rgb denuncias 1.0

RGB #14Edición especial DENUNCIA AL ARTISTAEnero — Marzo 2015 www.revistargb.mx

43 estudiantes desaparecen presuntamente sin de-jar rastro, sin que se hayan localizados sus restos, sin que sus familias y el país sepan la verdad. Este pano-rama nada favorecedor para los que habitamos el país es el marco de referencia de estos, nuestros tiempos, en donde es más fácil hacer mutis ante la impunidad, hacernos de la vista gorda, mostrar indiferencia o res-guardarnos en nuestro ciberactivismo de escritorio, para que los amigos virtuales vean nuestra inconformidad. La denuncia regularmente la asociamos al hecho de dar parte a una autoridad, ante una falta o delito y es una palabra casi extinta en nuestro vocabulario mexicano. Pero nos olvidamos de que denunciar es avisar, promulgar o publicar también. Y es por ello que quisimos tomar esta palabra como eje central de nuestro número, porque en estos tiempos hace falta, más que nunca, la cultura de alzar la mano y reclamar nuestro espacio, nuestros dere-chos, de expresarnos con libertad, sin miedo a represalias. Así como es el arte, sin ataduras y restricciones. Es un gusto presentar este número 14, que se ma-terializa gracias a aquellos que decidieron denunciar a sus amigos, conocidos, maestros o familiares en nuestra campaña que lleva por nombre “Denuncia al Artista” y que trata de promover el trabajo de jóvenes artistas emergentes y que no involucra una sola disciplina, verás propuestas que van desde la ilustración, música, pintura o literatura, y damos la bienvenida a nuevas muestras de arte como son juguetes (artoys), el diseño industrial o los videojuegos. RGB arte para todos.

DENUNCIA ÍNDICEpor Néstor Rocha

ANTONIO TERCERO

DAVID DEL CASTILLO

ACORDE ON

ECOTENKA

MR MITOTE

SANGRE DE COYOTE

DON BICHO

RAFAEL V.O

SEXY MAPPING

SUL TASTO ENSAMBLE

RITCHIE RAMONE

SERGIO REBOLLEDO

ELIANE MANCERA

45678910111213141516

18222632344044

48495052

5455

LAUS

ARTA CERÁMICA

JORGE ZAPATA

YOGOME

JORGE CABRERA

ISRO BRIONES

ARIA INFURIATA

GERARDO CRUZ

LETICIA ZWITTAG

BLAKELY MORALES

ABRIL DE ROMERO

FESTIVAL HÍBRIDO

LA PIQUERÍA

GREEN LIGHT

Facebook/[email protected]/user/RGBrevistaSouncloud.com/radiorgb

Portafolios digitales en: Bravoreviews.comNúmeros anteriores: issuu.com/rgbrevista

[email protected]@revistargb.mxwww.revistargb.mx

RED LIGHT

BLUE LIGHT

YELLOW LIGHT

DIRECTORIODirector Néstor RochaEditor Cristina CuéllarComunicación Cecilia OrozcoVentas Gabriela SandateRedacción Leticia ZwittagWebmaster Josué ReyesDiseño editorial Néstor Rocha Equipo de audiovisualesEnfoque Machín, Óscar IbarraBrenda Ramírez, Elizabeth Pérez, Pepe Juárez, Viridiana Rocha, Arturo Contreras y Omar Herrera. Agradecimientos Anahí Franco

RGB no. 14 edición Especial Denuncia al Artista. Enero- Marzo 2015. Todas las imágenes cortesía del artista publicado. Gracias por esperar.

CONTACTORGB revista se imprime en:

ANTONIO TERCEROCon pequeños trazos va generando el contenido que dará forma a su obra, en la cual deja ver la técnica que lo caracteriza. Antonio Tercero, con sus pinturas y serigrafías, ha participado en diferentes exposi-ciones tanto colectivas como personales; ha dado talleres en donde comparte sus experiencias y conocimientos a los jóvenes y adultos.

facebook.com/tono.terceromora

Título

El perro de Cristina

DAVID DEL CASTILLOEl detalle es uno de los componentes de sus obras. Mediante el grabado refleja su visión de la vida, pues trasmite diversidad de temas. Al finali-zarlas se observa el blanco, el negro y los relieves que provocó el trazo. David del Castillo se considera un expositor y creador mexicano, ya que también realiza esculturas y juguetes, entre otras cosas.

facebook.com/DavidDeiCastillo

GREEN LIGHT 5DENUNCIA AL ARTISTATítulo

Usuw

ACORDE ON & COLORAMAAcorde On y Colorama son un par de cebras enmascaradas que utilizan juguetes digitales creados por ellas mismas, con los cuales crean un show audiovisual completamente en vivo. No se sabe bien qué experimento musical / visual sonará en sus fiestas, ya que no le tienen miedo a com-binar todo tipo de géneros entre sí, creando popurrís de hip hop, techno, salsa, funk, ska, electro, pop, rock, cumbia, reggae y más.

Fotografía Javier Castro

soundcloud.com/acordeon

ECOTENKAEstudio joven de diseño mexicano que tiene como fin promover el desarrollo de todo tipo de productos que tengan que ver con movilidad y que, además, promuevan conceptos como la sustentabilidad, la cultura, la inclusión y la re-creación. Ecotenka busca difundir, a través de sus diseños, el talento, produc-ción y mercado mexicanos porque creen firmemente que sus productos son la herramienta del futuro hacia una sociedad más sustentable e incluyente.

ecotenka.mx

GREEN LIGHT 7DENUNCIA AL ARTISTA

DTBike

Permite a personas

con discapacidad impulsarse

mediante dos modalidades:

silla de ruedas convencional

o módulo especial que se

adapta a la misma silla.

Pieza DT Bike

MR MITOTESus obras se caracterizan por estar inspiradas en el mundo de los niños, abundancia de colores y animales. Desde 2005 empezó a realizar ilus-tración y custom Art, plasmando una técnica especial llena de texturas, pelajes y conceptos basados en la naturaleza; para él, la escultura es un medio en el cual encuentra la posibilidad de darle a su trabajo un aspecto más realista y lleno de color, pues entre más color, más vida.

mrmitote.com.mx

Artoy

SANGRE DE COYOTELas piezas de Sangre de Coyote siempre tienen un toque divertido y relajante, y es la unión de todos los instrumentos lo que lo hace po-sible. Su música es una acertada combinación entre géneros como el tango y el swing, sus melodías no requieren de una voz para transmitir emociones, basta con el talento instrumental de sus seis integrantes.

facebook.com/sangredecoyote

GREEN LIGHT 9DENUNCIA AL ARTISTAFotografía Ricardo Irak

DON BICHOEl arte de Paul Bernal es muy versátil: en blanco y negro, colores vivos o pasteles. Homenajes, carteles para eventos, trabajos personales, por-tadas de revistas, folletos; dibujos, ilustraciones, serigrafía, caligrafía y cartooning. Todo esto representado de una manera divertida y original.

behance.net/donbicho

Título

The life is short

RAFAEL V.OA través de sus coloridos trazos, Rafael V.O plantea todo aquello que quiere decir: muerte y vida, pasado y futuro, siempre buscando la unión de los contrarios. Sus metáforas van más allá de lo plasmado, radican en todo aquello que se ve, pero no se dice y queda represen-tado en sus murales, dibujos e ilustraciones.

rafaelveo.com


Silencio

SEXYMAPPINGConsiderados como una asociación creativa de arte electrónico y perfor-mativo, SexyMapping se basa en la creación e investigación con medios electrónicos y artes escenográficas, con el objetivo de utilizar los disposi-tivos electrónicos y digitales como una extensión corporal. Actualmente, está integrado por artistas y profesionistas de diferentes ámbitos que, en colaboración, trabajan en diversos proyectos culturales y comerciales.

sexymapping.com

Arriba

Instalación interactiva

en Cedral.

Abajo derecha

Diseño de escenario en

Novilunio 2014.

Abajo izquierda

Video mapping en la

Fiesta de la Luz,

Matehuala, SLP.

