Sol Cusmano Taller de Reflexión Artística IIIAbstract

El presente ensayo explora la obra de la artista ucraniana Alina Zamanova,

relacionando su estilo contemporáneo con el manierismo y el gótico. Zamanova describe

su propia influencia como gótica, gracias a los artistas con los que se fue relacionando en

su carrera, pero además es su técnica la que la relaciona a la corriente del manierismo.

La personalidad artística, la expresión condicionada por el contexto histórico y la

estilización de los cuerpos es lo que se destaca tanto en las obras de Zamanova como en

la de los maestros del manierismo. Este ensayo pretende analizar tanto a la artista como

a la corriente, encontrando sus puntos en común y diferencias.

Palabras clave

Arte - Belleza - Estilo - Expresionismo - Gótico - Idealismo - Ilustración - Manierismo -

Moda - Naturalismo - Romanticismo -

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Sol Cusmano Taller de Reflexión Artística III

“Ugly Beauty”

Alina Zamanova (ver imagen 1) es una artista e ilustradora de moda ucraniana nacida

en Kiev. Su identidad yace en explorar la brecha entre el arte y la moda y borrar los límites

entre la belleza y la fealdad. Su arte va desde pinturas tradicionales e ilustraciones hasta

intervenciones textiles hechas a mano o post producción fotográfica al estilo de garabatos

sobre el cuerpo humano. Desde chica sintió pasión por la ilustración, talento que pudo

desarrollar y perfeccionar mediante sus estudios en la University of the Arts London,

recibiendo un título en Ilustración de Moda hacia el 2015. Durante su carrera tuvo el honor

de trabajar en Alexander McQueen, quien fue una gran influencia en su estilo, logrando

que sus obras se tornaran más profesionales y góticas, según ella misma describe en su

página web personal. La imagen #2 del anexo muestra una colaboración que hizo la

ilustradora con la diseñadora Yana Chervinska para el Ukraine Fashion Week donde

Zamanova realizó el diseño de estampas de la colección y el estilismo de las modelos

para la pasarela. Este trabajo refleja al cien por ciento cómo la artista busca el lado oscuro

en lo que ella caracteriza como “feas ilustraciones” que son la representación de sus

propios sueños e ideas y de las personas que la inspiraron. Al igual que los artistas

góticos, Zamanova rompe con el ideal de belleza, intentando representar la realidad pero

según su propio punto de vista. Lo que la artista rescata de este período es el estilo que

sobresale por su tono sombrío, oscuro y emotivo. Mediante el uso del color y la

exageración de los rasgos se puede encontrar el tinte gótico que la inspira, con el que

intenta reflejar el lado oculto de la belleza: lo que en la cultura popular se caracteriza

como fealdad (Zamanova, 2017).

Todas las obras de Zamanova reflejan y transmiten a la perfección las emociones que

siente al pintarlos, su concepto e ideología se encuentran detrás. Su marca intenta

quebrantar el ideal de belleza mediante ilustraciones deformadas, intervenciones sobre el

mismo cuerpo humano y hasta rompiendo con el esquema de la moda en sus recientes

presentaciones y colecciones. Como se puede ver en la imagen #3 del anexo, una de las

técnicas de la artista es la exageración de los rasgos naturales, así como la estilización

acentuada. Una corriente del arte moderno que utiliza estas mismas técnicas es el

Manierismo.

Se conoce como Manierismo al periodo y estilo artístico que se encuentra entre las

décadas centrales y finales del siglo XVI. Como bien explica Hauser (2002), la etimología

de la palabra “maniera”, que le da el nombre a dicha corriente artística, hace referencia a

la personalidad artística, es decir la impronta estilística de cada artista dentro de sus �2

Sol Cusmano Taller de Reflexión Artística IIIcuadros. Es a partir de este movimiento que el arte se empieza a ser caracterizado por el

virtuosismo (Albelo, 2014), que hace referencia a que la obra es vista como la “realización

perdurable de un virtuoso”. Se apreciaba la habilidad como una virtud positiva en el artista

que producía géneros complejos e ingeniosos. El Manierismo rompe con la estética

predeterminada por el Renacimiento, aunque no nació como una contraposición sino

como prolongación perfeccionada de algunas de sus tendencias del movimiento anterior.

