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Afinidades

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Afinidades


SECRETARIA DE RELACIONES EXTERIORESClaudia Ruiz Massieu

DIRECTORA GENERAL DEL INSTITUTO MATÍAS ROMERONatalia Saltalamacchia Ziccardi

ASESOR CULTURAL DE LA OFICINA DE LA C. CANCILLERJaime Márquez Diez-Canedo

DIRECTORA GENERAL ADJUNTA DEL INSTITUTO MATÍAS ROMERORosario Molinero Molinero

DIRECTORA GENERAL ADJUNTA DE LA ACADEMIA DIPLOMÁTICAValentina Riquelme Molina

DIRECTORA DE PRODUCCIÓN EDITORIALMaría Constanza García Colomé

SUBDIRECTORA DEL MUSEO DE LA CANCILLERÍANatalie Gama Pourdanay

Primera edición, 2016

D. R. © Secretaría de Relaciones ExterioresPlaza Juárez 20, Col. Centro, Del. Cuauhtémoc,C. P. 06010, Ciudad de México

Instituto Matías RomeroRepública de El Salvador núms. 43 y 47,Col. Centro, Del. Cuauhtémoc, C. P. 06080, Ciudad de México

Se prohíbe la reproducción total o parcial por cualquier medio sin la autorización por escrito del titular de los derechos patrimoniales.

ISBN 978-607-446-085-8Impreso en México / Printed in Mexico

SRE 709.04 AF257

Afinidades/Discordancias: 55 artistas contemporáneos. / Miguel Marín Palma, Diseño editorial; Santiago Espinosa de los Monteros Hernández, texto; Carlos Hahn Ramírez, fotografía. -- Prólogo, Claudia Ruiz Massieu -- 1a. ed. -- México: Secretaría de Relaciones Exteriores,Instituto Matías Romero, 2016. 147 p. -- Colección SRE Pago en especie 2016 ISBN: 978-607-446-085-8 1. Arte mexicano. - 2. Arte – México. – 3. México - Secretaría de Relaciones Exteriores – Catálogos - I. Marín Palma, Miguel.II. Espinosa de los Monteros Hernández, Santiago. III. Hahn Ramírez, Carlos, il. IV. Ruiz Massieu, Claudia, prol. V. México. Secretaría de Relaciones Exteriores, Instituto Matías Romero.


Contenido

Presentación 7Claudia Ruiz Massieu

Afinidades/Discordancias 9Santiago Espinosa de los Monteros

ArtistasdeAfinidades/Discordancias

Daniel Alcalá 14Ernesto Alva 16Jeannette Betancourt 18Jordi Boldó 20Santiago Borja 22Marisa Boullosa 24Fernanda Brunet 26Miguel Calderón 28Pía Camil 30Alberto Castro Leñero 32Francisco Castro Leñero 34Miguel Castro Leñero 36Emilio Chapela 38Miguel Cordera 40María José de la Macorra 42Juan Manuel de la Rosa 44José Antonio Farrera 46Manuel Felguérez 48Fernando García Correa 50Agustín González 52Máximo González 54Ilse Gradwohl 56Roger von Gunten 58Cisco Jiménez 60Perla Krauze 62María José Lavín 64José León Cerrillo 66Mauricio Limón 68Jesús Lugo Paredes 70Ernesto Mallard 72Samuel Meléndrez 74


Erick Meyenberg 76Mario Núñez 78Damián Ortega 80Fernando Ortega 82Irma Palacios 84Mario Palacios Kaim 86Sandra Pani 88Yolanda Azul Paulsen 90Javier Peláez 92Dulce Pinzón 94Maribel Portela 96Georgina Quintana 98Luis Rodrigo 100Vicente Rojo 102Betsabeé Romero 104Raymundo Sesma 106Naomi Siegmann 108Pablo Sigg 110Melanie Smith 112Ana Thiel 114Roberto Turnbull 116Fabián Ugalde 118Pablo Vargas Lugo 120Boris Viskin 122

Exposiciones temporales del Museo de la Cancillería

México a través del cartel 124Utopía & Ritual 126Travesía 130Como un libro abierto 132Diariamentesignificatodoslosdías 134Lo Cíclico 136Agua 138Construcción 140Denudatio Perfecta 142Jardín Interior 144Lost Archives 146


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Presentación

La vasta y multifacética producción artística de México es una de las mayores fortalezas con las que nuestro país se proyecta ante el mundo. Gracias al trabajo vivo de nuestros creadores, nosafirmamoscomounanaciónorgullosadesuculturamilenariay,almismotiempo,capazderomper esquemas, sorprender y reinventarse día con día.

Para la Secretaría de Relaciones Exteriores es un orgullo poner a disposición del público el catálogo 2016 de nuestra colección de arte contemporáneo, un esfuerzo del Instituto Matías Romero y el Museo de la Cancillería.

Esta reunión de talento se alimenta de la generosa contribución del Programa Pago en Especie, que desde hace cuatro décadas impulsa la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, mediante el Sistema de Administración Tributaria.

Los 55 artistas incluidos en Afinidades/Discordancias, representativos de escuelas, genera-ciones y disciplinas muy variadas, nos ofrecen una ventana a la riqueza ilimitada, al movimiento permanente y a la pluralidad fructífera que caracterizan al quehacer cultural de nuestro país.

Cada uno de los virtuosos representados en la colección despliega una aproximación única e irrepetible a las técnicas, formas, materiales, experiencias y discursos, mediante los cuales se comunican ideas y se despiertan emociones.

En estas páginas se dan cita nombres consagrados mundialmente, al lado de artistas emergentes,queprefiguranunfuturoprometedorpara laexpresiónvisual.Aunquetodossonmexicanos,ohanhechodeMéxicosuhogarysutaller,ningunoestáconfinadoaestatierra.Por el contrario, se trata de trabajos que trascienden fronteras físicas, culturales y temporales, revelando el carácter universal que distingue a la auténtica obra de arte.

El catálogo que el lector tiene en sus manos también presenta las diferentes exposiciones individuales y colectivas que acogió el Museo de la Cancillería a lo largo de 2016. De esta mane-ra,seconfirmalarelevanciadeesteespaciodedifusióncultural,queabriósuspuertasen2011y que anualmente recibe a más de catorce mil visitantes.

Así, la Cancillería se suma con determinación al renovado apoyo que el presidente Enrique Peña Nieto ha dado a la comunidad artística mexicana al promover, conectar y abrir espacios para nuestros creadores.

Tan sólo el año pasado, la Secretaría de Relaciones Exteriores apoyó la realización de más de cuatrocientas exposiciones fuera del país, mientras que nuestras representaciones en el exterior organizaron casi un millar de actividades culturales en decenas de países de los cinco continentes.

Seguiremos caminando por esta ruta, que nos ha permitido erigirnos como una verdadera potencia cultural. Hoy, más que nunca, en un tiempo en el que los saberes y los haceres se com-partenycomunicanvertiginosamente,elartemexicanonospermitereafirmarnuestraidentidady participar como protagonistas en la conversación universal.

Claudia Ruiz MassieuSecretaria de Relaciones Exteriores de México


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Una de las mayores riquezas de México es indudablemente el enorme grupo de creadores visua-les que lo habita. Ya sea por nacimiento o por elección, México ha sido desde tiempo atrás un espacio de creación invaluable. Las razones son numerosas, pero quizá una de las más relevan-tes sea la de la libertad de creación. Las más diversas corrientes de pensamiento han circulado por caminos que desembocan siempre en un constante diálogo entre los productores visuales, lasinsistentesmiradasentreellos,susafinidadesysusdiferencias.

Distanciarse o acortar el espacio da como resultado una suerte de marea interminable. Las olas que llegan a playa regresan siempre para encontrarse con las que vienen detrás, y éstas, a su vez,lleganatierraparareunirseconlasquelespreceden.Así,infinitamente,elmovimientoper-petuo e incesante resulta en un vigoroso mar en movimiento: siempre el mismo y siempre distinto.

Afinidades/Discordancias habla de esa convivencia constante que tiende puentes entre generaciones, modos de ver, experimentaciones, búsquedas incansables por decir de formas distintas.Lanzaguiñosyzarpazosconlamismaintensidad.Dacuentadelpensamientoreflexivo,de la impronta de lo brutal y de lo mesurado.

Aquí conviven creadores en activo como Manuel Felguérez, Ernesto Mallard, Roger von Gunten, Naomi Siegmann y Vicente Rojo, nacidos entre 1928 y 1933. Se trata de una generación fundacional que marcó el andar de las artes visuales desde mediados de la década de los años cincuenta. Sus piezas, no obstante ser testimonios de largas trayectorias, conviven de manera armónicaconlostrabajosmásrecientes.Lapotencia,elmanejotécnico,lafidelidadaunestilopero, sobre todo, la depuración de lenguajes largamente experimentados hacen que su trabajo tenga un carácter emblemático.

