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SelectividadRenacimiento
Renacimiento España
Palacio de Carlos V. Pedro Machuca
Monasterio del Escorial. Juan de Herrera
Palacio de Carlos V en la Alhambra de Granada. Autor Pedro Machuca. Renacimiento español
Exterior consta de dos niveles: el bajo esalmohadillado y se emplean pilastras dórico-toscanas. El superior es de orden jónico y suspilastras de orden jónico. Entre las pilastras deambos cuerpos se articulan dos series de vanos:en el piso bajo rectangulares y circulares. En elcuerpo superior, se distribuyen en los pedestalesy las ventanas están rematadas por frontones yguardapolvos, que alternativamente coronan losvanos. Completando el conjunto una decoraciónde guirnaldas, putti y emblemas imperiales.
La planta está formada por uncuadrado con un patio circularinscrito en su interior. Estadisposición, principal rasgomanierista del palacio, no tieneprecedentes en la arquitectura delRenacimiento, y sitúa laconstrucción en lo que se considerala vanguardia artística delmomento.
El patio circular también muestra dos pisos. El inferior está presidido por una columnatadórica con un entablamento formado por triglifos y metopas con motivos de guirnaldas ybucráneos. El superior lo forma una columnata jónica con entablamento liso. Estaestructura del patio se encuadraría en el más puro Renacimiento de no ser por sudisposición curva, que provoca en el espectador cierto desconcierto cuando se penetrapor sus fachadas principales. Más tarde Miguel Ángel y Palladio construirán edificios consoluciones análogas, bajo la etiqueta de Manierismo.
Pedro Machuca (h. 1490- 1550). Se formó en Italia, donde se relacionó con Miguel Ángel y Rafael. Esta circunstancia hizo de él un caso
excepcional en la España de su tiempo, ya que cultivó en arquitectura un estilo italianizante, de líneas severas y puras, que se encuentra en las antípodas del estilo plateresco por entonces en
boga. Desde 1520 residió en Granada, donde realizó sus obras más importantes, en particular el palacio de Carlos V en la Alhambra y la Puerta de
las Granadas, también en el recinto del palacio nazarí.
Fue más brillante como arquitecto que como pintor,
pero en este campo desplegó una amplia actividad con obras religiosas de estilo manierista. Destacan en su obra pictórica
la Virgen de la leche y el retablo de Nuestra Señora de
la Consolación, en Jaén.
Palacio Real-Monasterio de El Escorial. Juan de Herrera. Segunda mitad del siglo XVI. Renacimiento español. Estilo herreriano.
El Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, Monasterio de San Lorenzo El Real o ElEscorial es un monasterio de la Orden de San Agustín, histórica residencia de la Familia RealEspañola y lugar de sepultura de los reyes de España. Se concibió como un gran complejomultifuncional, monacal y palaciego.La obra la inició Juan Bautista de Toledo cuando muere le sucede Juan de Herrera en ladirección de las obras. Herrera modifica los planos, ampliándolos y cambiando laornamentación del interior de la iglesia y la traza de la fachada, haciendo un edificiosingular que llama la atención por su austeridad. Basa su diseño en la horizontalidad, launiformidad compositiva y una sobria decoración.
Construye la monumental fachada occidental, la gran basílica de planta centralizada y el templete del patio de los Evangelistas. Además cambia las técnicas constructivas y modifica
las cubiertas. Destaca la maestría con que realiza las bóvedas planas de la estructura.
La planta definitiva del edificio, con sólo cuatro torres en las esquinas y el Palacio Realhaciendo de «mango», recuerda la forma de una parrilla, por lo que tradicionalmente se haafirmado que se escogió esta traza en honor a San Lorenzo, martirizado en Roma en una parrilla,ya que el 10 de agosto de 1557, día de la festividad del santo, tuvo lugar la batalla de SanQuintín. De ahí el nombre del conjunto y de la localidad creada a su alrededor. Aunque hoy sepiensa que no fue algo buscado, sino que la forma de “parrilla” surgió del resultado final.El resultado final guarda reminiscencias de los tres dominios de Felipe II: el rectángulo de laplanta con sus cuatro torres en las esquinas, típico de los alcázares castellanos, la arquitecturaclásica italiana en la basílica y las portadas, y los típicos tejados apizarrados flamencos.
templocuadrado basado en la planta del
Vaticano sobrepuesto a
una planta basilical
tradicional con el altar al final de la
nave principal.
Fachada de la basílicaEl orden arquitectónico predominante es
el toscano, el más sencillo del clasicismo, y el dórico en la iglesia.
cúpula trasdosada, la primera realizada sobre un
tambor en España
El edificio destaca por: el orden, la jerarquización y la perfecta relación entre todas las partes de la composición, integrando monarquía, religión, ciencia y cultura en el eje
principal: las estatuas de la Portada, la Biblioteca, los Reyes de Judá, la Basílica y el Palacio privado del rey.
