Quien fué el que enrealidad invento la Musica?

Según la historia, escrita en piedra y no equívoca, la música fue "descubierta" por Pitágoras. Fue el primer hombre que en sus innumerables momentos de ocio cuando no tenia nada mejor que hacer que mirar el cielo y quemarse los ojos con el sol, pensó en el viento, en las aves, en que no se cepilló os dientes, en que necesitaba ir al baño, y de nuevo pensó en el viento y los sonidos producidos por el, por lo que lo estudio. Descubrió los acordes que se producían en el, por lo que se podría decir que fue el quien descubrió la música. 

Claro, le debemos mucho a Pitágoras. Algunos pensaran que le debemos formulas matemáticas, la formula del triangulo rectángulo, los catetos, y otras cosas mas como el colegio. Pero para mí, el mayor reconocimiento es la música. ¿Por que mierda es buena la música? dirán algunos. Por que no se puede vivir sin ella. Se podía vivir sin ella cuando no existía, pero no se puede vivir sin ella cuando ya existe. La escuchamos en todas partes,

en las tiendas, ascensores, comidas, comerciales, películas, etc. estamos tan acostumbrados a la música, que cuando estamos en el bosque o en el mar, hay veces que se escucha "cantar a los animales", ¡aunque ellos ni siquiera tengan cuerdas vocales! 

Hay veces que uno escucha tanta música, que cuando camina no puede evitar pensar en una canción, aunque no sepa el nombre de esta ni el autor, ni los acordes que tiene ni cuando fue escrita. Es solo que la melodía de esta se adapta perfectamente al estado de animo que tenemos en ese momento determinado. Y se adapta tan bien, que nos enamoramos de ella. 

No entiendo muy bien si la música es un vicio o un arte, pero hasta ahora solo he “probado” que la música es producto del ocio de alguien. Y si la música es un producto del ocio, también nos hacer ser más ociosos. No en el sentido de ser vago, más bien en el sentido de dedicarnos a una sola cosa concentradamente. Puede ser en alguien, en un ejercicio, en un problema, en una solución, en un texto, en un recuerdo. Y por conclusión, si la música es producto del ocio, y la música es buena para nosotros, entonces el ocio es bueno para nosotros. ¡Viva el ocio! 

Pitágoras debería haberse ganado un Nóbel. 

Se dice que Pitágoras acuñó la palabra matemáticas, que significa “lo que es aprendido”. Él describe un sistema de ideas que busca unificar los fenómenos del mundo físico y del mundo espiritual en términos de números, en particular, en términos de razones y proporciones de enteros. Se creía que, por ejemplo, las órbitas de los cuerpos celestiales que giraban alrededor de la Tierra producían sonidos que armonizaban entre sí dando lugar a un sonido bello al que nombraban “la música de las esferas”. 

Pitágoras estudió la naturaleza de los sonidos musicales. La música griega existía mucho antes, era esencialmente melódica más que armónica y era microtonal, es decir, su escala contenía muchos más sonidos que la escala de doce sonidos del mundo occidental. Esto no es algo inusual en las tradiciones musicales orientales donde la música es enteramente melódica. Los intervalos más pequeños no se pueden escribir en nuestra notación actual aunque algunos cantantes modernos e instrumentalistas de jazz los ejecuten. 

Fue Pitágoras quien descubrió que existía una relación numérica entre tonos que sonaban “armónicos” y fue el primero en darse cuenta de que la música, siendo uno de los medios esenciales de comunicación y placer, podía ser medida por medio de razones de enteros. Sabemos que el sonido producido al tocar una cuerda depende de la longitud, grosor y tensión de la misma. Entendemos que cualquiera de estas variables afecta la frecuencia de vibración de la cuerda. Lo que Pitágoras descubrió es que al dividir la cuerda en ciertas proporciones era capaz de producir sonidos placenteros al oído. Eso era una maravillosa confirmación de su teoría. Números y belleza eran uno. El mundo físico y el emocional podían ser descritos con números sencillos y existía una relación armónica entre todos los fenómenos perceptibles. 

Pitágoras encontró que al dividir una cuerda a la mitad producía un sonido que era una octava más agudo que el original (Do al Do superior); que cuando la razón era 2:3 se producía una quinta (la distancia de Do a Sol) y que otras razones sencillas producían sonidos agradables. 

La razón por la cual encontramos a estos intervalos más agradables que otros tiene que ver con la física de la cuerda tocada. Cuando una cuerda de 36 cm se rasga, no sólo se produce una onda de 36 cm, sino que además se forman dos ondas de 18 cm, tres de 12,

cuatro de 9, y así sucesivamente. La cuerda vibra en mitades, tercios, cuartos, etcétera. Y cada vibración subsidiaria produce “armónicos”, estas longitudes de onda producen una secuencia de armónicos, 1/2, 1/3, 1/4… de la longitud de la cuerda. Los sonidos son más agudos y mucho más suaves que el sonido de la cuerda completa (llamada “la fundamental”) y generalmente la gente no los escucha pero son los que hacen que los instrumentos musicales suenen diferentes entre sí. Ya que Do y Sol, a una distancia de quinta, comparten muchos de los mismos armónicos, estos sonidos se mezclan produciendo un resultado agradable. 

Sin embargo, Pitágoras no sabía nada de armónicos. Él sólo sabía que la longitud de la cuerda con las razones 1:2 y 2:3 producía unas combinaciones de sonidos agradables y construyó una escala a partir de estas proporciones. En sus experimentos, Pitágoras descubrió tres intervalos que consideraba consonantes: el diapasón, el diapente y el diatesaron. Los llamamos la octava, la quinta y la cuarta porque corresponden al octavo, cuarto y quinto sonidos de la que conocemos como escala pitagórica diatónica. La llamamos quinta porque corresponde a la quinta nota de la escala.

Pitagoras,Su Musica y su relacion con el Cerebro

Una rápida revisión de las reglas proporcionales de Pitágoras: los intervalos musicales pueden ser descriptos como proporciones de las frecuencias de dos tonos. Dichas proporciones son las más simples (2:1, 3:2, 4:3, etc) y corresponden con los intervalos que la civilización occidental ha juzgado como los más agradables (intervalo de octava, quinta justa o cuarta justa), mientras que los intervalos disonantes para nuestra cultura (séptima mayor, segunda menor, cuarta aumentada o quinta disminuida) tienen proporciones más complejas (243:128, 16:15, 45:32, etc). Las pruebas de fMRI descubrieron que en los músicos bien entrenados, se observan en actividad cinco áreas del cerebro al interpretar dichos intervalos, mostrando mayor actividad cuando dichos intervalos progresan de consonancias perfectas a consonancias imperfectas para acabar en disonancias. Estas cinco áreas del cerebro son: la circunvolución frontal inferior, la circunvolución temporal superior (donde se encuentra la corteza auditiva primaria), la circunvolución frontal media, el lóbulo parietal inferior y el surco anterior (que se cree domina el conocimiento racional).

En los “no músicos” (ese término horrible utilizado en conocimiento musical para describir a aquella población de oyentes que no han tenido entrenamiento musical) se observa que tan sólo un área de su cerebro se activa bajo los mismos patrones de consonancia/disonancia: la circunvolución derecha frontal inferior.

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Música en la Prehistoria (50000 a. C.-5000 a. C.)[editar]Artículo principal: Música en la prehistoria

Danza de Cogul (provincia de Lérida). En esta pintura rupestre varias mujeres danzan alrededor de un

hombre desnudo. Los ritos asociados con danzas y ritmos repetitivos eran habituales en casi todas las

culturas prehistóricas.

Se ha demostrado la íntima relación entre la especie humana y la música, y mientras que

algunas interpretaciones tradicionales vinculaban su surgimiento a actividades

intelectuales vinculadas al concepto de lo sobrenatural (haciéndola cumplir una función de

finalidad supersticiosa, mágica o religiosa), actualmente se la relaciona con los rituales de

apareamiento y con el trabajo colectivo.2

Para el hombre primitivo había dos señales que evidenciaban la separación entre vida y

muerte: el movimiento y el sonido. Los ritos de vida y muerte se desarrollan en esta doble

clave. En el llamado arte prehistórico danza y canto se funden como símbolos de la vida

mientras que quietud y silencio se conforman como símbolos de la muerte.

El hombre primitivo encontraba música en la naturaleza y en su propia voz. También

aprendió a valerse de rudimentarios objetos (huesos, cañas, troncos, conchas...) para

producir sonidos.

Hay constancia de que hacia el 3000 a. C. en Sumeria ya contaban con instrumentos de

percusión y cuerda (lira y arpa). Los cantos cultos antiguos eran más bien lamentaciones

sobre textos poéticos.

En la prehistoria aparece la música en los rituales de caza o de guerra y en las fiestas

donde, alrededor del fuego, se danzaba hasta el agotamiento. La música está basada

principalmente en ritmos y movimientos que imitan a los animales. Las manifestaciones

musicales del hombre consisten en la exteriorización de sus sentimientos a través del

sonido emanado de su propia voz y con el fin de distinguirlo del habla que utiliza para

comunicarse con otros seres.

Los primeros instrumentos fueron objetos, utensilios o el mismo cuerpo del hombre que

podían producir sonidos. Estos instrumentos podemos clasificarlos en:

a) Autófonos: aquellos que producen sonidos por medio de la materia con la que están

construidos. Son instrumentos de percusión; por ejemplo, hueso contra piedra.

b) Membranófonos: serie de instrumentos más sencillos que los construidos por el

hombre. Tambores: hechos con una membrana tirante, sobre una nuez de coco, un

recipiente cualquiera o una verdadera y auténtica caja de resonancia.

c) Cordófonos: son aquellos de cuerda; por ejemplo, el arpa.

d) Aerófonos: el sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de aire. Uno

de los primeros instrumentos es la flauta, en un principio construida con un hueso con

agujeros.

Mundo antiguo (5000 a. C.-476 d. C.)[editar]Artículo principal: Música en la Antigüedad

Antiguo Egipto y Mesopotamia[editar]

La música en Egipto poseía avanzados conocimientos que eran reservados para los

sacerdotes. En el Imperio Nuevo utilizaban ya la escala de siete sonidos. Este pueblo

contó con instrumentario rico y variado; algunos de los más representativos son el arpa

como instrumento de cuerdas y el oboe doble como instrumento de viento. En

Mesopotamia los músicos eran considerados personas de gran prestigio; acompañaban al

monarca no solo en los actos de culto si no también en las suntuosas ceremonias de

palacio y en las guerras. El arpa es uno de los instrumentos más apreciados en

Mesopotamia. La expresión musical de Mesopotamia es considerada origen de la cultura

musical occidental.

Antigua Grecia[editar]

Escena de un banquete hacia el siglo II a. C. Este bajorrelieve procede de la cultura indogriega. Era

habitual encontrar a un músico tocando unasiringa o similar. Ancient Oriental Museum de Tokio.

En la Antigua Grecia, la música se vio influida por todas las civilizaciones que la rodeaban,

dada su importante posición estratégica. Culturas como

la mesopotámica, etrusca, egipcia o incluso las indoeuropeas fueron de importante

influencia tanto en sus músicas como en sus instrumentos musicales. Los griegos daban

mucha importancia al valor educativo y moral de la música. Por ello está muy relacionada

con el poema épico. Aparecen los bardos o aedos que, acompañados de una lira, vagan

de pueblo en pueblo mendigando y guardando memoria oral de la historia de Grecia y sus

leyendas. Fue entonces cuando se relacionó la música estrechamente con la filosofía. Los

sabios de la época resaltan el valor cultural de la música.Pitágoras la considera «una

medicina para el alma», y Aristóteles la utiliza para llegar a la catarsis emocional.

Posteriormente aparece en Atenas el ditirambo, cantos dirigidos a Dionisos, acompañados

de danzas, y el aulós, un instrumento parecido a la flauta. Surgen

asimismo dramas, tragedias y comedias de una manera combinada pero sin perder la

danza, la música y la poesía.

