universidad iberoamericana torreónitzel.lag.uia.mx/publico/pdf/muestra-63-fichas.pdf · el otro...

Universidad Iberoamericana Torreón

63 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

Tel. 705-10-15 y 73

/Difusión Cultural Ibero [email protected]

6633 MMUUEESSTTRRAA IINNTTEERRNNAACCIIOONNAALL DDEE CCIINNEE

DDeell 99 aall 1155 ddee mmaarrzzoo ddeell 22001188 CCiinnééppoolliiss GGaalleerrííaass // TToorrrreeóónn,, CCooaahhuuiillaa

PELÍCULA CLASIF. DIRECTOR PAIS AÑO DUR. FECHA

1 La cordillera B Santiago

Mitre Argentina-España-

Francia 2017 114

Vie 9 de marzo

2 El otro lado de la esperanza

B Aki

Kaurismäki Finlandia-Alemania 2017 110

Sáb 10 de marzo

3 The Square B15 Ruben

Östlund Suecia-Dinamarca-Alemania- Francia

2017 142 Dom 11

de marzo

4

Una bella luz interior Un beau soleil

interieur

B15 Claire Denis Francia 2017 94 Lun 12

de marzo

5 En la penumbra Aus dem Nichts

B15 Fatih Akin Alemania-Francia 2017 100 Mar 13

de marzo

6 Good time: viviendo al límite

B15 Benny y Josh

Safdie Estados Unidos 2017 100

Miér 14 de marzo

7 Poesía sin fin C Alejandro

Jodorowsky Francia-Chile 2016 128

Jue 15 de marzo

mailto:[email protected]



Tel. 705-10-15 y 73


La cordillera (Santiago Mitre, Aargentina-España-Francia, 2017) Viernes 9 de marzo

El otro lado de la esperanza (Aki Kaurismäki, Finlandia-Alemania, 2017) Sábado 10 de marzo

The Square (Ruben Östlund, Suecia-Dinamarca-Alemania-Francia, 2017) Domingo 11 de marzo

Una bella luz interior (Claire Denis, Francia, 2017) Lunes 12 de de marzo

En la penumbra (Fatih Akin, Alemania-Francia, 2017) Martes 13 de marzo

Good time: viviendo al límite (Benny y Josh Safdie, Estados Unidos, 2017) Miércoles 14 de marzo Poesía sin fin (Alejandro Jodorowsky, Francia-Chile, 2016) Jueves 15 de marzo




Tel. 705-10-15 y 73


La cordillera

Argentina-España-Francia, 2017, 114 min.

Dirección: Santiago Mitre

Guión: Santiago Mitre, Mariano Llinás

Fotografía: Javier Juliá

Música: Alberto Iglesias

Edición: Nicolás Goldbart

Con: Ricardo Darín (Hernán Blanco), Dolores Fonzi (Marina Blanco),

Érica Rivas (Luisa Cordero), Elena Anaya (Claudia Klein), Daniel

Giménez Cacho (Sebastián Sastre, presidente de México), Alfredo

Castro (Desiderio García), Gerardo Romano (Castex)

CP: K&S Films, La Unión de los Ríos, ARTE France Cinéma, Telefe

Prod: Hugo Sigman, Fernando Bovaira, Matías Mosteirín, Didar

Domehri

Dist: Universal.

Durante una cumbre de jefes de Estado latinoamericanos en un hotel de los Andes, Hernán

Blanco, el presidente de Argentina, se ve atrapado por un asunto de corrupción que implica a su

hija. Mientras lucha por evadir el escándalo que podría acabar con su carrera, también debe velar

por los intereses políticos y económicos de su país. Con un elenco internacional encabezado por

Ricardo Darín, El tercer largometraje de Santiago Mitre se adentra en el mundo de la alta política

para construir una historia que en vez de optar por un posicionamiento frente al poder, explora los

códigos éticos y filosóficos en los que se basa; todo sin dejar de lado cuestiones como el papel del

inconsciente o la existencia del mal.

Premios y festivales:

2017 Selección oficial de la sección Una Cierta Mirada. Festival de Cannes. Francia. | Proyección

especial. Festival Internacional de Cine Donostia-San Sebastián. España. | Proyección Inaugural.

