54 muestra internacional de cine -...

Universidad Iberoamericana Torreón

54 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

Tel. 705-10-15 y 73 [email protected]

Macario

(Roberto Gavaldón, México, 1959).

La caza

(Thomas Vinterberg, Dinamarca, 2012).

Marley

(Kevin McDonald, Estados Unidos, 2012).

Cosmópolis

(David Cronenberg, Francia, 2012).

La demora

(Rodrigo Pla, Uruguay, 2012)

La sirga

(William Vega, Colombia, 2012).

Holy motors: Vidas extrañas

(Leos Carax, Francia, 2012).

En la niebla

(Sergei Loznitsa, Alemania, 2012).

Amor

(Michael Haneke, Austria, 2012).

Los mejores temas

(Nicolás Pereda, México, 2012).




Una luz en la oscuridad

(Agnieszka Holland, Polonia, 2011).

Gebo y la sombra

(Manoel de Oliveira, Portugal, 2011).

El romance y la culpa

(Shion Sono, Japón, 2011).

César debe morir

(Paolo y Vittorio Taviani, Italia, 2011).




MACARIO

Dirección: Roberto Gavaldón. Países: México. Año: 1959. Guión: Emilio Carballido y Roberto Gavaldón, basados en un relato de B. Traven y un cuento de los hermanos Grimm. Fotografía en blanco y negro: Gabriel Figueroa. Música: Raúl Lavista. Edición: Gloria Schoemann Con: Ignacio López Tarso (Macario), Pina Pellicer (mujer de Macario), Enrique Lucero (la Muerte), Mario Alberto Rodríguez (don Ramiro), Eduardo Fajardo (virrey), José Gálvez (el Diablo), José Luis Jiménez (Dios). Compañías productoras: CLASA Films. PRODUCCIÓN: Armando Orive Alba y José Luis Celis. Duración: 90 min. Distribuidora: Cineteca Nacional / Fundación Televisa. Sinopsis En tiempos del Virreinato un humilde leñador que compartió por caridad un trozo de

guajolote asado con la Muerte se vuelve depositario de un elíxir capaz de devolver la

salud incluso a los moribundos, un don que volverá su vida una pesadilla. Clásico

indiscutible del cine mexicano donde la sobriedad narrativa y el universo trágico de

Roberto Gavaldón son cobijados por la extraordinaria labor fotográfica de Gabriel

Figueroa, capaz de transmitir la atmósfera fantástica del filme, con el cual México

contendió por primera vez en los Óscares en 1961.




Premios

1960 Premio a la mejor producción cinematográfica. Festival Internacional de Cine de Boston. Estados Unidos.

Mención especial a la fotografía. Festival de Cine de Cannes. Francia.

Diploma al mérito.

Festival Internacional de Cine de Edimburgo. Escocia, Reino Unido.

Premio como película de mérito relevante.

Festival Internacional de Cine de Nueva Delhi. India.

Premio Golden Gate a la mejor interpretación masculina (I. López Tarso).

Festival Internacional de Cine de San Francisco. Estados Unidos.

Certificado al mérito.

Festival Internacional de Cine de Vancouver. Canadá.

Copa de Plata. Reseña Latinoamericana de Cine de Santa Margherita Ligure. Italia.

Premio del Instituto de Cultura Hispanoamericana y premio Ciudad de Valladolid.

Semana Internacional de Cine Religioso y de Valores Humanos de Valladolid. España.

1961 Premio de la Asociación Nacional de Productores Italianos.

Festival de Cine Latinoamericano Cine Fórum. Génova, Italia.

Nominación al Óscar a la mejor película extranjera. Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Hollywood, Estados Unidos.

1963 Medalla a la mejor cinta de habla hispana de 1962. Asociación de Críticos Españoles. Madrid, España.

Roberto Gavaldón Ciudad Jiménez, México, 1909 – Ciudad de México, 1986 Su familia permaneció errante durante los años de la Revolución, transitando entre la capital y el norte del país. En 1926 se traslada a los Estados Unidos con la intención de ser Mecánico Dental; sin embargo, en la ciudad de Los Ángeles descubrió el cine y sus oficios. Con experiencia en Hollywood como asistente de dirección, Gavaldón se incorporó a la naciente industria fílmica mexicana al inicio de los años treinta. Reconocido como un riguroso profesional, debutó en 1944 con una adaptación de La barraca, inspirada en la novela homónima de Vicente Blasco Ibáñez. Ése fue el inicio de una de las filmografías más sólidas del cine mexicano clásico, en el cual se encuentran soberbias adaptaciones literarias, una depurada técnica cinematográfica de extrema sobriedad y un universo trágico en el cual sus personajes son víctimas de sus propias pasiones.




Filmografía selecta

1944 La barraca

1946 La otra

1947 La diosa arrodillada

1950 En la palma de tu mano

Rosauro Castro

1951 La noche avanza

1952 El rebozo de Soledad

1959 Macario

1961 Rosa Blanca

1962 Días de otoño

1964 El gallo de oro




LA CAZA Jagten

Dirección: Thomas Vinterberg Países: Dinamarca-Suecia Año: 2012 Guión: Tobias Lindholm y Thomas Vinterberg. Fotografía en color: Charlotte Bruus Christensen. Música: Nikolaj Egelund. Edición: Anne Østerud y Janus Billeskov Jansen Con: Mads Mikkelsen (Lucas), Thomas Bo Larsen (Theo), Annika Wedderkopp (Klara), Lasse Folgelstrøm (Marcus), Susse Wold (Grethe). Compañías productoras: Zentropa, Film i Väst. Productores: Morten Kaufmann y Sisse Graum Jørgensen. Duración: 111 min. Distribuidora: Canana. Sinopsis Tras un divorcio complicado, Lucas reinicia su vida con una nueva novia y un nuevo

trabajo en un kínder, al tiempo que intenta reconstruir la relación con Marcus, su hijo

adolescente. Pero algo sale mal: de repente se ve envuelto en un escándalo de abuso

infantil. Así, en medio de la nieve y las luces navideñas la mentira se extiende y la

comunidad se sume en una histeria colectiva, producto de la sorpresa y la

desconfianza, mientras Lucas se ve obligado a luchar por su dignidad y su vida.