Unidad de estiloCuidada perfección de sus proporciones
Elegancia de la articulación arquitectónica entre las distintas piezasValores simbólicos
Fachada sur
la única decoración es la piedra y la repetición de ventanas en un único lienzo
Patio de los Evangelistas dos órdenes superpuestos a la
manera romana y su espléndido ejercicio de bramantismo del
templete central
Fachada principal
Juan de Herrera (1530-1597) Fue arquitecto, matemático y geómetra.Considerado uno de los máximosexponentes de la arquitecturarenacentista hispana.Su sobrio y severo estilo arquitectónico,llamado herreriano en su honor, fuerepresentativo del reinado de Felipe II einfluyó notablemente en la arquitecturaespañola posterior, principalmente a lolargo del siglo XVII.Como figura del Renacimiento, seinteresó en diferentes ramas del saber, su"Discurso sobre la figura cúbica" revelasus conocimientos de geometría ymatemáticas. Copia las figurasastronómicas del Libro del saber deastronomía. Fue instructor del príncipeCarlos de Austria. También participó enalgunas de las campañas militares deCarlos I (en Alemania, Flandes e Italia).
Al acabar los estudios, de Humanidades yFilosofía, se incorpora al séquito de caballerosde Felipe II, por entonces todavía príncipe, yviaja por Flandes, Alemania e Italia, dondeentra en contacto con las corrientesrenacentistas del momento.Funda la Academia de Matemáticas yDelineación (antecedente de la Real Academiade Ciencias Exactas, Físicas y Naturales) y seconvierte en su primer director.
Fachada sur del Alcázar de Toledo
Palacio Real de Aranjuez
Catedral de Valladolid
Lonja de Sevilla
Miguel Ángel
La Piedad
El Moisés
Piedad de Miguel Ángel (1498-99). Basílica de San Pedro del Vaticano. Mármol. Cinquecento
Obra de bulto redondo, pero el punto devista, preferente, es el frontal.Representa a una Virgen joven, bella ypiadosa cuyas vestiduras se expandencon numerosos pliegues, que sostiene alHijo muerto, con una actitud sosegada yllena de ternura. La juventud de laVirgen es muestra del idealismorenacentista: se trata de representar elideal de belleza y juventud, una Virgeneternamente joven y bella.La obra fue encargada por el cardenal
de Jean Bilhères de Lagraulas o deVilliers, benedictino embajador delmonarca francés ante la Santa Sede. Elprimer emplazamiento fue la tumba delprelado en la Capilla de Santa Petroniladel Vaticano. La Piedad fue trasladada en1749 a su ubicación actual en la Basílicade San Pedro.
Líneas compositivas:•La composición triangular.•Los cuerpo de Jesús estárealizado con líneas quebradasque se contraponen a los plieguescurvilíneos y angulados de losvestidos de la Virgen María.•El brazo derecho de Jesús caeinerte. Éste se contrapone al brazoizquierdo de la Virgen, que estálleno de vida.•Los pliegues de la Virgen conoquedades forman contrastes declaroscuro. Estos se contraponen alas superficies claras y lisas delcuerpo de Jesús.
Orgulloso de su obra la firmó en labanda que cruza el pecho de laVirgen, siendo esta la únicafirmada del artista.
Fue la primera vez que el artista aborda este tema iconográfico, luego repetido a lo largo de su vida con diversos tratamientos,
que ponen de manifiesto su evolución artística y espiritual. La última de esta serie de Piedades
sería la denominada Piedad Rondanini, que dejó inacabada al
caer enfermo y morir, y cuyo patetismo, que anticipa el
barroco, nada tiene que ver con la serenidad clásicamente
renacentista de esta obra de juventud.
Moisés. Miguel Ángel Buonarroti. 1513-1515. Mármol. Iglesia de San Pietro in
Vincoli. Cinquecento.
Originariamente concebida para la tumba del papaJulio II en la Basílica de San Pedro, pero el Moisés yla tumba se colocaron en la iglesia de San Pietro inVincoli.La estatua representa a Moisés con cuernos en sucabeza, que simbolizan rayos de luz. Sentado, conlas Tablas de la Ley debajo del brazo, mientras quecon la otra mano acaricia los rizos de su barba.La figura está llena de terribilità. Destaca el vigorfísico y su poderosa constitución: la protuberanciade los músculos, la hinchazón de las venas, lasgrandes piernas, pesadas al empezar a moverse. Surostro vuelto posee una gran intensidad emocionalcon una expresión de tremenda ira que se reflejaen sus ojos.Miguel Ángel representa la cólera sagrada deMoisés. Está tenso, viendo como su pueblo hacaído en la idolatría. Parece que está a punto deestallar y empezar a gritar, frunce el ceño, su psiquese puede captar a través de su gesto y su mirada.
Miguel Ángel Buonarrotti (1475 - 1564) Sereconoce a Miguel Ángel como la gran figuradel Renacimiento italiano, un hombre cuyaexcepcional personalidad artística dominó elpanorama creativo del siglo XVI y cuya figuraestá en la base de la concepción del artistacomo un ser excepcional.
Durante los cerca de setenta años que duró sucarrera, Miguel Ángel cultivó por igual lapintura, la escultura y la arquitectura, conresultados extraordinarios en cada una deellas.
