EL PARTENÓN, Beatriz García Giménez

El Partenón fue construido por los arquitectos

Ictinos y Calícrates, bajo la supervisión de Fidias. Esta

dedicado a la diosa Atenea Parthenos. Se encuentra

emplazado en el lugar más alto de la Acrópolis, hace

referencia a la parte más alta de una ciudad

Se trata de una obra religiosa, en concreto de

un templo. En los siglos siguientes de su construcción

se convirtió en una iglesia bizantina, una iglesia latina y

una mezquita musulmana. Pero en 1687, los turcos lo

utilizaron como depósito de pólvora. Una de las bombas cayó sobre el Partenón y causó una enorme

explosión que destruyó gran parte del edificio. (Todo esto para explicar el grado de conservación

actual)

En cuanto a elementos arquitectónicos, la planta, es un templo de grandes dimensiones y

octastilo, con diecisiete columnas a lo largo y períptero, con función sustentante. El material utilizado

es el mármol rosado policromado. Los soportes son columnas construidas en mármol blanco. El tipo

de cubierta es plana, con doble vertiente del tejado. En el interior, está dividido en pronaos, naos y

opistodomos. La naos y el opistodomos tienen dos columnas dóricas superpuestas, esto hace que

tenga mayor altura. Pertenecen al estilo dórico el pórtico y la naos y al jónico el opistodomos. La

fachada es de orden dórico. Sobre el estilobato se elevan las columnas. Los capiteles tienen equinos

casi planos y ábacos. En las metopas y en le friso interior, hay decoración de relieve.

Se realizaron varias aportaciones, atendiendo al punto de vista del ojo humano: Una curvatura al

basamento y al entablamento, aunque aparentan rectitud, desigual distancia en el intercolumnio y

mayor anchura a las columnas laterales y lo fustes tienen éntasis.

El frontón se encuentra decorado con esculturas de relieve. La decoración se caracteriza por

ser con relieves. En uno de los frontones la lucha de Atenea y Poseidón, en el otro el nacimiento de

Atenea y en el friso el desfile de las Panateneas.

Sus dimensiones aproximadas son: 69,5 metros de largo, por 30,9 de ancho; las columnas tienen 10,4

metros de altura.

Los templos no eran lugares de reunión de los fieles, aunque la entrada a los templos si que

estaba permitida. Las ceremonias de culto se realizaban en frente del templo, en un altar para los

1

sacrificios y las puertas del templo permanecían abiertas para que la divinidad contemplara los ritos

que se celebraban en su honor.

Las características generales de la arquitectura griega son: el material más utilizado es la

piedra, y a ser posible el mármol, presenta tres órdenes arquitectónicos: dórico, jónico y corintio; es

muy importante la armonía,la euritmia, la belleza, la proporción, la simetría, la perfección, la medida

humana; las columnas son dobles en el lado largo que en el corto y manifiestan la belleza matemática

Su estilo es el dórico, imitando al típico templo griego, pero no lo es. Su cronología se cree

que está entre el 447-432 a.C. Sus autores, son Ictino y Calicrates, bajo la supervisión de Fidias. Ictino

fue un arquitecto griego de la segunda mitad del siglo V a. C. Su nombre esta vinculado a tres obras:

el Partenón, el Telesterion de Eleusis y el templo de Apolo en Figalia. En cuanto a Calicrates, uno de

los arquitectos del recinto amurallado clásico de la Acrópolis. Fidias que el más famoso de los

escultores de la Antigua Grecia, pintor y arquitecto, perteneciente al primer clasicismo griego.

La derrota persa y la formación consiguiente de Liga de Delos corroboraron el poder

hegemónico de Atenas. La llegada al poder del estratega Pericles en el 462 a.C suscitó la oposición

de algunas polis como Esparta, quejosa de que los atenienses se apropiaran de parte de los fondos

de la Liga para restaurar la Acrópolis. Unos años más tarde se convocó a las ciudades-estado para

debatir el problema de los templos arrasados por los persas: Atenas debía recuperar el añorado

esplendor. Dicho proyecto se financió con el tributo de los aliados y generó muchos puestos de

trabajo. La importancia de la reforma confirió una dimensión simbólica al edificio, tanto por su contexto

histórico como religioso; el templo se dedicaba a la protectora de Grecia, la diosa guerrera y de la

sabiduría.

Ha sido muy importante en la historia de la arquitectura ya que ha creado un modelo de

templo que habría de ser copiado en varias ocasiones no solo en el mundo antiguo sino en épocas

más recientes como el Neoclasicismo del siglo XIX.

Fue un gran instrumento de propaganda de la ciudad y de Pericles, su líder, y se convirtió en

el emblema de la cultura griega clásica.

Bibliografía: www.historiang.com, www.wikipedia.org, libro de historia del arte SM.

TEATRO DE EPIDAURO, Inés Gil Torras

2

De trata de un teatro griego (el mejor conservado en la actualidad) construido en honor a

Asclepios, cuya función era y sigue siendo la representación de obras teatrales y musicales (pues

posee una acústica excepcional) durante las fiestas de Dionisio.

La estructura posee una planta ultrasemicircular correspondiente a la zona de las gradas

(kilon) seccionadas por escaleras radiales (kerkide) dividiéndose así en secciones (kneus) creando

también dos pisos de butacas por un pasillo paralelo a la circunferencia de la orchestra (diazomata).

Estas gradas se enfocaban hacia la orchestra, de planta circular (en cuyo centro hallaríamos una

estatua o altar en honor al dios Dionisio), encuadrada a su vez por un edificio de planta rectangular

(skené), este poseía una terraza con función de escenario para los actores (prosquenion), siendo la

pared trasera del edificio el fondo escenográfico y cumpliendo las funciones de almacén de trajes y

máscaras.

La técnica de construcción se basa en adosar los asientos al monte para aprovechar su

inclinación, dado que no podrían dar esa elevación a una estructura elevada sobre una llanura puesto

que no utilizaban arcos y el peso sería excesivo (no siendo así el caso del teatro romano de Mérida

levantado con un sistema de arcos), los laterales de este que sobresalen del monte fueron rellenados

con roca maciza para mantener la misma altura en todas las gradas de una misma fila en su

estructura algo mayor que un semicírculo. Es necesario añadir, que en un principio únicamente poseía

las primeras 32 filas de asientos, las restantes 23 se añadieron dos siglos más tarde tras la diazomata.

El material empleado para su elaboración es la roca caliza, a partir de la cual se elaboraron los

asientos, habiéndolos de honor, en las primeras filas y con respaldo, y las pertenecientes al pueblo

llano, como gradas. La estructura e inclinación, así como el material utilizado cumplen varias

funciones, la primera proporcionar una buena visibilidad desde cualquier punto del graderío, así como

para crear una acústica excepcional (gracias a la falta de superficies planas). Se trata de una

edificación al descubierto.

El edificio de la escena poseía dos puertas de entrada, cada una a un lado del mismo, con la

función de dar salida y entrada a los actores, de modo que el público pudiese saber de o hacia dónde

iban estos. Asimismo, los muros de este cumplían una función de cierre, ya que se sostenían

mediante columnas.

Como elementos decorativos, nos encontramos, probablemente, con pinturas en el Skené,

en la parte que venía a formar el fondo escenográfico.

Posee unas dimensiones de 120 metros de diámetro y 24 de elevación del graderío, era

capaz de albergar a 14000 espectadores, encontrados en un espacio ultrasemicircular y simétrico,

enfocado hacia el escenario y este a su vez hacia el oeste, de forma que se puede aprovechar la luz

que ilumina el paisaje tras el escenario. Este cumplía una función religiosa, ya que las

3

representaciones teatrales se realizaban como homenaje al dios Dionisio, de ahí el altar o escultura

que se hallaría en el centro de la orchestra. En relación con el espacio exterior se ve disimulado por el

bosque que lo rodea.

Se trata de una edificación de arte griego, ya que posee unos rasgos típicos como son el

que no se usasen los arcos como forma sustentante o los órdenes de las columnas de la skené. Se

encuentra en Epidauro (Grecia), elaborado durante el periodo helenístico (s IV a.C. 330/320 a.C.). Su

autor es Policleto el joven (400 a.C. aproximadamente), nativo de la ciudad peloponesa de Argos,

también fue escultor, pero sus mayores logros los consiguió en la arquitectura, estuvo muy

influenciado por Policleto el viejo (posiblemente su padre). En la actualidad se cree que podría haber

sido levantado un siglo más tarde, en el s III a.C.

La obra se enmarca en el periodo helenístico, tras la muerte de Alejandro Magno, se trata de

un periodo de transición entre el declive de la época clásica griega y el ascenso al poder romano.

