revista nº4 much cine marzo de 2015

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CRÍTICAS

DE

CINE

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‘JOHN WICK’

La venganza es mía

Por: Gerardo Medina Pérez

El Paul Kersey que clamaba venganza en “El justiciero de la

ciudad” por la muerte y violación de su esposa ya existía antes de

que este John Wick decidiera ajustar cuentas con los

responsables de la muerte de su perro. Y Jack Carter, Max

Rockatansky, Mason Storm … Todos estos personajes han venido

a coronar un subgénero que lleva bastante tiempo en el mundillo

del mercado doméstico, aunque recientemente propuestas como

“Venganza” o “The Equalizer” han rememorado el brillo de

aquellos días, cuando los justicieros tomaban la ciudad y

demostraban que la venganza es un plato que se sirve bien frío.

Así que esta cinta de acción en apariencia modesta no viene para

inventar nada nuevo, pero sí que se preocupa de servirlo de una

manera distinta. “John Wick” recicla la idea del justiciero en una

cinta de acción directa, violenta y visceral que consigue hacer

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suyos los códigos del género y modularlos en torno a una cantidad

de gadgets de guión de lo más originales. Sí, su guión cojea en

más de un tramo –algunas motivaciones de sus personajes no

están del todo explicadas, y el mismo leit motiv de la vendetta

puede resultar difícil de creer-, pero lo compensa con el

grafismo escénico del mundo del cómic. Porque en cada plano, en

la confección del peculiar y atractivo universo criminal en el que

nos va sumergiendo, repleto de hoteles para asesinos con su

propio código de etiqueta o empresas de limpieza de cadáveres,

en la misma caracterización de sus personajes y su concepción de

la acción, esta película desprende un aroma a cómic que

sorprende precisamente porque no está basada en ninguna novela

gráfica.

Estamos ante una de las propuestas de acción más vibrantes y

originales de los últimos tiempos, repleta de ingenio en el libreto

de Derek Kolkstad y buen hacer tras la cámara por parte del

debutante y doble de acción de su estrella protagonista en más

de un film, Chad Stahelski, que, además, supone la resurrección

de un icono del género como Keanu Reeves, totalmente cómodo en

su rol de hombre del saco de la mafia, de vengador implacable y

prácticamente indestructible. Un vehículo para su lucimiento

personal que el intérprete usa y explota como tal con

sobresalientes resultados.

Pura orgía de disparos, sangre, peleas acrobáticas y sentido del

ritmo, “John Wick” ofrece cien minutos de entretenimiento sin

fisuras en lo que a divertir al respetable se refiere, tanto que

compensa la debilidad de su guión y un tramo final más

convencional que el conjunto que deja abiertas las puertas a la

casi inevitable secuela. Pero la verdad, si ésta consigue el mismo

nivel que la que nos ocupa, como si hacen una veintena. Tenemos

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nuevo director y guionista en el panorama cinematográfico a los

que seguir muy de cerca si siguen esta línea. Vivimos la vuelta de

un actor al que, pese a sus baches, siempre hemos echado de

menos. Y hay un nuevo vengador en la ciudad al que respetar y

temer.

NOTA: 7 sobre 10

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‘EL LIBRO DE LA VIDA’

¡Qué viva México!


“El libro de la vida” comienza con unos niños norteamericanos que

acuden con pocas ganas a un museo, donde una azafata les recibe

para enseñarles la sala dedicada a México. Allí la azafata les

contará la disputa por el amor de una bella joven entre un joven

torero que aspira a ser cantante y un héroe local cuyas medallas

dan buena prueba de su valentía, mientras La Muerte y Xibalba

se apuestan entre sí sus respectivos reinos, la Tierra de los

Recordados y la Tierra de los Olvidados, en función de quien

consiga casarse con la chica.

Con esta breve sinopsis, que prácticamente se nos desvela

durante los diez primeros minutos de la cinta, el debutante

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Jorge R. Gutiérrez viene a resumir a su vez el espíritu del que

supone su puesta de largo en la animación. Su debut no pretende

más que acercar la cultura y folclore mexicanos del sur al norte

en particular, y en ese sentido se convierte en un escaparate que

consigue estrechar lazos entre culturas tan cercanas

geográficamente, pero alejadas en su idiosincrasia.

