Juan Carlos Delgado

Algunas cuestiones existenciales y sus

formas en la Pintura

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Última revisión: 15/01/09Lima - Perú

A todos los que ya no están pero que siempre estarán.

Introducción

Cada vez que alguien se acerca y mira mis cuadros por un momento, un instante a veces, para luego preguntar “y… ¿qué quiere decir?” me inquieta.

Entiendo que exista cierta timidez y, con la formación escolar de respuestas buenas y malas, uno no quiera decir algo fuera de lugar. Quiero pensar que la mayoría tiene algo que comentar pero no lo hace por una serie de motivos que no entraré a detallar, pero cuando es un colega el que pregunta “y… ¿qué quiere decir?” me es difícil ocultar mi incomodidad.

¿Realmente hemos descuidado tanto nuestra sensibilidad? Con el Internet, la televisión por cable y la telefonía celular, ¿estamos realmente más informados? A las pocas personas que tienen la posibilidad económica de comprar cuadros, ¿les interesa el Arte seriamente o buscan un objeto que simbolice su status social y, además, combine con su sillón?

Estas inquietudes son bastante personales, pero al observar (en días festivos sobre todo) avenidas y centros comerciales abarrotados de consumidores compulsivos, interesados unos más que otros por las borracheras de la selección de peruana de fútbol, los escándalos de Britney Spears o el último hit de Daddy Yankee, me siento bastante aislado.

Este primer ensayo resume algunas reflexiones que me parecen importantes como ser humano. Empieza cavilando ideas sobre el cosmos, la vida y cómo el budismo zen propone respuestas, en su filosofía y expresión artística. Luego hago un paralelo con el arte de Occidente y los roles que puede tener la pintura en el siglo XXI. Finalmente, resumo las biografías de siete pintores que admiro mucho por hacer del arte un verdadero compromiso de vida.

Para la presente investigación, debo agradecer las conversaciones con la historiadora de arte Raquel Castro Carbonell, el PhD José Ishitsuka del Instituto Geofísico del Perú y al maestro de meditación Alfredo Miñano. También a las bibliotecas de los diferentes centros culturales, específicamente al Centro Cultural Peruano Japonés, al Instituto Cultural Peruano Norteamericano, el Centro Cultural de España, la Pontificia Universidad Católica del Perú, la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú y el Museo de Arte de Lima.

San Miguel, 30 de diciembre de 2007

Algunas cuestiones existenciales y sus formas en la Pintura

Comprender el por qué de las cosas ha sido una inquietud inherente al ser humano desde que adquirió razón y conciencia. Ya sea a través del arte, la filosofía, la religión o la ciencia, buscamos respuestas a nuestras preguntas existenciales (quiénes somos, de dónde venimos, a dónde vamos) para vivir más tranquilos en un Universo lleno de misterios. Unos más fundamentalistas, otros más escépticos, los seres humanos en conjunto somos parte del instante milagroso de la Vida y nos aproximamos a ella con criterios, dogmas o formas de expresión muy variadas.

Para entender cómo se originó el Universo, científicos como Stephen Hawking plantean una Teoría Cuántica de la Gravedad, la cual matemáticamente no necesita de un Dios o un Gran Creador para explicar un mundo autocontenido e ilimitado, con una serie de leyes físicas (entre ellas, el principio de incertidumbre – no podemos calcular con certeza nada de lo que ocurre a nivel subatómico) que lo sustentan.

Sin embargo, como el mismo Hawking señala, los físicos se han preocupado de cómo funciona el universo pero no del por qué funciona así, por qué somos. Pregunta más compleja y, a su vez, más interesante.

¿Por qué existimos?

Evidentemente, es más sencillo formular interrogantes que plantear respuestas. Es un hecho que desde nuestro nacimiento estamos condenados a morir. Esto forma parte de nuestro “contrato vital” y sería necio luchar contra un destino que compartimos incluso con las estrellas y las galaxias mismas. Sin embargo, debemos ser conscientes que vivir en la Tierra (y, más específicamente, en la biosfera) es de por sí un milagro, el único lugar en el universo conocido donde existe vida. Estar vivos, y disfrutar de la fracción de segundo que nos ha tocado en el Año Cósmico (se calcula que el Universo tiene 15 mil millones de años) es de por sí extraordinario.