Al otro lado de su lista se encuentran pintores, escultores y fotógrafos que consolidaron su trabajo apenas en la década de los noventa del siglo pasado. ¿Qué hay en el centro? ¿Qué habita en esos años que los separan? Quizá en el fondo está la obsesión de mirar, de contar, de abrirse un espacio de diálogo. No es relevante si hay sanas convivencias o descarnadas discrepancias entre las distintas generaciones; todo suma cuando se desea tomar el pulso de la creación plás-tica en las últimas décadas.

Sin duda esta muestra da pista de las vías primarias que muchos de los creadores aquí reu-nidos debieron tomar para consolidarse. Pero, también, hay quienes dan noticia de sus procesos de búsqueda y experimentación. Entre un extremo y otro quedan las grandes piezas que se van convirtiendo en la historia de vida de quienes aquí participan.

Losgrandestemasestánaquí:naturaleza,figurahumana,arquitectura,paisaje,lamiradainterior y la investigación formal. En los trabajos hay vías primarias sobre las que una gran ma- yoría de los creadores han debido andar en algún punto de sus trayectorias. A medida que desarro- llan sus carreras, esas vías son sustituidas por los caminos vecinales, de suyo más atractivos por la incertidumbre de su ruta y, por lo tanto, más inseguros y retadores para andar en ellos. Ahí, enesepisopocofirme,esdondenacenlasestrategiasexpresivasquesehanseleccionadoparala exposición.

AfinidadesDiscordancias


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Creadores que han trabajado largamente algunos soportes, como el caso de Juan Manuel delaRosaenlagráfica,convivenconlostrabajosdeFranciscoCastroLeñeroconunapiezadesu serie Cuadernos para iluminar y con un generoso díptico de Jordi Boldó.

Conlamiradapuestaenlasreflexionesdelaformay lainvestigación,MelanieSmithyJosé León Cerrillo llevan su trabajo a la frontera del minimalismo; sin que pretendan serlo, sus piezas están estructuradas con una economía de medios relevante y su expresividad queda des-pojadadeartificios.Porsuparte,PabloVargasLugoestructuraabasederecortesunacomplejacomposición marcada por tres rígidos ejes; alrededor de ellos, en contraposición a la linealidad estructural, se ve una armónica composición de formas orgánicas.

La creación de esta especie de realidad paralela toma cuerpo en el trabajo de Javier Peláez. Su obrasedistingueporpartirdeaspectosdelarealidadalosquereconfiguraprovocandounatensiónentrelafiguraciónylaabstracción.Losreflejosdelosobjetosenpapelmetálicouotrassuperficiesno planas, que alteran nuestra percepción, son objeto de su trabajo. La obra presente en Afinidades/Discordancias representaungrupodefloresqueelartistareproduceapartirdesureflejo.

Las piezas de Betsabeé Romero en esta muestra, apelando a lo aparente, dan preemi-nencia a los espacios vacíos de la tradicional cerámica mexicana tan común en regiones como Oaxaca y en algunas partes del Estado de México. En esas piezas, creadas más como objetos decorativos que utilitarios, se dejan regularmente oquedades que, si se extendieran y registraran en un plano, darían como resultado algo muy similar a lo que Romero presenta a modo de ho-menaje. De ahí la importancia de la sombra en estas obras, en ellas, de manera puntual, pueden observarse con precisión las características de los objetos que fueron su inspiración.

Cisco Jiménez, por su parte, lleva a cabo un juego de palabras integradas a su obra, que al mismo tiempo dan el título a la pieza: El imperio de Fabiola Coatlicue. Recupera objetos de desecho y los trabaja nuevamente sobre formas ya dadas. Estas intervenciones han tenido una relevante presencia en la trayectoria de Jiménez.

Emilio Chapela, presente con la pieza Pink Noise, de la serie White Noise, reconstruye tridimensionalmente los sonidos de las microondas espaciales y el famoso ruido blanco cós-mico,cuyodescubrimientoconfirmólaexistenciadelbigbang.Enunsentidosimilar,aunqueformalmente con una vocación muy distinta, en Carta a Béla Bartók, Vicente Rojo lleva a cabo una compleja distribución de formas voluminizadas de lo que a su entender son las partituras de Bartók. En ambos casos, estos creadores visuales de generaciones lejanas entre sí han pues-to su interés en corporeizar lo auditivo, otorgándole forma y volumen a lo que en otro momento era tan sólo una inasible frecuencia que alteraba el espacio circundante para producir un de-terminado sonido.

La mirada al paisaje es quizá uno de los núcleos relevantes de Afinidades/Discordancias. Se trata no sólo de reconstruir un entorno natural, sino de evocarlo y provocar así su apropiación. Yolanda Azul Paulsen, Roger von Gunten, Georgina Quintana, Ana Thiel, Jeannette Betancourt y Mario Palacios Kaim están entre quienes han puesto su mirada en este terreno. Lejos de recrear la exactitud de la naturaleza, han sabido extraer de ella su fuerza expresiva, unas veces silencio-sa, otras de brutal expresividad; como eje conductor se halla lo que eso produce en la mirada de los creadores que se han apropiado de los entornos abiertos.

En esa misma vertiente se encuentran las piezas de Irma Palacios con Mar interno. Explo-radora de un complejo abstracto al que con los años ha dotado de su propia gramática, pervi-ven todavía en sus obras tonalidades y reminiscencias del informalismo español, especialmente prestigiado en los inicios de la generación a la que ella pertenece. Ilse Gradwhol, en una aparen-te hermandad temática con Palacios, está presente en Afinidades/Discordancias con Marea, obra de gran gestualidad y presencia. Encuentro con la nube de Miguel Castro Leñero, por otra parte, es, si acaso, una de sus obras más acabadas respecto a la economía expresiva que alcanza, con sólo unos cuantos elementos, un tono emotivo al tratar el tema del paisaje.


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Haciendo un guiño al pasado, Dulce Pinzón, principalmente fotógrafa, se destaca por cons-truir imágenes a partir de elementos de la realidad y la imaginería. Retoma referentes de la cultu-ra popular con una visión irónica, lúdica y crítica. Bodegón III, cargada de sarcasmo, reconstruye los antiguos bodegones que adornaban las grandes mansiones. Las aves disecadas provienen deunviejomuseodecienciasnaturalesqueellaregistrófotográficamenteenunadesusseriesmás potentes, Historias del paraíso, en la que los animales conviven e interactúan con los seres humanos y sus espacios.

María José de la Macorra ha puesto la mirada en la vastedad, en el silencioso contorno de un paisaje imaginado al que aborda a partir de sencillas líneas hechas con diminutas cuentas de chaquira bordadas sobre la tela. Sin la misma vocación aunque cromáticamente similar a la de su colega, la obra de Ernesto Alva ha sido realizada con la técnica del tallado en PVC e impreso a dos tintas, dejando a la vista delicadas líneas en blanco.

Maribel Portela desde la plataforma de la escultura con Lanceolata sigilosa, Agustín Gonzá-lez con Sauce llorón y Fernanda Brunet con Flores II hacen una aproximación directa al tema de la naturaleza en reconstrucciones, si bien evocadoras, que dan clara cuenta de la mirada directa a lo emanado de diversos ecosistemas.

Dos autores, Perla Krauze y Máximo González, son una suerte de eslabón entre naturaleza y arquitectura. Con Muro, Krauze evoca la construcción al tiempo que, por los materiales y sus cromatismos,refierealtemadelagua.De Nicaragua a Bruselas de Máximo González, en cambio, plantea una suerte de laberinto de composición angulosa hecho con billetes, lo que apela de manera directa a los trayectos y a una geografía sublimizada de manera caprichosa, un mapa idealizado de los traslados de un punto a otro del planeta.

La arquitectura, uno de los grandes temas en esta muestra, ha dejado de ser la simple veri-ficacióndelasconstruccionesparaconvertirseenunapropuestaexpandidaqueexaminaloquederiva de los entornos urbanos. ¿Qué de lo que habita las ciudades permanece? Perviven las evo-caciones,lasutopías,laslíneasimposibles,losedificiosylascasasinhabitables,peroexistentesen el imaginario de los creadores, quienes, al hacer estas piezas, adelantan sus obsesiones con estructuras irreales. Daniel Alcalá, Raymundo Sesma, Marisa Boullosa y Santiago Borja incursio-nan en este terreno cada vez más afín y coincidente con las artes visuales.

