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TEMA 1 - INTRODUCCIÓN: EN TORNO A LA OBRA DE ARTE

(9-09-2013)

Las obras de arte narran historias (religiosas, acontecimientos, mitológicas). Eran narraciones en imágenes para conmemorar acontecimientos o personas, ilustrar sermones o dar información a quien no sabia leer.

Un solo cuadro normalmente narra una sola historia aunque también se puede dar el caso en el que una historia se fragmenta y se representan escenas de la misma historia en los mismos cuadros.

Henry Herbert La Thangue. El hombre de la guadaña. 1896

- Aparece una niña muerta con su madre y al fondo un hombre con una guadaña que representa la muerte, la mortandad infantil.

Sandro Botticelli. Las pruebas de Moisés. Capilla Sixtina 1481-82

- Fresco que relata diferentes escenas de la vida de Moisés (vestido de amarillo).

- Es una manera compleja pero habitual de representar varias escenas en una composición en la Edad Media y el Renacimiento. Actualmente nos es más difícil de descifrarlo al contrario que la gente de la época.

Próximo día:

Capilla Brancacci. Iglesia de Santa María del Carmine. Florencia 1414-1427. Masolino y Masaccio. Después Filippino Lippi.

El tributo de la moneda. Mediados de la década de 1420

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(11-09-2013)

Masaccio. El tributo de la moneda (Renacimiento)

- Pertenece al renacimiento. En Italia en el siglo XVI surge un subestilo que recibe el nombre de manierismo.

- Masaccio se considera el primer pintor del renacimiento, porque en su breve producción introdujo aquellas 3 cualidades que definen al renacimiento pictórico:

1. Representa a los personajes como individuos reales. Expresan sentimientos y emociones.

2. Naturalismo o realismo en la representación del cuerpo humano, gracias al estudio de la anatomía humana y al uso del claroscuro lo que le da volumen.

3. La representación del espacio en perspectiva, una perspectiva abstracta construida mediante una base científica.

- La capilla Brancaccia está decorada con murales que representan la vida de san Pedro, no es muy habitual dedicarle una capilla entera. También aparecen pinturas con escenas del antiguo testamento. Las escenas están distribuidas en bandas o frisos.

- El tributo de la moneda está basado en un texto del evangelio de san Mateo, en el texto relata como Cristo y los discípulos visitan la ciudad de Cafarnaúm, un recaudador de impuestos solicita a Cristo que pague el impuesto del templo. Cristo manda a Pedro al lago Tiberiades a pescar un pez y dentro de su boca encuentra la moneda con la que pagar el impuesto.

- Escenas que aparecen en la composición de Masaccio: solicitud del impuesto, cristo manda a san Pedro a por el pez (centro), Pedro pesca el pez(al fondo a la izquierda) y pago del impuesto (delante derecha).

- Quien encargó hacer la pintura indicó que Cristo apareciese en el centro para resaltar la obediencia de Pedro, como deberían hacer todos los cristianos y desplaza el milagro de la aparición de la moneda a un lado. Para subrayar la presencia de Cristo su cabeza es el punto de fuga de la perspectiva del edificio de la derecha y todos los apóstoles están girados hacia él.

- El pintor utiliza el claroscuro para darle volumen a las figuras, se trata de figuras de carácter escultórico.

- En cuanto a la luz hay un foco de luz que ilumina la escena que ilumina desde la derecha, Masaccio hace coincidir por donde entra la luz natural de la ventana en la capilla con la luz de la pintura.

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- Masaccio introduce en la pintura la perspectiva aérea, que consiste en los cambios de color que se producen en los objetos que están al fondo de la escena por la presencia de la atmósfera.

Praxíteles, El Hermes de Dioniso Niño. (Arte Griego Clásico)

- La narración también aparece en la escultura, esta es una de las obras escultóricas más importantes del arte griego. El arte Griego se divide en tres etapas:

1. Arcaico

2. Clásico

3. Helenístico

- El dios Hermes lleva en sus manos al niño Dioniso.