Los principales instrumentos utilizados en Grecia fueron la lira, la cítara, el aulós,

la siringa (también llamada flauta de Pan, por su creación mitológica que involucra

a Pan y Siringa), varios tipos de tambores como por ejemplo el tympanon (siempre en

manos de mujeres), el crótalo, el címbalo, el sistro y las castañuelas.

Antigua Roma[editar]

Euterpe con una flauta.Sarcófago de lasmusas. Museo del Louvre, en París.

Roma conquistó Grecia, pero la cultura de ésta era muy importante y, aunque ambas

culturas se fundieron, Roma no aportó nada a la música griega. Eso sí, evolucionó a la

manera romana, variando en ocasiones su estética. Habitualmente se utilizaba la música

en las grandes fiestas. Eran muy valorados los músicos virtuosos o famosos, añadiendo

vertientes humorísticas y distendidas a sus actuaciones. Estos músicos vivían de una

manera bohemia, rodeados siempre de fiestas.

En los teatros romanos o anfiteatros se representaban comedias al estilo griego. Los

autores más famosos fueron entre otros Plauto y Terencio. La tragedia tuvo trascendencia

siendo su máximo cultivador Séneca. La música tenía un papel trascendental en estas

obras teatrales.

A partir de la fundación de Roma sucede un hito musical, los ludiones. Estos eran unos

actores de origen etrusco que bailaban al ritmo de latibia (una especie de aulós). Los

romanos intentan imitar estos artes y añaden el elemento de la música vocal. A estos

nuevos artistas se les denominó histriones que significa bailarines en etrusco. Ninguna

música de este estilo ha llegado hasta nosotros salvo un pequeño fragmento de una

comedia de Terencio.

Cuando el imperio romano se consolida, llega la inmigración que enriquece

considerablemente la cultura romana. Fueron relevantes las aportaciones de Siria, Egipto y

las que provenían de la Península Ibérica, actual España. Vuelven a aparecer antiguos

estilos como la citarodia(versos con cítara) y la citarística (cítara sola virtuosa). Eran

habituales los certámenes y competiciones en esta disciplina.

La música en la China Antigua: simbología y textura en la música tradicional china[editar]

Artículo principal: Cultura de China

Representación de los instrumentos tradicionalmente utilizados en la música tradicional china.

Desde los tiempos más antiguos, en China la música era tenida en máxima consideración.

Todas las dinastías le dedican un apartado especial. Aún hoy la música China está

impregnada de la tradición secular, legendaria y misteriosa de una de las filosofías más

antiguas del mundo.

Representación de una cadencia típica en la música china.

La explicación acústica que sustenta este sistema musical es el de la quinta soplada. Si

soplamos con fuerza en un tubo cerrado, correspondiente, por ejemplo, a fa4 se obtendrá

una quinta justa superior, es decir do5. Pero este do5 también se puede obtener soplando

normalmente en otro tubo que mida dos tercios de la longitud del primero.

Al cortarse un tercer tubo, que mida dos tercios de do5 se obtendrá una quinta justa

superior a do5, es decir, sol5. Como este sonido está muy alejado de huang-chung, se

duplica su longitud y se obtiene sol4, dado que la relación doble corresponde a la octava.

Pero los teóricos chinos se dieron cuenta de que podían obtener ese mismo sol4, cortando

un tubo que midiera cuatro tercios de do5.

Trabajando así, y siempre sucesivamente con las relaciones dos tercios y cuatro tercios,

llegaron a la escala de los 12 lu, con la cual se alcanza la octava. No la octava justa, por

cierto, ya que la razón 1:2 nunca equivale a la ecuación 12 2/3. Obtuvieron entonces, una

escala dodecafónica de temperamento desigual.

El peligro de esta escala cíclica es que, por más precauciones que se adopten, las

fracciones se hacen cada vez más complicadas e irreductibles a números enteros. Si

otorgamos el número ochenta y uno al huang-chung y le aplicamos el principio cíclico (2/3-

4/3) al llegar al sexto lu comienzan números con fracciones, y cada vez se hacen más

complicadas las ecuaciones a realizar: 81-54-72-48-64-42,666-56,888-etc., meros lu para

su escala usual.

Sistema tonal chino tradicional.

En el siglo IV a. C. los teóricos chinos trataron de archivar las quintas para alcanzar la

octava, es decir, intentaron el temperamento igual, pero solo en el año 1596 el príncipe

Tsai-Yu propone afinar los tubos según un principio equivalente al temperamento igual.

Cada vez que un tubo masculino produce uno femenino, el masculino, es esposo y el

femenino esposa. Cada vez que un tubo femenino produce uno masculino, el tubo

femenino es la madre y el masculino el hijo.

Los cinco primeros sonidos del ciclo de quintas constituyen la escala usual básica,

pentatónica anhemitonal (sin semitonos).

Música de la Edad Media (476-1450)[editar]Artículo principal: Edad Media

Artículo principal: Música medieval

Artículo principal: Música de la Edad Media de España

Artículo principal: Compositores medievales

Los orígenes de la música medieval se confunden con los últimos desarrollos de la música

del periodo tardío romano. La evolución de las formas musicales apegadas al culto se

resolvió a finales del siglo VI en el llamado canto gregoriano. La música monódica profana

comenzó con las llamadas canciones de goliardos (ss. XI y XII) y alcanzó su máxima

expresión con la música de los menestrelli, juglares, trovadores y troveros, junto a

los minnesinger alemanes. Con la aparición en el siglo XIII de la escuela de Nôtre-

Dame de París, la polifonía alcanzó un alto grado de sistematización y experimentó una

gran transformación en el siglo XIV con el llamado Ars Nova, que constituyó la base de la

que se sirvió el humanismo para el proceso que culminó en la música del Renacimiento.

La música en la Iglesia católica primitiva[editar]

Artículo principal: Rito litúrgico católico

Constantino otorgó libertad de culto a los cristianos en Roma con el Edicto de Milán hacia

el año 325 d. C. Este nuevo espíritu de libertad impulsó a los primeroscristianos a alabar

a Dios por medio de cánticos. Estos cristianos primigenios, buscando una nueva identidad

no deseaban utilizar los estilos musicales predominantes paganos de la Roma de aquella

época.

Para unificar los criterios musicales cristianos, San Pedro introdujo melodías orientales.

Cabe recordar que la música en Grecia se encuentra más relacionada con Asia que con

Europa. Los Salmos son cantos litúrgicos contenidos en el Antiguo testamento dentro

del Libro de los salmos, ellos son de origen hebreo y los himnosson canciones de

alabanza de tradición helénica. Son estas formas de música de origen oriental y basadas

en una melodía cantada solo con la voz humana y sin acompañamiento instrumental de

ningún tipo, las que dieron forma a la música desde entonces y hasta principios del

segundo milenio.

En un documento escrito por Plinio el Joven con la intención de informar al

emperador Trajano acerca de las costumbres de los cristianos, encontramos una

interesante referencia de su música: «...ellos (los cristianos) tenían la costumbre de

reunirse en un día específico al alba, para alabar a Cristo como si de un dios se tratase,

con un canto alterno».

El canto alterno es aquel que se desarrolla entre dos coros, uno de los cuales canta una

estrofa y el otro le responde. En la liturgia católica se le conoce comoantífona, y se puede

cantar con la participación de dos coros o de un solista y la congregación.

San Ambrosio, obispo de Milán, introdujo en Antioquía cánticos en forma de antífona.

Compuso a la vez himnos. Sus himnos junto con otros ya existentes pronto se propagaron

por toda Italia. Debido a las frecuentes amenazas contra el Imperio romano por parte de

las tribus bárbaras existió una gran agitación que provocó una dispersión de las melodías y

la alteración de las mismas en cada región.

El canto gregoriano[editar]

Artículo principal: Canto gregoriano

El canto gregoriano es un canto litúrgico de la Iglesia católica. Es utilizado como expresión

y mensaje dentro del culto y asimismo como medio de expresión religiosa. Las principales

características generales de este estilo musical son las siguientes: normalmente son obras

de autor desconocido, son cantadas solo por hombres,monódicas cantadas a capella sin

ornamentos instrumentales, son obras escritas en latín culto, el ritmo es libre, el ámbito de

su interpretación es reducido a pocas personas, la melodía se mueve grados conjuntos y

los llamados ocho modos gregorianos, tiene forma de diálogo oratorio de rezos y por ello

son cantos austeros.

Estos cantos monódicos pueden clasificarse según: el momento de la liturgia o del día en

el que son interpretadas, según el incipit literario pueden ser himnos, salmos, cánticos de

alabanza, etc.; según el modelo de interpretación, si son de tracto solista o congregatorio,

antifonal (alternación de dos coros), responsorios de solista y coro o de estilo coral directo.

Otros tipos de canto[editar]

Canto ambrosiano  propio de la liturgia ambrosiana o milanesa: canto de finales del

siglo IV, que crean el himno e influye en el canto gregoriano que será el nuevo canto

oficial.

Canto hispánico  o mozárabe propio de la liturgia del mismo nombre: canto mantenido

en las regiones de Al-Ándalus, los centros serán Córdoba, Sevilla, Toledo yZaragoza.

En 1076, es sustituido por el canto gregoriano, menos en aquellas ciudades que

solicitaban una dispensa para mantener su propio canto, como fue la ciudad de

Toledo.

Galicano : canto propio de la Iglesia franca que fue sustituido por la liturgia romana.

Véase también[editar]

Liturgia católica

Secuencia (liturgia)

Misa (música)

Canto mozárabe

Música del Renacimiento (1450-1600)[editar]Artículo principal: Música renacentista

Artículo principal: Compositores del Renacimiento

Escuela flamenca[editar]

Es en la región flamenca (en los Países Bajos) donde, por su desarrollo económico, la

polifonía recibió un mayor impulso y alcanzó su máximo esplendor entre los siglos XV y

XVI. Los músicos de Flandes pronto se distinguieron por una técnica de contrapunto

excelsa, y una inspiración cuasi-divina. En poco tiempo, esto se vio reflejado en una mayor

influencia por parte de los músicos flamencos en todos o casi todos los centros musicales

de Europa. Donde había polifonía se podía encontrar a un músico flamenco. Esto se vio,

además, potenciado gracias a la edificación de enormes catedrales en donde fue creada

una gran cantidad de schola cantorum.

Ya para finales de siglo XV, apareció en la escena musical un gran personaje, de quien se

dice salvó a la música polifónica de los designios del santo padre: Josquin Des Pres.

Aunque de nacionalidad francesa, vivió desde muy joven en Italia. Con su estilo cautivó a

más de uno, mostró gran maestría en el manejo del contrapunto e hizo uso del semitono.

Se dice que Des Pres escribía tan solo cuando le daba la gana: algo raro en su época y el

comienzo de una gran libertad para los compositores.

Música renacentista francesa[editar]

La chanson, música de tipo cordal que desembocará en el madrigal. En él destacan Pierre

Attaignant, Clement Janequín y Claude Le Jeune (1528-1600). Las peculiaridades de estos

compositores son el enorme brillo y fuerza rítmica que dan a su música un carácter

enormemente extrovertido, se distinguió por tener realismo expresivo, describe la

naturaleza y resalta la expresión del texto; uno de sus exponentes es Clement Janequin.

Escribió una de las canciones populares llamadaL'Ahutte. Esta melodía describe escenas

de cacería, cuadros de batalla, parloteo de mujeres y el ir y venir de la gente de los

mercados. Lo describe como si quisiera pintarlos en un fresco para mostrar en la vida

común.

El canto de la reforma religiosa se aplica a melodías de canciones populares y se utiliza

para el servicio religiosos en donde intervenían grandes grupos de personas.

Juan Calvino utilizó ese canto masivo al unísono y lo armonizó a cuatro voces.