La vida de Miguel Ángel transcurrió entreFlorencia y Roma, ciudades en las que dejósus obras maestras. Aprendió pintura en eltaller de Ghirlandaio y escultura en el jardínde los Médicis, que habían reunido unaexcepcional colección de estatuas antiguas.Dio sus primeros pasos haciendo copias defrescos de Giotto o de Masaccio que lesirvieron para definir su estilo.
Sus obras están llenas de terribilità, dichotérmino se refiere a aspectos como el vigorfísico, la intensidad emocional y el entusiasmocreativo.Entre sus obras de juventud destaca la Piedadde San Pedro. Al cabo de cinco años regresó aFlorencia, donde recibió diversos encargos,entre ellos el David, el joven desnudo de cuatrometros de altura que representa la bellezaperfecta y sintetiza los valores del humanismorenacentista.
El papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba; Miguel Ángel sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos
Esclavos; dejó a medias varias estatuas de esclavos que se cuentan en la actualidad entre sus realizaciones más
admiradas, ya que permiten apreciar cómo extraía de los bloques de mármol unas figuras que parecían estar ya
contenidas en ellos.
También para él decoró el techo de la Capilla Sixtina, encargo que Miguel Ángel se resistió a
aceptar, puesto que se consideraba ante todo un escultor, pero que se convirtió finalmente en su creación más sublime. Alrededor de las escenas
centrales, que representan episodios del Génesis, se despliega un conjunto de profetas, sibilas y
jóvenes desnudos, en un todo unitario dominado por dos cualidades esenciales: belleza física y
energía dinámica.
En 1534, Miguel Ángel se estableciódefinitivamente en Roma, donde realizóel fresco del Juicio Final en la capillaSixtina y supervisó las obras de labasílica de San Pedro, en la quemodificó sustancialmente los planos ydiseñó la cúpula, que es obra suya. Suotra gran realización arquitectónica fuela finalización del Palacio Farnesio.
De nuevo en Florencia proyectó para San Lorenzo dos obras magistrales: la Biblioteca Laurenciana y la capilla Medicea o Sacristía Nueva. En la escalera de
acceso a la biblioteca es capaz de crear un particular efecto de monumentalidad en el escaso espacio existente. La capilla Medicea alberga dos sepulturas que incluyen la estatua del difunto (Lorenzo y Juliano Médici) y las
figuras del Día, la Noche, la Aurora y el Crepúsculo.
Bramante. Templete San Pietro in Montorio
Palladio. Villa Capra o La Rotonda
Templete de San Pietro in Montorio . Bramante. (1502 – 1510) Patio del convento franciscano homónimo en Roma. Cinquecento
Fue encargado por los Reyes Católicospara conmemorar la Toma de Granadaen 1492, levantándose en el lugardonde según la tradición fuemartirizado San Pedro. Justo debajodel altar mayor está la cripta, dondesupuestamente estaba clavada la cruzde San Pedro.
El conjunto simboliza la condición delApóstol Pedro como Primer Pontíficey fundamento de la Iglesia. La criptasimboliza el martirio del apóstol, elperistilo a la iglesia militante, lacúpula a la Iglesia Triunfante y elcrepidoma, a modo de tres escalones,representa las tres virtudesteologales: fe, esperanza y caridad.
Fue realizado en granito, mármol, con acabados de estuco y revoco.
Es de planta circular e imita a los martyriaorientales.
Dispone de una columnata que
envuelve a la cella, cubierta por una
cúpula semiesférica. Esta columnata
conforma un peristilo. También hay una clara referencia a la cultura
griega en la forma circular, como un
tholos griego.
Se erige sobre una escalinata seguida de un corto podio sobre
el que se eleva la columnata de orden dórico, rematado por un entablamento de metopas y triglifos, coronado por una
balaustrada.
La decoración se dispone
rítmicamente en dos
cuerpos, ambos están decorados
con nichos de remate
semicircular, de concha de
venera, que alternan con
vanos adintelados, sepa
rados por pilastras, cada
una de las cuales se corresponde con una de las columnas del
peristilo. nichos
vanospilastras
Se considera esta obra el manifiesto de laarquitectura clasicista renacentista, por supureza de líneas y austeridad decorativa.
Donato d'Angelo Bramante (1444-1514) Fue elmayor arquitecto del Renacimiento italiano, acaballo entre los siglos XV y XVI, heredero deBrunelleschi y Alberti e inspirador de muchas delas grandes figuras de la arquitectura posterior(Sansovino, Antonio de Sangallo el Joven…)
Aprendió de Brunelleschi y Alberti el arte de lacreación de espacios armoniosos yproporcionados, y añadió al estilo de aquéllos uninterés nuevo por la perspectiva que le llevó acrear singulares efectos de profundidad y espacioen sus obras. Un ejemplo emblemático de ello esel templete de San Pietro in Montorio, en Roma,una pequeña construcción circular en el centro deun patio rectangular, proyectada para ser el centrode un recinto porticado que debía acentuar susefectos escenográficos.