- Cuenta una anécdota de la historia. Zeus tuvo un encuentro amoroso con Sémele en el que Sémele queda embarazada. Zeus se muestra con todo su esplendor y los rayos que desprendió abrasaron a Sémele dejándola caos y este ata al hijo que espera en su muslo hasta la hora de su nacimiento. Hera, amenaza e intenta matar al niño. Por eso Zeus pide a Hermes que esconda al niño. Hermes durante el camino para esconder al niño le ofrece uva ( ya que Dioniso es el Dios del vino y la orgía, Baco)

EL ARTE Y SU CONTEXTO

Partenón de Atenas. (Arte Griego Clásico)

- El Partenón es del siglo IV y V, periodo clásico.

- Una de las grandes obras de arte sacadas de su contexto son los relieves escultóricos que se hicieron para el Partenón de Atenas, que tenía una complejísima decoración escultórica.

- En los órdenes griegos el friso: elemento de la pieza horizontal sobre las columnas “entablamento”.

- Suele estar decorado con esculturas.

- El Partenón tenía dos frisos escultóricos, uno que daba al exterior y otro en la columnata interior.

- Un diplomático inglés decidió trasladar a principios de siglo XIX uno de los frisos a Londres. Su visión cambia debido a la distancia a la que podemos observar actualmente la obra (demasiado cerca). Esa descontextualización afecta a la percepción de la obra de arte. En el museo de Londres encontramos el friso Jónico, pese a que las columnas eran todas dóricas y el de la columnata exterior es el friso Dórico.

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Friso Dórico: 2 piezas:

1. Metopa: decorada con escultura

2. Triglifo: decorada con tres listeles (molduras planas)

Friso Jónico: todo corrido

El columpio. 1767. J.H.Fragonard. (Rococó)

- Destinado para solo ser observado por hombres por su contenido erótico sobre la mujer.

- Fue sacada de su contexto ya que estaba en una casa.

- Pertenece al rococó y la encargó un aristócrata francés para su disfrute particular, le gustaba verle las piernas.

Janobi de Domenico. Baul florentino de bodas. 1472 (No imagen)

- Se le regalaba a las mujeres en las bodas.

- A muchos de ellos se les ha quitado sus obras pictóricas para exponerlas.

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Benvenutto Cellini. Salero. 1539-43. (Arte Renacimiento, Cinquecento)

- Actualmente se encuentra en Viena.

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LOS GÉNEROS ARTÍSTICOS

Tipos escultóricos:

- Bustos:

1. Se muestra cabeza y hombros

2. Es característico del arte clásico griego y romano y reaparece en el Renacimiento.

Ejemplo: Francesco Laurana. 1470. (Arte del renacimiento)

- Grupo escultórico:

1. Obra conmemorativa de carácter histórico. Burgueses que dieron su vida por la ciudad.

Ejemplo: Auguste Rodin 1888 S.XIX. Los burgueses de Calais (Siglo XIX)

- Escultura ecuestre:

1. Figura importante representada a caballo.

2. Característica del arte romano que también se recupera en el Renacimiento.

3. Ejemplo: Donatello, Condottiero Erasmo de Narni primer escultor del renacimiento, Quattrocento).

(A los tres tipos anteriores se llaman exentos)

- Relieve escultórico:

1. Figuras que sobresalen de un fondo al que están adheridas.

2. Tipos según cuanto sobresalen las figuras del fondo:

Alto relieve

Bajo relieve

Bajísimo relieve

(…)

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Bajo relieve: Friso Jónico del Partenón. 447-438 a. C (Arte clásico)

- Representa una costumbre o tradición de la ciudad de Atenas.

- Representa una tradición de la ciudad de Atenas, en la que cada 4 años las muchachas de la ciudad tejían una vestimenta para una de las esculturas de la diosa Atenea que habían en la Acrópolis, exactamente la procesión y fiesta que se organizaba par la entrega de este vestido.

- Friso de las panateneas

Alto relieve: Friso Dórico del Partenón. 447-438 a. C (Arte clásico)

- Aparecen Centauro y Lapita

- Se representan luchas míticas.