La Edad del Universo es un punto de apoyo que nos da la ciencia para reflexionar. Estadísticamente, la Vida es la excepción, lo no explicado en los cálculos y (me gusta pensar) posiblemente el error. Vivámosla plenamente, seamos felices todos los instantes posibles. No desaprovechemos nuestro momento.

Si el universo fuera del tamaño de una playa cualquiera, la Tierra sería mucho más pequeña que un grano de arena.

¿Qué constituye la felicidad? ¿Cómo se es feliz? Definitivamente se trata de una búsqueda propia del ser humano y uno de los pilares de la sabiduría en todas las culturas. Una de las vías para alcanzarla (o al menos para evitar el sufrimiento) es el zen.

El zen, así como el budismo en general, tiene sus orígenes en la India. Los místicos del 2000 a.C. trataban de suprimir los conflictos inherentes a la condición dual del mundo (luz-oscuridad, vida-muerte, bien-mal) a través del ascetismo, el cual incluía ejercicios físicos, dietas estrictas, meditación y negación del mundo sensorial. Así pretendían alcanzar el Uno (Brahma).

En el siglo VI a.C., Siddartha Gautama se da cuenta que el exceso de negación reafirmaba la individualidad del asceta, alejándolo del mundo sensible y de esta pretendida Unidad, por lo que plantea una práctica que encuentre un equilibrio con la realidad cotidiana, no negándola sino aprovechándola como lugar de acción para alcanzar la iluminación o condición búdica. Así es como funda el budismo.

Esta nueva religión se dividió en algunas corrientes. El budismo mahayana, más flexible y popular, se difundió en el norte de la India, el Tíbet, la China y Mongolia.

El monje Bhodidharma llevó la doctrina budista a China, donde fue adoptada por los filósofos taoístas. Budismo y taoísmo no se contradecían sino que se combinaron en una nueva filosofía, denominada Ch’an y que gradualmente derivaría en el término zen.

En 1191 el budismo zen fue introducido a Japón por el monje Eisai, donde se convirtió en la religión más popular, amalgamándose muchas veces con las prácticas shintoístas en un sincretismo cultural muy propio de la sociedad nipona.

¿Qué es zen?

El maestro Joshu Jushin (778 – 897) señala que “zen es nuestro pensamiento cotidiano”. Si bien la explicación parece sencilla, debe entenderse que para alcanzar esa cotidianeidad el practicante ha pasado por un riguroso entrenamiento de la mente con un maestro zen, hasta abandonar las formas de pensar engañosas y dejándose llevar más bien por su centro (hara) para armonizar con el universo. Sólo renunciando al predominio del pensamiento racional es que puede alcanzarse este nuevo “pensamiento cotidiano”.

Estética

La filosofía o estilo de vida zen, tiene sus propias manifestaciones artísticas, hechas por los mismos maestros, las cuales poseen algunas características formales precisas:

• Esencialidad. Muchos trabajos son hechos de un solo trazo.

• Vacío. Se le da valor al espacio en blanco, el cual no sólo refleja los silencios de la mente sino que posee una fuerte carga expresiva, que muchos estudiosos califican como un “silencio atronador”.

• Atemporalidad formal. Ausencia de la perspectiva renacentista.

• Integración del arte con la vida cotidiana. El arte zen se desarrolla muchas veces sobre objetos de carácter utilitario (platos, biombos). El uso de la caligrafía es también muy común para acompañar los trabajos.

• Empleo de materiales de sencilla fabricación. Principalmente papel y tinta.

• Busca provocar un despertar (satori), un choque en la conciencia del espectador.

Para la simbología zen, el círculo representa la perfección y la infinidad de formas.La primera forma es el triángulo y la segunda, el cuadrado.

Estos valores influyeron gradualmente en el arte occidental, inicialmente a través de la difusión del grabado japonés en Europa, la Gran Exposición Universal que se dio en París en 1900 y el intercambio de correspondencia entre artistas e intelectuales de Europa y Japón. Si bien la búsqueda existencial es vocación de algunos hombres sin importar el contexto, no es casualidad que el aprovechamiento del espacio en blanco o la fuerza gestual de la pincelada se evidencie en el arte abstracto (geométrico, lírico o expresionista) de aquellos años.

