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RETRATO O ETOPEYA
Sala de ExposicionesBiblioteca Central de CantabriaSantander MMXVI . Cantabr ia
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PROYECTO INVESTIGACIÓN/CREACIÓN EN ARTE: Retrato o Etopeya COMISARIO: Massimiliano Tonelli
COORDINADOR EXPOSICIÓN: Massimiliano TonelliCOORDINADORA DE LA SECCIÓN POÉTICA: Dori Campos
EDICIÓN CATÁLOGO: María Jesús Cueto Puente
EXPOSICIÓN: Retrato o Etopeya
FECHADel 7 al 31 de octubre de 2016
HORARIODe lunes a viernes: de 9:00 a 21:00 h.Sábados, domingos y festivos: de 11:00 a 20:00 h.
LUGAR EXPOSITIVO SALA DE EXPOSICIONESBiblioteca Central de Cantabria Calle Ruiz de Alda, 19 39009 Santander (Cantabria)Teléfono: 942 24 15 50
DISEÑO CATÁLOGO: María Jesús Cueto Puente
© De los textos, los autores© De las imágenes, los autores
ORGANIZACIÓNEquipo técnico: SERVICIO DE ACCIÓN CULTURAL
PATROCINIOConsejería de Educación, Cultura y Deporte del Gobierno de CantabriaConsejero de Educación, Cultura y Deporte:Ramón Ruiz RuizDirección General de cultura:Marina Bolado Mantecón
PRODUCCIÓN E IMPRESIÓN DEL CATÁLOGOSociedad de Artes Gráficas J. Martínez, S.L.Pol. Ind. de Guarnizo, parcela 4, naves 1 y 239611 El Astillero (Cantabria)
DEPÓSITO LEGAL: SA 556-2016ISBN: 978-84-617-5144-0
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ÍNDICE
INTRODUCCIÓN: Interpretatione AnimaJohn G. Hanhardt .......................................................................................9
PRÓLOGO: Portrait María Jesús Cueto ....................................................................................11
ARTISTAS
PRESENTACIÓN: In Principio RestatMaurizio Calvesi ........................................................................................15
Carmen Armbruster ..................................................................................17 José Pablo Arriaga ....................................................................................21Marisol Cavia ............................................................................................25 José Cobo ..................................................................................................29 María Jesús Cueto ....................................................................................33Juan A. Díaz ...............................................................................................37 Edurne Gorrotxategi .................................................................................41 Jessica Llorente ........................................................................................45 Jordi Navarro Fisas...................................................................................49Mariemi Otaola .........................................................................................53Gloria Pereda ............................................................................................57Chiara Scarfò .............................................................................................61
POETAS
INTRODUCCION: Decir lo indecibleDori Campos .............................................................................................67
Dori Campos .............................................................................................69Pablo Escribano ........................................................................................72
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Patricia Fernández.....................................................................................75Alberto Muñoz ..........................................................................................78Pilar Quirosa Cheyrouze ...........................................................................81
MÚSICOS
INTRODUCCION: Música in Corpore AnimaPeter Hammill ...........................................................................................87
Fabrizio d’Andrè ........................................................................................89Jon Antón .................................................................................................92Brian Eno ...................................................................................................95Inés Fonseca ..............................................................................................98Shuhei Matsuyama ................................................................................. 101
CINETECA
INTRODUCCIÓNGuillermo Balbona ..................................................................................107
Ingmar Bergman .....................................................................................109Carl Dreyer .............................................................................................. 110Lech Majewski ......................................................................................... 111Pier Paolo Pasolini ..................................................................................112Andréi Tarkovsky .....................................................................................113
PERFORMERS
INTRODUCCION: OvertureMassimiliano Tonelli ............................................................................... 117
Carles Santos .......................................................................................... 119Massimiliano Tonelli ...............................................................................120
CONCLUSIONES: Carmina Solitudo Umberto Eco ...........................................................................................123
CITACIONES HISTÓRICAS .....................................................................125
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INTRODUCCIÓN: Interpretatione Ánima
“…La complejidad no es tan sencilla si estamos desvelando el camino hacía la verdad: -natu-ralmente puesto entre un plano marginal pero coherente, también la búsqueda artística no se muestra tan indiferente en estas funciones y a otras del pensamiento-; en efectos una segunda (y a veces tercera hasta cuarta) lectura histórico-sociológica del Arte, nos aclara dudas, reflexiones precipitadas tomadas así a prisa, cronologías equivocadas (como por ejemplo: “Las Vidas” del Vasari, o “Los Co-mentarios” del Ghiberti y como no “De Re Aedificatoria”, antes o después alguien deberá también de analizar no solamente a los errores sino las mentiras y los enormes gazapos de éstos doctos y eruditos de la Renaciencia Florentinae), las ciegas y mudas evidencias históricas pasadas por alto o bien olvida-das y aparcadas queriendo. Y últimamente también -la Estética del Arte- se ha olvidado o ha querido olvidarse mirando por otro lado (equivocándose claro) no ha querido investigar en las respectivas categorías sociales o psicológicas, y así tenemos un entramado equivocado de un análisis sobre la -Lectura histórico del Arte del Retrato-….” -Danilo Eccer
Una razón de que muchos tengan una visión (y desgraciadamente) tan apropiada y evi-dente (careciendo naturalmente) de que no tengan -sentimiento- alguno en lo que se refiere a la belleza; sin duda alguna es la falta de esa delicadeza, y de ese gusto, por no decir de ese espíritu de observación-admiración de lo -Bello-; y desde luego son seres tan insignificantes que carecen de -imaginación- tan necesaria para ser llamados -seres sensibles- y sumamente sutiles, sino más bien son seres sin alma y ciegos hasta de sonrisa. Lo malo, lo francamente odioso y hasta oprobio de esta -Gente- es que cada cual de éste ejercito de ignorantes (de patos mareaos como lo llamaría Leonardo Sciascia) pretende tener esa delicadeza incluso se permite el derecho: de hablar de ella y quisiera regular a partir de “ella” todo gusto y sentimiento: -naturalmente en beneficio de nuestra benemérita Democracia (esta lacra humana autárquica disfrazada de Libertad). Por ese motivo he aceptado esta -invitación- del curator (Massimiliano Tonelli) a escribir este breve ensayo:… “RE-TRATO O ETOPEYA”; efectivamente, quiero empezar por esa maravillosa -Etopeya Barroca- de su señoría: Don Diego Rodriguez de Silva y Velázquez, conocido por todos como: -Velázquez-. Porque uno de sus célebres retratos o más bien la mejor -Etopeya del arte-, me refiero a “Las Meninas” (a pesar de ser una obra bidimensional, no lo es. Y a pesar de ser un retrato no lo es. Y tampoco es un cuadro), vamos poco a poco: ¿Qué estamos viendo? ¡Un retrato! Evidentemente no: sino son muchos retratos: la Infanta, las meninas, la enana, el enano, un perro, y a los cuidadores, al noble del fondo de la puerta y a los propios monarcas que vemos reflejados en el espejo trasero, y al autorretrato del artista que pinta un enorme cuadro (de manera que nos sale ya la primera y sospechosa pregunta ¿en serio está pintando a los reyes?), además el pintor nos mira: -¿no estará pintando el fuera o dentro del retrato en si?, ¿Más bien que un simple retrato de los monarcas?... Y otras -Etopeyas Renacentistas-, la bella Simonetta Vespucci, y la hermosa Giovanna Tornabuoni. Ambas -musas- de pintores, ambas como la diosa Eratus inspiradora, fueron platónicas Venus de un -amor imposible- inexistente:…Pero cuando Ghirlandaio la retrató en aquél -perfil- renacentista (hoy en el Thyssen de Madrid), Giovanna murió antes de verlo terminado y sin embargo fue un regalo por su boda (Giovanna murió de parto), lo mismo sucedió con Simonetta modelo -Musa- de Botticelli (Alessandro Filippepi), murió justo cuando el artista realizó “La Primavera” (Simonetta
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murió de parto como Giovanna, era normal en aquella época la mortalidad en los partos era muy alta)…Entonces la búsqueda nos lleva a otra inoportuna pero justificada pregunta, ¿Qué son estos retratos?...es decir, son post morten o -etopeyas perfectas de unos geniales artistas-.