Damián Ortega, presente con Rastro 2, Frontones unam de Alberto T. Arai, 1952, realiza un importante rescate de los iconos arquitectónicos aún existentes en México. Además del frontón, acompañanaesta seriedeDamiánOrtegaotrosedificiosdearquitectos comoFélixCande-la, Augusto H. Álvarez, Mario Pani y Juan Sordo Madaleno, cuyas construcciones vistieron de modernidad a la Ciudad de México desde mediados del siglo pasado. Impresas sobre piel curtida de res, las imágenesde estos emblemáticos edificios formanparte ahoradeuna referenciafundamental de los puntos clave de la megalópolis.

Las aproximaciones a la arquitectura adquieren, desde la óptica de otros autores pre-sentes en la muestra, observaciones variopintas. Miguel Cordera establece un complejo conjunto de espacios posibles/imposibles; Roberto Turnbull, con una sencilla pieza cargada dehumor, reconstruye el interior de su departamento así como la flora y la fauna que loacompañan; Samuel Meléndrez pone el acento en las austeras estructuras constructivas del postsocialismo a las que adereza con la escultura de Lenin, y Mario Núñez conserva la rígida retícula interior en su pieza a la que ha superpuesto precisas formas cromáticas con estricta equidistancia.

Encontramos aquí que las fronteras que había entre arquitectura y artes plásticas se han diluido para dar paso a nuevas lecturas de espacios imposibles en unos casos, o relecturas de los ya existentes en otros, pero tratados desde plataformas diferentes. Un complejo industrial finamentecontorneadoparaextraerlode sucontexto,unamedicióngráficavoluminizada,unespacio decadente visto en perspectiva o una compleja relación de ángulos cromatizados que


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recrean un espacio constructivo, son sólo algunas de las lecturas que algunos creadores visuales hacen de la arquitectura.

Otras miradas recurrentes han caído sobre el cuerpo. Uno de los eternos temas de la histo-ria del arte sigue vigente y ahora es visto no sólo desde la contemporaneidad, sino que se le ha dotado de la expresividad actual al ser examinado a través de las plataformas mediáticas, como símbolo representativo de referencias históricas o como simple receptor de la mirada de quien hace sobre él un campo de experimentación pictórica.

Quizá la pieza destinada a concatenar cuerpo y arquitectura sea la de Santiago Borja. Dos fotografías de la serie Suprasensible, tomadas en el pabellón de Mies van der Rohe en Barcelona, presentanelfluidodiálogodelaarquitecturademetal,mármolesycristalesde1929conunamujer que con su sola presencia interviene, corporalmente, los espacios constructivos. Vestida con vaporosas telas naranjas y amarillas, ella pertenece a un grupo de practicantes de euritmia. El artista no desliga las corrientes esotéricas de principios del siglo pasado con las creaciones de laépoca,incluyendolaarquitectura,porloquesostieneconsuobraquelaenormeinfluenciaeneste tipo de construcciones partió más de la parte emocional que de la racional. De ahí que los movimientos de la persona en las fotografías hayan sido armónicos durante sus traslados dentro del pabellón, buscando con ello una experiencia corporal acorde con el espacio y la época en la que fue construido. El diálogo se produce no sólo por esta convivencia, sino también con un guiño atemporal al hacer participar, involuntariamente quizá, a la sensual escultura femenina Amanecer de Georg Kolbe, la cual, como la modelo en la obra de Borja, rompe a la vez que se integra a las líneas arquitectónicas.

Pablo Sigg participa con un misterioso fémur de elefante mexicano, pieza de 2009, unos años antes de sus reconocimientos internacionales por su trabajo en el campo de la cinemato-grafía. La aproximación al cuerpo y su directa constatación remiten a una referencia presencial (como en el caso de la pintura de Fernando García Correa Piel de elefante), objetualizada o evo-cada, de la especie animal.

Con la ironía, el humor y la crítica que caracterizan su trabajo, Miguel Calderón con El dedo suizo, pieza de 2010, que representa la mano de una persona morena a la que ha pintado, en su dedo meñique, la referencia de las conocidas navajas suizas, útiles para diversas acciones cotidianas, en clara referencia a la multiplicidad de ocupaciones que puede realizar un trabaja-dor probablemente afroamericano. El comentario sobre la fuerza de trabajo y la mano de obra relacionada con el tema migratorio es frontal y directo.

EnotravertienteestálaobradeSandraPaniquienhahechoyalargasreflexionessobrelo corporal y lo etéreo, no sólo a partir de los formatos de sus piezas y el trazo de su dibujo, sino también a partir de una aproximación íntima que recorre las diversas zonas de la geografía humana.

En algunas ocasiones desde la bidimensionalidad y otras en formato tridimensional, María José Lavín reconstruye el cuerpo femenino a partir de la idea de las venus, representaciones ancestrales que pretenden resituar al cuerpo femenino, esta vez en una contemporaneidad en la que las venus, a diferencia de las antiguas, son frágiles y despojadas de su contundencia matérica.Trabajadasenfieltro,vendas,pielybarro,lasobrasdeestaseriecontienentextosde escritoras mexicanas que tratan sobre los temas de la mujer. Venus Catrina incorpora uno de los iconos populares mexicanos que reúne, en un mismo personaje, a la famosa Catrina (o la Garbancera), grabado de José Guadalupe Posada; en esta pieza, lo femenino, la coquetería, lo finito,loimaginarioylorepresentativosedancitahaciendodeestaimagenunodelosbaluartespopulares mexicanos.

Pía Camil presenta una serie de piezas en cerámica esmaltada que son a un tiempo rostros y petos; su trabajo se ha caracterizado por el desarrollo de una nueva manera de abordar el tema del cuerpo, fundamentalmente a partir del vestuario y las telas que se utilizan para dotarlo de la


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información que será compartida comunitariamente. Los intercambios de prendas, las acciones ylaresemantizacióndelosmaterialeshansidosóloalgunasdelasvertientesdeestaprolíficacreadora visual.

Referido al cuerpo en una primera instancia por la representatividad de la pieza, pero en el entorno sonoro, con Chir-r, chir-r, Fernando Ortega hace una referencia al sonido que la per-sona en reposo al pie del árbol puede estar escuchando y que llega hasta el espectador gracias al título de la obra. Autor multidisciplinario, trata la fragilidad, la invisibilidad y en ocasiones la producción de espacios ad hoc para su trabajo.

En una aproximación frontal a partir del cuerpo al que utiliza como pretexto para contar-nos una historia brutal, Mauricio Limón se sitúa en el terreno de la crítica social y política que consigue por medio de referencias cotidianas mediáticas. Resalta la ambigüedad del estilo de vida de las sociedades contemporáneas. La obra presente en Afinidades/Discordancias recoge la imagen de María Susana Flores, quien fuera Miss Sinaloa y que murió en 2012 en una balacera entremilitaresynarcotraficantes.Segúnlosmedios,eranoviadeunpersonajebuscadoporsusactividades ilícitas en el norte del país.

Con enorme carga de humor, Boris Viskin presenta Anette, pieza que consiste en la re-producción de una obra de Giacometti, a la que ha superpuesto el rostro de quien a su parecer podría haber sido la modelo original. Mientras Viskin abunda sobre una iconografía ya dada, Erik Meyenberg oculta lo que a su juicio no aporta al tratamiento de lo corporal; deja sólo visibles las partes del cuerpo de una fotografía periodística y tapa lo demás, contribuyendo así a resaltar la energética actividad física de los deportistas.

En las investigaciones visuales de sus últimos años, Fabián Ugalde ha dedicado importan-tes sondeos sobre el tema de la representatividad. Si en otros años abundó sobre las grandes obras del arte contemporáneo a las que subvirtió mediante el lenguaje de los cómics y las inve-rosímiles situaciones a las que las sometía, ahora retrabaja, desde la plataforma de la fotografía, las más reconocibles imágenes del modernismo y la contemporaneidad, a las que dota de una suerte de reconstrucción lenticular que, no obstante la fragmentación de la que son objeto, las dejaabiertaseidentificables.Grand Wood expandido, sobre el American Gothic de 1930 de Grant Wood, uno de los iconos de la pintura estadunidense, es prueba de ello.

Los cuerpos multiplicados a partir de la Divina Comedia en la obra de Jesús Lugo y la soli-taria presencia de la mujer en La gran ballena blanca de José Antonio Farrera hablan de esta rica vertiente en el tratamiento de lo corporal como tema protagónico y central de la obra. Alberto Castro Leñero con Cardia apela a la parte sensible desde su compleja y rica iconografía.