SUL TASTO ENSAMBLESul Tasto Ensamble es un proyecto en el que la destreza técnica, la expresividad, el virtuosismo y la espontaneidad se combinan perfecta-mente en cada una de sus interpretaciones, cuyo espectáculo integra temas de géneros universales, como rumba flamenca, tango, bossa nova, swing y música mexicana.

facebook.com/sultasto.ensamble

GREEN LIGHT 13DENUNCIA AL ARTISTAFotografía Pablo Melgoza

RITCHIE RAMONELlenas de colores llamativos y personajes ficticios y no tan ficticios, están compuestas las obras de Ritchie Ramone, un joven que se en-cuentra formando un estilo propio para consolidarse en el ámbito de la ilustración en SLP, haciendo lo que más le gusta hacer.

behance.net/ritchie_ramone

Título

Ballena viajera

SERGIO REBOLLEDOSergio Rebolledo es un artista digital que realiza arte en 2D y 3D para videojuegos, ya que es un apasionado. Sus creaciones reflejan mundos fantásticos donde siempre hay retos que superar y trabaja tanto para niños como para jóvenes. Ha tenido proyectos con clientes nacionales e internacionales, pero esto es sólo el comienzo de su participación en el mundo del arte digital.

behance.net/sergio_rebolledo


Warm

ELIANE MANCERALo mejor de sus estampados es que, si gustas, los puedes llevar puestos. Elylu es ilustradora y diseñadora textil, pero hace de todo un poco, desde platos y kits escolares hasta piezas de decoración, todos caracterizados por sus peculiares dibujos con personajes divertidos y coloridos. En cada uno de sus estampados plasma un mundo diferente o “un poco de magia ilustrada”, como ella lo llama.

elylu.com

Título

Estampados exploradores

¿Qué técnicas y herramientas son las que utilizas a menudo? ¿Con cuáles te gusta trabajar más?Prefiero técnicas manuales: lápiz, acuarela, tinta, goache, acrílicos, colores, es lo que más utilizo; pero creo que mis favoritas siempre van a ser las acuarelas y la tinta, así que nunca pueden faltar pinceles, tinta y rapidógrafos en mi escritorio.

¿De qué hablas en tus obras? ¿Qué temas ilustras?Por lo general termino proyectando experiencias y situaciones perso-nales sin querer, siempre ha sido una manera de expresarme. En cuan-to a los temas, pues el amor, el desamor, las relaciones humanas, la moda, cosas triviales proyectadas desde el punto de vista femenino (a veces un tanto feminista), todo siempre con un toque de sensualidad.

¿Cómo te has sentido en tu nueva etapa en la televisión?Bien, es algo diferente a lo que venía haciendo, de repente me da pena hablar sola frente a la cámara, pero imagino que es como cuando doy clases. Me aburro fácilmente, así que me gusta andar de “mitotera” de aquí para allá haciendo de todo, es por eso que cuando se presentó la oportunidad, decidí entrarle.

La figura femenina predomina en todo su trabajo, resaltando la sensualidad en cada una de sus piezas. Laus (como sus amigos

le dicen) proyecta en sus ilustraciones experiencias y situaciones personales, llegando incluso a parecer pasajes de su vida, de sen-timientos y percepciones. Actualmente ha ingresado al mundo de los foros y es conductora del programa Hipsteria.

LAUSNo somos muchas, pero somos machas

behance.net/LausPMS

RED LIGHT 19DENUNCIA AL ARTISTATítulo

Pura crema 3

¿De dónde crees que vengan tus influencias para crear tu propio estilo?Vienen de todos lados, como las experiencias personales, el ambien-te que me rodea, etcétera. Hablando gráficamente podría mencionar a Tara McPherson, Camile Rose García y Paula Bonet, entre otras, como mis primeras referencias; sin embargo, también influyen las personas que he conocido, los lugares a donde he ido, las cosas que me pasan y cómo las proyecto; hasta la música que escucho son cosas que se reflejan en mi “estilo”.

¿Qué piensas del hecho de que en San Luis hay pocas mujeres ilus-tradoras y tú eres una de ellas?Hay una frase por ahí que dice “no somos muchas, pero somos ma-chas”, creo que el talento potosino femenino viene con todo, de verdad me gusta mucho el trabajo de mis colegas y me alegra que se me considere entre ellas, aunque también me falta mucho camino por recorrer en cuanto a la ilustración como tal.

Me gusta experimentar, en una de ésas un día sorprendo con el cabello morado o azul

Háblanos de tus experiencias en los bazares de diseño que se organizan en la ciudad.He participado en varios bazares, es chistoso, vas, montas tu “changa-rro”, te sientas mientras pasa la gente y decide si te compra algo o no; es padre ver en vivo la reacción de la gente hacia lo que haces y más cuando les gusta y compran. Me gusta saber que a alguien le gusta mi trabajo como para tener algún artículo hecho por mí.

¿Qué piensas de las ferias de diseño? ¿Qué tipos de posibilidades abre a quienes ilustran y hacen productos con sus trabajos?Me parece que son una buena oportunidad para apoyar al talento local permitiendo un espacio para mostrar su trabajo (fuera de las redes so-ciales) y a la vez conocerse entre sí. Pienso que desarrollar productos es una manera de autopromoción, ayuda a que la gente te conozca, generas algo de ingresos y es como un “sondeo” de lo que le gusta o no a la gente de tu trabajo.

Y de tu experiencia de participar en el “Taller en Vida” organizado por 75 grados de Arturo Negrete, ¿cómo te sentiste y de que trato?La verdad ha sido de las cosas más padres que me ha tocado hacer; para empezar poder imprimir con Arturo Negrete —quien, además, es una lindísima persona— es toda una experiencia; pero también poder hacerlo directamente en el DF, compartirlo con Gina Fuentes, Vanessa Cortés y Pam Garcini, que me hicieron un lugar para imprimir con ellas. Ver a toda la banda que fue al evento, conocer gente y hacer amigos fue lo mejor de todo.

Título

Unicorn

¿Piensas dejar de ser pelirroja algún día?¿De qué me hablan?, si es mi color natural. No sé, como les mencio-naba me gusta experimentar, en una de ésas un día sorprendo con el cabello morado o azul.

¿Crees que el arte es una vía para denunciar todo aquello que no nos gusta del mundo, de la sociedad y del gobierno?Claro, creo que siempre ha sido una de las herramientas que tiene el hombre para expresar o denunciar lo que siente, lo que le parece o no; sin embargo, lo importante es el impacto que causa en las personas y si esto provoca o no una acción.


75

¿Cuál es el principal objetivo de Arta Cerámica?Es un espacio incluyente que busca fomentar el diseño creativo en México, diseñando objetos emocionales de larga vida.

¿Qué proceso creativo llevan a cabo para realizar una nueva pieza?Nacen siempre de la necesidad utilitaria de desarrollar objetos que se relacionen con el usuario, que interactúen con él y que hagan sus es-pacios más amables.

¿Cómo se integra gente externa (diseñadores independientes o artistas) a este proyecto? El estudio invita a participar a diseñadores para que desarrollen un objeto utilitario, con la premisa de expresar en esta pieza su forma particular de ver el diseño en cerámica. Con esto queremos fomentar la utilización del material demostrando su versatilidad y belleza.

¿Cómo describen una pieza representativa de Arta Cerámica?Lo que define a Arta es la limpieza de su diseño, que se percibe a través del carácter de sus piezas; clara en su intención, se muestra tal cual es, sin pretensiones, suave, amable. Arta es fresca pero a la vez sencilla, in-tuitiva, nos lleva a lo básico de la sensación, de la intención, de la forma, de la percepción, una de las cosas que hacen especial esta cerámica es su belleza táctil.

El estudio Arta Cerámica se gesta a partir del amor de diseña-dores mexicanos por este noble material y se desarrolla como

un nuevo taller que le otorga una importancia, pocas veces dada en nuestro país, a la cerámica utilitaria por medio del valor del diseño. Crea su propia línea de productos encaminada a un estilo claro y definido, lúdico, transformable, conceptualmente ligero, es decir, limpio. Gloria Rubio y Marta Ruíz nos hablan sobre Arta.

Artesanas urbanas

ARTACERÁMICA

www.artaceramica.com/

¿Qué tan importante es tener presente una tradición mexicana como la alfarería, pero a su vez darle un giro innovador?Quien no conoce su pasado no podrá visualizar con claridad su futuro, para nosotras siempre está relacionado y la tradición es parte de nuestro trabajo. De hecho nosotras nos denominamos artesanas urbanas. ¿Han trabajado con algún artesano para generar diseños?Sí, gracias a la invitación de “Innovando la tradición”, un proyecto llevado por Kythzia Barrera, tenemos la posibilidad de trabajar con artesanos de Oaxaca, de todas la comunidades que realizan cerámica, en barro rojo, negro y verde.

¿Cuáles son los talleres que Arta Cerámica ofrece actualmente?Damos talleres de diseño en cerámica, siempre dando una introducción sobre la importancia y el valor de la artesanía. También desarrollamos talleres de torno y escultura.