Música renacentista italiana[editar]

La música italiana se vio condicionada por el papel que ocuparon los compositores

flamencos como: Adrián Willaert y sus discípulos que trasplantaron el estilo polifónico

holandés. En menos de un siglo, Italia reemplazó a los Países Bajos como centro de la

vida musical europea. Existían dos tipos de formas musicales:

la fróttola, que era un tipo de canción estrófica, silábicamente musicalizada a cuatro

voces, con esquemas rítmicos marcados, armonías diatónicas y un estilo homófono

con la melodía en la voz superior. Tiene varios subtipos como la barzelleta, el capitolo,

el estrambotto, etc. Se solía ejecutar cantando la voz superior y tocar las otra tres

voces a modo de acompañamiento. Sus textos eran amatorios y satíricos. Sus

principales compositores fueron italianos.

la lauda, contrapartida religiosa de la fróttola; se cantaba en reuniones religiosas

semipúblicas a capella, o con instrumentos que tocaban las tres voces superiores. Era

en su mayor parte silábica y homófona, con la melodía en la voz superior, llamada

música.

Música renacentista inglesa[editar]

En la música del renacimiento inglés, se destaca el compositor William Byrd, quien

desempeñó un papel crucial en la música de clave; otro compositor de alta relevancia es

John Dowland, compositor de espléndidas y reconocidas melodías para laúd.

Música renacentista alemana[editar]

Durante el siglo XVII, Alemania vivía la guerra de los 30 años, el Sacro Imperio Germánico

a cargo del Emperador Felipe II y de su hermano Fernando I, enfrentaba una guerra contra

el protestantismo en Alemania, por tanto las artes en Alemania sufrían una fuerte represión

por parte del clero antes y durante la guerra; entre otros, no era permitido componer en

alemán, sin embargo se dio la paz de Westfalia, por la intervención del cardenal Richelieu

en la guerra, y las artes florecieron en Alemania, entre los primeros compositores en

destacarse están Esaías Reusner, Johann Pachelbel y Heinrich Schütz, aunque estos no

escribieron la música religiosa en alemán, uno de los primeros en componer en alemán

fueron los organistas Johann Sebastian Bach y Diderik Buxtehude.

Música renacentista española[editar]

Como en las letras, el siglo XVI es también el Siglo de Oro de la música española.

Destacan las obras de los compositores Tomás Luis de Victoria, Cristóbal de

Morales y Francisco Guerrero.

Entre las obras más importantes del renacimiento se destacan: el Cancionero de palacio,

música de la corte de los Reyes Católicos (Isabel I de Castilla y Fernando II de Aragón), el

cancionero Al-Ándalus, los libros en cifras para vihuela de Alonso Mudarra, los

compositores Luis de Narváez, Gaspar Sanz y el madrigalista Juan del Encina.

Música del período de la práctica común o "clásica" (1600-1900)[editar]

Barroco (1600-1750)[editar]

Artículo principal: Corriente musical del periodo barroco

Artículo principal: Músicos barrocos

La música barroca es el periodo musical que domina a Europa durante todo el siglo XVII y

primera mitad del siguiente, siendo reemplazada por el clasicismo hacia 1750-1760. Se

considera que nació en Italia y alcanzó su máximo esplendor en Alemania durante el

barroco tardío. Es uno de los periodos más ricos, fértiles, creativos y revolucionarios de la

historia de la música.

En este período se desarrollaron nuevas formas y se operaron grandes avances técnicos

tanto en la composición como en el virtuosismo; así tenemos: cromatismo, expresividad,

bajo cifrado y bajo continuo, intensidad, ópera, oratorio, cantata, sonata, tocata, suite, fuga

y la sinfonía.

El bajo continuo[editar]

También llamado bajo cifrado, designa el sistema de acompañamiento ideado a comienzos

del período barroco, y es además un sistema estenográfico o taquigráfico de escritura

musical. Como técnica de composición permitía al compositor trazar tan solo el contorno

de la melodía y el bajo cifrado, dejando las voces medias, o sea el relleno armónico, a la

invención del continuista. La ejecución del continuo requiere dos instrumentistas: un

instrumento melódico grave (viola, gamba, violoncelo, contrabajo, fagot, etc.) que ejecuta

las notas del bajo y un instrumento armónico (laud, clavecín, órgano) a cargo del

continuista, quien desenvuelve improvisadamente las armonías, de acuerdo con las cifras

del bajo cifrado, en la forma de acordes arpegios u otras figuraciones, todo ello de

conforme al estilo y las necesidades expresivas del texto musical.

El sistema tonal[editar]

El sistema tonal fue una evolución desde los últimos maestros de la música medieval hasta

su máximo esplendor desde Bach a los últimos compositores tonales delposromanticismo.

En sus comienzos, se definió una armonía musical compuesta por siete asuntos distintos:

las notas, los intervalos, los géneros, los sistemas de escala, los tonos, la modulación y la

composición de melodías.

Barroco temprano (1600-1650)[editar]

La música en Italia durante los siglos XVI, XVII y principios del XVIII estaba viviendo su

apogeo y además estaba en búsqueda del máximo esplendor artístico, de lo excelso a lo

sublime; el regocijo de lo religioso se disputaba entre lo humano y lo divino en el campo de

batalla que era el Barroco. El theatrum mundi italiano vivía bajo el precepto de «delectare

et movere» (‘deleitar y emocionar’). La sprezzatura italiana, daba paso a lo que sería el

más grande espectáculo de la voz humana: laópera. El concerto grosso italiano y

la orquesta italiana fueron el prototipo de composición y de ejecución a seguir por toda

Europa occidental. Los castrati juegan un rol preponderante durante el Barroco italiano,

eran el Barroco humano, lo hermoso extravagante y a la vez lo grotesco, lo confuso o

manierista, lo bello con lo monstruoso, la moral y el decaimiento contra el esplendor

supremo de la sociedad de la Italia barroca (Caffarelli, Senesino, Carestini) inmortalizados

por una voz que trascendía el concepto de «perfección», que incluso a algunos llevó a la

locura.

El violino italiano, una puesta en escena del manierismo barroco, era un vehículo más para

el virtuosismo del ejecutante que del compositor, que únicamente indicaba pautas que los

intérpretes tomaban con gran libertad. Ejemplos de esta época son los doce conciertos

de Pietro Locatelli, y el concerto grosso de Arcangelo Corelli.

Jan Pieterszoon Sweelinck  (1562-1621).

Claudio Monteverdi  (1567-1643) fue un importantísimo compositor italiano, uno de los

primeros en desarrollar los recursos barrocos, los que aplicó extensamente a la ópera,

el madrigal y la música religiosa. Dominó tanto los nuevos estilos de comienzos del

siglo XVII, como los más avanzados recursos de la polifonía franco-flamenca. Participó

intensamente en el desarrollo de la ópera veneciana. Compuso gran cantidad de

música religiosa y más de 250 madrigales. Gran parte de sus óperas se han perdido.

Se conservan solo tres "Orfeo" (1607), "El regreso de Ulises" y la "coronación de

Popea" (1624). Monteverdi sobresalió por su libertad creadora en el uso de las formas,

estilos y texturas antiguas y nuevas, del poder expresivo de la armonía y las

disonancias y del poder caracterizador de los instrumentos de la orquesta.

Girolamo Frescobaldi  (1583-1643).

Heinrich Schütz  (1585-1672).

Barroco medio (1650-1700)[editar]

Jean Baptiste Lully  (1632-1687).

Dietrich Buxtehude  (1637-1707).

Johann Pachelbel  (1653-1706).

Arcangelo Corelli  (1653-1713), compositor y violinista italiano, uno de los primeros

grandes impulsores de la escuela italiana del violín y de la música instrumental en

Italia. Fue uno de los creadores de la forma llamada concerto grosso. Compuso

también Sonatas tanto de cámara como de iglesia. Corelli fue uno de los primeros

compositores que aplicó sistemáticamente los procedimientos derivados del Sistema

tonal.

Henry Purcell  (1659-1695).

Alessandro Scarlatti  (1660-1725).

Barroco tardío (1700-1750)[editar]

Bach es uno de los compositores más importantes de la música universal y la cima de la era barroca.

El barroco en la música, al contrario de otras ramas del arte, pervive un poco más en el

tiempo y se extiende hasta la década de los 50 y 60 del siglo XVIII, cuando mueren los

últimos grandes exponentes de la época barroca: Antonio Vivaldi, Georg Philipp

Telemann, Jean Philippe Rameau, Johann Sebastian Bach, Doménico Scarlatti y Georg

Friedrich Handel.

La última generación importante nacen todos entre 1668 y 1685 donde muchos de ellos

representan el cenit nacional y de la era en el país donde vivieron: Vivaldi en Italia, Bach y

Telemann en Alemania, Handel en Inglaterra, Rameau y Couperin en Francia y Scarlatti en

España. Aunque algunos de ellos no solo se apegan a su escuela nacional y hacen una

síntesis y resumen de todas las escuelas como es el caso de Bach, Handel y Telemann,

todos nacidos en Alemania, aunque Handel se marcha a Italia en 1706 para no volver

jamás y asentándose en Inglaterra en 1713 hasta su muerte, convirtiéndose el mayor

exponente de la escuela inglesa.

Es con esta generación alemana, especialmente por Bach, cuando el mundo musical

germánico se convierte en la patria musical de primer orden, superando Italia y

desplazando en ser la máxima potencia musical, que durara hasta principios del siglo XX,

desde Bach hasta Schonberg y la segunda escuela de Viena.

En esta última etapa del barroco, que comienza hacia 1700-1710 cuando esta generación

empieza a ser activa en el mundo musical de la época, la música adquiere y avanza a un

nueva dimensión sin romper el estilo barroco en todos los ámbitos, desde los géneros y

formas, hasta la forma de escuchar la música pasando por los instrumentos e

instrumentación. El barroco musical adquiere aquí una espléndida madurez, apogeo y una

gran refinación inédita en las dos etapas anteriores que culminará especialmente en la

obra de Bach y Handel, las dos grandes figuras dominantes de este periodo.

Jean Philippe Rameaues el más importante teórico musical del siglo XVIII y junto con Bach estableció el

sistema tonal que perduraría hasta el siglo XX. Sus obras son la cumbre del Barroco francés.

La técnica de la polifonía y el contrapunto aún tiene una especial importancia en esta

época, de forma más notable en Alemania y sobre todo en Bach, pero la homofonía

adquiere cada vez más auge y importancia, conviviendo las dos técnicas durante algunas

décadas de forma a la par durante esta generación de compositores, algunos de ellos

como Bach o Handel, dominándolos con gran maestría.

Uno de los hitos más importantes del último estilo del Barroco es el definitivo asentamiento

de la tonalidad en la música occidental con una de las obras más importantes de la música

universal, el clave bien temperado BWV 846-893, de Bach, una colección en dos libros

publicados en 1722 y 1744 que se compone de 24 preludios y fugas cada libro en los

tonos del sistema tonal, siendo una demostración del sistema tonal que estará vigente

hasta principios del siglo XX.

En el mismo año del primer libro, 1722, de forma simultánea aunque independiente, se

publicara también el primer gran tratado del sistema tonal: "Tratado de armonía reducida a

sus principios naturales" de Jean Philippe Rameau, que aunque este tratado es

imperfecto, se utilizara de referencia hasta principios del siglo XX.

Las formas musicales del barroco tardío son prácticamente las mismas del periodo

anterior, pero con pequeñas novedades que serán precedentes importantes y abrirán un

camino de algunos de los géneros más queridos del clasicismo vienés de la segunda mitad

de ese siglo: El concierto para teclado y la sonata con acompañamiento sin bajo continuo.

Handel es una gran figura del último Barroco. Sus óperas son la máxima expresión del género en esa era,

siendo conjuntamente con Mozart, el compositor más importante del género en el siglo XVIII.

En cuanto a instrumentos, se hacen varios cambios y algunos instrumentos de etapas

precedentes no aguantan hasta el final del barroco y caen en desuso mucho antes, el laud

y la viola la gamba, en general remplazados por otros más nuevos que en esta época

alcanzan un gran auge técnico y de prestigio, como el violín, la guitarra o el violonchelo. El

clave seguirá omnipresente en toda la música de este periodo culminando su larga

trayectoria de los siglos anteriores en las obras de Bach, Rameau, Handel, y Scarlatti,

aunque estará en boga hasta 1770. El órgano seguirá teniendo un peso importante en

Alemania, donde con Bach alcanza su más alta expresión en toda la historia.