Es claro que lo insustancial desaparece ante la evidencia de lo que aquí se constata. Si de pronto surge la sensación de que estas miradas están al borde de un colapso irremediable, también radica justamente ahí su riqueza ante la perspectiva de la renovación constante.

Afinidades/Discordancias da cuenta de los recovecos por los que circula el arte contemporá-neo y actual. Una gran parte de los trabajos de estos autores se ha movido en el ámbito privado, se han exhibido en ferias o galerías tanto de México como de otros países. Simultáneamente adquieren visibilidad en los espacios institucionales, como es el caso de esta exposición. Lo re-levante, después de todo, es la certeza de que estas obras, que han nacido muchas de ellas en losespaciosindependientes,vienenaocuparunaparteimportanteenlosdiálogosdereflexiónrespecto al devenir cultural.

Santiago Espinosa de los MonterosCurador


14 Artistas de Afinidades/Discordancias

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15Artistas de Afinidades/Discordancias

DanielAlcalá(Coahuila, 1974)

Su práctica artística consta de dibujos, grabados, instalaciones e intervenciones que tie-nen que ver con el hombre y su relación con el espacio en el que habita. Retoma la ar-quitectura y los diferentes elementos que componen el paisaje para recalcar las diversas transformaciones del ser humano en su hábitat. El resultado de su trabajo surge de la con-templación y experimentación de los sucesos que envuelven al hombre contemporáneo.

Estudió en la Escuela de Artes Plásticas Rubén Herrera en Saltillo, Coahuila, posterior-mente en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (enpeg) del Instituto Nacional de Bellas Artes (inba), en la Ciudad de México. Ha expuesto en Berlín, Alemania; São Pablo, Brasil; Bogotá, Colombia; Lima, Perú, y en diferentes galerías y mu-seos como el Museo Universitario del Chopo en la Ciudad de México. Ha sido parte de exposiciones colectivas en Japón, Reino Unido, Cuba, Austria, Puerto Rico, Colombia, Ale-mania, Francia y Argentina. Ha sido acreedor de la Beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (fonca).



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Dibujante, grabador e impresor. Su obra se desarrolla entre la línea y la mancha formando tramas y laberintos que exploran el vacío, la luz y el orden con sus opuestos para lograr secuencias abstractas. El juego con múltiples placas y la aplicación de aguatintas son es-trategias centrales en su obra.

Estudió Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Es-meralda” (enpeg) del Instituto Nacional de Bellas Artes (inba). Tomó talleres en el Centro Multimedia del Centro Nacional de las Artes (Cenart) y en el Centro Docente de Grabado del inba, en la Ciudad de México. Ha expuesto en China, España y Polonia; en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México y en La Ruleta Arte Contemporáneo en Guatemala. Ha participado en diversas bienales y recibió el Primer Premio en la Primera Bienal de la Estampa Contemporánea Mexicana. Es fundador, maestro impresor y gestor del taller La Trampa,GráficaContemporánea.FormapartedelProgramaJóvenesCreadoresdelFondoNacional para la Cultura y las Artes (fonca).

ERNESTOALVA (Ciudad de México, 1982)



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Su obra se centra en la escultura y la instalación a partir de medios alternativos, y está elaborada en sintonía con la ciencia y la investigación. Propone tomar conciencia respecto de los recursos naturales y el entorno del espectador. Los objetos y materiales que utiliza se relacionan con las sociedades contemporáneas, el consumismo y la falta de interés en la preservación de la naturaleza.

Horizonte desestructuradorefierealaconformaciónmicroscópicadelaguacuandocarecede estructura.

Estudió Publicidad, Periodismo y Relaciones Públicas en la Universidad del Sagrado Cora-zón en Santurce, Puerto Rico, y cuenta con un Grado Asociado en Ciencias de la Comunica-ción. Cuenta con numerosas exposiciones individuales y colectivas en México y el extran-jero, entre las cuales se destacan: Le Cube Independent Art Room en Rabat, Marruecos; el Museum of the Filipino People en Manila, Filipinas; El Horno de la Ciudadela en Pamplona, España, y el Museo de Arte de Caguas, Puerto Rico. En México, ha expuesto en la Universi-dad Autónoma de Guanajuato, el Museo de Arte Moderno de Toluca, el Museo de Historia de Tlalpan, el Centro Cultural Estación Indianilla y el Papalote Museo del Niño en la Ciudad de México. Su obra forma parte de distintas colecciones de la iniciativa privada y el sector pú-blico y ha sido seleccionada y galardonada con distintos premios y programas de fomento, de los cuales cabe mencionar la Muestra Nacional de Arte 2015 de San Juan, Puerto Rico, y la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (fonca).

Jeannette Betancourt(Nueva York, 1959)



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JordiBoldó(Barcelona, 1949)

Su obra, esencialmente pictórica, se reconoce por ser de carácter formal. La composición de la imagen tiende a lo misterioso y la delicadeza gracias al uso del color y el manejo de las texturas y los matices.

De formación autodidacta, cuenta con más de noventa exposiciones individuales y ha par-ticipado en más de cien colectivas en Suiza, Estados Unidos, Portugal, Inglaterra, Italia, Venezuela, Chile y Panamá. Ha expuesto su obra en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Venezuela; el Laredo Center for the Arts, Texas, y el Museo de la Ciudad de Quito, Ecuador. En México, el Museo Universitario del Chopo en la Ciudad de México; el Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce en Michoacán; el Museo de Arte y el Museo de la Ciudad de Querétaro; el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas; el Museo de Arte Contemporáneo en Tamaulipas; el Museo de Arte Contemporáneo de Yucatán, en Mérida, y el Museo de los Pintores Oaxaqueños, en Oaxaca. Ha recibido varios premios y distinciones y ha sido jurado en diversos concursos. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (fonca).



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Diván, serigrafía a tres tintas sobre papel guarro 230 g, 20 ed., 112 x 80 cm, 2010.

SantiagoBorja(Ciudad de México, 1970)

Su trabajo resalta algunas estructuras del pensamiento occidental por medio de la yuxta-posición cultural de los ocios en un constante cuestionamiento de su papel en el presente. Las intervenciones in situ queelartistahaceinfluyenenunalecturadisímildelosdiferen-tes espacios históricos con los que trabaja.

En Suprasensible, la fotografía de una mujer en el icónico espacio arquitectónico de Mies van der Rohe en Barcelona nos muestra la investigación que ha desarrollado en los últimos añosentornoalosreferenteshistóricosdelModernismoylainfluenciaquesobreéltuvie-ron algunas prácticas esotéricas de principios del siglo xx. El artista apuesta por relacionar la arquitectura y el esoterismo como muestra de que lo moderno deviene de la inspiración mística y espiritual y no de la idea inculcada de la racionalidad.

Estudió Arquitectura en la Universidad Iberoamericana de la Ciudad de México y una maestría en Teoría y Práctica del Arte Contemporáneo en la Universidad París 8, Francia. Ha realizado cursos en Central Saint Martins en Londres y en el Centro Nacional de las Ar-tes (Cenart) en la Ciudad de México. Cuenta con más de treinta exposiciones; cabe desta-car las realizadas en Het Nieuwe Instituut en Róterdam, Países Bajos; Scottsdale Museum of Modern Art en Arizona, Estados Unidos; el Pabellón Mies van der Rohe en Barcelona; la Feria de Arte Contemporáneo (arcomadrid) en España; el Freud Museum en Londres; el Museo de Arte Moderno de Dublín, Irlanda; el Centro Georges Pompidou en París; el Museo Experimental del eco, y el Museo Universitario del Chopo. Su obra forma parte de colec-ciones como la de la Fundación Marcelino Botín en España; la Colección Jumex en México; la Artothèque du Lot, Francia; la Graham Foundation, Estados Unidos; la del Museo del Palacio del Ex Arzobispado y la de la Casa Luis Barragán en México. Ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (fonca) y del programa de becas de la Fundación Graham en Chicago.



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MarisaBoullosa(Ciudad de México, 1961)

Artista visual que ha desarrollado su trabajo principalmente a partir de las interpretacio-nesgráficasdelashuellasobjetualesdelavida.Recurreaobjetoscotidianosyprotagóni-cos en su trabajo que transitan entre la historia personal, la memoria y los espacios que la rodean, en función de que atestigüen el paso de la vida para enfatizar el transcurrir del tiempo.

