SEGUNDA PARTE

EL DISEÑO EN LOS ESTADOS UNIDOSLos orígenes del diseño en Estados Unidos se remontan según ellos mismos, desde la mitad del S. XVIII, cuando los Shaker (comunidad religiosa de origen ingles y francés) comenzaron a elaborar artesanalmente y medios reducidos, objetos de uso para cubrir sus propias necesidades. La sencillez y funcionalidad de sus muebles y utensilios se basaba en unos principios éticos “espirituales”.

El nexo entre la forma del utensilio y la forma de vida continuaba intacto, al contrario de lo que sucedía con el funcionalismo acuñado por la Bauhaus que degenero rapidamente en un estilo de vida artificial.

En la segunda mitad del S XIX, se experimento en los Estados Unidos una fase muy productiva gracias a la inventiva de los ingenieros que fue calificada por Sigfried Giedion de “movimiento de muebles patentados”. De este modo los asientos se pudieron adaptar a todas las posiciones del cuerpo, es decir con ello se sentaron las bases de las investigaciones de tipo ergonómico. Elementos como sillas, camas, armarios transformables, fácilmente transportables que ocuparan poco espacio, fundan una tradición de producción funcional y democrática en

Estados unidos. Que solo se disolvió a principios del S XX a causa de la creciente diferenciación de la sociedad en sistema de clases.

La producción en masa en el S XX se llevo a gran escala en Norteamérica gracias a la automatización y mecanización. Al contrario de la tendencia progresista europea de considerar a la generación y diseño de productos bajo aspectos funcionales primarios, en este país se descubre, en una época temprana, el aspecto de venta promocionada por un diseño servicial.

HENRY FORD EL FORDISMO

En Estados Unidos Henry Ford impuso la racionalización en los procesos con la fabricación del carro Ford T, modelo único por años, que fue punta de lanza de la tendencia bautizada como “fordismo”, caracterizada por la durabilidad y la eficiencia del producto.

Ford tuvo mucho éxito debido a la producción en serie de sus vehículos cuya forma no variaba, su política empresarial era la normalización y racionalización.

Para competir con Ford, General Motors adopto una nueva estrategia, aumentar el precio de sus vehículos y diferenciar las características formales de los nuevos modelos dando origen al styling.

Años más tarde, surge el estilismo o formalismo (styling), el cual desarrolla un concepto de visión capitalista propio del sistema del “American way of life”, al crear productos atractivos superficialmente.

El principal exponente de esta tendencia fue la General Motors, cuyo presidente, Alfred Sloam, optó por oponerse a la filosofía fordista que pregonaba “pequeñas ganancias, grandes ventas”, aumentando los precios de los vehículos a medida que iba apareciendo un nuevo modelo cada año, con lo que se estimulaba el apetito del consumidor por medio de la imposición de modas promovidas por la publicidad. Cabe destacar que esta es la tendencia que aún predomina en la actualidad en el sector automotriz.

La cadena de montaje de la fábrica Ford en Detroi El Ford “T” (1908), emblema de la segunda revolución industrial

El éxito de General Motors fue que trabajó en la forma exterior del producto logrando atraer al comprador gracias al atractivo de la apariencia formal, dando como resultado que a mediados de los años treinta gran parte del mercado estadounidense ahora le perteneciera a General Motors.

Streamline Paralelo al Art Deco europeo, se desarrollo en los años 30 la Streamline Decade, la era de los productos de formas aerodinámicas, desde las carrocerías de los automóviles, los aparatos de radio, electrodomésticos y muebles de oficina, hasta el interiorismo en toda su extensión.

Las líneas aerodinámicas nacidas en la naturaleza (la gota como forma ideal), se convirtieron en símbolo de modernidad y progreso y de un futuro mejor. Los diseñadores creyeron que su tarea era hacer los productos irresistibles, es decir, intentaron proyectar los deseos y esperanzas subliminales del usuario en los objetos para estimular su compra. Independientemente de las soluciones de tipo técnico, los diseñadores se dedicaron en exclusiva al diseño del volumen exterior.

Raymond Loewy, francés emigra a Norteamérica en 1919, desempeño un papel determinante en este campo. Consiguió en poco tiempo hacer del diseño un medio de promoción de venta. Su ascenso vertiginoso comenzó con un rediseño de una multicopista de la empresa Geststner. ”LO FEO SE VENDE MAL”, se convirtió en la idea principal de una generación de diseñadores, y no solo del ámbito estadounidense.

El establecimiento del diseño como medida de Styling, por tanto de variación superficial y formal de un producto, proviene de esta ideología. La obra global de Reymond Loewy documenta de forma

ejemplar como una disciplina puede someterse completamente al servicio de intereses empresariales.

Norman Bel Geddes, Henry Dreyfuss y Walter Dorwin Teague, fueron los principales representantes de la Streamline Decade.

Cimentaron su éxito profesional durante décadas con sus entonces revolucionarios proyectos de transatlánticos, automóviles, autobuses, locomotoras, objetos de interior, etc.

La importación de capital y de métodos de racionalización de los Estados unidos, impuso en Europa el predominio de las líneas aerodinámicas como lenguaje de estilo en los 30 y 40.

La dinámica de aquel tiempo encontró su expresión en la velocidad. El automóvil se convirtió en el objeto de culto por excelencia en la encarnación del “AMERICAN WAY OF LIFE”

La identificación clara e incondicional del diseño americano con el styling termino con un serio conflicto a finales de los 60. Al tiempo que se desarrollaban movimientos de carácter crítico y social, cuya influencia en la música, pintura, arquitectura fue visible, en el diseño comenzaron a esbozarse nuevas tendencias. En California se pusieron en práctica modos alternativos de vida y de trabajo.

El Streamline “AERODINAMISMO” 1937

El streamline moderne, también llamado simplemente Streamline (en español llamado “estilo aerodinámico”) fue una rama del estilo Art Decó tardío que tuvo su apogeo en el año 1937. El estilo se caracterizaba por el uso de formas curvas, líneas horizontales largas y a veces elementos náuticos, como barandas y ventanas de portillo.

El streamline surge en el contexto histórico de la crisis que se produjo en los Estados Unidos debido a la depresión de finales de la década de 1920 y comienzos de 1930. Con el objetivo de captar interés en los consumidores y compradores, se apeló a un cambio formal del estilo predominante en el área de la arquitectura y el diseño.

La aerodinámica se aplicó en los más diversos ámbitos del diseño y la arquitectura, desde casas, hoteles, autos y hasta en objetos que no tenían requerimientos diseño aerodinámico como sacapuntas de lápices, etc.

El interés por la aerodinámica fue una constante en el diseño automotriz del primer tercio del siglo XX ya que un diseño adecuado, permitía mayores velocidades sin necesidad de incrementar excesivamente la potencia de los motores. Las soluciones son extremadamente elegantes y hermosas. A diferencia de los autos americanos de los 60 y 70, que conquistan la velocidad en base a pura fuerza, estos diseños parecen ser tan ligeros que con solo verlos se tiene una sensación de rapidez y serenidad. El concepto de gota de agua imperante en la época, como epítome de aerodinamismo, es llevado al extremo por creadores como Delage, Talbot, Cord..

ART DECO 1920

Este movimiento se inicia en Paris, 1920es un estilo decorativo internacional.

Estética Maximalista tomando atributos formales del Art Nouveau, en el se ven reflejados la actitud naturalista, fuentes eclécticas (arte egipcio, arte tribal, surrealismo, Futurismo, constructivismo, neoclasicismo, abstracción geométrica, cultura popular y movimiento moderno).

Se utilizaban materiales exóticos como pieles, nácar, baquelita, maderas lujosas, etcpara este movimiento se visualiza una Baja compatibilidad industrial.Termina con la II Guerra Mundial.

Principales características:- Simetría- Volumetría.- Positivos y negativos.- Bajos y altos relieves.

- Decoración por encima de la funcionalidad.

- Tratan de representar algunas abstracciones que muestran de la naturaleza, rayos luminosos radiantes, fluidos acuáticos, nubes ondulantes…

- Representación de la fauna haciendo referencia a ciertas cualidades como la velocidad, usando para ello gacelas, galgos (elegancia), panteras palomas, garzas..

- Se utilizan las flores, los cactus, las palmeras, representados por medio de delineaciones geométricas.

- Se utilizan motivos de las culturas pre hispanas de las culturas azteca, maya o inca y motivos inspirados en los objetos de los descubrimientos arqueológicos de Egipto, Mesopotamia, vikingo o de los pueblos africanos o indios.

- Se utiliza la figura humana de hombres gimnastas, obreros, habitantes de las urbes, luciendo el "look" de la época, junto a la de mujeres resueltas que participan en la producción económica, vistiendo una moda más atrevida, con el pelo corto a la "garzón" que fuman y participan en cócteles, denotando su liberación.

- Se caracteriza por la profusión ornamental, el lujo de los materiales y el frecuente recurso a motivos geométricos y vegetales.

- Se divide en Zigzag y Streamline (1930-1939) en EE.UU. Utiliza línea curva aerodinámica, horizontal y abstracciones de velocidad; en Miami se ve el estilo hollywoodense que da una sensación de elegancia con la utilización de colores llamativos.

-Detalles, texturas.

- La mujer fue gran inspiradora de este movimiento, en porcelanas, pintura, accesorios (tocadores, perfumeros)

- Repetición modular.

El Art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países), afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la

moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía.

Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizan la 'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes' en París, estos artistas se llamaron a sí mismos los modernos; en realidad, el término Art Decó fue acuñado en la retrospectiva titulada "Les Annés 25" llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966, en francés el término se escribe Art Déco y en inglés Deco.

Este movimiento es, en un sentido, una amalgama de muchos estilos y movimientos diversos del temprano siglo XX, y a diferencia del Art Nouveau se inspira en las Primeras Vanguardias. Las influencias provienen del Constructivismo, Cubismo, Futurismo, del propio Art Nouveau del que evoluciona, y también del estilo racionalista de la escuela Bauhaus. Los progresivos descubrimientos arqueológicos en el Antiguo Egipto marcaron asimismo su impronta en ciertas líneas duras y la solidez de las formas del Art Decó, afín, a la monumentalidad y elementos de fuerte presencia en sus composiciones.

Como estilo de la edad de la máquina utilizó las innovaciones de los tiempos para sus formas: las líneas aerodinámicas producto de la aviación moderna, iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos. Estas influencias del diseño fueron expresadas en formas fraccionadas, cristalinas, con presencia de bloques cubistas o rectángulos y el uso de la simetría. El color se nutre de las experiencias del Fauvismo. Trapezoides, facetamientos, zigzags; y una importante geometrización de las formas son comunes al Decó.

Correspondiendo a sus influencias maquinistas, el Decó se caracteriza también por los materiales que prefiere y usa, tales como aluminio, acero inoxidable, laca, madera embutida, piel de tiburón (shagreen), y piel de cebra. El uso de tipografía en negrilla, sans-serif o palo seco, el facetado y la línea recta o quebrada o greca (opuesto a las curvas sinuosas y naturalistas del Art Nouveau), los patrones del galón (chevrón), y el adorno en forma de sunburst son típicos del Art Decó. Ciertos patrones de ornamento se han visto en aplicaciones bien disímiles desde diseño de zapatos para señoras, a parrillas de radiadores, diseño de interiores para teatros, y rascacielos como el Chrysler Building.

Sociología

El Decó alcanzó su apogeo en los años 1920. Aunque muchos movimientos del diseño tienen raíces o intenciones políticas o filosóficas, el Art Decó era casi puramente decorativo, por lo que se lo considera un estilo burgués. A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas, el Decó es sólido y posee una clara identidad propia. No se trata de un historicismo ni de un anacronismo; es fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la Revolución Industrial. Su significación gira en torno al progreso, el ordenamiento, la ciudad y lo urbano, la maquinaria. Elegante, funcional, y modernista, el Art Decó fue un avance frente al Art Noveau, esta vez, exitoso en generar un nuevo repertorio de formas acordes a la problemática e imaginería de su tiempo.

El Art Decó era un estilo opulento, y su exageración se atribuye a una reacción contra la austeridad forzada producto de la Primera Guerra Mundial. En simultáneo a una creciente depresión económica y al fantasma del acercamiento de la Segunda Guerra había un deseo intenso por el escapismo. La gente gozó de los placeres de la vida y del Art Decó durante la 'edad del jazz'.

En la década de los años 30 la magia de Hollywood se hizo patente en el cine musical, Top Hat, (1935). "Sombrero de copa", es un ejemplo representativo de este género. Una trama trivial, romanticismo, ambiente elegante y mundano, sofisticados decorados Art Deco pensada para hacer que el público se olvidara de sus problemas y gozara de un mundo de lujo y sueños.

Decadencia

El movimiento pierde patrocinio en las metrópolis europeas y americanas mucho después de haber alcanzado una introducción masiva; al punto de ser empleado para representar falsas pretensiones de lujo. Finalmente, el estilo cae en decadencia dada las austeridades impuestas por la Segunda Guerra Mundial.

En países coloniales o periféricos tales como India, Nueva Zelanda, Cuba, Colombia, Argentina, México y las Filipinas, se convirtió en una puerta de entrada al Modernismo y continuó siendo utilizado bien hasta los años 1950. En América Latina se pueden encontrar durante este periodo varios exponentes del art decó.

Características del Art Déco Dentro del Art Déco hay dos períodos que corresponden a dos líneas estéticas del estilo: el Zigzag y el Stream Line.

El primero va de 1920 a 1929, se dio mayormente en Europa y fue el que se basó más en las referencias de las culturas pasadas que se pusieron de moda por descubrimientos arqueológicos, Egipto, Mesopotamia, Mesoamérica, la cultura Inca, o que se rescataron del olvido y del desinterés occidental, tal como sucedió con las piezas africanas y algunas mismas culturas europeas antiguas, o bien las extrañas y lejanas sociedades orientales. Resalta en su decoración los triángulos encadenados y superpuestos y líneas y composiciones geométricas en movimiento.

En el Art Deco el uso de nuevos materiales es de gran importancia, generalmente se usaban maderas exóticas, pieles naturales, nácar, porcelana, cerámica, cristal y metales; pero ahí un material en especial que fue el más utilizado y que generó una revolución por su practicidad y presentación: la baquelita

La Baquelita es un material creado por Leo Baekeland en 1909; fue la primera sustancia plástica sintética que existió y sus propiedades físicas hacían de este material algo totalmente innovador, ya que no conduce electricidad, es resistente al agua y a los solventes y fácilmente mecanizable.