Sin embargo se pretenden solucionar problemas artísticos relacionados tanto en el

contenido como en la forma que llevan a la diferenciación con las obras renacentistas.

Otra de las grandes características del Manierismo, por el cual se lo reconoce mundial

e históricamente, es el artificio. El movimiento no intenta representar la realidad de

manera naturalista según se hacía en el Renacimiento, sino que la hace extraña, hasta un

poco deformada, como un capricho del artista y su “maniera”. Como expresa Albelo

(2014) en su artículo, el estudio de la naturaleza era una parte esencial de la formación de

los artistas y la producción de una obra, pero ellos no se conformaban con realizar una

copia exacta de la realidad sino que consideraban que la misión del arte era mejorar la

naturaleza. Es ahí en donde se lee la impronta caprichosa y de personalidad del artista

manierista. Lo mismo sucede en la contemporaneidad con Zamanova. Su ideología se

basa en contraponerse a la típica ilustración de moda que relaciona belleza con un

modelo ideal de mujer estilizada, delgada y de facciones delicadas. Esto lo logra a través

de un concepto al que nombra como “Ugly Beauty”, lo que se traduce en Belleza Fea en

español, y que intenta expresar cómo la cosifiación de las mujeres se hizo normal y los

estereotipos de belleza fueron establecidos por personas que no tenían conocimiento

para dictarnos qué es bello y qué es feo. Zamanova, en una entrevista realizada para

Hunger Tv, dice: “Estaba explorando el cuerpo de la mujer y nuestra ‘piel fea’ sin importar

la forma que tenga visualmente, ya que siento que el cuerpo femenino es una historia

interesante que tiene muchos secretos”. Todo esto lo hace mediante la utilización de

técnicas estilísticas de representación que exacerban los rasgos femeninos

(especialmente en ciertas zonas erógenas como la boca) y la sobre estilización en modo

de crítica. La imagen #4 del anexo muestra una fotografía de moda en la que la artista,

mediante el estilismo, remarca y ridiculiza los modos de maquillaje habitual, generando

hasta una sensación de mal realizado, con lo que se contrapone a la perfección que se

busca constantemente con el maquillaje. Volviendo a la imagen #3, allí se muestra una

pintura similar a la foto mencionada antes denominada “Vogue Girl” haciendo referencia a

las características chicas Vogue, pero que de típica chica Vogue no tiene nada. Además

de las mismas técnicas en cuanto al maquillaje que se encuentran en la foto, en el cuadro �3

Sol Cusmano Taller de Reflexión Artística IIItambién se lee mejor la sobre estilización, realizada particularmente en el cuello. Estas

dos obras reflejan la referencia con el Manierismo. Primero por el espíritu de

contraposición a la representación exacta y el naturalismo, y segundo por los métodos

estilísticos. Parmigianino fue un pintor italiano y uno de los máximos exponentes

del manierismo. Para él la función del arte era trasmitir sensaciones exquisitas y

excitantes, para lo cual tuvo que crear una necesaria artificiosidad. Una obra que

representa estas características es “La Madonna del cuello largo”, 1534-1540 (ver imagen

5). El cuadro se trata de una Virgen con el niño Jesús, acompañados por ángeles, pero

cuya particularidad, como bien dicta el nombre, son las desproporciones en la figura

humana. La Virgen presenta el cuello y los dedos tan alargados que se ve la intención de

estiramiento del artista con fin de generar elegancia. Si bien entre los dos artistas,

Zamanova y Parmigianino, la intención final es distinta, se encuentra una gran relación en

términos estilísticos, la estilización y desproporción humana.