Estudió Grabado y Pintura en la Escuela Massana en Barcelona, España y Escultura Textil en la Universidad de Toronto, Canadá. Su formación académica también incluye estudios en restauración, conservación y museografía. Ha participado en casi doscientas exposiciones colectivaseindividualesendiferentesgaleríasymuseos,entreellos,elMuseoRufinoTa-mayo, el Museo de la Estampa, el Museo de Arte Carrillo Gil y el Museo de Arte Moderno, en laCiudaddeMéxico;elInstitutodeArtesGráficasdeOaxaca(iago); el Tama Art Museum en Tokio, Japón; el International Print Center en Nueva York; también ha expuesto en Bulgaria, Serbia, Puerto Rico, Italia, Brasil, Argentina, Paraguay, Rumania y Turquía. Ha participado en la Trienal de Cracovia en Polonia, la Bienal Trois Riveres en Canadá y la Bienal de Mini Estampa de la Biblioteca de Alejandría, Egipto.



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FernandaBrunet(Ciudad de México, 1963)

Sutrabajosecaracterizaporelusodefigurasenérgicasconmovimientoenunaseriedepaisajes naturales donde impera la vitalidad, la intensidad, el dinamismo y la emoción; so-bresale la multiplicidad de tonos, brillos y contrastes. Muchas veces se percibe una inclina-ción erótica. Usualmente asocia el tipo de trazo y composición al de los cómics y el manga.

Estudió Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura, Grabado y Escultura “La Es-meralda” (enpeg) del Instituto Nacional de Bellas Artes (inba) en la Ciudad de México. Ha expuesto en Hong Kong, China, Canadá, Estados Unidos, España, Ecuador y Costa Rica. También su obra se ha exhibido en el Museo del Palacio de Bellas Artes, el Antiguo Colegio de San Ildefonso, el Museo del Palacio Nacional, el Museo Franz Mayer, el Museo de Arte Moderno, el Museo del Chopo y el Museo de Arte Carrillo Gil (macg) en la Ciudad de México; el San Diego Museum of Art en San Diego, el Museum of Latin American Art (moola), en Long Beach, Estados Unidos; y en el Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo (maac) enGuayaquil,Ecuador.HaparticipadoenlaXIBienalRufinoTamayoenMéxicoysuobraes parte de la colección Frederick R. Weisman Art Foundation de Los Ángeles, California.



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MiguelCalderón(Ciudad de México, 1971)

Su obra está enfocada en la experimentación por medio de diversos soportes y técnicas como la pintura, la fotografía, el video y la instalación. Se caracteriza por su acento cómico y por su humor negro. Explora temas sociales que van desde la violencia hasta la corrup-ción, en sus obras resalta la sinceridad, la crítica social y la insensatez por las cuales logra crear imágenes resonantes.

El dedo suizo, pieza cargada de humor y referencias cruzadas, presenta una mano de piel morena a la que se ha pintado en un dedo la clásica navaja suiza multiusos, en alusión a la fuerza laboral migrante en todo el mundo y su versatilidad para desarrollar trabajos de toda índole.

Estudió Artes Visuales y cine experimental en el Instituto de Arte de San Francisco, Es-tados Unidos. Ha expuesto en el Museo PS1 Contemporary Art Center en Nueva York, en elMuseoRufinoTamayo,enelMuseodeHistoriaNaturalenlaCiudaddeMéxico,enelMuseo Guggenheim y en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, España. Ha participado en la Bienal de São Paulo, Brasil, la Bienal de Sharjah en los Emiratos Ára-bes Unidos, en la Trienal de Yokohama en Japón y en la Bienal de Busan en Corea del Sur. Colaboró con una película en Frieze Art Fair en Londres.



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PíACamil(Ciudad de México, 1980)

Su trabajo tiende a retomar ciertos aspectos de la descomposición o la decadencia del paisaje urbano actual. Las líneas, los bordes, las formas que delimitan la obra se apegan a ciertos trazos de la arquitectura; incorpora dibujos, signos u objetos para construir un lenguaje simbólico y un universo propio.

Estas piezas de cerámica se debaten entre una forma de representación ritual y una expre-sividad autónoma, proponen ser las nuevas máscaras de los rostros que, por conocidos, han dejado de comunicarnos aquello que representan. Bust mask, traducido literalmente, es la máscara de un busto.

Es licenciada en Bellas Artes por la Escuela de Diseño de Rhode Island, Estados Unidos, y obtuvo el grado de maestría en Bellas Artes por la Slade School of Fine Art en Londres. Su trabajo ha sido expuesto en París, Londres, Los Ángeles, Madrid, Río de Janeiro, Bogotá, BuenosAires,SídneyyRoma;encentrosculturalescomoelMuseoRufinoTamayo,elMu-seo Experimental El Eco, en México; el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (musac) en España y saatchi Gallery en Londres. Ha sido galardonada por el Programa Eu-ropeo de Honores en el Palazzo Cenci, Roma, y fue nominada para el Premio Paul Hamlyn en Londres. Sus obras forman parte de la Colección Jumex, la Colección Patricia Phelps de Cisneros y la Colección del Museo Wattis.



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AlbertoCastro Leñero(Ciudad de México, 1951)

Ha trabajado diferentes técnicas y disciplinas tales como el dibujo, la pintura, la escultura y el grabado. En su obra utiliza formatos que retoman formas del cuerpo humano y de la naturaleza,mismasque retomayexploraparaelaborarnuevaspropuestas.Lasfigurasconposturasinusualesyflexiblessoncaracterísticasdesuproducciónartística.Reciénexperimentaconlagráficadigital,elvideoylainstalación.

Cardia es resultado de una larga investigación formal en la que los cuerpos, las raíces y los colores se confunden y fusionan para crear una nueva lectura que resulta de la reunión de diversos elementos.

EstudióComunicaciónGráficayArtesVisualesenlaEscuelaNacionaldeArtesPlásticas(enap) de la unam. Pintura y Grabado en la Antigua Academia de San Carlos de la enap de la unam en la Ciudad de México y en la Accademia di Belle Arti en Bolonia, Italia. Entre sus exposiciones individuales sobresalen las llevadas a cabo en el Museo José Luis Cuevas, el Museo de Arte Moderno, en la Ciudad de México, y el Museo de Arte Contemporáneo de Yucatán (macay) en Mérida. Ha participado en exposiciones colectivas en el Museo del Pa-lacio de Bellas Artes en la Ciudad de México, el Instituto Cultural de México en Washington D. C. y el Instituto Cultural de México en Nueva York, la Universidad de Exeter en Londres, el Petit Palais en París, y en otros países como Puerto Rico, Japón y Canadá. Pintó murales para el Sistema de Transporte Colectivo Metro de la Ciudad de México. Es miembro del Sis-tema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (fonca).



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FranciscoCastro Leñero(Ciudad de México, 1954)

Artista apegado al expresionismo abstracto. Ha experimentado diferentes técnicas de en-trelascualesresaltalapintura,lainstalación,laesculturaylagráfica.Suobradenotapre-ferencia por el color, el trazo y la geometría, lo que lo acerca al minimalismo conceptual.

Estudió pintura en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (enpeg) del Instituto Nacional de Bellas Artes (inba). Obtuvo una beca para producción lito-gráficaenlaEscuelaNacionaldeBiblioteconomíayArchivonomíaenlaCiudaddeMéxicoyotraparaestudiardiseñográficoenUrbino,Italia.TrabajóenGraz,Austria,yenLafayetteCollege en Easton, Estados Unidos. Su obra ha sido exhibida internacionalmente en nume-rosas exposiciones individuales y colectivas, en el Museo de la Américas de Puerto Rico; el MuseoRufinoTamayo,elMuseodeArteModernoenlaCiudaddeMéxico;elMexicanFineArts Institute de Chicago, y el Hudson River Museum de Nueva York. Su obra pertenece a diferentes colecciones de museos, galerías y colecciones privadas, como la del MoMA de Nueva York, Estados Unidos, y la del Museo Nacional de Bellas Artes de la Ciudad de México. Desde 1999 es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (fonca).



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miguelCastro Leñero(Ciudad de México, 1956)

El artista obtiene de la imaginación temas para su creación pictórica, en la que la textura essuselloparticular.Representaelementoscotidianoscomoanimales,nubes,edificios,casas y ríos; muestra sus orígenes y los representa en su forma más elemental.

La sencillez de su trazo y la poética de su lenguaje, hacen de Encuentro con la nube III una evocadora imagen de corte infantil cargada del imaginario sencillo y, por lo tanto, podero-so en su representación.