Se formó probablemente en Urbino. EnBérgamo trabajó en la decoración al frescodel palacio del Podestà. En Milán desplegóuna gran actividad como pintor y arquitectoque puede sintetizarse en el impactanteCristo a la columna y, sobre todo en laconstrucción de Santa Maria presso SanSatiro, donde dotó al coro, de pocoscentímetros, de una gran sensación deprofundidad.
En Roma trabajó principalmente al servicio delpapa Julio II, donde proyectó el patio delBelvedere y la nueva basílica de San Pedro.Ninguna de las dos obras se llevó a cabo tal comoBramante había previsto, pero la genialidad de lassoluciones por él propuestas imprimió una nuevaorientación, más monumental y escenográfica, ala arquitectura del Renacimiento. Intervinotambién en la sistematización de algunos barriosde Roma, ofreciendo con su palacio Caprini unnuevo prototipo de residencia urbana.
Villa Capra o villa rotonda. Autor Andrea Palladio. Renacimiento italiano. Cinquecento. Vicenza.
La casa se erige en la cima de una colina sobre un basamento, al que se sube por cuatro
monumentales escaleras orientadas a cada uno de los puntos cardinales.
planta cuadrada, que tiene los dormitorios en los
ángulos y en el centro una gran sala circular cubierta
con una gran cúpula.
Las cuatro escalinatas cuentan con sus correspondientes columnatas jónicas hexástilas, que sostienen sendos frontones triangulares, decorados con esculturas
que representan divinidades griegas clásicas.
La altura y la longituddel edificio están perfectamente
delimitadas por un sistema de proporción que deriva de Alberti y, en última instancia de
Vitrubio.
La combinación de cuadrado (la planta) y
círculo (cúpula) es característica del
Renacimiento, aunque como resultado final se
obtiene, gracias a los pórticos, la forma de
cruz griega.
Andrea Palladio (1508-1580)
La preocupación dePalladio fue adaptar las
formas de la Antigüedad a las necesidades modernas,
para ello realizó un gran repertorio de obras civiles,
en Vicenza, cuya imagen urbana renovaría.
Realizara un tratado sobre arquitectura titulado “los Cuatro Libros de Arquitectura”, dedicados respectivamente a los órdenes, los edificios domésticos, los edificios públicos y los templos, que tendrán una gran repercusión en Europa, convirtiéndose en la modelo de los arquitectos
neoclásicos.
Basílica o Palacio de la Razón
Consiste en inscribir un arco de medio punto y dos dinteles laterales apeados sobre columnas de orden normal, en un marco
arquitrabado con columnas de orden gigante.
Realiza una fachada de dos plantas, en la
que se superponen el
orden dórico y el jónico, a partir de la repetición seriada de un
módulo, que ha pasado a la
historia del arte con el título de “tramo rítmico
palladiano”.
Sus realizaciones más características son las villas campestres que construyó en Vicenza, Verona y Venecia. Realizó treinta y su diseño responde a dos necesidades:
ser lugares de ocio o centros productivos
Villa Bárbaro es el testimonio del centro de explotación agrícola. Palladio diseña un cuerpo central de viviendas y dos alas para
incluir almacenes establos, bodegas y graneros.
Villa Badoer
Villa Emo
Teatro Olímpico. Inspirándose en los modelos romanos, construyó una estructura semielíptica cerrada por un escenario con decoración en perspectiva, que ofrece permanentemente las calles de Tebas, tal como se concibió para representar la
tragedia inaugural de Edipo Rey. Sus obras religiosas se concentran en Venecia, desarrollando plantas de cruz latina y fachadas articuladas por dos frontones: San Francesco de la Vigna, el Redentore y el
monasterio de San Giorgio Maggiore.
Escuela de Atenas. Rafael Sanzio
Escuela de Atenas. Rafael Sanzio. (1510 y 1511) Fresco en las estancias de Rafael (Vaticano). Cinquecento.
Representa la Filosofía, a través de una escena en la que se narra una sesión entre los filósofos, científicos y matemáticos más importantes de la época clásica.
Los filósofos se encuentran en una arquitectura clásica, abovedada como unas termas, que recuerda el proyecto de la basílica de San Pedro elaborado por Bramante
En el centro de la composición están: Platón (14), anciano de barba blanca, llevando el “Timeo”, con una de sus manos señalando al cielo, al mundo de las Ideas, como pura
expresión del idealismo filosófico, que va acompañado de Aristóteles (15), más joven, de figura arrogante, cubierto con manto azul, que lleva un tomo de su obra “Ética”, cuya mano
mira hacia el suelo, marcando lo palpable, lo visible. A la izquierda hay otro grupo de filósofos reunidos con Sócrates (12), que marca silogismos con los dedos ante un grupo de jóvenes, entre los que se distingue uno que lleva casco y va armado, lo que se ha interpretado como una representación de Alejandro Magno (7). Más abajo, otro anciano, tal vez Pitágoras (6)escribe números sobre un grueso libro. Justo delante Heráclito (13) aparece reflexionando
sentado mientras escribeTambién se encuentra Hipatia de Alejandría (9). A la derecha, Arquímedes o Euclides (18), explica marcando con un compás la figura. Un
grupo más arriba aparece el autorretrato de Rafael (R)) y a su lado Perugino.