Una de las cosas que hacen especial esta cerámica es su belleza táctil

¿Qué veremos en un futuro en Arta Cerámica? ¿Qué les falta por hacer?Tenemos planeado desarrollar más proyectos de educación y también seguir trabajando en la línea de Arta.

¿Piensan experimentar con otras técnicas o materiales?Siempre lo hacemos, algunos de nuestros productos tienen madera, me-tal, cristal, pero los utilizamos como apoyo para resaltar la cerámica, ya que ésta es nuestra reina y propuesta principal.

Pieza

Bisnagas

¿Qué piensan del diseño mexicano y su alcance a nivel mundial?En general, opino que el diseño y las referencias visuales en el mundo cada vez encuentran más similitudes. Los usos y costumbres se globali-zan y con ello el diseño lo hace también.

¿Creen que el arte es una vía para denunciar todo aquello que no nos gusta del mundo, de la sociedad y del gobierno?Claro. El arte y todos los medios de expresión nos permiten mostrar lo que vemos, vivimos y sentimos en nuestro entorno cotidiano; con esto la consigna de todos los que nos dedicamos a ello es simple: ser respon-sables y congruentes con nuestro trabajo.

Pieza

Pimpollo

Pieza

Azucarera

Arriba

Pájaros en el

alambre

Izquierda

Taza expres

¿Cómo definirías tu estilo?Sinceramente nunca pensé en cómo definir mi estilo, sólo sé que hago cosas surreales con algo de fantasía o ciencia ficción. Le pregunté a un colega ilustrador y buen amigo, Samuel Pérez, si podría ayudar-me a definir mi estilo y esto fue lo que me dijo: “Tienes un estilo de ilustración dinámico y épico, de altos contrastes en color y acentos interesantes de luces y sombras, con trabajos que van desde lo casi realista hasta lo surrealista. Yo lo metería como en el arte de la calle. Tu trabajo tiene los colores de los grafitis, pero llevado al mundo de la ilustración digital, tiene ese toque de surrealismo y transgresión del arte callejero”. No sé cómo definirían mi estilo las demás personas, estaría bueno saberlo.

Si hubieras nacido antes de la época digital, ¿qué crees que hubieras hecho? ¿Te hubieras dedicado a otra cosa?Hubiera seguido ilustrando, vamos, la mayoría aprendemos a dibujar con lápiz, lápices de color, pluma, pinturas, prácticamente con lo que tengamos a la mano. Sólo cambia el “sustrato”, ya sea “digital”, tela, papel, etcétera. En definitiva seguiría ilustrando porque es lo que más me gusta hacer.

Al ver su trabajo parece que Jorge lleva décadas dedicado a desa-rrollar ilustraciones digitales, pero sólo lleva un par de años en el

negocio. Su trabajo se apoya en conceptos creativos en los cuales el detalle y el color son los principales elementos que dan vida a cada una de sus piezas. La fantasía y la realidad hacen una mancuerna intere-sante al mezclarse, dando como resultado impresionantes imágenes.

JORGEZAPATADe no ser ilustrador seguiríala tradición familiar de ser ingeniero

En portada behance.net/jorgezapata


Antes de despertar

Ilustras cosas variadas, ¿qué es lo que más te gusta plasmar?Mis ideas prácticamente, deformar la realidad y agregarle algo de fantasía.

Si no fueras Ilustrador, ¿a qué te dedicarías? Seguiría la tradición familiar de ser ingeniero (risas).

¿En qué proyectos trabajas actualmente?Estoy haciendo un conjunto de ilustraciones de fantasía para un cliente italiano y tengo en puerta otros dos proyectos. Uno sobre tarjetas co-leccionables para un juego español (que todavía está “en veremos”) y el otro es junto al “Colectivo Monero”, pero después se darán a conocer más detalles.

¿Qué te falta por hacer en el ámbito de la ilustración?Me gustaría aprender a tatuar, sólo he hecho diseños para tatuajes, pero me gustaría ser yo el que los tatúe.

Si tuvieras la oportunidad de hacer una colaboración con otro ilustra-dor, ¿quién sería? ¿Qué crees que harían?Tengo ganas de hacer un grafiti a gran escala en algún edificio o algo así aquí en San Luis. Por mi poca experiencia en el tema, si tuviera la oportunidad de colaborar con alguien que le sepa, sería con mi sensei del grafiti Janín Nuz o mi estimado Says Desingraff, que son con quienes he tenido contacto directo y sé que le saben bien a esta técnica.

Sólo sé que hago cosas surreales con algo de fantasía o ciencia ficción

Título

Golem 2

En portada

¿Has considerado animar a tus personajes o combinar más técnicas, como el 3D?En definitiva unos de mis proyectos personales, a futuro, es hacer una animación, lo tengo contemplado ya desde hace tiempo, pero cuando haya chance la iré haciendo, poco a poco.

¿Te gustaría, en verdad, que el cielo tuviera el color que tiene en tus ilustraciones?El cielo es grandioso tal cual es y me fascinan las diferentes tonalidades que se crean dependiendo del tiempo. Pero una que otra vez si me gustaría poder cambiar el color del cielo y sorprender a las personas.

¿Crees que el arte es una vía para denunciar todo aquello que no nos gusta del mundo, de la sociedad y del gobierno?El arte nos sirve para expresar, de algún modo, a las demás personas nues-tra forma de ver el mundo, lo que sentimos, lo que nos gusta y lo que no de manera muy personal. Con esto me refiero a que puede o no significar que lo plasmado sea una realidad para las demás personas.


Buscando a Quetzalcóatl


Fantasy

¿Cómo nació la idea de Yogome?Manolo: Nace cuando la agencia digital que manejaba con mi socio ad-quiere como cliente un colegio privado de SLP; empezamos a desarrollar contenido educativo de matemáticas para el navegador en 2009 y en 2011 hacemos el cambio a móvil.

¿Cómo fue todo el proceso para crear el primer videojuego?Manolo: Empezamos mi socio Alberto como Ilustrador/animador y yo como programador, desarrollamos nuestro primer juego para web para el colegio y con el tiempo lo mudamos y ajustamos a otro sitio, para que cualquier niño con PC pudiera jugar.

¿De qué manera se dieron cuenta de que podían fusionar la tecnología con el aprendizaje en los niños?Manolo: La tecnología se está convirtiendo en un factor de cambio en el proceso educativo y, sin duda, los juegos educativos pueden ofrecer una mejor experiencia de aprendizaje para los niños, especialmente para reforzar los conocimientos adquiridos en la escuela, como si fuera un “repaso”, pero divertido.

Yogome hace referencia a divertidos juegos educativos para los niños del siglo XXI, ya que pueden practicar matemáticas,

aprender lenguajes, conocer sobre el reciclaje, el medio ambiente y nutrición, además de tener información sobre ciencias, geografía e historia de una manera divertida y ellos ¡no notarán que están aprendiendo! Su meta es conectar a niños alrededor del mundo ju-gando y aprendiendo al mismo tiempo, creando conocimientos y habilidades para su futuro. En entrevista para RGB, Manolo Díaz, CEO, y Alberto Colín, director de arte, nos hablan sobre este proyecto.

Arte y tecnología para crearlos cambios que queremos

YOGOME

yogome.com

¿Qué pueden aprender los niños con sus videojuegos?Alberto: Temas que sirven de refuerzo a lo que ven en la escuela, actual-mente contamos con juegos de matemáticas principalmente, algo de ciencias, geografía, reciclaje, algo de arte y creatividad; próximamente, y como parte de nuestra iniciativa como Yogome, tendremos contenidos de salud, sustentabilidad, lenguajes y hasta fundamentos de programación.

¿Cómo se han dado cuenta de que los niños en verdad están aprendiendo?Alberto: Actualmente contamos con herramientas en nuestras apps que nos permiten monitorear el progreso de los niños en los juegos; esa in-formación está disponible para los papás, así tanto ellos como nosotros confirmamos que los niños están aprendiendo.

¿Eran de esos niños que se la vivían en las maquinitas?Alberto: Personalmente sí, al grado de que mis papás me compraron con-solas y una computadora para que ya no gastará mi dinero del lunch en eso.

El arte es y ha sido un factor muy poderoso para expresarnos como seres humanos

¿Creen que el arte es una vía para denunciar todo aquello que no nos gusta del mundo, de la sociedad y del gobierno?Alberto: El arte es y ha sido un factor muy poderoso para expresarnos como seres humanos, y claro que se ha usado efectivamente en medios como propaganda y también como protesta. Si, bien, creo que es una vía para ello, el arte se interpreta de forma subjetiva y se presta a malas interpretaciones, habría que tomar en cuenta qué queremos decir y qué queremos que ocasione, y si el fin es meramente denunciar algo que no nos parece creo que hay otros medios, más directos, que hagan uso del arte y también de la tecnología (¿por qué no?) para llegar a más gente y crear los cambios que queremos.