Inició sus estudios de pintura en la Escuela de Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (enpeg) del Instituto Nacional de Bellas Artes (inba), e ingresó al Taller de Grabado del Centro de Investigación y Experimentación Plástica del inba. Ha realizado ex-posiciones individuales en México, Canadá, España, Alemania y Estados Unidos. Sus obras han formado parte de exposiciones colectivas y ferias como eco art International en Río de Janeiro,Brasil.HarecibidovariospremiosyreconocimientoscomolaMenciónHonoríficaenlaXIIBienalRufinoTamayoenMéxico.Suobraseencuentraencoleccionesprivadas,fundaciones y museos mexicanos e internacionales, como la Colección Jumex, la del Mu-seodeArteModernoyladelMuseoRufinoTamayoenMéxico;elMuseoMetropolitanodeNueva York, y la del Museo Würth en Kunzelsau, Alemania.



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emilioChapela(Ciudad de México, 1978)

Su propuesta artística se distingue por un marcado interés en los mecanismos de la comu-nicación y en el impacto de éstos en la sociedad. Cuestiona la relación del hombre con las herramientas tecnológicas como los libros, las bibliotecas, el Internet y sus redes sociales; además, puntualiza algunas de las interacciones complejas inherentes a la sociedad.

Pink Noise(Sonidorosa)eslareconstrucciónenterceradimensióndelasgráficasacústicasextraídas de los equipos de medición sonora. Vistos de frente, los elementos que com-ponen esta pieza parecen sólo rectángulos alineados, lateralmente resaltan las diversas formas cónicas y angulares.

Estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad Iberoamericana y Arte en el Centro de la Imagen en la Ciudad de México. Ha participado en exposiciones individuales y co-lectivas, entre las que destacan las exhibidas en The Museum of Fine Arts en Texas, Bass Museum en Miami, Estados Unidos; Brot Kunsthalle en Viena, Austria; Ilmin Museum en Seúl, Corea del Sur; el Museo marte en San Salvador, El Salvador; la Sala Jesús Gallardo en Guanajuato, y el Ex Teresa Arte Actual en la Ciudad de México. Fue seleccionado para la XBienaldeFotografíaenMéxicoyparalaXIVBienaldePinturaRufinoTamayo.RecibióelPremio al Mejor Artista Emergente Gran Centenario. Ha contado con diversos apoyos del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (fonca). Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas.



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MiguelCordera(Ciudad de México, 1971)

Busca la construcción de espacios imaginarios que logra crear por medio del manejo del colorylacomposición.Constantementeretomadentrodeunamismaobralofigurativoylo formal, y hace referencia a estados alterados en función a la ambientación de lugares en espacios bidimensionales.

La composición de Construcción I remite, de manera frontal, a las estructuras constructivas que, al multiplicarse, dan la sensación del caos urbano y la saturación de elementos que día a día se reproducen de manera incontrolable.

Estudió en la Universidad Iberoamericana y la Escuela Nacional de Artes Plásticas (enap) de la Universidad Nacional Autónoma de México (unam). Cuenta con diversas exposiciones individuales en Francia, Alemania, España, Portugal, Canadá, Egipto y México; y en ciuda-des como Nueva York y Los Ángeles. Ha participado en exposiciones colectivas en galerías y museos como el Palacio de las Artes en El Cairo, Egipto; la IX Bienal femsa, el Centro de las Artes Monterrey, y el Centro Cultural Tijuana (cecut), México. Recibió apoyo del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, y su obra forma parte de diferentes colecciones públi-cas y privadas.



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María Joséde la Macorra(Ciudad de México, 1964)

Aunque se caracteriza por su producción escultórica, trabaja con técnicas como el dibujo, el bordado, la escultura, la instalación y el video. Utiliza una variedad de materiales como tela, chaquira, porcelana, resina, plástico y malla metálica. Recurre al espacio social y a la naturaleza misma, para resaltar hechos, nociones o cuestiones que suelen no ser tan evidentes.

Estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (enap) de la unam y en el Centro de la Imagen en la Ciudad de México. Ha participado en múltiples exposiciones individuales y colectivas en países como Australia, Canadá, China, Estados Unidos, Japón y Nueva Zelandia. En México destacan las presentadas en el Museo Mural Diego Rivera, el Museo de Arte Moderno de Arte del Estado de México, el Museo del Palacio de Bellas Artes y el Antiguo Colegio de San Ildefonso. Su obra es parte de colecciones como la Colección femsa, la del Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México y la de The Daum Museum of Contemporary Art en Misuri, Estados Unidos. Ha sido reconocida con el Diploma de Exce-lencia Académica por la unam; ha participado en la Bienal de Cerámica de Monterrey y en la Bienal de Escultura Maison Hamel-Bruneau en Quebec, Canadá. Ha obtenido la beca de Jóvenes Creadores del fonca y de la Fundación Pollock-Krasner. Participó en el programa deresidenciasartísticasMéxico-CanadáenBanffCentrefortheArts,Canadá.Esmiembrodel Sistema Nacional de Creadores de Arte del fonca.



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Juan Manuel de la Rosa(Zacatecas, 1945)

Su trabajo surge de la contemplación de la tierra, elemento que funciona como pretexto temático. Subraya el manejo de la luz entre lo concreto y lo abstracto en alusión al agua, lanocheyelviento.Intensificalarealidadpormediodelapintura.Predominaeldibujode trazo libre, la sobriedad de la línea, las texturas de valor táctil y el ensamblaje de los colores.

Estudió en el Taller de Artes Plásticas de la Universidad Autónoma de Nuevo León, en la Escuela de Bellas Artes de París; en el Taller de Dimitri Papagueorguiu en Madrid, España; y en otros talleres en Egipto, Estados Unidos, Japón y Fiji. Ha sido maestro invitado y ha participado en bienales, concursos, salones de pintura y exposiciones en México, Argenti-na, Japón, Costa Rica, Venezuela, Colombia, Bélgica, Ecuador, Suiza y Estados Unidos. Ha expuesto en el Instituto de México en Madrid, España; el Museo Sacro de la Arquidiócesis de Caracas, Venezuela; The Mexican Museum en San Francisco y el Museo de Arte Latinoa-mericano (mola) de Long Beach, Estados Unidos; el Instituto Cultural de México en París; y el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México. Su obra es parte de distintas coleccio-nes públicas y privadas. Ha sido galardonado con premios y distinciones.



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José AntonioFArrera(Ciudad de México, 1964)

Artista de carácter realista cuyo tema central es el desnudo por el cual muestra una ten-siónentrelatécnicaylacomposiciónposfotográfica.Resaltaelcuerpopormediodelastexturas, los fondos y la gama tonal.

Estudió Pintura en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (enpeg) del Instituto Nacional de Bellas Artes (inba) y una maestría en la Antigua Academia de San Carlos de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (enap) de la unam. Cuenta con más de treinta exposiciones colectivas e individuales. Son de destacarse las efectuadas en la Feria de Arte Contemporáneo (arcomadrid) en España; el Museo Nacional de Arte, el Museo Universitario del Chopo, el Museo de Arte Popular (map), el Museo de la Ciudad de México y el Museo de Arte Moderno, en la Ciudad de México. Fue miembro del Sistema Na-cional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (fonca). Ha sido galardonadoconnumerosospremiosentreloscualesestánlaMenciónHonoríficadeArtExhibition-Auctin, Izutsuya Department Store en Kokura, Japón; el Premio de Adquisición en el Concurso Nacional de Pintura José Atanacio Moroy de la Universidad de Guadalajara, ylaMenciónHonoríficaenlaSegundaBienalNacionaldePinturayGrabadoAlfredoZalceen Michoacán, México.



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ManuelFelguérez(Zacatecas, 1928)

Ha desarrollado su trabajo tanto en la pintura como en la escultura. Retoma las prácti-cas tradicionales, oscilando entre el constructivismo y el expresionismo, para llegar a la creación de la forma mediante los colores, las texturas, los volúmenes y las dimensiones. Su obra se caracteriza por el trabajo sistemático mediante el cual logra composiciones similares a formaciones orgánicas y minerales. Forma parte de la primera generación de artistas abstractos nacionales y pertenece a la Generación de la Ruptura, que confronta la tradición de la Escuela Mexicana de Pintura.

Estudió en la Antigua Academia de San Carlos de la Escuela Nacional Artes Plásticas (enap) de la Universidad Nacional Autónoma de México (unam), en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (enpeg) del Instituto Nacional de Bellas Artes (inba), en la Academia de la Grande Chaumier y en la Academia Colarossi en París. Ha expuesto en más de veinte países, en recintos como el Museo de Arte Moderno y el Museo Universi-tario del Chopo en México; el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, España; el Museo de San Antonio, Texas, Estados Unidos. La producción pictórica y escultórica de Felguérez es vasta y se encuentra diseminada en museos y colecciones particulares de México y del extranjero. Ha recibido numerosas distinciones, como el Premio Nacional de Artes de Méxi-co y la Beca Guggenheim. Es Miembro de Número de la Academia de Artes de México. Ha publicado libros y ha sido profesor e investigador. Ha realizado más de cincuenta murales y esculturas en espacios públicos. Es considerado uno de los principales exponentes del abstraccionismo mexicano de la segunda mitad del siglo xx.