Una tarde de invierno de 1999, alguien tocó a mi puerta. Era un conocido psicólogo infantil y estaba parado en medio de la nieve con algunos documentos mientras peroraba sobre los niños y su imaginación. Hablaba de falsos recuerdos inducidos y de algo todavía más molesto: de que el pensamiento es un virus. No lo dejé entrar, no leí sus papeles y me fui a dormir. Diez años después necesitaba un psicólogo y le hablé. Por no ser grosero leí los papeles que me había dejado y entré en shock, literalmente: me encontré con una versión moderna de una caza de brujas.

Thomas Vinterberg




Premios

2012 Premio a mejor actor (M. Mikkelsen), Premio del Jurado Ecuménico y

premio Vulcain al mejor artista-técnico (Ch. Bruus Christensen).

Festival de Cine de Cannes. Francia

Thomas Vinterberg Copenhague, Dinamarca, 1969 Graduado de la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca, se convirtió en un fenómeno internacional con Festen, la primera película del movimiento Dogma 95, que paradójicamente prohibía la firma de autor en las cintas adheridas a su decálogo. Después de este primer éxito, sin nunca dejar de hacer cine, pasó inadvertido por un largo periodo hasta la aparición de su melodrama Submarino. Además de cine, ha dirigido videoclips, entre ellos “No Distance Left to Run” (1999) para Blur y “The Day that Never Comes” (2008) para Metallica. Filmografía selecta 1990 Sneblind (Last Round), cortometraje 1993 Drengen der gikbaglæns (The Boy Who Walked Backwards), cortometraje 1996 De størstehelte (The Biggest Heroes) 1998 Festen (Festen: La celebración) 2003 It’s All About Love (Todo es cuestión de amar) 2005 Dear Wendy (Calles peligrosas) 2007 En mand kommer hjem (A Man Comes Home) 2010 Submarino 2012 Jagten (La caza)




MARLEY

Dirección: Kevin Macdonald. Países: Estados Unidos-Reino Unido Año: 2012. Fotografía en color: Mike Eley, Alwin H. Küchler y Wally Pfister. Guión: Música: Bob Marley & The Wailers. Edición: Dan Glendenning. Testimonios: Ziggy Marley, Jimmy Cliff, Cedella Marley, Rita Marley, Lee Perry, Cindy Breakspeare, Lee Jaffe, The Wailers. Compañías productoras: Magnolia Pictures, Shangri-La Entertainment, Tuff Gong Productions. Producción: Steve Bing y Charles Steel. Duración: 144 min. Distribuidora: Interior 13. Sinopsis El legado que Bob Marley dejó a la historia de la música es único e inigualable. Además

de poner a Jamaica en el mapa y al reggae en los oídos de todo el mundo, fue un líder

social que difundió la cultura rastafari y se convirtió en un profeta político al conciliar

posturas opuestas. A través de viejo material de archivo, presentaciones en vivo nunca

antes vistas, música inédita y entrevistas reveladoras con familiares, amigos y gente

cercana a él, Marley es la historia definitiva del músico, revolucionario y hombre, desde

sus comienzos hasta su ascenso al reconocimiento internacional.

La pregunta que quería responder al realizar la película era por qué [Marley] sigue hablándole a la gente alrededor del mundo –porque es seguro que lo sigue haciendo‒ y por qué lo hace más profundamente que otras estrellas del rock o músicos famosos. Lo que me fascinaba al tratar de realizar esta película era hacer algo muy personal. ¿Quién es este hombre? ¿Por qué fue tan exitoso? ¿Cuál es el mensaje que tenía que dar a conocer a la gente?

Kevin Macdonald




Kevin Macdonald

Glasgow, Escocia, Reino Unido, 1967

Kevin Macdonald es nieto del director húngaro-británico Emeric Pressburger y la actriz inglesa Wendy Orme. Inició su carrera dirigiendo una adaptación de la biografía de su abuelo, The Life and Death of a Screenwriter, que se convertiría en el documental The Making of an Englishman (1995). Después de dirigir una serie de documentales biográficos, en 1999 realizó Un día en septiembre, filme que aborda el asesinato de atletas israelíes a manos de un grupo de terroristas palestinos, en los Juegos Olímpicos de Múnich de 1972; la película le valió un premio Óscar en la categoría de mejor documental. En 2006 dirigió su primer largometraje de ficción, El último rey de Escocia (The Last King of Scotland), protagonizado por Forest Whitaker. También es teórico del documental y entre sus publicaciones destaca Imagining Reality: The Faber Book of the Documentary (1996), que coeditó con Mark Cousins.


1999 One Day in September (Un día en septiembre), documental

2000 A Brief History of Errol Morris, documental

2001 Being Mick, documental

2003 Touching the Void, documental

2006 The Last King of Scotland (El último rey de Escocia)

2007 My Enemy's Enemy, documental

2009 State of Play (Los secretos del poder)

2011 Life in a Day (La vida en un día), documental

2011 The Eagle (El Águila de la legión perdida)

2012 Marley, documental




COSMÓPOLIS

Dirección y Guión: David Cronenberg, basado en la novela homónima de Don DeLillo. Países: Francia, Canadá, Portugal y Italia. Año: 2012 Fotografía en color: Peter Suschitzky. Música: Howard Shore. Edición: Ronald Sanders. Con: Robert Pattinson (Eric Packer), Juliette Binoche (Didi Fancher), Sarah Gadon (Elise Shifrin), Mathieu Amalric (André Petrescu), Samantha Morton (Vija Kinski), Paul Giamatti (Benno Levin). Compañías productoras: Alfama Films Production, Prospero Pictures, Kinologic Films, France 2 Cinéma, Téléfilm Canada y Talandracas. Producción: Paulo Branco y Martin Katz. Duración: 108 min. Distribuidora: Zima Entertainment.

Sinopsis Nueva York está convulsionada: la era del capitalismo está vislumbrando su pronto

final. Eric Packer, el “niño maravilla” de las altas finanzas se refugia en su limusina

blanca, mientras que una visita del presidente de los Estados Unidos paraliza

Manhattan. Eric tiene una obsesión: cortarse el cabello con su peluquero justo en el otro

extremo de la ciudad. Conforme transcurre el día el caos se apodera de todo, mientras

él observa impotente cómo su imperio se colapsa. Además, está seguro de que alguien

lo asesinará. Ahora está a punto de vivir 24 horas que serán decisivas en su vida.