Por otro lado, algo que se destaca en la obra de Zamanova y se encuentra como una

constante es el uso de la pincelada como medio expresivo. Históricamente, el recurso de

dejar una pincelada sin ocultar se utilizó para generar un efecto que apele a los

sentimientos tanto del artista que lo creó como del espectador. El Manierismo es de los

primeros movimientos que utilizan esta técnica, pero aún así todavía era criticada. El

movimiento que realmente es representativo de esta técnica es el Romanticismo, que

surgió en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción

revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Neoclasicismo, priorizando

los sentimientos sobre la educación. Se basó en la manera de sentir y concebir la

naturaleza, la vida y la misma existencia del hombre, y por eso se presentó de manera

distinta en cada país donde se desarrolló, o incluso dentro de una misma región se

pueden distinguir distintas tendencias. Una de las grandes características del

Romanticismo es la priorización de lo instintivo y sentimental, guiándose por el concepto

de que la “belleza es verdad”, como bien establece Heine (2010). Aún así, también se

incentivaba a que cada artista utilizara su libertad y su sensibilidad para reflejar sus

emociones propias, su forma de ver el mundo, que es distinta a las de los otros artistas y

por eso cada cual es capaz de expresarse de forma distinta y totalmente subjetiva. Así se

muestra Zamanova con sus obras. Ella refleja sus sentimientos, sus críticas sobre el

entorno y la “ilustración” de la belleza contraponiéndose al ideal del contexto en el que

vive y también desnaturalizando las tradiciones clásicas que han idealizado determinados

rasgos en cuerpo y rostro la asignación de características positivas.

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Sol Cusmano Taller de Reflexión Artística IIIFrancisco de Goya fue un pintor y grabador español, que es considerado uno de los

artistas con más relevancia histórica en cuanto a su influencia en el arte moderno. Goya

nunca permaneció fiel a un solo estilo, sino que refleja en sus obras diversos estilos a lo

largo del tiempo. En su transformación se muestra como un innovador que cultivó todos

los géneros y técnicas de la época. Para 1792, Goya se antepone a la Academia y

expresa sus ideas respecto a la creación artística, argumentando sobre los supuestos

idealistas y de los cánones neoclásicos vigentes en la época para afirmar la necesidad de

libertad del pintor, que no debe estar sujeta a estrechas reglas. Uno de los cuadros de

Goya es “Dos viejos comiendo sopa” de 1819 (ver imagen 6), donde se ve cómo el artista

irrumpe contra el típico esteticismo sobre la figura humana, mostrando, como bien

describe el nombre, son dos personas mayores de aspectos desmejorado y hasta uno de

los dos casi cadavérico. El artista contrasta con el idealismo de la época creando un

cuadro hasta macabro, especialmente mediante una pincelada bien marcada y

empastada y una paleta de color sombría. Zamanova realiza algo similar con la pincelada,

dejando rastros del trazado y obviando el dibujo previo y los límites de la figura. Los

colores sobrepasan las líneas de la ilustración y hasta utiliza paletas con colores opuestos

para generar un contraste con pigmentos poco frecuentes, como por ejemplo un azul para

pintar la piel. En la imagen 7 del anexo se ve cómo Zamanova también logra una figura un

poco cadavérica y sombría, con rasgos exagerados que contribuyen a la expresión de su

concepto.

En la obra de la ilustradora también se encuentran referencias de artistas como

Kirchner y Egon Schiele. Kirchner se destaca por un estilo plano con colores puros,

inspirado en el arte primitivo y el fauvismo francés. Las características más distintivas de

este grupo son el color antinatural, cálido y subjetivo, y las formas más bien planas, con

poco interés por los volúmenes. Las obras de Kirchner presentan una audacia que no

permite la duda a fin de brindar la mayor expresividad posible. El trazo seguro,

contundente, y hasta muchas veces agresivo rompe la perspectiva de las líneas. En su