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Fernando García Correa(Ciudad de México, 1958)

Su obra representa formas orgánicas desde formatos muy pequeños hasta los monumen-tales; ha construido un lenguaje basado en la exploración y el análisis de los terrenos de la pintura posminimalista. Retoma aspectos del arte minimalista contemporáneo en una búsqueda por impulsar la pintura abstracta mexicana.

Estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (enpeg) del Instituto Nacional de Bellas Artes (inba), en la Antigua Academia de San Carlos de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (enap) de la Universidad Nacional Autónoma de México (unam), en la Ciudad de México, y en la Escuela Nacional de Bellas Artes en París, Francia. Cuenta con más de treinta exposiciones individuales y ha participado en más de setenta exposiciones colectivas en The Drawing Center en Nueva York, Estados Unidos; el Museo de Arte Moderno de París, el Salón de Montrouge y el Museo de Barcelonette en Provence, Francia; el Museo Universitario del Chopo y el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México. Su trabajo forma parte de las colecciones del Ministerio de Finanzas en París, el Museo de Arte Carrillo Gil, el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas, el Banco de México y la del Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca. Ganó el Primer Premio de la Trienal de Pintura de Sofía, Bulgaria. Fue becado por la Fundación Pollock-Krasner de Nueva York. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del fonca.



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Agustín González(Ciudad de México, 1978)

Artistamultidisciplinarioquefluctúaentrelapintura,elgrabadoylafotografía.Suobrapictórica revela una búsqueda por replantear situaciones cotidianas que propician la re-flexióndelespacioytiempoenelqueseestáinserto;ciertosrasgosaludenalmuralismomexicano, tanto en el trazo como la cercanía a la cotidianidad mexicana.

Sauce llorón refiere la necesidaddeobservar el entornopara escapar, segúnapunta elartista: “de la constante información de imágenes violentas […] contemplar un árbol en la calle o una serie de árboles en las afueras de la ciudad”.

Estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeral-da” (enpeg) del Instituto Nacional de Bellas Artes (inba) y tomó diversos talleres de pintura, dibujo y grabado en la Antigua Academia de San Carlos de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (enap) y en la Casa del Lago, de la Universidad Nacional Autónoma de México (unam) en la Ciudad de México. Cuenta con más de veinte exposiciones individuales en países como Perú, Chile y Brasil. En México ha exhibido su obra en el Museo Pedro Coronel en Zacatecas y en la Casa del Lago de la unam. Ha participado en más de sesenta exposi-cionescolectivasenEspaña,PuertoRicoyAlemania,entrelascualesfiguranlasexhibidasenTheRoyalAcademy,Londres;elMuseoRufinoTamayo,elMuseoCarrilloGil,elMuseodel Chopo y el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México. Ha participado en la Bienal dePinturaRufinoTamayo.Tambiénhaobtenidopremiosydistinciones,comolabecaparaJóvenes Creadores del fonca. Su obra forma parte de colecciones del Museo de Arte Con-temporáneo en Oaxaca, el Museo Nacional de la Estampa y la Colección Jumex en México.



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Máximo González(Entre Ríos, Argentina, 1971)

Su trabajo está fundado en una constante investigación de temas sociopolíticos. El estado en que los materiales son utilizados, las técnicas que retoma y los temas que subyacen bajo el argumento principal de la obra, revelan una preocupación, crítica u observación personal que está acompañada de una alternativa o propuesta de solución. La mayor parte de los materiales a los que recurre son reciclados y tienden a reivindicar el ocio artesanal.

En De Nicaragua a Bruselas las paredes de un laberinto han sido forradas con billetes y convertidas en la complicada ruta entre un país y otro. Su trabajo con billetes de papel o monedas metálicas pone el acento en las recurrentes crisis monetarias y la desvaloriza-ción acelerada del dinero.

EstudiólamaestríaenArtesVisualesenelInstitutodeArteseIdiomasJosefinaContteenla Ciudad de Corrientes, Argentina. Su obra ha sido expuesta en Canadá, Turquía, Espa-ña, India, República Checa, Uruguay, Ecuador, Polonia, Alemania, Estados Unidos, Francia, Suecia, Argentina, Suiza, El Salvador, Guatemala y Puerto Rico. Destacan las exposiciones en The Museum of Contemporary Art (moca) y el Fowler Museum (ucla) en Los Ángeles, el Museum of Fine Arts en Houston, Estados Unidos; el Museum of Contemporary Canadian Art (mocca) en Toronto, Canadá, y el Instituto Cultural de México en París, Francia. En Mé-xico destacan las del Museo Universitario de Arte Contemporáneo (muac), el Museo de Arte Moderno,elMuseoRufinoTamayoyelMuseode laMemoriayTolerancia.Harecibidodiversos premios como el ArtPrize 2014, Grand Rapids en Estados Unidos. Ha participado en festivales y ferias de arte Contemporáneo como Dumbo Arts Festival en Nueva York, Estados Unidos; la Feria de Arte Contemporáneo (arcomadrid) en España; la Feria Interna-cional de Arte de São Paulo, Brasil y scope en Miami, Londres y Nueva York.



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Ilse Gradwohl(Gleisdorf, Austria, 1943)

Su obra destaca aspectos formales y propios de la pintura contemporánea, se muestran colores, líneas, texturas, matices y transparencias. Se caracteriza por sus pinturas de gran formato,aunquetambiénproduceapartirdelagráficayeldibujo.

En Marea I y Marea IV resalta el trazo como signo predominante en un juego rítmico de líneas.

Estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Pintura, Grabado y Escultura, “La Esme-ralda” (enpeg) del Instituto Nacional de Bellas Artes (inba) y en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (enap) de la Universidad Nacional Autónoma de México (unam), en la Ciudad de México. Cuenta con exposiciones individuales en Diaz Contemporary en Toronto, Canadá; el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México y en el Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán en Mérida. Ha participado en más de setenta exposiciones colectivas en la Künstterhaus Bethanien en Berlín, Alemania, el Museum of Contemporary Art en San Diego, Estados Unidos, el Museo de Arte e Historia en Ciudad Juárez, el Instituto de Artes GráficasdeOaxaca(iago), el Museo de Arte Carrillo Gil y el Museo Universitario del Chopo, en la Ciudad de México. Su obra forma parte de diversas colecciones, de las cuales desta-can la del Museo de Arte Moderno, el Banco de México en la Ciudad de México, el Instituto deArtesGráficasdeOaxaca,elMuseodeArteAbstractoManuelFelguérezenZacatecasyla del Museum Würth en Künzelsau, Alemania. Ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (fonca).

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Roger von Gunten(Zurich, Suiza, 1933)

Sutrabajooscilaentrelapintura,eldibujo,lagráficaylaescultura.Secaracterizaporelusodelcolor,defigurasabstractasyformasqueasemejanlanaturalezayeluniverso.Laimagen remite a la poesía, historias fantásticas o paisajes oníricos. Pertenece a la Genera-ción de la Ruptura, cuyas propuestas fueron determinantes en el proceso de consolidación del arte Contemporáneo en nuestro país. La naturaleza ha sido uno de sus grandes temas. La recopilación idealizada de plantas, paisajes, cielo, agua y fauna en libertado, hacen de su trabajo una suerte de paraíso habitable.

Estudió pintura y diseño en la Escuela de Artes y Ocios de Zúrich, Suiza, y grabado en metal en la Universidad Iberoamericana en México. Ha trabajado y expuesto, de manera individual y colectiva, en Suiza, España, Francia, Reino Unido, Estados Unidos, Canadá, Indonesia y Japón. Destacan las exposiciones en el Mexico-Art Museum en Austin, Texas, y Brooklyn Museum en Nueva York, Estados Unidos; el Instituto Cultural de México en París, Francia; The National Museum of Modern Art en Tokio, Japón; el Museo La Tertulia en Cali, Colombia; el Centro de Arte en La Habana, Cuba, y el Museo Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires, Argentina. En México se ha presentado en el Museo del Palacio de Bellas Artes,elMuseoNacionaldelaEstampa,elMuseoRufinoTamayoyelMuseodeArteCon-temporáneo en Monterrey. Su obra forma parte de colecciones de carácter institucional, de las cuales destacan la del Museo de Arte Moderno, la del Museo Manuel Felguérez, la Colección Banamex y la Colección Bancomer. Es miembro del Sistema Nacional de Creado-res de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (fonca) y un importante impulsor del desarrollo artístico y cultural de México.