Relieve bajísimo: Donatello, El banquete de Herodes, 1439. (Renacimiento. Quattrocento)

Estos tres tipos de relieves se pueden combinar dando distinto relieve a cada figura para dar profundidad y crear distintos planos de importancia.

Ejemplo: Puertas del Paraíso del baptisterio de la catedral de Florencia de Lorenzo Ghiberti. 1425-52. (Renacimiento. Quattrocento)

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Los géneros artísticos donde mejor se evidencia son en la pintura. Se estableció una jerarquización de los géneros que en el siglo XIX se rompió.

El género más importante se considera el histórico, cuadros que narran acontecimientos históricos. El tamaño de la obra de arte está vinculado a la importancia del acontecimiento, por lo cual suelen ser bastante grandes. El tamaño importa.

Ejemplo: J.L.David. El rapto de las sabinas. 1796-99. Siglo XVIII. (Neoclasicismo)

El segundo gran género es el religioso.

Ejemplo: Peter Paul Rubens. Tríptico del Descendimiento. 1602. Bajada de Cristo de la cruz. (Arte Barroco)

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(13-09-2013)

Anthony van Dyck, Thomas Killigrew y William Lord Croft. 1602. (Arte Barroco)

Unos de los grandes retratistas del siglo XVII.

Imagen modelos representados y además la pintura rememora a otras personas, no solo a los retratados.

- Izquierda poeta famoso de la época. Está representado con su gesto un sentimiento de melancolía, la tristeza. Porque el personaje se había quedado viudo hace poco tiempo. Representa la pena que ha sufrido.

- El hombre de la derecha es el cuñado del poeta. Y también ha sufrido la pérdida de su hermana y su esposa

- Cuadro que rememora a personas fallecidas. Va más allá de las figuras representadas.

- Buscan la consolación, están hablando sobre sus fallecidos.

- Muñeca izquierda cordón negro con el anillo de su esposa. Objeto que simboliza el luto.

Pieter de Hooch. Interior doméstico. (Pintura de género). 1658. (Arte Barroco)

- La pintura de género representa escenas de la vida cotidiana. Unas de las características en el siglo XVII en Holanda su producción es muy abundante.

Género: Desnudo

- El desnudo existió en la pintura con una justificación. Como las diosas mitológicas, figuras históricas, Adán y Eva.

- A partir del siglo XIX el desnudo pierda la justificación y se pasa a mirar la figura desnuda como tal.

- En un desnudo es difícil la manera objetiva de tu punto de vista.

Ejemplo: E.Manet. Olimpia. 1863. (Siglo XIX)

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Género: El paisaje

- Será uno de los géneros que dentro de la jerarquía ocupo uno de los últimos puestos pero a partir del siglo XIX se empezó a valorar más.

- A través de él se transmiten sentimientos.

Ejemplo: Caspar David Friedrich. El gran coto. 1832. Siglo XIX. (Romanticismo)

Género: El bodegón

- Este género puede representar naturaleza muerta o un conjunto de objetos.

Ejemplo: Caravaggio. Cesto de frutas. 1597-98. (Arte Barroco)

Género: Alegoría

- Muestra una imagen que tiene una lectura o significado complejo, puede hacer referencia a vicios, virtudes, emociones, enseñanzas morales. Que quedan ocultas dentro de la imagen que observamos.

Ejemplo: Agnolo Bronzino. Venus, Cupido y el Tiempo. Alegoría de la Lujuria. 1540-45. (Renacimiento Manierismo)

- Esta obra pertenece al Manierismo italiano del siglo XVI.

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- Marinerismo: Es un arte formalmente muy complejo con figuras y colores imposibles y esta creado para unos pocos.

- Venus y Cupido eran madre e hijo. No es una representación del amor maternal sino que entra en el tema de la lujuria.

- El pintor ha añadido figuras que tienen relación con el tema del placer sexual.

- Mujer estirándose los pelos representa los celos.

- La niña de atrás representa el engaño.

- El angelillo se llama putto.

- Aparece un reloj de arena que representa el tiempo, porque con el tiempo estas relaciones se acaban descubriendo.