Santiago Festival Internacional de Cine (SANFIC). Chile. | Selección oficial de la sección Cine

Contemporáneo del Mundo. Festival Internacional de Cine de Toronto. Canadá. | Nominación al

premio a la mejor película, mejor actor (Alejandro Darín), mejor fotografía, mejor música original, y

mejor sonido. Premio Iberoamericano de Cine Fénix. México.




Tel. 705-10-15 y 73


Santiago Mitre

Buenos Aires, Argentina, 1980

Tras estudiar en la Universidad del Cine, en Buenos Aires, codirigió El amor – primera parte,

presentada en la Muestra de Venecia, y años más tarde los thrillers políticos El estudiante (2011) y

La Patota (2015). Como guionista ha trabajado junto a consagrados cineastas como Pablo Trapero

o Walter Salles.

Crítica

Como sucedía en El estudiante (2011) y en La patota (2015), filmes anteriores de Santiago Mitre,

La cordillera es una película política alejada del panfleto. El director parece estar enfocado en

observar y estudiar la filosofía y la ética del poder más que en hacer una declaración definitiva. Y

lo hace retratando a personajes que son jugadores en el campo práctico de la política, ahí donde

las teorías e ideologías se enfrentan con la realidad de las necesidades y tentaciones del poder.

El protagonista de La cordillera es Hernán Blanco, flamante presidente de la Argentina,

invitado a una cumbre de jefes de Estado latinoamericanos, en la que tendrá la oportunidad de

demostrar su fortaleza y astucia para negociar con sus pares la creación de una organización

regional de naciones productoras de petróleo. Mientras discute sus opciones con su mano

derecha, Luisa, y su jefe de Gabinete, Castex, Blanco tiene que hacerse cargo de un problema

familiar que involucra a su hija Marina.

A partir de la aparición de su hija en el hotel donde se lleva a cabo la cumbre –y de la

sesión de hipnotismo a la que ésta se somete–, la película va cambiando de tono. Es el punto de

inflexión en el que el espectador que busque un alegato político podría sentirse frustrado en sus

expectativas, pero aquél que disfrute del suspenso y aprecie las posibilidades del cine de

representar el inconsciente terminará por sumergirse.

Hay mucho de Hitchcock en La cordillera, pero también algo de los thrillers político-

paranoicos de los años 70 (Todos los hombres del presidente, Los tres días del cóndor). Este

clima inquietante que va tiñendo la película está manejado con maestría en todos los aspectos, en




Tel. 705-10-15 y 73


especial en la dirección de actores, que logra extraer lo mejor de un elenco que derrocha talento y

en el que cada actor resulta el ideal para interpretar el guion de Mitre y Mariano Llinás.

En La cordillera no se ven los hechos desde el lado del héroe que investiga lo que hay

detrás de las maquinaciones políticas, sino desde la cercanía al propio hombre poderoso que está

metido en ellas.

Fragmentos de un texto de María Fernanda Mugica

La Nación (lanacion.ar)

Buenos Aires, 17 de agosto de 2017




Tel. 705-10-15 y 73


El otro lado de la esperanza

Toivon tuolla puolen

Finlandia-Alemania, 2017, 110 min.

Dirección y Guión: Aki Kaurismäki

Fotografía: Timo Salminen

Edición: Samu Heikkilä

Con: Sherwan Haji (Khaled), Sakari Kuosmanen (Wikström),

Ilkka Koivula (Calamnius), Janne Hyytiäinen (Nyrhinen), Nuppu

Koivu (Mirja), Simon Hussein Al-Bazoon (Mazdak)

CP: Sputnik, Oy Bufo Ab, Pandora Film

Prod: Aki Kaurismäki, Misha Jaari, Mark Lwoff y Reinhard Brundig.

Dist: ND Mantarraya

Khaled, un emigrante sirio que huyó de la guerra en Alepo, llega al puerto de Helsinki a bordo de

un carguero. Después de un largo deambular por las calles de dicha ciudad, se encontrará con

Wikström, un viejo comerciante que decide cambiar radicalmente su vida. Segunda entrega de la

trilogía portuaria que Aki Kaurismäki inició con Le Havre: El puerto de la esperanza (2011), El otro

lado de la esperanza es un relato sobre la indiferencia burocrática y la violencia del

ultranacionalismo en la Europa actual, el cual no renuncia a la estética minimalista, la reflexión

humanista y un áspero sentido del humor, elementos depositados en la obra previa del veterano

cineasta finlandés.