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Desnudo en medio de sus cosas, de la serie Azul nopal, óleo sobre tela, 70 x 90 cm

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6.



Cisco Jiménez(Cuernavaca, 1969)

En su trabajo hay una búsqueda por rescatar localismos por medio de los símbolos inhe-rentes a la cultura, aquellos que se han desvanecido y de los cuales se puede aprender. Con una visión irónica y un sentido lúdico, busca reavivar ciertos rasgos “perdidos” de las sociedades actuales que recuerdan a su lugar de origen.

El juego del título esta obra corresponde a las palabras que se encuentran en cada una de las secciones de la pieza.

Estudió Bellas Artes en el Instituto Regional de Bellas Artes en Cuernavaca, Diseño Indus-trial en la Universidad Autónoma Metropolitana en la Ciudad de México y en Art Students League en Nueva York. Cuenta con más de cuarenta exposiciones individuales, destacan la del Museo de la Pintura de Oaxaca, la del Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca y la del Museo Nacional de la Estampa en la Ciudad de México. Ha participado en más de cin-cuentaexposicionescolectivasdelascualesdestacanlasdeTheGeffenContemporaryenLos Ángeles, el Museo de Arte Contemporáneo de Chile en Santiago y la Maison du Mexi-que en París. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (fonca).



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Perla Krauze(Ciudad de México, 1963)

Artista multidisciplinaria que explora diversos temas tales como la naturaleza, lo efímero y la memoria por medio del uso de diferentes materiales y lenguajes que aluden a lo tempo-ral y lo permanente. Experimenta con dualidades antitéticas como lo racional e intuitivo, olonaturalyloartificial.

Murorefieredirectamentealadivisióndeunespacio.Alsituarlaencualquierlugar,dejaráun delante y un detrás, pero al ser hecha con resinas azules se relaciona directamente con el agua/cielo. Investida constantemente en los espacios cotidianos (el suelo, las escaleras, las piedras, las varas), Muro pertenece a una larga serie de miradas que van recogiendo los objetos olvidados del día a día.

Estudió en la Antigua Academia de San Carlos de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (enap) de la Universidad Nacional Autónoma de México (unam) en la Ciudad de México; en el Goldsmith’s College y en el Chelsea College of Art en Londres, Reino Unido. Cuenta con más de cuarenta exposiciones individuales en lugares como el Museo de Antropología en Madrid, España; el Instituto Cultural de México en París, Francia; el Museo de Arte Carrillo Gil, el Museo de Arte Moderno, el Museo Nacional de la Estampa en la Ciudad de México y el Museo de Arte Contemporáneo en Oaxaca. Ha participado en más de sesenta exposicio-nes colectivas en espacios como la Trienal de Arte Echigo Tsumari en Japón; el Museo de Arte Popular (map),elMuseoRufinoTamayo,elMuseoPalaciodeBellasArtesenlaCiudaddeMéxico;enBanffCentrefordeArtsenBanff,Canadá,yenpaísescomoHungría,Holan-da, Estados Unidos y España.



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2.



María José Lavín(Ciudad de México, 1957)

Artista plástica que explora lo femenino en un trabajo multifacético logrado por medio del uso de diferentes materiales como vendas de yeso, cerámica, carnaza e incluso piel de ca-bra. Su obra asemeja la textura y formas de la piel. La idea de una suerte de chaleco, o peto protector, es recurrente en las diferentes etapas su producción. El cuerpo, como columna vertebral de su trayectoria, es el personaje central de sus preocupaciones.

Estudió en la Escuela de Arte de Perugia, Italia y en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (enap) de la Universidad Nacional Autónoma de México (unam). Cuenta con diversas expo-siciones individuales y colectivas en el Museo de la Ciudad de México, el Museo José Luis Cuevas, el Museo Universitario del Chopo y el Centro Cultural Casa Reloj en Madrid, Espa-ña. Ha sido galardonada con el Premio de Grabado de la enap. Fue becada por la Fundación José Félix Llópis y la Fundación Carolina en Madrid, España. Ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (fonca).



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José León Cerrillo(San Luis Potosí, 1976)

Su propuesta parte del uso de formas geométricas simples. Trabaja desde lo bidimensio-nalylotridimensionalparaconstruirinstalacionesquecuestionanycodificanlosvaloresestablecidos del espacio arquitectónico y visual, así como sus diferentes implicaciones.

Estudió Bellas Artes en la New York School of Visual Arts y una maestría en Columbia University en Nueva York. Cuenta con diversas exposiciones individuales y ha participado en más de treinta exposiciones colectivas entre las que merecen resaltarse las del New Museum y el Hessel Museum of Art en Nueva York, Estados Unidos; el Museo de Arte ContemporáneodeOaxacayladelMuseoRufinoTamayoenlaCiudaddeMéxico.Suobraforma parte de la Colección Jumex y la Colección Moderna Museet en Estocolmo, Suecia.

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plazo o marcador evasivo, serigrafía sobre vidrio, 90 x 60 x 0.6 cm

, 2012.



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Mauricio Limón(Ciudad de México, 1979)

Su trabajo tiene rasgos de crítica social y política que logra por medio de referencias cotidianas en un sentido irónico, satírico y humorístico. Busca resaltar la ambigüedad del estilo de vida de las sociedades contemporáneas.

Miss Sinaloa recoge la imagen de María Susana Flores, Mujer Sinaloa 2012, quien murió esemismoañoenunabalaceraentremilitaresynarcotraficantes.Segúnlosmedios,eranovia del Cholo Iván, buscado por sus actividades ilícitas en el norte de la República mexicana.

Estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (enap) de la Universidad nacional Autónoma de México (unam). Ha expuesto en el Museo de Arte Carrillo Gil en la Ciudad de México y de manera colectiva en el Museo Universitario del Chopo, el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (marco), en Monterrey; el Museum of Fine Arts (mfa) en Boston, Massachusetts Museum of Contemporary Art-MASS (MoCA) Massachusetts, Estados Unidos; y el Central House of Artists (cha) en Moscú, Rusia. Ha participado en la BienalRufinoTamayo.



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Jesús Lugo Paredes(Ciudad de México, 1963)

Se caracteriza por reinterpretar, en su espacio pictórico, mitos, narrativas y alegorías que hanconformadolahistoriadelahumanidadpormediodelarte,lascienciasylafilosofía.La paleta cromática y la densidad de sus personajes le permiten crear ambientes en donde se construyen las interpretaciones.

Estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (enpeg) del Instituto Nacional de Bellas Artes (inba) en la Ciudad de México. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales, cabe mencionar los siguientes recintos: el Instituto Cultural de México en París, la Feria de Arte Contemporáneo (arcomadrid) en España,elMuseodeArteModerno,elMuseoRufinoTamayoyelMuseoJoséLuisCuevasen la Ciudad de México. Ha sido galardonado con numerosos premios y distinciones por laAlianzaFrancesadeMéxicoyenlaXIBienaldePinturaRufinoTamayo.EsmiembrodelSistema Nacional de Creadores de Arte del fonca.



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, 56

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cm

, 201

3.



Ernesto Mallard(Veracruz, 1932)

Fue pionero en el desarrollo del Op art en México y de la investigación plástica relacio-nada con el cinetismo, movimiento artístico que se gestó en la década de 1950 basado en la búsqueda de una representación real del movimiento. Su trabajo está enfocado a la concientización artístico-cultural y promueve valores como la paz; muestra un vaivén entrelofigurativoyloformal,seconcibecomoantecedentefundamentalparaprácticascontemporáneasquehanredefinidolaconcepcióndelespacio.

Estudió Arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México (unam) y Artes Plásti-cas en la Escuela Nacional de Pintura, Grabado y Escultura “La Esmeralda” (enpeg) del Ins-tituto Nacional de Bellas Artes (inba) en la Ciudad de México. Cuenta con más de ochenta exposiciones individuales en México y en el extranjero y participado en noventa exposicio-nes colectivas en Argentina, Brasil, Canadá, Chile, Ecuador, Perú y Venezuela. En México destacan las realizadas en el Museo de Arte Moderno, el Museo Mural Diego Rivera y el Palacio de Minería de la unam. Ha hecho esculturas, murales e instalaciones en espacios públicos como el Metro de la Ciudad de México. Es miembro fundador del Simposio Inter-nacional de Escultura en Acero Inoxidable.



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