Décadas más tarde, tanto los intentos de Marcel Duchamp (colocando un urinario dentro de una galería como “obra de arte”), de provocar un choque en los consumidores de arte, como los del movimiento “Fluxus”, de integrar arte y vida cotidiana (invitando a los espectadores a incursionar en las obras, quitándoles su rol pasivo) también manifiestan coincidencias con el espíritu de la estética zen.

En el siglo XXI, con el boom del Internet, las telecomunicaciones y las industrias del entretenimiento, la Pintura y el Arte en general necesitan reflexionar sobre su hacer, reinventarse y plantear su rol social con más claridad. Los valores de la estética zen son un gran apoyo, al menos para proponer alternativas de expresión que canalicen algunos contenidos existenciales.

Es importante señalar que el discurso contemporáneo, multidisciplinario y pluricultural, no plantea una definición de lo que es el “Arte”. Para el reconocido historiador del arte Ernst Hans Gombrich, no existe el Arte sino los artistas. Son ellos quienes expresan, con mayor o menor profundidad, las cualidades estéticas de un contexto determinado.

Su raíz latina ars, que quiere decir habilidad, hace referencia a la realización de acciones, como el arte de contar historias, de cocinar, de persuadir a un auditorio, etc. Y si bien la mera pericia técnica ya puede considerarse un arte, existen artistas con un genio capaz de concebir de forma original toda una visión del mundo.

El arte de la pintura

En el dominio de las artes plásticas, y más específicamente en la pintura, han existido dos formas de representación a lo largo del tiempo: la figurativa y la abstracta. Siendo ejemplos de la primera las pinturas rupestres en las cuevas de Lascaux, los paneles góticos de Simone Martini o las acuarelas costumbristas de Pancho Fierro; y de la segunda, buena parte del arte hecho por los monjes zen en Japón, la decoración geométrica en la arquitectura árabe del s. XVII, las composiciones de Kandinsky en Europa, etc.

Estas dos grandes tendencias o “impulsos antropológicos” (Worringer, 1908), pueden a su vez combinarse con dos dimensiones humanas complementarias: la racional-matemática y la emocional-intuitiva. Así, existirá un arte figurativo racional (clásico) y un arte figurativo emocional (romántico), un arte abstracto racional (abstracción geométrica) y un arte abstracto emocional (abstracción lírica), con una serie de manifestaciones intermedias.

Con la aparición de la fotografía a finales del s. XIX y con el avance general de las telecomunicaciones durante todo el siglo XX, el contenido figurativo de la pintura fue fuertemente cuestionado, siendo el aspecto emocional uno de los valores estéticos principales en la mayor parte de sus representaciones.

Por otro lado, el arte abstracto, en sus vertientes lírica, geométrica o expresionista, tuvo un gran impulso a lo largo del siglo XX. En búsqueda del “arte puro” o la “pintura pura”, sin necesidad de referenciales, artistas como Wassily Kandinsky, Piet Mondrian, Kazimir Malévich, Jackson Pollock o Mark Rothko dedicaron sus vidas a crear obras universales, que lograsen integrar, como en la Antigüedad, arte, filosofía y religión.

Es en esta tradición pictórica donde encuentro el mayor potencial para la pintura de nuestros días. Enfrentarse con el lienzo en blanco e ir descubriendo el cuadro en el hacer mismo puede llegar más allá de la experiencia plástica para llegar a un hacer existencial e incluso religioso, entendiendo por religión a “la respuesta formal y elaborada a la existencia del hombre y cómo puede ser compartida en la conciencia y a la vez del ritual con otros” (Fromm, 1975). Más allá de cualquier tendencia dogmática, creo que el arte a través de la pintura puede manifestar un gran canto de interioridades, donde podemos hallarnos todos.

Poner algo en el lienzo en blanco no es fácil. Sin embargo, a medida que trabajas, las imágenes van surgiendo. La pintura es, en este caso, un proceso estético y de autoconocimiento. Allí es donde percibo uno de sus mayores aportes para con el aparato social.

En cuanto a formas, si bien la figuración y los patrones de belleza pueden ser reproducidos por una cámara fotográfica o una computadora, el nerviosismo de la pincelada y aquello que expresa la pulsación individual, todavía no lo son. Las personas tenemos un ritmo particular, que lo dicta el corazón, mientras que la máquina necesita una estandarización basada, en el caso de la tecnología digital, en ceros y unos.