Conforme pasa el tiempo el estilo Barroco, que llevaba ya mucho tiempo como el estilo

dominador de la música occidental, es rechazado por las generaciones posteriores a los

últimos grandes exponentes del Barroco, que practicaran un estilo más sencillo, con

apenas contrapunto, el estilo Galante, en boga desde 1730.

La nueva generación ilustrada, nacida a partir de 1700, la rechazara por complicada,

recargada, por abusar del contrapunto, por árida y antigua, y el estilo quedara apegado a

partir de 1730 a las generaciones más viejas del momento, extinguiéndose prácticamente

entre 1741 y 1767, con la muerte de Vivaldi, Bach, Handel, Rameau y Telemann.

Clasicismo (1750-1800)[editar]

Franz Joseph Haydn

Es el estilo caracterizado por la transición de la música barroca hacia una música

equilibrada entre estructura y melodía. Ocupa la segunda mitad del siglo XVIII. Franz

Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven son tres de sus

representantes más destacados

Artículo principal: Música del clasicismo

La orquesta y nuevas formas musicales[editar]

Wolfgang Amadeus Mozart

Carl Philipp Emanuel Bach

Franz Joseph Haydn  (1732-1809), compositor austriaco, una de las figuras más

influyentes en el desarrollo de la música del clasicismo (c. 1750-1820). En 1755

trabajó para el barón Karl Josef von Fürnberg, época en que compuso sus primeros

cuartetos para cuerda. En 1759 fue nombrado director musical del conde Fernando

Maximilian von Morzin. Desde 1761 hasta su muerte, trabajó al servicio de los

príncipes Esterhazy ―primero Paul Anton y luego Nikolaus―, donde tuvo a su

disposición una de las mejores orquestas de Europa.

Wolfgang Amadeus Mozart  (1756-1791), compositor austriaco del periodo clásico. Uno

de los más grandes e influyentes en la historia de la música occidental. Estudió

con Leopold Mozart, su padre, conocido violinista y compositor que trabajaba en la

orquesta de la corte del arzobispo de Salzburgo. Desde pequeño fue niño prodigio y

un genio musical. Se dice que era el compositor perfecto, debido a que en sus

borradores casi no se detectaba error alguno. Se caracterizaba por su estilo sencillo,

claro y equilibrado, aunque sin huir la intensidad emocional. En su enorme producción

musical (más de 600 obras, a pesar de su corta vida) destacan, entre muchos otros

géneros musicales, sus conciertos para piano y sus óperas.

Ludwig van Beethoven

Ludwig van Beethoven  (1770-1827), compositor alemán, considerado uno de los más

grandes de la cultura occidental. Se formó en un ambiente propicio para el desarrollo

de sus facultades aunque excesivamente rígido. Sus primeros brotes de talento

musical fueron dirigidos de forma tiránica por la disciplina de su padre, que era tenor

en la capilla de la corte. En 1789 Beethoven comenzó a trabajar como músico de la

corte para mantener a su familia. Sus primeras obras bajo la tutela del compositor

alemán Christian Gottlob Neefe, especialmente la cantata fúnebre por la muerte del

emperador José II, mostraban ya una gran inteligencia, y se pensó en la posibilidad de

que se fuera a Viena para estudiar con Wolfgang Amadeus Mozart. Aunque la muerte

de Mozart en 1791 hizo que estos planes no pudieran realizarse, Beethoven marchó a

Viena en el año 1792 para estudiar con el compositor austriaco Joseph Haydn.

Beethoven ha sido reconocido tanto por sus principios clásicos como por su libertad de

expresión, por lo que se lo sitúa como el último de los clásicos y el primero de los

románticos.

Escuela de Mannheim[editar]

La escuela más importante durante el primer clasicismo fue, sin lugar a dudas, la escuela

de Mannheim. En esta ciudad comienza a desarrollarse esta escuela orquestal. A partir de

1740 se establece una orquesta reconocida como la mejor de la época donde acudieron

los músicos más sobresalientes de Europa, liderados por el compositor Johann Stamitz y

sobre cuyo modelo y composición se establecerían todas las orquestas clásicas del

período.

Esta escuela contribuyó a fijar las formas clásicas y a explorar y desarrollar los efectos

orquestales que hasta entonces se habían limitado a las oberturas de las óperas. Además

dividió la orquesta en dos partes iguales que dialogan entre sí.

Otras escuelas[editar]

La Escuela de Viena. La particularidad de esta escuela es el uso de temas de carácter

contrastante. Tuvo como representantes a Florian Leopold Gassmann, Georg

Monn y Georg Christoph Wagenseil.

La escuela de Berlín. La importancia de esta escuela radica en que fue el primer lugar en

donde se inicia la técnica del desarrollo. Como representante está Carl Philipp Emmanuel

Bach.

Clasicismo mediterráneo[editar]

Luigi Boccherini

Ferran Sors

Antonio Soler

Romanticismo (1800-1860)[editar]

Frederic Chopin fue el pianista más característico del período y uno de los más importantes compositores

del instrumento

Richard Wagner fue el compositor que llevó a su apogeo el género de la ópera

Artículo principal: Romanticismo

Artículo principal: Música del Romanticismo

El piano romántico[editar]

Franz Schubert  (1797-1828), compositor austriaco, gran incomprendido en su tiempo,

cuyos lieds (canciones para voz solista y piano basadas en poemas alemanes) están

entre las obras maestras de este género, y cuyos trabajos instrumentales son un

puente entre el clasicismo y el romanticismo del siglo XIX. Escribió obras para piano,

música sinfónica, religiosa y numerosas óperas.

Félix Mendelssohn  (1809-1847), compositor alemán, una de las principales figuras de

comienzos del romanticismo europeo del siglo XIX. A los 9 años debutó como pianista

y a los 11 años interpretó su primera composición. Compuso la obertura Sueño de una

noche de verano cuando tenía 17 años y la obra que contiene la famosa Marcha

nupcial 17 años después. Tuvo como profesores al compositor y pianista checo Ignaz

Moscheles y al compositor alemán Carl Friedrich Zelter. A Mendelssohn se le atribuye

el haber redescubierto la obra de Johann Sebastián Bach, al estrenar en 1829

su Pasión según San Mateo.

Frédéric Chopin  (1810-1849), comenzó a estudiar piano a los cuatro años. Aprendió la

técnica del instrumento prácticamente de forma autodidacta, aunque más tarde estudió

armonía y contrapunto en el conservatorio de la capital polaca. También fue precoz

como compositor: su primera obra publicada data de 1817. Desde muy joven mantuvo

estrecha relación con las altas esferas sociales, ante quienes tocaba en sus reuniones

musicales. A los 20 años de edad dejó su Polonia natal en un viaje de estudios, pero

nunca regresó. Su obra se caracterizó por el intimismo, la delicadeza, la facilidad

melódica, y una revolucionaria técnica de ejecución. El piano fue su instrumento por

excelencia, y tuvo gran popularidad e influencia en los compositores de su época.

Robert Schumann  (1810-1856), compositor alemán del Romanticismo. Desde niño, ya

demostraba sus cualidades musicales, y su padre lo apoyó durante su formación

procurándole un profesor de piano. La dedicación a su carrera musical se vio truncada

por la muerte de su padre, aunque posteriormente reemprendería sus estudios. Fue un

brillante compositor y crítico musical, lo que le permitió descubrir a Johannes Brahms

cuando era un joven de veinte años. En 1839, Robert se casó con Clara Wieck, y

tuvieron ocho hijos. Finalmente, durante sus últimos años se acentuaron las

depresiones, crisis, intentos de suicidios y periodos de reclusión. Murió de tifus en un

sanatorio.

Franz Liszt  (1811-1886), compositor austro-húngaro, pianista y profesor.

Johannes Brahms  (1833-1897). Después de estudiar violín y violonchelo con su padre,

contrabajista del teatro de la ciudad, Brahms se especializó en el piano y comenzó a

componer bajo la tutela del maestro alemán Eduard Marxsen, cuyo conservador gusto

musical dejó una profunda huella en él. En 1853 inició una gira de conciertos como

pianista acompañante del violinista húngaro Eduard Reményi. Durante esta gira

conoció al violinista, también húngaro, Joseph Joachim, quien lo presentó al

compositor alemán Robert Schumann. Schumann se quedó tan sorprendido con las

composiciones de Brahms, obras aún no editadas, que escribió un apasionado artículo

en una revista de la época sobre el joven compositor. Brahms cobró un sincero afecto

a Schumann y su mujer, la famosa pianista Clara Josephine Schumann, y esta

amistad y el aliento que recibió de ellos le proporcionaron energías para trabajar sin

descanso.

Música programática[editar]

El lied[editar]

El lied es la forma vocal menor del romanticismo más destacada. Consiste en la

interpretación de un poema realizada por un cantante y piano. La estructura general es A B

A donde la primera y la última estrofa tienen la misma melodía. El creador del lied

es Schubert, sus principales temas eran la muerte, el amor y la naturaleza.

Sinfonía romántica[editar]

Los nacionalismos (1850-1950)[editar]

Rusia[editar]

El nacionalismo es una corriente iniciada en Rusia. Mikhail Glinka famoso por su

ópera Una vida para el zar alentó a Aleksandr Dargomyzhski para ayudarle a convencer a

un grupo de cinco compositores rusos a coordinar sus trabajos basados en la cultura rusa.

Más tarde fueron conocidos como El Grupo de los Cinco. La ópera de Dargomyzhski El

convidado de piedra fue la piedra angular sobre la que se basó esta nueva escuela.

Glinka es comúnmente recordado como el fundador de la música nacionalista rusa. Una

vez depurado su estilo de composición en relación con sus estudios posteriores, despertó

una gran atención tanto en su país como en el extranjero. Sus operas rusas ofrecían una

síntesis de composición occidental pero con melodía rusa, mientras que su música

orquestal, con una instrumentación excelente, ofrecía una combinación de lo tradicional y

lo exótico.

El Grupo de los Cinco[editar]

Artículo principal: Los Cinco (compositores)

De este grupo de cinco, solo dos eran músicos profesionales, César Cui y Mili Balákirev,

ambos poco conocidos. Un tercero Aleksandr Borodin es más conocido por su

composición En las estepas de Asia Central y por Bailes polovtsianos de su ópera Príncipe

Ígor.

Otro componente de este grupo fue Modest Mussorgski quien introduce ritmos del folclore

ruso y escalas inusuales procedentes de la música de la iglesia ortodoxa, tan

características en sus obras. Entre sus trabajos encontramos dos obras para piano La

noche en el Monte Calvo y Cuadros de una exposición, que posteriormente llamaron la

atención a Maurice Ravel quien hizo sendos arreglos orquestales de ambas.

El quinto y último miembro del grupo fue Nikolai Rimsky-Korsakov, que fundamentó su

trabajo en obras dramáticas de fuerza rítmica y color orquestal. Sus obras más improtantes

fueron la ópera El gallo de oro y su famosa suite orquestal Scheherezade. También utiliza

elementos de la iglesia rusa en su obertura Gran Pascua rusa e influencias de la música

tradicional asturiana o andaluza en su Capricho español.

Piotr Ilich Chaikovski fue otro de los compositores rusos que usaban un tono y color

brillantes. Su sexta sinfonía Pathetique es muy conocida, y realizó, también la música de

tres famosos ballets: El cascanueces, La Bella Durmiente y El lago de los cisnes. Obras

como la obertura de Marcha eslava, y Capricho italiano ubican definitivamente a

Tchaikovsky dentro del nacionalismo. Estas obras han sido programadas tan a menudo

que se consideran entre las obras más famosas jamás construidas.

Bohemia[editar]

Smetana  (Mi patria)

Antonín Dvořák  (Danzas eslavas, Sinfonía del Nuevo Mundo

Escandinavia[editar]

Jan Sibelius  (Finlandia)

Edvard Grieg  (Peer Gynt).

España[editar]

Isaac Albéniz  (Suite Iberia)

Enrique Granados  (Goyescas).