Lo mismo sucede con el desnudo rojo de Jenny (la musa, novia y madre de su hija -Jen-ny Modigliani-), me refiero a Dido, es decir: Amedeo Modigliani; posiblemente el primer erotismo desnudo de la historia del Arte (tanto que Modigliani tuvo que retirarlos del Salón, el Desnudo rojo tumbado, se exhibió en New York la Galería de Solomon Guggenheim antes que muriera el artista, y no pudo retirar los millones de dólares porqué el artista italiano murió de tisis, y luego se exhibió en el Guggenheim de New York; solo después de la Segunda Guerra Mundial el “Desnudo Rojo Tum-bado” de Modi pudo verse en París en el Jeu de Paume y definitivamente en el Center Poumpidou muchos años después…); pero no podemos olvidar a los verdaderos protagonistas de esta Colectiva: que a fin de cuenta son los únicos artífices vivos de la -IDEA-, y que se exhibirá en Santander, con sanos propósitos de ir exponiéndose en otros lugares como Madrid/ Barcelona e Italia…Ellos son los: pintores/ poetas/ músicos/ fotógrafos/ escultores/ performers/ instalaciones y cine; que componen: Retrato o Etopeya. En esta búsqueda a través de la historia, como si de una deambulationen, o un caminar, y como los ingleses dirían: -walking into history del Arte-, hay un retrato que siempre ha sido uno de mis preferidos, siempre que lo he visto sea en reproducciones, sea en vivo, me ha provocado una fuerte emoción, un estado casi de - levitationen in tabernacula exigere-me refiero al retrato de la “Trinidad” del Masaccio, que siendo un fresco, es tridimensional es decir otra vez nos encontramos de frente a una pintura-instalación, como en “Las Meninas”, y ambos al caminar nos causan asombro, y si nos alejamos y poco a poco nos acercamos entonces el asombro será aún mayor. Pero en el caso de Masaccio la historia no tiene perdón ni de Dios (si es que existe) y ni de los seres Humanos (si es que aún existan), Masaccio realiza esta obra maestra, esta piedra millar de la Perspectiva Proportione, de La Perspectiva aurea, del De re Aedificatoria, y sucede el silencio. Que ni Piero della Francesca, ni Michelangelo, lo mencionen es normal el fresco ha sido tapado con revoque por orden expresa de la Cofradía de la Lana y por Cosme de Médicis, y ellos ni había nacido. Y fue descubierto en el siglo XIX. Pero que messer Leon Baptista Alberti (el sumo arquitecto que realizó precisamente la fachada de la iglesia de Santa Maria Novella (Florencia) lugar donde se encuentra el fresco, no lo cite en su libro: “De Re Aedificatoria” y ni siquiera nombra a Masaccio, está claro ¿No?, otra vez el -genio- es víctima de los pecados capitales y de uno más: ¡La indiferencia!... pero de todos modos que hay que esperar de un arquitecto amigo, coetáneo, del mismo gremio, de la misma Cofradía, y que trabajaron junto en esta Iglesia, y que además es el arquitecto de la Catedral Santa María in Fiore, y que levantó la cúpula de la catedral sin andamios, no figura en el “De Re Aedificatoria”, sin comentario, me refiero a messer Brunelleschi…). Esta exposición comisariada por Massimiliano Tonelli (artista, escritor y crítico de Arte; amigo de tertulias en el TEFAF) ha despertado las ocultas preguntas y las miles de respues-tas que aún se encuentran sin solución, o quedándose a media; pero creo que después de ver esta Colectiva, sin duda muchas de ellas ya encontraran el -camino- que les corresponde; véase gráfico:
Si dicen que el Alma existe como afirman hoy (los científicos); sin duda el artista del Retra-to ya la ha descubierto primero e incluso la pintó…
John G. Hanhardt Escritor y crítico de Arte
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PRÓLOGO: Portrait
El retrato es la representación de una o varias personas a partir de un modelo y de ma-nera individualizada y con un grado de iconocidad variable, en función del código utilizado. En algunas épocas, el interés de representación del rostro se centraba en la denotación de la fisonomía individual y de la expresión del rostro. Existen dos estudios de interés sobre el tema, “El retrato” de Galienne y Pierre FRANCASTEL y “El retrato en el renacimiento” de John POPE-HENNESSY.
Sin embargo, a lo largo de la historia, el retrato ha estado dedicado a Reyes, Emperado-res, Papas, personas ilustres, difuntos, comerciantes, campesinos, pervertidos, figuras religiosas, mitológicas e históricas. En algunas ocasiones los retratos son representaciones imaginarias en atención a la historia, la religión o la mitología. Por otra parte, el medio condiciona el tipo de re-presentación del retrato (pictórico, escultórico, fotográfico, cinematográficos, videográfico, etc.)
La fotografía como congelación de la imagen espacio-temporal, es uno de los medios más utilizado para retratar y multiplicar la imagen en este siglo por la sociedad de masas..
Pero tampoco debemos olvidar algunas teorías sobre la construcción esquemática del ros-tro, como son los tres círculos concéntricos bizantinos o el canon de proporciones y caricaturas de Durero.
El retrato, como hemos dicho es una representación individualizada, que puede presentar una figura o varias figuras en su totalidad o fragmentadamente (tres cuartos de cuerpo, medio cuerpo, busto, cabeza, rostro); la posición varía en atención a la colocación del modelo: perfil, tres cuartos o de frente; el fondo puede ser neutro, un paisaje o imágenes; la concepción y técnicas dependen del código estilístico (realista, impresionista, cubista, futurista, conceptual, etc.).
Mencionemos como ilustración, algunos retratos de la historia, que entrañan concepcio-nes diferentes: Los retratos de difunto de los etruscos realizados sobre las tapas de las urnas ci-nerarias de una gran expresividad y naturalidad. Los numerosos bustos-retratos de los romanos, representación de personas ilustres y familias imperiales (Klaus FITTSCHEN y Paul ZANKER, 1986). Durante el siglo XVI y XVII, los holandeses acostumbraban a encargar la realización de un retrato colectivo con las personas, que trabajaban conjuntamente (Cornelis ANTHONISZ, “Banquete de la guardia cívica”). También existen retratos distintos de una misma persona; podemos citar el ejem-plo de los distintos retratos de Jacqueline realizados por Picasso, o los retratos de alta iconocidad realizados a partir de 1960 por artistas hiperrealistas.
Por otra parte, a lo largo de la historia, gran parte de los retratos han sido realizados bajo encargo y simbolizan una distinción o privilegio individual o social.
No hemos de olvidar citar como curiosidad, algunos retratos simbólicos, como son los rea-lizados por Giuseppe ARCIMBOLDO, dedicados a los cuatro elementos (tierra, agua, aire y fuego) y
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a las cuatro estaciones (invierno, primavera, verano y otoño), o La «“Cabeza Mecánica”. El espíritu de nuestro tiempo» de Raoul HAUSMANN.