Esta época se enmarca entre la muerte de Alejandro Magno (desmembramiento de su imperio

hegemónico) y el suicidio de la soberana Cleopatra (y su amante Marco Antonio), de este modo toma

Macedonia la supremacía del imperio griego con los diadocos (las tres dinastías de:

Ptolemaica, Seléucida y Antigónida). En este periodo las ciudades estado (Atenas, Esparta…) habían

sido sustituidas por ciudades modernas (Alejandría, Pérgamo…) habiendo gracias a el poderío de

estas últimas una gran expansión del idioma, la cultura y el arte griegos, tomando así parte en la

asimilación posterior por los romanos de estas características y conformando la cultura (cultura

clásica) que se expandiría con el imperio romano por toda Europa. Durante esta época se fijan unos

cánones en la arquitectura, por los cuales todos los edificios destinados a una función similar deben

seguir unos cánones de semejanza, en este caso el teatro, todos los teatros clásicos (posteriormente

los romanos seguirán el mismo estilo “teatro de Mérida”) siguen un mismo modelo en cuanto a

situación del escenario, planta de la zona de graderío, orchestra… esto sucede también en otros

edificios públicos como son los gimnasios, ágoras, cámaras de comercio…

Uno de los posibles antecedentes de esta obra pudo ser la arquitectura egipcia, tanto por su

tendencia de elaboración de grandes estructuras como por el empleo de la piedra como material

principal, como por el empleo de columnas. Así pues también sirvió de referente para la posterior

arquitectura romana, como podría ser el teatro de Mérida. Así como ha influenciado en la edificación

contemporánea, tanto en edificios políticos (parlamentos) como en edificios con la misma función que

los clásicos, teatros.

4

DORÍFORO DE POLÍCLETO, Laura Guillén López

Doríforo de Polícleto es un tipo de escultura exenta, de bulto

redondo y completa. Fue esculpida entre 440 y 450 A.C por lo que se

ubica en plena etapa clásica de la escultura griega siendo además una

de las más representativas de este período y en la que el autor refleja

las tendencias del momento.

De esta escultura han hecho una copia de mármol, la cual se

encuentra en el Museo Nacional de Nápoles, pero la escultura original

estaba hecha de bronce.

En cuanto a la técnica de ejecución de esta escultura

podemos destacar una serie de pasos: Primero se deben hacer los

dibujos de lo que se pretende elaborar o simplemente se hacen esbozos

sin perfilar. Seguidamente, se crea el boceto preparatorio ("El Bozzetto")

realizado siempre con barro "Terracota", yeso o simplemente cera. Está caracterizado por ser una

pieza inacabada, de pequeño tamaño, y hecha de manera modelada mostrando así la faceta más

personal del artista. El tercer paso es la realización del modelo definitivo con las mismas dimensiones

pero de material perecedero. Una vez creado el modelo definitivo, la ejecución definitiva de la obra se

hacía en material perdurable, según las técnicas de uso (en este caso eran: madera, piedra y bronce).

Esta escultura no es una escultura policromada (aunque probablemente lo estuviera como

era habitual en la escultura griega).

La copia de esta escultura está hecha de mármol, por lo tanto es una escultura pesada,

aunque no da esa sensación. Caracterizada también por el frontal dominante.

El Doríforo representa la perfecta proporción del cuerpo humano. Es la obra más famosa de

Polícleto (también es autor de una obra teórica, el Canon) porque en ella concreta el canon de belleza

del cuerpo humano, estableciendo la medida de siete cabezas como la medida proporcional perfecta.

Destacó el ombligo como centro de la circunferencia. Su vientre y pecho están muy marcados y sus

pectorales y muslos están algo exagerados y rígidos (caracterizados porque se opone al realismo

corporal idealizando el rostro) lo que causa una sensación un poco antinatural. En el rostro destaca la

serenidad y el idealismo clásico.

En cuanto al estudio de la composición podemos decir que marca la verticalidad.

El cuerpo de Doríforo presenta una forma de "S" ligera, la postura que toma es un

contraposto (una pierna sujeta el peso del cuerpo y la otra apenas toca el suelo con una rodilla

5

flexionada), su cuerpo está en posición asimétrica, su brazo izquierdo (donde sostenía una lanza) está

en tensión y el hombro ligeramente levantado, mientras que su brazo derecho está relajado. El

momento que representa la escultura es una actitud de avanzar, es como una pausa en su

movimiento. Rompe con la rigidez arcaica con el contraposto y la torsión del rostro.

Esta escultura es de tema atlético, representa a un atleta con una lanza, aunque también

podemos decir que representa a un héroe social ya que nos muestra la superioridad del cuerpo y su

perfección. Doríforo en griego significa:"El portador de la lanza".

Esta escultura al ser esculpida entre 440 y 450 A.C, su ubica en plena etapa clásica de la

escultura griega.

Por último, podemos destacar una serie de influencias: Su base estuvo en los kuroi y fue

antecedente a Augusto Prima Porta y a David de Miguel Ángel, y también como imagen del canon, el

hombre de Vitrubio de Leonardo da Vinci.

EL FRISO DE LAS PANATENEAS, Alejandro Goded Navarrete

Escultura clásica griega en relieve, que actuaba

como elemento decorativo en el Partenón de Atenas y se

encontraba entre el arquitrabe y la cornisa de este. Fue

creada por Fidias entre los años 447 y 432 a.C. Se trata

de un friso de bajo relieve con 160 metros de longitud por

1,06 m de anchura, además de 5 cm de fondo. Hoy en

día podemos encontrar numerosos fragmentos de este

friso en el British Museum (mayoritariamente) y en el

Louvre y Acrópolis (minoritariamente), aunque el gobierno griego los reclama continuamente.

Análisis formal

En este caso Fidias utiliza un bajorelieve y en algunos casos incluso podría considerarse

medio-relieve al esculpir esta procesión de Panateneas. Respecto a los rostros de estas nos los

encontramos en serenidad y sin una expresión aparente. El material que utiliza es el mármol blanco

aunque en su momento estaría policromado, hoy en día no podemos conservarlo de esa manera.

6

Respecto a los puntos de vista podemos citar que la mayoría de los personajes están de perfil aunque

con la cara girada hacia nosotros y que por su forma, Fidias intenta representar la figura humana tal y

como es, con gran realismo excepto en la expresión. También se destacan las diferentes posturas que

Fidias utiliza para que no sea repetitivo y monótono e incluso hay casos en los que superpone las

figuras. Utiliza la técnica de los paños mojados en sus vestimentas para así destacar más todas esas

curvas y resaltar todo, de esta manera hacerlo con una perfección que hasta los griegos no era tan

destacable. Si nos referimos al espacio, en este caso sí que existe este tipo de espacio aunque, es

verdad que tampoco es excesivo, es decir, el espacio existe pero intenta ocultarlo con la mayor

cantidad de personas posibles.

Análisis significativo o temático

El tema del que trata lo relacionamos con la procesión de las Panateneas, esto era un tipo

procesión al final de las fiestas en el que todo el pueblo de Atenas camina hacia el Partenón. Dentro

de la procesión las personas que la componen se dividen por clases e importancia, es decir, primero

dioses, semidioses, magistrados, músicos, jinetes, sacerdotes, animales, etc. El lado más religioso del

friso se encuentra en el frontón principal del templo. Toda esta procesión tiene la finalidad de proteger

y orar a la diosa Atenea y por eso los componentes llevan ofrendas hacia el Partenón.

Clasificación y contexto histórico-social

El momento en el que la obra es creada es del 447 al 432 a.C., momento de gran esplendor de la

cultura griega, como centro de sabiduría y cultural. El autor es Fidias un gran pintor y escultor del

momento al que el Pericles, entonces estratega de Atenas le mandó construir no solo esta obra sino

muchas más, aunque esta junto con otras que hizo dentro del Partenón puede que sean las más

importantes de su vida.

Relaciones

La escultura en sí se puede relacionar con otros frisos existentes o con los frontones de otros templos

en los que aparecía algo parecido. En el Ara Pacis de Augusto vemos su huella clara por la

composición y técnica así como en los relieves del Renacimiento como los realizados por Ghiberti en

Florencia. Pero con respecto a la procesión podemos relacionarla incluso con las actuales en Semana

Santa, muy relacionadas debido a que las dos están relacionadas con el culto a dioses y santos.

Bibliografía

http://contemplalaobra.blogspot.com/2009/05/fidias-friso-de-las-panateneas.html

http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/perc13.html

http://artebajocinca.blogspot.com/2009/09/comentarios-de-obras-seleccionadas.html

http://labrandero.tripod.com/artegriego/id2.html

7

LAOCONTE Y SUS HIJOS. Laura Guillén López

Esta escultura pertenece al periodo de escultura helenística

(dentro de la evolución de la escultura griega).

