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SEMINARIO ¨HISTORIA DEL ARTE, DESDE LA PRAXIS¨

La Historia del Arte es una situación parecida a la descrita irónicamente por Luciano de Samosata (120-180 d.C.) en su obra Historias verdaderas: "Escribo de lo que ni vi ni comprobé ni supe por otros". El arte no transforma el mundo, como lo hacen las herramientas, pero se encuentra, desde la época prehistórica, al servicio de la interpretación del mundo y de los hombres en el mundo. Los valores sociales son la base del significado público del arte. La Iglesia comprendió esto en la Edad Media y asimismo lo han comprendido los anunciantes y diseñadores destinados al hogar, ocio, moda y electrónica, entre otros. La imaginación constituye una de las facetas más misteriosas de la especie humana. ¿Te has preguntado por qué eso es arte?, ¿por qué ese arte es bueno?, ¿para qué es necesario? En este seminario se ofrece la posibilidad de obtener un conocimiento global de la Historia y del Arte; dos actividades que, en la actualidad, han pasado a ser la ciencia de la información. PROFESOR David DeCe (Barcelona, 1979), historiador general de arte en medios de comunicación y prensa impresa española, con amplios reportajes y entrevistas a entidades culturales como Mati Klarwein (pintor de la familia Kennedy, Marilyn Monroe, Miles Davis), Moebius, Alexander Lavrentiev, Lapphoto (Andy Warhol, Mick Jagger, Muhamad Alí), Rammellzee (maestro de Basquiat). Impresor Offset de gran formato Editorial. Técnico en colorimetría y espectrofotometría ISO 12647. Master en gestión, producción y comunicación Gráfica. Cinco años en Talleres Gráficos Sanpons (imprenta para Gran Teatre del Liceu), como impresor, grabador, encuadernador y fotocromista. Diez años de impresor en la imprenta ubicada dentro de la sala de exposiciones de la Casa Milà (La Pedrera de Gaudí), que recogía la obra de Durero, Goya, Fortuny, Kandinsky, Chagall, Dalí, Giacometti, Chillida, Rodchenko, Malévich o Ramón Gaya. Dos años como impresor en AGO, premio europeo Top Aplication 2011, con una media de 51 libros editados al año para instituciones que dependen de la Administración (Generalitat de Catalunya “Cultura”) como Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC), MACBA, CCCB, Arts Santa Mónica, Museu Historia Catalunya, Palau de la Música, TNC. Pintor local en galerías de arte, y artista audiovisual reseñado en El Periodico, El Mundo (Suplemento Magazine), y Avui. Ilustrador para el célebre sello de jazz estadounidense Ubiquity Records, y para prensa y revistas impresas como Men's Health. También ha contribuido a la adquisición del dibujo “La pregaria” de Mariano Fortuny para el MNAC. David DeCe y José Antonio Martin Saucedo (Málaga, 1978) son fundadores y directores de la Editorial Cran, dedicada a apresar el devenir y el significado intrínseco de pintores, investigadores, catedráticos y traficantes de ideas como Luis Marsans, Pedro Moreno-Meyerhoff, Raimón Arola, Julio Vaquero, Dino Valls, Rocío Dávila, Vicenç Altaió, Alicia Marsans, Manuel Huertas Torrejón, Iñigo Navarro Dávila, Fco. Valderrama, David Mur, Macarena Outón, Sixe Art, Eloy Morales, Miguel ángel Moya, Ismael Fuentes, Pilar Aguilar Solves, Kike Meana, Jaime Valero, Alejandro Marco y Victoria Iranzo. FECHAS Y HORARIO Miércoles de 18 a 20h Sala de conciertos del MEAM (C. Barra de Ferro, 5 de Barcelona)



Enero 8, 15, 22, 29 | Febrero 5, 12, 19, 26 | Marzo 5, 12, 19, 26 | Abril 2, 9, 23, 30 | Mayo 7, 14, 21, 28 | Junio 4, 11 HORAS LECTIVAS 22 sesiones de 2h 44 horas lectivas INVITADOS Vicenç Altaió (Santa Perpètua, 1954) Pedro Moreno Meyerhoff (Barcelona, 1954) Julio Vaquero (Barcelona, 1958) Fco. Valderrama (Málaga, 1959) Raimon Arola (Tarragona, 1956) Lluïsa Vert (Barcelona, 1950) Luis García Mozos (Puertollano, Ciudad Real, 1946) Nazario Luque Vera (Castilleja del Campo, Sevilla, 1944) Alicia Marsans (Barcelona, 1971) David Mur (Barcelona, 1963) Sixe Paredes, pseudónimo de Sergio Hidalgo (Badalona, 1975) Dani Caño (Barcelona, 1970) Xavi Carreras (Menorca, 1970) Miguel Ángel Moya (Valencia, 1970) Jorge Egea (Zaragoza, 1975) COLABORADORES Rocío Dávila (Madrid, 1950) Manuel Huertas Torrejón (Guadalupe, Cáceres, 1953) Xavier Serra de Rivera (Sant Joan Despí, Barcelona, 1946) Dino Valls (Zaragoza, 1959) Pilar Aguilar Solves (Valencia, 1985) Ismael Fuentes López (Valencia, 1981) Iñigo Navarro Dávila (Madrid, 1977) Eloy Morales (Madrid, 1973) Kike Meana (Madrid, 1965) Jaime Valero (Madrid, 1967) Alejandro Marco (Valencia, 1986) Michele Farneti (Fano, Italia, 1981)



TEMARIO TEMA 01. LA CONCEPCIÓN DEL ARTE (Enero 8) Estética del arte. Teorías del arte; de Platón a (Josep) Pla. El concepto de arte visto desde el pensamiento de Vicenç Altaió. El yo lírico y el tráfico de ideas. David DeCe hace un recorrido en la creación literaria que enlaza el concepto de arte visto desde el pensamiento de Vicenç Altaió, con la vanguardia: Foix (lectura), Basura (investigación), Vinyoli y Palau i Fabre (transformación). Dios, Ciencia y libertad. Valor, dificultad, lenguaje, comunicación, ruptura y sociedad. Humanidad, técnica y la muerte del estilo. Humanidad, cultura, investigación, tecnología, universales recogidos en su libro “Un sereno en el cementiri de l'art”. Invitado: Vicenç Altaió (Santa Perpètua, 1954) TEMA 02. ARSGRAVIS, SIMBOLISMO EN EL ARTE (Enero 15) Simbolismo. Icono. Alquimia. Pintura. Religión. Mitología. Elementos. Mágia. David DeCe ha recurrido al rigor universitario de Arsgravis (Raimón Arola y Lluïsa Vert) para estudiar los símbolos de las distintas tradiciones espirituales, siguiendo la estela que se abrió en las universidades más avanzadas de Occidente a partir de personalidades como Eliade, Corbin o Scholem, entre otros muchos. Quizá lo que les diferencia del estricto punto de vista universitario es que Arsgravis se ha basado principalmente en la creación artística, de manera que el arte se lee como una práctica de lo trascendente y el símbolo como una trascendencia que puede conocerse en las formas. Invitados: Raimon Arola (Tarragona, 1956), Lluïsa Vert (Barcelona, 1950) TEMA 03. DE LA PROPORCIÓN DIVINA A LA FIGURA (Enero, 22) Canon. Proporción áurea. Numerología. Cuerpos Platónicos. Figura humana. Escultura. Arquitectura. Nos preguntamos, ¿qué es escultura?, cuando su significado es esculpir, y la realidad de la antigüedad era para fundir en bronce. David DeCe recoge la esencia de uno de los grandes escritores del siglo XX sobre arte, Keneth Clark -“el cuerpo humano no es un tema del arte sino una forma de arte, un modo de ideal artístico”-, y con ello invitamos al escultor Jorge Egea, para que nos hable de su trabajo, “Modelado, creación y conocimiento (Spiritus Classicus)”. Hablaremos de la Antigüedad, del otro Renacimiento, a través de escultores como Alfonso lombardi, Nicoló dell' Arca y Torrigiano, y de las contradicciones de la representacion en la cultura contemporánea. Invitado: Jorge Egea (Zaragoza, 1975) TEMA 04. LA OTRA HISTORIA (Enero, 29) Bellas artes. Filosofía. Literatura. Música. Cine. Teatro. Cómic. El arte es la otorgación de forma a lo desordenado que siempre significa amenaza. La actividad artística se encuentra al servicio de la interpretación del mundo y de los hombres en el mundo. David DeCe nos invita a los signos inconmensurables de Nazario. Un mundo a través de la filosofía, literatura, poesía, romance, cómic, carteles, pintura, acuarela, escultura, música y cine. Con ellas comienza la verdadera historia humana, así como la historia del arte.