RED LIGHT 33DENUNCIA AL ARTISTA

Título

Join the squad

Título

Y2

¿A qué crees que se deba que seas artista plástico y visual? ¿Qué te llevó a tomar la decisión? En un inicio de mi carrera me imaginé contestando esta pregunta, di-ciendo que por el sexo y la progenie, no me consideraba un tipo apues-to y, por ende, necesitaba hacer notar la calidad de mi genética con la finalidad de procrear y mantener mi estirpe. Hoy, a casi 10 años de mi primer exposición individual, sigo preguntándome a qué se debe. Si pudiera enlistar los porqués comenzaría diciendo que, gracias a la educación que me proporcionaron mis padres, a la libertad que dieron, a acontecimientos gratos y no de mi infancia, a los contextos sociales y culturales, a que soy del 12 de enero de 1983… supongo que aún me queda mucho que pensar del porqué decidí ser “artista”.

¿Ha habido temporadas en las que no tienes inspiración y no pintas nada?Pues más que temporadas de nula inspiración (cabe mencionar que la inspiración no existe) me doy temporadas de nula actividad; creo que, como las necesidades básicas, todo necesita un proceso y pintar o dibujar son como comer, entonces me doy mis tiempos para ingerir, digerir y cagar. Lo más rico es lo último del proceso que es donde realmente trabajo.

Jorge Cabrera es un artista plástico y visual. Actualmente es do-cente del Centro de las Artes de San Luis Potosí y becario del

Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA). Dirige el taller El Metlapil y expresa, también, a través de textos lo que quiere decir con cada una de sus obras. En entrevista con RGB habló de su trabajo y sus experiencias.

JORGECABRERAMe doy mis tiempos para ingerir, digerir y cagar

facebook.com/JorgeCabreraYorch


Cuentos a una quimera | Serie recuerdos habitacionales 2014

¿Escribes sobre lo que pintas?Sí, en dos momentos; antes de comenzar una serie, para acotar límites de lo que quiero decir con la obra, y al final, para reafirmar lo que encontré.

En tu serie de 2012 “In–filtraciones; reconstrucción–es” vemos en algu-nos cuadros a niños, ¿qué significan ellos en las obras? Son mis hermanos y mí–mismo, la serie completa se encuentra dividida en tres ejes temáticos: contenedor, contenido y conteniendo. Eran en sí la memoria de muros y de los muros de casas en las que habité; buscaba crear una analogía con los apegos. Al final, los muros que nos mantienen son cuasi como los muros de nuestra mente que retienen recuerdos.

De todas las series que tienes, ¿cuál es la que más te gusta y por qué?Difícil, creo que todas en su momento por alguna razón me han gusta-do, no podría decir que una más que otra, cuando regreso a releer las series me encuentro con que no todas son buenas y no todas las piezas son malas, creo que la que más me gusta es la que todavía no llega.

¿Necesitas algún ritual antes de empezar a pintar?Limpiar el descagadero [sic] anterior, acomodar y tomar café.

¿Crees que haya cambiado en 5 años la forma de pintar de Yorch?¡Espero que sí! En 5 años, en 5 meses, 5 días o 5 minutos, ¡siempre! Me da pavor casarme con una forma de hacer las cosas, con un estilo.

Título

Indómitos II

Serie recuerdos

habitacionales 2014

Cuéntanos sobre el taller que diriges, El Metlapil.Es un espacio independiente, en el que más que cursos, talleres y clases buscamos que sea un lugar de producción, un taller vivo donde la gente que va, crezca y busque con libertad. No es que estemos en contra del academicismo, pero sí consideramos que con más libertad, más errores y más retroalimentación se pude llegar a puerto. El Met nace con el apoyo de familiares y amigos, y sigue en pie gracias a los mismos, donde actualmen-te trabajamos algunos y esperamos que algún día trabajen más.

¿Qué opinas de las nuevas generaciones de artistas plásticos?Con esta pregunta me siento viejo, pero me gusta lo que se viene fraguan-do, me gusta mucho la riqueza de lenguaje en cuanto a grafismos se refiere, me preocupa que todos sean fotógrafos o ilustradores, en algún momento los envidié a todos por desconocer, de alguna manera, los lenguajes que manejan, me sentí fuera de onda y como un pintor viejo. A decir verdad, me gusta mucho lo que se hace, la versatilidad y la gama de propuestas, es más rico que hace años donde todos en San Luis pintaban con los mismos colores y formas de abstracción. Supongo que tiene que ver con la expan-sión en las comunicaciones y, al mismo tiempo, me aterra todo esto, cada vez es más difícil ser.

¿Deseas experimentar con otras técnicas, como el mapping o el performance?Afirmativo 360, tengo empolvados algunos proyectos que tiene que ver con éstas y otras disciplinas, ya llegará el momento de ponerlos en marcha, y si todo va bien algún día les bailo.

¿Crees que el arte es una vía para denunciar todo aquello que no nos gusta del mundo, de la sociedad y del gobierno? ¿Por qué?Creo que inexorablemente el arte está ligado a todo lo que hacemos y nos acontece, como dicen los grandes teóricos-historiadores-filósofos-snobs -hipsters-artistas-periodistas-marchantes-curadores-museógra-fos-y-demás, el arte es la representación de un contexto social-cul-tural-histórico bla bla bla… La pregunta es y sería: ¿el arte “sirve” para “algo”?… Si saben, me avisan que yo no le he encontrado ni las llantas, ni nada*.

*trino-viaje al fondo del mar

La pregunta es y sería, ¿el arte “sirve” para “algo”?


RED LIGHT 39DENUNCIA AL ARTISTAIzquierda

Indómitos I

Abajo

Autorretrato | Serie recuerdos habitacionales

¿Qué es lo que más te gusta hacer en el proceso de creación de una obra?La parte que disfruto más es la del color, cuando tienes el boceto resuelto lo demás ya es pura diversión.

Además del diseño gráfico y la ilustración, ¿qué te apasiona?¿Qué define a Isro? Me apasionan los ratos felices que vienen de la nada, la risa de un niño, un sabor nuevo, un solo de guitarra, la sonrisa de un extraño, ver un dibujo de alguien que no dibuja, ese tipo de cosas. Rule # 32: Enjoy the little things.

Las mujeres predominan en tus ilustraciones, ¿qué te inspira de ellas para que las plasmes en tus trabajos? Su belleza, todas tienen algo, y trato de descubrir qué es ese “algo”, a través de los trazos.

¿Cuánto tiempo te lleva terminar una ilustración? Al principio las trataba de hacer de una sentada, así me tomará siete horas seguidas; después aprendí que no era tan sano hacer eso. Ahora me puedo tomar dos o tres de días para hacer algo, el inter entre un día y otro sirve para ver detalles que se pudieran escapar. Ha habido veces que la idea me toma una semana y la ilustración dos horas o viceversa, también depende mucho del detalle que tenga.

Los intereses de Isro Briones son variados, abarcan su pasión por las mujeres, la música y el cine, temas recurrentes en sus

trabajos. Es un diseñador que un día se cansó de estar en su zona de confort y dejó un trabajo estable para hacerse de un nombre en el ámbito de la ilustración y es por eso que considera dibujar como su método de relajación. Antes de iniciar la conversación nos tomamos un café, es aún temprano y necesita despertar.

Rule #32: Enjoy the little things

ISRO

isrobriones.com

¿Qué tienes tú que otros ilustradores no tengan?Un lunar en el cachete, no, son las experiencias, habrá muchos con téc-nicas y estilos similares, las experiencias y la perspectiva ante la vida es lo que nos hace diferentes a todos. Por mi parte, creo que tengo la ventaja de haber experimentado mucho y eso ha ido enriqueciendo mi trabajo.

Si Isro no hiciera lo que hace, ¿qué le gustaría estar haciendo?Ya me había planteado esta pregunta antes y no me imagino haciendo otra cosa. A lo mejor algo que tuviera que ver con el cine.

¿Cómo crees que un artista pueda consolidar su estilo? Trabajando, experimentando, trabajando más, experimentando más, puliendo, trabajando, trabajando, experimentando, puliendo y así hasta que se consolida.

El arte es la mejor herramienta para decir lo que sentimos

¿En dónde te ves de aquí a 5 años? ¿Cuáles son tus metas a mediano plazo?Chambeando fuera del estado, fuera del país. Establecerme de manera formal, ya saben, facturas y esas cosas de adultos.