María Jesús Cueto-PuenteProf. Titular de la UPV/EHU
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ARTISTAS
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PRESENTACIÓN: IN PRINCIPIO RESTAT
“….Es un hecho generalmente reconocido que la pintura no se puede solo entenderla a través de la abstracción, dado que supondría una gran dificultad; y los muchos volúmenes sobre el asunto lo atestiguan. Y estoy convencido más que nunca, que de las Cuevas de Altamira a los vídeo de Gary Hill, o a las performance de Wilson, la figura humana es un referente hasta filosófico y su -Re-trato- es la cuestión del Arte aún sin resolver This is the question? Y en el ámbito de la pintura viene a representar el núcleo y lo importante del asunto, es decir: ¡El hombre! Porque sin su presencia nunca el Arte hubiera nacido…” Roy Fox Linchenstein
Cuando, al hilo del proyecto de esta Exposición: “Retrato o Etopeya” (Sala de Exposicio-nes de la Biblioteca Central de Santander); tuve conocimiento de la existencia a través de una carta y de un material que mi buen amigo Massimiliano Tonelli (y ex alumno en aquel junio de 1978 en Roma) me envió. A pesar que últimamente soy reacio a escribir sobre algo y alguien; pero después de leer atentamente en mi PC (Compiuter) vine a la conclusión que no podía defraudar a un ami-go. Y con estima mutua, empecé a escribir mis bozas, unos apuntes, aunque eso casi siempre no sirve, y todos esos papeles escritos, acaban en una papelera (la verdadera caja, el crisol donde se construye la idea. Para mi la papelera es como el lienzo en blanco del pintor, es como el barro para el escultor, es el lápiz que intenta garabatear para luego crear el dibujo, son unos versos echados a prisa y sin embargo luego sirven para crear la poesía, son unas corcheas o semicorcheas que tocan en un pentagrama algo, un apunte, pero eso basta para que los dedos acaricien esa teclas de piano, en definitiva es todo y nada); y es precisamente lo que creo que esta Exposición de: “Retrato o Etopeya”; tiene de particular. Es una exposición donde el principio es el fin, pero también el fin es su principio. Y no estoy parafraseando, o haciendo retórica (de la barata), sino todo lo contrario. Ya el título es por si una maravillosa -contradicción-. Porque la Etopeya (descripción del carácter, acciones y costumbres de una persona) en definitiva es nada más que otro -Retrato en sí-; además el acierto de mezclar las distintas disciplinas artísticas: pintura, escultura; fotografía, instalación, ví-deo-arte, performance, música, poesía y el cine: la pintura podría ser -el alma-, la escultura sin duda es -la materia-, la fotografía es -la ficción- de la realidad; la poesía no es otra cosa que -el sentir-, la música es -la evasión- del placer, la instalación es una -escenografía- poética, la performance, no es más que -el arte en vivo-, el vídeo-arte es el arte al servicio de -la tecnología- y el cine no otra cosa que la suma cuántica de todas las artes, es -la batuta o el compás-. Vamos ahora a sumar o a multiplicar esos valores, o mejor aún vamos a crear una ecuación: (dándoles unos signos)…. Cuerpo x Representación – Teatro : Ejecución= la ecuación es muy simple: Retrato o Etopeya. Mi pri-mera reacción fue de simple curiosidad (dado que no conocía a los artistas) pero inspirado por mi sentir estético del Arte -por sí- y -no por el sí- entendí la Idea, y en seguida vi que todos los artistas que componen esta colectiva poseen dotes y ambiciones donde su arte se transforma en: poesía, como en habilidades poco comunes de la literatura, caminando entre los estigmas eternos de un Arte sensiblemente genuina y estremecedora: Carmen Armbruster(d) lo efímero es la esencia del Arte; José Pablo Arriaga(a) un diálogo constante con la naturaleza; Marisol Cavia(c) nunca hay que
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olvidar al niño creador que tenemos dentro; José Cob(p) los sueños siempre son el reflejo de una posible realidad; María Jesús Cueto(s) la representación de un paisaje/pasaje en transformación polisígnica; Juan Díaz(f) siempre la realidad pone a prueba lo que vemos; Edurne Gorrotxategi(m) el color y la mancha siempre combinan sueños y poemas que existen; Jessica Llorente(q) el blan-co-negro es el alma de una foto, es la esencia de la belleza; Jordi Navarro(r) la composición y la luz son el resultado del efímero como belleza; Mariemi Otaola (p) la descomposición es la composición de la Idea que crea; Gloria Pereda(t) la maravillosa intrusión de lo cotidiano donde deja de ser lo que es, y sin embargo sigue inquietando al espectador; Zaira Rasillo(j) el sujeto vuelve a ser objeto al servicio de la poesía del arte; Chiara Scarfó(y) el arte subyace en el espacio y su belleza es des-aparecer gritando el silencio; Dori Campos(h), Patricia Fernández(k), Pablo Escribano (v), Alberto Muñoz(u), palabras que suman versos, buscando la esencia del alma en arrebato tocando odas en un canto; Jon Anton(x) cuando la música se hace hecho, entonces es cuando entra la armonía; Brian Eno(g) la experimentación al estado puro, sin embargo persiste la poesía; Inés Fonseca (z) la voz expresa todo el alma del verso y su belleza transmite el equilibrio de las cosas; Carles Santos (pi) la simplicidad de las cosas suman la acción su resultado es: una nota; el Cine(D) es la suma cuántica de los sueños y de la realidad, donde todas las artes se suman, multiplicándose para estremecer al alma; Massimiliano Tonelli(F) como un sabio prestidigitador compone versos y las notas de su particular teatro, su resultado, la sublimación del alma… Quiero concluir con la misma cita de la artista Armbruster, que Robert Morgan realizó, encierra toda la esencia de esta colectiva:…El Arte no es simplemente un acontecimiento que tiene lugar en el tiempo y en el espacio, sino la intención que hay detrás de ello, la idea que hay que construir una idea mental…
Maurizio Calvesi
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“El arte no es simplemente un acontecimiento que tiene lugar en el tiempo y en el espacio, sino la intención que hay detrás de ello, la idea de reconstruir
una idea mental (…) separada del lenguaje del mundo visible”(Morgan, Robert C.).
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José Pablo Arriaga
info@josepabloarriaga / www.josepabloarriaga.com
“Zia”Madera, pintura plástica.
2015
“Orriak (hojas)”Madera quemada, piedra acrilica Hi-Macs
2015
“Arantza Hotela”Diseño, esculturas y muebles.
Arantza, Navarra
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José Cobo
[email protected] / www.josecobo.com
“Torso de mono de trato de trapo romano”Bronce.
2009
“Torso de mono trapo”Bronce
2003
“Torso de mono”Bronce
2003
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María Jesús Cueto
[email protected]/guia/f/maria-jesus-cueto-18685
“El retrato en el retrato”Procedimientos infográficos
2006-2016
“Memento anima”Técnica mixta
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Edurne Gorrotxategi
[email protected] / edurnegorrotxategi.webgarden.es
“Tokue”Técnica mixta
“Dulce Descubrimiento”
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Jessica Llorente
[email protected] / http://dosdeases.blogspot.com.es
“Autorretrato”Fotografía B/N
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Jessica LlorenteEl arca reposaba anclada sobre el llano del vertedero que se iba inundando con las aguas.
El gobernante, quizá consciente de la noble sabiduría que arrumbó su incertidumbre, tras extensos análisis y diversas intenciones desechadas había renunciado a ponerla nombre. Jessica Llorente, sin usar su visionario catalejo, dirigió su mirada hacia la ascendente rampa por donde diversos animales ignorantes, altaneros, vestidos de apariencia, ladrones, soberbios, e idólatras del dinero, subían cargados con el adornado peso de sus necesarios y convenientes instrumentos. La música era confusa y resultaba intolerable debido a su egocéntrica desarmonía accidental. Fue por ello que se desvió de las admonitorias señales que marcaban el devenir de las manadas y empujando el ronzal de su ininteligible perra Ira –a la que terca y doctamente se empeñaba en llamar Hydra-, se encaminó a la orilla donde el ya mar vomitaba o besaba las basuras. Nadó. Trepó por los eslabones y tras alcanzar la gatera del ancla se agarró a una cornamusa, saltó la borda, se introdujo por una de las escotillas y descendió al entrepuente. Rumbo y vientos eran inexistentes o sólo sometidos al meridiano de agua y a los acuosos vaivenes del recién iniciado diluvio. La estancia a la que llegó estaba pintada de azul sobre el que destacaban unas plateadas estrellas. En ella se sometió a la cuarentena, a los 40 días de rigor y aguas que nos cuentan los cuentos.
El día 42, los ruidos de la lluvia sobre la cubierta habían dejado de sonar y la normativa algarabía consonante de las bodegas adyacentes había desaparecido. Ascendió a la cubierta de la escorada embarcación y observó que, al igual que el resto de los ocupantes, todas las guindo-las habían desaparecido. Caminó hasta la cubierta alta y alcanzó el punto que, de haber existido puerto, hubiese permitido la cómoda salida. La escala de borda era roja, premonitoria, como no advierte el reglamento de evasión de abordajes. Allí sacó su telescopio, atendió con su visión a Sirio y saludó a todos sus colores. Agradecidos, estos formaron un impalpable tobogán por el cual pudieron descender.
Así, limpiamente, como las hijas de la mar, mientras la siempre aturdida Ira ladraba a la in-visible Procyon, Jessica Llorente descendió a su presente y su futuro con su catalejo blanquinegro.
Morquillas, Bilbao. 2016
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Música sin sonido
Las conexiones entre las artes han sido continuas a lo largo de la historia. Todo en el arte, de alguna forma, no es más que una captación y emanación de códigos, donde cada uno remite a otro en circulo infinito.
Pero es, a partir del siglo XX, con la revisión constante que se produce para determinar lo que es y no es arte, y el cambio de muchos conceptos, cuando las propuestas interdisciplinares se consolidan como un fenómeno relevante y vigoroso.