- En definitiva se representan elementos favorables y desfavorables relacionados con la lujuria.

LA FORMA Y EL TAMAÑO

Depende:

- Del contexto

- De lo que cuenta y representa

- La función que la obra tiene que cumplir

Ejemplos tamaño:

Nicholas Hilliard. Joven apoyado en el árbol. Ca 1588 Tamaño: 135x73 mm. (Renacimiento)

- Es una miniatura

- Se trata de un retrato que la persona llevaría siempre encima (Función como foto de carnet)

Gustave Courbet. Entierro en Ornans. 1849-50. Tamaño: 315x668 cm. (Realismo)

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- Homenaje a su ciudad natal

- Crear una obra provocadora

- El tamaño fue un escándalo porque nadie se había atrevido a crear un lienzo de tan grandes religiosos para un tema anecdótico.

- Lo primero que se ve es el perro y no el muerto que sería lo más importante. El ataúd esta desplazado a un lado y cubierto como una tela.

- Le da a todas las figuras la misma importancia.

- No respeta la composición tradicional, que sería centrar el muerto.

- Courbet era un pintor revolucionario y pertenece al movimiento del REALISMO.

Díptico bizantino. (Siglo XIV)

- Imágenes devocionales privadas

- Servían para poder rezar en cualquier parte en la imagen.

- En la parte izquierda aparece el cristo crucificado con la Virgen y San juan

- La escultura esta realizado sobre una pieza de marfil.

Miguel Ángel. David. 1501-1504 Tamaño 5.17 m. (Arte Renacimiento. Cinquecento)

- Se esculpió para ir colocada en la parte exterior de la catedral de Florencia (arriba) y no en la plaza tal y como está colocada la copia.

Ejemplos forma:

El Retablo

- Se disponen verticalmente formando calles y en el centro se coloca tabla principal, suele ser el santo al que va dedicado el retablo.

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- La predela es la parte horizontal donde apoyan las calles del retablo.

Gustav Klimt. Judith II. 1909. Modernismo.

- Representa un retrato femenino

- Mujer que decapitó a Holofernes. Primero lo sedujo.

- Representan a Judith con la cabeza de Holofernes.

- Los retratos se representan el vertical, al contrario que los paisajes que se suelen representar en horizontal.

- Bandas dorados al lado de la figura femenina remarcando el formato vertical

Rafael. La Virgen de Silla. 1513-14. (Arte del Renacimiento. Cinquecento)

- Tiene un formato circular llamado Tondo. Composición difícil

- Virgen María acompañada del niño Jesús junto con San Juan bautista.

H. Holbeil. El cuerpo de Cristo metido en la tumba. 1521. (Arte del Renacimiento)

- Formato muy estrecho y apaisado. Para causar en el espectador cierta desazón, transmite agobio.

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COLOR

- El color es importantísimo en el arte.

- Es un elemento fundamental frente a la luz en la pintura y la escultura.

- Dan forma a los objetos.

- Tiene su significado. Ejemplo: Blanco, la pureza.

- También es capaz de transmitir sentimientos.

- En época Medieval la utilización del color no es naturalista. Para producir efectos no naturalistas en la escultura.

- En el siglo XX en el hiperrealismo Jonh de Andrea. Galo moribundo. 1984. Hiperrealismo. Está inspirado en una obra helenística.

- En el siglo XX se libera el color de la forma

- Cabeza de Zeus. Siglo IV a. C. Arte Clásico.

J.A.D. Ingres. Princesa de Broglie. 1851-53. Romanticismo.

- Traslada con una fidelidad absoluta la realidad al lienzo.

- Utiliza el color de una manera muy realista.

- Pinta con mucha minuciosidad.

Jacopo Pontormo. Descendimiento. Capilla Capponi, Santa Felicità. Florencia. C. 1528. (Manierismo)

- En el manierismo se inventaron colores con nombres muy peculiares. Ejemplo: Mono moribundo o español enfermo. Además de utilizar colores complementarios.

- Para hacer el claroscuro utilizan colores distintos.

- Utilizan color para crear composiciones llamativas y contrastes que llamen la atención.