Este material empezó a usarse como carcasa de teléfonos y radios generalmente, y su mayor auge fue precisamente durante la época en que se dio el estilo Art Deco.

El segundo tuvo su auge de 1930 a 1939, se desarrolló más en Estados Unidos y representa la era de la recuperación económica después del "crack" bursátil del 29. Hombres fuertes y desnudos quienes controlan máquinas de diversa índole y vislumbran un futuro prometedor tecnológico adornan paneles y los principales motivos decorativos son las líneas curvas aerodinámicas, de aquí su nombre, líneas horizontales aplicadas o también abstracciones de la velocidad.

Conclusion:Art Déco es un conjunto de diversos manifestaciones artísticas que convergieron entre las décadas de los años veinte y treinta en Europa y Estados Unidos, principalmente, así como en otros países, exaltando el gusto por la decoración, a través de diseños, en muchas ocasiones exóticos, que subliman lo geométrico, lo cúbico y lo aerodinámico, en

contraposición de la delicadeza curvilínea y serpenteante de Art Nouveau y sus diferentes acepciones.

En la década de los ’30 , predominaba en Estados Unidos formas y diseños estilizados paralelamente con el estilo Art Déco, los que se propagaron a gran parte del mundo.

Tamara Lempicka, , (Varsovia, 16 de mayo de 1898 - Cuernavaca, 18 de marzo de 1980).

Su obra estuvo basada en retratos femeninos. Precursora del “art déco”, tuvo como principales influencias a Botticelli, Bronzino, el retrato manierista en general, y el Cubismo.

Como rasgos distintivos del Art Déco

El Art Déco se basa principalmente en la geometría imperante del cubo, la esfera y la línea recta, además de los imprescindibles zigzags; conjuntos horizontales y verticales de líneas rectas, o bien perpendiculares combinadas con medias circunferencias y circunferencias enteras, además de los exágonos y los octágonos.

Soles con rayos luminosos radiantes, nubes trazadas rígidamente, ondulaciones que buscan representar fluidos acuáticos son algunas de las abstracciones que se hacen de la naturaleza.

Animales como las gacelas, los galgos y las panteras son utilizados junto con aves como las palomas y las garzas por su referencia con la velocidad.

Dentro de los elementos fitomorfos más utilizados están las flores trabajadas con delineaciones geométricas, así como los cactus y las palmeras.

Imágenes de fuentes congeladas y en forma ascendente son una constante del Déco que tanto se utilizarán en objetos de decoración, como en la arquitectura.

Nuevos materiales industriales se ponen de moda: el cromo, la baquelita y el plástico; naturales, piel de zapa, de tiburón y el carey; maderas traídas de lejanas tierras como el ambón, el ébano y el palisandro.

Los motivos de las culturas prehispánicas americanas como lo mexica o azteca, lo maya, lo inca sirven de inspiración tanto a decoradores como a arquitectos; lo mismo sucedió con los descubrimientos arqueológicos de lo egipcio y lo mesopotámico, así como con los objetos africanos, vikingos, hindúes y de los indios Pueblo.

Dentro de la arquitectura (que la explicaremos más detalladamente en el siguiente punto), además de las formas geométricas que ya mencionamos, se recurre a remates terminados escalonadamente y con proas marítimas que sostienen mástiles que sirven como astas; arcos y puertas ochavadas y lujosos materiales como el mármol, el granito y el aluminio consuman el aparato decorativo.

La máquina simboliza una nueva era de la mecanización: automóviles, locomotoras, barcos, aviones, representan el triunfo del dominio de la locomoción y la velocidad. Los aparatos electrodomésticos que facilitan las labores hogareñas son diseñados bajo los mismos ideales mecánicos y de progreso. Y la avasalladora energía eléctrica es interpretada con líneas resquebrajadas que se enmarcan en paneles o bien en las herrerías de puertas, ventanas y rejas.

Finalmente la figura humana de hombres gimnastas, talantes, obreros, habitantes de las urbes, con traje y pelo engomado, que someten al mundo moderno mecanizado, se emparejan con mujeres resueltas que participan en la producción económica, vistiendo una moda más atrevida, con el pelo corto a la garzón, que fuman y participan en cócteles, denotando su liberación. Ambos también aparecen con el torso desnudo o desvestidos completamente, con hercúleos cuerpos, o en posturas circulares y vertiginosos saltos, los cuales connotan la impetuosidad del siglo XX. Los humanos alados se recrean en los ambientes aéreos en franca competencia con la paulatina conquista del espacio.

Suecia

Específicamente en Suecia el diseño tuvo una extraordinaria proyección internacional y es uno de los hechos más notorios de la historia del arte contemporáneo. El diseño en este país se ha destacado a nivel mundial por su avance, investigación y aplicación en el área de ergonomía y factores humanos, sus objetos son disputados por los mejores museos del mundo y ya integran todas las celebres colecciones dedicadas al diseño de este siglo.

SUECIA 1930En la década de los ’30 , predominaba en Estados Unidos formas y diseños estilizados paralelamente con el estilo Art Déco, los que se propagaron a gran parte del mundo.

Las tendencias en los países escandinavos, lograron desvincularse de los postulados característicos del diseño estadounidense. A partir de esto surgió durante la década de los ’40 y ’50 , el apogeo de un estilo bastante distinto : Swedish Modern.

Alvar Aalto

Nació en Kuortane, Finlandia. Arquitecto y diseñador, pionero del movimiento modernista en los países del norte europeo. Su trabajo impulsa la evolución de formas y materiales utilizados en la creación de muebles desde un estilo clásico de los países bajos hasta un post modernismo puro e inédito. Para ello investiga y desarrolla por si mismo el uso de madera de abedul contrachapada en la fabricación de mobiliario y, para 1932, ya domina la técnica para curvar este material.

La filosofía de Aalto lo mantiene apegado a los materiales naturales y alejados de la producción en masa. Inventa la forma para unir los componentes del bastidor sin utilizar elementos metálicos, como pernos y tuercas.A mediados del siglo 20, ingleses y americanos acogen de buena forma las ideas del maestro finlandés, que a diferencia de otros modernistas de su época, no agrega decoración excesiva a sus muebles, sino más bien, tiende a ser minimalista.

Eero Aarnio (1932)

Nació en Helsinki, Finlandia. Diseñador, posterior a la influencia y originalidad de Alvar Aalto. En sus comienzos utiliza madera y luego desarrolla un nuevo concepto estético en la creación de muebles. Para 1960 se ubica a la vanguardia de un movimiento artístico que emplea fibras sintéticas de plástico y vidrio como componentes estructurales y de acabado exterior. Aarnio diseña un tipo de mueble compacto concebido para ser de larga duración, sin embargo, en algún momento de su trabajo, incorpora formas del arte pop caracterizado por ser desechable.La filsofía de Aarnio se resume en lo que él mismo expresa: "el diseño evoluciona sólo si existe apertura al cambio para alcanzar una renovación constante". Como muestra de esto, alrededor de 1970, continúa su desarrollo y diseña muebles empleando espuma de poliuretano. En el siglo 21 el maestro escandinavo sigue innovando en la mueblería.

Bruno Mathsson (1907-1988)Nacido en Värnamo, Suecia. Arquitecto y maestro del diseño innovador en su país. Adquiere de su padre, fabricante de muebles, conocimientos de ebanistería sueca. A partir de ello y basado en las formas del mueble tradicional, Mathsson desarrolla un estilo con formas y curvas que derivan de bastidores de madera de una sola pieza, inéditos en el diseño de mobiliario.Al mismo tiempo Bruno Mathsson es científico en la creación de sillas ya que sus modelos se basan en el estudio acabado de los diferentes ámbitos en que se emplea. Así se transforma, en las primeras cuatro décadas del siglo XX, en modernizador de la estética sueca.Después de 1945, Mathsson se dedica a proyectos de arquitectura y a la creación de muebles de estructura metálica tubular, empleando nuevas técnicas de producción. Expone sus muebles en diversas ferias internacionales de Europa, donde alcanza reconocimiento mundial.

Eero Saarinen (1910-1961)

Nació en Kirkkonummi, Finlandia. Su madre Loja era escultora y su padre el destacado arquitecto Eliel Saarinen. Emigró a los Estados Unidos en 1923. Trabajó con su colega y amigo, el famoso diseñador Charles Eames. Juntos desarrollaron un estilo de muebles que fue galardonado, en 1940, por el Museo de Arte Moderno. Posteriormente y en forma independiente plasmó su estilo en muchas piezas de mueblería, por encargo de grandes fabricantes. También dedicó parte de su obra al diseño arquitectónico.

En 2008 se cumplieron los primeros 50 años de uno de los diseños más reconocidos del siglo XX: la silla Tulip. La propuesta fue creada por el diseñador estadounidense Eero Saarinen, de origen finlandés y con una fuerte impronta europea, que adquirió en uno de sus largas estadías en el viejo continente.

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La silla Tulip. fue creada por el diseñador estadounidense Eero Saarinen, de origen finlandés.

esarrollada con una economía de espacio, la línea se destaca por desprenderse de la ideas de patas (tanto las diversas sillas como las mesas tienen un sólo pedestal). El color y los materiales también marcan un ascetismo y una economía de diseño, que logra una unidad de estilo entre todas sus piezas. El detalle de personalización de cada pieza lo aporta el tapizado, que tiene todas las variantes que las telas y el cuero le pueden aportar.

La línea Tulip (compuesta por sillas con apoyabrazos, sillas sin apoyabrazos, banquetas y mesas de diversos tamaños) está realizada en aluminio, fibra de vidrio y plástico (dependiendo del modelo).

Verner Panton (1926-1998)

Nació en la isla de Fÿnen, Dinamarca. Estudió en la Academia de Arquitectura Real en Copenhagen. En 1955 abrió su propia empresa de arquitectura y diseño.Fabricó la primera silla de una sola pieza, por medio de la inyección de plástico. La decoración de interiores y la iluminación, también fueron géneros artísticos que alcanzaron gran altura con este artista pop.

Específicamente en Suecia el diseño tuvo una extraordinaria proyección internacional y es uno de los hechos más notorios de la historia del arte contemporáneo. El diseño en este país se ha destacado a nivel mundial por su avance, investigación y aplicación en el área de ergonomía y factores humanos, sus objetos son disputados por los mejores museos del mundo y ya integran todas las celebres colecciones dedicadas al diseño de este siglo.

El diseño sueco nace a partir de la escasez de recursos, que trae como consecuencia el desarrollo del instinto creativo, aprendiendo a economizar los recursos naturales al máximo, imprimiendo en sus obras la esencia de la naturaleza, dándole una sensación orgánica y flexible, influenciada por las tradiciones escandinavas y buscando que sus diseños sean principalmente a escala humana.

El éxito del diseño sueco, se debe en gran parte a la capacidad de los diseñadores de unificar lo industrial, lo útil, lo artesanal y lo artístico combinando sensibilidad, depuración, calidez y hermosura, así como también han integrado lo orgánico y lo geométrico, logran unir con acierto los materiales artesanales y la producción en serie.

Sus diseños van más allá de producir objetos lujosos y para personas que pertenezcan a un nivel socioeconómico más elevando, si no que se han preocupado principalmente por una íntima asociación entre forma y función, haciendo la vida más confortable y placentera para todos.

El diseño sueco a pesar de trabajar para una producción masiva, en el campo industrial, no ha querido dejar de lado las cualidades artesanales, ya que los recursos naturales ennoblecen y embellecen la vida cotidiana, manteniendo los diseños vinculados a las tradiciones suecas, que los hace más cercanos a su idiosincrasia y que además atrae el interés de sus países vecinos y a nivel mundial.

La industrialización dio el ejemplo de un nuevo modo de concebir el trabajo en las fábricas con la propuesta de ampliar las tareas, esta organización se basa en el trabajo en equipo. Fue desarrollada en primer lugar en las fabricas de automóviles suecas (Volvo y Saab), para luego abrir paso al diseño de otros productos como electrodomésticos, máquinas para trabajar en maderas, etc.

Suecia ha desarrollado considerablemente la integración de la ergonomía en el diseño de productos. Existen estudios que se han especializado en productos para minusválidos, personas con deficiencia motriz y tercera edad.

Ergonomía

La ergonomía ha sido un tema de gran relevancia para los diseñadores suecos. Etimológicamente la palabra ergonomía deriva de raíces griegas; Ergo: Trabajo y Nomía: Norma, Ley. Literalmente su significado es el estudio de las leyes de trabajo. Llevado a la práctica la ergonomía se basa en mejorar las situaciones de trabajo y actividad motriz.

Hay una necesidad de profundizar en el análisis de la función y hacer más apticos los objetos y herramientas tanto para el hombre común como para personas con problemas motrices.

Los diseñadores suecos se han preocupado principalmente de unificar la ergonomía al diseño de objetos. Existen industrias dedicadas a la producción de herramientas, por ejemplo, que fundan sus objetivos en hacer el trabajo más cómodo y seguro para las personas.

El diseño sueco logra hacerse conocido internacionalmente por sus postulados que se basan en crear objetos para todos. La ergonomía cumple un rol fundamental en esto, ya que el grupo de diseñadores dedicados al estudio de este tema trabajan bajo una metodología, logrado desarrollar y aplicar sus conocimientos en distintas áreas, principalmente en el diseño para minusválidos.

Las personas y las instituciones de salud se han visto beneficiadas con los diseños de objetos destinados a suplir las necesidades de un paciente con problemas motrices, desde lápices para personas con artritis hasta sillas para transportar y facilitar la mantención de higiene en personas minusválidas, forman parte de la amplia gama de objetos diseñados en Suecia.

Materiales

Vidrio

Arena, un poco de óxido de plomo, sodio, potasio y algunos óxidos de metal son los ingredientes de la masa del vidrio.

El vidrio es un material muy cercano a la naturaleza del diseño sueco, nace de la creatividad para sobrevivir. El país es rico en bosques, lagos y arroyos, y además posee un gran potencial humano, esto es lo que precisamente necesitaban las fábricas de cristal: madera para el fuego que hiciera arder la materia, agua para enfriarla y llevar a cabo la producción y la fuerza del hombre para fabricarla.

La producción de objetos en vidrio es muy antigua, pero los diseñadores suecos hicieron resurgir este material utilizándolo en el apogeo de su estilo a nivel mundial. Entre 1556 y 1965 crearon 193 fábricas de vidrio dentro del país, además existieron grupos de artesanos del vidrio que trabajaban en sus propios talleres, los que día a día iban creciendo e incrementando la producción de objetos en vidrio, teniendo un desarrollo fascinante y dinámico principalmente en la segunda década del siglo XX.