Su propuesta acierta no sólo en contarnos las tradiciones de todo

un pueblo y todo lo relativo a una celebración como el Día de los

Muertos, sino que a la vez da en el clavo al reírse de todos los

tópicos de los gringos hacia los mexicanos, así como al poner en

tela de juicio, que no condenándolas, algunas de las

características fundamentales de algunos de estos acervos, como

la tauromaquia. Sin embargo, comete el gran error de confundir

el acercar la cultura a Estados Unidos con americanizarla,

utilizando gags más propios de una propuesta que pretende

abrirse un hueco entre audiencias más amplias y se olvida de que

es más importante contentar a unas más modestas. Una

americanización que también se evidencia en su propia banda

sonora, donde encontramos versiones de éxitos del rock en

anglosajón de Elvis Presley o Radiohead al más puro estilo pop,

algunas cantadas por sus propios personajes.

Lo que acusa esta película es pura falta de identidad personal.

Podía funcionar perfectamente gracias a su trama, sus

personajes y la lección que da sobre el peso del legado, de crear

nuestra propia historia y no vivir siempre a la sombra de nuestro

apellido, sin necesidad de todos esos intentos de empaquetarla y

venderla a un público adicto a los productos basura. Y es algo

curioso considerando que su productor es Guillermo del Toro, un

cineasta que ha sabido confeccionar un cine fronterizo,

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encontrando el perfecto equilibrio en su filmografía entre sus

raíces culturales y el cine mainstream.

Sin embargo, la propuesta de Gutiérrez compensa este grave

defecto con una puesta en escena espectacular, un sentido del

ritmo que la hace tremendamente entretenida y una animación de

primer nivel. La historia protagonizada por estos muñecos de

madera animados digitalmente divertirá a espectadores de todas

las edades, pero es menos abanderada de la cultura mexicana de

lo que ella misma cree ser.

NOTA: 6 sobre 10

10

‘BOB ESPONJA: UN HÉROE FUERA DEL

AGUA’

Otra vuelta de tuerca


El comienzo y el desenlace de esta segunda aventura

cinematográfica del personaje creado por Stephen Hillenburg

vienen a funcionar como nexo de unión de lo que fuera el

comienzo de la serie animada de Nickelodeon. “Bob Esponja: Un

héroe fuera del agua” se convierte en algo así como un episodio

piloto de larga duración de la serie original, un regreso a los

orígenes de la carismática y tontorrona esponja amarilla ataviada

con pantalones cuadrados.

No es la única vuelta de tuerca que atesora esta propuesta para

toda la familia. Porque un personaje como Bob Esponja necesita

no acomodarse en su asiento y el éxito fácil, y la película se

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preocupa por contener momentos de auténtico ingenio. Y el más

importante de todos ellos es que cambia constantemente de

géneros, estilos narrativos, técnicas de animación e incluso

sector de la audiencia en sus ajustados noventa minutos.

Coquetea sin vergüenza con la ciencia-ficción de viajes en el

tiempo y universos apocalípticos –soberbias las referencias a

filmes tan dispares y poco infantiles como “Mad Max”, “El

resplandor” o “2001”- y los sueños de golosina, a la vez que pasa

en un abrir y cerrar de ojos del cartoon de Tex Avery a la

animación 3D mezclada con la imagen real, pasando por el cine de

superhéroes y el uso de marionetas.

Pero si bien se muestra subversiva en lo que a narrativa se

refiere, ya su guión e historia son otro cantar. La acidez y el

surrealismo del que hace gala la serie están presentes aquí en

ocasiones puntuales. Es como si el conjunto se hubiese dejado

contagiar por esa ingenuidad impostada que desprenden Bob,

Patricio y los demás habitantes de Fondo de Biquini, por ese aura

infantil que desprende el convenientemente sobreactuado pirata

que interpreta Antonio Banderas. En eso está a años luz de la

anterior película del personaje, mucho más anárquica en su

libreto que la que nos ocupa, que parece más preocupada por

satisfacer al público más familiar antes que mantenerse fiel al

espíritu de su referente catódico. Posiblemente, la razón esté en

el cambio de guionistas y de director, y sobre todo, en la menor

implicación del creador en el proyecto.