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Vincent van Gogh. La noche estrellada. (Post-impresionismo)

- Le daba mucha importancia a la emoción y a los sentimientos

- Para el pintor, el color por sí mismo tiene valor expresivo independientemente de lo que representes. Fue uno de los primeros que liberó el color de la forma y esto lleva a la creación de la pintura abstracta. (Sus obras no llegan a la abstracción)

- Transmite con pinceladas muy fuertes sentimientos.

Henri Matisse. La señora Matisse. La línea verde. 1905 (Fauvismo)

- Pertenecía al grupo Fauve (Los fieras) Fauvismo.

- Primacía del color del dibujo

- No existe la perspectiva, rompen con la perspectiva tradicional

- El claroscuro desaparece, intentan minimizarlos

- Entra dentro del género del retrato

- La peculiaridad de este retrato es el color y la forma en que el color es aplicado al lienzo. Utiliza el color distanciándose de la realidad. No usa los colores como se utilizaban tradicionalmente. El uso del color es arbitrario, quieren crear efectos cromáticos.

- Se llama la línea verde por la línea que divide el rostro de la mujer.

- La parte pintada de amarillo es la que está iluminada.

Yves Klein IKD 191. 1962

- Esta obra está completamente liberada de la forma.

- Este cuadro pertenece a la pintura abstracta.

- Para el pintor el color era la manifestación de la energía cósmica, expresa emociones, el color azul se ha asociado con la bóveda celeste.

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Diego Velázquez. Retrato de la familia Felipe IV. Las Meninas. 1656-1657. (Arte Barroco)

Georges Seurat. Modelo sentada de perfil. 1887–1888.

- Pertenece al puntillismo y divisionismo. Los términos hacen referencia al modo en el que el pintor aplica el color en el lienzo. A los pintores se les conoce como Neoimpresionismo. Intentaban no mezclar los colores en el lienzo. Con el Neoimpresionismo quieren basar la pintura en un método científico, darle al color una solidez científica, para alejarse de los impresionistas (Para eliminar ese aspecto subjetivo).

- Se basaban en: M.E Chevreul. De la ley del contraste simultáneo de colores. 1839.

Jackson Pollock 1914-1956. (Action painting. Dripping)

- Lo que pretende el pintor es que atreves que coloca el color sobre el lienzo, la pintura abstracta exprese sentimientos, movimientos, energía.

- Dripping se llama a la forma de aplicar el color. N.5 1948

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(23-09-2013)

LA LUZ

- Su representación afecta a la perfección que se tiene de ella y en el caso de la pintura la luz y el juego de luces y sombras contribuye a dar volumen a las figuras.

- Puede tener un papel dramático en la representación de la escena.

G.L Bernini. Rapto de Proserpina.1621-22. (Arte Barroco)

- Hinca los dedos en su piel y da un juego de luces y sombras.

Duccio di Buoninsegna. Dormición de la Virgen. 1308-11. (Arte Gótico)

- Se representa la muerte de la Virgen

- Cristo lleva en sus manos un niño que representa alma de la Virgen

- Pintura iluminada con una luz difusa

George de Tour. Cristo en el taller del carpintero. 1645. (Arte Barroco)

- A partir del renacimiento hay un foco de luz reconocible en la pintura, generalmente el foco se encuentra fuera de la escena. En el arte barroco del siglo XVII a los pintores les empieza a gusta el foco de luz aparezca dentro de la obra. Lo llegan a llamar tenebrismo porque aparecen fuertes contrastes de luces y sombras.

- El artista consigue representar al detalle los efectos de la luz. (Luz que ilumina los dedos, los representa con un tono rojizo)

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A.Renoir. El sendero con la hierba alta. 1874. (Impresionismo)

- Esta obra pertenece al impresionismo. Junta a un grupo de artistas que las primeras cosas que hacen es pintar al aire libre.

- Artistas utilizan representación de la luz natural para ver cómo afecta a los personajes, figuras, objetos.