Los talleres estaban llenos de magia al momento de la creación en vidrio, existía un constante aprendizaje ya que maestros, sopladores, secadores y artistas vivía cada día un proceso en el que la masa se moldea, se enfría y luego el vidrio ya cristalizado se vuelve irreversible.

Abedul

Árbol de madera dura, bastante pesado y fuerte, posee una buena elasticidad y estabilidad, que proporciona troncos de buena calidad para la industria Europea.

El abedul es uno de los árboles más característicos de Suecia, elemento típico tanto del paisaje, como de los medios urbanos. Representa para los suecos creencias populares y sensación de hogar y calidez.

Material insustituible en la artesanía y el diseño. Impuesto tradicionalmente en los países nórdicos , de madera inviolable que se mantiene intacta mostrando toda su belleza.

El abedul ha acompañado desde siempre a los habitantes de Suecia, sin embargo, en el siglo XX, se conocieron sus propiedades físicas (textura, color, elasticidad y dureza) y se compatibilizó con otros materiales logrando así una identidad y realce al diseño sueco.

Bruno Mathsson uno de los diseñadores suecos de muebles más importantes e influyentes a nivel internacional

Conclusión

Suecia a pesar de ser un país pequeño supo resurgir de su pobreza y escasez de recursos, gracias al ingenio y la creatividad. A través de esto utilizaron los recursos naturales que su propia geografía les brindó, implantando un estilo que se reconoció a nivel mundial y que logra mantenerse a través del tiempo.

El diseño sueco al utilizar sus propios recursos naturales, fue creando una identidad totalmente fiel a sus costumbres y tradiciones, esto cautivó en gran medida a gran parte de los usuarios.

La naturaleza deja sus rastros en todos los aspectos de la vida escandinava, la simplicidad de las formas en los diseños se deben principalmente a un concepto de función, más que a las soluciones estéticas que se le puedan dar a los objetos. Esta funcionalidad se relaciona mayoritariamente con el diseño de objetos ergonómicos que es una de las bases del Diseño Sueco.

Por último la filosofía que desde siempre marcó la evolución del diseño sueco, es el deseo de mejorar la calidad de vida y hacerla más placentera para todos.

Diseño Escandinavo 1930Suecia-Dinamarca-Finlandia-Noruega

Las extremas condiciones climáticas activan la manera de enfrentarse al diseño. Hacen que la casa constituya la pieza fundamental, muebles y objetos inspirados por el confort.En 1924 Kaare Klint funda la Academia de Bellas Artes Danesa: Generando una nueva concepción del diseño, diferenciándose de todas las tendencias contemporáneas del Movimiento Moderno, criticando a la Bauhaus acusándola por la falta de humanización y por el rechazo a las tradiciones.

Crean la Ergonomía -estudio de la anatomía humana aplicada a los objetos de uso-. Logrando diseños funcionales y confortables. Un gran sentido solidario en recuperar los talleres artesanales, de esta época que empezaba a industrializarse, con diseños sencillos y prácticos contra los de estilos producidos por la máquina.

En la Exposición Universal de Nueva York en 1939 el Diseño Escandinavo abrió su camino en la Vanguardia Internacional. Pureza en las líneas y simplicidad en la ejecución.Con ésta concepción formada, el arquitecto Eliel Saarinen -Finlandés- Emigra a EEUU y siendo director de Crandook Academy of Arts, generó diseñadores que introdujeron importantes innovaciones en la historia:

PH5 Lamp by Poul Henningsen Artichoke Lamp by Poul Henningsen

"Utilización de tecnología de alto nivel artístico". Con una estética de organicidad racionalizada, refinamiento constructivo, cuidado en el detalle, equilibrio y calidez. Alvar Aalto arquitecto finlandés introduce en 1936 una estética también radicalmente nueva, manteniendo los principios de los muebles tubulares del Movimiento Moderno, pero reemplazándolo por la madera. Con inspiración Thonet en las formas, pero ahora con madera de abedul y en formas de plachas curvadas y contracurvadas, creando nueva tecnología.

Luego de la Segunda Guerra Mundial, las técnicas de empaquetado y los métodos de producción eran los que determinaban los productos, por lo tanto la funcionalidad y el rigor de los nórdicos se convirtió en el modelo a seguir. Junto a la Americana, la vivienda escandinava se convirtió en el modelo de los '50.Desarrollándose también el "Estilo Teca": Madera dispuesta en listoncillos separados entre sí.Jhul, Jacobsen y Panton rompieron con la hegemonía de la madera y con las posibilidades que la industria ofrecía, generaron formas plásticas y orgánicas, una estética funcionalista de la reducción. Diseño que da primer lugar a lo bello y funcional y que a pesar de las distintas etapas los escandinavos siempre reflejaron el espíritu de una sociedad igualitaria que mantiene un fuerte sentido de la solidaridad y de la ecología. Los materiales empleados, los avanzados sistemas de reciclaje de todas las piezas de un producto para producir otro nuevo, son síntomas de la relación cercana y comprometida que tienen con el medio ambiente.

La fascinación escandinava quedó eclipsada en los años 70 por el fragor vitalista y sensual del Diseño Italiano. Actualmente la concepción del Diseño Escandinavo con lo genuino y simple sigue refrescando a occidente.Hoy una gran empresa para el hogar-Ikea- de origen Sueco mantiene el lema "Producir diseño democrático". Analizando el diseño encontramos objetos delicados, sensuales, a veces exquisitos, sinceros y muchas veces mínimo y, se suma materiales honestos, un sólido artesanado y claridad funcional.

Características generales:

Las extremas condiciones climáticas activan la manera de enfrentarse al diseño. Hacen que la casa constituya la pieza fundamental, muebles y objetos inspirados por dictamen del confort.

Las condiciones de carencia económica y emocional forjan un arte simplista que busca la funcionalidad con un diseño coherente y armonioso con el entorno.

Son creadores de la ergonomía, estudio de la anatomía humana aplicada a los objetos de uso cotidiano. Logrando diseños funcionales y confortables. Un gran sentido solidario en recuperar los talleres artesanales, de esta época que empezaba a industrializarse, con diseños sencillos y prácticos contra los de estilos producidos por la máquina.

Generan una nueva concepción del diseño, diferenciándose de todas las tendencias contemporáneas del Movimiento Moderno, criticando a la Bauhaus por su falta de humanización y por el rechazo a las tradiciones.

Los escandinavos siempre reflejaron el espíritu de una sociedad igualitaria que mantiene un fuerte sentido de la solidaridad y de la ecología, creando sistemas óptimos de reciclaje.

"Utilización de tecnología de alto nivel artístico". Con una estética de organicidad racionalizada, refinamiento constructivo, cuidado en el detalle, equilibrio y calidez.

Diseño Escandinavo

El término Diseño Escandinavo se utiliza generalmente para describir un estilo de productos que empezaron a diseñarse en 1930. Más adelante se convirtieron en referentes para el desarrollo del diseño moderno, y aún hoy son apreciados en todo el mundo.

Tapio Wirkkala (1915 - 1985) nació en Hankoo, Finlandia. Tapio Wirkkala es una figura

representativa del diseño finlandés, un artista que utilizó gran diversidad de materiales, no

dejando área sin explorar en el mundo del diseño. Fue uno de los artistas más destacados en los

inicios del arte y diseño industrial escandinavo. Se ganó el prestigio con numerosos diseños tras la

segunda guerra mundial. Como buen diseñador escandinavo realizaba sus prototipos en madera.

Bowl diseñado por Tapio Wirkkala

"Ultima Thule". Uno de los diseños más exitosos de

Tapio Wirkkala

Finlandia a logrado ocupar un selecto lugar en el mercado del diseño industrial, gracias a la calidad y prestigio de sus productos.Empresas pioneras como litala que produce excelentes piezas en vidrio. con diseñadores como Alvar Aalto, Tapio Wirkakala.

Aunque cada uno de los países que conforman Escandinavia tiene sus propias características por su particular situación política, cultural y geográfica, también tienen aspectos comunes, marcados por una mentalidad social-demócrata y el hecho de vivir bajo la influencia de una naturaleza cruda y dominante.

Los pioneros del diseño Escandinavo no compartían totalmente los principios de la industrialización. Para ellos era de gran importancia la parte humana del diseño. Su industrialización estuvo siempre muy ligada a una rica tradición en el campo de la artesanía. De la combinación de estos factores surgió un diseño de gran calidad, que se dio a conocer mundialmente.

La época dorada del diseño Escandinavo empezó en 1950. Tras un pequeño receso en los 80, los 90 volvieron a ser muy productivos. Hoy en día sigue habiendo mucha energía en el diseño de estos países, que todavía tienen influencia internacional, y los diseños más conocidos se han convertido en objetos codiciados por los coleccionistas.

Los diseñadores escandinavos de hoy en día tienen más influencias que sus predecesores, pero su punto de partida y sus objetivos siguen siendo los mismos: Crear belleza para la vida diaria.

Arne Jacobsen (1902-1971)

Nació en Copenhagen, Dinamarca. Sus primeros pasos en el arte decorativo los realizó dedicándose a trabajos de mampostería. Posteriormente recibe instrucción formal en la Escuela Real de Bellas Artes Danesa.En 1930 establece su propia empresa de diseño donde se dedica a diferentes especialidades del rubro: proyectos arquitectónicos, diseño de interiores, de artículos de cerámica y muebles de

estructura con estilo original.

ARTE ÓPTICOA mediados de la década del ’60 empezó a desarrollarse un arte abstracto nuevo, evidentemente relacionado con la abstracción geométrica, estudiando los procesos ópticos y psicológicos de la percepción.

Pero como estos procesos de investigación visual no pueden reducirse a la producción de imágenes aisladas (porque la imaginación humana utiliza simultáneamente una multiplicidad de imágenes percibidas), estos artistas se han dedicado a experimentar con secuencias, ritmos y

cambios de imágenes ópticas. Es decir para ellos un elemento esencial es el movimiento, lo que se ha llamado factor “cinético”.

El factor cinético de la visión puede investigarse por tres caminos: creando en la percepción óptica del espectador la impresión de un movimiento virtual o ilusorio que realmente no existe; obligando al espectador a desplazarse en el espacio para organizar en su mente la lectura de una secuencia; o realizando movimientos reales de imágenes mediante motores o emisores móviles de luz.

El Opt Art tiene sus antecedentes directos en los estudios que hacia fines de 1955, realizaban separadamente en Estados Unidos el ex profesor de la Bauhaus, Josef Albers y en París el húngaro Vassarely, aunque encontramos algunos trabajos previos realizados veinte años antes por maestros de la Bauhaus y en los discos visuales de Marcel Durchamp.

En el Op Art se manifiesta una voluntad enérgica de romper las barreras entre arte y tecnología (utilizando materiales producidos por la industria moderna, plásticos, acrílicos luminosos, y en las piezas de arte tridimensional, motores y aparatos electrónicos) y apela a la acción y a la creatividad del espectador, estimulándolo con sorpresas ópticas, con el descubrimiento de propiedades físicas y combinatorias imprevisibles, solicitando el factor lúdico humano como en una invitación al juego.

Esta tendencia a establecer relaciones con diversas ramas científicas: óptica, psicofisiología,

Cibernética, produjo finalmente una convergencia de intereses con el mundo del diseño industrial y el posterior desarrollo de los sistemas aplicados en algunas variantes del arte digital.

EL OP ART 1960

El Op Art surge a finales de la década de los ‘50, para asentarse en los años ‘60. Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro. Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real. Fue rápidamente aceptado por el público por sus estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda.

Uno de sus representantes más relevantes es el artista francés Víctor Vasarely, quien se interesa por el arte cinético con sus efectos ópticos sugeridos por la superposición de tramas, la ordenada organización de las formas y los contrastes de blanco, negro y color.

Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y sombras, los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento, brindándole total dinamismo a superficies planas, las cuales terminaban siendo ante el ojo humano espacios tridimensionales llenos de vibración, movimiento y oscilación.

A mediados del siglo XX varios artistas como Josef Albers, Victor Vasarely y M.C. Escher empezaron a explorar en sus obras distintas formas de confundir al ojo. En los sesenta se inventó el término arte óptico para nombrar ese tipo de trabajo, ya que cada vez más artistas abstractos escogían ese estilo. Los artistas ópticos no estaban interesados en pintar los objetos de la vida cotidiana como los artistas Pop, que eran sus contemporáneos.

El movimiento quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York titulada The Responsive Eye que agrupaba a una serie de artistas de distintas nacionalidades seguidores de esta tendencia. Entre sus principales representantes

estaban la británica Bridget Riley y los estadounidenses Ellsworth Kelly y Kenneth Noland.

Op art

Las cuidadas formas del Op Art gozaron de una rápida y entusiasta aceptación por parte de la crítica y del público y pronto se convirtió en punto de inspiración para modistas, publicistas y gente de las artes gráficas.

Además el arte óptico o cinético (como muchos lo llaman) es uno de los movimientos artísticos que más se relacionan con la investigación científica, al estudiar el color, la influencia de la luz y el movimiento en los cambios cromáticos y su percepción en la retina humana.

Destacaron entre los representantes del Op Art: Victor Vasarely, Bridget Riley, Frank Stella, Josef Albers, Lawrence Poons, Kenneth Noland y Richard Anuszkiewicz.

Victor Vasarely

Bridget Riley

Por su parte, los diseñadores textiles y de moda de la década de los ‘60 no tardaron en asimilar estos movimientos artísticos y aplicarlos en el vestir. Lograron así que el buen diseño fuera una realidad al alcance de muchos, de fácil acceso para las grandes masas de clase media.

Idearon modelos “frescos”, que reflejaran alegría y vitalidad, renovando las texturas, los estilos y también la combinación de colores, uniendo sin temor colores como el fucsia con el rosado o amarillo, que antes a primera vista “no combinaban”.

Características generales: Es una evolución matemática del arte abstracto.

Se usa la repetición de las formas simples.

Los colores crean efectos vibrantes.

Gran efecto de profundidad.

Confusión entre fondo y primer plano.

Hábil uso de las luces y las sombras.

El resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve.

Aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo.

En la retina se sienten vibraciones, altibajos, formas que emergen y se retrotraen.

asiento “Saccoasiento “Sacco

Assiento Sacco

Italia.

Desde hace cuatro décadas aproximadamente Italia ha sido una gran exportadora de diseño industrial como factor cultural y económico.