Una de las consecuencias es que el límite, la frontera donde se tocan dos disciplinas, se ha vuelto plástica y a veces, casi se ha difuminado, constituyendo hoy un atractivo espacio permeable, especialmente fructífero para la creación.
Kandinsky pensaba que, el único modo de hacerse cargo plenamente de las propiedades intrínsecas de cualquier arte, era acercarlo a los demás, en particular a la música. El hablaba de “escuchar el sonido de los colores”. Podíamos ampliarlo y pensar en oír además el eco sonoro de las formas espaciales, en “tocar” la música…
Música y artes plásticas pueden hoy encontrarse, mediante un proceso de acercamiento, hasta converger en un punto común, desde donde expresar realidades intangibles del mundo inte-rior, con vocación de que estas “resuenen” en el interior de quien las contemple.
Las propuestas en este sentido son innumerables con poéticas muy variadas (música grá-fica, esculturas sonoras…)
En mi caso, el sonido pasa a un lugar secundario, para jugar con valores estéticos y refe-renciales. La efe, es una de las dos aperturas acústicas que tienen los violines en la tapa de su caja de resonancia. A través de ella, sale la música al exterior…y a partir de ella, empiezo siempre a construir mis esculturas. Es un juego personal, un guiño admirativo desde el arte abstracto, hacia la más abstracta de las artes
Las formas que en mis esculturas dibujan grafías de hierro, curvas enlazadas… no son formas inmóviles y definitivas, sino acordes materializados de una imaginaria melodía que fluyera sin cesar a través de la efe, instantes de un proceso dinámico, que necesariamente, serán diferentes en el momento siguiente…
La efe, que queda enmascarada entre el acero durante construcción, nos sugiere una aper-tura por la que ingresar en espacios ignotos, en los que escuchar resonancias, descifrar códigos secretos, percibir música sin sonido.
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Statement Gloria Pereda
La preocupación por el hombre y el espacio que habita, lo interior y lo exterior, lo que nos define. Elementos de la vida cotidiana que adquieren otros
significados, algo doméstico, a veces una caja-box, un recipiente, una torre, una escalera… Construcciones simples, geometrías de carbón transparente
y una palabra, para tratar temas de la vida, del tiempo y el espacio que ocupamos, nuestra relación con el entorno o con nosotros mismos.
En transito, las opciones, la duda, lo provisional, somos ahora, cambiamos, andamios para construir, para subir, estructuras en proceso, arquitecturas
en constante evolución, torres de vigilancia… Somos un edificio que se esta construyendo, que crece buscando un equilibrio entre cielo y la tierra.
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Chiara Scarfò traccia un viaggio umano e artistico che si muove e prorompe nella risacca della conoscenza. Un percorso di scoperta in continua evoluzione
che nasce per immagini e si trasforma in suono. Un ouroboro che diventa màndala di sabbia. Nuovo spazio, su cui lasciar scivolare la polvere e...
scomparire.
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POETAS
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INTRODUCCIÓN: DECIR LO INDECIBLE
La palabra poética nace al servicio del pensamiento total. Trabaja con las ideas, las emo-ciones, los objetos, hace asociaciones conscientes e inconscientes. Suelo decir que no conozco un lugar más libre que la mente, ni un lenguaje igual de libre que el poético, capaz de mezclar colores, sensaciones, lugares, sonidos y con ello construir impactos de palabras. Dice Clarice Linspector: es un lenguaje sonámbulo que despierto no sería lenguaje. ``Es pensamiento, lo que yo pienso, no es un personaje, capta esa cosa que se me escapa y sin embargo vivo en ella y estoy sobre su brillante oscuridad´´.
Gil de Biedma, habla de coger algo de un poema anterior, de otro/otros autores y de hacerlo suyo. Un buen poema sigue una conversación, al modo de Holderlin somos una conver-sación, conversamos con poemas de otros. El proceso comienza con un primer volcado espon-táneo de la primera pulsión donde los campos semánticos, la gramática se articula sola y en un segundo trazado añade técnica, sintaxis, a veces también música. También se puede ver como una supracognición, escribir un poema es sentir que en la cabeza se han encendido todas las luces del pensamiento, libera placer, felicidad, sosiego, agradecimiento, paz. Como empezar a recorrer una escala de 0-10 donde 0 es la carga cognitiva y el 10 el placer de la descarga. La carga cognitiva puede liberarse, hablando directamente de ella en el poema, o utilizándolo para desconectar de ella, transformarla, mediante el surrealismo, la escritura automática, el poema visual, el poema ta-chadura, el poema collage, o la intervención sobre un texto ya dado. Todo lo que hacemos responde a una necesidad, el poema es la forma lingüística que tenemos de decir lo que no se puede decir de otra manera. Escapa de la forma analítica, racional, unívoca, sentenciosa, lapidaria, castrada, politicamente correcta, tímida, mediatizada, interesada; no inteligible en el sentido clásico de prin-cipio-nudo-desenlace. Más bien cuenta una historia total: caótica, discontinua, con elementos de la realidad, oníricos, abstractos, emocionales. El poema no agrede, es un lugar fronterizo donde pode-mos sentarnos, respirar, descansar. Para los Griegos era: drama, lírica y épica; música, sentimiento, mensaje. No se puede repetir lo extraordinario después de vivido, pero si recordarlo, repensarlo. No se puede vivir todo lo que pasa por la mente pero si acercarse y tocarlo con palabras aproxi-madas. Escribir desde el Yo es una implicación sin distancia, sin desdoblamiento; escribir desde el nosotros es sentir al otro. Hablar desde el yo y el nosotros es exponerse, apasionarse, desnudarse, narrarse, enseñarse por dentro.
Escribir desde el TU es desdoblarse, coger distancia, interpelarse, reflexionarse, jugar a ser otro. El poema es subjetividad que se sirve de palabras objetivas, casa, árbol, noche y las reinventa es un metalenguaje: tiene por objeto otro lenguaje y es un para lenguaje: es como se dice, lo que no se dice. Juega con que no hay medida alguna en el pensamiento. Forma parte de los complejos procesos de comunicación y a la vez es capaz de llegar directo al corazón de la mente y sus exten-siones: el cuerpo. Un poema que satisface a quien lo escribe y a quien lo lee es un regalo intangible.
Dori Campos Poeta y Coordinadora de esta Exposición
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I
He heredado la noche de mis antepasados y la transmito esa flor que las religiones temen la criatura polimorfa sosteniendo el alba con la boca los ojos de la sombra, las ceremonias adentro. He heredado el jardín de los pájaros rojos y el estanque antiguo. El loco dalle que siega en media luna los altos prados y en los huecos abiertos pide a los ecos que vuelvan en flor Acompaño el luto de los objetos la reunión de ausentes en el aliento de hojas. Aquí todo son restos de lo importante. Al tiempo que el gallo canta su angustia de epitafio temprano el deseo es más en todas sus formas que el dolor de los días dice un estruendo de cigarras. En la estación cálida recolecto ríos de ramaje alto si hundes las manos, rozarás lechos de musgo rezagado deshilándose en el primer poblado de sus piedras. Bailo con la madre Sur cuando tengo miedo.
II
Los labios peregrinos desconocidos en la lengua. Si ya supiéramos no habría hoy este cielo ni caería un manto sobre nuestro hueco. Sera por los volcanes dormidos que todo lo hermoso podrá hacerse esta noche sin miel tan dulce ni trago violento que acabe pronto. posada nuestra sal lenta en el látigo de tiempo. Es tanto el primer antes que a nada se parece. Hablaré de ti mañana, sola hablarás de mi mañana, solo. Echarnos de menos es querer más vida ahora. El tiempo nos estaba dejando sin lugares cuando nuestros ojos, de pronto no oscurece.
RETRATOS
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III
Te pediría todo, porque todo me falta me pedirías todo, porque todo te falta pero no lo hacemos, no nos colmamos. Mudos e intactos, tan a salvo como la piedra y el gato en su opaca presencia, su resistencia. Parecemos animales con collares cortos en un páramo que contesta: nada os ata tu boca es la señal donde empieza la danza pero solo dice cosas tristes. Abriría una y otra vez el oeste por la tarde a la hora que el cielo se desnuda no me dejes darme por vencida.