- Empezar y terminar la pintura delante del modelo natural. Obliga a que la ejecución sea rápida, inmediato. Y eso se ve en que la pintura esta resulta de un modo muy esquemático. Esta soltura de la pincelada permite ser más efectivo a la hora de crear los efectos de luz, sobre todo en las manchas del sol.

- Los impresionistas trabajan sus pinturas sobre una imprimación clara (la última capa de color que el pintor da al lienzo antes de trabajar la obra, esta capa el uniforme) Con esto consigue que los colores se iluminen.

- Secaban los colores para que la pintura fuese más luminosa, quitando el aceite a la pintura.

- Pintaban las escenas al aire libre en las horas donde las sombras fueran más cortas.

- Intentaban eliminar el negro. Para pintar sombras y modelar objetos utilizaban los colores fríos, azules o violetas.

- Renoir. El columpio. 1876. (Impresionismo) No pintan el color rocal sino el color que ven en ese momento. Por ejemplo con las manchas de luz que aparecen.

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- Velázquez. Villa Medici. Pabellón de Ariadna. 1630. (Arte Barroco) Es un pintor Barroco, no impresionista pero estudió la luz en esta obra que recuerda a lo que después harán los impresionistas.

COMPOSICIÓN

Puertas de los Leones. Micenas Ca. 1250 a.C. (Arte Griego micénico)

- Obra simétrica

Thomas Gainsborough. El Sr. Y la Sra. Andrews. 1748-49. (Arte del siglo XVIII)

- Obra totalmente asimétrica. Esto consigue un dinamismo a la composición.

- Retrato apaisado (Normalmente vertical)

- Dispone a las figuras a un lado pero las compensa con una profunda perspectiva de paisaje. El ambiente en el que esta trabajado son las propiedades del retratado.

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Rafael. La Virgen de los Prados. 1506. (Renacimiento. Cincuacento)

- Composición triangular. Una de las composiciones mas apropiadas en el renacimiento, porque es muy armónica y estable. En este caso la parte inferior está formado por los pies de los niños y la parte del vértice superior la cabeza de la Virgen. (Niño Jesús + San Juan Bautista)

- Enlaza a los personajes con la mirada.

- San juan suele representar a la humanidad y la Virgen como protectora de la humanidad.

- La vestimenta habitual de la Virgen es roja con la capa azul. Pero para representar a la Virgen Inmaculada la suelen vestir de blanco.

- Rafael realizó en 3 años cerca de 20 madonnas.

- Sitúa la figura de la Virgen en un paisaje en una zona real. En este caso la representa en umbría, en el centro de Italia. Con esto consigue una mayor identificación entre el espectador y la obra.

P.P.Rubens. Prometeo encadenado. 1610-1611. (Barroco)

- La presencia de la diagonal en la representación crea un efecto dinámico.

- Castigo de Prometeo. El águila le come cada día el hígado, todos los días se le regenera.

- Consige un dramatismo en la composición.

Giotto. El llanto sobre Cristo muerto. Capilla Scrovegni, Padua. 1305-06. (Arte Gótico)

- En otras obras la diagonal sirve para destacar una parte de la composición.

- Imagen de la Virgen María llorando sobre el Cristo muerto. La diagonal es una montaña que termina en ese abrazo entre madre e hijo.

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E. Degas. Madame Valpinçon con crisantemos. 1865. (Impresionismo)

- Los pintores impresionistas rompen con la composición tradicional.

- Se trata de un retrato. Desplaza a la retratada, la llega hasta cortar, y destaca el hermoso ramo de crisantemos.

- Rompen con la composición tradicional, se acercan más a la composición descompensada.

EL MOVIMIENTO

- La representación del movimiento ha sido una constante a lo largo de la historia del arte.

- Crea la sensación de que se están movimiento.

- El movimiento real en el arte no se introduce de manera sistemática hasta la época contemporánea.

Kleodis y Bitón. (Escultura arcaica griega) Ca. Siglo VI a.C

- En el arte griego se pasa del no movimiento hasta la representación la instantánea del movimiento.

- Se trata de unos famosos gemelos de la antigüedad inmortalizados en una figura arcaica.