 Su tradición no es tan larga como la alemana, sino que arranca a partir de la industrialización del triángulo norteño –Milán, Turín y Génova-, planteada después de la Segunda Guerra. El interés se ha demostrado primordialmente a nivel práctico, pero también descolla la teorización. Como prueba de ello se cuenta una importante cantidad de publicaciones bibliográficas y hemerográficas (entre las revistas están las famosas Domus, Ottagono, Abitare e Interni), cuyo contenido analiza la interesante vinculación entre arquitectura,  arte y diseño que ha desenvuelto en esta península que también es escenario de grandes eventos como la Feria de Milán, foros a los que asiste lo más granado del diseño internacional.

El estilo predominante ha sido el “Bel Design”, el cual está basado tanto en la tradición cultural artesanal como en las innovaciones técnicas y creativas que carecen del lastre funcionalista. La compañía Olivetti es la gran exponente de las características formales del diseño italiano.

 

El Bel Design no es barato, sino más bien orientado al poder adquisitivo de grupos sociales que exigían la exclusividad de las piezas, lo cual es una diferencia con respecto al aspecto social que caracteriza al diseño escandinavo.

 

Como antítesis de aquel movimiento surgieron los grupos  Archizoom, Superstudio,  Strum  y 9999 en los años 60’, GlobaTools,  Alchimia  y  Memphis en los 70’, con la idea de crear  metodologías de trabajo innovadoras y el intercambio de ideas para plantear la participación del diseñador en el desarrollo cultural del país. De estos estudios nacieron estilos como el “Diseño Banal” y el “Neo primitivismo”.

A mediados de los años sesenta se produjo un cambio bastante repentino. El surgimiento de un mercado de consumidores jóvenes, con su consiguiente deseo de diversión y de cambio, alteró el sistema de valores basados en la racionalidad y el universalismo.La estética Pop (popular), privilegiaba lo desechable y lo temporal, y rechazaba por consiguiente, lo permanente.Este cambio de hábitos consumistas causó un enorme impacto en la filosofía del diseño, volviéndose hacia la cultura popular.Respecto al diseño de muebles, se abandonó la seguridad y el exclusivismo a favor de la estética de lo desechable.Italia fue uno de los países en los que, paulatinamente, se siguió con más fuerza esta nueva tendencia esteticista.Hombres de talento de la talla de los hermanos Castiglione, Vico Magistretti, Marco Zanuso y Caetano Pesce, entre otros, proporcionaron un nuevo aire a materiales como el plástico Diseñadores que se esforzaron por romper con los valores de la generación anterior, en busca de un enfoque más expresivo, que se ajustase a los valores democráticos de la nueva era y que se moviese con los vientos de la moda más audaz, cuyos elegantes e innovadores diseños neomodernos, se convirtieron en símbolos distintivos del los años sesenta.

Diseños como el asiento “Sacco”, una bolsa de piel o de vinilo, rellena de bolitas de poliestireno, que se ajustaba al cuerpo de la persona al sentarse - creado por Piero Gatti, Cesare Paolini y Franco Teodoro -, o como las sillas “hinchables” “UP” de Caetano Pesce o sus sillones “UP2”, piezas que se “hinchaban” al salir de su caja de PVC.

“mesa Marcuso”.

Sillas inchables UP

El sacco (Piero Gatti, Cesare Paolini, 1969) se considera como un diseño típico de este movimiento, puesto que su forma (como las actuales "peras") permite al usuario adoptar cualquier tipo de posición de descanso otorgándole una amplia libertad de uso al objeto, y se puede observar cómo el pensamiento del anti-design prevalece frente a otro factores como la calidad del asiento o la ergonomía del mismo.

Formas que se inspiraban en el cuerpo de la mujer, por las que se las denominaba también “Donna”, o diseños más audaces, como el sofá “Tube Chair”, de Joe Colombo,

Tube Chair”, de Joe Colombo

que estaba formado por una serie de tubos de plástico semirrígidos, cubiertos con espuma de goma y tela, que podían unirse de varias maneras para crear una serie de asientos muy cómodos.

Los muebles de Zanuso se caracterizaron por el rigor y la originalidad, tal como se puede apreciar en la “mesa Marcuso”. La sencillez de su diseño, compuesta por patas de cromo

y una superficie de vidrio, genera una clara sensación de modernidad.Una época, que importaba más el lujo que la democratización, que tanto interesaba a

diseñadores de principios del siglo XX.

Vico

Magistretti creó varios diseños de muebles que acabaron convirtiéndose en clásicos, como su silla “Selene”, una de las primeras sillas realizadas totalmente en plástico. Sus patas poseían la forma de “S” que aumentaba su resistencia. Su superficie brillante, de resina reforzada, y su color intenso, le otorgaban un aire lujoso y muy innovador.

Pier Giacomo y Achille Castiglioni, fueron unos de los principales impulsores del movimiento italiano.

Muchos de sus diseños de muebles tenían una clara influencia de los ready-made” de Marcel Duchamp, en los que se empleaban objetos útiles, cuya forma venía determinada únicamente por el uso. Un ejemplo de ello es el taburete “Mezzadra”, que no era más que un asiento de tractor de color intenso, suspendido con un soporte de acero.

taburete “Mezzadra”,El arquitecto y diseñador danés Verner Panton, se sumó a este movimiento internacional. Su silla apilable “Stacking”, constituyó su diseño más innovador. La primera silla de una sola pieza con el asiento e n suspensión, creada con plástico inyectado.

Su original silla “Heart” (corazón), poseía una forma muy futurista, y contaba con una estructura de metal curvado y una cubierta con tapizado de tela.

Para el arquitecto y diseñador italiano, Ettore Sottsass, la creencia del movimiento moderno de que el diseño era capaz de cambiar comportamientos, dict ar estilos de vida y apoyar ideologías, le resultaba deplorable.Así, se encargó de plasmar esta opinión en todos sus diseños. Este es el caso de las estanterías, escritorios y armarios que expuso en la Trienal de 1965 y de 1966, del mobiliario “Grey” diseñado para Poltonova, o la serie de muebles que diseñó para Alchimia (mesas, librerías y lámparas), forrados en plástico y adornados con motivos de suburbios urbanos, como el suelo de mármol de las cafeterías típicas de los años cincuenta.

Sus obras inspiraron a generaciones de arquitectos y diseñadores que, desde 1966 hasta principios de los setenta, se identificaron con el movimiento “antidiseño” (). Vieron en Sottsass un líder nato que había logrado dar un nuevo rumbo a través de sus creaciones, como la “silla de secretaria”, de plástico amarillo y aluminio laqueado, con pies de Mickey Mouse, o el armario “Casablanca”, cuya impresionante forma recuerda más a un robot de la era espacial que a un armario.

A finales de los años sesenta, el concepto de estilo posmoderno se encontraba plenamente aceptado.El Pop Art, carecía del peso de la gravedad del mobiliario moderno y no dejó más que un puñado de obras e ideas. Pero eso no le quita méritos como movimiento. De hecho, resultó de vital importancia a la hora de trascender el conservadurismo del estilo moderno.

EL ANTIDISEÑO Nace en Italia. Está en contra de los preceptos racionales que

defendía el movimiento moderno. Pretendía validar la expresión creativa individual

a través del diseño. El surrealismo es quién influyó en distintos

creadores anti racionalistas de los años 40. Radicalmente crítico con la tecnología avanzada

y el consumismo ya establecido en la sociedad. El anti diseño defendía el diseño de evasión. Y con sus superestructuras intentaba demostrar

lo absurdo del racionalismo llevado al límite. Buscaba nuevas técnicas no industriales para

potenciar la creación individual.

ARCHI ZOOM ASSO CIATI

Fundado en 1966 en Firenze (Italia) por cuatro arquitectos y dos diseñadores que fueron influenciados por las visiones utopicas del grupo arquitectonico archigram. Se dedicaron a diseñar exposiciones, trabajos arquitectonicos y diseño de objetos.

Sus proyectos y numerosos ensayos reflejaron una nueva búsqueda, basándose en un acercamiento a lo flexible y tecnológicamente influenciado en el diseño urbano.

ARCHIZOOM Grupo de diseño y arquitectura fundado en 1966 en Florencia por Andrea Branzi, Paul Deganello, Morozzi máximo y Gilberto Coretti.

Agrupe que funciona entre los años sesenta y setenta de período completo del cuestionamiento ideológico, transforma la tecnología en "fantatecnologia" para ponerlo al servicio del diseño radical. Rechazan el clásico tradicional del diseño del consumisti y el feticci que propone del gusto de la duda, elevando se opone a la posición del "altari del domestica" de la liturgia; cruzar claramente la frontera con el Kitsch. Se disolvieron en el 1974.

PRODUCCIÓN1967 - "Divano, Poltronova”.

1967 - "Naufragio de rosas, Rose d'Arabia, presagio del rose", camas ideales de la serie

1968 - “Centro de la conspiración ecléctica - XIV trienios”.

1968 - "Del safari; arregla del divani el sentarse y del componibili, Poltronova”.

1969 - "De Mies; asiento, Poltronova”.

1973 - "Asiento, Cassina”.

1967 - "DivanoSuperonda, Poltronova”.

1968 Del safari; Poltronova 1967 - "Naufragio de rosas

1969 - "De Mies; asiento, Poltronova”. 1973 - "Asiento, Cassina”.

Estudio fundado en 1966 en Firenze (Italia) por cuatro arquitectos: Andrea Branzi (llevado 1938), Gilberto Corretti (llevado 1941), Paolo Deganello (llevado 1940), Massimo Morozzi (llevado 1941) y dos diseñadores: Dario Bartolini (llevado 1943) y Lucia Bartolini (llevado 1944). Trabajaron en instalaciones y arquitectura de la exposición y diseñaron interiores y productos. Archizoom era polémico en discurso y práctica en este período del radicalismo social. En 1968, en el Triennale en Milano, organizaron el 'Center para Conspiracy' ecléctico;. En 1972, declararon el 'derecho para ir contra una realidad que carece de sentido... para actuar, modifique, forme, y destruya el ambiente circundante. El 'Mies' la silla es un ejemplo bien conocido de su trabajo.

En la década de los 60 se formaron varios grupos de diseño radical en Italia:

• Archizoom.• Superstudio.• Grupo Strum.• 9999

Superestudio: Los pioneros de Arquitectura ConceptualPara situarnos, en el año 1961 se forma en Londres el grupo Archigram, cuyos miembros eran arquitectos jóvenes (Warren Chalk, Peter Cook, Dennis Crompton, David Greene, Ron Herron and Michael Webb) que promulgaban un uso intenso de las altas tecnologías para solucionar los problemas de habitabilidad que afrontaba el Reino Unido –y el mundo- por aquellos años. Buscaban salidas nuevas y utópicas, desarrollando proyectos irrealizables para dar respuesta a los movimientos neo-hippies de los años 60. A finales de los años 50 se dio un fenómeno de urbanización masiva a nivel mundial, por lo que, influenciados en parte por los estudios de Buckminster Fuller y sus aplicaciones tecnológicas en proyectos como las cúpulas geodésicas y la casa Dymaxión, Archigram diseñó su primer gran proyecto, la Plug-in-City, una megaestructura conformada por una armazón de grandes dimensiones en la que podían encajarse habitaciones en forma de unidades individuales.

Archigram / Plugin City

De forma similar, Yona Friedman, arquitecto nacido en Budapest en el año 1923 pero que desarrolló la mayoría de su obra desde París de forma paralela a la de Archigram. Gran parte de su obra va unida a la préctica filosófica que el mismo da a conocer con su manifiesto “La Arquitectura Móvil”

Esta ciudad, la ciudad espacial, es una arquitectura a gran escala, que se sobrepone, casi sin tocarlo, sobre su entorno existente y del cual surgen las columnas y soportes que sostienen los módulos que forman la ciudad, es bastante clara la similitud con la Plug-in-City y los sueños de hacer enormes entornos urbanos, modulares, móviles y que albergaran en ellos todos los servicios que una ciudad necesita.

Constant

Otros exponentes de este movimiento utópico es Constant, nacido en Amsterdam en 1920, ya entre finales de los años 50 y la década de 1970 creó su primer proyecto “New Babylon”, como contrapunto a la estética pop de los proyectos de Archigram. La ciudad que propone Constant es también una gran estructura elevada, apoyada sobre enormes columnas que surgen ya sea sobre terrenos sólidos o desde el agua y sostienen una gran red de distritos diseñados a diferentes niveles, que darán forma al sueño utópico de una ciudad amorfa, en constante crecimiento, sin un principio pero también sin un final.

Archizoom / Aerodynamic City

Bajo estos mismos lineamientos desarrolló su trabajo el grupo italiano Archizoom, fundado en 1966 (su nombre es una clara referencia a Archigram, ya que su revista Nº4 se llamó ZOOM!) y desarrollaron una gran producción en los campos del diseño, arquitectura y a las planes urbanos a gran escala. Crearon el término “Superarchitecture”, haciendo referencia a la influencia del pop art en su proceso creativo. Su proyecto más conocido es la No-Stop-City, diseñada en 1969.

Superstudio / Monument

También de origen italiano, el grupo Superstudio se fundó en 1966. El grupo incluía tanto arquitectos como diseñadores y ese mismo año presentaron su mayor proyecto: The Continuous Monument, An Architectural Model For Total Urbanisation. Este fue el punto de partida de los

diversos estudios desarrollados en el campo de las ciudades utópicas, que continuaron trabajando en proyectos como Twelve Ideal Cities.

No deja de ser curioso que, a excepción de Friedman, todos estos grandes proyectos nacieron de grupos o colectivos. En los años 70, la crisis de petróleo afectó la forma de pensar y de planificar de los arquitectos en todo el mundo. Ahora términos como crisis, recesión, falta de vivienda, utopía vuelven a aparecer en el imaginario urbano y todas estas propuestas se re-estudian y reinventan en busca de nuevas soluciones. Tal es el caso de proyectos urbanos como la ciudad de Masdar de Foster and Partners en Dubai o del proyecto Waterfront de OMA o del edificio Dubai City Tower, también de Foster que pretende albergar en un solo edificio, el diseño al completo de una ciudad. Si esto es viable, social, cultural y ambientalmente sostenible, ya podrá ser evaluado con el paso de los años

ALESSANDRO MENDINI Arquitecto, Escritor y Pintor Nace en Milan, 1931 En 1979 funda el Studio Alchimia, junto a Sottsass Publicó varios Libros Director de Revistas(Casabella, Modo y Domus) Historiográfo y Periodista

ALESSANDRO MENDINI Su Diseño No es Agresivo Formas Suaves, casi Femeninas Considerado uno de los Padres del Neomodernismo Italiano, Distinguido como un Artista Eclectico Poeta del Color y Provocadoren un Diseño Rico en Inventiva

EL DISEÑO RADICAL ITALIA.