¿Tienes algún artista que sea tu modelo a seguir o inspiración? Sigo a muchos, cada uno tiene algo interesante que aportar, César Moreno y Chiara Bautista, sólo por mencionar algunos de los que estoy al pendiente de qué andan haciendo.

¿Cómo te sientes al saber que tu trabajo ha sido reseñado para portales importantes dedicados a la ilustración?Igual que la primera vez que salí en RGB, me da mucha emoción, ni me la creo.

¿Con qué artistas has colaborado para realizar algún trabajo? Pues trabajos no, pero si algunos ejercicios de color. Con Afalefe, uno con Tino Tello —que sigue por ahí guardado— y tuve la oportunidad de colorear un sketch de Chiara Bautista.

¿Has hecho intervenciones gráficas? ¿Dónde?He hecho varias, pero han sido para interiores. Tuve la oportunidad de estar en el Proyecto 33 de Grafoteca y la que está en Casa Morelos ha sido la más grande hasta ahora.

¿Piensas hacer productos o algún tipo de mercancía con tus ilustraciones?¡Sí! Justo ahora que pasó lo de “Y dónde está el astronauta?” en Casa Morelos llevé algunas cosas para vender y tuvieron buena aceptación; ya estoy planeando una serie de productos que podrían funcionar.


Título

Skull splatts

Háblanos sobre el homenaje que realizaste a la serie Breaking Bad.En febrero de 2013 volví a ver la serie desde el principio mientras llegaba la segunda parte de la season finale. Estaba viendo “One Minute” (S03E07) que es donde los primos de Tuco llegan con Hank, cuando se acabó ese capítulo me quedé frío y pensé: “Necesito desahogarme”, así que agarre al guarro (el papel), pinceles y acuarelas y ya con eso me calmé. Unos meses después decidí escanearlo y trabajar sobre él, me gustó mucho el resultado y subí esta nueva versión a mi blog, al otro día revisé y un montón de notes, comments y nuevos seguidores, hasta fue a dar al blog oficial de la AMC, a la fecha me siguen llegando notas de ese post.

¿Te deprimiste cuando se acabó Breaking Bad? No, no tanto, siento que terminó bien, ató todos los cabos sueltos y cerró todo chido. Sólo que los siguientes dos domingos si fueron de “¿y ahora qué hago?”.

¿De qué manera crees que el arte puede ser una vía para denunciar todo aquello que no nos gusta del mundo, de la sociedad y del gobierno? El arte es la mejor herramienta para decir lo que sen-timos, para llegar a otros y que sientan empatía con nuestros sentimientos. Así podemos cambiar los pa-radigmas sociales, y una sociedad diferente tendrá un gobierno diferente, un mundo diferente.

Título

Jack Lazaretto


EM

¿Qué temas abordan sus canciones? Nos inspiramos en el acontecer político y social de nuestro país y de nuestro entorno, abarcando temas que van desde la crítica social, la re-flexión sobre el medio ambiente y los problemas que aquejan al mundo actual. La historia de México, la mitología, el legado prehispánico, los viajes de la vida y la existencia.

¿Quién compone las canciones? ¿Es difícil generar las letras? Principalmente Miguel Domínguez, Óscar Bárcenas y Alex Domínguez, las bases rítmicas David Domínguez y los arreglos, el resto del grupo. Es complicado, pero muy excitante y enriquecedor lograr generar algo que tenga sentido, que encaje con la estructura musical, sea melódico y estéticamente atractivo para el que lo escucha.

¿Siempre tuvieron claro que querían tocar Heavy Metal? Sí, sin embargo, no sabemos que va pasar con el siguiente disco, tratamos de ser muy orgánicos y los temas que estamos componiendo tienden al Hard Rock, tipo Sabbath o Judas en los 70, y pues nos gusta mucho el Rock Progresivo viejo, el trash y la música mexicana, en una de ésas sale un disco muy “progre” combinando todos estos estilos.

Aria Infuriata es una banda de Heavy Metal con tintes de Rock Progresivo que se inspira en el acontecer político y social de

nuestro entorno. En sus canciones aparecen personajes e histo-rias, así como la reflexión de temas ambientales, bajo una mirada crítica de la situación, pretendiendo lograr en el espectador y en el escucha una reflexión.

Heavy Metal con crítica social y reflexión sobre el medio ambiente

ARIAINFURIATA

soundcloud.com/ariainfuriata

De su álbum De Bronce, ¿cuál es su canción favorita y por qué?“De Bronce” es una rola muy fuerte, contundente y directa. Sus riffs, melodías y letra siempre provocan una muy buena reacción en la gente que la escucha y es la rola que más nos piden en vivo. Su contenido lírico habla de nuestra raza y valor como mexicanos, que tenemos que luchar ante la adversidad. Además, contiene un fragmento en náhuatl del último mensaje de Cuauhtémoc a su pueblo.

¿Quién diseñó la imagen de su disco De Bronce y qué desea transmitir? Alex Domínguez. Desea Trasmitir el contenido musical del disco, las imá-genes de la portada representan, de alguna forma, lo que queremos ex-presar, la reflexión por lo que se vive en México y el mundo; por ejemplo, la madre tierra está representada con el vientre mutilado de una mujer, se alcanzan a ver edificios en llamas retratando la difícil situación de vio-lencia que vive actualmente la humanidad, también pirámides y escultu-ras prehispánicas que representan el orgullo que tenemos por México, un dije de escarabajo que para los antiguos egipcios era un símbolo de vida, fuerza y esperanza, que es lo que tratamos de expresar en este disco.

Es imposible no hablar de la violencia, la injusticia y del daño que le hacemos al planeta

¿Creen que el arte es una vía para denunciar todo aquello que no nos gusta del mundo, de la sociedad y del gobierno?Desde luego que sí, creemos que el arte es una forma de provocar, conmover, reflexionar, de manifestarte, de tener en la memoria esos actos y esos personajes que han cambiado la historia de nuestro mun-do. Vivimos en una época en que Internet es una enorme lupa que nos muestra lo mal que estamos actuando como sociedad. Es imposible no hablar de la violencia, de la injusticia y del daño que le hacemos al planeta. Es difícil cambiar al mundo con una canción, pero la suma de ideas, de las creaciones de los artistas y de la gente que está preocu-pada porque este presente cambie y sea mejor para todos hace mucho por este mundo.

RED LIGHT 45DENUNCIA AL ARTISTAFotografía Roberto Sánchez

BLUELIGHT

SECCIÓN

GERARDO CRUZ-GRUNERTH |

LETICIA ZWITTAG | BLAKELY MORALES |

ABRIL DE ROMERO |

Luz azul, en este apartado se incluyen ensayos,

poesía, cuentos, reseñas o cualquier género lite-

rario, y colaboran escritores invitados o artistas

emergentes o con trayectoria (red o green light).

Portafolios digitales de artistas RGB en Bravoreviews.com

Esa noche, tras la charla con tus mojigatas tías en el fondo del armario, me dijiste que vendrías, correrías la prohibición gritando hasta espantarla y ver que se había ido lejos; ya no era esa la hora de consentir cuatro ser-mones de ellas, a quién le importaban ahora aunque fueran necesarios. Bajo la luz amarilla, pesados cabellos se movían apenas con el viento; iba gestándose en tu soledad (como en la rata que lleva a sus próximas crías dentro de sí) esa ansia cansada y novedosa. Los ojos sanguinolentos de paloma inmaculada justificaban tus pasos hasta el zaguán de mi casa, la inconfesable decisión era un eco silencioso que me hinchaban los tré-mulos latidos. Sólo así te habrías atrevido a estar allí, sabiéndote fuera de una rea-lidad de cinco sentidos, con mi movimiento de labios tan lento como cotidianamente es imposible; mi voz perdida, atascada, luchando por tomar su velocidad; mis mudas sílabas te llevaban al interior de los oscuros cuartos jalándote de las pantorrillas. Reducido a cero, consanguíneo del estiércol sobre tus manos quedaba aquello; entonces, las voces de las tías se derretían como la nieve que caía junto al fogón.

por Gerardo Cruz-Grunerth

TURBIO MIRAR

Gerardo Cruz-Grunerth. México. Estudió la licenciatura en Letras Hispánicas y la Maestría en Estudios de

Literatura Mexicana, en la Universidad de Guadalajara, donde ha sido profesor de literatura. Actualmente

continúa su posgrado en literatura en Francia, España y Polonia.