IV
Una palabra tuya como mariposa en la agonía dijiste, la palabra llegó a tu vientre de nieve con esa prisa de no querer vivir cuando la vida te encuentra. A tu espalda volví mi cabeza y no desaparecí. Tu notarías las raíces abriéndose después de todo Y me besarías con la lentitud que no tuvo la noche Sin que yo te viera. Una palabra tuya dije yo otra noche y nos callamos Como espíritus, habitamos la noche. Nada reposa. Los que se encuentran traen el mismo silencio La curvatura recogida de los cuerpos, perdidas las conexiones. Los que empiezan a amarse parecen acercarse y alejarse Al mismo tiempo, susurrando: no pido nada, no quiero nada Contra las rocas baten lo que les falta.
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LuzEn tu pelo revuelto en el humus nocturno de la cama deshecha en el nudo dormido de brazos y piernas de los niños en la caricia verde de tus ojos con sueño en el calor magmático de la piel de mi hija en mis pies descalzos tanteando el suelo frío en el quejido suave de mi hijo estirándose en la ropa en desorden en tus pechos calientes ahí germinan mañanas luminosas, somnolientas, sucediéndose sin tiempo. Al subir la persiana un sol tibio se vierte sobre la calle negra noche abajo y alumbra el mundo conocido y el universo ignoto. Entonces amanece.
Chamán Dos volcanes antiguos, y la selva tropical que crepita en sus faldas y un cielo cristalino que tiene lo mismo de aire que de agua, se adormecen crujiendo en las alas livianas de una mariposa que se posa en tu cara justo en el momento en que abres los ojos al insólito mundo con tu verde antifaz de somnoliento magma. Cuando de nuevo duermes la mariposa trae de vuelta a los volcanes y se abre con un viejo bramido el formidable párpado del día. Y es por eso que abandona la noche este lecho y regresa la luz a esta anónima isla. Cuaderno de Saigon
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Profundidad Son unos ojos grandes, luminosos, verdes como un prado al sol después del chaparrón. Hay que saltar, contener el aliento, olvidar la pendiente. Hay que sumergirse, abandonarse y dejarse caer intuyendo que es posible que jamás toques el fondo. Olía a humo y tus labios dibujaban palabras que no recuerdo. Era verano y tenías trece años. Mugían los grillos. Sigo cayendo.
Carroña Los perros gatos erizos hurones y jinetas la pintura roja marrón y gris oscuro los ribetes temblorosos de pelo el gruñido veloz la calma inquieta su tempo impredecible en el suelo tatuada la sombra del milano ojo avizor la musaraña seca descoyuntado el ciervo un esquema exultante de rata sobre tonos asfalto el grito de la liebre la ardilla enmudecida los ojos expulsados del cráneo del tejón nadie se para ya a escrutar las vísceras nadie esboza analogías con lo de Francis Bacon nadie aprecia los trazos del desgarro matérico no tenemos tiempo para el arte la vida nos arrastra no paramos el coche a no ser que el puto bicho nos joda la defensa cagüen dios.
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DISCURSOS DEL BARRANCO
Todas las pancartas esta mañana decían suspira o respira pero lejos del vertedero. Todos los párrocos alborotados plantaban margaritas de metal sobre la tumba de los santos para asustar imberbes. No tiene más alas la ardilla que esas de cartulina que la niña sin ojos recorta sobre la piedra.
Entusiasmado y profundamente bello un suicida piensa en el último instante “tampoco era tan difícil”, pero ya va la muerte agarrotada en su camisa. No mates a tus hijos no mates tu cara contra el cristal espejo de viejos maestros muertos sin haber abierto jamás los ojos.
Esta mañana creí, por fin, notar el perro injertado en mi pecho y saber sacarlo sin litros de sangre ni ahuecamientos macabros. Era una mosca, era una mosca, era una mosca muriéndose encima mío.
Un caniche ahorcado es su lámpara, un móvil conectado a la tumba su canal favorito, unos zapatos de pegamento su carrera, un toro acorralado por drogas y gallinas cubiertas de oro su mascota su mascota su mascota somos todos nosotros si no reventamos.
Esta mañana ha salido el sol y puedo ver con claridad las sombras verdaderas de la figura verdadera erigida falsamente entre nuestros ojos y el cielo.
Estoy sudando, estoy sudando, estoy sudando por todos los que han nacido antes que yo y han sido ajusticiados por todos los que no van a nacer y se quedarán cantando en nuestros oídos, por los que cierran el grifo para salvar el planeta mientras pisan con la bota a un padre de familia lleno de sueños.
Estoy sudando porque llevo tres jerséis para protegerme de las lanzas.
y cae, fantasma salado, Poe hecho sirena, fuego en taza de desayuno, inmensidad-
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I
Nos estamos matando como animales psicóticos encerrados enpeceras con mucho humo y anfetaminas que caendel cielo.Esperando el milagro siendo seres milagrosos que vendieronsu milagro para pagar un suelo donde suplicar por él.Las iglesias tienen cara de ahogado y sus viejas pulgasya no saborean de la misma forma todos los bancos de musgoen amarillo olor.Tengo ganas de desaparecer para aparecer al otro lado del desiertoAquí , solo deambulan las sombras.La ropa harapos del alma pestañas pegadas formando abrigos de osos al crepúsculoestamos perdidos.
I I
Estáis rotos mis queridos acompañantes, estáis tan muertos quea veces al reír se os desencajan las mandíbulas y veo a una jauríade gusanos saludándome desde vuestra garganta perfecta.Estáis flotando, mis amigos, mis reyes. Cuando limpiáis los suelos devuestra casa retumban las tumbas de Pompeya y el eco rebota en la calleTres de París al tiempo que un transeúnte desde la ventana del metrove vuestra cara ,no puede olvidarla y cambiade trabajo pues entendió queno estamos solos.
I I I
Él, se agarraba a la esfera luminiscente en el cuello del dinosaurio absoluto que bebía agua.Ella, desenterraba una cosa con forma de algo parecido a gelatina . Un grupo cantabamientras destripaba bandadas de mariposas tamaño perro. La coca cola hace que metiemble el enano que ama. (Tengo una madre tengo un padre tengo un hermano y no se dedonde vienen)
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El Atlante
Nadie se libra en esta tarde de tu presencia.
Ni el sol ni el agua, ni siquiera el aire acariciante.
Hablas con la densidad de la espuma, en este valle marcado por el silencio.
Clamas por conquistar cada sombra, a despecho de tantos rumbos.
Ellos no te verán, eres invisible al desaliento. Quema tus naves y hagamos una epopeya.
El Escurridizo
Uno, dos y tres… jugamos al escondite inglés.
Me molesta tus dotes de sabio compungido. Tu altura inquebrantable de alcanzafarolas.
Qué difícil fotografiar tus muecas. Qué leve la sonrisa de tu rostro. Te llueven ofertas de goces y sombras y espantas a tus propias moscas en el delirio.
Te llaman, te observan, te disparan en este piélago que te hunde a cada instante. Lo sabías: no era fácil el equilibrio.
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(Poema del Libro: Estrella del sur)
Cómo gritar a los imperativos que se desglosen en pretéritos imperfectos pero humanos, que no tiemblen ante la mansa caída de las hojas del castaño, que sean lava y al mismo tiempo compás de espera, página abierta, ternura y remanso.
Cómo barajar el efímero tiempo, el reloj derrotado por el paso de las horas, el dolor que crece y se retuerce en meandros, cómo escribir un poema.
Cómo decirle a la tristeza que controle la lluvia gris de la mirada, que despoje al azul universo de las palabras no dichas, que encuentre el génesis desvelado en su historia dormida y dilatada.
Cómo encauzar la catarsis de estos versos, si la noche no me enlaza con sus manos.
Cómo escribir un poema esperando el regreso de la luz, la única estancia habitada.