Italia es reconocida por la calidad tecnológica y formal delos diseños, hay que destacar una figura clave en este desarrollo, como lo es Ettore Sottsass, que junto a su labor de

diseño en el campo de alta tecnología en empresas como Olivetti, inicia un movimiento alternativo que rompe con el papel de diseño en la industria y cuestiona el uso de los objetos al proponer: Una filosofía de diseño más ambiental y humanista, que incluía como elemento esencial la idea del gusto popular.

Así surge el llamado diseño radical, anti-diseño o contradiseño, que recibe influencias del Pop Art de los años 60 y de algunos elementos de culturas primitivas.

Los objetos se expresan como símbolos visuales y los diseñadores desarrollan su trabajo sin la ayuda de la industria, volviendo los ojos nuevamente al estilo y concepción artesanal.

El diseño radical es la conformación de varios movimientos Italianos como Archizoom, SuperStudio, srumm, y 9999 que surgen en los años 60 y Alchimia, Global Tools, y Memphis en los 70.

Estos movimientos aparecen como una forma de protestar contra el modernismo formal del estilo predominante de Italia como es el “Bel Design”, el cual está orientado al poder adquisitivo de grupos sociales que exigían exclusividad de las piezas.

Surge como una idea de crear metodologías de trabajo innovadoras y el intercambio de ideas para plantear la participación del diseñador en el desarrollo cultural del país.

Y además como una forma marcada de ruptura formal con el estilo del diseño moderno herencia del Ulm y del funcionalismo, y se podría definir como lo sobrio en el modernismo y lo colorido en el radical.

Lo que planteo este estilo como concepto fue que la idea debía ser más importante que la forma e hizo una liberación estética en sus diseños lo que los llevo a una exageración o indiscriminado amontonamiento de colores, formas, texturas, y teniendo el uso libre de la historia.

Esto lo hizo convertirse en un estilo de éxito popular y les dura mientras produzcan novedad.

La idea principal del diseño radical es llenar de simbolismo la decoración y vestir de carnaval los objetos ya creados.

El diseño radical tiene una amplitud de miras más allá del círculo cerrado en el que se encuentra el estilo ,moderno y posmoderno, ya sea en la forma y sobriedad de sus colores.

Dentro del estilo radical podemos mencionar a Sottsass y Mendini los cuales no solo pertenecieron a este estilo sino que se destacaron por su gran aporte a los diseños radicales. En especial Sottsass que nos recordó que aparte del negro y el beige hay otros colores.

Hoy en día el verdadero diseño radical se encuentra en lugares o sectores que la actividad proyectual a penas se ha puesto en práctica, es decir, ellos buscaban un reto a los procesos constructivos, demostrando que hoy se puede crear cualquier objeto por complejo que sea.

Aquí todo vale porque las leyes de la composición son misteriosas enigmáticas y locas.

Dècada de los 80’s Se comenzo a utilizar este tèrmino cuando la nueva tecnologìa hizo posible la comunicación virtual inmediata con cualquier parte el mundo.(fax,mòdem y correo electrònico, celular.) Los avanzes tecnològicos produjeron cambios muy relevantes en la penùltima dècada del siglo XX. La era de los ordenadores habìa llegado definitivamente, y se utilizaban programas cada vez mas complejos en muchos de los procesos de diseño de productos que tradicionalmente se habìan dibujado o hecho a mano.Asì como el disco compacto aparece revolucionando la industris musical desde 1982. La nueva tecnologìa ofrecìa tambièn a los diseñadores numerosas y diferentes posibilidades de manejar la composicion y reproducciòn imàgenes.surge el fenòmeno del marketing. Se concientiza el profesional del diseño acerca de que “la necesidad y los deseos del usuario deben ser la base del proyecto”, Un diseño para todos serà el Diseño Universal.

Grupo de Diseño Menphis Grupo de diseño mas importante de la dècada de los 80’s. Tendencia posmoderna. Fundado por Ettore Sottsass en 1980, Milàn.Luego de abandonar el grupo radical de Alchimia. Junto a el un grupode diseñadores y arquitectos italianos de muebles,tejidos y ceràmicas. Sottsass y sus colaboradores pensaban en la creación de un Nuevo Estilo Internacional Inspiraciòn eclectica con fuentes diversas como la arquitectura clàsica y el Kitsh de los 50’s. Utilizaron colores atrevidos, hasta escansalosos para la època,enfatizando en el uso practico de los objetos. La nueva manera de tratar los materiales y los objetos que tuvo una gran repercusión sobre todo en Europa.

Primeros pasos... "Menphis no pretende saber lo que la gente necesita, pero intenta correr el riesgo de adivinar aquello que la gente quiere en cada momento".

Mostrò su trabajo por primera vez en la feria del Mueble de Milàn en 1981, con èxito inmediato, al hacerse conocida como una polèmica empresa, al ser atacados por los crìticos que considerararon sus obras de mal gusto, pese a ello lograron un gran èxito comercial.

Los visitantes descubrieron después de los años de racionalismo una colección de muebles extraños con laminados relumbrantemente coloreados plásticos blasonados por el modelo kitsch geométrico y de la piel de leopardo por lo general encontrado en cómics de los años 1950 o cafés baratos.

Objetivos... Menphis comprendió que la alta cultura pudiera hacerse populista. “Lo que ha bajado, puede subir otra vez...”.Desde este pensamiento que los objetos de Memphis claramente manifiestan el concepto de recuperar las imágenes más cotidianas, formas y colores.transformàndolos y cultivando esto para hacer de ellos objetos de elite. REDISEÑANDO poco sobre Memphis era realmente innovador. Memphis representó un punto de no retorno para el diseño italiano, una declaración de guerra en el pasado - y, igualmente, de rendición al futuro - por una generación de diseñadores que hoy tiene la dificultad que descubre de nuevo el anticlásico brillan. De hecho hemos comenzado el siglo 21 sin muchas nuevas ideas habiendo que surgido en el campo de diseño para hacer juego el impacto de aquella primera colección Memphis reveló hace 20 años.

Memphis fue salpicado a través de revistas por todo el mundo. Había exposicionesen Londres, Los Angeles, Tokio, San Francisco, Nueva York y

atrás en Milano. Pero Sottsass se desilusiono de Memphis y el circo de medios de comunicación alrededor de ello, en 1985 él anunció que él abandonabael grupo.

Los talentos que formò el grupo y aquellos que colaboraron con el fueron y son personajes exepcionales en el ambiente del diseño. Ellos han seguido produciendo objetos y arquitectura, que es por lo general es de calidad sumamente innovadora.

“Cual es,Después de todo esto, el objetivo de Memphis? . El objetivo de Memphis es existir ".Ettore Sottsass 1982.

Ettore Sottsass Arquitecto y diseñador austríaco. Fundador del grupo , que revolucionó y llenó de humor el diseño de los años ochenta .Ha sido responsable de la sección de diseño de la empresa Olivetti desde 1958. Es el mejor representante del diseño italiano, como se demuestra en sus creaciones, auspiciadas siempre por la industria de este país. El gusto por los colores vivos impregnaba a sus obras de un toque de provocación de la que él mismo se justificaba diciendo que no creaba para abastecer necesidades, sino que lo hacía por si alguien estaba necesitado de sus creaciones. Sus diseños han sido utilizados en la ambientación de películas y spots publicitarios. Comenzó su carrera en Milán, en 1947, y desde entonces se involucró en la experimentación de nuevas posibilidades en una gran variedad de campos de creación, tales como la arquitectura y el diseño industrial y gráfico.

Obras destacadas... Se destacan sus diseños paramaquinas de escribir y computadoras Olivetti, además de muebles y archivos para Sistema 45 y la fábrica de muebles Knoll de Milán.

Distinciones... En el año 1959 Recibe el premio "d'oro de Compasso" por la "Elea 9003"; el año siguiente Monta su propio estudio en Milan. En 1969 gana el premio "oro de di de Delta" por "Valentine" (la máquina de escribir "Valentine" para Olivetti ).

En los años setenta se interesó por la arquitectura radical, proyectó viviendas populares, y con otros reconocidos diseñadores italianos, fundó Global Tools, una escuela basada en la libre creatividad individual.

Bel Diseño tuvo su momento de apogeo en la década de 1960 y principios de 1970, comenzando con el inicio de la Italia del boom económico y que termina cuando la crisis del petróleo y la industria-crítica antidesign provocado movimientos en el cinismo generalizado acerca del papel del diseño en curso.

Las características típicas de Bel se forma elegante diseño, la experimentación, y las colaboraciones con las industrias interesadas y abierta a la innovación.

Colaboraciones con la industria del plástico demostrado ser especialmente productivos.

Bel Diseño producido muchos clásicos modernos como Plia, de Giancarlo Piretti, la silla de plexiglás Castelli (1968), 4867, Joe Colombo silla para Kartell (1968), Selene, Vico Magistretti la silla de plástico para Artemide (1969), y el Divisumme 18, Mario Bellini la calculadora para Olivetti (1972).

BREVE HISTORIA DEL DISEÑO INDUSTRIAL ITALIANO

Desde el principio hasta la 2 ª Guerra Mundial | 2 ª DE LA GUERRA MUNDIAL DE ACTUALIDAD

COMIENZO DE LA A LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL

En términos generales en la segunda mitad del siglo 19 fue a finales de Italia en el ámbito del desarrollo industrial. Una de las más importantes manifestaciones sobre la relación entre la industria, las artes aplicadas y la arquitectura es la Exposición Internacional de Turín en 1902, donde pudimos reconocer el gran triunfo del estilo Art Nouveau, que fue la primera oportunidad para que todo el mundo industrial italiano comparación entre la tradición y la internacional de las grandes países, sobre todo las potencias europeas. Fue un gran éxito la exposición con gran influencia en el diseño industrial italiano y en su especificidad. Fue en este período que el diseño de su mobiliario fue a la vida (diseño de muebles de fantasía concebidas por autores como Duilio Ciambellotti, Ernesto Basile y los hermanos Bugatti). Era el momento de la industria de lujo, es decir la industria de objetos de lujo, incluyendo Richard Ginori porcelana de Florencia (cuyo director de arte a partir de 1929 fue Gio Ponti). Otros ejemplos podrían ser Salviati y Venini 's vasos (el que se fija la gran tradición de Murano). Evidentemente italiano libertad llegó a la vida gracias a la gran tradición italiana atistic; herreros, vidrio artesanos, ebanistas, escultores, alfareros tomó la naturaleza como un ejemplo para edificios, muebles, ollas, vasos y lámparas' decoración.

El movimiento de vanguardia que más influyó en la idea de una revolución estética del mundo fue el futurismo, que está estrechamente relacionado con el fascismo y sus "líderes espirituales" se Tommaso Marinetti y Umberto Boccioni. Futurista, incluso si los objetos no salir nunca de la dimensión de las embarcaciones, el poder revolucionario de su idea de mantenerse intacta. Era cerca y se anticipó a la Bauhaus de circulación, también.

Italia conoció un intenso desarrollo del diseño industrial durante la primera guerra mundial, de 1910 a 1920 que fueron decisivos años, principalmente por automóvil, avión y la industria mecánica en general. La guerra es un componente muy importante para la industria debido a su organización a convertirse en profesores de serie, por lo que es posible aplicar a los principios del diseño industrial. El siguiente paso fue la organización de un nuevo grupo de jóvenes, que examinó el movimiento racionalista europeo (italiano llamado racionalismo), cuyo punto de partida y el centro de interés es la arquitectura. En 1930 es su trabajo era muy importante y significativo y sus experiencias fueron promovidos por la "Trienal" de Milán, donde podemos encontrar los más importantes enfrentamientos entre Italia y Europa, que fueron siempre más interesado en los muebles y el interior de la planificación. Movimiento racionalista también salió como una batalla en contra de la actual dictadura antidemocrática. En 1933, dejando a muchos de los prototipos creados (diseñados por Albini, Bottoni, Figini, Pollini, Lingeri, Terragni) se inspiraron en el concepto de normalización rended a través de nuevos materiales industriales como vidrio SECURIT, buxus, linóleo, el acero, el régimen fascista, aunque sigue siendo la arquitectura más moderna predomininating y una en Italia durante el período comprendido entre la dos guerras mundiales, por lo que la personalidad más representativa de la época fue Giuseppe Terragni, cuya creación fue la mejor "casa del FASCIO 'en Como sugiere de nuevo que los muebles de la Bauhaus' idioma (formas geométricas simples y el empleo de materiales que le dio la idea de la transparencia y ligereza). En Terragni, formas geométricas simples y

confort unido y este fue uno de los más evidentes signos del racionalismo italiano. Fascismo logra un notable esfuerzo de propaganda y de los jóvenes arquitectos racionalista italiano ponerlo a trabajar, pero su trabajo fue vanguardia en contraste con un mercado de objetos modernos falta demanda, por lo tanto, hablar de muebles racionalista, es correcto decir que se encontraba en una etapa sperimental todavía.

En realidad la cultura del proyecto sabía un gran crecimiento entre los años 1920 y 1930 gracias a las revistas dedicadas a un concepto de la vida moderna. Los más importantes fueron "Domus" (fundada en 1928 por Giò Ponti) y "Casabella" (originalmente llamado "La casa bella"). Este segundo examen se convirtió en la voz oficial del modernismo gracias a Giuseppe Pagano y Edoardo Persico artículos. Durante estos años, la "Triennale di Milano" llegó a la vida (las cuatro primeras ediciones - desde 1923 a 1940 - se llevó a cabo en Monza), que tuvo lugar en el interior de la obra maestra de Giovanni Muzio del edificio y fue la mayor oportunidad para demostrar que el nuevo proyecto de las ideas.

Durante esta primera etapa los diseñadores italianos para elegir su estilo uniforme para el estilo internacional, después se convirtió en italiano originalidad famosos y reconocibles en todo el mundo, principalmente en la investigación y realización de prototipos de origen. Racionalistas creado refinados objetos y muebles que fueron los productos artesanales previsión real "diseño industrial". Las más interesantes personalidades en esta etapa se Giò Ponti, Mario Asnago, Claudio Vender, Franco Albini, Piero Bottoni y la mencionada Giuseppe Terragni. Pietro Chiesa es otra figura destacándose en ese momento; prevé que, en colaboración con Giò Ponti, un rico conjunto de técnicas y dispositivos de alumbrado formalmente innovadores como el "luminator" (1936). Era la primera lámpara de luz indirecta, es decir una lámpara creada por la reflexión hacia arriba, nunca concebido en Italia antes.