- (Historia) Kleobis y Biltón llevaron a cabo un acto heroico, llevaron a su madre en una carro arrastrándola como si fueran bueyes para llevarla a trabajar que era sacerdotisa. Al llegar le pidió a la diosa Hera que le regalara algo a sus hijos quienes se pusieron a dormir cansados y no despertaron así que se dice que murieron en su momento de máximo esplendor.

- Están representados de una manera hierática, sin movimiento con los pies completamente pegados al suelo.

- Representación del paso de niño a adolescente (Efevia)

Efebo de Kritios. Primer cuarto S.V a.C. (Arte Clásico Griego)

- Movimiento en reposo. La figura no se mueve pero uno de sus miembros marca un ligero movimiento que afecta al resto del cuerpo. Al tener la pierna doblada cambia la posición de los hombros.

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G.L Bernini. David. 1623-24. (Arte Barroco)

- Movimiento en potencia.

Eadweard Muybridge.

- Instantánea del movimiento.

- Fotografiar animales y personas.

- Estudios científicos del movimiento para su representación en el arte.

Manifiesto Futurista

- Futurismo, pretendían romper con el arte del pasado y crear uno nuevo. Un arte basado en lo dinámico, lo transitorio, en la velocidad (porque era lo que mejor representaba el mundo contemporáneo)

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- Lo representaban mediante el dinamismo plástico. En la representación simultánea e todas la fases del movimiento. Giacomo Balla, Dinamismo de un perro con correa. 1912. (Futurismo)

- E. J Marey. Cronofotografía. Se crean los cronofotogramas.

- Alexander Calder. Móvil. (Siglo XX) Representación entre lo abstracto y lo orgánico.

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(25-09-2013)

PROCEDIMIENTOS ARTÍSTICOS

Adición o sustracción son los dos elementos esenciales que suele utilizar un escultor para hacer una obra.

Tres técnicas pictóricas:

- El temple: el color se mezcla con substancias como la clara de huevo, una vez hecha la pasta se coloca sobre el soporte.

EJEMPLOS:

Camille Claudel. L’âgemûr. ca. 1902. Siglo XIX-XX

Jean-LéonGérôme. El artista esculpiendo una tanagra. 1890. Siglo XIX

Auguste Rodin. La danaide. 1885. Siglo XIX-XX

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- La pintura el fresco es más resistente que la pintura al temple porque en el fresco el color se coloca sobre el estuco fresco. Antes se pintan diferentes capas sobre el lienzo pero la última capa es una capa muy fina de polvo de marfil fresca. Enlucen solo sobre la capa que van a enlucir en ese momento.

EJEMPLOS:

Villa de los Misterios. Pompeya. Siglo I a.C. (Arte Romano)

- El Óleo. Se mezcla el polvo del color con aceite haciendo que el color adquiera una nueva textura.

- Cuesta mucho que se seque y eso permite trabajar al artista con seguridad porque permite el retoque y dejar ser más minucioso.

- Esta pintura enriqueció el color y permitió matices de color, más que la pintura al temple.

- Los artistas que consolidaron esta técnica fueron los pinturas que consolidaron la escuela flamenca del siglo XV (poner en el cuadro cronograma). Consiguieron una perfección técnica extraordinaria. Desarrollando una representación de la realidad muy minuciosa y fiel.

- El óleo permite representar la calidad de las texturas.

EJEMPLOS:

Roger van der Weyden. Descendimiento. ca. 1435. (Arte Gótico)

1. Se trata de un descendimiento.

2. La forma es peculiar, apaisado pero saliente para representar la cruz.

3. También se destacan las expresiones de la cara.

4. La Virgen María tiene una posición semejante a Cristo, para representar el mismo dolor.

5. Las figuras utilizan todo el espacio, no hay hueco apenas. Eso hace que el espectador focalice su mirada en los personajes.

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- Madera y lienzo.

Barry Flanagan. 2 de junio. 1969. Lienzo y madera. (Siglo XX)

- El artista utiliza elementos de la pintura para hacer escultura

- El collage: Unir en una composición distintos tipos de materiales creando una composición. En ocasiones reconocible en otros casos no.