Invitado: Nazario Luque Vera (Castilleja del Campo, Sevilla, 1944) TEMA 05. ARTES GRÁFICAS Y FOTOGRAFÍA (Febrero, 5) Artes gráficas, Ilustración, fotografía y publicidad La enseñanza profesional que intentaba establecer en una imprenta, estaba abierta por la química y la física, la tipografía, litografía, encuadernación, dibujo... pero no se olvidaban algunos detalles como trucar la fotografía de bodegón a través de la iluminación superior, y los retoques con planchas de zinc, magnesio y cobre, con acabados a plumilla, o con la hoja de afeitar sobre una mancha negra. La historia de la pintura en el último par de siglos ha terminado despojándose de una orientación propia para compartir espacios comunes al diseño gráfico, al cine o a la fotografía, de manera que quien se formaba como pintor debería informarse igualmente en un mercado que valoraba la obra gráfica desde un sentido más por el impacto global que pudiera generar que de fondo cultural que pudiera significar. David DeCe junto a, uno de los más prestigiosos estudios de retoque digital internacional, Haut Touch (Dani Caño y Xavi Carreras), indagaran sobre las artes graficas; desde el CMYK, el visionado con luz normalizada Just Normlicht, la manipulación de imágenes, las fases del tratamiento fotográfico y las mas reputadas herramientas tecnológicas. Invitado: Dani Caño (Barcelona, 1970) y Xavi Carreras (Menorca, 1970) Colabora: Iñigo Navarro Dávila (Madrid, 1977) TEMA 06. EL MISTERIO DE LA CAL Y LA PINTURA MURAL (Febrero, 12) La cal. La naturaleza. La medicina. El fresco es la técnica que puede tener un mayor recorrido en el arte. El estudio y el análisis de los frescos se han visto obstaculizados por alteraciones llevadas a cabo en los siglos XVII y XVIII. La gran injusticia que se ha cometido con esta técnica, ha sido el olvido, o tal vez el miedo a una técnica que requiere ser utilizada por auténticos artistas. David DeCe analiza los frescos, tanto pompeyanos como del treceno y quattrocento italiano, y nos lleva de esta forma hasta el maestro fresquista Fco. Valderrama, para un mejor entendimiento y para dar a conocer los aspectos, tanto históricos como contemporáneos de la milenaria técnica al fresco. Invitado: Fco. Valderrama (Málaga, 1959) TEMA 07. LA IMAGEN APARECIDA (Febrero, 19) Icono. Diseño. Naturaleza. Pintar a partir del natural. En más de una ocasión Luís Marsans ha afirmado que toda pintura es abstracta. y lo abstracto, al menos en las artes plásticas, podría afirmarse como el hecho de excluir de la representación pictórica los objetos y sus atributos. En consecuencia, sería reducir las formas de las cosas a sus cualidades esenciales o a las relaciones que las cosas establecen entre ellas. Eso supone una difícil, o imposible, identificación de los objetos con sus representaciones. Sin embargo, la historia de la pintura nos ha tenido acostumbrados a reconocer e identificar las cosas, los objetos y los acontecimientos representados en la pintura. Esa necesidad de identificar los objetos con la imagen de su simulacro ha obligado, a su vez, al pintor, a querer imitar las formas de las cosas, a describirlas en sus rasgos más contingentes, ya narrar acontecimientos: actividades y cualidades que son propias de la literatura y que la pintura aceptó y aplicó a sus propios medios de expresión, tan contrarios a los literarios. En este seminario David DeCe nos propone acercarnos a las dinámicas de la experiencia óptica, no sólo la vida del artista sino la vida misma del arte en cuanto a la imaginación creadora de



la humanidad. Estas observaciones teóricas irán acompañadas de la participación de la pintora Alicia Marsans, de forma convincente en el ojo del artista. La palabra clave es naturaleza. Invitada: Alicia Marsans (Barcelona, 1971) TEMA 08. EL ARTE ÚLTIMO (Febrero, 26) Vanguardias siglo XX. Arte contemporáneo. En la época de máxima expansión de la imagen y de lo real, a riesgo de romper entre imagen y palabra, Julio Vaquero replantea con radicalidad un problema actual: cuando para muchos y algunos -no para él- la imagen reduce el valor de la palabra por su sobrepeso; o bien cuando una imagen acalla a la pintura para que hable el enunciado y no el verbo. En fin un problema fundamental entre lo animado y lo animado. El resultado de este análisis es una historia del arte último del s. XX y XXI, de nuestra época actual Invitado: Julio Vaquero (Barcelona, 1958) TEMA 09. EL SIGLO DE ORO (Marzo, 5) El Barroco. Diego Velazquez. Rubens. Rembrandt. Van Dyck. Vermeer. En el pensamiento artístico sobre el Siglo de Oro hay un axioma en el que todas las tendencias coinciden en la pintura de Velázquez. Autor de las Hilanderas hacia 1657, obra donde podemos apreciar la luz atmosférica que, además de iluminar la escena, alumbra el movimiento de la pintura hilando. David DeCe analizará la pintura de Velázquez con el invitado Luis García Mozos, uno de los pocos expertos en la técnica velazqueña, que aportará un recorrido por los referentes pictóricos que más influyeron en Velázquez. Hablaremos también del procedimiento pictórico de Velázquez y de la interrelación técnica con sus coetáneos: Rembrandt, Rubens, Van Dyck y Vermeer. Hablaremos del Siglo de Oro de la Pintura. Invitado: Luis García Mozos (Puertollano, Ciudad Real, 1946) TEMA 10. ARSGRAVIS, SIMBOLISMO EN EL RENACIMIENTO (Marzo, 12) Simbolismo en el Románico. Gótico. Barroco. ¿Qué es lo que debe retornar en el Renacimiento si en el periodo medieval se ha afianzado la verdad de la religión que los antiguos grecorromanos ignoraban?, ¿acaso en el siglo XV el paganismo se podía considerar superior al cristianismo? Evidentemente no, el humanismo del Renacimiento fue un encaje de la sabiduría y el arte de la Antigüedad en la religión verdadera, el cristianismo. A partir de esta premisa trasladada al Doctor Raimon Arola y Lluïsa Vert –que inevitablemente será nuestra conclusión–, la cuestión a dilucidar es el cómo, o bien lo moderno del Renacimiento (es decir lo antiguo), fue simplemente un soporte filosófico y artístico al cristianismo, o bien, el mundo clásico y el cristiano no serían antagónicos, sino convergentes y, por ello, un mismo fundamento los sustentaría: aquello propiamente humano. Invitados: Raimon Arola (Tarragona, 1956), Lluïsa Vert (Barcelona, 1950)