Automobilistic industria se encuentra entre las grandes frente a las producciones de la primera plataforma para seguir un modelo internacional, la empresa Fiat, en particular, hicieron uso de los artesanos para dar conocimiento a la propulsión del Automobil evolución. Por lo tanto, el típico ganador modelo italiano llegó a la vida sólo en 1930 la fusión de estética / aerodinámico de la investigación y la producción en masa. Había coches Fiat como modelos, los coches Lancia dirigida a clientes ricos, los coches Alfa Romeo para los amantes de la velocidad y la extraordinaria automóviles exclusivos diseñados por Pininfarina. Debemos mencionar storic algunos modelos como el Fiat Balilla y Fiat Topolino (automóviles economía del primer período) y Fiat 500 y 600 (vehículos economía del segundo período). Dante Giocosa ganó en 1959 el premio Compás de Oro por sus 500 proyectos y en realidad se trataba de un caso raro en la historia del automóvil. Fiat 500 es hoy en día una pieza de colección y se ha modificado tantas veces durante los cuarenta últimos años. Vespa Piaggio es otra novedad revolucionaria en el campo del diseño automovil, que fue diseñada por Corradino d'Ascanio y construido por primera vez en 1945 por Enrico Piaggio. Se trata de una novedad absoluta bacause de su marco innovador actualmente existentes. Entre sus características innovadoras que podemos encontrar adjunto motor estudiado ropa para evitar daños y perjuicios, cómoda posición de conductor (el más confortable posible), fácilmente sustituibles, los neumáticos, que era fácil de aparcar y subir. Durante los últimos cincuenta años el mercado ha conocido más de un centenar de modelos de Vespa. Al mismo tiempo, la empresa hizo la Innocenti "lambretta" (diseñado por Cesare Pallavicino). Vespa y Lambretta son dos piezas importantes de la historia italiana y que se mantenga a un pueblo de la pieza de corazón.

La radio era uno de los más notables del periodo posterior a la guerra los objetos de diseño. Se ha probado durante tiempo de guerra y ahora se usa como único medio de comunicación masiva (radio), convirtiendo en objeto de lujo en masa del producto; se trataba de un objeto muy interesante para los arquitectos racionalistas. Franco Albini creado entre 1938 y 1940 una de alta tecnología ante litteram excelente ejemplo.

Pero en un creciente proceso de producción no ha concluido aún, Olivetti empresa tuvo un papel destacado en el campo del diseño industrial en una amplia gama de empleo de la publicidad a la creación de comercio.

DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL A LA ACTUALIDAD

Durante la segunda guerra mundial, una gran parte del legado italiano construcción había sido destruida, por lo que es importante encontrar nuevas ideas para reconstruir el país: se trata de un interesante reto para los diseñadores y arquitectos que fueron llamados a renovar italiano viviendas en una técnica y funcional. Algunas empresas llevan a cabo interesantes sperimental obras, que fueron la creación de empresa Feal accesorios de acero, la creación de Olivari empresa Bticino tiradores de las puertas y la creación de la empresa de energía eléctrica los dispositivos de control. En 1950 también el nuevo y moderno mobiliario de ellas obtuvieron resultados extraordinarios, en particular la industria y apilables cocinas electrodomésticos industrias. This last mentioned Italian industry became in a few time the second world-wide exporter after United States, with objects created by Alberto Rosselli, Marco Zanuso, Achille Castiglioni , Piergiacomo Castiglioni and Gino Valle (he cooperated for a long time with Rex-Zanussi company ). En 1950 los objetos de la industria se convirtió en un símbolo de este nuevo período de renacimiento; Italia repente descubrí que la modernidad significa bienestar, comodidad y un mejor tipo de calidad de vida. Por lo tanto, junto al hogar podemos encontrar muebles, lámparas, una vasta gama de objetos para el hogar y el tiempo libre, aparatos de radio y televisión que dio vida a una típica imagen de los 50 homosexuales. En el mismo año el nuevo mobiliario de la serie de formas de producción industrial tiene un importante papel. Jóvenes arquitectos racionalista podría finalmente poner en práctica sus conocimientos de formación. Algunos nombres importantes del período de mencionar son Franco Albini, Ignazio Gardella, Luigi Caccia Dominioni, Vico Magistretti, Ettore Sottsass, Marco Zanuso, Piergiacomo y Achille Castiglioni y el grupo BBPR (Banfi, Belgiojoso, Peressutti, Rogers).

El diseño italiano sperimentation emoción y encontró su pico en los años 60, cuando un gran número de objetos ordinarios se produjeron. Hubo un rápido aumento del mercado nacional e internacional la demanda, la gente suele comprarse objetos más por sus nombres a continuación, por su valor real. En estos años otros diseñadores tuvieron una gran importancia: Mario Bellini, Vico Magistretti, Gae Aulenti, Angelo Mangiarotti, Enzo Mari, Rodolfo Bonetto, Marco Zanuso. Massimo y Lella Vignelli logrado grandes éxitos en los Estados Unidos como representantes de la pureza de diseño italiano.

En la segunda mitad de los años 70 el 'post-moderno', o 'neo-moderno "se convirtió en el más importante movimiento en Italia. El nuevo fenómeno surgido gracias a los diseñadores de vanguardia (Branzi, Deganello, De Lucchi, Sottsass) y, sobre todo, gracias a Alchimia grupo (fundada en 1976 por Alessandro Guerriero) y Memphis grupo de productores de objetos insólitos que no pertenecen a ninguna tendencia. El estilo es muy kitsch y provokative y se convirtió en un poco tiempo la orientación del nuevo estilo de diseño italiano.

DISEÑO ITALIANO

Uno de los fenómenos más paradigmáticos de la importancia económica del diseño industrial fue el que se produjo en Italia tras la II Guerra Mundial. Allí, un gran número de industrias confiaron su recuperación al apoyo de esta disciplina, vinculada en el país transalpino con la primera generación de críticos al movimiento moderno. Así, empresas como Fiat, Olivetti o Pirelli contaron con las investigaciones formales que introdujeron algunas figuras de la importancia de Gio Ponti, Ettore Sottsass, Giambattista Pininfarina o Achille Castiglioni, que revolucionaron la imagen de los productos industriales y volvieron a situar a Italia entre los países más pujantes del mundo. El ejemplo italiano sirvió de acicate para el diseño español, que alcanzó a mediados de la década de

1980 una relevancia similar a la transalpina, aunque la industria ibérica no pueda competir a la altura de su rival italiano. Compañías como la francesa Citroën, la alemana Braun o la italiana Olivetti adquirieron una reputación envidiable durante la posguerra mundial por el éxito de sus productos, que se debió en parte a su fe en el diseño. Su trabajo fue reconocido con numerosos premios internacionales de diseño.

Diseño italiano

Es evidente que los maestros de los años ’50 y ’60 –como Aulenti, Castiglioni y Magistretti - han realizado un buen trabajo, visto que en ese período Italia se transformó en el punto de confluencia de las nuevas generaciones creativas a nivel internacional. En todos los campos del diseño – industrial, automovilístico, de decoración, etc. - el estilo italiano se distingue por una combinación de fantasía y rigor en la elaboración de los proyectos. Esto se debe a las excelentes instituciones formativas: escuelas de vanguardia en la realización de proyectos, facultades universitarias, muestras, y diferentes ámbitos de comunicación y exposición. Por ese motivo, el panorama actual se presenta muy diversificado y dinámico, con una red distributiva y productiva sumamente flexible, y con una serie de empresas que han permitido el desarrollo de muchos jóvenes talentos.

El diseño italiano combina la funcionalidad y la ironía, valorizando materiales que hasta hoy se consideraban de descarte o marginales, y “reinventando” así los objetos. Se trata de un diseño agradable, fluido y, al mismo tiempo, complejo, debido a su carga de emociones, sugestiones e inquietudes, provenientes de los medios de comunicación y de las preocupaciones propias de la comunicación global. En consecuencia, muchos objetos no son sólo funcionales, sino que transmiten también una fuerte carga humana y afectiva.

En efecto, este género se llama ‘diseño emocional‘.Existe también un ‘diseño convival‘ - según la definición de Aldo Cibic - que comprende mesas y sillas, así como también fantasiosas lámparas, baterías de cocina de acero y pequeños objetos. La decoración de la casa es uno de los campos en los que el diseño moderno ha encontrado su máxima funcionalidad: debemos recordar los espléndidos sofás, los célebres sillones y los originales muebles divisorios. A las tendencias emotivas se suman obras de gran racionalidad, en las cuales la investigación se relaciona fundamentalmente con los materiales, los colores y los tejidos. (Por ejemplo, el diseño aplicado a la luz, para la creación de espléndidas lámparas de oficina).

También algunos escultores se ocupan de diseño, realizando obras “en las cuales el diseño se enriquece con los humores fantásticos de la escultura”.

Diseñadores Italianos

Albini Franco Barbieri Raul Bellini Mario Bonetto Rodolfo Branzi Andrea Colombo Joe Giovannoni Stefano Giugiaro Giorgetto Iosa Ghini Massimo Meda Alberto Mendini Alessandro Pesce Gaetano Pininfarina Sergio Ponti Gio

Santachiara Denis Sottsass Ettore Thun Matteo

http://www.italianculture.net/espaniol/diseno.html

- Como es sabido, Italia es uno de los países que más diseñadores de lujo ha dado al mundo. Nombres como Armani, Fendi, Dolce y Gabbana, Gucci, Moschino, Prada, entre otros, han hecho de Italia una meca de la moda. Te presentamos los mejores diseñadores italianos, los de mayor renombre e importancia.

El italiano ha sido desde los comienzos de la historia un excelente diseñador y artesano profundo. Los muebles italianos marcan tendencia desde que comienzan a surgir las primeras creaciones en la etapa del Imperio Romano y luego cuando impulsan el Renacimiento en toda Europa. Recorremos los principales muebles que nos ha brindado la cultura italiana.

talia “Bel Design”

Italia ha sido una gran exportadora de diseño industrial como factor cultural y económico. Su tradición no es tan larga como la alemana, sino que arranca a partir de la industrialización del triángulo norteño –Milán, Turín y Génova-, planteada después de la Segunda Guerra. El interés se ha demostrado

primordialmente a nivel práctico, pero también descolla la teorización. Como prueba de ello se cuenta una importante cantidad de publicaciones bibliográficas y hemerográficas (entre las revistas están las famosas Domus, Ottagono, Abitare e Interni), cuyo contenido analiza la interesante vinculación entre arquitectura, arte y diseño que ha desenvuelto en esta península que también es escenario de grandes eventos como la Feria de Milán, foros a los que asiste lo más granado del diseño internacional.

El estilo predominante ha sido el “Bel Design”, el cual está basado tanto en la tradición cultural artesanal como en las innovaciones técnicas y creativas que carecen del lastre funcionalista. La compañía Olivetti es la gran exponente de las características formales del diseño italiano.

El Bel Design no es barato, sino más bien orientado al poder adquisitivo de grupos sociales que exigían la exclusividad de las piezas, lo cual es una diferencia con respecto al aspecto social que caracteriza al diseño escandinavo.

RADICAL DESIGN

Años 70, el diseño se hace radical oponiéndose a las reglas del Movimiento Moderno. Grupos de diseñadores como Memphis, Archizoom o Alchimia enfatizaron el carácter divertido y lúdico de las formas, más que el carácter funcional. El diseño radical surgió en Italia a fines de los sesenta como reacción al buen diseño. Era similar al antidiseño, pero más teórico, politizado y experimental, y pretendía alterar la percepción general de la modernidad a través de propuestas y proyecciones utópicas.

Sus principales exponentes fueron los grupos de diseño y arquitectura SUPERSTUDIO, ARCHIZOOM, UFO, GRUPPO STRUM, GRUPO 9999 y LIBIDARCH. Atacaban las nociones de lo que constituía el “buen gusto” y organizaban instituciones y happenings subversivos cuestionaban la validez del racionalismo, de la tecnología avanzada, y, ante todo, del consumismo. Las proyecciones de la arquitectura radical como il momento continuo de superstudio (1969) y wind city de Archizoom (1969), especulaban con la idea de “la arquitectura como instrumento político”, mientras que lo diseños radicales como Doric temple de UFO (1972) y superonda de Archizoom (1966) solian caracterizarse por su potecial de interacción con l usuario. Poéticos e irracionales a la vez, este tipo de diseño encarnaba la contracultura de fines de los años sesenta pretendía destruir

la hegemonía del lenguaje visual del movimiento moderno. En 1973, miembros de varios grupos de diseño radical se reunieron en las oficinas de la revista Casabella, dirigida por Alejandro Mendini. La reunión dio como fruto la fundación de GLOBAL TOOLS en 1974, pero al cabo de un año, la escuela de arquitectura radical se disolvió y el debate sobre arquitectura y diseño radical perdió ímpetu. Al cuestionar el precepto del diseño, establecidos desde hacia tiempo, los diseñadores radicales como Andrea Branzi y Lapo Binazzi, asentaron los fundamentos teóricos para la evolución del posmodernismo a finales de los setenta y principios de los ochenta.

Durante la década de los 70, los diseñadores y carroceros italianos imponen la lineas maestras del diseño del automóvil. Frente a la dureza y simpleza de líneas de los carroceros alemanes y franceses, surgen los diseñadores italianos que conciben el automóvil como una pieza de arte, delicada y elegante. Encontramos varios puntos comunes en el ingenio italiano, como son los faros escamoteables, utilización de entradas de aire, grandes cristales delanteros, uso de alerones, etc.

Poco a poco a lo largo de los años 70, el diseño italiano se extiende por otros mercados, ejemplo de ello es el BMW Turbo o el Jaguar XJ Spider, constructores de todo el mundo acuden a carroceros y diseñadores italianos, como Pininfarina, Bertone o Ghia. En este reportaje haremos un recorrido por alguno de los diseñadores italianos más prestigiosos de la década.

RADICAL DESIGN

El término fue acuñado por Germano Celant.

Desarrollado en Italia a finales de los años 1960 y a principios de los años 1970.

Siguió la tradición de usar nuevos materiales y los colores valientes que comenzaron con el Pop Art, pero también utilizaron estilos históricos como el Art Déco , Kitsch, y el Surrealismo.

Los exponentes principales de Diseño Radical eran los pequeños grupos de arquitectos y diseñadores que preguntaron el Modernismo y rechazaron la cultura de consumidor de masas.

Grupos claves y diseñadores del estilo Radical incluyen el Superestudio, Archizoom Associati,

el UFU, Gruppo Strum, y Ettore Sottsass.