Es una escultura de bulto redondo y exenta, tallada en mármol blanco.

Se trata de una copia que fue encontrada en una excavación en 1506,

y esta copia se encuentra actualmente en el Museo Pío-Clementino

perteneciente a los Museos Vaticanos de Roma, la original no se sabe

dónde se encuentra.

Esta escultura está esculpida con la técnica de la talla en

mármol. No está policromada, simplemente el color acarnecido del

mármol. Está tallada sobre una superficie con dos escalones de

mármol. La superficie está pulimentada y tratada con refinamiento transmitiendo diferentes texturas.

Al estar tallada en mármol, esta escultura presenta pesadez y está formada por una composición

vigorosa y en movimiento.

Como la mayoría de las obras griegas, la encontramos descontextualizada, en este caso fue

hallada en Roma.

Laoconte y sus hijos están iluminados con una luz fantasma que consigue darles un tono de

color blanco.

Su grado de realismo anatómico es de perfección, se presenta la cara de Laoconte con

angustia e impotencia al no poder soltarse de las serpientes que los agarran y sabiendo cuál iba a ser

su final. Su composición se basa en las líneas oblicuas que torsionan la imagen.

Ellos muestran en sus caras sentimientos como miedo y angustia. Existe una desproporción

entre el padre y sus hijos que provoca expresividad y jerarquía.

En esta escultura se han utilizado las líneas curvas para dar más dinamismo a la obra y está

estructurado de manera que el padre (que es el mayor y el más importante) esté en medio y sus hijos

están presentados a sus dos lados como si fueran adultos (debidos a sus musculaturas).

En el relieve de esta escultura, los volúmenes son muy marcados y expresivos marcando un

movimiento muy intenso que entrelaza los cuerpos. La sensación de profundidad se representa por

este dinamismo y superposición de los cuerpos.

Destacamos el significado de esta escultura: Presenta un tema religioso-mitológico.

Laoconte era sacerdote de Apolo en la ciudad de Troya, y se opuso a la entrada en la misma del

8

caballo que había aparecido en las playas cercanas cuando los griegos se habían retirado, tras varios

años de guerra. Cogió una lanza y la clavó en el enorme caballo de madera para advertir a sus

conciudadanos lo nefasto de este. En ese momento salieron dos serpientes marinas que mataron a

Laoconte y sus hijos. Los troyanos interpretaron el hecho como una ofensa del sacerdote a los dioses,

por lo que metieron el caballo en la ciudad, que fue invadida por los griegos, vencedores finales de la

larga guerra. Sin embargo, las serpientes habían sido enviadas por Apolo como castigo a Laoconte

por haberse casado con Antíope y haber tenido hijos.

Esta obra es perteneciente al periodo de la Grecia Helenística; aunque está situada en

Roma, su origen es griego y pertenece a la escuela rodia. Se trata de una obra escultórica de

mediados del siglo I A.C, creada por Agessandro, Polidoro y Atenodoro o de Pérgamo.

Por último y para finalizar el comentario, destacamos las influencias posteriores de esta

obra: Miguel Ángel con la “Terribilitá “ del Moisés y Bernini con el rapto de Proserpina.

LA MAISON CARRÉE DE NIMES, Paloma Lorente Sebastián

La Maison Carrée es un templo situado en

Nimes, Francia. Construido por Agripa en el año 16

a.C en honor a su familia y a Augusto. Sus

dimensiones son de 26m de largo, por 15m de ancho y

17m de alto, completamente edificado de mármol. En

su origen era la parte del foro dedicada al culto

imperial pero con el paso de los años tuvo otras

funciones: consulado, establo, vivienda, iglesia y

finalmente en la actualidad, es un museo de la ciudad.

Elementos arquitectónicos

Nos encontramos con una planta rectangular, en la que podemos diferenciar el pronaos y el

naos. El templo está elevado sobre un podio, accediendo a él por una escalinata central (de influencia

etrusca) en la parte delantera. Este templo también es hexástilo debido a las 6 columnas exentas que

apreciamos en la fachada y pseudoperíptero, ya que las 11 columnas laterales que encontramos,

están adosadas, 8 de ellas, al muro del edificio.

9

Los muros laterales tienen una función de cierre. Las columnas que lo componen, 6 al frente

y 11 a los laterales, tienen una función sustentante ya que recae sobre ellas todo el peso del dintel y

de la parte superior. Estas columnas son de orden corintio.

Hecho de mármol, predominan las líneas rectas en su diseño y con un sistema arquitrabado.

La cubierta es de doble vertiente.

Su función estética es representar la grandiosidad de Roma.

La fachada está situada en el pronaos. Es proporcionada al tamaño del templo, ya que no se

sale de sus límites, respetando la planta rectangular. Está constituida por seis columnas de orden

corintio que sustentan un arquitrabe con friso continuo. El conjunto está coronado con un tímpano que

en su origen contenía unas esculturas.

Como elementos decorativos podemos observar los motivos florales que se prolongan a lo

largo del friso y las hojas de acanto que aparecen en los capiteles de las columnas.

Este edificio se encontraba dentro del foro de Nimes, y ha sido el único edificio que ha

sobrevivido debido a que ha estado en continuo uso. Según los etruscos, este foro se encontrara en

el foro y sobreelevado por el podium significa que la grandeza del imperio estaba sobre la gente.

Aunque su primera intención simbólica era de ser el hogar del Dios y donde había que llevar sus

ofrendas.

Clasificación y contexto histórico-social

Este templo pertenece al arte romano imperialista. Está hecho en el año 16 a.C. También

está encargado por Agripa, el mismo que construyó el Panteón de Roma.

En este momento el imperio Romano estaba en plena expansión, se extendía a lo largo de

todo el Mar mediterráneo (mare nostrum) y se había establecido como capital de este. Augusto estaba

en plena conquista de las Galias.

Tiene una influencia griega muy dominante. Encontramos sus antecedentes en el Partenón

de Atenas (447-443) de estilo dórico y posteriormente se construye la Madeleine de París de estilo

neoclásico (1764-1805), el cual tiene una estructura muy similar.

PANTEÓN DE ROMA. Brenda Pérez Zapater

El Panteón de Roma, es un edificio arquitectónico de

estilo romano. Fue construido por Agripa en el 27 a.C., fecha que

10

coincide con el fin de la República aristocrática de Roma, por lo que también recibe el nombre del

Panteón de Agripa. En en 123 d.C. fue reconstruida y terminada por Adriano, y por ello, también,

recibe el nombre de Panteón de Adriano. Ésta última fecha coincide con un momento de máximo

apogeo del Imperio Romano bajo el triunvirato de Augusto. Esta gran obra, aparte de ser junto con el

Coliseo las obras más importantes de la arquitectura romana, está situada en Roma.

El Panteón de Roma posee una planta circular rodeada por exedras rectangulares y

circulares alternativamente, concebidas como capillas a los dioses romanos. Está cubierto por la

mayor cúpula de media naranja de todo occidente, apoyada en un gran tambor y decorada por

casetones y con un óculo central. Tiene en su interior una serie de columnas con arcos que sirven de

descarga para distribuir pesos y emplea un aparejo isódomo. Utiliza tanto sistemas arquitrabados

como abovedados.

Su entrada posee un pórtico octástilo al que se accede mediante unas escalerillas centrales

que dan lugar a un cuerpo rectangular. Vemos un gran frontón triangular en esa entrada sustentado

en columnas de orden corintio. En su exterior vemos la casi inexistencia de vanos.

Como técnica constructiva, el Panteón de Roma está hecho principalmente a hormigón, y su

cúpula de 43,4 m de diámetro está hecha de cal, arena y roca volcánica.

Este edificio, es un templo cuya finalidad es religiosa, por lo que es un edificio religioso que

va dedicado a todos los dioses.

El Panteón de Roma tiene otros simbolismos como son, por ejemplo, la concepción de

universo por su gran cúpula, el significado que toma el óculo de 9 m de diámetro como luz celeste

enviada por los dioses, o simplemente un recuerdo hacia la cabaña típica romana.

El Panteón ha influido enormemente en arquitecturas posteriores, sobre todo durante el

Renacimiento, como Brunelleschi que estudió el Panteón para la construcción de la cúpula del Duomo

de Florencia; o Miguel Ángel lo recreó en obras como la Basílica de San Pedro.

ESCULTURA ECUESTRE DE MARCO AURELIO, Jonás Martín Martín

La estatua de Marco Aurelio es la única estatua de este tipo de la época romana que ha

llegado hasta nuestros días. Hoy en día está situada en el palacio de los conservadores del museo

Capitolino y su copia se encuentra en la plaza Capitolina.

