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TEMAS PARA ESTUDIAR RECUPERACION DE ARTE 1 PERIODO DENIS- JULIANA – JUAN PABLO LOGRO 2: Diferencio las diferentes etapas de la historia del arte contemporáneo y su influencia en el arte del fauvismo, impresionismo y cubismo. FAUVISMO https://www.youtube.com/watch?v=HvNnc4s06sk&t=33s El arte del siglo XX se caracteriza por que está configurada de múltiples corrientes llamadas ismos. No todas las tendencias van en forma lineal una después de otra, sino que se relacionan para dar paso hacia otra nueva. Las vanguardias no se pueden ordenar en una línea de tiempo. Es un tópico el considerar el arte del siglo XX como ruptura con respecto a lo anterior, pero esta ruptura no comienza a principios del siglo XX, sino a fines del XIX. La Revolución Industrial y los grandes adelantos de la técnica ayudaron a moldear la mentalidad del hombre a principios del siglo XX. La primera y segunda guerra mundial, fue donde ocurrió el cambio. Cada cual trajo sus tendencias. Los filósofos aportan con sus teorías reveladoras. Hay vanguardias que no se pueden explicar ni entender si no se integran con estas teorías. Hay una gran necesidad de cambio que ha dado como resultado corrientes diversas e incluso contradictorias; como la tendencia conceptual y la realista. El Fauvismo es uno de los movimientos del siglo XX, se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores. El artista

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TEMAS PARA ESTUDIAR RECUPERACION DE ARTE 1 PERIODO

DENIS- JULIANA – JUAN PABLO

LOGRO 2: Diferencio las diferentes etapas de la historia del arte contemporáneo y su influencia en el arte del fauvismo, impresionismo y cubismo.

FAUVISMOhttps://www.youtube.com/watch?v=HvNnc4s06sk&t=33s

El arte del siglo XX se caracteriza por que está configurada de múltiples corrientes llamadas ismos. No todas las tendencias van en forma lineal una después de otra, sino que se relacionan para dar paso hacia otra nueva. Las vanguardias no se pueden ordenar en una línea de tiempo.

Es un tópico el considerar el arte del siglo XX como ruptura con respecto a lo anterior, pero esta ruptura no comienza a principios del siglo XX, sino a fines del XIX.

La Revolución Industrial y los grandes adelantos de la técnica ayudaron a moldear la mentalidad del hombre a principios del siglo XX.

La primera y segunda guerra mundial, fue donde ocurrió el cambio. Cada cual trajo sus tendencias.

Los filósofos aportan con sus teorías reveladoras. Hay vanguardias que no se pueden explicar ni entender si no se integran con estas teorías.

Hay una gran necesidad de cambio que ha dado como resultado corrientes diversas e incluso contradictorias; como la tendencia conceptual y la realista.

 El Fauvismo es uno de los movimientos del siglo XX, se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberación desordenada que rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante.

Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista.

Los artistas más destacados son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink, Braque, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen. Quien le dio el nombre de fauvismo a este movimiento, fue Louis Vauxcelles, en su crítica hecha en el Salón

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de Otoño de 1905, por causa de los violentos métodos que utilizaban los artistas anteriormente nombrados.

 ” El arte fauvista, si bien podemos observar en las imágenes y videos de este blog, no busca la perfección de formas, paisajes, retratos, etc, sino que expresa sentimientos representados por formas mediante un juego cromático, donde plasma colores saturados, fuertes, alegres, que logran llamar la atención. Al no buscar la perfección, este movimiento artístico se destaca por su sencillez. Utiliza la imaginación, mezclando el mundo real con el mudo interior. El Fauve (artista fauvista), deja fluir su intuición al momento de crear una obra, que es de interpretación libre, lo que la hace subjetiva. Destaca las formas y paisajes a través de un contraste de colores, saturándolos o marcando los contornos con

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líneas oscuras bien definidas. Entre los temas principales de fauvismo se pueden encontrar: paisajes, retratos, cuadros africanos o árabes, espacios como paredes o piezas, etc.

El Fauvismo (1904-1907) es un movimiento artístico destacado del siglo XX. Su estilo pictórico utiliza colores fuertes, contrastados, sobresaliendo el cromatismo irreal, es decir, utiliza colores que en la realidad no existen (por ejemplo: árboles rojos, amarillos, etc.). Expresa la libertad, rebeldía, imaginación y sentimientos de los artistas, no siguiendo contornos perfectos ni líneas exactas, sino que deja fluir el mundo interior del artista. Los artistas más destacados de este movimiento son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink y Pablo Picasso, entre otros (podrás encontrar las biografías de estos personajes en “Biografías” de este mismo blog).”