Rafael tomó como modelo a destacados artistas de la época: Platón, se representa con la imagen de Leonardo, Euclides, con la de Bramante y Heráclito con la de Miguel Ángel. La composición está dispuesta de manera ordenada y simétrica. El arco que sirve de marco a la escena contribuye a aumentar la sensación de profundidad en una perspectiva perfectamente lograda, que supone la consagración de Rafael como pintor clasicista del Renacimiento. Conoce y se deja influenciar por la pintura miguelangelesca de la Sixtina, lo que vemos en los escorzos y el tratamiento escultórico de las figuras. Éstas se vuelven preguntando, indagando, buscando, puesto que se trata de la incesante búsqueda de la verdad y del progreso que ha de guiar a los filósofos y sabios.
Rafael de Sanzio fue uno de losgrandes artistas del Renacimiento delsiglo XVI. El artista que más va a influiren su estilo fue Perugino. Trabajódurante cuatro años en Florencia,estudiando las obras de Leonardo yMiguel Ángel. Por recomendación deBramante pasó a trabajar en Roma,donde reside hasta su muerte. Allírecibe el encargo de la decoración delas estancias que el Papa Julio IIpreparaba como parte de sushabitaciones, estancias que hoy sedenominan “de Rafael”. Uno de losmurales pintados en la Cámara de laSignatura del Palacio Vaticano, es “LaEscuela de Atenas”, situada enfrentede otra obra suya, “La Disputa delSantísimo Sacramento”, resumiendoasí su idea de reunir la filosofíanatural, la ateniense, con la teologíarevelada, la ciencia y las artes, todobajo la suprema protección de laIglesia.
Sacrificio Isaac. Alonso Berruguete
Sacrificio Isaac. Retablo mayor de la iglesia monástica de San Benito el Real ( Valladolid). Entre
1527 y 1532. Alonso Berruguete. Renacimiento español. Madera policromada. Museo Nacional
Colegio de San Gregorio.Originalmente esta obra contenía pinturas, relieves ygrandes esculturas. Los temas centralesrepresentaban la infancia de Cristo y la vida de SanBenito, alrededor una serie de pequeñas estatuas deprofetas, apóstoles, evangelistas ysantos, destacando dos figuras:El martirio de San Sebastián en el momento de sergravemente herido por los flechazos.El Sacrificio de Isaac: Abraham a punto de degollar asu hijo, antes de ser detenido por la mano de unángel enviado por Yahveh.
Están talladas en madera, ricamente policromada ydorada. Berruguete era aficionado al dorado, queaplicaba tanto a ropajes, como a fondos e incluso alpelo, aumentando, así, el efecto irreal y expresivo delas escenas.
Utiliza dos técnicas el estofado y el encarnado
El Martirio de San Sebastián y elSacrificio de Isaac son ejemplos dela integración de las formasmanieristas e italianizantes con unpunto de vista personal:• Forma Serpentinata delManierismo Italiano• La monumentalidad y la fuerzarecuerda a los tres escultoresitalianos que él más admiró:Donatello, Jacopo della Quercia yMiguel Ángel.• Aporta su propia personalidad,eligiendo un canon alargado, enjutoy nervudo, la estatura de suspersonajes equivale a diez cabezas.Su estilo nervioso, donde la pasión yel movimiento se desatan, sacrificala perfección técnica en favor deldramatismo, dando másimportancia a su interpretaciónpersonal de los temas que a la merareproducción de la naturaleza.
La Adoración de los MagosMuseo Nacional Colegio de San Gregorio
Alonso Berruguete (1490-1561) se educóen Italia, donde conoció personalmente aMiguel Ángel, así como la obra deDonatello y Della Quercia. El San Sebastiánes recuerda a los «Esclavos» que MiguelÁngel realizó para la tumba del papa JulioII. El Sacrificio de Isaac tiene influencia delSacrificio de Isaac de Donatello. Lapreocupación por el desnudo de canonalargado y enjuto, recuerda la MaríaMagdalena de Donatello. Elapasionamiento y las composicionesinestables se inspiran en Miguel Ángel.Sus obras reflejan la pasión, el movimiento,los sentimientos, más que la percepcióntécnica.Sus obras fundamentales son el Retablo deSan Benito el Real y la sillería del coro dela Catedral de Toledo, que talla a mediascon Felipe Vigarny. En mármol esculpió laTransfiguración de la Catedral y la Tumbadel Cardenal Tavera, ambas en Toledo.
El Greco
Entierro del Conde Orgaz
El Expolio
Martirio de San Mauricio
El entierro del conde de Orgaz(1586–1588). Doménikos
Theotokópoulos, “El Greco”. Santo Tomé (Toledo).