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MÚSICOS
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INTRODUCCIÓN: MÚSICA IN CORPORE ANIMA
“…The engine is killing the track, the track is silver/ it stretches into the distance. It will be eat-en, nevertheless/ Its runnins./ At nightfall there is the beauty of drowned fields./ Dawn gilds the farm-ers like pigs,/ Swaying slightly in their thick suits,/ White towers of Smithfield ahead,/ Fut haunches and blood in their minds,/ There is no mercy in the gliter of cleavers,/ The butcher’s guillotine that whispers: “How’s this, how’s this?/ In the bowl the hare is aborted,/ Its baby head out of the way, embalmed in spice,/ Flayed of fur and humanity./ Let us eat it Like Plato’s afterbirth,/ Let us eat it like Christ./ These
are the people that were important…” Tótem – Sylvia Plath - *
La música contemporánea no son solo ruidos -considerando que según el gran padre de la música aleatoria: John Cage, el silencio estaba compuesto de ruidos-, sin olvidar que el gran Stravinsky afirmó:… º¡No existen ruidos, solo hay que capturar esa música y luego tocarla con otro campás!...; desgraciadamente la ópera está en crisis, como el pop lo está; en este mundo donde es difícil crear algo nuevo y único. Y además en muchos países la música es condenada e incluso des-truirla…(no es nada nuevo muchas civilizaciones creían que la música podía enloquecer al hombre, no podemos olvidar la reacción política de nuestra reciente, cuando Franklin Benjamin inventó -la campana de cristal-; si pensamos en esta cita…“la música no es nada bueno, aliena la mente de la gente y la distrae de los problemas sociales”… es lo que el leader bolchevique Vladimir Lenin, dijo sobre la música. Afortunadamente en su URSS, capitalista nacieron genios como: Shostakóvich, Prokofiev, Stravinsky, Yelena Firsonova, Ala Pávlova y Lera Aurebach. La música es todo lo contrario de lo que alguno cree, no es solo melodía, no es solamente contrapunto, ni tampoco, es matemáti-ca, la música es la suma entre los signos que van sumándose, multiplicándose, restándose sobre el -pentagrama- y los versos de una poesía. Para luego, expresarlos en la armonía del silencio -que en definitiva es el resultado de la representación de una sinfonía o de una canción-. Cuando el primer ser humano descubrió que golpear un bastón sobre algo hueco, o provocar un silbato juntando sus labios, y juntando un palo de madera con una piedra, y atando una cuerdas de animales secadas, el primer -Homo Sapiens- inventó la -Kora- y podía tocar una melodía. No puedo que estar de acuerdo con Peter Gabriel… una cosa que realmente me atrae es la idea de que la música es una cosa viva que tiene una evolución que, en cierto modo, permite al artista vender un -proceso-, un -proyecto-, más que un pedazo de producto…; la verdadera música es la que no tiene ninguna moda, no tienen canon establecido sino es la que rompe molde, poco importa que sea silbada por todos, tampoco la melodía del ruiseñor es tarareada por todos y sin embargo sigue siendo ¡El ruiseñor!...
La música es la esencia de la poética Es una forma no específica del Arte. Una ilusión, una metáfora de la propia vida, con formas concretas, así son las cosas que fluyen…la naturaleza es esencial para la Creación. Es decir: la representación misma de la Naturaleza:
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no podemos separar el ser humano de la naturaleza: los dos forman parte de territorio De la Idea….
La música que el espectador podrá escuchar en esta exposición: “RETRATO O ETOPEYA”; es una música original, única, un compendio donde todos los sentidos, se han sumado para expre-sar una sola palabra:… ¡Arte!...
Peter Hammill Poeta y compositor
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Fabrizio d’Andrè
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Jon Antón
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Brian Eno
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Inés Fonseca
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Shuhei Matsuyama
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CINETECA
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INTRODUCCIÓN: EDUCAR LA MIRADA
«El cine no es un arte que filma vida, el cine estáentre el arte y la vida». Godard
«En verdad, vivo continuamente dentro de mi sueño y hago visitas a la realidad». La re-flexión de Ingmar Bergman contiene la esencia del cine en su singular juego y diálogo entre la en-soñación y la realidad, la penumbra y la luz, el viaje interior y el exterior, la mirada y la proyección, las fronteras de la realidad y el deseo en un constante combate alumbrado por ese haz hacia la pan-talla en una sala oscura. Vivimos en la era de lo hiper y lo mega. En el abrazo de la superproducción con las nuevas tecnologías, en el regazo de lo digital y en la complicidad de lenguajes que funden y confunden la imagen narrativa. El cine se ha puesto gafas porque estaba necesitado de prótesis comerciales y de mercado. Utilización de las nuevas tecnologías, experimentación pero menos, uso de los actores infográficos, aplicación industrial, cultura en red. El director Víctor Erice sostiene que «la sensación –algo más que la sensación- que uno tiene, cuando echa una ojeada a su alrededor, es que el cine es cosa del pasado». Ante la posible defunción de la sala, cabe plantearse el debate sobre qué cine vemos y veremos, si lo que conocemos como cine no será la ‘Altamira’ replicada e inscrustada un mundo futuro de realidades virtuales.
La verdadera revolución no reside en la inmediatez de la innovación sino en contemplar la necesidad de apelar a las emociones universales; desarrollar la comunicación audiovisual y ce-lebrar la democratización de la imagen pero sin que todo ello suponga un empobrecimiento de lo que realmente se quiere contar; ni una destrucción, en definitiva, de ese aliento poético que como fragmento del asombro tiene el cine en su personalidad técnica, narrativa y polisémica a la hora de asomarse a la vida. En las entrañas de las miradas de Keaton, Fellini, Buñuel, Ford, Truffaut, Bergman, Dreyer, Bresson, Godard, Tarkovsky o Wilder, entre otros muchos, permanece ese duelo de sensaciones y apropiación, de emoción y desgarro, de relato y documento. El cine es la vida en movimiento huyendo de la muerte hacia adelante.
La fascinación es el lenguaje a reivindicar frente a los mensajes que auguran la muerte del cine, la anestesia de un entretenimiento prostituido y la frivolidad imperante. Cine como resis-tencia, cine para retratar obsesiones, para desnudar el demonio que llevamos dentro. El cine como cartografía donde los sentidos reclaman su verdadero lugar y destino. Decía Nietzsche que «lo que perdemos lo poseemos para siempre» y en esa turbación emocional de ausencias y presencias, de vacíos y residencias, de habitaciones y extrañezas, el cine se adentra en el paisaje de la condición humana. El cambio en la manera de consumir imágenes; un previsible cambio en la naturaleza de lo que hoy -más de un siglo después de su nacimiento físico y material, que no de fondo- llamamos cine; una futura relación polisémica con las imágenes y su desacralización abren nuevas perspecti-vas que no llevan implícitas un crecimiento del ‘ser audiovisual’.
Una vez más es necesario reclamar la ceremonia del cine como espectadores: la defensa de la versión original no como un privilegio o un ejercicio epatante, sino como un derecho; la importancia de una proyección sin interrupciones, no a modo de reclamo de pureza, sino como la
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justa correspondencia a una forma de vivir el cine; y, finalmente, la posibilidad de elección cada vez más mermada por culpa de una distribución y una exhibición acostumbradas a practicar una censura cultural mediante anómalas y gratuitas decisiones sobre lo que vemos o debemos ver.
La educación de la mirada, sin sofisticación ni aditivos, debe concebirse como un viaje heroico, un idéntico y necesario trayecto: ese que nos lleva a nuestro propio lugar en el mundo, a reconciliarnos con él, a descubrirlo en cada imagen que se nos revele fundacional. El cine puede y debe aprovechar la autoría abierta, la deslocalización, lo híbrido, la proeza visual. Pero sin desaten-der la materia prima de la ficción, la mayor aventura que es la de contar, la experiencia a través de la identificación, de la metáfora, de lo iniciático, del avatar personal. El aprendizaje de cada espec-tador debe consistir en completar esa estancia en la que la ventana (in) discreta se convierte en la habitación propia de cada vivencia cinematográfica.
Las película incluidas en este proyecto: ‘Sonata de Otoño’ de Bergman; ‘El Molino y la cruz’ de Lech Majewski, ‘Accattone’ de Pasolini y ‘Andrei Rublev’ de Tarkovsky, constituyen exponen-tes de un territorio humanista y de un concepto del cine como arquitectura de nuestros espacios vitales, poética de la libertad y compromiso. Amamos el cine porque crece en nosotros y nosotros crecemos con él; es nuestro lenguaje contemporáneo, nuestra manera de estar en el mundo. Una gramática de la mirada, una sintaxis narrativa y un interrogante permanente proyectados como una herramienta de luz para alumbrar el pensamiento.