Y con todo, lo que da “Bob Esponja: Un héroe fuera del agua” es

puro entretenimiento sin miramientos, sin tomarse nada en serio

a sí misma y sin preocuparse por ser algo más que un pasatiempo

lúdico. Eso sí, desde aquí es conveniente lanzar un mensaje de

advertencia: no se dejen llevar por su tráiler y su póster, y en

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general por ese salto al 3D que ha centrado toda su campaña de

promoción. Porque empieza tarde y dura poco, y puede

decepcionar a todo aquel que acuda a buscar precisamente lo que

le han vendido. Pero sobre todo porque no es sino otra vuelta de

tuerca más, y no la más importante.

NOTA: 6.5 sobre 10

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‘LA SEÑAL’

Más allá del límite


Tres amigos viajan a California cuando reciben una señal de un

hacker que ha conseguido meterse en los servidores del MIT. Por

el camino deciden desviarse de su ruta e investigar el origen de

la transmisión, que les lleva a un caserón abandonado en medio

del desierto de Nevada. En la casa parece que nos encontramos

ante una cinta de terror más, hasta que… No conviene desvelar

mucho más del argumento de “La señal”, una modesta propuesta

de género tan difícil de clasificar como de recomendar, que

podrá sorprender a muchos pero decepcionar a otros en función

del nivel de credulidad del espectador.

La segunda película de William Eubank, ya a simple vista, nos deja

claro que a este señor más vale seguirle la pista. El realizador

maneja muy bien los pocos recursos cinematográficos que tiene a

su alcance y hace de las carencias una virtud. Buena fotografía,

solventes efectos especiales, interpretaciones decentes -

especialmente Laurence Fishburne y Olivia Cooke, y atención a la

siempre agradecida aparición de Lin Shaye-, un excelente manejo

de la cámara en las escenas de acción, y una habilidad

sobresaliente para crear atmósferas enrarecidas e intrigantes.

Es decir, una factura técnica y artística de primer nivel para un

film que no ha contado precisamente con medios demasiado

generosos.

Y, además, muestra una buena mano a la hora de manejar los

distintos géneros que transita. De la película de terror found

footage que apunta que serán sus primeros 25 minutos pasamos a

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la ciencia-ficción pura y dura, en una cinta que tiene

reminiscencias de “Cube”, “La amenaza de Andrómeda” o incluso

“District 9”, y que sabe perfectamente mantener el suspense

durante la primera mitad de su relato. Es elogiable cómo Eubank

va caminando poco a poco, sin vergüenza y con paso firme, hacia

lo desconocido, y cómo su película va recordando cada vez más a

un episodio alargado de la televisiva “Más allá del límite”.

Sin embargo, pese a su incuestionable potencia visual, lo que sí

demuestra “La señal” es que está más preocupada por el

envoltorio que por ofrecer un contenido mínimamente coherente.

Y es aquí donde entra en juego la credulidad del público. Porque

habrá quien finalmente se deje engañar por todos sus chispazos

de ingenio, que los tiene y en abundancia, pero para los demás

superará en más de una ocasión el límite de la inverosimilitud.

Para ellos, todo lo que ocurra tras sus primeros cincuenta

minutos de metraje será una sucesión de un “WTF” tras otro,

jugando al más difícil todavía y a sorprender al respetable. Hasta

llegar a un clímax que supone la cúspide de esa incredulidad y se

torna en decepción por culpa de una explicación final que o bien

puedes ver venir hacia mitad de película o bien no acaba de

cerrar todos los cabos sueltos de un guión no del todo bien

hilvanado ni preocupado por sus personajes. Pero, a pesar de

todo, no dejamos de estar ante una propuesta interesante y

entretenida, y ante un cineasta que podría dar una obra mayor

con unos pocos centavos más y un libreto mejor pulido entre sus

manos.

NOTA: 5.5 sobre 10

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‘JUPITER ASCENDING’

El negocio de los Wachowski


En un momento de su última película, los Wachowski ponen en

boca del villano lo que significa el negocio del cine, una inmensa

maquinaria de hacer dinero cueste lo que cueste, aprovechándose

de quien se cruce por su camino. No es casualidad que estos dos

hermanos condenados por parte de los espectadores y de los

productores a repetir el éxito de su ambiciosa epopeya matricial

carguen de esta manera sutil contra la industria del

entretenimiento, pues tan pronto estuvieron en lo más alto como

tocaron fondo en sucesivos trabajos.