[Don] DeLillo ya es famoso por sus sorprendentes diálogos, pero en Cosmópolis son especialmente brillantes. Algunos diálogos son recitados para ser “pinterescos”, a la Harold Pinter, pero creo que también deberíamos hablar de los diálogos “delillescos”. En Pinter, como dramaturgo, su virtuosismo como dialoguista es más obvio, pero en la novela que nos concierne, el trabajo de Don muestra claramente una fuerza expresiva excepcional.

David Cronenberg




David Cronenberg

Toronto, Canadá, 1943

David Cronenberg estudió Letras Inglesas en la Universidad de Toronto, donde quedó fascinado por Winter Kept Us Warm (1966), dirigido por su compañero de clases David Secter, y que fue el primer filme canadiense en exhibirse en el Festival de Cannes. Motivado por ese logro e inspirado por la escena underground neoyorquina funda la Toronto Film Co-op., al lado de su amigo –y futuro cineasta– Ivan Reitman, produciendo Stereo (1969) y Crímenes del futuro (1970), obras experimentales con las que llamó la atención del gobierno canadiense, que comenzó a financiarlo a partir de su siguiente largometraje, Shivers (1975). Conocido por la teoría de la nueva carne –donde la figura humana, susceptible a la mutación, deriva en un terror absoluto–, crea un discurso autoral que gira alrededor del dominio del cuerpo; evolucionado sus contenidos a partir de Spider al terreno de la mente como único refugio del ser humano. Entre otros reconocimientos ha obtenido el premio del jurado en Cannes, el Oso de Plata de Berlín, la Legión de Honor de Francia y la medalla del Jubileo de la Reina Isabel II del Reino Unido.


1977 Rabid (Rabia)

1979 The Brood (Engendros del mal)

1983 Videodrome (Cuerpos invadidos)

1986 The Fly (La mosca)

1991 Naked Lunch (El almuerzo desnudo)

1996 Crash (Crash, extraños placeres)

2002 Spider

2005 A History of Violence (Una historia violenta)

2007 Eastern Promises (Promesas peligrosas)

2011 A Dangerous Method (Un método peligroso)

2012 Cosmopolis (Cosmópolis)




LA DEMORA

Dirección: Rodrigo Plá. Países: Uruguay, México y Francia Año: 2012. Guión: Laura Santullo. Fotografía en color: María Secco. Música: Leonardo Heiblum y Jacobo Lieberman. Edición: Miguel Schverdfinger. Con: Roxana Blanco (María), Carlos Vallarino (Agustín), Óscar Pernas (Néstor). Memento Films Production, Malbicho Cine, Lulu Producciones. Compañías productoras: Christian Valdelièvre, Sandino Saravia Vinay y Rodrigo Plá. Duración: 84 min. Distribuidora: Cinemas Nueva Era. Sinopsis Montevideo. Conforme el anciano Agustín es cada día más senil, su dependencia hacia

María, la madura hija divorciada y con dos hijos que se ocupa de él, es más

pronunciada. Pronto la presión económica y social que genera la presencia del padre

conduce a la desesperada hija al borde de una decisión difícil de tomar. La demora es el

primer largometraje que el director mexicano hijo de migrantes Rodrigo Plá realiza por

completo en su país natal.

Tanto Laura [Santullo] como yo éramos consientes de que hablar de un tema como el que se trata en La demora no era algo en lo que un público amplísimo se pudiera interesar, sin embargo, representa bien lo que pensamos. En general intentamos hacer películas que reflejen lo que nos preocupa o interesa en cada momento, y ahora, con la llegada de los 40 años empieza a preocuparnos la vejez y la de nuestros propios padres. ¿Cómo confrontarla? Hay algo de eso en esta película, a través de los dos personajes principales.

Rodrigo Plá




Premios

2012. Premio Forum del Jurado Ecuménico. Festival Internacional de Cine

de Berlín. Alemania. Premio al mejor guion. Festival de Cine de Lima. Perú.

Hélice de Motovun. Festival de Cine de Motovun. Croacia.

Rodrigo Plá

Montevideo, Uruguay, 1968

Graduado del Centro de Capacitación Cinematográfica de México, ha escrito y dirigido varios cortometrajes de ficción, entre los que destacan Novia mía, galardonado en los festivales de Biarritz y Guadalajara, El ojo en la nuca, ganador del Óscar Estudiantil al mejor cortometraje extranjero y 30/30, uno de los trabajos que integraron Revolución, un proyecto colectivo en el que participaron varios directores reconocidos. Con La Zona, su opera prima, ganó el León del Futuro en el Festival de Venecia en 2007 y el premio FIPRESCI en el Festival de Toronto. En 2009 su filme Desierto adentro fue la película más premiada en la 51ª entrega del Ariel. Todos sus largometrajes han sido colaboraciones con Laura Santullo, su pareja. Filmografía 1995 Novia mía, cortometraje 2000 El ojo en la nuca, cortometraje 2007 La zona 2006-08 Desierto adentro 2010 30/30, episodio de la película colectiva Revolución 2012La demora




LA SIRGA

Dirección y Guión: William Vega. Países: Colombia, Francia y México. Año: 2012. Fotografía en color: Sofía Oggioni Hatty. Edición: Miguel Schvenfinger. Con: Joghis Arias (Alicia), Julio César Roble (Óscar), David Guacas (Mirichis), Floralba Achicanoy (Flora), Heraldo Romero (Freddy). Compañías productoras: Contravía Films, Film Tank, Ciné-Sud Promotion. Producción: Óscar Ruiz Navia y Édgar San Juan. Duración: 89min. Distribuidora: Cineplex. Sinopsis El recuerdo de una guerra que la dejó sin nada y la exilió de su comunidad de origen,

atormenta a Alicia, de poco más de quince años, quien intenta rehacer su vida en La

Sirga, un hostal decadente a orillas de La Cocha, una gran laguna en lo alto de los

Andes. El dueño del lugar es el único familiar que conserva con vida: Óscar, un viejo

huraño y solitario. Ahí, en una playa fangosa e inestable que alguna vez fue paradero

turístico, Alicia buscará echar raíces hasta que sus miedos y la amenaza de la guerra

aparezcan una vez más.