obra “Escena de la calle de Berlín” (imagen 8) se logra vincular a los dos artistas mediante

una similitud dentro de los rasgos en la cara de la figura humana con la imagen 7 del

anexo, esta misma impresión moribunda en los rasgos faciales, la paleta de color sombría

y las formas angulosas. La figura corpórea también presenta una desfiguración en cuanto

a proporciones, un estiramiento semejante al del Manierismo. En este cuadro, Kirchner

pinta una serie de mujeres, todas vestidas de la misma forma y con rasgos similares, lo

cual alude a una especie de “industrialización” de la belleza, representando la copia y la

aspiración de un cierto ideal instaurado en la época. Igualmente, se representa de forma �5

Sol Cusmano Taller de Reflexión Artística IIItal que sirve como crítica de los cánones, muestra la falta de individualismo y aún así

ridiculiza contraponiendo con un rostro un poco desagradable.

En complemento a la obra de Zamanova está Egon Schiele, uno de los grandes artistas

f igurativos de principios del siglo XX que conformó lo que se conoce

como expresionismo austriaco. De Klimt adoptó sus principios creativos, en cuanto a

acentuar el dibujo de sus pinturas con unas líneas gruesas, especialmente en la

representación del cuerpo desnudo. Abandonó el estilo rígido de la Academia y giró hacia

el expresionismo, representando al hombre a través de una agresiva distorsión figurativa.

En sus autorretratos (imagen 9) fue deformando su figura con poses extravagantes y

gestos ridículos, destacando la extrema delgadez de la figura, las contorsiones del cuerpo

(Mosqueda 2017). La imagen 10 del anexo muestra una ilustración de Zamanova en la

que se ve una fuerte influencia de Schiele. La distorsión figurativa se impone mediante

unos rasgos excesivamente exagerados, el destaque de las costillas en la figura mediante

el color y donde también se copia el grado en semi perfil del retrato y las poses

extravagantes. Por otro lado, la ilustradora toma el concepto de Schiele en el que el

espacio se convierte en una suerte de vacío que pretende representar la dimensión

existencial del hombre, ya que todas sus pinturas carecen de fondos representados, sino

que muestran fondos planos tanto blancos como negros.

El fundamento teórico de las obras de Schiele radicaba en la idea de “obra de arte

total”, es decir que el arte no se limitaba a las áreas tradicionales sino que también a lo

formal y espiritual que afectaba a la vida diaria. Las obras de Zamanova, al ser una critica

y contraposición a ideales y cánones de belleza de la sociedad contemporánea también

pretenden afectar al espectador de manera espiritual, fomentando la belleza individual y

eliminando la línea que divide lo “lindo” de lo “feo”. Además, tanto las temáticas de Schiele

como la de Zamanova adquieren una tensión emotiva en la sensualidad que contrasta con

la de una soledad angustiosa.

En conclusión, Alina Zamanova se encuentra inspirada por varios movimientos que

fueron surgiendo a lo largo de la historia. Cada uno de ellos añade un elemento a su

técnica que le permite desarrollar obras con una fuerte carga emocional y crítica. Desde

su pincelada marcada, su uso del color contrastante, la sobre estilización de las figuras,

los rasgos faciales marcados, las delineados gruesos, y la coloración recargada y

exagerada contribuyen a la ridiculización de la representación femenina para

contraponerse al ideal de belleza con el que la sociedad se encuentra bombardeada por

el campo de la moda. Zamanova intenta reivindicar estos ideales, otorgando el título de

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Sol Cusmano Taller de Reflexión Artística IIIbello hasta lo que se considera desagradable por la cultura popular, añadiendo a todo

esto un carácter sombrío relacionado con el neogótico, que heredó de su mentor

McQueen. Su concepto de “Ugly Beauty” se ha hecho conocer en los distintos ámbitos en

los que la artista se desenvuelve, contribuyendo a las nuevas tendencias de bellezas sin

límites.

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Bibliografía

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