Pero por mucho que arremetan contra la misma industria que les

da de comer en forma de superficial discurso capitalista, lo

cierto es que la culpa de que no hayan vuelto a levantar cabeza es

suya y solamente suya. Porque es sólo culpa de ellos no haber

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sabido aprovechar los generosos 170 millones de dólares que

Warner, que mima más la autoridad de sus cineastas antes que el

mero hecho de amasar millones, para narrar algo mínimamente

interesante y entretenido.

Lo único que puede salvarse de esta “El destino de Júpiter” es su

factura técnica. Efectos especiales de infarto, un gran trabajo

de maquillaje, vestuario, un excelente sonido, una solvente banda

sonora a cargo de Michael Giacchino… Su abultado presupuesto

se nota en cada detalle de la producción, y lo que los hermanos

obtienen es un espectáculo de pirotecnia visual para ver con la

boca abierta y en pantalla grande. Pero entre tanta escena de

acción frenética pero reiterativa, conflicto fraternal no

resuelto, bienvenido cameo sorpresa montypythoniano y boda

bizarra, “El destino de Júpiter” se ve frustrada por un guión que

ya acusa importantes agujeros desde su presentación, al minuto

de arrancar la proyección.

Personajes pésimamente dibujados, situaciones que deberían ser

graciosas pero resultan vergonzosas, y una sensación general de

no creerte nada de lo que te están contando. Los actores hacen

un esfuerzo y un acto de fe por creerse la trama, pero es la más

floja de la función, Mila Kunis, la que viene a sintetizar la

sensación del público con su “No me j****”constante.

Y, encima, los Wachowski intentan vendernos de nuevo la historia

que les hiciera famosos hace casi 15 años. Es decir, la del elegido

que debe salvar a la Humanidad de ser cosechada por una raza

superior que incluso puede alterar nuestra percepción de la

realidad a su antojo. Esta vez sin chispa, sin una mezcla de

géneros y estilos coherente y que funcione –aquí también está

“Dark City” como una de sus referencias, mezclada con otras del

género como “Dune”-. Uno se pregunta si aquella alegría que

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supuso “El Atlas de las Nubes” no fue en realidad fruto de la

presencia de Tom Tykwer, y si estos dos hermanos no tuvieron ya

su momento de gloria y realmente carecen de verdadero talento.

Lo peor de todo esto es que, en su idea de negocio, los que

salimos perdiendo somos los espectadores que pagamos por ver

este monumental bodrio aburrido e insustancial bañado de

atractivos fuegos artificiales.

NOTA: 3 sobre 10

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‘AMERICAN SNIPER’

El gran héroe americano


Hay tres tipos de personas en este mundo. Algunos no quieren

creer que el mal existe en este mundo y, cuando llama a su

puerta, no saben defenderse a sí mismos. Son las ovejas. Luego

están los predadores que hacen presa del débil, los lobos. Y por

último existe un tipo de personas que viven para enfrentarse al

lobo y proteger a las ovejas. Son los perros pastores. De esta

manera tan simplista resumía el padre de Chris Kyle, el

francotirador más letal de la historia militar estadounidense, a la

raza humana. Este pensamiento caló tan hondo en el personaje a

quien se dedica la última película de Clint Eastwood, que el propio

Kyle –correcto Bradley Cooper, sin más- llegaba a categorizar a

quienes le rodeaban de una manera aún más simplista. Lo

incomprensible para él era quedarse en casa viendo cómo las

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Torres Gemelas caían el 11-S. Si no luchas por tu país, eres un

cobarde.

En “American Sniper”, Eastwood se deja llevar por ese espíritu

simplista y sirve una cinta manipuladora y extremadamente

patriótica que solamente muestra una de las dos caras de la

contienda. Aquí hay unos buenos perfectamente definidos, los

americanos, y unos malos malísimos, el Estado Islámico, y cada

fotograma desprende un hedor a propaganda. Es un film

tremendamente localista. Sólo con la moral patriotera yanqui

podría valorarse y comprenderse una propuesta como ésta.

Por el camino, además de romantizar la figura del francotirador,

de un cowboy que se ve afectado por disparar a un niño en la

cabeza pero que siempre rendirá cuentas ante Dios por cada vida

que ha quitado con orgullo, porque lo ha hecho por su nación,

asistimos a todo un manual de tópicos imprescindibles del género

bélico. Desde la violencia engendrando violencia hasta la adicción

que produce la guerra, algo que Kathryn Bigelow ya retratase con

mucha mayor objetividad y frialdad en la muy superior “En tierra

hostil”.