El cine es una herramienta de conocimiento, como la filosofía: no afirma, sino que cuestiona. En el contexto del cine colombiano espero estar aportando algo a la formación de públicos que exijan la presencia de cinematografías alternativas. Una de las pretensiones de La Sirga era darle protagonismo a lo sonoro dentro de lo narrativo, trabajando con pocos elementos e involucrándonos en la evolución del relato. La imagen, por su parte, se enfoca principalmente en el entorno que define al personaje. Me gusta pensar en la idea tarkovskiana de que cada cuadro tiene una realidad irrepetible, un tiempo que constituye su sentido profundo y propio.

William Vega




William Vega Antes de especializarse en guionismo por la Escuela de Artes y Espectáculo TAI, en Madrid, estudió Periodismo y Comunicación Social en la Universidad del Valle, en Cali, Colombia. Desde 2001 ha trabajado como director y guionista en proyectos para cine y televisión, entre los que destaca el largometraje El vuelco del cangrejo, del que fue asistente de dirección. Ha realizado cortometrajes como Amnesia y Sunrise, este último participante en los Encuentros de los Cines de América Latina de Toulouse, Francia. Actualmente, integra el cuerpo docente de la Escuela de Cine Digital y Artes Audiovisuales de Cali, donde dicta la cátedra de guion.

Filmografía:

2001 Amnesia, cortometraje

2003 Sunrise, cortometraje

2011 Simiente, cortometraje

2012 La Sirga

Premios

2012. Premio especial del jurado y premio a mejor fotografía. Festival de Cine de

Lima. Perú.

Premio Cine en Construcción 21. Encuentros de los Cines de América Latina de

Toulouse. Francia.




HOLY MOTORS: VIDAS EXTRAÑAS Holy Motors

Dirección y Guión: Leos Carax. Países: Francia y Alemania Año: 2012 Fotografía en color: Caroline Champetier e Yves Cape. Música: Neil Hannon. Edición: Nelly Quettier. Con: Denis Lavant (señor Oscar), Edith Scob (Céline), Eva Mendes (Kay M.), Kylie Minogue (Eva / Jean), Élise Lhomeau (Léa / Élise), Jeanne Disson (Angèle), Cordelia Piccoli (hombre con la marca de nacimiento). Compañías productoras: Pierre Grise Production, Théo Films, Arte France Cinéma, Pandora Filmproduktion, WDR/Arte. Productores: Martine Marignac, Albert Prévost y Maurice Tinchant. Duración: 115 min. Distribuidora: Cineteca Nacional. Sinopsis Desde el amanecer hasta la noche, el señor Oscar viaja de vida en vida, interpretando a

varios personajes con identidades completamente distintas: es un ejecutivo, un asesino,

un mendigo, un monstruo, un padre de familia... Está solo, únicamente acompañado por

Céline, la mujer que conduce el inmenso vehículo que lo trasporta por París y sus

alrededores, en busca de la belleza de un gesto, la misteriosa fuerza motora, las

mujeres y fantasmas de su pasado. Pero, ¿dónde está su verdadera casa, su familia, su

paz?

Para Holy Motors, una de las imágenes que tenía en mente eran estas limosinas que han aparecido en los últimos años. Están completamente en sintonía con nuestros tiempos: ambos son llamativos y de mal gusto. Las imaginé como largos navíos transportando humanos en sus últimos viajes. La película es una forma de ciencia ficción en el que las personas, animales y máquinas están al borde de la extinción –motores sagrados unidos por un mismo destino, esclavos de un mundo cada vez más virtual. Un mundo en el que las máquinas visibles, experiencias y acciones reales desaparecen gradualmente.

Leos Carax




Premios 2012 Premio a Mejor Película, mejor director, premio José Luis Guarner del Jurado de la Crítica y Méliès de Plata al mejor filme europeo. Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña – Sitges, España.

Leos Carax París, Francia, 1960 Leos Carax nació en el municipio de Suresnes, Altos del Sena, ubicado en el área metropolitana de París, bajo el nombre de Alexandre Oscar Dupont (su seudónimo es un anagrama de sus dos primeros nombres). Después de terminar sus estudios de cine en la Universidad de París VII y el Colegio Americano de París, realizó dos cortometrajes y colaboró como crítico de cine en Cahiers du cinéma. Cuando tenía 23 años dirigió su primer largometraje, Boy Meets Girl (1984), donde conocería a Denis Levant, actor con el que trabajaría en varios de sus posteriores proyectos. Dos años después dirige Mauvais sang (1986), protagonizada por Juliette Binoche, y en 1988 comienza el rodaje ‒que duraría tres años‒ de la película de culto, Los amantes del Puente Nuveo (1988-91), una historia de amor entre dos marginales vagabundos. A su carrera se suman algunas participaciones actorales en filmes de Harmony Korine y Jean-Luc Godard, entre otros. Filmografía 1980 Strangulation Blues, cortometraje 1984 Boy Meets Girl 1986 Mauvais sang 1988-91 Les Amants du Pont-Neuf (Los amantes del Puente Nuevo) 1997 Sans titre, cortometraje 1999 Pola X 2008 Merde, episodio de la película colectiva Tokyo! 2012 Holy Motors (Holy Motors: Vidas extrañas)




EN LA NIEBLA V tumane

Dirección: Serguéi Loznitsa Países: Alemania, Rusia, Letonia, Bielorrusia y Países Bajos Año: 2012 Guión: Serguéi Loznitsa, basado en la novela homónima de Vasil Bykaŭ. Fotografía en color: Oleg Mutu. E: Danielius Kokanauskis. Con: Vladímir Svirski (Sushenia), Vladislav Abashin (Búrov), Serguéi Kólesov (Vóitik), Vlad Ivanov (Grossmeier). Compañías productoras: ma.ja.de. fiction, GP Film, Rija Filml, Belarusfilm, Lemming Film. Productores: Heino Deckert. Duración: 127 min. Distribuidora: Cineteca Nacional Sinopsis La ocupación nazi de Bielorrusia, en la antigua Unión Soviética, tuvo una fuerte

resistencia de parte de los locales. Tras el descarrilamiento intencional de un tren,

Sushenia, un aldeano inocente, es arrestado junto con un grupo de saboteadores. El

militar alemán a cargo del asunto lo deja libre, pero ahorca a todos los demás presos.