IMPRESIONISMOhttps://www.youtube.com/watch?v=wkUxpiWsXZU&t=200s

El impresionismo es un estilo pictórico que se origina en Francia, en la segunda mitad del siglo XIX. Se caracteriza por su persistente experimentación con la iluminación (similar al luminismo). El manejo de la luz se considera como un factor crucial para alcanzar belleza y balance en la pintura.

Los cuadros impresionistas se construyen técnicamente a partir de manchas bastas de colores, las cuales actúan como puntos de una policromía más amplia, que es la obra en sí. Por ello, al observar los lienzos es necesario tomar cierta distancia, para que aparezcan las luces sombras y figuras.

Contexto histórico del arte impresionista

La aparición del impresionismo ocurre como consecuencia de un cambio social importantísimo; durante finales del siglo XVIII y la primera mitad del siglo XIX, suceden las transformaciones siguientes: revolución industrial, revolución francesa, imperio de Napoleón, restauración de los movimientos sociales y las reformas burguesas. La filosofía Racionalista del siglo de las luces, se desvanece junto al Romanticismo, atrás queda la estilística donde el sentimiento, la imaginación y las pasiones gobiernan las artes. Ahora las ideas nacionalistas y socialistas tiñen el pensamiento colectivo.

Ya en la segunda mitad del siglo XIX (época en la que nace el impresionismo), se produce un crecimiento económico en Europa. La intensificación del comercio y el progreso técnico lleva a la consolidación de la burguesía. Las clases sociales se reorganizan y los dirigentes socialistas de toda Europa se reúnen para hablar de aquellos cambios. La filosofía de entonces es positivista y realista, donde se

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prueban las cosas y se exige la transformación del mundo. El arte cambiaba en conjunto con la sociedad.

Origen del nombre

En 1874 se organiza la primera exhibición de un grupo de jóvenes pintores, en la "Société Anonyme Coopérative des Artistes, Peintres, Sculpteurs, Graveurs", París. En esta exhibición el estilo artístico impresionista se nombra por la famosa obra de arte “Impresión” (1874), de Claude Monet.

Pintura impressionista originaria. Detalle de la obra de Claude Monet. Sol reflejado en el mar, pintado al óleo.

Naturaleza del estilo

El estilo se clasifica como la primera ruptura del proceso que desembocaría en el arte moderno. En los cuadros de los inicios del siglo XIX, no se valoraban los paisajes ni los bodegones, por lo tanto el impresionismo, no sólo abre los ojos del espectador a la técnica, sino que también a la variedad de formas y la captura de paisajes cotidianos vistos desde las más ingeniosas perspectivas. Los colores son puros, poco mezclados y se conjugan en formas de un naturalismo extremo. Las pautas que consuman esta tendencia son: el movimiento del paisaje, la naturalidad de las formas y la pureza.

Pintores impresionistas

Lo que une a estos genios de la pintura es la intención de reproducir escenas de la vida diaria de un modo creativo. En la mayoría de ocasiones se pueden distinguir claramente por su estética, imágenes desenfocadas y obras de apariencia inacabada.

Entre los artistas impresionistas más famosos se encuentran (orden cronológico):

Camille Pissarro (1830-1903).

Édouard Manet (1832-1883).

Edgar Degas (1834-1917).

Alfred Sisley (1839-1899).

Paul Cézanne (1839-1906).

Claude Monet (1840-1926).

Jean-Frédéric Bazille (1841-1870).

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919).

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Berthe Morisot (1841-1895).

Mary Cassatt (1844-1926).

Gustave Caillebotte (1848-1894).

Estos pintores han demostrado que se pueden crear arte mirando lo mismo de distintas maneras, en lugar de buscar un paisaje u objeto diferente cada vez. De esta manera respondían a la polémica social del momento: Se puede crear un orden para todos por igual, pidiendo a cada grupo social su colaboración, en lugar de que el poder pase de un grupo político a otro.

CUBISMOhttps://www.youtube.com/watch?v=TKklnjQSaOs

1. ¿Qué es el cubismo?

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Se conoce con el nombre de cubismo a un movimiento artístico del siglo XX que irrumpió en la escena artística europea en 1907, marcando un fuerte distanciamiento respecto a la pintura tradicional y sentando un precedente vital para el surgimiento de las vanguardias artísticas.

Su estilo característico explora una nueva perspectiva geométrica de la realidad, mirando los objetos desde todos los puntos de vista posibles, lo cual fue una ruptura con modelos pictóricos vigentes desde el Renacimiento.

El término “cubismo” no obstante no fue propuesto por los propios pintores, sino por el crítico Louis Vauxcelles, el mismo que en su momento puso nombre al fauvismo, quien luego de acudir a una exposición de Georges Braque (francés, 1882-1963) afirmó que sus obras “reducían el paisaje y el cuerpo humano a insípidos cubos”, y procedió entonces a hablar del cubismo. Al respecto afirmaría luego el pintor español Pablo Picasso, considerado máximo exponente del movimiento, que “Cuando hacíamos cubismo, no teníamos ninguna intención de hacer cubismo, sino únicamente de expresar lo que teníamos dentro”.