TEMA 11. MATERIALES Y MÉTODOS (Marzo, 19) Materiales. Técnicas pictóricas. Restauración En la introducción del tomo del Dr. Manuel Huertas Torrejón -“Basta con revisar cualquier tratado, de cualquier época o localización geográfica, para ver cómo el tema de la preparación de los soportes ha sido una preocupación constante de todos los tratadistas técnicos y, por consiguiente, de todos los pintores.”- Examinamos los recetarios y tratados de Plinnio, Teofilo, Beauvais, Cennini, Pacheco, Palomino, Doerner y Mayer, y los enfrentamos a la praxis de Manuel Huertas Torrejón y Fco. Valderrama. Invitado: Fco. Valderrama (Málaga, 1959) Colabora: Manuel Huertas Torrejón (Guadalupe, Cáceres, 1953) TEMA 12. MUNDO ANTIGUO (Marzo, 26) El arte del hombre prehistórico. Magia y rito. Antiguas civilizaciones. Tumbas y religión. Arte Egipcio. Próximo Oriente. Arte Egeo. Arte Griego. Arte Etrusco. Arte Romano. Arte Paleocristiano. Arte Bizantino. Islam. Hace aproximadamente tres millones de años que el hombre comenzó a caminar sobre la faz de la tierra, pero el arte prehistórico más antiguo que conocemos data tan sólo de hace unos 25.000 años atrás. El equilibrio neolítico existente entre el hombre y la Naturaleza fue roto por una nueva amenaza, una amenaza que venía no ya de la Naturaleza, sino del propio ser humano. El arte antiguo estaba descubriendo formas de expresión que no tenían precedentes. El límite entre la Antigüedad y la Edad Media se ubica entre Plotino y Agustin. David DeCe y David Mur son autores de este muy documentado estudio sobre el desarrollo del mundo antiguo. Invitado: David Mur (Barcelona, 1963) Colabora: Macarena Outón (Madrid, 1961) y Michele Farneti (Fano, Italia, 1981) TEMA 13. EL PUNTO DE RUPTURA (Abril, 2) Siglo XIX El desprecio y la falta de valoración que el siglo XIX ha sufrido por la crítica y el público es fruto de la reacción que contra el mismo supusieron las vanguardias del siglo XX. Quizás los fenómenos más característicos hayan sido el revival y el llamado eclecticismo. De igual manera el movimiento romántico y el realismo adquiere una particular importancia. Tras la desaparición del impresionismo se produce el fin del sistema visual heredado del Renacimiento y se da origen al arte del siglo XX y al fenómeno de las vanguardias. En este seminario hablaremos de los incomparables ochocentistas como Fortuny, Madrazo, Couture, Gérôme, Carolus-Duran, Edelfelt, Sargent, Zorn, Boldini, Repin, Serov, Cezanne, Casas y Sorolla. Sobretodo, el nacimiento de una pintura muy ceñida a la influencia de Velázquez, es tan explícita que constituye casi un homenaje al más culto de los pintores. Y que se extiende en el siglo XX con Gimeno, Hopper, Wyeth, Balthus, Bacon, Lucian Freud, Uglow y Auerbach. Invitado: Luis García Mozos (Puertollano, Ciudad Real, 1946) Colabora: Xavier Serra de Rivera (Sant Joan Despí, Barcelona, 1946)



TEMA 14. LOS OTROS MAESTROS (Abril, 9) Edad media y Edad moderna Fueron Ruskin, Pater, los prerrafaelistas del siglo XIX, los primeros en descubrir muchos de los maestros del quattrocento, como Botticelli, Fra Filippo, Bellini, Carpaccio, Mantegna y una docena de artistas más. Fray Angelico y Perugino habían sido descubiertos una generación antes. Pero a Piero della Francesca se le pasaba por alto casi por completo. El Greco fue redescubierto, como Grünewald, en el tránsito del siglo XIX al XX, convirtiéndsose en ídolos del expresionismo. Hasta el primer cuarto del siglo XX no se descubrió la figura del pintor Juan Sánchez Cotán. Si se busca la más enorme herencia del pasado, la parte más problemática es la que coloca de irrelevante a maestros que carecen de valoraciones justas a su arte, o bien, ocupan un lugar anecdótico o secundario. Este apasionante recorrido histórico empieza desde comienzos del Trecento hasta finales del XIX. Si bien se desdibuja aquí y allá, nunca se corta, y descuella siempre sobre el curso general de la civilización europea. Melozzo da Forlì, Giottino, Sasseta, Pisanello, Domenico Veneziano, Masolino, Verrocchio, Antonello da Messina, Ghirlandaio, Carpaccio, del Sarto, Lotto, Bronzino, Corregio, Pontormo, del Piombo, Van der Weyden, Campin, Memling, Gérard David, Maestro Moulins, Brueghel, Durero, Cranach, Holbein, Altdorfer, Grünewald, Dalmau, Reixac, Bermejo, Huguet, Berruguete, Borrassá, Moluel, Bellechose, Maestro Dreux Budé, Fouquet, Enguerrand Quarton, Lieferinxe, Maestro de Moulins, Ruisdael, Veronés, Parmigiano, Tiépolo, El Greco, Zurbarán, Ribera, Sánchez Cotán, Canaletto, Philippe de Champaine, Watteau, Chardin, Meléndez, Mengs, Corot y Fantin Latour. Profesor: David DeCe (Barcelona, 1979) TEMA 15. COLOR Y CULTURA (Abril, 23) Colorimetría. Óptica. Percepción. La ciencia del color ha sido compartida por todas las civilizaciones. El color, conforma un conjunto de saberes y conocimientos, que se han ido transmitiendo de época en época a través de una tradición primordial. El color ha buscado su inspiración en el lenguaje milenario de la pintura. En realidad, no sólo se utilizado con motivos exclusivamente estéticos. Por ello, el color ha sido uno de los temas que más ha llamado la atención a los estudiosos como John Cage, Colour and Culture (1993); “Lo que me interesa es precisamente entender qué es lo que ha impedido que investigadores inteligentes y sensibles hayan llegado a una adecuada comprensión de su materia de estudio, por qué gran parte de lo que se ha escrito y se sigue escribiendo sobre el color no nos convence.” David DeCe examina una forma de entender el color, tan antigua como la propia historia del hombre a través de las aportaciones, que van, de Goethe a John Cage. Y otra plenamente vinculada a la modernidad de Newton, A.H. Church, Rudolf Arnheim, Philip Ball, Michel Pastoreau, Eva Heller y Anne Varichon. Profesor: David DeCe (Barcelona, 1979) TEMA 16. CONSERVACIÓN Y RESTAURACIÓN (Abril, 30) Causas de alteración. Criterios de conservación y restauración. Examen, informes y documentación. Los conocimientos en torno a la restauración de pinturas se encuentra en los griegos y romanos, preocupados de la supervivencia y conservación de las obras de arte. En los recetarios medievales de Vitrubio, Plinio y Cennini se insinuan la reparación y las medidas más adecuadas para la conservación de las pinturas. Desde el punto de vista del profesional actual, el concepto de restauración como reparación para devolver a una pintura la pretendida imagen “original”, no sólo es anticuado sino erróneo. Conocer la evolución histórica que han tenido la conservación y la restauración nos puede



ayudar a comprender el significado actual de los mismos. Abordaremos uno de los temas más importantes y controvertidos del mundo del arte. Colabora: Rocío Dávila (Madrid, 1950) y Pilar Aguilar Solves (Valencia, 1985) TEMA 17. EL ARTE COMO REFLEJO DEL COSMOS (Mayo, 7) Representaciones primitivas del cosmos. Representación de las cosmogonías en el arte. Macrocosmos y microcosmos. Representaciones mandálicas del cosmos y la psique. El artista como chamán. Ya desde sus orígenes, el ser humano ha intentado plasmar en sus primitivas manifestaciones artísticas una visión del cosmos. Desde las primeras ruedas solares, pasando por los elaborados mandalas tibetanos o las pinturas de arena de los indios norteamericanos, y a través de las formas circulares, cruciformes y cuadradas, el hombre ha expresado la totalidad reflejando la dualidad espíritu-materia, cielo-infierno, etc., tanto referidas al universo como a su propia psique, si nos atenemos al viejo principio hermético: "como es arriba es abajo". En este seminario exploraremos ( David DeCe con la participación del pintor Miguel Angel Moya), no sólo cómo estas formas surgen del interior del ser humano sino también cómo actúan sobre su inconsciente, fenómeno atestiguado por C.G.Jung y conocido sobradamente por diversas culturas en todo el mundo. También relacionaremos estas ideas con la geometría sagrada y rastrearemos las huellas de estas representaciones y su carácter esotérico a través del arte occidental para acabar planteándonos su validez dentro del arte contemporáneo. Invitado: Miguel Ángel Moya (Valencia, 1970) Colabora: Dino Valls (Zaragoza, 1959) TEMA 18. ARTE Y CIENCIA (Mayo, 14) Perspectiva. Geometría. Cámara oscura. Vermeer conocía a Antoni van Leewenhoek, que era el que pulía las lentes. Todo el mundo las usaba como las usaba, y sin embargo, no tenían esa misma perfección. Había unos pintores que destacaban de los demás. Con esta declaración de principios, David DeCe examina el estudio de Panofsky, Rudolf Arnheim, Kenneth Clark, Martin Kemp, Philip Steadman y Hockney. David DeCe no sólo enriquece la comprensión, sino aborda la teoria y la práctica artística en su relación con la óptica, la geometría de la visión, la persèctiva como forma simbólica, la física y química del color y el pensamiento científico. Examina la misteriosa fórmula que rige el arte, la naturaleza y la ciencia. Profesor: David DeCe (Barcelona, 1979) TEMA 19. EL ARTE EN OTRAS CULTURAS (Mayo, 21) África, Asia, América y Oceanía. Manifiesto. Cine / Video arte. Contracultura. En todos los períodos y lugares, la humanidad ha conocido estados de conciencia alterada extática o frenética, además de las alucinaciones. De hecho, la capacidad de pasar, voluntariamente o no, de un estado de conciencia a otro, es otra característica universal que forma parte del sistema nervioso humano. Todas las culturas, y entre ellas el Paleolítico superior, se han enfrentado, de una manera o de otra, a esta tradición que contempla diferentes estados de conciencia. Cuando los viajeros procedentes de Europa occidental comenzaron a explorar las partes del mundo más lejanas se encontraron con unas creencias y unas prácticas religiosas que les parecieron extrañas y, en algunas