Francia[editar]

Georges Bizet  (Carmen, L'Arlésienne)

Impresionismo (1860-1910)[editar]

Claude Debussy fue el principal compositor de este movimiento

El Impresionismo musical es un movimiento musical surgido a finales del siglo XIX y

principios del XX sobre todo en la música francesa, con la necesidad de los compositores

de probar nuevas combinaciones de instrumentos para conseguir una mayor riqueza

tímbrica. En el Impresionismo musical se da mucha importancia a los timbres, con los que

se consiguen diferentes efectos. También se caracteriza porque los tiempos no son

lineales sino que se ejecutan en sucesión de impresiones. Se relaciona de esta manera

con el Impresionismo pictórico, que conseguía las imágenes mediante pequeñas

pinceladas de color. Dos de los principales compositores de este movimiento son Claude

Debussy y Maurice Ravel.

Gabriel Fauré

Claude Debussy

Maurice Ravel

El Bolero de Ravel

Erik Satie

Isaac Albéniz

Suite española y Suite ibérica

Enrique Granados

Manuel de Falla

Joaquín Rodrigo

El Concierto de Aranjuez

Jesús Guridi

El caserío.

Música moderna y contemporánea (1910-presente)[editar]Artículos principales: Música del siglo XX, Música modernista, Música académica

contemporánea, Jazz y Música popular.

El siglo XX estuvo marcado por dos grandes acontecimientos que fueron muy decisivos en

la historia de la música occidental, y marcaron el avance posterior que seguirá la música

hasta llegar a nuestros días. El primero es el abandono de la tonalidad y la total ruptura de

las formas y técnicas que se venían haciendo desde los principios de la era barroca a

partir de 1910, en concordia con las otras rupturas totales de las otras ramas de las artes.

A partir de ahí, la música occidental se vuelve muy experimental y los compositores se

empeñan en hallar nuevos caminos tanto en las formas, los instrumentos, los colores, la

tonalidad, el ritmo para hacer una música totalmente nueva y alejada del período de la

práctica común de los últimos trescientos años.

El segundo gran fenómeno es el auge y masificación de un tipo de música que se

desarrolló en las ciudades durante el siglo anterior en contacto con las dos grandes ramas

en que se dividía hasta ese momento la música (la étnica y la académica): la música

popular. Este tipo de música, consumida por la creciente clase media urbana,

experimentará un gran desarrollo gracias a la posibilidad de grabar sonido mediante las

nuevas tecnologías de principios del siglo XX (lo que dará lugar a la industria del disco) y

la aparición de medios de comunicación de masas como la radio y el cine sonoro. El efecto

de la música popular y la industria musical que se desarrolla en torno a ella cambiarán

drásticamente los hábitos musicales que estaban presentes desde la Edad Media.

Música modernista y contemporánea[editar]Artículo principal: Música modernista

Artículo principal: Música académica contemporánea

Futurismo[editar]

Artículo principal: Futurismo

El futurismo fue uno de los movimientos iniciales de vanguardia en la Europa del Siglo XX.

Esta corriente artística fue fundada en Italia por el poeta italiano Filippo Tommaso

Marinetti, quien redacta el Manifiesto Futurista, y lo publica el 20 de febrero de 1909 en el

diario Le Figaro de París.

Este movimiento buscaba la ruptura con las tradiciones artísticas del pasado y los signos

convencionales de la historia del arte. Intentó enaltecer la vida contemporánea, esto por

medio de dos temas principales: la máquina y el movimiento. Los principales compositores

futuristas fueron los italianos Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo.

Crisis de la tonalidad y atonalismo[editar]

Artículos principales: Atonalidad y Cromatismo (música).

Los primeros antecedentes de la música europea sin un centro tonal se encuentran

en Franz Liszt con su Bagatella sin tonalidad de 1885, período que ya se hablaba de una

"crisis de la tonalidad". Esta crisis se generó a partir del uso cada vez más frecuente de

acordes ambiguos, inflexiones armónicas menos probables, y las inflexiones melódicas y

rítmicas más inusuales posibles dentro de la música tonal.

A principios del siglo XX compositores como Claude Debussy, Aleksandr Skriabin, Béla

Bartók, Paul Hindemith, Serguéi Prokófiev, Carl Ruggles, Ígor Stravinsky yEdgard Varèse,

escribieron música que se ha descrito, total o parcialmente, como atonal. La primera fase

del atonalismo (antecesora del dodecafonismo), conocida como "atonalidad libre" o

"cromatismo libre", implicó un intento consciente de evitar la armonía diatónica tradicional.

Las obras más importantes de este periodo son la ópera Wozzeck (1917-1922) de Alban

Berg y Pierrot Lunaire (1912) de Arnold Schönberg.

Primitivismo[editar]

Artículo principal: Primitivismo

Ígor Stravinsky (1882-1971), su obra La consagración de la primavera es considerada la obra más

importante del siglo XX.

El primitivismo fue un movimiento de las artes que pretendía rescatar el folclor más arcaico

de ciertas regiones con un lenguaje moderno. Similar al nacionalismo en su afán por

rescatar lo local, el primitivismo incorporó además métricas y acentuacionesirregulares, un

mayor uso de la percusión y otros timbres, escalas modales, y armonía politonal y atonal.

Dentro de la música los dos gigantes de este movimiento fueron el ruso Ígor Stravinsky y el

húngaro Bela Bartok, aunque la obra de ambos sobrepasa con creces la denominación

"primitivista".

Microtonalismo[editar]

Artículo principal: Microtonalismo

El microtonalismo es la música que utiliza microtonos (los intervalos musicales menores

que un semitono). El músico estadounidense Charles Ives definía a los microtonos de

manera humorística como “las notas entre las teclas del piano”. El mexicano Julián

Carrillo (1875-1965) distingue dieciséis sonidos claramente diferentes entre los

lanzamientos de G y A emitida por la cuarta cuerda de violín, lo que fue su punto de

partida para componer una gran cantidad de música microtonal. Algunos otros autores

emplearon también esta técnica. La música microtonal nunca tuvo demasiada aceptación y

fue considerada en adelante casi exclusivamente por los músicos de Vanguardia.

==

Neoclasicismo[editar]

Artículo principal: Neoclasicismo

El neoclasicismo en música refiere al movimiento del siglo XX que retomó una práctica

común de tradición en cuanto a la armonía, al melodía, la forma, los timbres y los ritmos,

pero mezclada con grandes disonancias atonales y ritmos sincopados, como punto de

partida para componer música. Ígor Stravinski, Paul Hindemith,Serguéi Prokófiev, Dmitri

Shostakóvich y Béla Bartók son los compositores más importantes usualmente

mencionados en este estilo, pero también el prolífico Darius Milhaud y sus

contemporáneos Francis Poulenc y Arthur Honegger.

Música electrónica y concreta[editar]

Artículos principales: Música académica electrónica, Música electroacústica y Música

concreta.

Los avances tecnológicos en el siglo XX permitieron a los compositores utilizar medios

electrónicos para producir sonidos. En Francia se desarrolló la música concretaescuela

que producía sonidos existentes en el mundo. Se llama concreta porque según Pierre

Schaeffer, su inventor, planteaba que está producida por objetos concretos y no por los

abstractos que serían los instrumentos musicales tradicionales. El primero que dispuso de

esos medios fue Edgar Varese, quien presentóPoème électronique en el pabellón Philips

de la Exposición de Bruselas en 1958. En 1951, Schaeffer, junto a Pierre Henry, crearon el

Grupo de Investigación de Música Concreta en París. Pronto atrajo un gran interés, y entre

los que se acercaron se encontraban diferentes compositores significativos como Olivier

Messiaen,Pierre Boulez, Jean Barraqué, Karlheinz Stockhausen, Edgard Varese, Iannis

Xenakis, Michel Philippot y Arthur Honegger.

En Alemania en cambio la forma de usar la tecnología se llamó música electrónica, que es

aquella que utiliza solamente sonidos producidos electrónicamente. El primer concierto

tendría lugar en Darmstadt en 1951, sin embargo la primera obra de importancia sería El

canto de los adolescentes de Karlheinz Stockhausen de 1956.

Iannis Xenakis es otro compositor moderno que ha usado computadoras e instrumentos

electrónicos (incluido uno inventado por él) en muchas composiciones.

Música aleatoria y vanguardismo radical[editar]

El compositor alemán Karlheinz Stockhausen (1928-2007) fue pionero en muchas de las formas

musicales vanguardistas del siglo XX.

Artículos principales: Vanguardismo, Música aleatoria y Música experimental.

Si bien el modernismo en sí es música de vanguardia, el vanguardismo dentro de ella se

refiere a los movimientos más radicales y controversiales, donde el concepto de música

llega hasta sus límites -si no ya los sobrepasa- utilizando elementos

como ruidos,grabaciones, el sentido del humor, el azar, la improvisación, el teatro,

el absurdo, el ridículo, o la sorpresa. Dentro de los géneros generalmente ubicados dentro

de esta corriente radical se encuentra la música aleatoria, la música electrónica en vivo, el

teatro musical, la música ritual, la composición de procesos, el happening musical, o la

música intuitiva, entre muchas otras. Entre los compositores más trascendentales que

incursionaron en estas aventuras se encuentra John Cage en América y Karlheinz

Stockhausen en Europa.

Micropolifonía y masas sonoras[editar]

Artículos principales: Micropolifonía y Masa sonora.

En palabras de David Cope la micropolifonía se trata de «una simultaneidad de diferentes

líneas, ritmos y timbres».3 La técnica fue desarrollada por György Ligeti, quien la explicó

así: «La compleja polifonía de las voces individuales está enmarcada en un flujo armónico-

musical, en el que las armonías no cambian súbitamente, sino que se van convirtiendo en

otras; una combinacióninterválica discernible es gradualmente haciéndose borrosa, y de

esta nubosidad es posible sentir que una nueva combinación interválica está tomando

forma».

Intrínsecamente relacionada con la micropolifonía esta la masa de sonido o masa sonora

que es una textura musical cuya composición, en contraste con otras texturas más

tradicionales, «minimiza la importancia de las alturas musicales individuales para preferir la

textura, el timbre y la dinámica como principales formadores del gesto y el impacto».4

Minimalismo[editar]

Artículo principal: Música minimalista

Philip Glass (1937) fue uno de los iniciadores del movimiento minimalista en Estados Unidos, y es

actualmente uno de los compositores doctos más famosos del mundo.

Varios compositores de la década de los sesenta comenzaron a explorar lo que ahora

llamamos minimalismo. La más específica definición de minimalismo refiere al dominio de

los procesos en música donde los fragmentos se superponen en capas unos a otros, a

menudo se repiten, para producir la totalidad de la trama sonora. Ejemplos tempranos

incluyen En do (de Terry Riley) yTamborileando (de Steve Reich). La onda minimalista de

compositores —Terry Riley, Philip Glass, Steve Reich, La Monte Young,John

Adams y Michael Nyman, para nombrar los más importantes— deseaban hacer la música

accesible para los oyentes comunes, expresando cuestiones específicas y concretas de la

forma dramática y musical, sin ocultarlas bajo la técnica, sino más bien haciéndolas

explícitas, volviendo a las tríadas mayores y menores de la música tonal, pero sin utilizar la

funcionalidad armónica tradicional.

Música cinematográfica[editar]

Artículos principales: Música cinematográfica y Banda sonora.

Desde la llegada del cine sonoro a finales de la década de los 1920, la música ha cumplido

un rol crucial en la industria y el arte del cine. Muchos de los grandes compositores que

vivieron en esa primera época, tales como los rusos Prokofiev y Shostakovic,

incursionaron también en esta área. Posteriormente, hubo numerosos compositores que

dedicaron su carrera total o mayormente a trabajar a través del cine. Dentro de los grandes

compositores de música de cine se encuentran:

Max Steiner  con: The Informer (1935), Now, Voyager (1942), y Since You Went

Away (1944), King Kong (1933), Little

Women(1933), Jezebel (1938), Casablanca (1942), y Gone with the Wind (1939).

Erich Wolfgang Korngold  con: The Adventures of Robin Hood.

Alfred Newman  con; How the West Was Won,The Greatest Story Ever Told.