Entonces corren rumores de que Sushenia es un traidor y los partisanos Búrov y Vóitik

vienen del bosque por él. Mientras se lo llevan son emboscados y Sushenia se

encuentra cara a cara con un enemigo herido. Entonces decide ayudarlo pase lo que

pase.

En el nivel narrativo la película describe eventos que tuvieron lugar en otoño e invierno de 1942. En el nivel metafísico se puede decir que se ocupa de la idea de que el estado de inacción afecta a cualquier sociedad, y a cualquier individuo en ella, y por eso exige sacrificios de todos sus miembros. En la película, el sacrificio es mostrado como una de las posibilidades que tiene un miembro de la sociedad para detener la enfermedad letal de la destrucción mutua. Al comprender su destino, el protagonista encuentra el coraje para aceptarlo y adquiere sabiduría existencial.

Serguéi Loznitsa




Premios

2012 Premio FIPRESCI. Festival de Cine de Cannes.Francia

Mejor película. El Espejo – Festival Internacional de Cine Andréi Tarkovski. Plios

e Ivánovo, Rusia.

Chabacano de Oro a la mejor película. Festival Internacional de Cine de

Yereván. Armenia. |Mejor película. Festival Internacional de Cine de Odesa.

Ucrania.

Serguéi Loznitsa Baranavičy, Bielorrusia, Unión Soviética, 1964 Creció en la República Soviética Socialista de Ucrania donde se formó como matemático en el Instituto Politécnico de Kiev.Se dedicó algún tiempo a la investigación sobre inteligencia artificial y procesos de toma de decisiones en el Instituto de Cibernética. Durante ese periodo se comenzó a interesar en el cine y terminó por aplicar al Instituto de Cinematografía de la Federación, en Moscú, adonde ingresó en 1991, año de la disolución de la Unión Soviética. Allí estudió dirección en el taller de la cineasta georgiana Naná Dzhordzhadze. Comenzó su carrera como documentalista en San Petersburgo de donde migró hacia Alemania en 2001. El reconocimiento internacional le llegó con su primera película no documental, un trabajo de carácter más poético que narrativo, Mi felicidad, inscrito en la competencia oficial de Cannes 2010. Filmografía selecta 2001 Poselenie (Settlement), documental 2003 Peizaj (Landscape), documental 2005 Blokada (Blockade), documental hecho con pietaje de archivo 2008 Prestavlenie (Revue), documental hecho con pietaje de archivo 2010 Schastie moio (Mi felicidad) 2012 V tumane (En la niebla) O Milagre de Santo António, mediometraje documental.




AMOR

Dirección y Guión: Michael Haneke. Países: Francia, Austria y Alemania. Año: 2012. Fotografía en blanco y negro: Darius Khondji. Música: Franz Schubert, Ludwig van Beethoven y Johann Sebastian Bach, interpretados por Alexandre Tharaud. Edición: Monika Willi y Nadine Muse. Con: Jean-Louis Trintignant (Georges), Emmanuelle Riva (Anne), Isabelle Huppert (Eva), Alexandre Tharaud (Alexandre), Geoff William Shimell (Geoff). CP: Les Films du Losange, Wega Film, X-Film Creative Pool. Compañías productoras: Margaret Menegoz, Stefan Arndt, Veit Heiduschka y Michael Katz. Duración: 127 min. Distribuidora: ND Mantarraya.

Sinopsis Ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2012, la cinta nos introduce en

la historia de un amor al final de sus días. Georges y Anne son un matrimonio

octogenario de profesores de música jubilados, interpretado por dos leyendas del cine

francés: Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva. Su única hija, Eva, quien comparte

su vocación musical, vive en el extranjero con su familia. Cuando Anne sufre un ataque

que pone en riesgo su vida, el lazo de amor que une a la pareja deberá enfrentarse a

una difícil prueba.

Amor involucra miles de cosas diferentes, y cuando hago hincapié en una de ellas, reduzco todas las demás. Por supuesto, estas observaciones son parte de mis pensamientos, pero nunca me he propuesto hacer una película sobre un determinado tema. Lo que me llevó a hacer ésta fue la pregunta de cómo hacer frente a la muerte de un ser querido. Eso me interesó porque lo he experimentado en mi propia familia, y me conmovió mucho. Es por eso que empecé a pensar en ello.

Michael Haneke




Premios

2012 Palma de Oro. Festival de Cine de Cannes. Francia.

Premio a mejor película. Festival Internacional de Cine de Durban. Sudáfrica.

Premio FIPRESCI. Festival Internacional de Cine San Sebastián. España. Michael Haneke Múnich, Alemania, 1942 Hijo del director y actor alemán Fritz Haneke y la actriz austriaca Beatrix von Degenschild, creció con la familia de su madre en la ciudad de Wiener Neustast, Austria. Estudió Filosofía, Psicología y Teatro en la Universidad de Viena. Se desempeñó como crítico de cine después de graduarse y entre 1967 y 1970 trabajó como editor y guionista para la cadena de televisión alemana Südwestfunk. En 1974 debutó como director de televisión con la película After Liverpool y en 1989 dirigió su primer largometraje cinematográfico titulado El séptimo continente (Der siebente Kontinent). Desde 2002 ejerce como profesor de Dirección en la Academia de Cine de Viena y desde 2006 se dedica también a la dirección de ópera, Don Giovanni y Così fan tutte de Mozart han sido sus producciones más destacadas. En 2009 ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes por El listón blanco, éxito que repetiría en 2012 con Amor. Filmografía selecta

1995 71 Fragmente einer Chronologie der Zufalls (71 fragmentos de una cronología del azar)