ocasiones, hasta terroríficas. Como estos exploradores habían nacido en un ambiente social e intelectual en gran parte determinado por dogmas religiosos estrictos, su confianza en la verdad de sus propias creencias religiosas los condujo a considerar las de los otros degeneradas, malvadas e incluso, en el propio sentido del término, satánicas. Sobre esto y más hablaremos en una mesa redonda con dos grandes especialistas; el galerista y comisario David Mur y el pintor Sixe Paredes, seudónimo de Sergio Hidalgo. Invitados: David Mur (Barcelona, 1963) y Sixe Paredes, pseudónimo de Sergio Hidalgo (Badalona, 1975) TEMA 20. EL EXPERTO Y EL PROFANO (Mayo, 28) Museo. Experto. Crítico. Público. ¿Por qué eso es arte?, ¿porqué ese arte es bueno? La propia pregunta implica que nosotros no tenemos conciencia de hallarnos frente a una obra de arte. Suele suceder frente a las extrañas e inquietantes obras que hay en los museos de arte contemporáneo. Obviamente, sus criterios son muy distintos de los nuestros. Nos resulta imposible comprenderles, y querríamos que nos proporcionaran unas cuantas reglas sencillas y evidentes para regirnos. Así aprenderíamos a apreciar verdaderamente "por qué" es arte. ¿Realmente existe quien no sabe nada de arte? Debemos pensar que no, puesto que no podemos evitar saber algo. Hasta hace no mucho tiempo teníamos la sensación de que el público en general apenas tenía voz ni voto en materia de arte, y por ello, se veía imposibilitado para desafiar el juicio de unos pocos expertos. Hoy tanto los unos como los otros son conscientes de esa barrera. Cierto es que existe un arte que podría denominarse perfectamente "de bastante mala calidad", de tercera y cuarta mano, desgastado por constantes repeticiones. No obstante, no deja de representar cierta clase de arte y termina por moldear las ideas de muchos, es decir, aquello de “Yo se lo que me gusta”. David DeCe traza una ruta a través de las Galerías de la Academia y los Museos del mundo. El museo es uno de los centros más signifactivos a la hora de estudiar el arte. En él se conservan y pueden admirarse las obras más significativas. Por ese motivo, hablaremos con el arquitecto José Manuel Infiesta (director del MEAM). Invitados: David Mur (Barcelona, 1963), José Manuel Infiesta (director del MEAM) Colaboran: Eloy Morales (Madrid, 1973), Ismael Fuentes López (Valencia, 1981), Kike Meana (Madrid, 1965), Jaime Valero (Madrid, 1967) y Alejandro Marco (Valencia, 1986) TEMA 21. EL QUATTROCENTO EN ITALIA (Junio, 4) Giotto. Masaccio. Fray Angelíco. Piero Della Francesca. Bellini. Leonardo. Antonello da Messina. Giorgione. Lorenzo Lotto. En ocasiones se piensa que el Renacimiento italiano se inició con el florecer de los estudios clásicos bajo la égida de Salutati y Crisoloras, en la Florencia de principios del siglo XV. Semejante interpretación excluye, sin embargo, las innovaciones de Dante, Petrarca, Boccaccio, Giotto, Sacchetti, Filippo Villani y Giovanni Pisano, descuidando el período que cubre la vida de Dante, desde 1265 hasta 1321, juzgando que fue entonces cuando apareció por vez primera la creatividad toscana. Este seminario se centra en nueve maestros elegidos por el pintor Pedro Moreno-Meyerhoff; Giotto, Masaccio, Fray Angelíco, Piero Della Francesca, Bellini, Leonardo, Antonello da Messina, Giorgione y Lorenzo Lotto. David DeCe nos muestra la visión particular del pintor Pedro Moreno-Meyerhoff, representa el valor del maestro que ya no es el artesano medieval, al servicio de la Iglesia y del Señor, sino un intelectual que alcanza gloria y prestigio, convirtiéndose en un ciudadano ilustre.



Invitado: Pedro Moreno Meyerhoff (Barcelona, 1954) TEMA 22. BARCELONA ACADEMY OF ART (Junio, 11) El sistema académico hoy en día. Academias de arte realista-figurativo. El proyecto de la Barcelona Academy of Art. Platón y otros filósofos enseñaban en el jardín del héroe griego Academos, de donde proviene la palabra “Academia”. El término se aplicaba en un inicio a cualquier grupo artístico o intelectual, y posteriormente, pasó a definir a las escuelas o talleres que se dedicaban a la enseñanza del arte donde el desnudo constituía la materia básica. Las academias tuvieron su origen en la Italia del siglo XV, donde los círculos o tertulias humanistas atrajeron rápidamente el patrocinio de los grandes poderes económicos y políticos, que vieron la posibilidad de difusión de ideas y, al mismo tiempo, de perpetuación de imágenes. A finales del siglo XVI nacen una serie de "academias" con el objetivo de transmitir las técnicas tradicionales a los jóvenes artistas. El academicismo es una corriente surgida y desarrollada principalmente en Francia en el S. XIX, como consecuencia de la institucionalización de la enseñanza artística en academias, en las cuales se dictaban y seguían las normas para dibujar, pintar, esculpir, y modelar correctamente sin apartarse de la regla. Es este el momento en que Francia toma la hegemonía artística europea en detrimento de la hasta ahora indiscutible Italia. El tiempo evoluciona los conceptos, y poco a poco la pintura y del dibujo se vuelven algo más personal y libre, fuera de las normas académicas y estatales, como exigía el sistema de educación reglamentado por las antiguas academias. Pero los conceptos a través de la historia pueden llegar a ser antagónicos y pasar de estrictas normativas a libertades absolutas, creando una dualidad contraria entre un arte sujeto a criterios y normas determinadas y un arte que rechaza cualquier planteamiento coercitivo y restrictivo a favor de la libertad creadora. Esta libertad artística conceptual y técnica, modelo de enseñanza que hasta día de hoy perdura, ha ocasionado la pérdida del oficio y poco a poco del saber hacer en épocas pasadas tan valorado. La Barcelona Academy of Art entiende que el arte académico no es en sí un fin, sino una etapa y un periodo de aprendizaje para los artistas, donde adquieren la base y el control necesarios para, a posteriori, representar una visión de forma figurativa y realista albergando propuestas y corrientes tanto dibujísticas como pictóricas más modernas y contemporáneas. Invitado: Jordi Díaz Alamà