Probablemente el resultado más notorio de tal período de vanguardia es la instalación misma

famosa llamada "Superarchitettura", hecho en Pistoia en 1966.

firmemente opuesto a los principios de ' el Diseño Bueno ' y del estilo como el marketing de instrumentos, divorciados de las posibilidades sociales y culturales inherentes en el proceso de diseño.

Fuerte opuesto a las coacciones de capitalismo, el papel del usuario-consumidor era central a su pensamiento y reflejó su atracción a posibilidades socioculturales como aquellos propuestos por modelos de modo de vivir alternativos como aquellos de los poetas Golpeados y el movimiento subsecuente hippy.

Archizoom Associati

Fue un estudio de diseño fundado en 1966 en Florencia, Italia, por cuatro arquitectos: Andrea Branzi, Gilberto Corretti, Paolo Deganello, Massimo Morozzi, y dos diseñadores: Darío y Lucía Bartolini Bartolini.

El equipo produce una rica serie de proyectos en el diseño, la arquitectura y visiones urbanas de gran escala, una obra que sigue siendo una fuente fundamental de inspiración para las generaciones venideras.

Junto con Superstudio, Archizoom inventado "Superarchitecture", apoyando los procesos creativos a lo largo de las líneas de Pop en el diseño arquitectónico y de desarrollo, por ejemplo, objetos tales como el "Superonda"-sofá, que se invita a las posturas poco convencionales en su forma ondulada.

Emilio ambasz

Plantea que el diseño debe cumplir únicamente con requisitos funcionales, sino que ha de adoptar una forma poética para satisfacer nuestras necesidades metafísicas. “Debe conciliar el pasado con el futuro y dar forma poética a lo practico.”

Ettore Sottsass

Importante arquitecto y diseñador italiano de la segunda mitad del siglo XX. Fundador del grupo de diseño Memphis y un importante consulta de diseño para Olivetti. Trabajo en la fabricación de novedosos muebles.

Gruppo Strum

1966 Desde mediados de los sesenta, los diseñadores italianos se lanzaron al mundo una acción provocadora respecto al gusto dominante en el mercado de los objetos de decoración.

Superestudio

El grupo italiano de arquitectos se formó en Florencia en diciembre de 1966 por Adolfo Natalini (la b 1941) y Cristiano Toraldo di Francia (la b 1941) con Roberto Magris (la b 1935), Gian Piero Frassinelli (la b 1939) y Alejandro Magris (la b 1941).

El superestudio estableció las visiones de Surrealista radicales de ambientes negativos como las críticas de movimientos contemporáneos (el Racionalismo, Functionalismo), modelos de planificación universales urbanos y technologism. Ellos apuntaron para ampliar los horizontes de la arquitectura.

Ellos apuntaron para ampliar los horizontes de arquitectura por dándolo la validez de una lengua en sí mismo. Su trabajo más conocido, el Monumento Continuo (1969), retrata un trabajo arquitectónico para ser ampliado sobre el mundo entero. A histogramas arquitectónicos (1969), Doce Ciudades Ideales (1971) y Actos Fundamentales (" la educación de vida les gusta la muerte "; 1971-3) son narraciones de sueño, presentaciones gráficas como polémico, abogando por una nueva base antropológica y filosófica para la arquitectura.

Global Tools

Planificado como una serie de laboratorios de diseño experimentales o contraescuela de arquitectura y diseño, sus miembros fundadores italianos aparecieron sobre la cubierta de mayo de 1973 de la revista de diseño Casabella, corregidos por uno de los miembros del grupo, Alejandro Mendini, y un foco para la difusión de muchas ideas de vanguardia.

Uno de los objetivos originales debía encontrar el medio de diseminar la información sobre ideas creativas y redes que eran equivalentes 'a una Biblia' casi contemporánea americana de vida de alternativa, el Catálogo de Tierra Entero.

Este procuró proveer a individuos y comunidades el acceso de venta por correo a las tecnologías, el equipo, y el conocimiento necesario para la vida independiente a finales de los años 1960 y los años 1970.

Mendini

Su diseño siempre estuvo caracterizado por un extraño interés en la mezcla de diferentes culturas y formas de expresión. Ha creado gráfica, mobiliario, interiores, pinturas, arquitectura y escribió varios artículos y libros. También es renombrado como un miembro entusiasta en el jurado de competencias de diseñadores jóvenes, como la competición BBEW en Corea del Sur o el Braun Prize. Además ha sido profesor de la Universidad de Milán.

Alchimia Fundado en Milán

1976 Por Alessandro Gurriero y propulsado por Alessandro Mendini Inició como galería de arte para exponer obras experimentales no sometidas a las limitaciones creativas de la producción industrial.

Apuestan por creaciones anarcas, banales, simbología que trascendia al hombre inteligente, ven mas allá de lo banal.

Sus diseños irónicamente llaman a sus colecciones Ba Haus. Colecciones que se inspiran en al cultura popular, el kitsch: que vulgariza el diseño, contrariamente a lo que puede ser llamado buen diseño.

Alchymia, nombre elegido con intencionalidad del burla e ironía, se burla de la racionalidad científica del movimiento moderno funcionalista hasta ahora imperante.

reinterpretaciones de diseños clásicos del s. XX fundamentalmente mobiliario: ridiculizan los principios del buen diseño y del buen gusto hasta ahora habituales.

Los diseños de Studio Alchimia – con connotaciones políticas, elitistas y conscientemente intelectuales – fueron decisivos para la segunda ola del diseño radical, que culmino con la popularización del antidiseño en los años 80.

Hard-Edge Painting (pintura de borde duro). Ésta es una manera

específica de representación en la pintura moderna (tanto abstracta como figurativa) basada en el predominio del color y el empleo de formas sencillas, de manera que cada color se aplica en áreas planas perfectamente delimitado de los demás. Este sistema ha sido utilizado especialmente con la finalidad de resaltar la interación entre colores adyacentes en el op-art y la nueva abstracción.

Abstracción PostpictóricaNueva AbstracciónPintura Fría o de Borde Duro

Surge en los EE.UU. hacia finales de los años cincuenta y principios de los sesenta. Tuvo una gran repercusión en Europa, aunque sin la pureza del movimiento norteamericano. La denominación de "Abstracción postpictórica" se debe al crítico Clement Greenberg, el cual la utiliza para designar la exposición que organizara en Los Angeles en 1964. Otras denominaciones propuestas para designar esta tendencia son las de "hard edge" (contorno duro) utilizada por J. Langsner en 1959, "new abstraction" (nueva abstracción) difundida a raíz de la exposición "Toward a new abstraction" celebrada en Nueva York en 1963, y "cool art" (arte frío) empleada en 1965 por I. Sandler. Conforme fue pasando el tiempo, algunos de los artistas de esta corriente llegaron a un planteamiento más radical que se conoce como "pintura minimalista" debido a su bajo contenido formal y cromático.

CARACTERÍSTICAS - Abstracción geométrica de concepción estrictamente formalista. - Ausencia de sentido sensitivo o gestual. - Rechazo de lo subjetivo y sígnico típico del expresionismo abstracto. - Máxima pureza de lenguaje, economía y nitidez de formas (claridad lineal y apertura de diseño). - Estructuración compositiva basada por completo en la bidimensionalidad de la tela, sus límites y las cualidades específicas del color. - Diseños geométricos sencillos (dianas, rombos, estrellas, semicírculos) a base de bandas de color rectas, curvas y entrelazadas, rigidamente delimitadas entre si (hard-edge). - Carácter decorativo tipo "art deco" de los años veinte (Stella). - Colores planos, puros y también tonales en gradaciones (Olintski). - Creación de efectos suaves de vibración y profundidad. - Grandes formatos, a menudo con sus contornos excéntricos o siguiendo las formas geométricas del interior (lienzos con forma de Stella). - Superficies de color pulcramente aplicado (Newman, Stella, Noland) o colores jaspeados y desigualmente pintados (veladuras o transparencias) de ligero efecto atmosférico (Noland) - Efecto colorista que recuerda las señales de tráfico. - Utilización preferentemente de pinturas acrílicas que son aplicadas manchando o empapando el lienzo en lugar de pintar sobre la superficie (Noland, Louis). - Creaciones en series, se utiliza un solo motivo en sucesivas pinturas hasta creer que se ha agotado sus posibilidades (Noland, Louis). INFLUENCIAS Las composiciones de campo de color de Barnett Newman y Ad Reinhardt de finales del expresionismo abstracto y los experimentos geometrico-cromáticos de Josef Albers (op art), Max Bill y R. Lohse.

ARTISTAS EE.UU.:    Frank Stella (1936), Kenneth Nolan (1924), Ellsworth Kelly (1923), Jules Olitsky (1922), Morris Louis (1912-1962), Helen Frankenthaler (1928), Nicholas Krushenick, Winfried Gaul, Gene Davis, Ray Parker, Al Held (1968), Sam Francis (1923), entre otros.

Europa:    John Hoyland (Inglaterra, 1934), Robyn Denny (Inglaterra, 1910), W. Turnbull (Inglaterra), R Geiger (Alemania), G.K. Pfahler (Alemania), Lo Savio (Italia), E. Castellani (Italia), Pablo Palazuelo (España), Rafols Casamada (España), entre otros. * El Hard-edge abstraction fue un movimiento  que evolucionó hacia composiciones abstractas más complejas y dinámicas en las obras de Frank Stella y Al Held.

*Frank Stella Nació en 1935 en Malden, Massachusets y dentro del grupo de artistas abstractos norteamericanos de los años cincuenta se destaca al lado de Rauschenberg. Fue en su momento uno de los creadores y promotores del “Hard Edge” o “pintura de borde duro”, así como de los llamados Lienzos contorneados. Influido por el Minimal Arte, en 1964 trabajó cuadro-objetos con pinturas brillantes y fluorescentes que producen una sensación similar al llamado Op Art (Arte Óptico). Aunque en principio fue expresionista abstracto pronto cambió hacia la austeridad de la abstracción.

* Bajo la influencia de la máxima de Duchamp, según la cual la pintura debía estar "al servicio de la mente", el arte conceptual solía consistir en una sola palabra o en una afirmación teórica. En esta época destaca el uruguayo Nelson Ramos.

Estados Unidos. Pintura abstracta. Reacio a los movimientos corporales del expresionismo abstracto. Las pinturas presentan una superficie bien

organizada en una geometría absolutamente geométrica. Asuma una precisión totalmente impersonal. Paleta limitada, incluso monocroma.

Hubo un estilo que mantuvo su lugar inmediatamente después del expresionismo abstracto y que, a pesar de deber algo al ejemplo de éste, tenía profundas raíces en el arte europeo de las décadas del veinte y del treinta. La abstracción de "hard-edge" nunca murió del todo, ni aun en los días más florecientes de Pollock y Kline. Por "hard-edge" quiero significar el tipo de pintura abstracta donde las formas tienen límites netos, definidos, en lugar de los borrosos, favoritos, por ejemplo, de Mark Rothko. Característicamente, en este tipo de pintura, los propios tintes son planos e indiferenciados, de manera que quizá sea mejor hablar de áreas de color y no de formas.

Uno de los padres de este tipo de pintura en Norteamérica fue Josef Albers, quien ya ha sido mencionado a causa de su importancia como maestro. Albers estuvo estrechamente relacionado con el Bauhaus durante la década del veinte: de hecho, como estudiante y maestro trabajó allí con más continuidad entre 1900 y 1933, año en que fue cerrado, o sea un período de servicio más largo que el de cualquier otro Bauhäusler. Durante la década del treinta, cuando ya estaba viviendo en Norteamérica, Albers tomó parte en las exhibiciones anuales montadas en París por el grupo Abstracción-Creación. En consecuencia, era completamente cosmopolita. El molde intelectual de Albers es muy típico de la atmósfera del Bauhaus sistemático y ordenado pero también experimental. Estaba, por ejemplo, muy interesado en la psicología de la Gestalt y esto lo llevó a una exploración de los efectos de ilusión óptica. Más tarde fue atraído hacia el estudio de las maneras en que los colores actúan unos sobre otros. Los cuadros y grabados de la serie Homenaje al Cuadrado, que son los trabajos más conocidos de Albers, son experimentos planificados de color.Albers es interesante no sólo por sí mismo, sino porque parece ubicarse en el punto en que convergen varias actitudes hacia la pintura. El elemento sistemático de su obra lo relaciona con la de dos artistas suizos, Max Bill y Richard Lohse, Bill también es un alumno, del Bauhaus y en su subsiguiente carrera se ha convertido en una especie de genio universal y al estilo de Miguel Angel ya que es al mismo tiempo pintor, arquitecto y escultor. El desarrollo seriado del color fue uno de sus objetivos a través de toda su carrera.Bill y Lohse son generalmente mencionados como exponentes del "arte concreto" y Albers es incluido como el tercer miembro de este triunvirato. Por otro lado, el interés de Albers en la ilusión óptica lo relaciona con los así llamados artistas op, aun cuandosu tratamiento particular de la forma lo lleva a relacionarse con lo que los críticos ahora han denominado "abstracción pospictórica".Si uno busca una diferencia entre Albers y sus dos colegas suizos, ésta parece estar en el tratamiento de la forma. Los cuadrados de Albers son libres, inertes, sueltos, flotantes y es esta pasividad la que ha llegado a

parecer particularmente típica de gran parte de la pintura expresionista pospictórica en Norteamérica.La diferancia entre el "Hard-edge" y la abstracción pospictórica, es precisamente que en ésta no es lo neto del borde lo que cuenta, un color chocando firmemente contra otro, sino la calidad del color. No importa si el color se funde en un matiz vecino o se diferencia netamente de éste: el encuentro siempre es pasivo.Los cuadrados de Albers son suficientemente vigorosos, pero no generan energía a partir de esta fortaleza de los contornos.

Otro pintor cuya obra tiene algo de esta cualidad, sin ser calificado como abstraccionista pospictórico en el sentido más estricto fue Ad Reinhardt, quien se hizo una fama como el no conformista profesional del mundo artístico de Nueva York durante la década del cincuenta y logró retenerla hasta su reciente muerte. Influido por el arte decorativo abstracto de Persia y el Medio Oriente, Reinhardt pasó en los años cuarenta a través de una fase en la que su obra se acercó a la caligrafía de Tobey. Pero estas marcas "escritas" se reunieron y se convirtieron en rectángulos que cubrieron toda la superficie del cuadro. Desde una orquestación de intensos colores, Reinhardt pasó hacia el negro. La pintura característica de su última fase contiene colores tan oscuros y tan próximos en valor unos de otros, que el cuadro parece ser negro o casi negro, hasta que es estudiado detalladamente de cerca y entonces los rectángulos componentes emergen de la superficie.