1997 Das Schloß (El castillo)

1997 Funny Games (Juegos divertidos)

2000 Code inconnu: Récit incomplet de divers voyages (Código desconocido)

2001 La Pianiste (La pianista)

2003 Le Temps du loup (El tiempo del lobo)

2005 Caché (Caché: El observador oculto)

2007 Funny Games (Juegos sádicos)

2009 Das weiße Band – Eine deutsche Kindergeschichte (El listón blanco)

2012 Amour (Amor)




LOS MEJORES TEMAS

Dirección, Guión y Edición: Nicolás Pereda. Países: México-Canadá-Países Bajos. Año: 2012. Fotografía en color: Alejandro Coronado y Pedro Gómez Millán. Música: Variaciones Goldberg de Johann Sebastian Bach, ¿Dónde está ese amor? de Carlos Mata. Con: Gabino Rodríguez, Teresa Sánchez, José Rolo Rodríguez, Luis Rodríguez, Francisco Barreiro, Luisa Pardo, Carmen Elena Villacorta. Compañías productoras: Interior 13, IMCINE, CONACULTA, FOPROCINE, Hubert Bals Fund, Canada Council for the Arts, Ontario Arts Council, Programa de Jóvenes Creadores FONCA, Bambú Audiovisual, Burning Blue. Producción: Sandra Gómez y Maximiliano Cruz. Duración: 103 min. Distribuidora: Interior 13 Cine. Sinopsis Mezclando ficción con documental, Los mejores temas cuenta la historia de Emilio, un

hombre en sus cincuenta que regresa a casa luego de quince años de abandono. Su

esposa Tere y su hijo Gabino, de veintiocho años, lo reciben con recelo y confusión.

Luego de un par de días, deciden echar a Emilio de la casa, pero se percatan de que él

ya se ha marchado por cuenta propia. Días después, Gabino busca a su padre y pasa

con él un par de días en su departamento.

Después de hacer algunas películas con los mismos actores interpretando papeles similares, decidí hacer una película sobre el proceso de representación. Esto abrió un mundo de nuevas posibilidades, incluyendo los ensayos, las repeticiones y las interacciones entre personajes de ficción y los actores que interpretan a esos personajes. Seguí esta búsqueda mediante la sustitución de uno de los actores con mi tío, a mitad del rodaje. Mi tío entra en la película como un objeto documental que tiene que relacionarse con los personajes de ficción que actúan como si él fuera uno de ellos.

Nicolás Pereda




Nicolás Pereda

Ciudad de México, 1982.

Pereda ha realizado películas y videos para montajes interdisciplinarios, óperas y piezas de danza que se han presentado en México, Asia y Europa. Su opera prima, ¿Dónde están sus historias?, fue premiada por el jurado francés del Festival de Cine Latinoamericano de Toulouse, iniciando con éste una cosecha de premios que incluyen, entre otros, el Mayahuel a mejor película mexicana en el Festival de Guadalajara y el Kikito de Oro como mejor película latinoamericana en Gramado, Brasil, ambos por Perpetuum mobile, el Horizontes del Festival de Venecia y el de mejor película en Cine del futuro del BAFICI en Buenos Aires, Argentina, por Verano de Goliat. Se han realizado retrospectivas de su obra en el Festival de Jeonju, en Corea del Sur, el Festival Paris Cinéma, en Francia, el Cine las Américas, de Austin, los Anthology Film Archives, en Nueva York, la Univesidad de California en Los Ángeles y el Harvard Film Archive, en Cambridge, los cuatro últimos en los Estados Unidos. Su reciente filme, Los mejores temas, tuvo su estreno mundial en el Festival de Locarno, Suiza.

Filmografía

2007 ¿Dónde están sus historias?

2009 Juntos

Entrevista con la tierra, cortometraje de docuficción

Perpetuum mobile

2010 Todo, en fin, el silencio lo ocupaba, documental

Verano de Goliat

2012 Los mejores temas




UNA LUZ EN LA OSCURIDAD W ciemności

Dirección: Agnieszka Holland. Países: Polonia-Alemania-Canadá Año: 2012. Guión: David F. Shamoon, basado en el libro In the Sewers of Lvov, de Robert Marshall. Fotografía en color: Jolanta Dylewska. Música: Antoni Komasa-Łazarkiewicz. Edición: Michał Czarnecki. Con: Robert Więckiewicz (Leopold Socha), Kinga Preis (Wanda Socha), Benno Fürmann (Mundek Margulies), Agnieszka Grochowska (Klara Keller), Maria Schrader (Paulina Chiger), Herbert Knaup (Ignacy Chiger), Marcin Bosak (Janek Weiss). Compañías productoras: The Film Works, Studio Filmowe Zebra, Schmidtz Katze Filmkollektiv. Productores: Steffen Reuter, Patrick Knippel, Marc-Daniel Dichant, Leander Carell, Juliusz Machulski, Paul Stephens y Eric Jordan. Duración: 145 min. Distribuidora: Zima Entertainment.

Sinopsis Polonia, 1943: Leopold Socha, trabajador en las alcantarillas de la ciudad de Lvov y ladronzuelo, descubre a un grupo de judíos escondiéndose en el drenaje de las atrocidades de la ocupación nazi. Durante meses les brindará refugio a cambio de dinero, sin imaginar la transformación que su conciencia sufrirá tras la experiencia. La cineasta Agnieszka Holland encuentra en esta historia verídica de redención y supervivencia lo necesario para orquestar una demoledora reflexión sobre la complejidad de la condición humana, llevada al límite en un mundo donde cualquiera es víctima y victimario a la vez.

No todo está dicho sobre el Holocausto. ¿Cómo fue posible un crimen de tal magnitud? ¿Dónde quedó lo humano? ¿Dónde estaba Dios? ¿Son acaso estos hechos una excepción en la evolución de la humanidad o revelan quizás nuestra parte más oscura? Las historias que ocurrieron en ese periodo involucran a personajes enfrentados a dilemas morales que los confrontaron tanto a lo luminoso como a lo sombrío. Mi mayor reto fue transmitir cómo se siente vivir entre tinieblas durante más de un año. Es también la conjunción de dos mundos, el de los supervivientes y los tramposos, que deben coordinarse para salir adelante.

Agnieszka Holland




Agnieszka Holland

Varsovia, Polonia, 1948

Egresada de la Facultad de Cine y Televisión de la Academia de Bellas Artes (FAMU) de Praga en 1971, a su regreso a Polonia se convirtió en asistente de cineastas como Krszystof Zanussi y Andrzej Wajda, a quien considera como su mentor. Su primer largometraje, Actores de provincia, obtuvo el Premio de la Crítica Internacional en el Festival de Cine de Cannes en 1980. Un año más tarde, Holland emigró a Francia, realizando un cine cada vez más internacional, en coproducción con Inglaterra, los Estados Unidos y Alemania. Directora interesada en analizar el funcionamiento de la condición humana en medio del torbellino de la historia reciente de Europa, entre los reconocimientos que ha recibido su obra destaca el Premio del Jurado en el Festival de Montreal por Cosecha amarga (1985) y el Globo de Oro a la mejor película extranjera por Europa, Europa (1992).