El latido de la Vida y de la Creación está en cada uno de nosotros. Hay diversas formas de conectarte con esta Creatividad Esencial. El arte es una de las formas más libres, saludables y placenteras de entrar en conexión.

Empezar el camino es lo más importante. Sostenerse en él, más aún.

El artista e investigador Harold Cohen ha desarrollado el complejo software AARON. Combinando una serie de da-tos basados en las teorías del color y patrones de belleza, el programa puede producir 50 imágenes de gran calidad en una sola noche. A la izquierda, un ejemplo

7 caminantes

Georges Seurat (París, 1859-1891)

Uno de los máximos representantes del neoimpresionismo, creador de la técnica del puntillismo, adelantándose a su tiempo y proponiendo los primeros acercamientos serios entre arte y ciencia.

Estudió varios tratados de óptica: las leyes de los contrastes complementarios de Eugene Chevreul, la teoría del tricromatismo del físico inglés Thomas Young y el estudio “Modern Chromaties” del estadounidense Orden Nicholas Road (1878). Su rigurosidad científica se refleja también en sus hábitos de trabajar, que incluían horarios fijos y una meticulosa sistematización de su técnica.

Sus obras más representativas son Un baño en Asnières y Un domingo de verano en la Grande Jatte, realizadas entre 1883 y 1886. Juntando ambos cuadros, de grandes dimensiones, “Seurat pensaba crear un gran panorama de su época, en el que se vieran la luz y las sombras, el rico y el pobre, lo bueno y lo malo, en una gran composición y según los últimos logros de la ciencia” (Düchting, 2000).

Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte (1884-1886).Como para la mayor parte de sus grandes cuadros, Seurat realizó numerosos estudios previos

Su obra sería fundamento de la pintura científica.

Vincent Van Gogh (Zundert, 1853 - Auvers, 1890)

Otro genio de la pintura postimpresionista. El atormentado Van Gogh influyó de forma decisiva en el movimiento expresionista, buscando objetivar lo subjetivo mediante la pincelada y el color. Su obra es abundante, cerca de 750 cuadros y 1600 dibujos.

Hijo de un pastor protestante holandés, fue estudiante de teología y evangelizador en las minas de Wasmes, Bélgica. Sus primeras composiciones ponen en evidencia el intenso deseo de expresar la miseria y los sufrimientos de la humanidad tal y como él los vivió entre los mineros.

En 1886 fue a París a vivir con su hermano Théo y allí se familiarizó con los nuevos movimientos artísticos. Influido por la obra de los impresionistas y por la de los grabadores japoneses como Hiroshige y Hokusai, comenzó a experimentar con las técnicas de la época. Más adelante adoptó los brillantes matices pictóricos de artistas franceses como Camille Pissarro y Georges Seurat.

En 1888 se trasladó al sur de Francia con la esperanza de atraer allí a algunos de sus amigos y fundar con ellos un estudio de pintura, la “Casa Amarilla”. Allí pintó escenas rurales, cipreses, campesinos y otras características de la vida de la región. Durante ese periodo en el que vivió en Arlés, empezó a utilizar las pinceladas ondulantes y los amarillos, verdes y azules intensos relacionados con obras tan conocidas como La habitación de Vincent en Arlés (1888) y Noche estrellada (1889). Para Van Gogh todos los fenómenos visibles parecían estar dotados de una vitalidad física y espiritual.

Las más de 700 cartas que escribió a su hermano Théo (publicadas en 1911) constituyen un documento extraordinario sobre la vida de un artista apasionado y muy enterado de lo producido en su tiempo. Su personalidad conflictiva y sus trastornos depresivos lo llevaron a cortarse la oreja, ser internado en el sanatorio de Arlés y dispararse un tiro el 27 de julio de 1890. Moriría dos días más tarde.

En este autoretratorealizado entre 1889 y 1890 puede percibirse laatormentada personalidad de Van Gogh.Adelantándose a su tiempo a través de su abundante obra, moriría encondiciones de pobreza.

Paul Gauguin (París, 1848 - Atuana, 1903)

Pilar del arte moderno y padre del simbolismo en la pintura. El aventurero Paul Gauguin renunció a las convenciones de su época, viajando a Las Antillas en busca de un arte primitivo y verdadero.