Premios y festivales

2017 Oso de Plata al mejor director. Festival Internacional de Cine de Berlín. Alemania. | Gran

Premio FIPRESCI. Festival Internacional de Cine de Donostia-San Sebastián. España. | Premio

del Cine Alemán por la Paz al mejor director internacional. Festival de Cine de Múnich. Alemania. |

Gran Premio. Festival de Cine de la Ciudad de Luxemburgo. | Selección oficial. Festival

Internacional de Cine de Chicago. Estados Unidos.




Tel. 705-10-15 y 73


Aki Kaurismäki

Orimattila, Finlandia, 1957

Realizador autodidacta, se desempeñó como cartero, lavaplatos y crítico de cine antes de fundar la

compañía productora Villealfa junto a su hermano Mika. Entre su prolífica filmografía se hallan

varios largometrajes permeados por un áspero sentido del humor y una estética minimalista.

Crítica

Infatigable defensor del humanismo incluso en un feroz mundo como el nuestro, Aki Kaurismäki

regresa encarando la gran tragedia del presente. El otro lado de la esperanza supone la segunda

entrega de la trilogía portuaria que el autor finlandés inició con Le Havre: El puerto de la esperanza

(2011). De nuevo asistimos a la confraternización entre un europeo que se acerca a la vejez y un

joven extranjero. Esta vez, Khaled, emigrante sirio que huyó de la guerra en Alepo, llega al puerto

de Helsinki a bordo de un carguero. Por otra parte, Wikström es un veterano comerciante que

decide cambiar radicalmente su vida abandonando a su esposa alcohólica y buscando otro trabajo.

Los caminos de estos dos personajes se cruzan en una historia en la que Kaurismäki exhibe una

dilatada gama de elementos que conviven en la Europa actual: la indiferencia burocrática, la

violencia del ultranacionalismo y el reducto social que empatiza con el migrante. Estas cuestiones

se mezclan con los temas clave de su obra previa como la brecha abismal entre la clase

trabajadora y las élites, y la revelación espontánea de una dignidad que creíamos extinta. En el

filme cohabitan una realidad devastadora y un sentido del humor basado en la ironía de lo

cotidiano, elaborando un discurso contundente sobre la decadencia ética de la Europa

contemporánea.

La cinta brilla por la integración de Khaled en el paisaje de la capital finlandesa. El actor sirio

Sherwan Haji encaja con naturalidad en el particular universo de Kaurismäki, alumbrado por la

soberbia fotografía de Timo Salminen y avivado por los compases nostálgicos del rock autóctono.

El cineasta señala que en esta Europa regida por normas que olvidan los derechos fundamentales




Tel. 705-10-15 y 73


de los nativos o foráneos, la única posibilidad de alcanzar la libertad radica en desafiar la injusticia

con rebeldía humanista. El resultado es un filme que se revela como un impecable reflejo de

nuestro mundo, pero, sobre todo, como un remedio infalible contra la derrota.

Fragmentos de un texto de Javier H. Estrada

Caimán Cuadernos de Cine, núm 59 (vol. 110)

Madrid, abril de 2017




Tel. 705-10-15 y 73


The Square

Suecia-Alemania-Francia-Dinamarca, 2017, 142 min.

Dirección y Guión: Ruben Östlund

Fotografía: Fredrik Wenzel

Edición: Ruben Östlund y Jacob Secher Schulsinger

Con: Claes Bang (Christian), Elisabeth Moss (Anne), Dominic West

(Julian), Terry Notary (Oleg), Christopher Læssø (Michael), Marina

Schiptjenko

CP: Plattform Produktion AB, Essential Films, Parisienne,

Coproduction Office

Prod: Erik Hemmendorff y Philippe Bober

Dist: Piano

Christian, respetado curador en un museo de arte contemporáneo, ama pasar tiempo con sus dos

hijas, apoya causas ecologistas y se involucra en cuestiones humanitarias. Mientras prepara su

próxima exposición, la cual incita al público a recordar sus valores altruistas, es víctima de un robo.

Sus ideales cambiarán cuando la agencia de comunicación de la galería lance una sorprendente

campaña de marketing que lo hunde en una crisis existencial. Siguiendo el absurdo de su trabajo

previo, Fuerza mayor (2014), el tercer largometraje del realizador sueco Ruben Östlund hace una

sagaz crítica a las jerarquías de poder en la sociedad y al esnobismo que existe en la escena

artística de nuestros días.