Lo que relaciona a Albers ya Reinhardt con los así llamados abstraccionistas pospictóricos es, en parte, la fascinación no de los medios pictóricos sino de la doctrina estética. La naturaleza doctrinaria de la abstracción pospictórica es sorprendente. Tal como los positivistas lógicos se han concentrado en los aspectos puramente lingüísticos de la filosofía, así los pintores que adhieren al movimiento se han preocupado de desprenderse de todo, excepto de un estrecho campo de consideraciones estrictamente pictóricas

Los dos pintores que pueden considerarse como los verdaderos creadores de este movimiento son Morris Louis y el veterano expresionista abstracto Barnett Newman, a pesar de que otros expresionistas tales como Jack Tworkov, también muestran algunas características de la abstracción pospictórica en sus trabajos tardíos, un ejemplo es el uso de pintura diluida, que da una apariencia plana a la tela.

La abstracción pospictórica es una moda comparativamente reciente. A pesar de que el éxito de Louis tuvo lugar a mediados de la década del cincuenta, casi toda la pintura que he discutido en este capítulo ha sido hecha en los últimos diez años. En Norteamérica y Gran Bretaña, a pesar de todo, disfruta del status de una ortodoxia.Esto ha tenido un resultado inesperado. Donde los partidarios del expresionismo abstracto ya hablaban de éste como de algo definitivo, un punto a partir del cual el arte no podía tener esperanzas de progresar, la abstracción pospictórica parece aún más definitiva. Ha comenzado a notarse que los artistas quieren encontrar su camino hacia adelante están ahora inclinados a abandonar la idea de la pintura como vehículo para lo que quieren hacer o decir. Esto no sólo ha significado un gran vuelco de la atención hacia la escultura sino, que ha llevado hacia un creciente número de experimentos con medios mixtos y al campo del arte cinético.

Por otro lado, el color era el centro de interés para los pintores que seguían el estilo hard edge (época difícil), como Frank Stella, Kenneth Noland y Ellsworth Kelly. Sus cuadros en realidad eran puro color, y donde se terminaba este, acababa el cuadro. El caso de Noland es especial, porque también se le conoce como uno de los líderes del arte minimalista, que se desarrolló bajo el amparo del expresionismo abstracto, aunque está estrechamente ligado con el hard edge en su idea de mínima expresión. En el minimalismo la pintura se reducía a simples formas geométricas, motivos rítmicos o colores lisos.

• Esta obra pictórica influyó tendencias del diseño, en colores y formas, como se ve en ciertas piezas de Ettore Sottsass, incluyendo aquellas que formaban parte del trabajo del Memphis Group.

Hard-Edge Painting (pintura de borde duro). Ésta es una manera específica de representación en la pintura moderna (tanto abstracta como figurativa) basada en el predominio del color y el empleo de formas sencillas, de manera que cada color se aplica en áreas planas perfectamente delimitado de los demás. Este sistema ha sido utilizado especialmente con la finalidad de resaltar la interación entre colores adyacentes en el op-art y la nueva abstracción.

Abstracción PostpictóricaNueva AbstracciónPintura Fría o de Borde Duro

Surge en los EE.UU. hacia finales de los años cincuenta y principios de los sesenta. Tuvo una gran repercusión en Europa, aunque sin la pureza del movimiento norteamericano. La denominación de "Abstracción postpictórica" se debe al crítico Clement Greenberg, el cual la utiliza para designar la exposición que organizara en Los Angeles en 1964. Otras denominaciones propuestas para designar esta tendencia son las de "hard edge" (contorno duro) utilizada por J. Langsner en 1959, "new abstraction" (nueva abstracción) difundida a raíz de la exposición "Toward a new abstraction" celebrada en Nueva York en 1963, y "cool art" (arte frío) empleada en 1965 por I. Sandler. Conforme fue pasando el tiempo, algunos de los artistas de esta corriente llegaron a un planteamiento más radical que se conoce como "pintura minimalista" debido a su bajo contenido formal y cromático.

CARACTERÍSTICAS - Abstracción geométrica de concepción estrictamente formalista. - Ausencia de sentido sensitivo o gestual. - Rechazo de lo subjetivo y sígnico típico del expresionismo abstracto. - Máxima pureza de lenguaje, economía y nitidez de formas (claridad lineal y apertura de diseño). - Estructuración compositiva basada por completo en la bidimensionalidad de la tela, sus límites y las cualidades específicas del color. - Diseños geométricos sencillos (dianas, rombos, estrellas, semicírculos) a base de bandas de color rectas, curvas y entrelazadas, rigidamente delimitadas entre si (hard-edge). - Carácter decorativo tipo "art deco" de los años veinte (Stella). - Colores planos, puros y también tonales en gradaciones (Olintski). - Creación de efectos suaves de vibración y profundidad. - Grandes formatos, a menudo con sus contornos excéntricos o siguiendo las formas geométricas del interior (lienzos con forma de Stella). - Superficies de color pulcramente aplicado (Newman, Stella, Noland) o colores jaspeados y desigualmente pintados (veladuras o transparencias) de ligero efecto atmosférico (Noland) - Efecto colorista que recuerda las señales de tráfico. - Utilización preferentemente de pinturas acrílicas que son aplicadas manchando o empapando el lienzo en lugar de pintar sobre la superficie (Noland, Louis). - Creaciones en series, se utiliza un solo motivo en sucesivas pinturas hasta creer que se ha agotado sus posibilidades (Noland, Louis). INFLUENCIAS Las composiciones de campo de color de Barnett Newman y Ad Reinhardt de finales del expresionismo abstracto y los experimentos geometrico-cromáticos de Josef Albers (op art), Max Bill y R. Lohse.

ARTISTAS EE.UU.:    Frank Stella (1936), Kenneth Nolan (1924), Ellsworth Kelly (1923), Jules Olitsky (1922), Morris Louis (1912-1962), Helen Frankenthaler (1928), Nicholas Krushenick, Winfried Gaul, Gene Davis, Ray Parker, Al Held (1968), Sam Francis (1923), entre otros.

Europa:    John Hoyland (Inglaterra, 1934), Robyn Denny (Inglaterra, 1910), W. Turnbull

(Inglaterra), R Geiger (Alemania), G.K. Pfahler (Alemania), Lo Savio (Italia), E. Castellani (Italia), Pablo Palazuelo (España), Rafols Casamada (España), entre otros. * El Hard-edge abstraction fue un movimiento  que evolucionó hacia composiciones abstractas más complejas y dinámicas en las obras de Frank Stella y Al Held.

*Frank Stella Nació en 1935 en Malden, Massachusets y dentro del grupo de artistas abstractos norteamericanos de los años cincuenta se destaca al lado de Rauschenberg. Fue en su momento uno de los creadores y promotores del “Hard Edge” o “pintura de borde duro”, así como de los llamados Lienzos contorneados. Influido por el Minimal Arte, en 1964 trabajó cuadro-objetos con pinturas brillantes y fluorescentes que producen una sensación similar al llamado Op Art (Arte Óptico). Aunque en principio fue expresionista abstracto pronto cambió hacia la austeridad de la abstracción.

* Bajo la influencia de la máxima de Duchamp, según la cual la pintura debía estar "al servicio de la mente", el arte conceptual solía consistir en una sola palabra o en una afirmación teórica. En esta época destaca el uruguayo Nelson Ramos.

Estados Unidos. Pintura abstracta. Reacio a los movimientos corporales del expresionismo abstracto. Las pinturas presentan una superficie bien

organizada en una geometría absolutamente geométrica. Asuma una precisión totalmente impersonal. Paleta limitada, incluso monocroma.

Hubo un estilo que mantuvo su lugar inmediatamente después del expresionismo abstracto y que, a pesar de deber algo al ejemplo de éste, tenía profundas raíces en el arte europeo de las décadas del veinte y del treinta. La abstracción de "hard-edge" nunca murió del todo, ni aun en los días más florecientes de Pollock y Kline. Por "hard-edge" quiero significar el tipo de pintura abstracta donde las formas tienen límites netos, definidos, en lugar de los borrosos, favoritos, por ejemplo, de Mark Rothko. Característicamente, en este tipo de pintura, los propios tintes son planos e indiferenciados, de manera que quizá sea mejor hablar de áreas de color y no de formas.

Uno de los padres de este tipo de pintura en Norteamérica fue Josef Albers, quien ya ha sido mencionado a causa de su importancia como maestro. Albers estuvo estrechamente relacionado con el Bauhaus durante la década del veinte: de hecho, como estudiante y maestro trabajó allí con más continuidad entre 1900 y 1933, año en que fue cerrado, o sea un período de servicio más largo que el de cualquier otro Bauhäusler. Durante la década del treinta, cuando ya estaba viviendo en Norteamérica, Albers tomó parte en las exhibiciones anuales montadas en París por el grupo Abstracción-Creación. En consecuencia, era completamente cosmopolita. El molde intelectual de Albers es muy típico de la atmósfera del Bauhaus sistemático y ordenado pero también experimental. Estaba, por ejemplo, muy interesado en la psicología de la Gestalt y esto lo llevó a una exploración de los efectos de ilusión óptica. Más tarde fue atraído hacia el estudio de las maneras en que los colores actúan unos sobre otros. Los cuadros y grabados de la serie Homenaje al Cuadrado, que son los trabajos más conocidos de Albers, son experimentos planificados de color.Albers es interesante no sólo por sí mismo, sino porque parece ubicarse en el punto en que convergen varias actitudes hacia la pintura. El elemento sistemático de su obra lo relaciona con la de dos artistas suizos, Max Bill y Richard Lohse, Bill también es un alumno, del Bauhaus y en su subsiguiente carrera se ha convertido en una especie de genio universal y al estilo de Miguel Angel ya que es al mismo tiempo pintor, arquitecto y escultor. El desarrollo seriado del color fue uno de sus objetivos a través de toda su carrera.Bill y Lohse son generalmente mencionados como exponentes del "arte concreto" y Albers es incluido como el tercer miembro de este triunvirato. Por otro lado, el interés de Albers en la ilusión óptica lo relaciona con los así llamados artistas op, aun cuandosu tratamiento particular de la forma lo lleva a relacionarse con lo que los críticos ahora han denominado "abstracción pospictórica".Si uno busca una diferencia entre Albers y sus dos colegas suizos, ésta parece estar en el tratamiento de la forma. Los cuadrados de Albers son libres, inertes, sueltos, flotantes y es esta pasividad la que ha llegado a parecer particularmente típica de gran parte de la pintura expresionista pospictórica en Norteamérica.La diferancia entre el "Hard-edge" y la abstracción pospictórica, es precisamente que en ésta no es lo neto del borde lo que cuenta, un color chocando firmemente contra otro, sino la calidad del color. No importa si

el color se funde en un matiz vecino o se diferencia netamente de éste: el encuentro siempre es pasivo.Los cuadrados de Albers son suficientemente vigorosos, pero no generan energía a partir de esta fortaleza de los contornos.

Otro pintor cuya obra tiene algo de esta cualidad, sin ser calificado como abstraccionista pospictórico en el sentido más estricto fue Ad Reinhardt, quien se hizo una fama como el no conformista profesional del mundo artístico de Nueva York durante la década del cincuenta y logró retenerla hasta su reciente muerte. Influido por el arte decorativo abstracto de Persia y el Medio Oriente, Reinhardt pasó en los años cuarenta a través de una fase en la que su obra se acercó a la caligrafía de Tobey. Pero estas marcas "escritas" se reunieron y se convirtieron en rectángulos que cubrieron toda la superficie del cuadro. Desde una orquestación de intensos colores, Reinhardt pasó hacia el negro. La pintura característica de su última fase contiene colores tan oscuros y tan próximos en valor unos de otros, que el cuadro parece ser negro o casi negro, hasta que es estudiado detalladamente de cerca y entonces los rectángulos componentes emergen de la superficie.

Lo que relaciona a Albers ya Reinhardt con los así llamados abstraccionistas pospictóricos es, en parte, la fascinación no de los medios pictóricos sino de la doctrina estética. La naturaleza doctrinaria de la abstracción pospictórica es sorprendente. Tal como los positivistas lógicos se han concentrado en los aspectos puramente lingüísticos de la filosofía, así los pintores que adhieren al movimiento se han preocupado de desprenderse de todo, excepto de un estrecho campo de consideraciones estrictamente pictóricas

Los dos pintores que pueden considerarse como los verdaderos creadores de este movimiento son Morris Louis y el veterano expresionista abstracto Barnett Newman, a pesar de que otros expresionistas tales como Jack Tworkov, también muestran algunas características de la abstracción pospictórica en sus trabajos tardíos, un ejemplo es el uso de pintura diluida, que da una apariencia plana a la tela.

La abstracción pospictórica es una moda comparativamente reciente. A pesar de que el éxito de Louis tuvo lugar a mediados de la década del cincuenta, casi toda la pintura que he discutido en este capítulo ha sido hecha en los últimos diez años. En Norteamérica y Gran Bretaña, a pesar de todo, disfruta del status de una ortodoxia.Esto ha tenido un resultado inesperado. Donde los partidarios del expresionismo abstracto ya hablaban de éste como de algo definitivo, un punto a partir del cual el arte no podía tener esperanzas de progresar, la abstracción pospictórica parece aún más definitiva. Ha comenzado a notarse que los artistas quieren encontrar su camino hacia adelante están ahora inclinados a abandonar la idea de la pintura como vehículo para lo que quieren hacer o decir. Esto no sólo ha significado un gran vuelco de la atención hacia la escultura sino, que ha llevado hacia un creciente número de experimentos con medios mixtos y al campo del arte cinético.

Por otro lado, el color era el centro de interés para los pintores que seguían el estilo hard edge (época difícil), como Frank Stella, Kenneth Noland y Ellsworth Kelly. Sus cuadros en realidad eran puro color, y donde se terminaba este, acababa el cuadro. El caso de Noland es especial, porque también se le conoce como uno de los líderes del arte minimalista, que se desarrolló bajo el amparo del expresionismo abstracto, aunque está estrechamente ligado con el hard edge en su idea de mínima expresión. En el minimalismo la pintura se reducía a simples formas geométricas, motivos rítmicos o colores lisos.

Esta obra pictórica influyó tendencias del diseño, en colores y formas, como se ve en ciertas piezas de Ettore Sottsass, incluyendo aquellas que formaban parte del trabajo del Memphis Group.