Bernard Herrmann  con: North by Northwest, The Man Who Knew Too Much, Citizen

Kane, The Ghost and Mrs. Muir, y Taxi Driver.

Ennio Morricone  con: The Good, The Bad And The Ugly (1966), Once Upon a Time in

the West, The Mission (1986), The Untouchables (1987), y Cinema Paradiso.

Jerry Goldsmith  con: Planet of the Apes, Chinatown, The Wind and the Lion, The

Omen, Alien, Poltergeist.

John Williams  con: las dos trilogías de Star Wars, Jaws, Superman, Indiana

Jones, E.T., el extraterrestre, Hook, Jurassic Park, Schindler's List, y Harry Potter entre

muchísimas otras.

Otros de los grandes compositores, especialmente del último cuarto de siglo en adelante,

han sido Nino Rota, Howard Shore, Alan Silvestri, Danny Elfman, Hans Zimmer y Henry

Mancini.

Poliestilismo[editar]

Artículo principal: Poliestilismo

Poliestilismo (también llamado "eclecticismo") es el uso de múltiples estilos o técnicas

musicales, y es considerado una característica posmoderna que comienza a finales del

siglo XX y se acentúa en el siglo XXI.

Compositores poliestilísticos son, por ejemplo, Lera Auerbach, Luciano Berio, William

Bolcom, Sofia Gubaidulina, Hans Werner Henze, George Rochberg, Arturo Rodas, Magaly

Ruiz, Frederic Rzewski, Alfred Schnittke, Dmitri Silnitsky, Valentín Silvestrov, Santiago

Sosa Rolón, Ezequiel Viñao, Frank Zappa o John Zorn.

Espectralismo[editar]

Artículo principal: Espectralismo

El espectralismo es un género musical originado en Francia en la década de

los sesenta alrededor de un grupo de compositores agrupados en torno al Ensemble

l'Itinéraire (Gérard Grisey, Tristan Murail y Hughes Dufourt). La música espectral, en un

sentido restrictivo, se basa principalmente en el descubrimiento de la naturaleza del timbre

musical y en la descomposición espectral del sonido musical, en el origen de la percepción

del timbre.

El movimiento se ha ido ensanchando e influye en las más importantes tendencias

contemporáneas de composición y en muchos de los compositores más jóvenes:Philippe

Hurel, Philippe Leroux, Marc-André Dalbavie, Jean-Luc Hervé, Fabien Lévy o Thierry

Blondeau, en Francia; Kaija Saariaho o Magnus Lindberg en Finlandia;George

Benjamin o Julian Anderson en el Reino Unido: Marco Stroppa en Italia; y Joshua

Fineberg, en EE.UU., por citar algunos. Y como en el caso del impresionismo y muchos

otros estilos musicales, aquellos compositores cuya música se considera espectral no

aceptan generalmente tal denominación.

Nueva simplicidad[editar]

Artículo principal: Nueva Simplicidad

La Nueva Simplicidad fue una tendencia estilística surgida entre algunos de los

componentes de la generación más joven de compositores alemanes de comienzos de los

ochenta del siglo XX, y que supuso una reacción no solamente contra

la vanguardia musical europea de las décadas de los cincuenta y sesenta, sino también

contra la más amplia tendencia hacia la objetividad de comienzos de siglo.

En general, estos compositores propugnaron una inmediatez entre el impulso creativo y su

resultado musical (en contraste con la elaborada planificación precompositiva

característica del vanguardismo), con la intención de crear una comunicación más fácil con

las audiencias. En algunos casos, ello significó una vuelta al lenguaje tonal del siglo XIX y

en otros significó trabajar con texturas más simples o el empleo de armonías triádicas en

contextos no tonales. De entre los compositores identificados de una forma más cercana

con este movimiento, solamente Wolfgang Rihm ha conseguido una reputación

significativa fuera de Alemania.

Libre improvisación[editar]

Artículo principal: Libre improvisación

La improvisación libre es música improvisada sin reglas previas establecidas, secuencias

de acordes o melodías previamente acordadas. A veces los músicos realizan un esfuerzo

activo para evitar referenciar a géneros musicales reconocibles. La improvisación libre,

como estilo de música, se desarrolló en Europa y EE. UU. en la mitad y fines de la década

de 1960 en respuesta o inspirado por el movimiento del free jazz así como por la música

clásica contemporánea. Entre los artistas más reconocidos dentro de este estilo están los

saxofonistas Evan Parker y Peter Brötzmann, el guitarrista Derek Bailey, y el grupo

improvisacional británico AMM.

Nueva Complejidad[editar]

Artículo principal: Nueva complejidad

La Nueva Complejidad es una corriente dentro del escenario contemporáneo surgida en la

década de los 80's en el Reino Unido que puede definir lo "complejo" como; "de múltiples

capas de interacción de los procesos evolutivos que ocurren simultáneamente en todas las

dimensiones del material musical". Es muy abstracta, disonante y atonal, caracterizada por

el uso de técnicas que llevan hasta el límite las posibilidades de la escritura musical. Entre

los compositores más importantes se encuentran Brian Ferneyhough, Michael

Finnissy, Chris Dench, James Dillon, Roger Redgate y Richard Barrett.

Jazz[editar]Artículos principales: Orígenes del jazz, Jazz y Jazz contemporáneo.

Jazz de Nueva Orleans[editar]

Artículo principal: Hot

Aunque en el periodo que va desde el final de la Guerra de Secesión hasta el fin del siglo

XIX, ya existían algunas bandas que tocaban algo parecido a un jazz rudimentario, como

las de los cornetistas Sam Thomas, Louis Ned, James L. Harris o Robert Baker o la banda

que usualmente tocaba en el Kelly's Stables de Nueva Orleans,5 suele considerarse

a Buddy Bolden como la primera gran figura y el iniciador del primer estilo definido de

jazz.nota 1

Convencionalmente, se denomina «estilo Nueva Orleans» a esta forma inicial del jazz. Aún

no se ha desprendido de las influencias del minstrel y contiene todas las características

propias del hot. Las improvisaciones, en el sentido que hoy las conocemos, no existían; de

hecho, los solistas elaboraban largas variaciones melódicas sobre el tema principal

(usualmente integrado por dos canciones diferentes), en tempos muy lentos o medios,

nunca rápidos. Las bandas eran ambulantes y solían preferir siempre

interpretar espirituales, ragtimes, marchas y cantos de origen afrocubano. El peso sonoro y

conceptual de la música recaía en la corneta, que era quien desarrollaba las melodías,

apoyada por el trombón y el clarinete, que elaboraban variaciones improvisadas sobre la

melodía base. Es lo que Peter Clayton llama «la Santísima Trinidad del jazz de Nueva

Orleans».6 El resto de los instrumentos (usualmente banjo, tuba, caja y bombo, aunque

paulatinamente fueron introduciéndose el contrabajo, el piano y la batería) tenían una

función meramente rítmica. En ocasiones se usaba el violín como complemento en la

sección de metales.

Es una escuela de bandas célebres, como la de Johnny Schenk (1893), la de John

Robechaux (1895), la del cornetista Freddie Keppard (1900- 1909), y otras de renombre

histórico como la Onward Brass Band, la Eagle Band o la Tuxedo Brass Band del

trompetista Papa Celestin, ésta anterior al cambio de siglo. También estaban las bandas

del cornetista Papa Mutt Carey, que se reputa como el introductor de la sordina de

«desatascador» (plunger) y su típico efecto de wah-wah, y que tenía a Sidney Bechet en el

clarinete; la banda de Lorenzo Tio, o la Original Creole Orchestra, etc.

Dixieland[editar]

Artículo principal: Dixieland

A poco de comenzar el siglo XX, los blancos y criollos pobres del Delta del

Misisipi comenzaron a interesarse por el Hot y su influencia produjo algunas variaciones en

la forma de tocar de las bandas de Nueva Orleans: se desarrollaron más las

improvisaciones, se agilizaron los tempos y se buscaron estructuras rítmicas menos

"africanas".7 El nuevo estilo era "menos expresivo, pero con mayores recursos técnicos",

con melodías más pulidas y armonías "limpias".8 Además, se introdujeron elpiano y

el saxofón, y se desarrollaron técnicas instrumentales nuevas, como el estilo tailgate de los

trombonistas.

Sus principales figuras fueron, en una primera época, el corneta Papa Jack Laine, que se

reputa como el "padre del dixieland";9 el trompetista Nick La Rocca y susOriginal Jass;

los Louisiana Five de Anton Lada; el trombonista Edward "Kid" Ory; o los "New Orleans

Rhythm Kings" del cornetista Paul Mares. En la década de los40, el Dixieland disfrutó de

un poderoso revival, obteniendo éxito mundial grupos como los Dukes of Dixieland, de los

hermanos Frank y Fred Assunto, y aún hoy en día existen bandas con nombres tan rancios

como Tuxedo Jass Band u Onward Jazz Band.

El jazz de Chicago y New York[editar]

El cierre por las autoridades de Nueva Orleans del barrio de Storyville en 1917, supuso un

importante contratiempo para la mayor parte de los músicos de jazz de la zona, pues en

este distrito de ocio se concentraban casi todos los locales de música en vivo.10 Este

hecho inició la gran migración de los músicos de jazz hacia las ciudades del norte, y

especialmente hacia Chicago, que gozaba por entonces de una agitada vida

nocturna,11 con una poderosa escena de blues y ragtime, desde una década antes. King

Oliver, Louis Armstrong, Sidney Bechet, Jelly Roll Morton o Johnny Dodds, entre otros

muchos, se trasladaron a la «ciudad del viento» y grabaron allí sus primeros discos, a

comienzos de la década de 1920.

En Chicago se desarrolló un estilo más crudo y dinámico, con un lenguaje escueto y

lacónico, desbrozado de adornos, económico en recursos, bañado «en una atmósfera

exasperada, de un dinamismo acalorado, de una rígida tensión hot».12 El sonido perdió

plasticidad al ajustarse la afinación por influencia de los músicos blancos y abandonarse la

desincronización propia de la rítmica africana pero, por el contrario, se desarrolló

enormemente el concepto de improvisación individual y las melodías paralelas, dejando los

pasajes polifónicos para el ciclo final (sock chorus). El material temático tendió hacia un

abandono de los rags y stomps y su sustitución por blues y canciones de influencia

europea, con arreglos musicales escritos. De hecho, esta época es la de la explosión del

llamado «blues clásico», con artistas como Bessie Smith, que se rodeaban de bandas de

jazz en sustitución del tradicional acompañamiento de guitarra o piano sólo.

Duke Ellington uno de los principales compositores de swing.

El estilo de Chicago se desarrolló como consecuencia de la conjunción de los músicos

negros de Nueva Orleans y de jóvenes estudiantes y aficionados blancos que imitaban a

aquellos,13 y supuso algunos cambios importantes incluso en la instrumentación típica, al

comenzar a asentarse el saxofón. Un buen número de músicos de gran relevancia son

representativos del estilo: Erskine Tate, Eddie Condon, Muggsy Spanier, Wingy

Manone, Pee Wee Russell o, como figura más relevante, Bix Beiderbecke.

Desde muy temprano, el jazz se introdujo también en Nueva York, inicialmente a través de

los pianistas que tocaban ragtime y boogie woogie en los honky tonks, como James P.

Johnson, Willie "The Lion" Smith o Luckey Roberts, pero también gracias a bandas, como

la de Jimmy Reese Europe o "The Memphis Students", dirigida por Will Dixon y Will Marion

Cook, en época tan temprana como1905.14 Algunos autores destacan también el papel que

músicos como Nick La Rocca o el baterista Louis Mitchell, originario deFiladelfia, tuvieron

en la extensión del jazz en la ciudad.15 Sin embargo, el verdadero estilo de Nueva York,

o High Brow, como se le denominó en su momento, comenzó con la orquesta de Fletcher

Henderson, en la que tocaron todas las grandes figuras del jazz de los años 1920. Sería

precisamente Henderson quien mejor representó la nueva forma de tocar un tipo de jazz

estilizado, menos localizado y más universal, «realizado sobre la base de una fórmula de

transacción que estriba en orquestaciones preparadas de antemano y escritas para

conjuntos cuyo número de instrumentos no hacía posible la polifonía hot».16 Pero la

escuela de Nueva York dio un nombre de mayor proyección aún, Duke Ellington,

procedente de Washington D.C., que alcanzó gran fama con sus sesiones en el Cotton

Club de Harlem. Otros referentes importantes del estilo fueron Red Nichols y sus "Five

Pennies", los McKinney's Cotton Pickers de William McKinney y Don Redman, así como la

banda del pianista Sam Wooding o la del panameño de nacimiento, Luis Russell.