2017 Palma de Oro, Premio Volcán de la Comisión Superior Técnica de Imagen y Sonido (CST) al

artista-técnico y Premio de la Sociedad Cinéfila Internacional (ICS) al mejor guion. Festival de

Cannes. Francia. | Selección oficial de la sección Zabaltegi-Tabakalera. Festival Internacional de

Cine de Donostia-San Sebastián. España. | Selección oficial. Festival de Cine de Hamburgo.

Alemania.




Tel. 705-10-15 y 73


Ruben Östlund

Styrsö, Suecia, 1974

A finales de los años 90 se dedicó a hacer filmes sobre deportes de invierno y eventualmente inició

sus estudios de cine en Gotemburgo, de donde se graduó en 2001. Sus dos primeros

largometrajes de ficción, Play. Juegos de hoy (2011) y Fuerza mayor (2014), fueron premiados en

el Festival de Cannes.

Crítica

Existe una reacción casi unánime de indignación cuando en un debate o charla coloquial surge el

tema de los sistemas de castas actuales. Lo curioso es que en pocas ocasiones nos paramos a

pensar que esos sistemas no distan mucho del libre albedrío político-social que existe en nuestra

sociedad. The Square, el más reciente filme de Ruben Östlund, incide sobre el dominio y evolución

establecidos por líderes de grupos sociales, o castas, que se dan en la civilización moderna, en los

cuales los “invisibles” aplauden la gracia de los “intocables” y contribuyen a que éstos puedan

mantener su posición elitista frente al resto.

Bajo esta línea, Östlund nos presenta a Christian, un curador de un museo de arte que se prepara

para una nueva exposición. A la espera de desentrañar los derroteros que tomará el principal

esquema argumental de la película, el espectador asiste a una serie de historias secundarias que

abrirán nuevos frentes al protagonista, como ser víctima de un robo, una campaña de marketing

para el nuevo show, la relación con sus dos hijas o una tumultuosa aventura con una compañera

de trabajo. En todas estas situaciones se aprecia una excesiva teatralidad y una clara superioridad

de Christian frente a todos los que lo rodean.

Conforme avanza el metraje, esas historias secundarias se prolongan con tremenda hilaridad

hasta componer la totalidad de un filme que, desposeído de una narración tradicional, adquiere

una fuerza metafórica extraordinaria y una ironía muy elocuente. Toda la película puede ser leída

como si se tratase del reino animal; de hecho, el museo y sus empleados son comparados

constantemente con una jungla y sus fieras. Casi todos los eventos comienzan de forma natural y




Tel. 705-10-15 y 73


espontánea, y finalizan con una imposición jerárquica del poderoso al débil, de lo gracioso a lo

violento, sea en el trabajo, la familia, los amigos o el sexo. Todo ello bajo un telón de fondo en el

también se puede entrever una sagaz crítica al absurdo esnobismo en el arte.

Fragmentos de un texto de Alberto Sáez Villarino

El antepenúltimo mohicano (elantepenultimomohicano.com)

Cannes, 20 de mayo de 2017




Tel. 705-10-15 y 73


Una bella luz interior

Un beau soleil intérieur

Francia, 2017, 94 min.

Dirección: Claire Denis

Guión: Claire Denis y Christine Angot, inspiradas en Fragmentos de

un discurso amoroso de Roland Barthes

Fotografía: Agnès Godard

Música: Stuart A. Staples

Edición: Guy Lecorne

Con: Juliette Binoche (Isabelle), Xavier Beauvois (el banquero),

Philippe Katerine (Mathieu), Josiane Balasko (Maxime), Sandrine

Dumas (la amiga), Nicolas Duvauchelle (el actor), Alex Descas

(Marc), Laurent Grévill (François), Gérard Depardieu (el vidente)

CP: Curiosa Films

Prod: Olivier Delbosc.

Dist: ND Mantarraya.

Isabelle es una artista divorciada que no quiere resignarse a estar sola el resto de su vida. Se

encuentra atrapada en una serie de relaciones con hombres que no parecen ir a ninguna parte, y

que incluyen a un banquero insensible, un actor caprichoso y su exesposo. A través de enérgicos

diálogos en secuencias que fragmentan su lucha cotidiana con las expectativas románticas, Claire

Denis crea un retrato impresionista de su protagonista, interpretada por Juliette Binoche. Tomando

como base el libro de Roland Barthes Fragmentos de un discurso amoroso, la directora inyecta de

humor este viaje emocional que se adentra en la indecisión, la insatisfacción sexual y el idealismo

del amor romántico.