11

La estatua es una escultura exenta, de bulto redondo y característica del arte romano por su

colosalísimo (mide casi 3 metros de altura).

El material utilizado para construir esta estatua es el bronce con un acabado sobredorado en

fuego. La escultura es apolicromada como es típico en esta época,

exceptuando a los ojos que estos sí que se pintan.

La escultura tiene bastante masa ya que está hecha de

bronce y representa el colosalísimo de la escultura del arte romano.

Está creada para ser vista desde diversas perspectivas ya

que es de bulto redondo y nos permite rodearla viéndola de diferentes

ángulos.

El autor de la escultura quiere resaltar el poder y la

grandeza del emperador para lo que acaba sobre dorado la escultura,

que al incidir sobre ella la luz solar se ensalzaría aún más esta

grandeza.

El grado de realismo en esta figura es alto ya que sigue las pautas del

periodo antonino. El rostro aparece con una expresión definida con

unas pupilas incisas para crear una mirada penetrante, el pelo y la

barba aparecen excelentemente recreados con las ondulaciones de

los rizos. También hay mucho realismo en los pliegues de la túnica creando así juegos de luz y

sombras.

En el caballo también se resalta un gran realismo debido a su corpulencia y musculatura

pero sin empequeñecer la figura de Marco Aurelio, ya que sus piernas sobresalen del cuerpo del

caballo.

En cuanto al movimiento de la estatua es atípico de la época, el cual queda reflejado con

gran calidad en el caballo debido a la postura ligeramente ladeada de la cabeza, la pata de adelante

levantada y la pata de atrás ligeramente levantada del suelo. En la figura de Marco Aurelio, se ve en el

brazo levantado y en su rostro.

Esta estatua fue creada para ensalzar la imagen del emperador Marco Aurelio, pero no se

representa de la misma manera que a los demás emperadores. Se le representa como el “emperador

filósofo”, sin armas, monturas y armadura, únicamente viste la túnica corta, el paludamentum y las

botas de patricio además de hacer un gesto de paz.

NOTA: En esta escultura, anteriormente estaba incluido, bajo la pata del caballo, un bárbaro atado

por las manos y vencido.

12

BRUTUS BARBERINI, Sergio Sánchez

Brutus Barberini es una escultura romana del siglo I A.c. de autor

desconocido.

Esta escultura romana de bulto redondo su objetivo es enaltecer

a los antepasados familiares situada actualmente en el Palacio de los

Conservadores en Roma.

Brutus Barberini se puede denominar según su tipología como

bulto redondo, diseñada en mármol cuyo canon de la figura principal

(senador) es de ocho cabezas, el cual aparece con un togado y

acompañado por dos bustos. La técnica de paños mojados, por lo que la

toga del “senador” aparece con un notable arrugamiento externo de las

telas de la toga, la cual deja la pierna izquierda más adelantada que la

derecha, es decir, en contraposto. En cuanto, a los dos bustos se

caracterizan por la serenidad y expresividad mínima.

Los rostros de esta escultura se caracterizan por mostrar las características propias de la

escultura romana destacando su gran realismo, aparecen pómulos hundidos, arrugas faciales

marcadas, amplias frentes, ausencia de pelo y una nariz grande y recta.

En cuanto a los puntos figura principal se caracteriza por la utilización de la técnica de los

paños de vista predomina una visión frontal y vertical, con la oposición del contraposto de las piernas.

Esta obra es una escultura romana cuyo etapa corresponde a la escultura republicana

realizada en el siglo I a. C cuyo nombre es Brutus Barberini o Patricios portando retratos funerarios y

su autor es desconocido o anónimo. Esta obra fue construida en una época histórica y cultural

caracterizada por la finalización de la República en Roma. Este tipo de obras era encargado por las

familias más poderosas de Roma para recordar a sus antepasados.

En cuanto a las influencias, destaca la influencia griega y etrusca principalmente, en el

realismo de las esculturas romanas; también presenta influencias con el retrato y la religión en Roma,

los dioses manes, los rituales en su honor en el hogar y las imágenes “maiorum”.

BIBLIOGRAFÍA: Internet:

*http://benaventearte.blogspot.com/2010/12/comentario-brutus-o-togado-de-barberini.html

13

*https://sites.google.com/a/iespedrodeluna.es/leo-ando-veo-y-aprendo/aprendo/preparo-fichas-para-la-

selectividad/26-retrato-de-brutus-barberini

AUGUSTO PRIMA PORTA, Chema Valero

Augusto Prima Porta es una estatua que aparece en posición

frontal y es de cuerpo entero. Se trata de una figura de bulto redondo, tallada

en mármol, y que aún conserva restos de dorado, púrpura, azul, y otros

colores con los que fue policromada. Hoy en día, se encuentra exhibiéndose

en los Museos Vaticanos.

Su tamaño es de 2,04 metros de altura, representa al emperador

Augusto dirigiéndose a sus súbditos y en pose de mando, debido a que tiene

la cabeza erguida y el brazo derecho levantado. Aparece vestido con una

coraza de militar romano y con la toga típica del Imperio. A sus pies se

encuentra Eros(representa el deseo del escultor de magnificarle a la altura

de los Dioses) .Su coraza tiene relieves alusivos a diversos dioses romanos,

como Marte, el dios de la Guera, etc. La mirada de Augusto sería sombría, su rostro tranquilo y

distante, va descalzo al igual que los antiguos héroes olímpicos y acoge la forma de contrapposto,

creando diagonales entre las zonas tensas y las relajadas (rasgo típico de la escultura clásica).

Esta escultura transmite serenidad y sobriedad gracias a la expresión de su rostro con gran realismo.

Representa la síntesis del clasicismo romano.

Se trata del inicio de una tipología de retrato imperial en pie, que proliferaría en todo el

Imperio, y hace alusión a su cualidad divina ya que el emperador aparece descalzo.

Su autor es desconocido, y esta escultura fue encontrada en 1863, cuando se excavaba una

villa palaciega de los alrededores de Roma, llamada Prima Porta. Al parecer, ése fue el lugar donde

se retiró Livia, al morir su esposo, el emperador Augusto en el año 14 d.C. De ahí proviene el nombre

de la escultura.

Por último, se podría decir que en esta obra se ha tomado como modelo el Doríforo de

Policleto, ya que ambos se apoyan sobre la pierna derecha y balancean la izquierda, pero la

serenidad propia del clasicismo griego ha sido sustituida por el dinamismo y el realismo habituales del

arte romano.

EL COLISEO DE ROMA. Miguel Marqués Jarque

14

Se trata de un anfiteatro construido en Roma en

el siglo I. Fue construido bajo el mandato de Vespasiano.

Está declarado como patrimonio de la humanidad desde el

1980 por la UNESCO.

Análisis formal: Se trata de un anfiteatro ovalado de 189

metros de largo por 156 de ancho, y de 57 metros de

altura. Con una capacidad para unas 50000 personas en

ochenta filas de grada. En los pilares y en los muros

exteriores se utilizó piedra y ladrillo, y hormigón en los

pisos abovedados de los corredores. También se utilizó travertino, y metal para las diferentes grapas

que unían los bloques. El terreno de juego era una plataforma de madera cubierta de arena y en su

subsuelo se hallaban túneles y mazmorras. Las pilastras y los arcos son de travertino y para acceder

a la grada se hace a través de los vomitorios.

La fachada está compuesta por la composición de cuatro órdenes en la que el más bajo es el orden

más antiguo y el más alto es el orden actual. Los órdenes de abajo a arriba son: dórico, jónico, corintio

y compuesto. El Coliseo contaba con una cubierta de tela desplegable accionada mediante poleas.

Análisis significativo o temático: Los usos que poseía este anfiteatro eran varios, entre ellos se

encuentran las luchas de gladiadores, la caza de animales, muchos de ellos exóticos, y finalmente las

naumaquias, que eran recreaciones de batallas navales. El coliseo poseía un sistema de drenaje para

poder conseguir esto. El Coliseo era un elemento de gran esplendor para el Imperio romano y en él se

celebraban Juegos Olímpicos, esta construcción era un símbolo de grandeza.

Clasificación y contexto histórico-social: Aparecen diferentes órdenes arquitectónicos. Por lo que

no es propio de un solo orden arquitectónico. Fue construido entre el año 70 d.c. y se acabó en el 80

d.c. bajo el mandato del emperador Vespasiano. Su autoría no está clara pero se han barajado los

nombres de Rabirio, Severo, Gaudencio o incluso Apolodoro de Damasco.

El Coliseo Romano es un anfiteatro de la época del Imperio romano, construido en el siglo I en el

centro de la ciudad de Roma. Se buscaba ante todo un sentido práctico, además la arquitectura

romana era de carácter monumental y poseía una gran ostentosidad decorativa.