Sin embargo, lo peor de “American Sniper” es que tras la cámara

se encuentra un clásico del celuloide como Eastwood. Un maestro

que se atrevió a cuestionar el patriotismo yanqui a través de una

fotografía mítica en “Banderas de nuestros padres” para luego

poner la otra mejilla, la del bando japonés, en la soberbia “Cartas

desde Iwo Jima”, tratando a ambos bandos como iguales. Aquí no

tenemos eso, ni siquiera se reconoce al realizador de obras

míticas como “Sin Perdón” o “Mystic River” salvo por un ritmo tan

pausado que puede llegar a aburrir. Lo que sí tenemos es un

trabajo de encargo obra de un cineasta que ha venido a glorificar

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la figura del gran héroe americano desde la más absoluta

cobardía.

NOTA: 3 sobre 10

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‘FUERZA MAYOR’

Gran bola de nieve


Una idílica estancia de cinco días en los Alpes. Tomas, Ebba y su

familia están disfrutando de la comida cuando de repente una

avalancha se acerca a lo lejos hacia el restaurante. Al principio,

Tomas tranquiliza a los suyos advirtiendo que el alud está

controlado. Pero pronto el peligro se acerca más y más y la

situación escapa a su control. En una situación así, ¿cómo actuaría

cada uno de nosotros? ¿Pondríamos a salvo a nuestros seres

queridos antes que a nosotros mismos, o predominaría el instinto

de supervivencia?

En su nuevo trabajo tras la laureada “Play”, el sueco Ruben

Östlund propone un drama familiar con tintes de comedia, o si lo

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prefieren una comedia tan ácida sacada de un contexto tan

dramático que es imposible no esbozar una sonrisa incómoda, en

torno a un acto de cobardía que irá creciendo en el seno de la

familia protagonista y de los que los rodean como si de una gran

bola de nieve se tratase.

El realizador consigue así una serie de sublecturas de lo más

interesantes. Por un lado, estamos evidentemente ante una

gigantesca avalancha emocional dispuesta a dinamitar desde

dentro la estabilidad conyugal y familiar, una mastodóntica

terapia de pareja servida con un malicioso guión y arropada por

un excelente reparto de actores, que acercan a la cinta al cine de

Thomas Vinterberg. Pero también es la historia del fracaso del

hombre como macho protector de su manada, la vergüenza de

quien ha sacado a relucir su verdadero rostro y debe ser juzgado

por ello. Y entre otros muchos frentes abiertos, también

tenemos el reflejo de ese patetismo tan buñueliano al que puede

verse rebajada la clase acomodada ante una crisis.

Östlund consigue así un relato repleto de múltiples capas de

nieve a punto de resquebrajarse, donde el narcicismo, el egoísmo

y la independencia individual frente a la vida familiar se dan la

mano. Y además logra algo que Vinterberg e incluso Michael

Haneke manejan muy bien, ese efecto de distanciamiento por el

cual podemos analizar de manera imparcial los actos de sus

personajes sin identificarnos del todo emocionalmente con ellos,

amén de compartir con ellos también los altibajos de ritmo y el

no ir al grano en muchos momentos. Logra este distanciamiento, a

pesar de la tensión que rodea a sus protagonistas, arrancando la

risa del espectador que mira desde fuera una situación llevada

hasta el extremo del absurdo. A ninguno de nosotros nos gustaría

vernos sepultados por esta colosal bola de nieve. Pero qué

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divertido y retorcido es convertirse en juez y verdugo desde la

lejanía.

NOTA: 7 sobre 10

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‘FOXCATCHER’

Por: Ferran Larraz Albalat

¿Qué es lo más espeluznante de Foxcatcher? Que lo que nos

cuenta, ocurrió realmente. Y es que la nueva película de Bennett

Miller, director de “Moneyball” y “Capote”, nos transmite un

mensaje muy claro y a la vez aterrador: “No te fíes de los que

tienes a tu alrededor”. La nueva película de Miller es un thriller

muy bien ordenado y con algunas partes que te pondrán la piel de

gallina.