2017 Premio SACD [Sociedad de Autores y Compositores Dramáticos] y Película inaugural de la

Quincena de Realizadores. Festival de Cine de Cannes. Francia. | Selección oficial de la sección

CineMasters Competition. Festival de Cine de Múnich. Alemania. | Selección oficial de la sección

World Focus. Festival Internacional de Cine de Tokio. Japón. | Selección oficial de la sección Love.

Festival de Cine BFI [British Film Institute] de Londres. Gran Bretaña. | Selección oficial de la




Tel. 705-10-15 y 73


sección Main Slate. Festival de Cine de Nueva York. Estados Unidos. | Selección oficial de la

sección Horizons. Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary. República Checa.

Claire Denis

París, Francia, 1948

Estudió cine en el IDHEC de París y fue asistente de Win Wenders y Jacques Rivette antes de

filmar su opera prima, Chocolate (1988). Interesada en la naturaleza del deseo, la visceralidad, la

representación de las razas y la marginalidad, su obra ha sentado un precedente para la labor de

las mujeres en el cine.

Crítica

En el prólogo de su ensayo Fragmentos de un discurso amoroso, Roland Barthes apuntaba la

razón que le había empujado a escribir un tratado sobre la experiencia romántica: «hoy en día, el

discurso amoroso es un hecho de una soledad extrema. Es posible que lo estén utilizando miles de

individuos, pero no lo defiende nadie; se encuentra completamente abandonado por los lenguajes

que lo rodean, o ignorado y menospreciado, o bien es objeto de burla». [Este discurso romántico

es el] espacio creativo en el que ahora se adentra la directora francesa Claire Denis, quien,

después de recibir el encargo del productor Olivier Delbosc de “adaptar” el ensayo de Barthes, se

reunió con la guionista Christine Angot para volcar en la deliciosa Una bella luz interior un torrente

de experiencias románticas personales.

Es posible encontrar en la película apetitosos rastros del discurso ensimismado que

reclamaba el semiólogo francés: planos subjetivos que van punteando las íntimas escenas de

pareja que conforman el corpus central del filme. Mucho más habladas de lo que es habitual en

Denis, estas escenas de encuentros y desencuentros acaban componiendo un collage de amoríos

“escindidos”. Todo resulta extremadamente fragmentario e inestable: un conglomerado de

romances descoyuntados que abocan al personaje de [Juliette] Binoche a un estado de volatilidad

emocional permanente.




Tel. 705-10-15 y 73


Cabe destacar la arriesgada apuesta de Denis por explorar un registro humorístico, muy

apoyado en la disección entre satírica y surrealista de las costumbres bohemias y burguesas, así

como en el trabajo de Binoche: nadie como ella sabe disolver la gravedad de una escena

rompiendo a reír como si no existiera un mañana. Denis –cineasta de películas aguerridas, incluso

hostiles– se atreve a poner en juego la comicidad sin disimulo, aprovechando el deseo de Barthes

de retratar «el lugar de la persona que habla para sí misma, amorosamente, ante el otro (el objeto

amado), que no le responde».

Fragmentos de un texto de Manu Yáñez

Otros Cines Europa





Tel. 705-10-15 y 73


En la penumbra

Aus dem Nichts,

Alemania-Francia, 2017, 100 min.

Dirección: Fatih Akin

Guión: Fatih Akin y Hark Bohm

Fotografía: Rainer Klausmann

Música: Josh Homme

Edición: Andrew Bird

Con: Diane Kruger (Katja Şekerci), Denis Moschitto (Danilo Fava),

Johannes Krisch (Haberbeck), Samia Chancrin (Birgit), Numan Acar

(Nuri Şekerci), Ulrich Tukur (Jürgen Möller)

CP: Bombero International, Warner Brothers Film Productions

Germany, Macassar Productions

Prod: Nurhan Şekerci-Porst, Fatih Akin y Herman Weigel

Dist: Zima Entertainment.