Nació en París. Trabajaba originalmente como agente de bolsa, llevando una confortable vida burguesa con su mujer, la danesa Mette-Sophie Gad, y sus cinco hijos. En 1874, después de conocer al pintor Camille Pissarro y ver la primera exposición de los impresionistas, se hizo coleccionista y pintor aficionado. Participó en varias exposiciones antes de decidir hacer de la pintura su vida. Se separó de su familia.

Entre 1886 y 1891 Gauguin vivió principalmente en la Bretaña liderando un pequeño grupo de pintores experimentales conocidos como la escuela de Pont-Aven. Se alejó del impresionismo y adoptó un estilo menos naturalista, al que denominó sintetismo. Halló inspiración en el arte indígena y en los grabados japoneses; estos últimos los conoció a través de Vincent van Gogh en 1888, durante los dos meses que vivieron juntos en Arlés. Su nuevo estilo se caracterizó por la utilización de amplias zonas planas de colores encendidos (atemporalidad formal), como en el Cristo amarillo (1889).

En 1891, arruinado y endeudado, se embarcó hacia Tahití escapando de la civilización europea y de todo lo que le significaba artificial y convencional. Influido por el ambiente tropical y la cultura polinesia, su obra fue cobrando fuerza expresiva a medida que profundizaba sus temas, la escala de sus cuadros crecía y sus composiciones se simplificaban. Su obra maestra es la inmensa alegoría, considerada su testamento pictórico, ¿De dónde venimos, qué somos, dónde vamos? (1897), pintado inmediatamente antes de su intento de suicidio.

Sus experimentaciones atrevidas con el color constituyen el antecedente directo del fauvismo y en la posterior escuela expresionista.

En ¿De dónde venimos, qué somos, dónde vamos? (1897) Gauguin retrata de derecha a izquierda los ciclos vitales del ser humano, desde el naciomiento, la juventud, madurez, vejez y muerte,

acompañadas por los dioses.

Wassily Kandinsky (Moscú, 1866 - París, 1944)

“(…) el Arte no es sólo pariente de la Naturaleza sino que se somete con placer a sus leyes. Someterse a sus leyes, llegar a ser su mensaje lleno de sabiduría, es la mayor satisfacción

del artista” (revista Cuadernos de arte números 5 y 6, 1935).

Kandinsky es uno de los más grandes maestros de la pintura y del arte abstracto en general. Pionero en la abstracción lírica, desempeñó un papel fundamental como artista y teórico moderno.

Nacido en Moscú, decidió convertirse en pintor a los 30 años por convicción moral. Como la mayor parte de pintores abstractos, se inició en una línea naturalista. A partir de 1909, después de un viaje a París en el que quedó profundamente impresionado por la obra de los fauvistas y de los postimpresionistas, su pintura se llenó de color y adquirió una organización más libre. Hacia 1913 comenzó a trabajar en las que serían consideradas como las primeras obras totalmente abstractas dentro del arte moderno: no hacían ninguna referencia a objetos del mundo físico y se inspiraban en el lenguaje musical, del que tomaban los títulos.

“Así como existe una música sin palabras, también existe una pintura con y sin objeto”.

Su influencia en el desarrollo del arte del siglo XX se hizo aún mayor a través de sus actividades como teórico y profesor. En 1912 publicó De lo espiritual en el arte, primer tratado teórico sobre la abstracción, que difundió sus ideas por toda Europa. Impartió clases en la Academia de Bellas Artes de Moscú y en la Bauhaus de Alemania.

Kandinsky hacía mucho énfasis en estar atentos a la necesidad interior del artista. Ella guiaría un proceso de improvisación, construcción y composición para llegar a las grandes obras.

Piet Mondrian (Amersfoort, 1872 - Nueva York, 1944)

Pieter Cornelis Mondriaan nació en Holanda y llevó el arte abstracto geométrico hasta sus últimas consecuencias. Como muchos otros artistas de la época, recibió la influencia de la Sociedad Teosófica de Helene Blavatsky, la cual sostenía que la vida estaba orientada a la evolución (el arte debía reflejar ese principio) y las investigaciones del matemático Mathias Schoenmaekers sobre las fuerzas geométricas que dominan la naturaleza. Mondrian llevó su trabajo a una simplificación radical, donde sólo existirían tres colores (rojo, amarillo y azul), tres no-colores (blanco, gris y negro), líneas verticales y horizontales.