BIOGRAFIA INVITADOS Vicenç Altaió (Santa Perpètua, 1954), una de las entidades culturales más significativas de Cataluña. Poeta, ensayista, traductor de teatro, crítico de arte, articulista de opinión y agitador cultural. Fue comisario de numerosas exposiciones de tema artístico, literario y científico, así como del Año Miró, del Año Pla y del Año Dalí. Ha sido director del centro KRTU y del Arts Santa Mònica. Entre sus publicaciones destaca, aparte de la poesía, la serie Tràfic d’idees (Mall, 1986). Ha sido, asimismo, impulsor de varios proyectos multidisciplinares, entre los que destacan múltiples revistas y aparición en el cine. Pedro Moreno Meyerhoff (Barcelona, 1954), uno de los mayores exponentes de la figuración española contemporánea y muy valorado por los coleccionistas, estudió Derecho en Pamplona y en su ciudad. Tras doctorarse fue durante años (se ha retirado hace un año) profesor titular de Derecho Procesal, una curiosa actividad para un artista, aunque él destaca la exactitud que le ha aportado a su pintura. Desde 1979 ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas. En su trayectoria fue decisivo el encuentro con el galerista parisino Claude Bernard, en cuya sala expone desde 1990, y cuya crítica internacional realizó el prestigioso crítico e historiador James Lord (biógrafo y amigo de Picasso, Balthus y Giacometti) y el conocido crítico e historiador británico Edward Lucie Smith, coautor, junto a Victoria Combalía, de una monografía suya. Julio Vaquero (Barcelona, 1958 ), uno de los principales representantes de la figuración española contemporánea. Su obra ha estado presente en conocidas exposiciones nacionales e internacionales desde el año 1987. Es invitado, habitualmente, a ser miembro de jurado en concursos de pintura, o dar conferencias como pintor en diferentes centros y universidades. Ha participado en programas de radio y televisión, en el más reciente, el programa La Mitad Invisible de TVE, intervino como experto en la obra de Antonio López García y Antoni Tapies. En la actualidad comparte su trabajo como pintor con la dirección artística de la Fundación Sorigué, con la que colabora desde hace más de diez años reuniendo una colección de arte contemporáneo de más de 400 obras. Ha recibido la crítica de grandes periodistas y críticos, destacando al mencionado historiador británico Edward Lucie Smith. Fco. Valderrama (Málaga, 1959), director artístico de Proyecto Fresco y Centro de Formación Museo de la Cal de Morón. Actualmente y a nivel internacional es el maestro fresquista más completo. Ha dirigido numerosas jornadas de Antigüedad, Románico, Gótico, Renacimiento, Barroco y Contemporáneo sobre las técnicas de fresco, realizadas en museos como el MNAC o el Museo Diocesano de Jaca. La cal de Morón con su centro de formación en 2011 ha sido considerado Patrimonio inmaterial cultural de la humanidad por la Unesco. Raimon Arola (Tarragona, 1956), uno de los doctores europeos más prestigiosos especialistas en simbología sagrada, Arte y tradición hermética. Doctor en Historia del Arte y profesor de la Universidad de Barcelona, asignatura dedicada al estudio del símbolo durante más de 20 años. Ha impartido numerosos seminarios en diferentes universidades, dedicado a las fuentes tradicionales e investigador de varios proyectos y grupos de investigación. Forma parte de la dirección de Arola Editors y dirige la web: " Arsgravis". Participa en el grupo de investigación consolidado " Aula Música Poética ". Todas sus numerosas publicaciones cuentan con el reconocimiento internacional, ya que es autor de ensayos tan fundamentales como los publicados en la editorial Olañeta y Siruela. Lluïsa Vert, editora y colaboradora en la web Arsgravis. Ha publicado “L’anell misterios” (Tarragona, 2011). “Trece fábulas alquímicas” (Palma de Mallorca, 2008) y junto con Raimon Arola ha escrito un



libro de cuentos titulado “Pequeñas alegrías” (Palma de Mallorca, 2006). Ha colaborado durante veinte años en la revista “La Puerta. Retorno a las fuentes tradicionales”. Luis García Mozos (Puertollano, Ciudad Real, 1946), introductor del realismo en la historieta a nivel mundial. Editor, ilustrador y pintor, junto con otros autores de su misma generación, participó en la renovación del cómic español. Luis García se el introductor del realismo en la historieta a nivel mundial. En 1973 conoce a la modelo Silke Hummel en una fiesta que daba Salvador Dalí en el Hotel Ritz de Barcelona. Dalí invitó a Luis Garcia y Silke en el hotel que había delante de casa-taller en Portlligat. En el jardín de olivos que rodeaba una piscina con forma de genitales masculinos, Dalí le pedía a Luis que posara para él: « Serás mi San Sebastián ». Luís García vive entonces en una comuna en Cadaqués, y marcha con Silke a París, donde Goscinny lo contrata para realizar una serie para la revista francesa Pilote. Luís recibe el Premio Warren de 1972 a la mejor labor como dibujante, publicada en la revista norteamericana. El 1975 comienza a trabajar con el guionista Felipe Hernández Cava, produciendo autobiográfica cigarras (1975 ). En 1977 participa en un viaje por Europa. En estos años, viajará en México y Nueva York y sólo en Argelia , antes de desarrollar el álbum Argelia (1981 ). Luis García fue editor y director de la revista Rambla. Tras su cierre, se ha dedicado fundamentalmente a la pintura. Nazario Luque Vera (Castilleja del Campo, Sevilla, 1944), con una trayectoria de más de cuarenta años y una larga lista de premios, entre ellos, Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2010. Premio Pablo Ruiz Picasso de la Junta Andalucía a la mejor trayectoria en el ámbito de las Artes Plásticas, 2009. Gran Premi Saló Internacional del Cómic de Barcelona, 2001. Historietista y luego pintor español, considerado el padre del cómic underground de España, y uno de los más destacados del cómic gay, junto a Tom de Finlandia y Ralf König. Artista contracultural por antonomasia y pieza clave de la movida barcelonesa de los setenta y ochenta, retrata los bajos fondos de una Barcelona canalla en Anarcoma, su serie más popular. También se ha destacado por renovar las formas más tópicas de la cultura andaluza. En su juventud estudia filosofía y letras en Sevilla. Destinado como Maestro Nacional de adultos en Morón de la Frontera conoce al guitarrista gitano de flamenco, Diego del Gastor, a su familia de artistas y a una corte de hippies californianos que aprenden a tocar la guitarra con él. En el 72 se instala en Barcelona donde dio sus primeros pasos en el mundo del cómic underground fundando el grupo El Rollo con Javier Mariscal. En 1976, participó con Ceesepe en un libro sobre Lou Reed. El cantante reutilizó la portada del libro (en la carpeta de su álbum Live: Take No Prisoners) sin avisar a Nazario; cuando vio el plagio, el editor de Rock Comix decidió presentar una demanda. Estuvo relacionado con el pintor José Pérez Ocaña, junto al que participó en un documental de Ventura Pons sobre la vida de éste. Tras la muerte de Ocaña, le dedicó su trabajo titulado: "La Gloriosa Asunción de Ocaña al Reino de los Chulos". Desde hace 33 años convive con el escultor Alejandro Molina con el que ha realizado varias exposiciones conjuntas. Alicia Marsans (Barcelona, 1971), pintora y diseñadora que se inicia en 1985 en la pintura de la mano de su padre Luis Marsans (Barcelona, 1930); uno de los mayores artistas españoles vivos. A través de sus estudios de moda, diseña varias colecciones de seda pintada, colabora en el vestuario de varias obras de teatro, e ilustra libros infantiles. En 1995, tras una larga estancia en Florencia, se especializa en diferentes técnicas de pintura mural y en la técnica del Icono. En 1999 colabora con Bernardo Valdés en el diseño de una colección de muebles. Desde el 2001 expone de forma continua en galerías de ciudades como Barcelona, Madrid, Murcia, París y Nápoles. Ramón Gaya le concede beca adjunta al “Premio Velázquez”. Margaritas; Rosas; son obras publicadas en el catálogo de las nuevas adquisiciones del Museo Reina Sofía de Madrid. En 2011, realiza el retrato de Ana María Matute (ganadora del Premio Cervantes) para la Biblioteca Nacional de España, por encargo del Ministerio de Cultura.