Relaciones: Era un edificio construido para espectáculos y no tenía influencias anteriores (es como la

unión de dos teatros de ahí su nombre de anfiteatro). La influencia más destacada posteriormente se

trata de las actuales plazas de toros. Guarda mucha semejanza con La Arena de Nimes que es un

anfiteatro romano situado en la ciudad francesa de Nimes, edificado en el año 27 a. C. y actualmente

15

es utilizado como plaza de toros en el que aún se realizan festejos. En el renacimiento la sucesión de

órdenes se empleaba en edificios como el palacio Rucellai.

Bibliografía:

- es.wikipedia.org/wiki/Coliseo_de_Roma

- www.portalplanetasedna.com.ar/coliseo.htm

- es.wikipedia.org/wiki/Arena_de_Nimes

- Libro de Historia del arte 2º Bachillerato SM

EL MONASTERIO DE CLUNY, Miguel Marqués Jarque

La localidad de Cluny está situada en la región de

Borgoña, en el centro-este de Francia. Fue construida

en tres fases lo que afectó en las diferentes prácticas

arquitectónicas. Actualmente solo una parte sobrevive.

Análisis formal: La construcción en la primera fase

fue del 910 al 927 pero poco después se determinó

que no era suficientemente grande por lo que se decidió realizar una reconstrucción. La segunda fase

duró del 948 al 981 en la que se construyó una cabecera con absidiolos y un atrio con un nártex y la

nave. Sobre el crucero se construyó un alto cimborrio.

La construcción de la tercera fase comenzó en el año 1080 y quedaría finalizada en el año 1130. Con

su finalización quedaría como el edificio religioso más grande de occidente, con 187 metros de

longitud y una altura de 30 metros sobre el suelo. La planta del edificio era en forma de cruz

arzobispal. Tenía tres torres y contaba en total con cinco naves con una amplia cabecera con girola y

una galilea o pórtico de tres naves flanqueada por dos grandes torres. Este edificio debía poseer

grandes contrafuertes

Análisis significativo o temático: Este monumento se ha basado principalmente en la recopilación

de anteriores elementos arquitectónicos que se han plasmado en la abadía de Cluny. El mismo

monasterio de Cluny se convirtió en el mayor y más prestigioso monasterio, y en la institución

16

monástica mejor preparada de Europa. La influencia de Cluny se extendió desde la segunda mitad del

siglo X hasta principios del siglo XII.

Clasificación y contexto histórico-social: Este monasterio pertenece al arte románico. Se construyó

del año 910 al 1130 en tres etapas diferentes. El abad Bernon, el abad Maïeul de Cluny y abad Hugo

de Semur fueron los principales creadores del monasterio en la primera, segunda, tercera fase

respectivamente.

Por esta época se desarrollaba una sociedad rural marcada por el régimen feudal. En esta época la

religión predominante en Europa era la cristiana de ahí la realización de las diferentes construcciones

de tipo religioso.

Relaciones: En el monasterio se plasman diferentes elementos arquitectónicos pasados. El cimborrio

que posee será similar al de iglesia de San Martín de Chapaize.

Bibliografía:

- http://es.wikipedia.org/abadia_de_Cluny

- Libro de Historia del arte 2º Bachillerato SM

- Referencia de comentarios enviados

CATEDRAL DE SANTIAGO DE COMPOSTELA, Paloma Lorente Sebastián

Se construyo entre el s. XI-XII (1070-

1122) sobre los restos descubiertos atribuidos al

apóstol Santiago. Fue mandada erigir por el

Obispo Diego Peláez, pero su construcción fue

llevada a cabo por cuatro maestros: Bernardo,

Roberto, Esteban y Mateo; que dejaron plasmada

la descripción de la catedral minuciosamente en el

Códice Calixtino.

Debido a que es una iglesia de peregrinación (es la culminación del Camino de Santiago),

destaca su grandiosidad para albergar a los miles de peregrinos que se congregan en ella y para

simbolizar el poder de la iglesia. Como características principales de estas iglesias de peregrinación

encontramos las bóvedas de cañón reforzadas y de arista en las naves laterales.

17

Tiene una planta de cruz latina, estructurada en 5 naves, en la cabecera distinguimos cuatro

absidiolos semiesférico y uno central de forma cuadrada, también distinguimos el deambulatorio (con

bóvedas de arista), para que los peregrinos no interrumpan la ceremonia. En los lados del transepto

encontramos cuatro pequeñas capillas. Podemos observar que las naves laterales tienen la mitad de

tamaño que la nave central. Los soportes son pilares cruciformes con columnas adosadas.

Encontramos también tribunas para poder albergar a más peregrinos.

Las portadas tienen tres vanos de entrada, para facilitar esta a los peregrinos. Esta la puerta

Santa, que es tapiada y abierta solo en años santos, la puerta del Paraíso, que en la actualidad ya

no existe, la puerta de Platerías y el Pórtico de la Gloria, que posteriormente en el barroco fue

tapado por otro pórtico un poco más adelantado, en el cual había grandes espacios de luz para dejar

ver el original.

La catedral esta sobreelevada sobre la cripta del apóstol Santiago, y a ella se accede

mediante un tramo de escaleras.

Cabe destacar la gran decoración del Pórtico de la Gloria, en el que están representados los

peregrinos y presidiendo el tímpano central encontramos un pantocrátor flanqueado por los

apóstoles.

La función de esta catedral era dar acogida a todos los peregrinos que llegaban a Santiago

de Compostela para ver los restos del apóstol Santiago.

Pertenece al estilo románico s. XI que se caracteriza por las plantas basilicales y de

peregrinación, de soportes de cimentación profunda, con muros de sillares, pilares cruciformes (a

veces con columnas adosadas). Las columnas podían ser simples o pareadas con capiteles con

motivos vegetales, geométricos o historiados. Se caracterizan los vanos abocinados para que

hubiera menos luz en el interior y fuera así un ambiente más recogido y místico. Las cubiertas se

caracterizaban por bóvedas de cañón con arcos fajones, bóvedas de arista, bóvedas de horno y

cúpulas semiesféricas.

Es esta época había una sociedad rural dividida en estamentos. Estaba en vigor el sistema feudal

por el que había un contrato de vasallaje entre señor y vasallo. La iglesia tenía un gran poder, y era

el centro de la cultura y del gobierno.

Esta catedral está precedida por San Sernin de Toulouse.

PORTICO DE LA GLORIA DE SANTIAGO DE COMPOSTELA, Beatriz García Giménez

18

Su autor es Mateo, quien lo construyó a petición del rey

de León Fernando II. Se trata de una arquitectura

románica española. Se esculpió entre 1168 y 1188. La

escultura del Pórtico de la Gloria señala la transición del

románico al gótico, con figuras con una expresión

sonriente, comunicadas entre sí. Las esculturas tienen

más volumen, son más proporcionadas, están mejor

moldeadas y no tienen la esquematización del románico

anterior. Se expresa en el Pórtico lo que será la escultura

gótica, más humanizada y con un nuevo sentido de la

expresión.

El programa iconográfico se distribuye de la siguiente manera:

El pórtico se presenta con tres portadas: la central es doble que las laterales, se

corresponde a la nave central, la única que contiene tímpano, sustentado por el parteluz, con el árbol

genealógico de Cristo, en el que se sitúan los reyes David y Salomón y sobre el que se encuentra el

apóstol Santiago.

El pórtico tiene una gran puerta central y por las laterales, se entra a las tres naves de la

iglesia. En el tímpano de la puerta central se representa la visión del Apocalipsis de San Juan con la

figura de Cristo resucitado en el centro, sentado, coronado de rey y mostrando signos de su pasión:

las llagas de las manos y del costado. Rodean el trono los cuatro evangelistas con animales

simbólicos apoyados en sus rodillas: San Lucas con el toro, San Juan con el águila, San Marcos con

el león y San Mateo con el ángel. A los lados, en la parte baja del tímpano, ocho ángeles llevan

instrumentos de la pasión. Al lado de la cabeza del Cristo, hay dos ángeles y pequeñas figuras que

representan la Iglesia triunfante. En la arquivolta, hay ancianos del Apocalipsis, que llevan

instrumentos musicales y hablan en parejas. En la parte alta del parteluz se sitúa la figura del Apóstol

Santiago, titular de la iglesia. Se encuentra sentado y con el báculo de peregrino. La escultura es casi

de bulto redondo. En las base, está la figura del maestro Mateo, rezando de rodillas, y con un

pergamino en las manos.