Ha publicado los libros: Círculo que se cierra [De Lo Imposible Ed., 2013], Tela de araña [Ed. Ficticia,

2011] y Últimas horas (fe de erratas) [Centro de Arte y Nuevas Tecnologías y el Centro Nacional de las Artes,

2008]. Obtuvo en 2009 en Premio de Narrativa Manuel José Othón y la mención de honor en el Premio

Nacional de Cuento Joven Comala 2010. Actualmente es becario la Unión Europea y del Fondo Nacional

para la Cultura y las Artes.

Ilustración

David del Castillo

Título

Cactáceas

Aún recuerdo la pintura sobre su rostro, una pintura blancuzca, escurrida que dejaba ver manchones de piel morena. Nunca olvidaré ese verano. Tenía ocho años y Sandy, mi hermana, cum-pliría cinco. Mi madre no era mala persona, sólo actuaba raro. Su prioridad era quedar bien con los vecinos y los padres de mis compañeros de escuela. De mi padre no sabía gran cosa, excepto que mis abuelos se habían encargado de alejarlo de nuestras vidas cuando nació Sandy. Desde entonces mi madre se había transformado en una especie de “orga-nizadora de fiestas para niños”, se encargaba de decorar, preparar la gelatina y, por supuesto, contratar al payaso. Era el mismo payaso siempre. Traje bombacho con bolitas azules, verdes y rojas; sombrerito y silbato. Su habilidad era hacer animalitos con globos. De lejos parecía un payaso cualquiera, feo y ridículo, pero su sonrisa era tenebrosa. En todas las fiestas se comportaba igual. La forma en que se acer-caba a mi hermana y le acariciaba sus largos cabellos castaños me provocaba escalofríos. Conmigo era amable, me daba un perrito hecho con globos rojos y me guardaba pastel. Su mirada asustaba, pero nunca pude rechazarle esa rebanada extra. Mi madre se ocupaba de las fiestas en secreto. Mi hermana y yo la veíamos cada fin de semana hacerse cargo de todo, sin quejarse. No éramos pobres, ni mucho menos, mis abuelos nos daban dinero para vivir bien. Sin embargo, ella guardaba celosamente sus actividades. Pero aquel cumpleaños de Sandy fue diferente. Hacía mucho calor. Mi madre lucía un vestido nuevo en color azul y zapatos blancos, se veía radiante. A mitad de la fiesta, entre serpentinas y rondas, apareció el payaso. Sandy y yo corrimos a un rincón, pero él nos encontró. Tomó de la mano a mi hermana y se dirigió a la casa. Mi madre servía el ponche y yo traté de avisarle. Ella no me escuchó. Entré corriendo. No había nadie en la sala, tampoco en la cocina, ni el baño. Nervioso me asomé a la habitación de Sandy y lo vi. Tenía a la pequeña rodeada, sus brazos la ocultaban casi por completo. Él levantó el rostro bañado en lágrimas, la pintura escurrida, los manchones de piel morena. Salté sobre él para liberarla, lo jalé y le di de puñetazos hasta cansarme. Él se levantó y dejó a Sandy sobre la cama. Ella tenía los ojos húmedos, pero no lloraba, sostenía con sus manos pálidas un ratón de peluche.Miré consternado al payaso que se arrodillaba frente a mí. Me abrazó por la cin-tura y recargó su mejilla en mi hombro. Lo escuché sollozar un par de minutos. Enjugó su rostro, se puso de pie lentamente y me miró por un instante eterno, como si el tiempo y la Tierra misma se hubieran detenido. Tenía las manos heladas y cuando me decidí a darle un puntapié, él me detuvo por los hombros, sus labios se abrieron y el mundo comenzó a girar, todo me dio vueltas y caí al piso sin remedio. Cerré los ojos, como si ese gesto me hiciera olvidar lo que había escucha-do, pero era imposible. Ese día lo supe, aquel hombre repugnante de sonrisa tenebrosa era mi padre.

por Leticia Ortega Zwittag

SECRETOS DE FAMILIABLUE LIGHT 49DENUNCIA AL ARTISTA

¿Qué es el arte? No sé. Es ocioso plantear definiciones. Las palabras se usan y se desgastan, ago-nizan y mueren. Nuestra función como seres lingüísticos es agotar los conceptos, vaciar los significados, y mantenernos así en un ciclo (quizá infinito) de búsqueda de sentido al hecho éste de existir. Con todo, no creo que la palabra arte esté muriendo. Mientras ex-perimentemos y encontremos conmoción ante lo bello, tendremos en la cabeza y la lengua al arte como sintagma que engloba un todo, y lo pronunciaremos cuando nos preguntemos por qué las lágrimas al final de alguna película. El arte como concepto, como idea, nació con nosotros y morirá cuan-do los polos terminen de derretirse. Su significado se extiende y se nos cae al suelo como si a medio camino de la casa a la tienda se rompiera la bolsa del azúcar, y ésta cayera toda en la banqueta; mientras el universo se expande lo hacen también la ambigüedad y el misterio del arte. Por lo pronto, mientras avanzan los años y seguimos creando, nos queda ir buscándole sentido. Observar su línea del tiempo, colocarlo y recono-cer su capacidad en esta era para revelar respuestas sin tener que gritar neciamente un solo argumento; su fuerza para decirnos quiénes somos y de qué estamos hechos. Que sigamos insistiendo en hacer posible la vida es gracias en gran parte al arte. Ejemplo de esto es que estemos tan acostumbrados a ver sangre, y que de pronto ni una sola de las noticias nos sorprenda, solo él. Solo el arte es capaz de hacernos sentir indignación y amor al mismo tiempo. Por más maldito que sea el o la poeta, por más crudeza que haya en los murales, y por más clavadas en la decadencia que estén las coreografías y las obras de teatro; habita, dentro de los y las creadoras de estos años, una esperanza de librarnos del vacío, de sacarnos del hoyo en el que estamos. Aunque para ser honesto no creo que salgamos, podemos intentarlo y el arte, en todas sus modalidades y empaques, nos incitará a seguir cons-truyendo casas, hacer revoluciones y amores, escribir y tomar café o vino de Tetra Pak en copas de vidrio.

LO QUE ESPERAMOSCON LA CREACIÓNpor Blakely Morales Cruz

Colaboración especial con Editorial Torbellino

Se imita demasiado y la salvación está en crear. José Martí

Mejor será cuando llegue el día en que todos y todas seamos artistas, el día en que todos escribamos al menos un libro o pintemos un cuadro. Aspiro a que llegue la era en que sea posible el conocimiento de la historia de la ambigüedad del arte por toda la sociedad; pero también aquella en que no se nos trate de engañar, porque si bien es cierto que el hambre y la sed de sueños pueden saciarse con música, textos y grabados; el hambre de justicia no; el hambre de sensatez tampoco y para qué hablar del hambre como cabrón retortijón que se siente y sienta arribita de la pelvis. Quien crea, quien cree, quien haga cosas, debe ir librándose de las ambigüedades para salvar la trascendencia; hacer un proceso a la inversa del de “tener hambre” y con eso rellenar su creación. Queremos ver a los artistas denunciando; diciendo lo que sienten sí, pero también compren-diendo la rabia de los demás. Queremos verlos diciendo lo que tengan que decir o callando si to-davía no encuentran la forma o las palabras exactas. Y desde eso resistir a la insensatez de quienes no les interesa que las palabras se expandan, se cuelen o desaparezcan, y se vayan como nos iremos nosotros, con todo y la grandeza de nuestros modos de hacer o definir al arte. No pretendo hacer creer que la denuncia por medio de la obra sea algo así como “la obligación” de quienes hagan cosas (pues si algo les carac-teriza es seguramente una libertad auténtica); pero sucede que sigue ur-giendo verlos y verlas buscando que el café alcance para todos. Queremos verlos alimentándose de preguntas, no adoptando la cerrazón, el egoísmo y el discurso oficial como posturas; llevando lo evidente al terreno de lo mágico, sacándonos de modos tan gratos de las rutinas y del confort, creando espacios de nuevos mundos.