Xavi Carreras (Menorca, 1970), uno de los primeros estudios de retoque digital freelance de España. Actualmente compagina su labor docente impartiendo clases en el Master de Imagen Digital de la Universitat Autònoma de Barcelona, por un lado, con los seminarios en el Master de la Escuela de Fotografía EFTI en Madrid. También da conferencias para Adobe, Apple y Hewlett Packard en España, Inglaterra y Alemania. Inicia su carrera profesional como ayudante de fotografía en los sectores de la arquitectura y la moda, donde realiza diversos encargos alternando la fotografía de interiorismo, producto, sociedad y arqueología. Paralelamente, abre otra puerta con la fotografía de viaje, publicando en revistas de ámbito nacional como Descobrir Catalunya, Ronda Iberia, Viajar o Península e internacional tales Gente Viaggi, Geo, Traveller o Meditérranée. Finalmente en el año 2000 decide establecerse por su cuenta y crear en 2005, junto a Dani, Haut Touch. Ha recibido premios como Coautor del Premio Lux de Plata en Retoque Digital 1998 (AFP) y Coautor del Premio Lux Oro de Arquitectura 2002 (AFP).Haut Touch es un estudio de retoque digital fundado en 2005 por Xavi Carreras y Dani Caño, fotógrafos en su origen y ambos con amplia experiencia como retocadores para medios de comunicación como El País Semanal, Magazine La Vanguardia, Men’s Health (…) Y para las más famosas marcas y firmas como como Angel Schlesser, Armand Basi, Bershka, Bimbo, BMW, Burberry, Chanel, Coca Cola, Codorniu, Cola Cao, Converse, Damm, Danone, Donut, El Corte Inglés, Evax, FCB, Fiat, FNAC, Freixenet, Fujifilm, Gallina Blanca, Gas Natural, General Optica, Heineken, IKEA ,Kawasaki, La Caixa, La Lechera, Levi’s, Lidl, Lotus, Margaret Astor, Massimo Dutti, Mercedes Benz, Nenuco, Nestlé, Nissan, Nocilla, Puig, Renault, San Miguel, Seat, Skoda, Tous, TV3, Womens Secret. Dani Caño (Barcelona, 1970), director de fotografía en anuncios de publicidad y, simultáneamente, director en el campo de la fotografía fílmica, participando en largometrajes de ficción como "Huevos de Oro" y "La Teta y la Luna" de Bigas Luna, y "Gracias por la Propina" de Francesc Bellmunt, entre otros. A principios de los 90' inicia su carrera profesional como asistente de producción en spots publicitarios para productoras nacionales y extranjeras como Setama, Bcn Acción Alternativa, O'partner, Pac Ltd., 1/33 Productions, Wanda Productions, Franco American Films o Sylvie Haymann Films. En la actualidad y desde hace más de ocho años, dando un giro profesional voluntario, se dedica al retoque digital de imágenes publicitarias. En 2007, conjuntamente con Xavier Carreras, funda "Haut Touch, Retouching Studio". Cabe destacar que, a lo largo de toda su trayectoria profesional, ha combinado su labor profesional con la de docente especializado. La Escuela Superior de Cinematografía y Audiovisuales de Cataluña (ESCAC), La Universitat Oberta de Catalunya (UOC), MK3, La Escuela Técnica Superior de Arquitectura y Televisió de Catalunya (TV3) son algunos de los centros o instituciones donde ha impartido clases. Ha recibido premios como Coautor del Premio "Lux Bronce de Paisaje y Naturaleza" otorgado por la Asociación de Fotógrafos Profesionales de España (AFP), 2006. Haut Touch es un estudio de retoque digital fundado en 2005 por Xavi Carreras y Dani Caño, fotógrafos en su origen y ambos con amplia experiencia como retocadores para medios de comunicación como El País Semanal, Magazine La Vanguardia, Men’s Health (…) Y para las más famosas marcas y firmas como como Angel Schlesser, Armand Basi, Bershka, Bimbo, BMW, Burberry, Chanel, Coca Cola, Codorniu, Cola Cao, Converse, Damm, Danone, Donut, El Corte Inglés, Evax, FCB, Fiat, FNAC, Freixenet, Fujifilm, Gallina Blanca, Gas Natural, General Optica, Heineken, IKEA ,Kawasaki, La Caixa, La Lechera, Levi’s, Lidl, Lottusse, Margaret Astor, Massimo Dutti, Mercedes Benz, Nenuco, Nestlé, Nissan, Nocilla, Puig, Renault, San Miguel, Seat, Skoda, Tous, TV3, Womens Secret. David Mur (Barcelona, 1963), una autoridad en la materia de humanidades, agricultura, y la historia general del arte, muy documentado sobre el asunto complejo de establecer una relación entre la forma y la función en el pensamiento antiguo. Pintor, galerista, marchante y comisario de arte, proviene de una familia pionera de la agricultura biológica. Trabaja entre Barcelona y Paris en busca



de arte antiguo, para su Sala Libertad. Recientemente, ha aparecido en portada, en el Culturals nº585 de la Vanguardia, la exposición de Luis Marsans (Barcelona, 1930) en la Fundació Vila Casas, comisariada por David Mur recoge bocetos, dibujos y pinturas que conforman la obra del pintor. Sixe Paredes, pseudónimo de Sergio Hidalgo (Badalona, 1975), fue elegido para pintar un mural de 35 metros en la fachada de la Tate Modern de Londres, que está entre las galerías de arte moderno más importantes del mundo y que organizó, del 23 de mayo al 25 de agosto del 2008, una de la muestras 'Street Art' más reseñadas. No le abrumaba tener que pintar 35 metros de mural porque el año anterior ya había pintado uno de 500 metros cuadrados en el XIII Festival Río Loco de Toulousse. Su obra está representada en importantes colecciones de todo el mundo y expone de forma regular en galerías, instirtuciones y bineales, junto artistas como Joan Miro o Tàpies. Kati Krauser escribió sobre su pintura en el Wall Stret Journal, también fue entrevistado en el numero de mayo 2012 en la Rolling Stone bajo el título “El grafitero español que reina en el mundo del arte”. Editorial CATEDRA (Letras Hispánicas) utilizó una obra suya para la cubierta “El pez de oro” (2011), de Gamaliel Churata. Comenzó a pintar murales a finales de 1980. A mediados de los años 90, desarrolló su talento multidisciplinar en el campo de la escultura y la pintura de estudio. Pertenece al colectivo El Equipo Plástico. En los últimos años ha sido influenciado por las culturas andinas y mesoamericanas, llenas de color, sabiduría y misticismo. Una interconexión transoceánica, de camino a un nuevo mundo de abstracción psicodélica multicolor. Sintetizando su propio lenguaje pictórico y transmutando las formas originales hacia elementos simbólicos más abstractos, reinventando así una nueva idea de reconexión ancestral. En las últimas semanas ha realizado un mural en Moscú, luchando contra las inclemencias del tiempo, sintiendo una gran acogida por la gente. Miguel Ángel Moya (Valencia, 1970), pintor español interesado en la dimensión esotérica y simbólica del arte, así como en la psicología jungiana, ha dedicado una parte importante de su obra al tema de la alquimia. Cursa dos años de Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia. Profesor titulado de violín. Como pintor realiza su primera exposición individual en 1992. Durante varios años compagina su actividad como pintor y músico, hasta que a partir del año 2004 abandona su faceta de violinista para centrarse completamente en la pintura. Su obra ha sido expuesta en España, Estados Unidos y Reino Unido. Jorge Egea (Zaragoza, 1975) es escultor e investigador de la escultura. Director del Institut Català per a la Recerca en Escultura y miembro del grup de Recerca Gracmon (UB) se doctoró en Bellas Artes (2005), con la tesis “Modelado, Creación i Conocimiento. Spiritus Classicus”. Desde la dedicación primordial al modelado de la figura y la tradición clásica, también investiga en los principios fotográficos como la formalización en los límites de confluencia entre luz y materia. Preocupado por el conocimiento de la escultura y las relaciones entre la escultura clásica y la contemporaneidad, ha escrito cerca de 80 artículos entre revistas científicas y de divulgación. Colaborado en una treintena de libros, y realizado múltiples conferencias en diversos países europeos. Ha expuesto su obra por Europa, Estados Unidos y Japón. Jordi Díaz Alamà (Granollers, 1986) estudió Bellas Artes en la Universidad de Barcelona, donde actualmente imparte clases. Posee una sólida formación artística, perfectamente planeada con el fin de mejorar sus virtudes naturales -especialmente hacia el dibujo y la pintura- y enriquecer sus técnicas. Realizó una estancia con el pintor Guillermo Muñoz Vera en Madrid, en merced de una beca de la Fundación Arauco y con el pintor noruego Odd Nerdrum. Se formó también con pintores como Antonio López, Steven Essel o Daniel Graves. Estudió dibujo y pintura en la prestigiosa The Florence Academy of Art (Florencia, Italia), rindiendo culto a las técnicas propias de los grandes maestros del siglo XIX. Ganador del Concurso Figurativas ’11 organizado por la Fundación para las Artes y los