En las jambas de la puerta central y de las laterales, en la parte derecha hay figuras de

Apóstoles y de personajes del Nuevo testamento. En la izquierda, profetas y personajes del Antiguo

testamento. Todas las figuras ocupan el fuste de las columnas superiores. Estas se apoyan sobre

otras columnas con basas decoradas con monstruos. Los personajes se comunican entre sí en

parejas y están sonrientes. Conservan algo de policromía.

19

Significado: Este pórtico es un hito entre las obras cumbres del arte. Gracias a su belleza y

su misterio han cautivado a muchos peregrinos y ha sugerido todo tipo de estudios (artísticos,

históricos, teológicos, incluso musicales). La idea del pecado y del infierno representado por animales

y monstruos que queda dominado por el mundo divino. Hay criaturas demoníacas de animales

salvajes, es la expresión del hombre terrenal prisionero del pecado.

Bibliografía: libro de texto, enciclopedia e Internet (http://luisaugustopascual.com )

SAN CLEMENTE DE TAULL, Beatriz Doñate

Es un retrato religioso de Cristo, una iconografía de Cristo en

majestad, es decir, la imagen del Pantocrátor y una obra cumbre del

románico español..

Su técnica es el fresco, varias capas superpuestas en un muro

cubierto con yeso y cal y pintado cuando aún está fresco, tiene una difícil

conservación y también destacan las grandes líneas negras del contorno.

Una gruesa línea negra separa lo celestial, arriba, y lo terrenal,

abajo, destaca una gran simetría con sus formas geométricas.

Su mano derecha tiene tres dedos levantados que se vinculan

con el dogma de la santísima trinidad, serían el Padre, el Hijo y el Espíritu

Santo. Sus pies están desnudos y se apoyan sobre una esfera. Simbolizaría la esfera terrestre. En su

mano izquierda sostiene un libro con las palabras: Ego sum lux mundis. Yo soy la luz del mundo,

simbología que indica la divinidad. En los lados de la cabeza aparecen las letras de alfa y omega, que

son la primera y última letra del abecedario griego, e indican el principio y fin de Cristo ante todas las

cosas.

En los bordes se encuentran a cuatro ángeles llevando los símbolos de los Evangelistas,

Mateo, Juan, Lucas y Marcos. En la parte de abajo aparece la Virgen con los apóstoles, cuyos

nombres están pintados abajo, Tomás, Bartolomé, María, Juan, Iacobus.

20

La iglesia de San Clemente de Tahull fue creada en el año 1123 en una sociedad rural

dependiente de los señoríos, con un sistema feudal, lo cual explica su simbolización evangélica y

divina, con raíces en la iconografía cristiana.

Constituye la representación gráfica de un pasaje del Apocalipsis de San Juan, en el que

describe a Cristo en su trono y rodeado de sus apóstoles. La cara de Cristo muestra la belleza pura

del románico, la composición es clara con el contorno bien marcado.

Hay diversas influencias, la tradición bizantina heredada a través de las obras de Italia,

tendencias de los manuscritos mozárabes hispánicos en los rasgos naturalistas.

LA FACHADA OCCIDENTAL DE LA CATEDRAL DE REIMS, Jonás Martín Martín

La catedral de Reims (Francia) es un edificio

perteneciente al arte gótico clásico francés. El edificio

se comenzó a construir en 1212 y fue terminado a

finales de siglo.

Se trata de un edificio religioso que

primeramente se edificó sobre un antiguo santuario.

En el 862 se convirtió en el edificio carolingio que

seguía el ejemplo de la iglesia monástica en la edad

media y tras un incendio en 1210 se comenzó su

actual estructura.

La fachada occidental de la catedral, en forma de H, llega a los 86 metros de altura gracias a

las dos torres colocadas en esta. La disposición de la fachada en forma de H hace que haya una

mayor apertura de vanos. Las torres poseen grandes vitrales y un rosetón en la parte central

rematado con un gablete. Las vidrieras localizadas en las torres y en los rosetones tienen tonos

azulados y rojizos dando como resultado que la luz no es la clásica de los grandes templos góticos.

La fachada posee una triple portada con un parteluz en la portada central y recoge un número

importante de esculturas abocinadas. En el tímpano de las portadas se localizan tres rosetones.

Pese a su grandeza y estructura lo que más resalta de la fachada de la catedral en su

importante número de esculturas localizadas en ella.

21

Estas esculturas son del siglo XIII perteneciente al gótico clásico francés.

Sobre todas las esculturas destaca la escena de la anunciación del ángel a la Virgen María.

En la imagen vemos la figura del ángel la cual tiene gran calidad en cuanto a los pliegues de la túnica

y los ropajes, que se ven desarrollados frente al arte románico. Podemos ver también que el rostro del

ángel es muy realista, muy detallista, se destacan muy bien las formas del rostro en el acto de sonreír

con efusividad en el que está ese rostro. El pelo está bien elaborado y muy desarrollado. Como

detalle, observar el ala del ángel. La Virgen María presenta menos pliegues en su vestimenta, aunque

los que aparecen son unos pliegues desarrollados. En cuanto al rostro, es bastante básico, no tiene

casi expresividad y está cabizbaja.

Esta obra fue comenzada en 1212 y terminada en 1311. Su autor es desconocido.

El contexto histórico en el que está construido este edifico en el siglo XII cuando hubo un traspaso de

poder económico hacia la burguesía, asociaciones gremiales y la banca. También se crean nuevas

órdenes religiosas y el la época de esplendor de la universidades.

Esta catedral tiene relación con varias catedrales construidas en la misma época como puede ser la

catedral de Amiens, la de Le Mans, Bourges y la Santa Capilla de París.

LA NAVE CENTRAL DE LA CATEDRAL DE LEÓN, Chema Valero

La catedral era la sede del obispo, y éste era el encargado

de impulsar su edificación. Las catedrales desempeñaron un

importantísimo papel (no sólo religioso ) en la sociedad medieval,

siendo también centros culturales, pues junto a ellas surgen los nuevos

centros docentes, germen de las futuras Universidades, que sustituyen

a las escuelas monásticas. Servía además como telón de fonfo para la

representación de dramas religiosos y para festividades públicas.

La catedral de León es, cronológicamente, la tercera gran

seo del gótico clásico en la Corona de Castilla, iniciándose en la

segunda mitad del siglo XIII. También se le llama "La Pulchra Leonina".

Su relación con la catedral de Reims es evidente en la planta, y

Amiens y Beauvais, en el alzado.

22

La catedral de León cuenta con tres naves y un transepto. La nave central mide 90 metros

de largo y 30 de altura, mientras que las dos naves laterales miden 15 metros de altura, y se unen a

través de la girola. Las naves se cubren con bóveda de crucería (formada por dos arcos diagonales

que se cruzan en la clave y soportan la plementería) cuatripartita (cuatro ángulos que disminuyen el

peso de la bóveda) en tramos rectangulares.

Desde el exterior, son perfectamente visibles todos los contrafuertes, los arbotantes y los

pináculos a lo largo de las naves, que sirven para desviar los empujes del edificio al exterior y poder

perforar las naves con grandes ventanales.

A esta nave central la rodean unos ventanales que recorren todo el edificio, incluido el

transepto y el ábside, dando lugar al claristorio.

Lo que más destaca es la desmaterialización de los muros en vidrieras policromadas. El uso

del arco apuntado y la bóveda de crucería van a hacer posible que el muro tenga una función

totalmente distinta a la del románico y que su articulación sea también diferente. En el arte gótico, el

muro se reduce a ser un elemento de cierre y no desempeña la función de soporte que tenía en arte

románico. El muro se articula como una estructura diáfana y traslúcida en tres niveles.

La catedral sigue con el modelo francés y por ellos divide la catedral en tres pisos:

El primero es el de los arcos apuntados (arco formado por dos segmentos de circunferencia

que se cortan en ángulo agudo en al clave, y que soporta más peso y permite una mayor altura)con

pilares fasciculares, cuyos baquetones se insertan en los nervios de las bóvedas creando un eje que

marca la verticalidad del interior.

El segundo piso, cuenta con un triforio, que consiste en una línea de vanos, germinados,

abiertos en el grueso de los muros. La palabra triforium viene de transforatum, que significa abierto,

calado.

Y el tercer piso es el claristorio, que son un conjunto de

vidrieras que permiten iluminar mejor el interior.

VIRGEN BLANCA, Sergio Sánchez Bolívar

La Virgen Blanca de Toledo es una escultura gótica cuyo autor

no se conoce con exactitud.

Esta escultura presenta un interés de tipo religioso, más concretamente,

se definir como una advocación de la Virgen María y se encuentra en el

interior de la Catedral de Toledo destinada a la práctica religiosa

cristiana.