2. Características del cubismo

Las pinturas cubistas suprimen la mayoría de los detalles de los objetos que representan.

A pesar de lo que su nombre pueda sugerir, el cubismo no consiste en pintar a través de cubos. Por el contrario, el cubismo reconoce y abraza la naturaleza bidimensional del lienzo y renuncia a la tridimensionalidad, tratando más bien de representar en sus pinturas todos los puntos de vista posibles de un objeto, de manera simultánea. Al hacerlo, revolucionaba los preceptos vigentes en la pintura desde la antigüedad, razón por la cual se considera al cubismo como la primera de las vanguardias artísticas.

Las pinturas cubistas, así, carecen de profundidad, ofrecen múltiples puntos de vista (en lugar de uno único), y suprimen la mayoría de los detalles de los objetos

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que representan, a menudo reduciéndolos a un mismo rasgo: los violines, por ejemplo, se reconocen únicamente por sus colas.

Al mismo tiempo, el género de pinturas del cubismo no podría ser más convencional: bodegones, paisajes, retratos. Pero a diferencia del impresionismo y del fauvismo, se los pinta con colores apagados: grises, verdes y marrones, sobre todo en su primera época.

La dificultad que suponía interpretar ciertos cuadros cubistas, dada su ruptura con toda forma de naturalidad, ocasionó que fuera necesario acompañar la obra con un texto explicativo o de naturaleza crítica, gesto que luego se haría común en las obras de arte de las vanguardias.

3. Artistas del cubismo

El máximo exponente del cubismo fue el español Pablo Picasso (1881-1973), a quien se le asume como fundador de la estética y primer cultor de su estilo. Sin embargo, otros artistas reconocidos por su obra cubista fueron los franceses Georges Braque (1882-1963), Jean Metzinger (1883-1956), Albert Gleizes (1881-1953) y Robert Delanay (1885-1945), y los españoles Juan Gris (1887-1927) y María Blanchard (1881-1932).

4. Cubismo analítico (1909-1912)

Muchas obras del cubismo analítico se volvían prácticamente abstractas.

El cubismo analítico o cubismo hermético fue la etapa inicial del movimiento, cuyas pinturas eran casi todas monocromas y grises, enfocadas en el punto de vista y no en la cromaticidad. Este enfoque era tal, que en muchos casos las obras se volvían prácticamente abstractas, ya que los planos se hacían irreconocibles e independientes del volumen del objeto pintado. Esto ocasionó que

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el nuevo estilo recibiera mucho rechazo de los sectores tradicionalistas de la pintura, al mismo tiempo que el entusiasmo de los artistas de vanguardia y de personalidades de la cultura como Guillaume Apollinaire y Gertrude Stein, quienes escribieron piezas críticas sobre la importancia del cubismo naciente.

Hacia 1911, sin embargo, el pintor madrileño Juan Gris empezó a interesarse por la luz, incorporándola a sus obras cubistas de manera naturalista. Pero al año siguiente se había sumado a la tendencia hacia el collage de Picasso y Braque, incorporando a sus cuadros materiales diversos como madera y tapicería.

5. Cubismo sintético (1912-1914)

El cubismo sintético añade color a la tendencia cubista hasta entonces monocroma.

El segundo período del cubismo nace a raíz de la tendencia de Braque a incorporar, a partir de 1912, números y palabras en sus cuadros, así como la utilización de maderas, papeles decolorados y otros materiales.

Ese mismo año Picasso realiza su primer collage, y esta incorporación de otros elementos añade color a la tendencia cubista hasta entonces monocroma. Los cuadros cubistas se vuelven entonces más figurativos y por ende más sencillos de interpretar, más dóciles, y en ellos los objetos son reducidos a sus características elementales, en vez de a volúmenes y planos superpuestos.

Ésta es considerada la etapa más imaginativa del cubismo, especialmente en la obra de Juan Gris, quien se otorgó mayores cuotas de libertad y color. Sin embargo, la Primera Guerra Mundial puso fin al movimiento, ya que muchos pintores fueron llamados al frente, y en la posguerra solamente Juan Gris permaneció fiel al cubismo, aunque en un estilo mucho más simple y austero.

6. Obras del cubismo

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Algunos de los cuadros más representativos del cubismo son:

Guernica (1937) de Pablo Picasso. Las señoritas de Avignon (1907) de Pablo Picasso. Violín y paleta (1909) de Georges Braque. La botella de anís (1914) de Juan Gris. Mujer leyendo en la playa (1937) de Pablo Picasso.