La familia de Katja es víctima de un trágico atentado en un barrio de inmigrantes de Hamburgo,

Alemania. Los primeros indicios de la investigación no arrojan resultados, lo que provoca una falta

de justicia para los allegados de los fallecidos. Hundida en una profunda depresión que la conduce

de vuelta a las drogas, Katja decidirá encontrar a los culpables para cobrar venganza. Con un

estilo que retoma el llamado cine de acción, el más reciente largometraje del director alemán-turco

Fatih Akin explora los problemas actuales del racismo en Europa, a partir del duelo y la destreza

de una ávida mujer, encarnada magistralmente por la actriz Diane Kruger.


2017 Premio a la Mejor Interpretación Femenina (Diane Kruger). Festival de Cannes. Francia. |

Proyección de Gala Inaugural. Festival Internacional de Cine de Guanajuato. México. | Selección

oficial de la sección North America Premiere. Festival Internacional de Cine de Toronto. Canadá. |

Selección oficial de la sección World Cinema. Festival Internacional de Cine de Chicago. Estados

Unidos.




Tel. 705-10-15 y 73


Fatih Akin

Hamburgo, Alemania, 1973

Hijo de emigrantes turcos, comenzó sus estudios en comunicación visual en 1994. Gracias a su

largometraje Contra la pared (2004), fue reconocido como uno de los más destacados directores

del cine alemán actual, con una obra que explora temas como la migración, el racismo o el

intercambio cultural.

Crítica

«Siento mucho anunciarle que las víctimas son su marido y su hijo». Después de varias horas

esperando la confirmación de un test de ADN extraído de los cepillos de dientes de Nuri y el

pequeño Rocco, cuyos cuerpos fueron despedazados por una explosión, Katja y sus allegados

reciben esta terrible noticia. Con la magistral interpretación de Diane Kruger, el emotivo y empático

relato de la tragedia de una mujer y su deseo de justicia es la carta de regreso del cineasta Fatih

Akin al Festival de Cannes [en 2017], a partir de una reflexión sobre la doble nacionalidad (Akin es

germano-turco) y la denuncia de grupos que siembran el odio en Europa.

Compuesta por tres partes (“La familia”, “La justicia” y “El mar”), En la penumbra entra casi

inmediatamente en el tema principal tras un lírico prólogo que muestra la boda de la rubia Katja y

el kurdo Nuri. Seis años más tarde, la pareja interétnica vive un gran amor enriquecido con un hijo,

Rocco. El atentado rompe la felicidad de la joven mujer que, gracias a su franca personalidad y la

terrible desilusión que le provoca la pérdida de su familia, se involucrará en la investigación de la

policía sobre el hecho. Pronto aparecen los culpables: una pareja de neo-nazis que serán

enjuiciados.

Desenvolviendo las falsas pistas durante la fase inicial de la investigación y la búsqueda de

motivos de los culpables, sin que ello sea el centro de la trama, Fatih Akin retrata la destreza de

una mujer privada brutalmente de su familia y las decisiones que toma para curar su dolor. La

historia es filmada por el cineasta con el estilo típico del cine estadounidense –lluvias, escenas de

juicios, y suspenso y acción a lo largo de la cinta– situado en tres escenarios: la casa de Katja, el




Tel. 705-10-15 y 73


tribunal y la orilla del mar en Grecia. No obstante, la virtud recae en que el realizador sitúa a la

protagonista ante la crueldad de la Europa contemporánea, en la que las vidas se pierden por

bombas detonadas bajo distintas ideologías, pero con el mismo odio.

Fragmentos de un texto de Fabien Lemercier

Cineuropa (cineuropa.org)


Traducción: Edgar Aldape Morales




Tel. 705-10-15 y 73


Good Time: Viviendo al límite

Good Time

Estados Unidos, 2017, 100 min.

Dirección: Josh Safdie y Benny Safdie

Guión: Josh Safdie y Ronald Bronstein

Fotografía: Sean Price Williams

Música: Oneohtrix Point Never

Edición: Benny Safdie y Ronald Bronstein

Con: Robert Pattinson (Connie), Benny Safdie (Nick), Jennifer Jason

Leigh (Corey), Buddy Duress (Ray), Barkhad Abdi (Dash), Taliah

Webster (Crystal)

CP: Elara Pictures, Rhea Films

Prod: Oscar Boyson y Sebastian Bear-McClard


Los hermanos Connie y Nick son perseguidos por la policía tras pretender robar un banco. El

primero logra escapar, pero el segundo es detenido. Mientras intenta reunir el dinero para pagar la

fianza y así liberar a Nick, Connie se embarcará en una frenética odisea a través de los bajos

fondos de la ciudad de Nueva York. Con una estética que combina un realismo casi documental,

escenarios expresionistas y una audaz banda sonora, el segundo largometraje de Josh y Benny

Safdie continúa por la línea narrativa de su trabajo previo: el examen de seres marginales y

desamparados que buscan cristalizar un proyecto de vida en las excluyentes calles de las

metrópolis estadounidenses.