Lo mejor de la cinta es que toda ella recae en sus personajes, en

los actores. La película tiene un reparto casi estelar, empezando

por Ruffalo, un actor que nos ha demostrado de los que es capaz,

y eso le proporcionado su segunda nominación al Oscar a lo largo

de su carrera, nos ha demostrado que no solo es Hulk, y en

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Foxcatcher nos revela su otra cara. Algo parecido le ha pasado

también a Carell y a Tatum, dos actores que dan un gran salto de

la comedia al drama con esta película. Sobre todo Carell, un actor

que ya dábamos como “acabado”, pero que ha demostrado hacer

un papel excelente, y eso se ha notado al estar nominado (al igual

que Ruffalo) al Oscar este mismo año.

Otro nominado este año es el director, Bennett Miller, que ha

conseguido su segunda nominación, después de que en la primera

por “Capote” perdiera frente Ang Lee. Y es que Foxcatcher ha

conseguido 5 nominaciones en total, y vuelve a demostrar el

cariño de parte de la academia hacia Miller y su equipo.

La película hace muy bien su función, explicarnos la terrible

historia entre deportistas que empezó siendo mágica y acabo

siendo una verdadera pesadilla.

Miller nos cuenta muy bien la historia, con algunos momentos

tensos y otros un poco lentos. Podríamos decir que la película en

sí es aburrida, porque nos está contando la misma historia de

formas diferentes, pero lo bueno es que todas esas historias nos

llevan a un final increíble que caracteriza a la película por sí sola,

y pasamos de aburrida a emocionante.

Encima, si pensamos que la historia que estamos presenciando

fue real, nos produce más curiosidad y a la vez más terror.

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Sin duda Foxcatcher es una de las películas del año, pero no deja

de ser un thriller lento y sin nada que contar.

Lo mejor: Las interpretaciones y la dirección

Lo peor: Es lenta, y a veces un poco aburrida.

NOTA: 6 sobre 10

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‘KINGSMAN: SERVICIO SECRETO’

“My fair Lady” con espías.

Por: Laura Magaña Martínez

Título original: Kingsman. The Secret Service

Año: 2015

Duración: 129 min.

País: Reino Unido

Director: Matthew Vaughn

Guión: Matthew Vaughn, Jane Goldman (Cómic: Mark Millar, Dave

Gibbons)

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Música: Henry Jackman, Matthew Margeson

Fotografía: George Richmond

Reparto: Colin Firth, Taron Egerton, Samuel L. Jackson, Mark

Hamill, Mark Strong, Michael Caine.

Productora: Twentieth Century Fox Film Corporation / Marv

Films / TSG Entertainment

Género: Acción, humor.

Kingsman: Servicio secreto cuenta la historia de Eggsy (Taron

Egerton), un delincuente juvenil que se mueve por los barrios

bajos de Londres y que pronto verá que su vida da un giro de 180

grados gracias a la ayuda de Harry Hart (Colin Firth) un

misterioso hombre que le abre las puertas a un nuevo oficio. De

delincuente pasa a entrenarse para entrar en Kingsman, una

agencia de espías. A su vez el malvado Valantine (Samuel

L.Jackson) intentará diezmar la raza humana. Basado en el cómic

The Secret Service, creado por Dave Gibbons y Mark Millar.

Tras el parón de X-Men: Primera Generación, y tras haber

rechazado proyectos como Días del futuro pasado, o Kick-Ass 2,

Matthew Vaughn vuelve a la carga con Kingsman: Servicio

secreto, una cinta que mezcla humor negro, acción y elegancia a

partes iguales.

“Las películas de hoy en día sobre espías son demasiado serias”,

si tu también piensas como Valantine, el personaje de Samuel L.

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Jackson, esta sin duda es tu película. Ya sea con Alex Rider,

Superagente Cody Banks o incluso Spy Kids, el mundo del cine ha

intentado extrapolar la fórmula de James Bond a unos agentes

más jóvenes y modernos, con resultados claramente nefastos.

¿Qué es lo que salva a Kingsman? Sin duda el tono de la película,

pensado en adultos y no en adolescentes. Donde antes los

gadgets y las situaciones caían en el ridículo, Matthew Vaughn

construye un mundo en el que te crees que exista un paraguas

aprueba de balas, o un millonario filántropo que vaya regalando

tarjetas SIM al todo el mundo.

Otro de los atractivos de la cinta es sin duda el papel de Colin

Firth en un rol más gamberro. Choca ver al galán británico

repartiendo a diestro y siniestro, ¡pero siempre con educación!