23

Se trata de una escultura de cuerpo entero o tamaño real cuyo material predominante es la

piedra como por ejemplo, el mármol, alabastro o caliza cuya técnica de ejecución es el bronce de color

policromado. Esta escultura se caracteriza por presentar movimiento en posición de contraposto, por

lo tanto, aumentan sus puntos de vista, en los que destacan la expresión distante lo acerca al carácter

humano y la expresión de su rostro se caracteriza por ser mas natural, cálida y la presencia de la

sonrisa. También cabe destacar la delicadeza de esta obra, por la proporción más estilizada y por la

utilización de la técnica de los paños mojados, lo que significará su naturalidad y elegancia.

La Virgen Blanca de Toledo su principal tema es religioso y se puede identificar con un

milagro de la Virgen y pureza de la misma como resultado del color blanco. Entre los colores

empleados aparecen el azul y rojo para el manto y de nuevo el blanco en el lirio como símbolo

iconográfico de la Virgen, representado la escena de Anunciación; también la blancura simboliza la

luna o las estrellas.

Por otro lado, cabe destacar la relación entre la madre y el hijo, los cuales establecen una

vinculación familiar, en la que la madre aparece como protectora.

La Virgen Blanca de Toledo se clasifica como una escultura gótica realizada en el siglo XIV

cuyo autor es desconocido. En el s. XIV la sociedad había cambiando, dando una gran importancia al

trabajo de artesanos y comerciantes (burguesía). Con la entrada de la burguesía al poder, la

economía mejoró y cambió la mentalidad religiosa, es decir, un cristianismo mas humano y cercano a

los creyentes, y como consecuencia de todo ello cambiará el arte.

Presenta influencias anteriores del románico y posteriormente en el gótico, principalmente.

BIBLIOGRAFÍA: WIKIPEDIA

http://almez.pntic.mec.es/~jmac0005/Bach_Arte/gotico/escultura_gotica3.htm,

http://www.slideshare.net/rosarmer/las-artes-figurativas-del-gtico-i

LA MEZQUITA DE CÓRDOBA, Paloma Lorente Sebastián

Se trata del edificio emblemático

del arte musulmán cordobés, ya que es

una manifestación del poder religioso y

político que tenía esta ciudad durante el

califato de Córdoba. Está construida en

etapas, desde 786 hasta 1031.

24

Cuando se construyó su función era de albergar a los creyentes, crear un lugar donde

pudieran rezar todos los musulmanes que habitaban la ciudad de Córdoba, en 1536 los cristianos se

apropiaron de esta mezquita añadiéndole en medio una estructura de cruz latina de estilo

renacentista, reutilizándose en este momento para el culto cristiano. En la actualidad es la catedral

de la ciudad y un referente turístico.

La planta de la mezquita consta del sahn o patio, donde se encuentra un patio de naranjos

los cuales están alineados con las naves de la parte cubierta, con una fuente de abluciones y un

minarete construido por Abderramán III en la última ampliación; encontramos el haram (sala de

oración) en el que encontramos naves perpendiculares a la quibla (muro orientado hacia la Meca),

donde se encuentra el mihrab(abertura en la quibla, a donde se centran los rezos), y alrededor de él

la maqsura (zona reservada).

El exterior de la mezquita no tiene mucho interés arquitectónico y menos interés decorativo,

ya que todos estos aspectos se centran en la parte interior. Encontramos contrafuertes que ayudan

a soportar el peso de las sucesivas techumbres de las naves, no tiene fachada principal debido a

que tiene varias entradas, las cuales tienen entradas tripartitas para marcar los diferentes ingresos.

Este edificio es fruto como hemos dicho de varias ampliaciones:

La primera construcción por parte de Abderramán I desde el 786-788, que la construyó

encima de la basílica visigoda de San Vicente. Las columnas están reaprovechadas, de ahí que

cada son diferentes entre sí, no tienen basa, el fuste es monolítico y el capitel consta de hojas de

acanto rematado con un cimacio. Los arcos que predominan son los de herradura, con alternancia

de dovelas (blancas y rojas). Consta de dos alturas.

En la primera ampliación en el 848, Abderramán II amplió las naves y añadió arcos de

medio punto. Con Abderramán III se amplió el patio y construyó el alminar desde donde se llamaba a

la oración. Posteriormente, Al-Hakam en el 962 amplia la mezquita de nuevo. Introduce los arcos

lobulados y entrecruzados, en los cuales el despiece de las dovelas da a la línea de imposta. Los

capiteles pasan a ser de pencas, en vez de hojas de acanto. Construye una cúpula gallonada en las

maqsura. De la misma manera, innova con la decoración mediante atauriques, versículos del Corán

y lacería. Finalmente con Almanzor en el 1000, se amplía la mezquita dejando el mirab

descentrado. Se utiliza el arco de herradura apuntado.

Esta mezquita pertenece al arte hispano-musulmán de la rama cordobesa (VIII-X), se utiliza

de material la piedra sillar, los soportes son columnas visigodas y romanas reaprovechadas con

capiteles corintios y compuestos, los arcos lobulados y de herradura son los característicos y la

bóveda gallonada, todo esto está presente en la Mezquita de Córdoba.

25

En el momento de la construcción de la mezquita, Córdoba era la capital musulmana en la

península, teniendo un gran poder político y siendo la cuna de la cultura de estos siglos.

Tiene influencias de los ábsides e iconostasis mozárabes. También tiene usos epigráficos y

mosaicos típicos de las obras omeyas que podemos observar en la cúpula de La Roca y en la

mezquita de Damasco, la similitud con la mezquita de Damasco se debe a la huida de los Omeyas y

la intención de imitar su esplendor.

LA ALHAMBRA DE GRANADA, Beatriz Doñate Sáez

Es un palacio de construcción compleja que alojaba al monarca

del Reino de Granada, actuando como una ciudad-palacio, en la

actualidad se usa para visitarlo y contemplarlo con visitas guiadas.

La planta está formada por varias construcciones que se fueron

añadiendo a lo largo del tiempo, sin tener un plan previo, está emplazada

en la parte más elevada compuesta por 23 torres y 4 puertas de entrada

al recinto.

En el centro de cada parte tenemos un patio central, entre los

que destacan como más importantes el patio de Comares, el de los

Arrayanes y el patio de los Leones, alrededor de estos patios existen

varias habitaciones. Se crearon en el S. XIV cuando el esplendor nazarí.

El exterior está construido en piedra sillar, la argamasa y el

ladrillo. Los muros tienen pequeñas aperturas pero son más pobres que el interior, ya que en él existe

un gran descubrimiento, propio de la cultura islámica, darle importancia al interior.

En el interior predominan las construcciones no muy complejas: muros y columnas nazaríes,

destacan las de mármol blanco con fustes cilíndricos adornados con anillos, como en la parte del

palacio de los Leones.

Con techos adintelados, se encuentra apoyado en unas columnas, los capiteles son también

cilíndricos en el interior y cúbicos en el exterior recubiertos por la vegetación. Los arcos de tipo

herradura, angrelados, lobulados y apuntados. La columna nazarí es de mármol, muy esbelta,

26

levantada sobre un plinto con un capitel con dos cuerpos decorados, la forma de la parte superior es

cúbica y la zona inferior cilíndrica.

Los materiales del interior son el mármol en los suelos, paredes de yeso y madera en los

techos, cubiertos, a veces, con decoraciones geométricas también de madera. En algunas zonas hay

bóvedas y falsas cúpulas con formas estrelladas y octogonales.

La decoración da la percepción geométrica y la epigrafía, tratando de temas religiosos,

poéticos y sobre la dinastía nazarí. Y de forma compacta y densa. También existen decoraciones y

diseños más complejos con la prolongación de las líneas, la repetición de un motivo hasta cubrir todo

el espacio disponible. La decoración muestra las características de la decoración mocárabe sobre

yeso y madera, compuesta por pequeños prismas que vistas desde el interior generan sensaciones

geométricas.

También es muy importante en la Alhambra, los espacios exteriores y la naturaleza de los

jardines, fuentes y canales que lo rodean y decoran.

Además de ser una ciudad-palacio, también tiene significado simbólico donde a través de

los elementos arquitectónicos y de la decoración realiza una exaltación de la religión islámica y de la

dinastía nazarí.

El agua representa un don de la divinidad y su depositario es el sultán, representa el poder

político y religioso. El agua es concedida por el sultán a sus súbditos representados en los leones, de

la fuente del palacio de los Leones.

También se utiliza el agua como el mayor elemento simbólico que es el paraíso

representado en los jardines, como elemento de purificación que es ofrecido a los súbditos, y con una

función práctica del abastecimiento de la ciudad.

Su autor es anónimo y se crea en la España islámica nazarí, en tiempos de los califas de

Bagdad y de Damasco, durante el Reino de Taifas de Granada.