2017 Premio a la Mejor Banda Sonora, Premio del Jurado de la Sociedad Cinéfila Internacional y

Premio de la Sociedad Cinéfila Internacional al mejor actor (Robert Pattinson). Festival de Cannes.

Francia. | Selección oficial de la sección Horizontes. Festival Internacional de Cine de Karlovy

Vary. República Checa. | Selección oficial de la sección Piazza Grande. Festival Internacional de

Cine de Locarno. Suiza.




Tel. 705-10-15 y 73


Josh Safdie / Benny Safdie

Nueva York, Estados Unidos, 1984 / 1986

Desde pequeños, los hermanos Safdie descubrieron el cine gracias a su padre. En 2002

comenzaron a realizar algunos documentales y cortometrajes. Sus dos primeros largos de ficción,

Ni el cielo sabe qué... (2014) y Good Time: Viviendo al límite, se proyectaron en festivales como

Venecia y Cannes.

Crítica

En poco más de una década, los hermanos Josh y Benny Safdie han logrado convertir la ciudad en

una de sus marcas artísticas. Con sus primeros cortometrajes, retrataron riñas en un autobús,

estafas en las esquinas y coqueteos entre hombres en tiendas de conveniencia. Desde 2008, han

dirigido dos documentales y cuatro trabajos de ficción que abordan desde el fenómeno de la

cleptomanía (The Pleasure of Being Robbed, 2008) hasta el amor de una joven drogadicta y

desamparada (Ni el cielo sabe qué…, 2014). Sus personajes parecieran estar fuera del superávit

citadino. No obstante, se alimentan de la metrópoli, como si fueran una extensión más de la vida

urbana.

En su más reciente largometraje, Good Time: Viviendo al límite, los Safdie plasman una

historia de aventuras en un clásico Nueva York, en el cual sus problemáticos personajes

atraviesan puentes, túneles, la prisión, un hospital, un pequeño parque temático y el White Castle

[un restaurante de comida rápida] mientras intentan construir un proyecto de vida. El filme arranca

cuando Connie y Nick, dos hermanos interpretados por un magnífico Robert Pattinson y el propio

Benny Safdie, son perseguidos tras un fallido atraco bancario. Connie escapa, pero su hermano es

llevado a la cárcel, donde recibe muchos golpes. Después de muchos giros dramáticos, Connie

intentará pagar la fianza de Nick.

Los Safdie mezclan el realismo del documental con un subjetivo expresionismo en el cual

Pattinson pareciera protagonizar una película de género. Sin embargo, no se sabe si lo que vive su

personaje es la realidad o un juego mental. Todo esto se combina con un fiel escenario urbano,

producto de los realizadores y su buen ojo para retratar la ciudad, la asombrosa fotografía de Sean




Tel. 705-10-15 y 73


Price Williams y la propulsiva banda sonora de Oneohtrix Point Never. Para los jóvenes Safdie,

comprometidos a combinar la realidad con la ficción, Good Time es una prueba de que están

madurando. Tienen un gran talento. Y pueden ir por más.

Fragmentos de un texto de Eric Hynes

Film Comment, vol. 53 núm. 4

Nueva York, julio-agosto de 2017

Traducción: Edgar Aldape Morales




Tel. 705-10-15 y 73


Poesía sin fin

Francia-Chile, 2016, 128 min.

Dirección y Guión: Alejandro Jodorowsky

Fotografía: Christopher Doyle

Música: Adán Jodorowsky

Edición: Maryline Monthieux

Con: Adán Jodorowsky (Alejandro), Pamela Flores (Sara / Stella Díaz

Varín), Brontis Jodorowsky (Jaime), Alejandro Taub (Enrique Lihn),

Alejandro Jodorowsky (Alejandro), Jeremías Herskovits (Alejandro,

niño)

CP: Satori Films, Le Soleil Films

Prod: Asai Takashi, Moisés Cosío, Alejandro Jodorowsky, Abbas

Nokhasteh.