Premios

2011 Premio del Público. Festival Internacional de Cine de San Luis. Misuri, Estados Unidos. | Rana de Oro a la mejor fotografía — Festival Internacional del Arte de la Cinefotografía CAMERIMAGE. Lodz, Polonia.

2012 León de Oro. Festival de Cine Polaco. Gdynia, Polonia. | Premios Águila a mejor actor (R. Więckiewicz), actriz de reparto (K. Preis) y fotografía. Premios del Cine Polaco. Varsovia, Polonia.

Filmografía selecta 1979 Aktorzy prowincjonalni (Actores de provincia) 1985 Bittere Ernte (Cosecha amarga) 1988 To Kill a Priest (Complot contra la libertad) 1991 Olivier, Olivier 1992 Europa, Europa 1993 The Secret Garden (El jardín secreto) 1995 Total eclipse (Eclipse en el corazón) 1997 Washington Square (La heredera) 2006 Copying Beethoven (Beethoven: Monstruo inmortal) 2011 W ciemności (Una luz en la oscuridad)




GEBO Y LA SOMBRA Gebo et l’ombre

Dirección y Guión: Manoel de Oliveira, inspirado en una pieza teatral de Raul Brandão. Países: Portugal y Francia Año: 2011 Fotografía en color: Renato Berta. Edición: Valérie Loiseleux Con: Michael Lonsdale (Gebo), Claudia Cardinale (Doroteia), Ricardo Trêpa (João), Leonor Silveira (Sofia), Jeanne Moreau (Candidinha), Luís Miguel Cintra (Chamiço), Bastien Guio (vecino). Producción: Luis Urbano y Martine de Clermont-Tonerre. Duración: 95 min. Distribuidora: Cineteca Nacional Sinopsis Inspirado en una pieza teatral del dramaturgo modernista portugués Raul Brandão,

Manoel de Oliveira, el cineasta en activo más longevo del mundo, relata la historia de

un viejo contador parisino de principios del siglo XX, quien ha ocultado a su mujer la

mendicidad en que vive el hijo de ambos. Su regreso al hogar tendrá fatídicas

consecuencias. Filme realizado como una pintura que cobra vida, el cineasta portugués

encuentra en este relato del pasado fuertes ecos en el presente, al abordarse en la

historia temas como la crisis económica en un mundo en el cual las relaciones las rige

el dinero.

Filmé esta película porque conocí a alguien que le gusta mucho mi cine y que se preguntaba por qué no filmaba algo sobre la pobreza. Pensé que no era fácil. Si era un documental sería más fácil porque puedes buscar un caso concreto. Pero después recordé un libro de Raul Brandão sobre un hombre que muere pobre pero dignamente. De manera que es una película que vale para ayer y hoy. El hombre del pasado no es diferente del hombre actual. Hoy los teléfonos móviles pueden hacer todo menos alimentarnos. El hombre debe matar a la bestia o comer hierba. De cualquier manera está condenado a vivir y vivimos felices, felices de vivir y felices del hecho de estar vivos.

Manoel de Oliveira




Manoel de Oliveira Oporto, Portugal, 1908 Con 81 años de carrera y más de 50 filmes realizados, el portugués Manoel de Oliveira es el cineasta en activo más longevo en el mundo. Sus películas destacan por ser casi teatrales, con una puesta en escena estática y marcado apoyo en el diálogo. Con estos recursos el cineasta portugués ha creado una obra personal en la cual reflexiona acerca de la imposibilidad amorosa, el arraigo, la inmortalidad, la relación del hombre con la Historia (con mayúscula), el arte, la religión, así como la relación entre las letras y las imágenes en movimiento, la intolerancia y el valor de la palabra, entre muchas otras obsesiones fílmicas. Testigo del tránsito de más de un siglo, del color al blanco y negro, del cine silente al sonoro, su obra fílmica es testimonio de un mundo siempre igual aunque cambiante, en el cual el pasado siempre tiene ecos en nuestro presente. Filmografía selecta 1931 Douro, faina fluvial, cortometraje documental 1942 Aniki Bóbó 1981 Francisca 1993 Vale Abraão (El valle de Abraham) 1997 Viagem ao Princípio do Mundo (Viaje al principio del mundo) 1999 La Lettre (La carta) 2000 Palavra e Utopia (Palabra y utopía) 2009 Singularidades de uma Rapariga Loura (Excentricidades de una joven rubia) 2010 O Estranho Caso de Angélica (El extraño caso de Angélica) 2011 Gebo et l’ombre (Gebo y la sombra)




EL ROMANCE Y LA CULPA Koi no tsumi

Dirección y Guión: Shion Sono País: Japón Año: 2011 Fotografía en color y blanco y negro: Sōhei Tanikawa. Música: Yasuhiro Morinaga Edición: Junichi Itō. Con: Miki Mizuno (Kazuko Yoshida), Makoto Togashi (Mitsuko Ozawa), Megumi Kagurazaka (Izumi Kikuchi), Kazuya Kojima (Shoji), Satoshi Nikaido (Masao Yoshida), Ryūju Kobayashi (Kaoru), Shingo Gotsuji (Kazuo Kimura). Compañías productoras: Nikkatsu, Django Film. Producción: Nobuhiro Iizuka y Yoshinori Chiba Duración: 144 min. Distribuidora: Interior 13 Cine.

Sinopsis Una detective intenta resolver las causas y encontrar al responsable de un brutal crimen

ocurrido en la zona roja de Tokio. La narrativa se divide en cinco capítulos a través de

los cuales se intenta reconstruir el pasado de la víctima, una profesora de literatura de

día y prostituta de noche, y la de su discípula, la esposa de un novelista famoso que

será capaz de todo para reinventarse. Último filme de la llamada “Trilogía del Odio” de

Sono, El romance y la culpa enfrenta a la sexualidad con la muerte mientras reflexiona

sobre la represión como método de control de la sociedad japonesa actual.