Manierismo español. Óleo sobre lienzo
El cuadro, realizado para laiglesia de Santo Tomé enToledo, se encuentra todavía ensu lugar. Muestra el sepelio deun noble toledano, que segúnuna leyenda local fue enterradopor los santos Esteban yAgustín
Muestra ya su característica dealargamiento de las figuras, asícomo el horror vacui (miedo alvacío). Estos rasgos proveníandel manierismo
En la parte inferior, el centro lo ocupa el cadáver del conde, que va a ser depositado en susepulcro. Para tan solemne ocasión han bajado los santos del cielo: el obispo san Agustín,uno de los grandes padres de la Iglesia, y el diácono san Esteban, primer mártir de Cristo.
El pintor representó en la comitiva a personajes locales de su tiempo: el niñosemiarrodillado en primer término es Jorge Manuel, el hijo del Greco, cuando tenía 10años. Un pañuelo que sale de su ropa lo testifica, puesto que indica la fecha de sunacimiento. El personaje de barba canosa, al otro lado de la escena, con la cara casi deperfil es Alonso de Covarrubias, un clérigo íntimo del Greco.
En la parte superior, el pintordescribe el cielo. ApareceJesucristo glorioso, luminoso,vestido de blanco, entronizadocomo juez de los hombres yrodeado de los bienaventurados yde ángeles. Juzga con misericordia,como lo demuestra su rostrosereno. Con su mano derechamanda al apóstol Pedro, jefe de suiglesia, que abra las puertas delcielo al alma del difunto, para quela Virgen María la acoja.
El cuadro representa las dos dimensiones de la existencia humana: abajo la muerte, arriba el cielo, la vida eterna. El hombre cuando ha de traspasar el umbral de la
muerte, no lo hace en solitario, sino que junto a él para ayudarle está Jesucristo, su Madre y todos los santos del cielo.
El expolio (1577–1579). Doménikos Theotokópoulos, “El Greco”. Manierismo español. Óleo sobre lienzo. Catedral de Toledo.
Representa el momentodel expolio.
Cristo en el centro,mirando al cielo conuna expresión deserenidad, vestido conuna túnica de color rojointenso que domina elresto de lacomposición; y a sualrededor, una masa defiguras dispuestas adesnudarlo paracomenzar la Pasión.
Una figura en la parte traseraapunta acusadoramente aCristo, mientras otros dosdiscuten sobre susvestiduras.
Otro hombre vestido deverde a la izquierda de Cristolo sujeta con una cuerda y vaa proceder a desnudarlo parasu crucifixión.
Otro vestido de amarillo enla parte inferior derecha seinclina hacia la cruz y perforaun agujero.
En la parte inferior izquierdaaparecen las tres Maríascontemplando la escena conangustia.
El rostro melancólicodel Salvador secontrapone con el delas figuras de susejecutores, que seamontonan en torno aél, creando unaimpresión de desordencon sus movimientos,gestos, picas y lanzas.
Tanto el modelado delas figuras como elcromatismo provienende su época veneciana.
Introduce dos episodiosdiferentes pegados aCristo y cerrando laescena inferiormente.Se trata del hombreque prepara la cruz yenfrente las tres Maríasque con tristeza loobservan.
Rodea a Cristo de ungrupo apretado decabezas cada una conpersonalidad propia,que sirven de fondo alrostro de Cristo.
Establece una composición en círculo alrededorde Jesús. Las masas no están sólo a derecha eizquierda, se encuentran también al fondo paraque sobre ellas se destaque el protagonista, loperfilan por todos los lados, incluso en el primerplano en la parte inferior para cerrarcompletamente la escena.
La escena representada es únicamente humana.Hombres y mujeres llenan todo el espacio. Lanaturaleza solo aparece en una porción de cielonuboso y algo de tierra bajo el pie de Cristo.
Martirio de San Mauricio. El Greco. 1580-82. Monasterio de San Lorenzo
de El Escorial. Óleo sobre lienzo. Manierismo
Felipe II encarga a El Greco una obra parauno de los altares laterales de la Basílicadel Escorial. El tema elegido es el Martiriode San Mauricio y la Legión Tebana, alestar considerado como uno de los santosprincipales en la lucha contra la herejía ydebido a la existencia de reliquias en laiglesia.
La historia del cristianismo cuenta que SanMauricio y su legión fueron martirizadosante la negativa a ofrecer sacrificios a losdioses romanos.
El estilo es manierista como se observa enlas figuras de espaldas, los escorzos o lasdiagonales que forman la escena.
En la parte superior del lienzo hay un rompimiento de Gloria formado por ángeles músicos, mientras otros portan palmas y coronas de triunfo.
De aquí parte un foco de luz que ilumina el martirio.
En un segundo plano contemplamos el episodio más importante: el martirio. Los legionarios se sitúan en fila, vestidos con
túnicas semitransparentes o desnudos, que esperan el turno para ser ejecutados. El verdugo se sitúa de espaldas, sobre una roca, y junto a él vemos de nuevo a San
Mauricio, reconfortando a sus hombres y agradeciendo su decisión. Un hombre
degollado refuerza la idea del martirio, exhibiendo un fuerte escorzo.