El estilo de Nueva York, con el impulso que supuso a las big bands, fue la corriente

principal de desarrollo del jazz a finales de la década de 1920, desembocando en el swing.

La era del swing[editar]

Artículo principal: Swing (jazz)

En el último tercio de la década de 1920, los estilos de two beat habían agotado sus

posibilidades de desarrollo, mientras que en Nueva York se estaba desarrollando una

nueva forma de hacer jazz, que se consolidó sobre todo como resultado de la migración

masiva de músicos de Chicago hacia la "ciudad de los rascacielos".17 Las bandas

de Fletcher Henderson, Duke Ellington, Jimmie Lunceford y Chick Webb, fueron las que

marcaron el rumbo de este nuevo estilo cuya principal característica fue la formación de

grandes orquestas, las big bands. Además, aportaron elementos novedosos respecto de la

tradición hot: la conversión de los ritmos de dos golpes (two beat) a ritmos regulares de

cuatro acentos rítmicos por compás; la utilización, como recurso de tensión, del riff, frase

corta repetida con crescendo final; la predominancia de pasajes melódicos

interpretados straight, es decir, conforme a partitura; la extensión del fenómeno del

"solista"; la revalorización del blues; etc. Este proceso no se desarrolló exclusivamente en

Nueva York, puesto que en otros lugares, como Kansas City tuvo lugar una evolución

similar en big bands como las deBennie Moten o Count Basie.

El estilo toma su nombre de una de las características del nuevo jazz: el swing como

elemento rítmico. Se trató de una operación comercial de los agentes de Benny Goodman,

que dirigía una de las bandas más populares de la época, al designarlo como "Rey del

swing". Esto llevó al público, pero también a muchos críticos, a creer que "swing" era el

tipo de música que hacía esta banda, consolidándose el nombre.18 Algunas de las bandas

de la época alcanzaron un enorme éxito popular y de ventas, generando un subestilo

comercial que, a la larga, acabaría por lastrar las posibilidades de desarrollo

del swing: Artie Shaw, Harry James, Glenn Miller, Tommy Dorsey... Sin embargo, no todas

derivaron hacia ese camino, y algunas de ellas establecieron las bases de los grandes

cambios conceptuales del jazz de la década de 1940: Woody Herman, Stan Kenton, Lionel

Hampton o Jay McShann. En algunos casos, se desarrollaron escenas regionales con gran

proyección y personalidad diferenciada, como es el caso del western swing (que fusionó

músicas de origen folclórico) y, en Europa, del llamado jazz manouche, impulsado

por Django Reinhardt.

El swing fue, además, un estilo rico en grandes improvisadores, muchos de los cuales

establecieron verdaderos cánones en sus respectivos instrumentos: Coleman Hawkins, Art

Tatum, Chu Berry, Gene Krupa, Teddy Wilson, Fats Waller, Johnny Hodges, Benny

Carter, Rex Stewart, Harry Edison y muchos otros. Fue también, paralelamente, un estilo

que favoreció la proyección de los cantantes, especialmente de las cantantes

femeninas: Ella Fitzgerald, Ivy Anderson (que permaneció casi doce años en la banda de

Ellington, a partir de 1932), Billie Holiday, June Christy, Anita O'Day, Lena Horne o Peggy

Lee. Algunos de estos instrumentistas fueron determinantes en el proceso de evolución

que llevó desde el swing al be bop y al cool, destacando entre ellos el trompetista Roy

Eldridge y el saxofonista Lester Young.

Bebop[editar]

Artículo principal: Bebop

Tras la era del swing, el jazz era conocido y apreciado en todo el mundo, reconocido

incluso por compositores clásicos de la talla de Stravinsky. Sin embargo, el

término swing gozaba de mala reputación entre los músicos: se consideraba que sólo los

profesionales de menor talento se dedicaban a este tipo de música comercial, de modo

que los músicos más "serios" -como Duke Ellington- se estaban alejando del estilo. El

declive de las big bands de swing dio lugar a un nuevo tipo de música radicalmente

diferente, cuyos únicos rasgos en común consistían en una instrumentación similar y en el

interés por la improvisación.

Los músicos bebop ponían el acento en el papel del solista, cuyo papel ya no era el

de entertainer de épocas pasadas, sino un artista creador al servicio sólo de su propia

música. La síncopa característica del swing quedaba destinada a favorecer la

interpretación de las melodías; la sección rítmica se simplificaba, relegándola únicamente

al contrabajo -que crecía en importancia- y a la batería,nota 2 -que dejaba a un lado su

antiguo papel de mero metrónomo-, incrementando con ello la libertad de bajistas y

bateristas; se introdujeron disonancias, polirritmos, nuevas paletas tonales y fraseos más

irregulares; se abandonó la melodía en favor de la improvisación, y el formato de big

band por el de combo, formado por muy pocos músicos; y se adoptó, incluso

un look característico en el que no podía faltar sombrero, gafas de sol y perilla.

Dizzy Gillespie retratado en Búfalo, Nueva York, en 1977.

El nacimiento del estilo tuvo lugar en 1941 cuando Dizzy Gillespie, Milt Hinton, Charlie

Parker, Thelonious Monk y Kenny Clarke se reunieron en el Minton's Playhouse de Nueva

York para una serie de conciertos informales. Dizzy Gillespie fue uno de los líderes del

movimiento, con un estilo trompetístico que resumía perfectamente las características de

la nueva música y una serie de temas que entraron a formar parte enseguida del repertorio

básico de los músicos bop, como "A Night In Tunisia" o "Salt Peanuts". Charlie Parkerfue

el otro gran padre del bebop introduciendo un nuevo lenguaje de improvisación,

extendiendo el aspecto melódico y el rango rítmico del jazz hasta ese momento, y con un

estilo emocional y sorprendente que quedó inmortalizado en clásicos como "Yardbird

Suite", "Ornithology", "Donna Lee", "Billie's Bounce" o "Anthropology", entre otros muchos.

Otros músicos de importancia dentro del estilo fueron los saxofonistas Dexter Gordon,

quien adaptó el estilo de Parker con el alto al saxo tenor, y Sonny Stitt; el trompetista Fats

Navarro; los trombonistas J. J. Johnson -quien adaptó el lenguaje bop al trombón-, Benny

Green oKai Winding; los pianistas Bud Powell, Thelonious Monk, Lennie Tristano, Oscar

Peterson, Ahmad Jamal, George Shearing, Erroll Garner,Herbie Nichols o Tommy

Flanagan; los bajistas Oscar Pettiford o Paul Chambers; los bateristas Kenny Clarke o Max

Roach; o la cantanteSarah Vaughan. En el campo de las big bands, algunas de ellas,

como las de Charlie Barnett, Woody Herman, Lionel Hampton o Stan Kenton, supieron

adaptar su sonoridad a las nuevas exigencias, y otras, como la de Earl Hines establecieron

puentes entre el viejo y el nuevo sonido. Sólo algunas lograron convertirse en

verdaderas big bands de be-bop, como es el caso de las orquestas de Boyd Raeburn,Billy

Eckstine y Dizzy Gillespie.

Cool jazz[editar]

Artículo principal: Cool

El nacimiento formal del movimiento cool tuvo lugar en 1948 con la publicación del

álbum Birth of the Cool de Miles Davis, todo un manifiesto autodefinitorio y una de las

grabaciones más influyentes de la historia. El nuevo estilo se derivaba directamente

del bebop, pero resultaba una música más cerebral, que tenía como principal objetivo el

establecimiento de una atmósfera "calma" y "meditativa".nota 3 El cool jazz resultó

particularmente popular entre músicos blancos como Lennie Tristano, en parte por su

alejamiento de las raíces africanas del jazz, pero también encontró un hueco entre las

preferencias de músicos negros que estaban pasando de ser simples entertainers a

adoptar un papel más activo y serio en la búsqueda de su identidad musical.

Miles Davis, quien había comenzado su carrera con Charlie Parker, dio inicio al

movimiento con Birth of the Cool (1948), el primero de una serie de álbumes -

Walkin(1954), Miles (1955), Cookin',Relaxing, Working o Steaming, todos de (1956)- que

sentaban las bases del estilo. The Modern Jazz Quartet -originalmente la sección

rítmica de Dizzy Gillespie, integrada por Milt Jackson, John Lewis, Percy Heath y Kenny

Clarke- publicó Modern Jazz Quartet with Milt Jackson (1953), Modern Jazz Quartet

Volume 2 (1953), y Django (1956), donde presentaban sus elegantes composiciones, en el

límite entre lo barroco y lo jazzístico. Gunther Schuller fue el iniciador oficial del third

stream, una corriente que establecía un puente entre la música clásica y el jazz, que tiene

como ejemplo paradigmático su Jazz Abstractions(1959), y que cuenta también entre sus

principales representantes a Bob Graettinger. Gil Evans produjo Gil Evans and

Ten (1957), Out of the Cool (1959), o Into The Hot (1961), Bill Evans -junto a Scott

LaFaro y Paul Motian- introdujo un nuevo sonido en el trío de jazz influenciado por la

música clásica europea, y George Russellsobresalió como intérprete de temas modales.

Otras figuras destacables fueron el vibrafonista Teddy Charles, el pianista Ran Blake o la

imaginativa cantante Betty Carter.

West Coast jazz[editar]

Artículo principal: West Coast jazz

En esa misma época, en la Costa Oeste, la evolución del jazz se desarrolló por caminos

menos influenciados por los músicos neoyorquinos de bebop, directamente herederos

de Lester Young y de la evolución que habían tenido big bands como las de Woody

Herman, Conrad Gozzo, Stan Kenton o Wardell Gray. El nuevo estilo, que acabaría

conformándose como la línea principal de desarrollo del cool, fue impulsado especialmente

por músicos como Howard Rumsey, Shorty Rogers o Shelly Manne, y generó obras que

tuvieron una enorme repercusión comercial, como es el caso de Time Out, de Dave

Brubeck y Paul Desmond, que se convirtió en el primer disco de jazz en vender más de un

millón de copias, gracias al tema "Take Five".19 También obtuvo un importante éxito

comercial Stan Getz, otro de los líderes del movimiento cool, que procedía de las

orquestas de Stan Kenton, Benny Goodman y Woody Herman y que terminaría

popularizando la bossa nova, con sus discosWest Coast Jazz, Early Autumn (1948)

y Quartets (1950), mientras que Lee Konitz es considerado por algunos críticos como la

quintaesencia del músico cool. Gerry Mulligan, otro de los principales representantes de

esta corriente, editó Mulligan Plays Mulligan (1951), Gerry Mulligan Quartet (1952),

y Mulligan Quartet (1952); Art Pepper grabó Discoveries (1954), Art Pepper

Quartet (1956), Meets the Rhythm Section (1957) y Omega Alpha (1957); Jimmy

Giuffre lanzó Jimmy Giuffre 3 (1956) oWestern Suite (1958); Chet Baker publicó Grey

December (1953), Chet Baker & Strings (1954) o Chet Baker Sextet (1954); Chico

Hamilton grabó Spectacular (1955),Quintet In Hi Fi (1956) o Mr Jo Jones on

Quintet (1956); Jim Hall, por último, destacó por un sonido limpio y tranquilo -justo la

antítesis de Charlie Christian- que anticipaba la llegada de un tipo de jazz más suave y

relajado.