BLUE LIGHT 51DENUNCIA AL ARTISTA

Ilustración

Eliane Mancera

Título

Tulipanes

twitter.com/EdTorbellinofacebook.com/edtorbellino

COSAS DE MADRUGADApor Abril de Romero

Artista denunciada

Si alguien está despierto y bien acompañado durante la madrugada, le pueden ocurrir al menos tres tipos de cosas: las que uno olvida pero los demás se las reduerdan; las que sí se recuerdan pero uno prefiere olvi-darlas y las que no se olvidan porque se platican una y otra vez hasta que recordarlas es tan emocionante como haberlas vivido. La madrugada es ese lugar que se habita de la 1 a las 5 a la mañana, justo cuando la gente decente ya está bien dormida y antes de que esa misma gente se levante para ir trabajar. Es cuando se deja de mirar el reloj y en vez de ir a contratiempo, uno se entrega a la dicha de moverse con él. Sólo en un lugar así se pueden dar encuentros, desencuentros, amistades, reflexiones, besos y pasiones que no cabrían en ningún otro escenario, ni en ninguna otra hora. Es en la madrugada donde se construyen hermanda-des que duran lo que dura una canción de José Alfredo. Es donde se baila, se canta, se besa y se platica como si ni el sol, ni nadie estuviera vigilando. Pero que quede claro que el espíritu de la madrugada no está en el al-cohol, ni en los excesos, sino en la disposición de dejarse embriagar por la intoxicante sensación de que aún es hoy. La madrugada es limbo entre el día que se acaba y el que todavía no llega. Cuando se tiene una madrugada así, no hay resaca ni desvelo que le quiten a uno la satisfacción de saber que aunque sea por una noche se vivió un poquito más. Mucho de lo que pasa en la madrugada, se queda en la madrugada, pero lo que pasa de la madrugada es lo que nos gustaría que se quedara para siempre. Por eso cuando amanece y a uno le dan ganas de volver a ver a cierta gente incluso a la luz de la rutina, se puede decir que se han encontrado verdaderos amigos, o sea, personas con quienes se pueden pasar tardes, viajes e incluso otro tipo de madrugadas en las que el tiempo transcurre más lento, como en los hospitales, las comisarías y los velorios. Lo mejor de la vida es cuando uno encuentra alguien con quien, ade-más de desveladas, se desean pasar amaneceres, despertares, desayunos, ronquidos y hasta primeros alientos de la mañana. Alguien con quien seguir escribiendo historias de madrugada, pero de las que sólo se pueden contar entre los dos que las protagonizaron…

www.cronicasdemisantropia.blogspot.mxfacebook.com/cronicasdemisantropia

Fotografía Tania Sánchez

Bonus web

MÁS DE NUEVE MUSAS, MÁS DE SIETE ARTESpor Alan Santiago

Una de las cosas más terribles a las que puede enfrentarse un escritor es la mítica hoja en blanco, un cliché terrorífico donde se experimenta una especie de fractal vacio, aunque de blancura en lugar del clásico negro cósmico, la Nada. Algún día la imaginé también como un campo de bata-lla, en donde el escritor despliega estratagemas de sintáctica y semántica, utilizando palabras como armas y donde puede morir también desangra-do, creí que el rojo de sangre sobre el blanco de la hoja era una imagen fuerte. Todo esto tiene que ver inevitablemente con la cuestión de la inspira-ción, de ese instinto creador que no obedece a la voluntad sino más bien al sentimiento del artista, de ese impulso natural y fluido que favorece la producción artística e incluso científica. Agradezco la invitación como colaborador en este nuevo número de RGB Revista, en su edición dedicada a los Artistas Denunciados. Me pre-gunté sobre que podía escribir y es entonces cuando experimenté el vacio de la hoja en blanco, la falta de inspiración, la nada en mi cabeza, y un poco también en mi corazón, ya que no sentía emoción alguna en espe-cífico para escribir, sin embargo y de manera paradójica a esto, repentina y reveladoramente se me antojó el tema que yo buscaba; eso mismo de lo que yo estaba careciendo. Si no tengo inspiración ¿entonces porque no escribir sobre ella? RGB es una publicación dedicada a las artes en general, no sé centra sobre un tipo de artistas en específico y siempre incluye nuevas formas, nuevas propuestas, tanto de arte como de artistas, hace entrevistas, rea-liza videos y de algún modo nos acerca a ese proceso creativo, al diálogo con las musas de cada uno de ellos. Es en ese sentido la relación del título con este pequeño texto. Desde mi punto de vista y la literatura en particular he hablado ya sobre las metáforas de la hoja en blanco, sobre la ausencia de mi musa, pero la inspiración ha sido representada ya de distintas maneras desde la antigüedad; Calíope, Terpsícore, Erato, Polimnia, Clío, Urania, Euterpe, Talía y Melpómene entre los griegos clásicos son el ejemplo más certero de esto, y aunque no todas son asignadas precisamente a un tipo de arte en específico, si representan a ciertas cualidades dentro de la expresión artística o científica. De igual modo, más allá del cine como el arte que sucede a las seis ramas del arte clásico -literatura, escultura, pintura, teatro, arquitectura y música- el arte mismo tiene cada vez más formas,

BLUE LIGHT 53DENUNCIA AL ARTISTA

variantes o conjunciones diferentes en su expresión, muestra y manifes-tación en el mundo y la historia. Tenemos entonces que los mecanismos de la inspiración, es decir, los de las musas tienen que mutar, pulular y reproducirse también entre los artistas en acción. Habrá muchos que tam-bién se queden en la fase de la inspiración y rara vez produzcan, de modo que resulta que el arte es cosa de voluntad e inspiración básicamente. Más de 13 números de la revista dedicados a las artes, tanto entre las ramas clásicas, más otras variantes o formas modernas como el Comic, el Grafitti, el Cine, Diseño de Modas, entre algunas otras. Este número no está dedicado a alguna expresión artística en particular, pero está dedica-do a esos artistas que producen, que son visitados por las musas o que ellos mismos buscan la manera de frecuentarlas o atraerlas, porque el arte no es sólo obligación de estas, sino también del artista, como una construcción dialéctica del Ser con el Universo mismo, un oficio de ser. Está dedicado de algún modo también, a ese impulso vital que nos anima a crear, no utili-zando ya el término artistas, sino bien como los seres humanos que somos, como un don, como esa capacidad inherente a nuestra esencia creadora, como potencialidad cósmica, y es a la vez no sólo un medio de difusión o denuncia, sino una invitación misma a cultivar esa pequeña semilla de artista creador que hay oculta en cada uno de nosotros, semilla que no hay que dejar morir nunca, semilla que debemos aprender a germinar, ya que no existe ser humano que no pueda convertirse algún día en un gigante y majestuoso árbol.

[email protected]/Ikki Sant

Bonus web

SOBRE EL “ARTE POLÍTICAMENTE IMPLICADO”por Juan Tejada

Cuando éramos estudiantes hicimos una colección de entrevistas a una serie de arquitectos muy reconocidos en México acerca de la función so-cial de la arquitectura. Estaba nerviosísimo porque era la primera vez que entrevistaba a alguien y estos señores y señoras eran ni más ni menos que el pináculo aspiracional de la arquitectura en el país. El primero en la lista era Isaac Broid. Sabíamos que Broid provenía de un contexto muy privilegiado y sus clientes eran grandes corporaciones con mucho dinero y por tanto sus opiniones serían muy probablemen-te de corte neoliberal. Aún así y con todo, su agresividad a las prácticas arquitectónicas preocupadas por los sectores más desprotegidos me sor-prendió. “La arquitectura no esta aquí para salvar a nadie, es una práctica ligada a un cliente y nuestra responsabilidad es responder a ese cliente”. Salimos regañados y decepcionados. Nos resistíamos a pensar que estábamos esforzandonos tanto estudiando para un fin tan corto. Nues-tra juventud nos empujaba a metas más altas, nuestra ambición y quizá nuestra ingenuidad, nos decían que podíamos ayudar aunque fuera solo un poco a mejorar el mundo. En ese entonces muchos de los arquitectos que entrevistamos publi-caban una revista llamada Arquine. Desde ese momento hasta ahora han pasado muchos años y no es raro hoy encontrar artículos en esa misma revista sobre proyectos de bajo presupuesto en entornos rurales o zonas urbanas pauperizadas, algo que nadie hubiese pensado que podían publi-car hace 10 años. Cuando Carlos González Lobo hablaba en esas mismas entrevistas de una arquitectura crítica, se refería a algo que desde la década de los sesenta del siglo pasado se viene denunciando bien claro por la mitad del mundo. Que el sistema de organización humana como se ha hecho no esta bien y la arquitectura, y el arte, y el resto de las prácticas de creación cultural tienen algo que ver con ello. Me gustaría explorar, así sea superficialmente, ese debate entre aque-llos que conciben el arte como instrumento de transformación social, de denuncia, o como se dice en los círculos especializados un tanto anacró-nicos, como “arte políticamente implicado”; y aquellos que defienden la idea del arte como disciplina autónoma cuya función es producir ex-periencias estéticas dentro de sus propios medios sin referirse jamás al mundo exterior. La cuestión del “arte políticamente implicado” va y viene cada cierto tiempo entre los críticos de arte y el mote puede referirse a muchas cosas. Por ejemplo, durante los años 50 los jóvenes pintores llamados de “la generación de la ruptura”, se quejaron de la Escuela Mexicana de Pintura representada por los grandes muralistas de los años 30, por haber cons-truido un dogma pictórico empleado como propaganda de unos ideales