A finales de la década de 1940, un muy joven Alejandro Jodorowsky abandonó su natal Tocopilla

para mudarse junto a su familia a la ecléctica ciudad de Santiago de Chile, donde una vez

instalado decidió convertirse en poeta y se anexó al círculo bohemio conformado por personajes

como los escritores Enrique Lihn, Stella Díaz Varín o Nicanor Parra. Con su particular estilo

narrativo, pleno de elementos surrealistas y construcciones oníricas, la más reciente película de

Jodorowsky, continuación de La danza de la realidad (2013), hace un recuento de la juventud del

multifacético cineasta, director de teatro y psicomago, desde su llegada a la capital chilena hasta

su partida rumbo a tierras francesas.


2017 Premio al Mejor Largometraje Narrativo. Festival Internacional de Cine de San Francisco.

Estados Unidos. Segundo lugar del Premio del Público. Festival Internacional de Cine de

Minneaapolis-St. Paul. Estados Unidos.Selección oficial del Premio ARRI/OSRA. Festival de Cine

de Múnich. Alemania.

2016 Selección oficial de la Quincena de Realizadores. Festival de Cannes. Francia.Selección

oficial del Premio Variety Piazza Grande. Festival Internacional de Cine de Locarno. Suiza.

Proyección Especial. Festival Internacional de Cine de Morelia. México.




Tel. 705-10-15 y 73


Alejandro Jodorowsky

Tocopilla, Chile, 1929

Su singular trayectoria como cineasta, director de teatro, escritor, actor y novelista gráfico lo ha

llevado a ser considerado como uno de los artistas más multifacéticos y controvertidos de las

últimas seis décadas. Como director de cine, su trabajo se ha orientado hacia la búsqueda de la

liberación espiritual y la ruptura de cánones.

Crítica

Con la misma fuerza con la que la abstracción rompió con la figura y su geometría, y el dadaísmo

se desligó de las formas tradicionales del arte, el surrealismo buscó en lo más profundo del

inconsciente la materia de otra realidad. Una materia compuesta por el imaginario onírico del

protagonista que se trasladará, de lo insólito a lo cómico y de la mutación a lo trágico, por medio

de saltos atemporales. Jodorowsky da un paso más allá con cada una de sus obras. Él, a

diferencia de Buñuel, Lynch o Paradzhánov, rechaza la primicia absoluta de un orden, ya no lógico,

sino científico y técnico. Se olvida de las progresiones y la coherencia semántica. Con Poesía sin

fin, el chileno nos lleva de la mano a través de un breve repaso a sus orígenes como artista, a sus

influencias e inquietudes. Consciente de que la identidad artística del poeta se construye en la

manifestación plástica y literaria, el polifacético director se empeña en transgredir los esquemas ya

transgredidos. Su trabajo queda marcado por un inmovilismo constante en su búsqueda de la

liturgia espiritual y el misticismo abstracto. Un pensamiento que le ha llevado a ser menospreciado

por la crítica formal, más tendente a verlo como un showman que como un verdadero místico.

Como no podía ser de otra manera, Jodorowsky traza una línea cronológica autobiográfica

en relación con la trascendencia más que con la propia existencia. Los recuerdos de su vida, o los

que nos quiere transmitir, no son más que un conjunto de viñetas marcadas por la relevancia de un

suceso con respecto a la globalidad de su vida. Fiel a su estilo grotesco, que busca encontrar la

belleza de la fealdad y lo deforme, el director se muestra mucho más recatado y lúcido que en

otras ocasiones. Ahora utiliza una narración precisa y poética que nos desvela los cambios

sufridos a lo largo de los años y nos presenta a un Alejandro adolescente guiado por un




Tel. 705-10-15 y 73


Jodorowsky envejecido que le da la oportunidad, antes de marchar a tierras francesas y probar

suerte en las filas de Bretón, de reconciliarse con su pasado.

Fragmentos de un texto de Alberto Sáez Villarino

El antepenúltimo mohicano (elantepenultimomohicano.com)



universidad iberoamericana torreónitzel.lag.uia.mx/publico/pdf/muestra-63-fichas.pdf · el otro...

Documents