El hecho de relegar el martirio a un segundo plano y colocar la decisión más cercana al espectador provocó el rechazo de Felipe II, quien adujo la falta de devoción que
inspiraban las figuras
En primer plano está San Mauricio (vestido con una coraza azulada y barbado)
acompañado de sus capitanes decidiendo si
efectúan el sacrificio a los dioses paganos.
Entre las figuras de los capitanes se distinguen
retratos de personajes de la época como el Duque Enmanuel Filiberto de
Saboya, comandante de las tropas españolas en San
Quintín y Gran Maestre de la Orden Militar de San Mauricio o Alejandro
Farnesio, duque de Parma, que estaba luchando en los
Países Bajos contra los holandeses.
En los planos del fondo, donde se desarrolla el martirio, encontramos el retrato de Don Juan de Austria, el hijo natural de Carlos V y vencedor de la batalla de Lepanto.
Todas las figuras visten uniforme militar del siglo XVI. Al contemporaneizar la historia del cristianismo pone de relevancia la lucha de los generales españoles contra la herejía y el paganismo, igual que lo hizo San Mauricio.
Retrato de caballero anciano, considerado autorretrato
El Greco (Doménicos Theotocópoulos1541- 1614). Aunque nacido en Creta, ElGreco desarrolló su trayectoria artísticaen España. Se formó en su isla natalcomo pintor de iconos, antes detrasladarse a Venecia, donde conoció laobra de Tiziano y Tintoretto, artistasque, junto con Miguel Ángel, fueron losque más influyeron en su pintura.
A partir de 1570, tras una estancia desiete años en Roma, El Greco se trasladóa Toledo. Llevaba diez años en Toledocuando Felipe II le encomendó una obrapara el monasterio de El Escorial; peroEl martirio de san Mauricio no gustó alsoberano español, quien ya nuncavolvió a contar con el artista.
Ello supuso una decepción enorme para El Greco, ya que aspiraba a convertirseen pintor de corte, pero no entorpeció su carrera, puesto que era ya un pintorsolicitadísimo tanto por los aristócratas como por los eclesiásticos toledanos.
Se conocen algunas de sus creaciones anteriores a su llegada a España, lo cual permiteafirmar que El Greco creó su peculiar estilo después de establecerse en Toledo,seguramente influido por el fervoroso ambiente religioso de la ciudad.Sus figuras alargadas, pintadas con pincelada fluida, parecen criaturas inmateriales,carentes de solidez física e imbuidas de una intensa espiritualidad. A ello hay que añadir supaleta originalísima, de colores fríos, que consigue efectos sorprendentes con los rojos, losazules y en particular los blancos, de una rara intensidad y nitidez.
Detalle de San Andrés y San
Francisco
La Trinidad
Pinturas religiosas
El bautismo de Cristo Adoración de los pastores
San Andrés San Juan
Retratos
Dama del armiño El caballero de la mano en el pecho
Paisaje de Toledo
Laooconte
Leonardo Da Vinci
Virgen de las Rocas
La Gioconda
La Virgen de las Rocas. Leonardo da Vinci. 1483-1486. Óleo sobre lienzo.
Cinquecento
Museo del Louvre National Gallery de Londres
La Virgen está sentada en el suelo de unrefugio rocoso entre montañas. Lasfiguras se agrupan formando unapirámide, envueltos por un paisajesalvaje de rocas y aguas.
Uso del sfumato leonardesco quedeshace los contornos de las figuras,creando un ambiente misterioso eirreal. Es reseñable también la precisióndel dibujo, que se detiene en las plantasdel primer plano reproduciendoexactamente las variadas especiesvegetales, fruto sin duda de losconocimientos botánicos de Leonardo.
La Virgen está en el centro, con la mano derecha
sostiene a Juan el Bautista, al cual está mirando. A su izquierda hay un ángel sentado
más abajo que ella. Más abajo el
niño Jesús sentado y
mirando a Juan Bautista.
Leonardo pintó un momento de la infancia
de Cristo, cuando Juan el Bautista niño (San Juanito),
huérfano, refugiado
dentro de una gruta y
protegido por un ángel ,
encuentra a la Sagrada
Familia en su huida a Egipto.
La Gioconda o La Mona Lisa.
Leonardo da Vinci. Óleo sobre tabla.
1503 y 1506. Cinquecento
El título oficial de la obra es Gioconda,
que se justifica debido a que
Giocondo era el apellido del esposo de la retratada. Este
título aparece documentado después de la
muerte de su autor.Con respecto al
nombre de Mona Lisa, Mona es el diminutivo en
italiano de Madonna.
Es la última gran obra de Leonardo, si se tiene en cuenta que
siguió retocándola
hasta sus últimos años. Después de terminar el
cuadro, Leonardo llevó su
obra a Roma y luego a
Francia, donde se conservó
hasta su fallecimiento.
Leonardo utilizó la técnica delSfumato, la cual consiste en prescindirde los contornos precisos y envolverlotodo en una especie de niebla quedifumina los perfiles y produce unaimpresión de inmersión total en laatmósfera, lo cual da una sensaciónde tres dimensiones a la figura.