Bonus web BLUE LIGHT 55DENUNCIA AL ARTISTA

pretendidamente nacionales y que terminó institucionalizado por el PRI. Desde su perspectiva el arte debía hacerse para explorar el medio y para avanzar en el conocimiento de la experiencia estética pictórica, no para hacerle gordo el caldo a los políticos. Si bien es cierto que la generación de ruptura permitió romper con la hegemonía de los temas y valores del gastado movimiento muralista, no habrá que olvidar que los ideales cosmopolitas y abstractos encumbrados por los jóvenes de los años cincuenta, coincidían con los discursos “apolí-ticos” del arte neoliberal internacional. Es decir que le estaban siguiendo la corriente al gran arte neoyorkino, mismo que se alejaba de las inquietudes políticas para relajarse en un cómodo conformismo resultado de una cultu-ra del consumo, distracción del verdadero estado de las cosas en el mundo. Algunos dirán que el arte revolucionario no es otra cosa más que la estetización de una ideología, que en realidad no es más que publicidad. Que el arte solo debe preocuparse de ser arte, puro, abstracto y autóno-mo. Otros dirán que el arte finalmente habla del mundo que vivimos los hombres y en tanto que la experiencia humana es social, por tanto todo arte es político. El problema real puede radicar en el asunto del termino “arte”, el cual ha tenido un corto periodo de vida como asunto autónomo. Recordemos que el “arte” como finalidad sin fin (es decir sin más utilidad que la de ser contemplado y creado en sí mismo) es una idea bastante novedosa que sólo tiene dos siglos y medio de antigüedad. En otras palabras el arte hasta el siglo XVIII siempre había sido utilitario, siempre había sido publicitario de cierta manera. Y ahora en el arranque del siglo XXI nos damos cuenta que probablemente así sea siempre, en tanto que el diseño y la publicidad hoy son mucho más relevantes y determinantes socialmente que el “gran arte puro”. Si esto es así, si el arte se ha vuelto un comentario al pie de página de la historia de las sociedades, ¿qué podemos rescatar de su práctica, recepción y circulación? Poca cosa. El arte como cosa autónoma ya solo puede abastecer de ma-teriales estéticos al mundo del diseño y de la publicidad. El arte puro que ha intentado mantenerse en el mundo romanticamente a través del mercado del valor simbólico ha caído en farsa o en atracción turística como mucho. En contraste, las prácticas culturales autoconcientes y críticas, aque-llas ligadas a la resistencia cultural, conservan las mejores características de aquello antes llamado arte, al tiempo que desprecian sus peores vicios, es decir, por un lado se nutren de la experiencia humana y la expanden hacia nuevos fenómenos (con lo cual permiten aumentar los signos y sig-nificados que componen nuestro registro y representación de la realidad); y por el otro lado, no reconstruyen el aura sagrada del objeto o del autor, no se apegan a unos valores idealistas descontextualizados del mundo, ni pretenden tener valor por sí mismos. Estas prácticas son y serán de máxima relevancia en la medida en que puedan ser útiles al desarrollo civilizatorio, es decir en la medida en que sean políticas. Políticas en su sentido más amplio de instrumentos y técnicas para el mejor vivir en comunidad. En otras palabras, el carácter y la importancia de estás prácticas que-dará expuesta con toda claridad en las transformaciones humanas del presente siglo. Siglo de luchas por acceder a la creación cultural como derecho a pensar y sentir la vida que queremos vivir.

Bonus web

YELLOWLIGHT

SECCIÓN

FESTIVAL HÍBRIDO |

LA PIQUERÍA |

Luz amarilla, éste es el espacio designado a reseñar

colectivos, asociaciones civiles, festivales y em-

presas culturales, que realizan actividades com-

prometidas socialmente que involucran al arte.

Números anteriores: issuu.com/rgbrevista

HÍBRIDOReseña

El Festival Híbrido nace a partir de la idea de crear un espacio para mentes crea-tivas, artistas y exponentes relacionados con el arte urbano, que, a manera de galería en colectivo, pudieran exponer su trabajo y dar a conocer su talento en las distintas corrientes creativas como diseño gráfico, graffiti, ilustración, foto-grafía, escultura, acuarela, aerografía, técnicas mixtas, intervención, grabado, serigrafía, dibujo, óleo, acrílico, arte objeto, arte sonoro, danza y performance, por mencionar algunas. Su creador y productor es “Says” David Almendáriz. En el año 2012 se festeja la primera edición del festival Híbrido con 25 ex-positores tanto regionales como nacionales y este año estuvo de vuelta —por tercera vez consecutiva— con la participación de más de 100 exponentes, en su mayoría potosinos, con invitados del DF, Morelia, Querétaro y Madrid. En la última ocasión (2014) se tuvieron más de 800 asistentes, superando la asistencia del año anterior. Se llevó a cabo el miércoles 7 de mayo en el Cen-tro de Difusión Cultural IPBA; la entrada fue gratuita y abierta a todo público. Se contó con un programa de actividades que incluyeron una muestra en vivo de pintura graffiti sobre mamparas con exponentes de SLP; una exhibición de arteAuto por parte de Montiel Aerografía & Pro Alarmas; la participación del grupo United Street Company, bajo la dirección de Beto “The foráneo” García con la colaboración de Beatbox Rayo, y hubo música en vinilos a cargo de Dj Deep Drape, Johan Switch, Andy Beat, Markuz Motu y Lady Yei.

Festival de arte contemporáneo

Fotografía

Arturo García

Espacio para mentes creativas, artistas y exponentes relacionados con el arte urbano

En Híbrido las obras expuestas son de tema, técnica y tamaño libre, se busca no limitar la creatividad del artista y explotar al máximo su talento, con la fi-nalidad de que dé lo mejor de sí y esto se vea reflejado en su trabajo. Híbrido se está preparando para su edición 2015 en el cual espera exponer el trabajo de nuevos artistas, tener mayor asistencia y seguir posicionandose como uno de los festivales artísticos potosinos de mayor relevancia.

LA PIQUERÍAPublirreportaje

Caracterizado por ser un lugar de culto al mezcal, La Piquería Mezcalería o La Pique (como se le apoda) también tiene como parte de sus objetivos la difusión de artistas potosinos y nacionales, mediante la organización de exposiciones y conciertos. Es un orgulloso ícono de la ciudad y referencia turística, cultural, social, gastronómica y del mezcal artesanal, no sólo del estado, sino en México. A lo largo de los años se han expuesto trabajos de fotografía, pintura y carteles. Asimismo, se han llevado a cabo funciones de cine y ha sido foro para la música de los grupos más importan-tes de la ciudad. También se cuenta con exposiciones permanentes de pintores reconocidos nacionalmente.

El culto al mezcal y al arte

YELOW LIGHT 59DENUNCIA AL ARTISTA

Comprueba y degusta la pureza del pulque y el mezcal que aquí se ofrecen

En La Piquería se apoya el mezcal potosino, pero su más grande orgullo es su propio mezcal, resultado de un es-fuerzo de varios procesos artesanales y de conservar la tradición de su elaboración y el respeto por el me-dio ambiente. Otra de sus bebidas estrellas es el pulque artesanal, del cual se han encargado del rescate de su elaboración y comercialización para que más gente lo conozca, así que no dudes en ir a degustar tanto del pulque como del mezcal y para comprobar la pureza de los productos que te ofrecen. Actualmente, en La Pique-ría podrás encontrar destilados de café, cacao, frutas

silvestres y elote, únicos en San Luis Potosí, además de cocteles como los de Toro Espinado, Besitos de Mezcal, San Mezcalito Rey, Elixir de Agave, Mez-calito Tropical, El 14, Diablito y Toro Sangriento, así como mezcales de 4 estados de la República (Guerrero, Durango, San Luis Potosí y Oaxaca) Sanzekan Mezcal y Mezcales de Almamezcalera, además de una gran variedad de cervezas artesanales y cerveza real. Si estás buscando conocer un emblema de la ciudad, con un ambiente distinto y una vista única en el Centro Histórico de San Luis Potosí, date una vuelta por La Pi-quería, lugar en donde tú vas por el mezcal y ellos ponen la comida con su extenso menú botanero, tú te dedicas a beber y ellos se encargan de atenderte.

Cartel Sergio Grande

rgb denuncias 1.0

Documents