En 1917 junto con su compatriota, el pintor Theo van Doesburg fundó la revista De Stijl, en la que desarrolló su teoría sobre las nuevas formas artísticas que denominó neoplasticismo. Sostenía que el arte no debía implicarse en la reproducción de imágenes de objetos reales, sino expresar únicamente lo absoluto y universal que se oculta tras la realidad.

Cuando se trasladó a Nueva York en 1940, su estilo había logrado una mayor libertad y un ritmo más vivo. “No quiero cuadros. Lo único que quiero es descubrir cosas” es una de sus últimas frases conocidas. Consideraba que el arte del futuro no sería para decorar ambientes sino para dotarlos de sentido y unidad.

La obra de Mondrian tuvo una gran repercusión a lo largo del siglo XX, en la pintura, la arquitectura, el diseño industrial y las artes gráficas.

La concepción de armonías numéricas de Mondrian manifiesta su herencia holandesa: el triunfo del espíritu humano sobre la naturaleza y la religión puritana.

En lengua neerlandesa, la palabra schoon comprende las dos acepciones de “bello” y “puro” (Jaffé, 1984).

Kazimir Málevich (Kíev, 1878 – San Petersburgo, 1935)

Pintor ruso. Junto con Piet Mondrian, fue la figura más importante de la abstracción geométrica.

Llegó a la abstracción a través de la percepción del cuerpo humano. Su obsesión por las propiedades místicas de la geometría lo harían buscar una proporción ideal que halló en el cuadrado.

En la última exposición futurista de 1915 presentó su cuadro Cuadrado negro sobre fondo blanco, acompañado del manifiesto Del cubismo al suprematismo en arte, del nuevo realismo en la pintura a la creación absoluta.

Según Málevich, el suprematismo tuvo tres fases: la fase negra, donde obedecía el principio del mínimo esfuerzo del filósofo Richard Avenarius (1876); la fase roja, asociada a la revolución socialista rusa; y la fase blanca, orientada más a la labor docente y al diseño arquitectónico (“arte en la vida”) que a la pintura de cuadros. Su última composición suprematista fue Cuadro blanco sobre fondo blanco (1918). ¿Qué podría pintar después?

“Dentro del suprematismo la cuestión no es pintar. La pintura se ha acabado hace mucho tiempo” (1920) es uno de los pensamientos de Málevich que se adelantan a las propuestas del arte minimalista y conceptual.

Cuando se dedicó a la docencia, era curioso ver pasear a Málevich con sus alumnos por las plazas rusas, todos cargando sus cuadrados negros sobre fondo blanco.

Jackson Pollock (Wyoming, 1912 - Nueva York, 1956)

“Pintar es descubrirse a sí mismo”

Principal representante de la pintura de acción y de la Escuela de Nueva York. Apasionado por las investigaciones psicoanalíticas de Jung sobre los arquetipos del inconciente colectivo, creó el expresionismo abstracto, desarrollando obras de gran formato, las cuales trabajaba “desde dentro de la pintura” (Golding, 2003).

Inspirado en el arte indio norteamericano, inventó la técnica del dripping que consiste en derramar, dejar gotear o lanzar pintura sobre un lienzo colocado en el suelo.

Genio de personalidad muy compleja, llegó a la convicción de que si bien el arte tenía que ver con la comunicación, también se ocupaba del descubrimiento de uno mismo. Vivía la dicotomía entre la búsqueda del yo y el anhelo de identificación con un absoluto, mayorque el yo.

Falleció el 11 de agosto de 1956 a consecuencia de un accidente de automóvil. Manejaba ebrio.

Lucifer (1947) es una de las primeras obras del expresionismo abstracto que utilizó la técnica del dripping. Si bien Pollock se encontró como pintor, nunca pudo lidiar con sus demonios internos.

Sus problemas con el alcohol lo llevaron a la muerte.

IN

0_1Acrílico sobre mdf70cm x 100cm

1-1Acrílico sobre mdf70cm x 100cm

kiAcrílico sobre mdf70cm x 100cm

13Técnica mixta70cm x 100cm

píldorasTécnica mixta135cm x 105cm

juerga_bitTécnica mixta244cm x 122cm (díptico)

cópulaTécnica mixta244cm x 122cm (díptico)

finAcrílico sobre lienzo105cm x 135cm

Referencias

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Enciclopedia electrónica “Microsoft Encarta 2007 Biblioteca Premium”