Poco a poco su personaje se vuelve más divertido cuando

comparte minutos en pantalla con el joven Taron Egerton, que se

desenvuelve perfectamente en su primer largometraje. Samuel

L.Jackson hace de millonario malvado, y aunque cumple su

cometido de filántropo excéntrico, no puedes dejar de pensar

que es una versión adulta de Bruma Roja (Red Mist/The

Motherfucker) otro villa anteriormente creado por el tándem

Vaughn/Miller para la película Kick-Ass. Mark Strong y Michael

Caine completan a los agentes Kingsman más destacados, y Mark

Hamill hace un cameo regresando a la gran pantalla antes de

poder verlo de nuevo en la piel de Luke Skywalker.

Recomendada si te gustó Kick-Ass, quieres echarte unas risas y

no te asustas al ver un poco de sangre, avisados estáis, el

director no se corta ni un pelo a la hora de mostrar escenas

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violentas. Obligatoria para los amantes de Matthew Vaughn y ese

estilo tan personal de fusionar cine y cómic que ha construido y

mejorado con esta película. No es un producto original, pero si

uno fresco que no aburre. Llamamiento especial a Matthew

Vaughn y Mark Millar, por favor, ¡sigan trabajando juntos!

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‘BLACKHAT: AMENAZA EN LA RED’

Por: Sirius Maxen

Si os hablo de Michael Mann, a muchos os vendrán a la cabeza

algunos títulos como "Heat" o "Collateral", ambas obras más que

decentes en lo que respecta al cine criminal. A los que no,

pensaréis en "El Último Mohicano" (con Daniel Day-Lewis) o "Ali"

(con Will Smith). El caso es que estamos hablando de un director

consagrado, que ha demostrado, a lo largo de los años, que sabe

lo que se hace. Lo que convierte el fracaso infumable que es

"Blackhat" en un trago mucho más amargo. Vayamos por partes.

La película comienza con un ataque informático de consecuencias

catastróficas sobre una central nuclear de Hong Kong,. Las

autoridades chinas, en colaboración con las estadounidenses,

comienzan una investigación para atrapar al culpable y descubrir

sus motivos. Para ello, reclutan a un hacker experto

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(interpretado por Chris Hemsworth) que cumple sentencia por

varios delitos relaciondos también con la informática. Para el

final de la película, sabremos quién ha orquestrado éstos ataques

y sus motivos. Lo que no quiere decir que estemos más

satisfechos de lo que estábamos al entrar en la sala de cine.

Como hemos dicho antes, sabemos que Mann sabe crear

personajes tridimensionales, y moverlos en una historia creíble.

La carga dramática de Blackhat, sin embargo, es nula. Los

personajes son contenedores vacíos, sin llegar a estar nunca

desarrollados del todo, y avanzan en un thriller que no nos llega a

intrigar nunca. En una escena de la película, un personaje le habla

a otro de la relación de éste con la hermana del primero. Le

asegura que está contento, ya que nunca ha visto a su hermana

tan feliz. Mi pregunta (y la de la mayoría de espactadores) es:

¿cómo lo sabe? Nadie muestra sus sentimientos ni sus

pensamientos, cómo unos robots programados para representar

una escena, sin ningún tipo de emoción.

Hay, sin embargo, pequeños aspectos positivos que pueden llegar

a ser incluso disfrutables. El director es conocido por su énfasis

en las escenas de acción. Siempre se asegura que sus actores, en

el caso de que tengan que llegar a empuñar algún tipo de arma,

pasen por un entrenamiento exhaustivo en el que aprendan a

utilizarlas de forma realista.

Es conocida la buena recepción que tienen sus películas entre

personal policiaco y militar. Los tiroteos de ésta película (si bien

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breves) son los pocos momentos en los que nos encontramos

inmersos en la acción. Del mismo modo, se ha prestado una

especial atención para representar de una forma realista el

mundo informático. Es ua auténtica lástima que no podamos decir

lo mismo del guión y la dirección de actores.

En resumen, se trata de una película excesivamente larga,

insulsa, y nada memorable. Tiene unos diálogos vacíos, unos

actores que se limitan a leer sus frases y no aporta nada al

género.

Nos gusta:

Las muy cuidadas escenas de acción.

No nos gusta:

El guión, y la dirección en general.