La dama está sentada en una galería,y posa sus brazos en los apoyos delasiento. En sus manos y sus ojospuede verse un claro ejemplocaracterístico del esfumado, ytambién puede destacarse el juegoque hace con la luz y la sombra paradar sensación de volumen. La galeríase abre a un paisaje que posee unaatmósfera húmeda y acuosa queparece rodear a la modelo.
El personaje dirige la mirada ligeramente a la
izquierda
muestra una sonrisa considerada enigmática.
Leonardo da Vinci se formó en el taller delpintor florentino Andrea Verrochio, dondeestudió junto a Sandro Botticelli y Perugino.
Desarrolló el estudio de las matemáticas, lageometría, la perspectiva y todas las cienciasde la observación del medio natural, tambiénestudió arquitectura e ingeniería. Leonardofue un humanista renacentista, destacado enmúltiples disciplinas.
Sirvió a personas tan distintas e influyentescomo Lorenzo de Médici, al duque deSforza, a los soberanos de Mantua y al reyFrancisco I de Francia.
Entre sus obras más destacadas están LaVirgen de las Rocas, La batalla deAnghiari, La última cena, La Gioconda.
Tiziano
La Bacanal de los Andrios
La Bacanal de los Andrios. Tiziano. Óleo sobre lienzo. 1519-1520. Museo del Prado. Cinquecento. Escuela
veneciana. Esta obra fue un encargode Alfonso d'Este, duquede Ferrara, para ladecoración del Camerinode Alabastro, unaestancia del castilloducal. Formaba conjuntocon otras dos pinturasdel mismo artista, LaOfrenda a Venus (Museodel Prado) y Baco yAriadna (National Galleryde Londres).
Representa una escenamitológica, una bacanal,fiesta en honor al diosDionisos/Baco.
Constituye un canto a losplaceres de la vida.
Ofrenda a Venus (Museo del Prado)
Baco y Ariadna (National Galleryde Londres).
La inspiración literaria de esta obra proviene de la obra
de Filostrato.
Representa a Ariadna en el
momento en el que al despertar
descubre que ha sido abandonada en la isla de Naxos por Teseo, que se aleja
en un velero. La ninfa no tendrá
tiempo de reaccionar puesto
que se ve sorprendida por la
llegada de los habitantes de
Andros, que forman el cortejo de
Dionisio, que beben y bailan junto a ella.
Las bacantes son las verdaderas protagonistas del cuadro. En el centro dos muchachas se embriagan después de haber acompañado con sus
flautas una melodía cuyo texto aparece en una nota en el suelo: "Quien bebe y no vuelve a beber, no sabe lo que es beber". Unos
faunos revolotean sirviendo y bebiendo. Otro grupo baila, la mujer de en medio muestra sensualmente una pierna desnuda.
La exaltación del vino se muestra en una jarra de cristal llena
de este líquido que se recorta contra
el cielo blanquecino. El resultado de todo este
desenfreno lo podemos ver en el sileno
derrumbado por la bebida.
Línea diagonal.
El viento agita las ramas
Las nubes crecen amenazantes
desde el fondo
El suelo se convierte en una
cuesta.
Los personajes se agitan por toda la parte inferior de la tela, unas se
inclinan hablando, otras
beben vino, otras bailan, con brazos y
piernas formando
líneas curvasTodo el cuadro desprende una alegría sensual,
con gran protagonismo de los cuerpos
desnudos.
Todo esto unido al juego de luces que anticipa el barroco.
Tiziano se muestra como un maestro de las calidades de los objetos. Los árboles, los ropajes, las copas de vidrio, loza o metal
le interesan con el mismo detalle que los cuerpos. La tradición veneciana del color es enriquecida por Tiziano con
sus tonos cálidos, brillantes e intensos.
Autorretrato
Tiziano. Recibió su primera formación en el taller de GiovanniBellini y posteriormente se integró en la escuela de Giorgione. Lainfluencia de éste resulta evidente en sus obras de juventud. Fuepintor oficial de la República de Venecia y pintor de la corteespañola. Los príncipes italianos solicitaron sus servicios, para elduque de Urbino pintó la Venus de Urbino.Fue un maestro del desnudo femenino y de la plasmación delpaisaje. Repite los esquemas dinámicos. Su estilo pictóricoevolucionó hacia composiciones menos dinámicas, más pausadas,y hacia colores mucho más claros. Tras un viaje a Roma, su obraadquiere un nuevo tratamiento del color a base de pinceladaslargas y de manchas que deshacen las formas.
Venus de Urbino.Es uno de los artistas que más influencia ha ejercido
en la historia de la pintura. De su taller
salieron Tintoretto, a El Veronés y a los hermanos Bassano entre otros. Dejó
huella en la obra de Rúbens o Velázquez.
Gran retratista dando una visión idealizada del retratado (retrato de Federico II Gonzaga, Autorretrato...)
El emperador Carlos V en MühlbergEmperador Carlos V
Sus obras más conocidas son las de tema alegórico y mitológico
Dánae y la lluvia de Oro
Venus y Adonis
Pinturas religiosas
La Piedad
Santo Entierro