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Artistas en colaboración con el MEAM con el objetivo de alentar y promover las artes figurativas y sus artistas. Ganador del LI Premio Internacional de Dibujo Ynglada-Guillot organizado por la Reial Acadèmia Catalana de Belles Arts de Sant Jordi. De entre varias obras seleccionadas para concursos, destaca la selección y mención en el concurso de pintura y retrato internacional organizado por la BP Portrait Award 2010 de la National Gallery de Londres. Actualmente es director y fundador de la Barcelona Academy of Art, una escuela y academia de arte con voluntad de recuperar los viejos valores artísticos a través de un programa docente heredado de las antiguas academias del s. XIX. La obra de Díaz Alamà ha sido expuesta en el Museu Nacional de Catalunya (MNAC) (2013), la Fundación Vila Casas (2013), y el Congreso Ibero-Americano en Roma (2013) como exposiciones destacadas hasta ahora. La obra del artista ya se expone en galerías internacionales de Francia, Inglaterra y los Estados Unidos. También en España, en Barcelona, Madrid y Gerona. José Manuel Infiesta (Barcelona, 1949). Nacido en Barcelona en 1949, es presidente de la Fundación de las Artes y los Artistas y director del Museo Europeo de Arte Moderno. Arquitecto de profesión -además de escritor, editor y coleccionista de arte, su obra es unánimemente elogiada, tanto en lo estético como en lo técnico. Con esta iniciativa, ha hecho algo realmente valioso: contrarrestar desde el esfuerzo privado las grandes carencias del mundo oficial del arte en España. Su atracción especial hacia las grandes obras clásicas, pero con un gusto y admiración por el arte figurativo más contemporáneo, le ha impulsado a crear en 2005, la Fundación de las Artes y los Artistas. En 2011, inaugura el MEAM (Museu Europeu d’Art Modern) en Barcelona (www.meam.es) que abre sus puertas con la Colección “Arte Contemporáneo Figurativo del S. XXI”, una originalísima colección de pintura y escultura figurativas de artistas contemporáneos. BIOGRAFIA COLABORADORES Rocío Dávila (Madrid, 1950) es la pequeña de las dos hermanas Dávila. Las hermanas Dávila –Rocío y Maite– son una institución en el Museo del Prado. Por sus manos han pasado Velázquez, Goya, Bosch, Tiziano y un sinfín de obras maestras de la pintura del siglo de oro español, flamenca e italiana. Algunas de las obras de arte más importantes, entre ellas "Las Meninas" o "Las hilanderas", de Velázquez, y "El jardín de las delicias", de El Bosco. Su carrera en el Museo del Prado comienza en su juventud, sumando más de cuarenta años restaurando, algunos de ellos como jefa de taller. Manuel Huertas Torrejón (Guadalupe, Cáceres, 1953), catedrático más especializado en Procedimientos y técnicas pictóricas del país. Es autor de Materiales, procedimientos y técnicas pictóricas I y II, publicado por la editorial Akal, en su colección Bellas Artes, elegido bajo el criterio común de su elevado nivel de calidad. Doctor en Bellas Artes y catedrático de Procedimientos y técnicas pictóricas en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Desarrolla desde 1983 diversas tareas docentes y de investigación dentro del campo de los materiales y de los procedimientos y técnicas pictóricas en el Departamento de Pintura de la misma facultad. Posee una dilatada trayectoria artística como pintor con numerosas exposiciones individuales realizadas en España y en otros países, además de participar en distintas ferias internacionales de arte. Xavier Serra de Rivera (Sant Joan Despí, Barcelona, 1946), uno de los artistas más personales de la figuración catalana. Pinta, como Chardin y tantos otros grandes, delante del modelo, sirviéndose de los objetos familiares que le rodean, con las flores y las frutas del tiempo, desde esa perspectiva casi aérea que inquieta y apacigua a un tiempo, donde todo brota de una sombra y a ella vuelve. Están luego sus notas y apuntes de paisajes menorquines, deudores de Corot, que surgen del frenesí creador. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi y en el Conservatorio de las Artes del

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Libro. En la primera exposición individual en 1969 presentó grabados, actividad que centró los primeros años de su trayectoria. Posteriormente ha cultivado la pintura, en la que el dibujo tiene un protagonismo destacado. Emplea un lenguaje realista centrado en la figura, a veces con ciertas connotaciones simbólicas o mágicas. Forma parte del grupo "Tarot". Dino Valls (Zaragoza, 1959), uno de los representantes de la actual figuración de vanguardia, poseyendo su pintura una fuerte influencia de la perspectiva humanística recibida de sus estudios centrados en el ser humano. Tras una constante afición por el dibujo en su infancia, comienza a pintar al óleo de manera autodidacta en 1975. Se licencia en Medicina y Cirugía en 1982 en la Universidad de Zaragoza, dedicándose desde entonces profesionalmente únicamente a la pintura. Estudió la técnica del temple de huevo y fue personalizando los procedimientos de los maestros flamencos e italianos de los siglos XV al XVII en la combinación de temple y óleo. En lo conceptual, su pintura se centra en la psique humana, utilizando las técnicas figurativas sólo como un soporte formal. Ha participado en importantes exhibiciones internacionales de arte, y ha realizado diversas exposiciones individuales en Europa y Estados Unidos. Macarena Outón (Madrid, 1961) pintora y escritora dedicada al arte de la espiritualidad cristiana, a las humanidades, donde el pensamiento se entiende como el pilar de desarrollo de una sociedad que está unida en la Totalidad suprema que es Dios y del que tenemos escasas noticias por la fragmentación social por la cultura en donde nos movemos. Comprometida con tareas sociales, que entiende como deber y un pilar fundamental de desarrollo personal, ya que permite a la persona no sólo expresar la riqueza de afectos y dones, sino también para dar un verdadero sentido a la vida. Desde su infancia muestra interés y cualidades artísticas diseñando la escenografía de obras teatrales en la escuela, de donde surge el interés tanto por la literatura como por el arte. Su primer trabajo se inicia como diseñadora de joyas, compaginándolo con estudios de pintura, modelado, esmaltes y gemología. Ingresa en la Universidad Complutense de Madrid donde se licencia en Bellas Artes, compaginándolo con el trabajo y otros cursos de creación literaria. Realiza un viaje a India y Marruecos que marca un nuevo rumbo a sus actividades; la espiritualidad expresada por el hombre, en el arte y la cultura. Cambia de trabajo al centrar su interés por la enseñanza y el aprendizaje del arte, desde la espiritualidad cristiana. En la actualidad prepara la terminación de una tesis doctoral en Bellas Artes. Iñigo Navarro Dávila (Madrid, 1977), pronto empezó a exponer sus cuadros y dibujos en galerías nacionales e internacionales, entre las que cabe destacar The Art League Gallery at The Torpydo Factory (Alejandría, Estados Unidos), 1ª Salón Internacional de Arte “Al Paso” en Bogotá (Colombia), la Casa do Brazil (Madrid), Galería Arnau (Barcelona), Palacio de Saldaña y la Facultad de Bellas Artes en Madrid. Estudió bellas artes en la facultad de Madrid, donde se especializó en pintura y se perfeccionó con el maestro Antonio López. Interesado por otras facetas del arte, como interpretación, dirección y fotografía, ha interpretado y dirigido cortos que han quedado finalistas en varios festivales nacionales e internacionales y en el 2004 ha obtenido el premio de fotografía “ Purificación García”, cuya exposición ha recorrido diferentes salas españolas y portuguesas. En el 2014 expondrá en el “MOCA”, museo de arte contemporáneo de Shangai y en el 2015 en el “Torrance Museum” de California. Pilar Aguilar Solves (Valencia, 1985) posee una amplia experiencia profesional en el campo de la gestión cultural y la conservación-restauración. Licenciada en Bellas Artes y Máster ambos especializados en Conservación-Restauración de pintura de caballete y retablos en la Universidad Politécnica de Valencia. Ha trabajado como freelance y para diferentes instituciones como la Fundación Bancaja, Obra Social Caja Madrid, Observatorio Astronómico Nacional, Universidad