2/10

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GANADORES

OSCAR

2015

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(Ganadores destacados en negrita)

MEJOR PELÍCULA:

- El Francotirador

- Birdman

- Boyhood

- El gran hotel Budapest

- The imitation game

- Selma

- Whiplash

- La teoría del todo

DIRECTOR

- Birdman: Alejandro González Iñárritu

- Boyhood: Richard Linklater

- Foxcatcher: Benett Miller

- El gran hotel Budapest: Wes Anderson

- The Imitation Game: Morten Tyldum

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ACTRIZ

- Dos días, una noche: Marion Cotillard

- La teoría del todo: Felicity Jones

- Siempre Alice: Julianne Moore

- Perdida: Rosamund Pike

- Alma Salvaje: Reese Witherspoon

ACTOR

- Foxcatcher: Steve Carrell

- El francotirador: Bradley Cooper

- The Imitation Game: Benedict Cumberbatch

- Birdman: Michael Keaton

- La teoría del todo: Eddie Redmayne

ACTRIZ DE REPARTO

- Boyhood: Patricia Arquette

- Alma Salvaje: Laura Dern

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- The imitation game: Keira Knightley

- Birdman: Emma Stone

- Into the Woods: Meryl Streep

ACTOR DE REPARTO

- El juez: Robert Duvall

- Boyhood: Ethan Hawke

- Birdman: Edward Norton

- Foxcatcher: Mark Ruffalo

- Whiplash: J.K. Simmons

HABLA NO INGLESA

- Relatos Salvajes (Argentina) de Damián Szifrón

- Leviatán’(Rusia) de Andrey Zvyagintsev

- Ida (Polonia) de Pawel Pawlikowski

- Timbuktu (Mauritania) de Abderrahmane Sissako

- Tangerines (Estonia) de Zaza Urishadze

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GUION ORIGINAL

- Boyhood

- Birdman

- Foxcatcher


- Nightgrawler

GUION ADAPTADO

- El francotirador

- The Imitation Game

- Puro vicio


- Whiplash

MONTAJE

- El francotirador

- Boyhood


39

- The Imitation Game

- Whiplash

FOTOGRAFÍA

- Birdman


- Ida

- Mr. Turner

- Invencible

BANDA SONORA

- The imitation Game


- Interestellar


- Mr. Turner

40

CANCIÓN

- “Everything is awesome” de ‘La LEGO película’

- “Lost Stars” de ‘Begin Again’

- “Glory” de ‘Selma’

- “Grategful” de ‘Beyond the Lights’

- “I’m not gonna miss you” de ‘Glen Campbell: I’ll Be Me’

DIRECCIÓN DE ARTE

- The imitation game

- Interstellar

- Into the Woods


- Mr. Turner

VESTUARIO

- Into the Woods


- Maléfica

41

- Mr. Turner

- Puro vicio

MAQUILLAJE

- Foxcatcher


- Guardianes de la galaxia

EDICION DE SONIDO (EFECTOS SONOROS)

- El francotirador

- Birdman

- El Hobbit

- Interestellar

- Invencible

MEZCLA DE SONIDO (SONIDO)

- El francotirador

- Birdman

42

- Interstellar

- Invencible

- Whiplash

EFECTOS ESPECIALES

- Capitán América: El soldado de invierno

- El amanecer del planeta de los simios

- Guardianes de la galaxia

- Interstellar

- X-Men: Días del futuro pasado

LARGOMETRAJE DE ANIMACION

- Big Hero 6

- Lox Boxtrolls

- Cómo entrenar a tu dragón 2

- Songs of the Sea

- El cuento de la princesa Kaguya

43

LARGOMETRAJE DOCUMENTAL

- Citizenfour

- Finding Vivian Maier

- Last Days in Vietnam

- la sal de la Tierra

- Virunga

CORTOMETRAJE DE ANIMACION

- Panorama general

- The Dam Keeper

- Una sola vida

- Buenas migas (Feast)

- Yo y mi bicicleta

CORTOMETRAJE DOCUMENTAL

- Crisis Hotline: Veterans Press 1

- Joanna

- Our Curse

- La parka

- White Earth

44

CORTOMETRAJE DE FICCIÓN

- Aya

- Boogaloo y Graham

- La lámpara de mantequila de yak

- Parvaneh

- La llamada

revista nº4 much cine marzo de 2015

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