Después de Love Exposure (2008) y Pez mortal (2010), esta película cierra una trilogía sobre el odio. Se trata de una emoción que implica demasiado amor. Lo considero de hecho el origen del amor. El que adora al maligno cree también seriamente en Dios, mucho más que un creyente ordinario. Lo que paradójicamente significa que los satanistas son sumamente creyentes en lo divino y que aquellos que odian están mucho más cerca de lo que creen de amar. Yo me considero alguien que odia. Mi odio interno es muy fuerte y esta película es mi discurso de aceptación hacia el amor, pues estoy cansado de odiar.

Shion Sono




Shion Sono Toyokawa, Japón, 1961. Poeta con obra publicada desde los 17 años, desertó de la Universidad Hosei, en Tokio, para experimentar filmando en 8mm. I Am Sion Sono!!!, ensayo donde fusiona su obra escrita con imágenes en movimiento recibe buena acogida crítica, al igual que su opera prima, Bicycle Sighs, que se exhibe en una treintena de festivales internacionales. Forma el movimiento Tokio GAGAGA, que él mismo define como una “guerrilla urbana” dedicada a llevar poesía y cine a los barrios desprotegidos de Japón. En 2001 presenta el thriller El club del suicidio, que lo coloca en la mira internacional. Sus posteriores filmes están, en mayor o menor medida, vinculados al cine fantástico, pero siempre desde una perspectiva donde la crítica social, y en ocasiones la violencia, generan una lectura ácida y desencantada del entorno sociocultural del propio cineasta. Filmografía selecta 2000 Seigi no Tatsujin Nyotai Tsubo saguri 2001 Jisatsu sākuru (El club del suicidio) 2005 Noriko no shokutaku (Noriko’s Dinner Table) 2005 Kimyō na sākasu (Strange Circus) 2007 Ekusute (Hair Extensions) 2008 Ai no mukidashi (Love Exposure) 2010 Tsumetai nettaigyo (Pez mortal) 2011 Koi no tsumi (El romance y la culpa) Himizu (Topo) 2012 Kibō no kuni (Land of Hope)




CÉSAR DEBE MORIR Cesare deve morire

Dirección y Guión: Paolo y Vittorio Taviani, inspirados en la tragedia Julio César de William Shakespeare. País: Italia Año: 2011 Fotografía en color y blanco y negro: Simone Zampagni. Música: Giuliano Taviani y Carmelo Travia Edición: Roberto Perpignani. Con: Cosimo Rega (Casio), Salvatore Striano (Bruto), Giovanni Arcuri (César), Antonio Frasca (Marco Antonio), Juan Darío Bonetti (Decio), Vincenzo Gallo (Lucio), Rosario Majorana (Metello). Compañías productoras: Kaos Cinematografica, Rai Cinema, Le Talee, Stemal Entertainment, La Ribalta-Centro Studi Enrico Maria Salerno. Producción: Grazia Volpi. Duración: 76 min. Distribuidora: Cinemas Nueva Era.

Sinopsis Durante un periodo de seis meses, los veteranos cineastas Paolo y Vittorio Taviani

registraron los preparativos para una puesta en escena de la tragedia Julio César, de

William Shakespeare, en el interior del penal de máxima seguridad de Rebibbia. Los

intérpretes son los propios internos del lugar. Con este documental, ganador del Oso de

Oro en el Festival de Berlín, los hermanos Taviani reflexionan sobre la capacidad del

arte para conseguir que el hombre profundice sobre su condición existencial. Para todos

los que participaron en este experimento, la vida tras las rejas nunca volvió a ser la

misma.

Leímos a Shakespeare desde nuestra juventud, nos maravillamos con su grandeza y nos hemos valido de las herramientas que nos legó en nuestros filmes. Asistimos a una función teatral de El infierno de Dante Alighieri representada por miembros de la mafia presos en un penal de máxima seguridad. Quedamos conmovidos. Así que decidimos reinventar a Shakespeare y seleccionamos Julio César por ser una pieza sobre el poder, la traición, el asesinato. Los protagonistas incluyeron sus vivencias en la obra, se identificaron con los personajes mientras nosotros documentamos la brutalidad de su experiencia carcelaria.

Vittorio Taviani




Premios 2012 Oso de Oro. Festival Internacional de Cine de Berlín. Alemania. Premios David di Donatello a mejor película, dirección, producción, edición y sonido (Brando Mosca y Benito Alchimede). Academia del Cine Italiano. Roma, Italia. Listón de Plata. Sindicato Nacional de Periodistas Cinematográficos Italianos. Roma, Italia.

Vittorio Taviani San Miniato, Italia, 1929 Paolo Taviani San Miniato, Italia, 1931

Periodistas de formación, los hermanos Taviani entraron en contacto con el cine al asistir al renombrado documentalista holandés Joris Ivens en la realización del documental L’Italia non è un paese povero, en 1960. Después de algunas cintas comerciales, los Taviani comenzaron con Bajo el signo del escorpión (1969) una de las más importantes filmografías del cine italiano contemporáneo. En su cine se advierten fuertes influencias cinematográficas que van del neorrealismo a la poesía de Pasolini, del distanciamiento brechtiano a la vanguardia de Godard. El devenir histórico de Italia durante el siglo XX, el compromiso político, la crítica social y el papel que juega el hombre en el torbellino de la historia son algunas de las obsesiones fílmicas de este par de hermanos ganadores de la Palma de Oro de Cannes en 1977 por Padre Padrone y del Oso de Oro de Berlín en 2012 por César debe morir. Filmografía selecta 1969 Sotto il segno dello scorpione (Bajo el signo del escorpión) 1974 Allonsanfan (El buitre) 1977 Padre Padrone 1979 Il prato (El prado) 1982 La notte di San Lorenzo (La noche de San Lorenzo) 1987 Good Morning, Babylon (Buenos días, Babilonia) 1990 Il sol anche di notte (El sol, incluso de noche) 1993 Fiorile 1996 Le affinità elettive (Las afinidades electivas) 1998 Tu ridi (Tú ríes) 2012 Cesare deve morire (César debe morir)

54 muestra internacional de cine -...

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