Complutense de Madrid (UCM) y Ayuntamiento de Valencia. Es autora del "Proyecto Urdimbre. Tejido de intervenciones patrimoniales" subvencionado por la Secretaría de Estado de Cultura (Ministerio de Educación, Cultura y Deporte) para la Asociación Profesional de Conservadores-Restauradores de España. Actualmente concluye la Tesis Doctoral en la UCM realizando una fuerte labor investigadora centrada en el estudio de técnicas pictóricas y su relación con la física. Ismael Fuentes López (Valencia, 1981), licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia galardonado con prestigiosas becas como las de paisaje de la Alberca (Salamanca) y la de los Pintores Pensionados en el Palacio de Quintanar (Segovia). Su obra se encuentra en instituciones como la Universidad Politécnica de Valencia, el Alcázar de Segovia, la Universidad Miguel Hernández, el Museo Europeo de Arte Moderno de Barcelona y numerosas colecciones privadas. Ha expuesto en el Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid), el Museo Casa de la Moneda (Madrid), la National Portrait Gallery (Londres) y en galerías como Santiago Echeverría y Nolde, entre otras. Ha trabajado ilustrando proyectos para Pictures That Move y Lolafilms. Su obra se enmarca en el realismo contemporáneo estudiando con mayor profundidad la figura humana y abordando la compleja temática del retrato. Actualmente se encuentra desarrollando un nuevo proyecto profesional en el que combinará la pintura y 3D. Eloy Morales (Madrid, 1973), es un importante representante del realismo español contemporáneo. Artista, contemporáneo y conscientemente pintor. En 1989 aparece reseñada su obra en El País "A sus 15 años es todo un niño prodigio con los pinceles y los lápices." Quien haya tenido la oportunidad de apreciar las primeras y precoces obras de Eloy Morales, fundamentalmente técnicas mixtas que inicialmente se centraban en el mundo taurino y que posteriormente evolucionaron temáticamente, habrá observado que desde sus inicios tuvo gran facilidad para introducir un interesante componente atmosférico en sus creaciones. En esta época, y más concretamente en las técnicas mixtas, utilizaba todos los recursos plásticos que se le ocurrían, lápiz, acuarela, pastel, café, chorretones y manchas de líquidos diversos, lijados, puntas de compás, y todo aquello que contribuyera a envolver la imagen principal y a vibrar los planos que formaban la obra. Entre 2001 y 2011, ha visto expuesta su obra en cinco muestras individuales. La última de ellas tuvo lugar en la Casa de Vacas de Madrid, donde mostró una selección de dibujos y pinturas. En 1997, fue publicada la monografía Eloy Morales dibujos y pinturas; en 1999, recibió el segundo premio Penagos de dibujo, de la Fundación Mapfre; y en 2005, el Museo de Arte Contemporáneo de México D.F. adquirió obra suya, así como la colección Howard Tullman, de Chicago, en 2012. Kike Meana (Madrid 1965), es un importante representante del realismo español contemporáneo, que ha sabido como pocos, fundir en sus temas el profundo conocimiento de los clásicos, sus técnicas y procedimientos, con una visión moderna y, en ocasiones, transgresora de la realidad de su tiempo. Desde el curso que imparte anualmente “La Técnica de Velázquez”, en el que realiza un minucioso análisis de la obra y la técnica del maestro sevillano, hasta sus series “Autómatas”, o las referentes a su paternidad o los últimos temas de desnudo y despiece animal, ha sabido trazar un recorrido coherente y de enorme expresividad de un extremo a otro de la figuración contemporánea.



Jaime Valero (Madrid 1967), es un destacado representante de la figuración española contemporánea, especializado en el retrato y la figura humana. Tras una estancia en los Estados Unidos, que marcarán su carrera artística de manera decisiva, centra su trabajo en los retratos, generalmente de gran formato y en investigar diferentes aproximaciones al mismo a través de diversas técnicas, forzando siempre los límites de cada una de ellas así como sus posibles relaciones y fusiones, en la búsqueda constante de nuevos procesos de trabajo y nuevas formas de creación. Paralelamente, ha creado una propuesta a través de internet (“Entra y Sírvete”/”Come in and Help Yourself”), para desarrollar y compartir toda esta experimentación, de manera altruista y sin ánimo de lucro, con la comunidad artística en su conjunto. Alejandro Marco (Valencia, 1986), a pesar de su breve trayectoria en el circuito artístico cuenta con la intervención en más de 50 exposiciones a día de hoy, varias críticas y reseñas en prensa, revistas y medios de comunicación artística, premios y menciones donde destacan las otorgadas por el premio BMW en su primer año de participación en 2012 y la última obra adquirida por el Museo Europeo de Arte Moderno MEAM, en 2013, el cual cuenta con cuatro de sus obras en la colección permanente. Estudió Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia donde comienza a pintar en su primer año de carrera en 2004. Más adelante, emprende su prematura experiencia en el circuito exponiendo un cuadro en la National Portrait Gallery de Londres por medio del BP Portrait Award desde Milán, durante su tercer año de licenciatura donde residía becado. Al año siguiente inicia su carrera artística en Madrid, con la galería Santiago Echeberría. Dos años después se licenciaría en 2009, con la especialidad de Pintura, acabando sus estudios en 2011 con un Máster en Producción Artística impartido en la UPV de Valencia, donde recibe la máxima calificación con la Tesis Muerte, descanso, engaño. El proceso de evolución y desarrollo artístico se gesta durante toda su carrera, numerosas exposiciones, premios, adquisiciones, diversas menciones y la participación en tres ediciones consecutivas en la Feria de Arte Contemporáneo Art Madrid con la galería Val i 30, le permiten continuar trabajando hasta el día de hoy. Es a finales de año del 2012 cuando comienza a trabajar con la galería Miquel Alzueta de Barcelona, la cual mueve su obra y cruza fronteras, provocando no solo una evolución plástica sino también cobra un espectacular auge su producción de obra. A mitad de año expone una muestra en el Palau de Casavells de Gerona y posteriormente la galería Miquel Alzueta exhibe tres de sus obras en una seductiva reapertura en otoño del mismo año. Actualmente reside y trabaja en su estudio de Valencia donde prepara diversos proyectos para el futuro año próximo 2014. Michele Farneti (Fano, Italia, 1981) artista espiritual dedicado a la escultura reciclada y la pintura en la calle. Trabaja en el negocio familiar de su madre, la librería bíblica de Fano, especializada en artículos religiosos católicos. Su formación artística y espiritual se encuentra en su infancia, muy marcada por Verrocchio y Piero della Francesca, con una familia muy católica -su padre ejerce de diácono (hombre casado que puede realizar muchas de las funciones de los sacerdotes)-. Su interés sobre el estudio del arte antiguo, en el campo artesanal, especialmente en el sagrado, lo llevan a su formación en el monasterio “L'Eremo delle Querce”, orden de San Basilio, de iconos tradicionales bizantinos, situado en Locri, Calabria de iconos tradicional bizantino. Más tarde fue alumno del maestro Gianni Bucchi, maestro vidriero de Fano especializado en la vidriera durante los siglos XVIII, XIV, XV y XVI. También ha estudiado perspectiva y diseño en Florencia. Su interés se centra en el arte antiguo, en el estudio del campo artesanal, especialmente en el sagrado. Actualmente se encuentra en Urbino (Italia), en los estudios del “mosaico” geométrico del siglo III después de Cristo. Sigue dibujando y creando continuamente, contaminado del antiguo dibujo de santos, símbolos alquimistas y religiosos, con la mezcla de culturas, técnicas antiguas y otras modernas: desde el tatuaje hasta los murales y el graffiti.

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