobretodo enfocada en la videodanza y el
cine experimental para buscar varias maneras de entender la coreografía en la imagen
cinematográfica. Este texto traza una genealogía de la danza y el cine desde la era del cine mudo,
atravesando el modernismo y llegando a los videos musicales y cortos experimentales
contemporáneos. En este proceso, Brannigan se fija en las colaboraciones entre bailarines,
coreógrafos y cineastas.
Simone Weil, La Condición Obrera
Este libro comienza con una premisa que puede parecer alocada pero culmina con una
obra teórica y personal que revela elementos claves del trabajo y el pensamiento humano. La
escritora, quien trabajaba como profesora, decide pasar un tiempo trabajando en las fábricas
industriales francesas en la década de los 1930. A través de un diario de fabrica, Weil expone
sentimientos personales e indignaciones éticas acerca de su experiencia, la cual termina siendo
más intensa y degradante de lo que la escritora imagino. En los diarios se ve la vida cotidiana de
Weil como trabajadora pero también se ve la manera en que este tipo de trabajo alienado
erosiona poco a poco la habilidad y deseo de la autora de reflexionar y de contemplar el mundo.
Weil muestra en este libro que el problema del trabajo no es solo un problema de clases, sino que
la actividad productiva como la ha definido el capitalismo afecta las capacidades epistemológicas
del hombre. A través de relatos personales que muestran la ansiedad, el miedo, rabia y demás,
este libro es una representación literaria única, ya que muestra los detalles mínimos de la vida en
la fábrica pero también los usa para formular un pensamiento y teoría del trabajo distinta. Tras su
experiencia en la fábrica, Weil busca crear una teoría de las máquinas y del trabajo que en vez de
esclavizar al hombre le ayude a realizar su potencial.
Bibliografía
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Roazen. Palo Alto: Stanford up (1998): 3-18.
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Doane, Mary Ann. The emergence of cinematic time: modernity, contingency, the archive.
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Nietzsche, Friedrich Wilhelm. Asi hablo Zaratustra. Traducido por Carlos Vergara. Madrid:
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Nietzsche, Friederich. La Genealogía de la Moral. Buenos Aires: Gradfico, 2007
Spinoza, Baruch. Etica demostrada segun el orden geometrico. Madrid: Alianza, 2015.
Weeks, Kathi. The problem with work: feminism, Marxism, antiwork politics, and postwork
imaginaries. Durham: Duke University Press, 2011.
Weil, Simone. La condicion obrera. Madrid: Trotta, 2014.
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