Guillermo Balbona
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Ingmar Bergman fue guionista y director de teatro. Sin duda no solo es y fue quizás el mejor cineasta sueco, sino uno de los 10 mejores directores del 7º Arte de todos los tiempos según los expertos del Premio Cinematográfico. BAFTA. Además no son pocos los críticos que lo consideren con Ford y Kubrick el más grande director de la historia del cine. El mundo metafísico de la religión influyó tanto en su niñez como en su adolescencia. Su educación estuvo basada en los conceptos “luteranos”. En muchas de sus películas Bergman hace referencias de esa -educación- “Fanny y Alexander”, donde Alexander es un niño de 10 años que es trasunto del pequeño Bergman. Los personajes de Bergman arrastran un pasado lastre en sus mentes, en sus sentimientos. Como en “Sonata de Otoño”; la transmisión de estos personajes es el conflicto interno de lacerantes y angustiosas historias. Sin duda, su mayor el logro de comunicación con su cine…
BERGMAN INGMAR: Upsala, Suecia 1918- Farö, Suecia 2007
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Dreyer es considerado uno de los mejores directores de la Historia del cine. Famosa es la anécdota que circulaba en la Academia de Hollywood. Un perio-dista preguntó a Orson Welles:… ¿Señor Welles quiénes son los tres directores más grande del cine?... y Orson riéndose contestó:… ¡Ford! ¡Ford! ¡Ford!... sin embargo pocos saben que cuando un crítico de la prestigiosa revista de cine: “Movie” le preguntó a John Ford la misma pregunta años anteriores a la de Welles, Ford contestó:… ¡Dreyer! ¡Dreyer! ¡Dreyer!.... “Gertrud” considerada para la crítica la obra maestra de Dreyer, aunque sinceramente también lo son: “La pasión de Juana de Arco”, “Ordet” (La Palabra), “Dies Irae” y “Vampyr”, y si incluimos a los documentales, entonces, Dreyer es sin duda un pionero y un gran maestro del 7º Arte como: Yoris Ivens…
CARL THEODOR DREYER: Copenhague 1889 Frederiksberg 1968
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Lech Majewsky, es sin duda uno de los cineastas más interesantes del cine contemporáneo, cintas como: “Labios de cristal” de 2007, “El Jardín de las de-licias” de 2009, entre otros, Majewsky utiliza mucho como tema central al Arte, y prueba de ello es su participación en la Bienal de Venecia de 2007 “Labios de cristal” y la magistral “El molino y la cruz” (interpretada por Rutger Hauer, Charlotte Ramplin, Michael York) y en la Bienal de 2011. A través de la historia (Los Países Bajos: Flandes, ocupados por los españoles de Juan de Austria), el señor Bruegel (Hauer) y su famoso cuadro: “La procesión al calvario”, y su me-cenas el coleccionista y amigo Nicholas Jonghelinck (Michael York), el Molino (es la metáfora de Dios; y la represión con la metáfora religiosa del Calvario de Cristo, y el dolor de una madre (La Virgen: Charlotte Rampling)…Simplemente magistral…”Es el -cine- ahora lo que debe rescatar las grandes metáforas del Arte, porque así lo hicieron: Fellini, Tarkovsky, Ford, Dreyer, Buñuel, Pasolini, donde se recuperó la figura humana rescatada del Renacimiento”….
LECH MAJEWSKY: Katowice-Polonia 1953
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Pier Paolo Pasolini fue escritor, poeta y director de cine italiano. Sin duda con el poeta Beppe Salvia y Carmelo Bene en el ámbito del teatro, son los tres inte-lectuales más provocadores y comprometidos con la nueva generación italiana del después de la guerra. Pasolini fue sin duda, uno de los realizadores más venerados de la filmografía de su país. Una curiosidad a Gassmann le pregun-taron quiénes eran los tres directores que él amaba, y (il Mattatore) contextó:… ¡Como actor amo a De Sica, Risi y Pasolini! ¡Pero como espectador admiro a Risi, Pasolini y Leone!...; películas como “Accattone” son la más cruda, y acida crítica sobre la democracia (como política falaz y destructora del individuo) y sobre los dos males capitales contemporáneos que se suman a los siete (y así son nueve) y son: la Indiferencia y la Baguez. Fue asesinado brutalmente por la derecha y la mafia en la playa de Ostia (Roma) en 1975…
PIER PAOLO PASOLINI: Bolonia-Italia 1922-Ostia-Italia 1975
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Andrei Tarkovsky, es sin duda el inventor de los sentidos en el cine, en el térmi-no real de la palabra: no solamente la vista, el olfato, el tacto, el gusto y el oído son fundamentales en el cine del cineasta ruso, sino lo son el frío, el calor, la lluvia, el fuego y la niebla, es decir los elementos. Tarkovsky ha realizado pocos largometrajes pero casi todos son obras maestras: “La infancia de Iván” (León de oro, en Venecia); “Solaris”, “El Espejo”, “Stalker”, “Nostalgia” (Palma de oro en Cannes); en 1983 dirige la ópera “Boris Gudonov para el Covent Garden de Londres y la Scala con Claudio Abbado, en la versión de Sostakovich. La película “Andrei Rublev” (para muchos con el Espejo, es la mejor película de la historia del cine), Ingmar Bergman dijo de él:… “Trakovsky para mi es el más grande director (de cine), él que inventó un nuevo lenguaje, fiel a la naturaleza de la película, ya que captura la vida como un reflejo, la vida como un sueño” …
ANDREI TARKOVSKY: Zavrazhye-Rusia/Unión Soviética 1932París-Francia 1986
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PERFORMERS
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INTRODUCCIÓN: OVERTURE
“…Éranse una vez Amable y su intrépida Amiga. Amable le dijo a Amiga que tenía cortarle ungüento cada derroche para palmar su pesar. De no hacerlo la cabeza se le zahería. Pero en lugar de ello, Amiga le dio a Amable una paradoja de papel y algunas destrucciones. 365 derroches después, Amable se convirtió en un hombre feliz y Amiga en una orgullosa mujer. Y bebieron felices y corrieron las perdices. Quién se lo echaría en jara. ¡Hola! Yo…la sombra… ” Yoko Ono: “Pomelo”
La Exposición Colectiva “Retrato o Etopeya”, se compone de distintas disciplinas: pintura, fotografía, escultura, instalación, vídeo-arte, poesía, música, cine y performance. Y todos los artis-tas como la -Idea- (buscan constantemente la forma, el verso, la escena, la mancha, el encuadre) pelean la eterna lucha de la -creación-. Am June Paik, afirmó:..Tal cómo la técnica del Collage, reemplazó a la técnica del Óleo, el tubo catódico reemplazará a la pantalla de tela (el Lienzo)…; sin embargo creo que se ha equivocado. Y esta Colectiva es una realidad: el Arte Contemporáneo debe convivir: porque el arte debe ser un componente de cotidianidad, y de expresar siempre con distintas disciplinas y diversas -ideas-, de otra manera no será sincero. Esto no significa que las nuevas tecnologías no deben ahondar en las Bellas Artes, sino todo lo contrario es necesariamente imprescindible que la -nueva tecnología-, experimente en el campo del Arte, pero debe también convivir con aquellas técnicas que tienen siglos de historia, precisamente por ello hay que respe-tarlas, porque es respetar al -hombre-.