PRENDIMIENTO DE JESÚS, CAPILLA SCROVEGNI, Ana Puerto Montañés

Este fresco pertenece a Giotto di Bondonne, enmarcado dentro

del renacimiento italiano lo fechamos en el año 1502-1505 y está

localizado en la capilla de los Scrovegni en la isla de Padua.

27

En estos momentos en Italia se estaba viviendo la expansión urbana, económica y cultural.

Propiciada por un profundo cambio en la sociedad con el auge de la burguesía frente al feudalismo y

la creación de universidades que terminaba con el monopolio eclesiástico en cuestiones culturales.

El cambio en la economía fue tan profundo que se encuentra en las bases de las restantes

transformaciones: renació la artesanía, consolidación d los gremios, y surgieron las primeras

instituciones precapitalistas. La burguesía de mentalidad más abierta se convirtió en los mecenas de

los grandes artistas renacentistas, propiciando así un gran cambio en el arte.

Estos acontecimientos históricos nos dejan como muestra un arte hecho a la medida de los

hombres, un arte mas humanizado en el que el hombre es la medida de las cosas recuperando

formas arquitectónicas de la antigüedad e idealizando la relación con la naturaleza. Aunque Giotto

desarrolla la mayor parte de su obra en el Trecento había realizado grandes avances en la pintura

que se acercaban a los conceptos del mundo clásico que se desarrollaran en el Quattrocento. La

pintura de esta época continúa siendo en su mayor parte de carácter religioso pero poco a poco se

van introduciendo temas de la mitología clásica hasta representarse el desnudo humano. Un gran

cambio vino dado por la perspectiva lineal que nos permite añadir el efecto de profundidad y ver en

tres dimensiones cuando en realidad solo hay dos.

Giotto di Bondone pertenece al Trecento italiano, es un autor que marca la transición desde

el hieratismo bizantino hasta el naturalismo renacentista. Obtuvo un gran éxito ya que recibió

encargos de toda Italia. Además de pintor, fue arquitecto, como discípulo de Cimabue, tiene tradición

bizantina. Este autor representa la luz mediante el color.

La técnica utilizada por Giotto en la obra es el fresco, pintura realizada sobre una fina capa

de yeso en la cual cuando todavía esta húmeda se realiza la obra, esta técnica permite una mejor

conservación de la pintura.

Representa una escena bíblica, la traición de Judas que ocurre en el centro de la obra,

mientras que el resto de los personajes muestran la confusión y el dramatismo de la escena. Judas

rodea con su manto, tratado increíblemente y se acerca a Jesús para delatarlo con su beso. Las dos

figuras principales (Jesús y Judas) se miran fijamente mostrando claramente la intención de la obra.

A la izquierda aparece Pedro cortándole la oreja a Malco, mientras que fariseos y soldados con

armas comienzan un enfrentamiento a la derecha y al fondo.

Existe un predominio de la luz en los personajes a destacar, utilizando gamas cromáticas mas

cálidas. Se puede observar un intento de perspectiva con superposición de imágenes, situando las

destacadas en planos superiores.

28

EL MATRIMONIO DE ARNOLFINI, Brenda Pérez Zapater

“El matrimonio de Arnolfini” es una pintura realizada en tabla de

roble de 82x60 cm con la técnica del óleo. Pintada en el año 1434, es

de estilo gótico, obra del pintor Jan van Eyck , perteneciente a la

escuela de los Primitivos Flamencos. Actualmente se localiza en la

National Gallery de Londres.

La técnica utilizada por Van Eyck y después por los pintores de

la escuela de Flandes del siglo XV, protagonizó una auténtica

revolución en la pintura: el uso del aceite como aglutinante del color.

Aunque ésta técnica ya era conocida en la Edad Media, no era

frecuente su uso; hasta entonces las pinturas se realizaban en murales

o frescos, aplicando los pigmentos sobre una pared húmeda

previamente tratada con cal, o utilizando la técnica del temple sobre

tabla, que usaba como aglutinante huevo o cola obtenida de los

huesos de los animales. Con el uso de esta técnica del óleo, la pintura adquiere una calidad

especial, aportando finura, delicadeza, texturas en los objetos y calidades brillantes que los hacen

hiperreales. El detalle y minuciosidad conseguidos es lo que se ha dado en llamar a esta pintura

“realismo sensorial”. Entre los iniciadores de ésta técnica (Primitivos Flamencos) se encuentran

Humberto Van Eyck (hermano de Jan), Robert Campin y Roger Van der Weyden.

El cuadro “El matrimonio de Arnolfini” destaca por su línea precisa y detallista. Todas las

líneas convergen hacia el fondo, dando lugar a una perspectiva lineal, ampliada gracias a la

colocación del espejo al fondo y cuya finalidad es ganar profundidad. La luz tiene una gran

importancia en esta pintura. Ésta, sumada a la técnica de las veladuras con óleo (superposición de

pinceladas a modo de transpariencias), crea una atmósfera que casi se puede tocar. La composición

de la escena se complementa con la luz de la izquierda, que proviene de una ventana, creando un

eje lateral que dinamiza la posición estática de la pareja Arnolfini.

En la obra aparece el retrato de Giovanni Arnolfini y su reciente esposa Giovanonna Cenanni,

pintado en primer plano dándose la mano y situados en una habitación por la que entra la luz solar a

través de una ventana. A sus pies se encuentra un perro, y a la misma altura los zuecos del hombre;

en un segundo plano los zapatos de ella, es decir, ambos están descalzos sobre el suelo de madera.

29

Al fondo de la habitación podemos observar una cama con dosel de color rojo a la derecha, y un

sofá del mismo color a su izquierda. Encima de dicho sofá hay un espejo circular con imágenes del

vía crucis donde vemos el reflejo de los contrayentes de espaldas y los testigos presentes en la

escena del casamiento. Encima del espejo aparece una inscripción en la pared escrita en latín y a su

izquierda un rosario colgado. El centro del cuadro es ocupado por una gran lámpara con una sola

vela y que además está encendida. A la izquierda de la pintura observamos un mueble bajo la

ventana donde hay naranjas sobre él.

Giovanni Arnolfini aparece serio con la mano derecha levantada en señal de bendición o

juramento. Lleva una rica capa de piel y un gran sombrero y su esposa lleva un largo vestido verde

de rico tejido con puños también de piel. Su cabeza la cubre con un velo blanco.

La luz que entra por la ventana da de lleno en la cara de la mujer y da a la escena un toque

cálido.

Dentro de este cuadro observamos numerosos rasgos simbólicos de todos los elementos

que lo componen, creando cierta dificultad a la hora de interpretarlo.

La fertilidad aparece en varios objetos del cuadro, como por ejemplo en el color verde del

vestido de Giovanonna Cenanni o el hecho de que los retratados aparezcan descalzos. También lo

vemos en la acción de recogerse el vestido a la altura del vientre y posar su mano sobre él, dando la

impresión de estar embarazada. Otro símbolo que alude a la fertilidad es la figura de la Santa sobre

el cabecero de la cama, símbolo de la idea femenina y de la procreación. En la terminación del sofá

y visualmente sobre las manos de la pareja, aparece una gárgola sonriente que puede simbolizar un

exorcismo para alejar la falta de descendencia.

Los símbolos como el rosario, la vela encendida y el vía crucis aluden a la religiosidad de la

escena haciendo una clara referencia a la presencia de Dios.

El perro simboliza la fidelidad, y el ambiente hogareño. Tanto el reflejo del espejo como la

firma escrita en la pared, es la forma de mostrarnos quiénes fueron los testigos de ese casamiento.

Las naranjas sobre el mueble, representan la posición social del mercader Arnolfini y su mujer por

ser un lujo a los que pocos podían acceder.

La época en la que se pintó este cuadro estuvo marcada por importantes cambios sociales,

que iban dejando atrás la Edad Media y que gracias a la expansión del comercio, daba cada vez

mayor poder a los burgueses, Además del comercio, el mecenazgo de la aristocracia (duques de

Borgoña) ayudó a la creación de la escuela pictórica de los Países Bajos. Giovanni Arnolfini era un

mercader italiano rico y con poder y así se refleja en la pintura flamenca, que pinta retratos de la

burguesía para mostrar su posición social. La prosperidad de los negocios de esta clase social se

refleja en la decoración de la habitación mostrando tapices, vestidos hechos con ricas telas y pieles,

30

y otros elementos decorativos. La luz y el color utilizados resaltan el volumen de las figuras

consiguiendo un gran protagonismo a las personas retratadas.

La colocación del espejo al fondo y su reflejo lo veremos años más tarde en la pintura de

Velázquez y su cuadro de “las Meninas” y “la Venus del espejo”, donde utilizará el mismo recurso.

31