Pablo Picasso. Naturaleza muerta con silla de rejilla.1912. (Siglo XX. Cubismo)

- Picasso hace uno de los primeros collages de la historia del arte, del cubismo.

- Utiliza materiales como el hule con un fondo de rejilla para que parezca la rejilla de una silla.

- Jean Arp, pertenece a dadaísmo. Hacia collage a través del azar.

PERSPECTIVAS Y OTRAS BÚSQUEDAS

Bodegón. Pintura pompeyana. Siglo I d.C. (Arte Romano)

- El pintor intenta colocar unos objetos sobre un banco pintado en perspectiva.

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Piero della Francesca. La Flagelación de Urbino. (Mediados del siglo XV. Quattrocento)

- La perspectiva tal y como la conocemos es algo que surge en el siglo XV. La llamada también perspectiva renacentista. Filippo Brunelleschi es considerado el primer arquitecto del renacimiento. Fue el creador de la perspectiva.

- La perspectiva lineal italiana es una perspectiva abstracta basada en la ciencia, no existe en la realidad.

Jan Van Eyck. El matrimonio Arnolfini. 1434. (Arte Gótico)

- Perspectiva que se desarrolla en la escuela flamenca, en el norte de Europa.

- Es un perspectiva experimental, visual, pintan lo que ven sus ojos y a través de elementos ópticos.

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Baldassare Peruzzi. Salone delld Prospettive. Villa Farnesina. (Roma. 1517-18. Cinquecento)

- La perspectiva se emplea también en la pintura mural. Abriendo los espacios hacia el exterior al romper con el muro. Para que los espacios se abran hacia otros espacios. Se fundido el espacio pictórico con el espacio real.

Edgar Degas. Bailarina. Siglo XIX. (Impresionismo)

- Perspectiva oriental: vista de pájaro (no perspectiva aérea) con un punto de vista elevado.

- La desarrollan artistas de

- Recuerda a la perspectiva de la escuela flamenca.

- Tuvo influencia en otros artistas como Joaquín Sorolla.

- Línea horizonte colocado muy arriba y eso provoca que el suelo se incline y la figura parezca recortada sobre el suelo.

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C.D. Friedrich. Vista de puerto. 1815. Siglo XIX. (Romanticismo)

- Perspectiva aérea.

Andrea Mantegna. Lamento ante el Cristo muerto. ca. 1475. (Siglo XV. Quattrocento)

- El artista además de la perspectiva introduce más técnicas o recursos para introducir al espectador en la escena. Para dar sensación de que estás ahí mirando. La postura de Cristo está pintado en un escorzo radical, perpendicular al cuadro pictórico.

- Tema característico de la pasión de Cristo.

Hans Holbein. Los embajadores. 1533. (Renacimiento. Europeo)

- El escorzo se utiliza con un valor añadido. Hay elementos representados de una manera peculiar.

- La anamorfosis, son objetos dibujados desde un punto de vista que deforman tanto los objetos que impide reconocerlos. En este caso se trata de una calavera, la obra se trata de una alegoría. La calavera presenta representa a la vanidad a lo efímero y poco valioso de todo lo que nos rodea.

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Pere Borrell del Caso. Huyendo de la crítica. 1874. (Siglo XIX)

- El trampantojo, consiste en otro juego pictórico por parte del artista que es engañar al ojo del espectador

- Parece que el muchacho se salga del cuadro.

- Con esto se consigue romper la línea que separa el mundo real con el mundo ficticio.

Caravaggio. San Mateo y el Ángel. Capilla Contarelli. Iglesia de San Luis de los Franceses. Roma. 1599-1600. (Arte Barroco)

- Se utiliza para vincular el espacio ficticio con el real. Implica al espectador utilizando un objeto que se sale del cuadro (La pata de la silla que no está apoyado en la tarima).

El sonido y el tiempo (No examen)

Las pinturas de o el arte representan el tiempo y la pintura y la escultura también representan sonidos.

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Jan Vermeer. La Lechera. ca. 1658. (Arte Barroco)

- Eterniza un instante.

- Son cuadros con una actitud silenciosa