Los artistas que la componen: Carmen Armbruster José Pablo Arriaga Marisol Cavia José Cobo María Jesús Cueto/ Juan Díaz Carles Edurne Gorrotxategi/ Jessica Lloren Inés Fon Santos te/ Mariemi Otaola/ Jordi Andrè secaPasoliniP Navarro Fisas Gloria Pereda Pilar De Dreyer Chiara Scarfò Massimiliano T. Quirosa Poesía Calvesi/ Eco U. Majewsky Lech Jon Ant Ingmar Dori Campos Pablo Escribano ton/Eno AndreiPatricia Fernández Alberto MuñozShuhei Música
han realizado una búsqueda dentro de la -IDEA- Panovskyana, y su sombra es el resultado de una ecuación plástica, que se titula: “RETRATO o ETOPEYA”… El Arte debe ser lo que ve y no lo que debería verse o expresarse, el Arte se mueve en los parámetros entre Presente y Futuro, y no entre un Pasado y un Condicional… El artista debe ser como un niño que se asombra de su mundo y de su entorno…
Massimiliano Tonelli
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CARLES SANTOS
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Massimiliano Tonelli: Marat Death VI
PERFORMERS:Carlos San Vicente (Marat)Silvia San Vicente (Carlota Corday)
MÚSICA: Lady Gaga, Brian Enoy Ludwig van Beethoven
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CONCLUSIONES
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CONCLUSIONES: Carmina Solitudo
El ámbito de los fenómenos comunicativos, los sistemas de signos, la negación de un “código de conducta”, la dialéctica de los mensajes entre las relaciones humanas con la sociedad, con el propio mundo y sobre todo con el diálogo entre dos, y los “cánones establecidos”, de un cri-terio común sobre la belleza y el retrato. Esto conlleva sin precedentes a un verdadero sistema de la cultura como comunicación y propone un previo estudio:… La belleza se asocia al adjetivo “Bello”, y lo que es bello siempre se lo asocia a “Bueno”: os aseguro que en épocas antiguas hasta llegar a las puertas del siglo XX bello era sinónimo de bueno. Afortunadamente, con la ayuda de sabios, como: Sartre, Borges y Poe hemos descubierto que “Bello” puede ser “Malo” y hasta “Letal”. Pero a través de nuestra historia de Civilizaciones, todo esto de la Belleza, de la Fealdad, de la Soledad, etcétera…se encuentra en el Arte del -Retrato y en la Etopeya sociológica humana- es decir si el artista no hubiera nunca retrato a nadie, si incluso no hubiéramos fotografiado nuestra vida, como un -Recuerdo-, ¿Cómo hubiera podido investigar nuestra Historia? Habríamos tardado siglos, e incluso sin llegar a ninguna conclusión, o hipótesis verdaderas. A través de nuestros Retratos, y de los -Retratos- y de la Etopeya pictórico-social podemos saber como era el ser humano en la Época Egipcia, Romana, Renacentista y como somos ahora (posiblemente nuestra sociedad contemporá-nea me refiero a la del siglo XXI, es una Sociedad desnuda, en todos los sentidos, es una sociedad con una tremenda Tecnología avanzada: Internet, Radio, Google, Twiter, WhatSapp, Skiper, Youtube, Telefonia digital, y el gran Hermano: la Televisión, no hay duda somos una sociedad que está en pelotas, en el bueno y mal sentido de la palabra: nos espelotamos continuamente y nos espelotan diariamente). Si el Arte del Retrato en la Florencia de los Médicis (sobre todo con la Academia de: Poliziano, Botticelli, Ghirlandaio, Pico della Mirandola, Marsilio Ficino, Michelozzo, Gentile da Fa-briano en la corte de Lorenzo de Medicis el Magnífico) llegó a cotas insospechables, las -Miniaturas medievales- fueron el umbral de la -Renassence-, como la bautizó Diderot en su -Encyclopedia-. Estos cuadros en miniatura que acompañaban: -Libros de Horas-, -Códigos Mitológicos-, -Misales
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de Corte- o -Biblias- y -Diarios de plegaria-; y por eso llama mucho la atención el color y la luz, pintadas con una luz especial y un brillo inusual. Considerando que precisamente la carencia de luz era un factor unísono de las ciudades medievales. Y siendo éstos libros -personales- daban luz y alegría al privado lector sumergido en la oscuridad de una celda, de una habitación de castillo o de un palacio. (Dios como luz, era el concepto que se utilizaba, el cual daba origen a las daritas. Luz en latín o armonía, y luz concepto de Dionisio como belleza), el cual es uno de los conceptos principales de la estética para la tradición cristiana.
Donde se consideraba a Dios como una luz que se manifestaba como una forma invisible, por otro lado la mitología griega tenía en Plutonio la herencia, de que lo bello era la proporción y que nace en distintas partes de un -todo- y la belleza no sólo era simétrica sino un “Chromo” y puro color-luz. Sin olvidarse que la filosofía -Medieval- herede de la poesía árabe habían transmitido visiones de esencia rutilantes de Luz; fue el Renacimiento florentino a rescatar esa luz en sus -Re-tratos- donde el alma sobresale desde dentro hacia fuera, dando -al hombre su justo protagonismo: ¡El Humanismo!-; como demostraremos en este Gráfico Semiótico: de Dios pasando por la Luz se llega al Humanismo…..
Umberto Eco (*)
(*) El profesor Eco no pudo concluir el presente texto.
Milano lì 28 marzo 2016
Carissimo Massimiliano, sono molto emozionata, di poter essere presente in questa sua bellissima iniciativa artística; e anche dal fatto della sua emotiva lettera piena di vecchi ricordi di mio marito; -il Professore Eco- come sempre lo ha chiamato Lei. Non posso mai dimenticare quel maggio del 2007 quando con amici soui è venuto a trovarci. Era la prima volta che la vedevo. Um-berto mi parlava di Lei -come di un alunno diligente e colto, ma molto impulsivo e timido -; anche se non conosce i miei figli, sia io che loro siamo molto onorati che questo scritto póstumo possa apparire nel Catalogo della sua Mostra: “Ritratto o Etopeya”, Umberto mi disse a suo tempo che le aveva scritto un testo un poco diverso; e voleva inviarselo con il suo PC (Compiuter), ma purtroppo la sua malattia ha stroncato il suo desiderio. ma quando ricevetti la sua email. Subito mi misi a frugare nel Compiuter di Umberto, e con pazienza finalmente lo trovai, e anche se non è del tutto concluso credo che sia una maniera originale di essere presente No? Purtroppo non possiamo ve-nire in ottobre, per motivi famigliari; ma stia sicuro che sarò lì presente con -il professore Eco-. Le gradirei che mi inviasse il catalogo. Un cordiale saluto da Renate Ramge.
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CITACIONES HISTÓRICAS
Venus de Lespugue es unaestatuilla de marfil de 14,7 cmdel paleolítico, fue hallada en 1922, en la cueva de Rideauxen el Alto de Garona (Francia), por R. Saint de Pèrier….
Venus de Willendorf, paleolíticoestatuilla antropomorfa femeninadatada de 20.00 a 22.000 añosa.C; descubierta por el arqueógo Josef Szombathy- Museo de Historia Natural de Viena….
Retrato de la poetisa Safo delsiglo I. a.C.; aunque no sea de la célebre poeta griega, y solo se refiere a una poetisa romanade Pompeya (fresco) Museode Pompei (Nápoles)…
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Nefertiti: Neferu Atón Nefertiti (1370 a.C – 1330 a.C.) fue reina Consorte Real Dinastia XVIII de Egipto, gran esposa Real de Akenatón. Su nombre significa: Bondad de Atón: la bella ha llegado. Nue Museum de Berlín (Alemania)…
Laoconte o Lacoonte, escultura helénica del siglo I al siglo II a.C; de mármol blanco de 2,45 m de alto. Fue esculpido por Agesandro, de Rodas. Lacoonte era sacerdote y adivino de Troya, fue castigado por Poseidon. Museos Vaticanos….
El abuelo y el nieto. Cuadro sobre tabla. Temple. Pintado por Domenico Ghirlandaio 1450. Se conserva en el Museo del Louvre (París)…
Cabeza femenina deCampesina. Pintada por Pieter Bruhegel llamado el Viejo. Fue pintado en 1564. Óleo sobre tabla. Se conserva en la Alta Pinacoteca de Münich (Alemania).
Retratos de los Duques de Urbino: Battista Sforza y Federico de Montefeltro.regalo de Boda del pintor Piero della Francesca, 1473, Uffizi de Florencia.
Simonetta Vespucci modelo y musa de Botticelli. Sin embargo fue modelo de otros pintores de la época: Pietro di Cosimo, Paolo Uccello y Ghirlandaio-. Entre Botticelli y Simonetta surgió una amistad profunda y un amor platónico
Giovanna Tornabuoni musa y modelo de Domenico Ghirlandaio pintado por Ghirlandaio en 1488. Es un regalo de boda. Giovanna muere de parto en 1488. El retrato se conserva en el Museo Thyssen de Madrid….
”Reverendo patinando” del pintor Henrry Raerburn. National Gallery de Edimburgo.
Pontorno: El encuentro. (Pisa-Toscana)/ “The Greeting” video-arte, Bill Viola. Museo Ludwig de Khölm.
Todas estas imágenes han sido cedidas con todos sus derechos por las respectivas Insti-tuciones, Fundaciones y Museos donde se encuentran; agradeciendo a todo el personal de Comunicación, Conservación del Patrimonio de cada Museo, Fundación o Institución privada. Agradeciendo su participación en esta edición de la cual conservan sus derechos de imágen….