Hard bop[editar]

Artículo principal: Hard bop

Como reacción ante el intelectualismo del bebop, los músicos del hard bop reivindicaron el

retorno del jazz a sus orígenes, con especial acento en la energía y la espontaneidad de la

música. El elemento rítmico quedaba reforzado, y los solos, derivados del lenguaje de los

músicos bebop, adquirieron más fuerza y vitalidad, conformando una música agresiva e

intensa. De hecho, el adjetivo "hard" (duro) tiene en esta expresión la connotación de

"intenso".20 Tuvo especial incidencia entre los músicos de la Costa Este, y está

especialmente vinculado a los músicos negros de las ciudades de los Grandes Lagos,

como Chicago o Detroit. A ellos, "les gustaban las improvisaciones a pleno pulmón, los

sonidos cálidos, las frases de ángulos puros, los ritmos explosivos".21 Para muchos

autores, el hard bop fue una relectura del bebop "en pro de una vía que se abría a la

prosecución de una tradición ininterrumpida en la que las raíces más profundas seguían

teniendo un peso específico importante".22

Max Roach fue uno de los iniciadores del movimiento, junto a Art Blakey o Sonny Rollins.

Destacaron asimismo los saxofonistas Cannonball Adderley, Phil Woods,Tina

Brooks, Hank Mobley, Joe Henderson, Pepper Adams, Benny Golson o Jackie McLean; los

trompetistas Woody Shaw, Lee Morgan, Freddie Hubbard, Donald Byrd, Blue Mitchell, Art

Farmer o Clark Terry; los pianistas Mal Waldron, Bobby Timmons, Horace Parlan o Duke

Pearson; la vocalista Abbey Lincoln; el guitarristaKenny Burrell; los contrabajistas Reginald

Workman, Paul Chambers y Charles Mingus; el batería Pete La Roca; o las big

bands de Thad Jones o Maynard Ferguson.

Soul jazz y Funky jazz[editar]

Artículo principal: Funky jazz

Íntimamente relacionado con el hard bop, se desarrolló un estilo de jazz, quizás más

específicamente una forma de tocar jazz, basada en la utilización de estructurasblues en

tempo lento o medio, con un "beat" firme y sostenido, con emoción interpretativa, que se

dio en llamar funky o, más tarde, soul jazz.23 24 Un subgénero que exhibía al Hammond

B3 y a sus pioneros (Wild Bill Davis, Jimmy Smith o Jimmy McGriff) como protagonistas, y

que hundía también sus raíces en los trabajos de músicos como Horace Silver, Junior

Mance, Les McCann, Gene Harris, Ramsey Lewis o el cantante y pianista Ray Charles.

Otras figuras destacables del género fueron los organistas Brother Jack McDuff, Shirley

Scott, Charles Earland, Larry Young o Richard "Groove" Holmes; los guitarristas Wes

Montgomery, Grant Green o George Benson; o los saxofonistas Stanley Turrentine, Willis

"Gator" Jackson, Eddie "Lockjaw" Davis, David "Fathead" Newman, Gene

Ammons, Houston Person, Jimmy Forrest, King Curtis, Red Holloway, Eddie Harris y Hank

Crawford. 25

Free jazz[editar]

Artículo principal: Free jazz

El bop evolucionó muy rápidamente durante la década de los cincuenta y algunos músicos

(George Russell o Charles Mingus entre ellos) desarrollaron, a partir de los conceptos de

intuición y digresión que había anunciado la música de Lennie Tristano, formulaciones

similares a las que ya se habían dado en la música clásica en los años veinte, con la

irrupción, por ejemplo, de la atonalidad en el jazz de los años sesenta. Está generalmente

aceptado por la crítica que, al margen de los antecedentes ya citados, el free jazz toma

carta de naturaleza en 1960, con la publicación del disco homónimo de Ornette Coleman y

su doble cuarteto, que supone una revolución estilística en el jazz, pero "no solamente

eso, sino una puesta en crisis, una relectura y una superación virtual de todo lo que había

sido el jazz, cuestionando los fundamentos socio-culturales tanto como su desarrollo

histórico".26 Coleman había ya editado anteriormente algunos discos que anticipaban esta

explosión, como The Shape of Jazz to Come o This Is Our Music, ambos para Atlantic

Records.27

El free jazz prescindió de elementos hasta entonces esenciales en el jazz, como el swing,

el fraseo o la entonación, abriéndose además a influencias de músicas del mundo y

politizándose de forma muy ostensible.28 En los primeros años sesenta se asistió a una,

aparentemente, irresistible ascensión del free jazz que, paralelamente, recibió una ingente

cantidad de rechazos resumibles en una sola frase: «Esto no es música». Críticas que, por

otra parte, provinieron no solo del público o de periodistas especializados, sino de músicos

de jazz, como Roy Eldridge o Quincy Jones.29 A mediados de la década, prácticamente

todos los músicos jóvenes de jazz estaban influidos por el "free". Cecil Taylor, Eric

Dolphy y Don Cherry fueron los principales iniciadores de esta línea, pero a ellos se

sumaron Carla Bley, Mike Mantler, Muhal Richard Abrams, Dollar Brand, Anthony

Braxton, Marion Brown, Jimmy Giuffre, Eddie Gomez, Charlie Haden, Steve Lacy, Yusef

Lateef,Gary Peacock, Sun Ra, Archie Shepp, Sonny Sharrock, Manfred Schoof, John

Surman, entre otros. A mediados de la década, el free jazz se había convertido en una

manera de expresión ricamente articulada que abarcaba todas las temáticas y comandaba

todas las vías de desarrollo del jazz. Sin embargo, a partir de 1967comenzó a apreciarse

una clara recesión del favor del público respecto del free jazz.30

Post-bop[editar]

Artículo principal: Post-bop

Un cierto número de músicos de bop habían desarrollado conceptos de improvisación más

avanzados a finales de los años 1950, realizando un "jazz modal" directamente impulsado

por figuras como Miles Davis o, muy especialmente, John Coltrane ya a comienzos de

la década de 1960. Sus "sábanas de sonido", según bautizó el crítico Ira Gitler al sonido

del cuarteto del saxofonista,31 abrieron el camino a un estilo que se ha dado en

llamar post-bop. Éste adoptó a las experienciashard bop un buen número de las

innovaciones que había traído el free jazz, convirtiéndose en la línea de desarrollo principal

(mainstream) del jazz moderno, hilo conductor hasta llegar al neo bop o "neo-

tradicionalismo" de los años 1980, encabezado por Wynton Marsalis. Salvo excepciones,

como Bill Evans, el sello discográfico Blue Note recogió a los principales músicos del

estilo: Wayne Shorter, McCoy Tyner, Herbie Hancock o Lee Morgan.

Jazz rock y jazz fusión[editar]

Artículos principales: Jazz fusión y Jazz rock.

Miles Davis actuando en el North Sea Jazz Festival.

El lanzamiento en 1970 de Bitches Brew, un álbum de Miles Davis que contaba con Tony

Williams, Ron Carter, Herbie Hancock,Wayne Shorter o John McLaughlin, entre otros,

supuso una nueva revolución en el sonido del jazz, introduciendo una instrumentación y

unos esquemas rítmicos más cercanos al rock y marcando el inicio de un nuevo género

que recibiría posteriormente la denominación de jazz fusion. La influencia de los grupos de

rock que estaban experimentando con el jazz en la época (Soft Machine,Blood, Sweat &

Tears, Colosseum, Caravan, Nucleus, Chicago y, sobre todos ellos, las distintas

formaciones de Frank Zappa), terminó de perfilar un género que daría lugar posteriormente

a otros muchos subestilos, siendo particularmente evidente en aspectos como la

instrumentación de las nuevas bandas de jazz rock -que reemplazaron el contrabajo por

el bajo eléctrico y donde la guitarra o el órgano abandonaban la sección rítmica para

situarse como instrumentos solistas de pleno derecho- o en la mayor importancia de los

grupos respecto a sus miembros, otra característica heredada del mundo del rock.

Uno de los primeros representantes de la nueva corriente del jazz rock fue Gary Burton,

quien, con la ayuda de Steve Swallow, Larry Coryell y Roy Haynes- había empezado a

experimentar con rítmos de rock en The Time Machine (1966), y había introducido

elementos country en Tennessee Firebird, editado ese mismo año.Tony Williams, quien se

había hecho famoso en el quinteto de Miles Davis, ya había editado bajo su nombre Life

Time (1964) y Spring (1965) antes de poner en marcha su Lifetime, una banda que

contaba originalmente con Larry Young y John McLaughlin y que se convertiría en uno de

los grupos más relevantes del género.Herbie Hancock no tardó en erigirse como uno de

los máximos representantes del género a la cabeza de su grupo The Headhunters - una

banda que, inspirada en los ritmos funky-psicodélicos de Sly Stone, logró el mayor éxito de

ventas de la historia del jazz con su álbum homónimo editado en 1973-, mientras

que Chick Corea hizo lo propio con sus Return To Forever, originalmente con Flora

Purim, Joe Farrell, Stanley Clarke y Airto Moreira. Keith Jarrett publicó Gary Burton & Keith

Jarrett en 1970, e hizo incursiones en el latin jazz en 'Expectations (1971), mientras

que McCoy Tyner colaboró con músicos como Bennie Maupin, Bobby Hutcherson, Gary

Bartz, Wayne Shorter, Alice Coltrane o Ron

Carter en Expansions (1968), Cosmos o Extensions, ambos de 1970. Desde el área

del free jazz, músicos como Charlie Haden, Carla Bley, Michael Mantler o Paul Motian se

encontraban elaborando una música compleja y personal, con raíces muy diversas e

influencias muy heterogénas.

Larry Coryell fue otro de los pioneros del jazz rock, con su participación en el álbum de

1966 Out of Sight And Sound, del grupo "Free Spirits". El álbum marcó el inicio de una

serie de grabaciones bajo su nombre que culminarían en Introducing The Eleventh

House (1974), primer disco de una banda -The Eleventh House- que se situaría entre las

más famosas de los grupos de jazz rock de la década de 1970. Weather Report, formado

originalmente por Joe Zawinul, Wayne Shorter, Miroslav Vitous, Airto Moreira y Alphonso

Mouzon no sólo se convirtió en el grupo más importante del movimiento. La banda obtuvo

un considerable éxito desde sus inicios, pero la llegada del bajista Jaco

Pastorius en 1976 supuso un nuevo empuje para la agrupación, que con álbumes

como Black Market (1976) o Heavy Weather (1977) alcanzó un notable éxito

comercial. John McLaughlin recogió el testigo del revival del blues que había tenido lugar

en el Reino Unido con grupos como The Rolling Stones o Cream, pero tras editar un

primer álbum bajo su nombre (Extrapolation, 1969) con John Surman y Tony Oxley, fue

convocado por Miles Davis para la grabación de Bitches Brew. Su My Goal's Beyond,

de 1971 muestra ya abiertamente la pasión del músico por la música hindú, un interés que

desarrollará con laMahavishnu Orchestra a lo largo de la década en álbumes como The

Inner Mountain Flame (1971) o Birds of Fire (1972), y, especialmente con Shakti, una

banda que contaba con la participación de músicos hindúes.

El baterista y pianista Jack DeJohnette es otra figura clave del movimiento, con una serie

de álbumes -Have You Ever Heard (1970), Collect (1974), Untitled (1977)...- con los que

quiso efectuar una nueva lectura de los clichés del jazz rock y en los que participaron

músicos como John Abercrombie o David Murray. Gary Bartz había debutado

con Libra (1967), un álbum en el que mostraba su estilo enraizado en la tradición

del bebop y sus cualidades como compositor, pero tras reemplazar aWayne Shorter en el

grupo de Miles Davis, formó sus "NTU Troop" en 1970, para publicar un disco (Harlem

Bush Music - Taifa, de 1970) en el que presentaba una música enérgica, con elementos

del soul, del funk, del jazz y del rock. Billy Cobham -que había participado en Dreams junto

a Randy y Michael Brecker y a John Abercrombie, y que también había pasado

brevemente por el grupo de Miles Davis- editó Spectrum y Crosswinds en 1973, y Total

Eclipse en 1974, todos ellos álbumes importantes en la historia del subgénero. John

Abercrombie debutó discográficamente en 1974 con Timeless, con Jack DeJohnette y Jan

Hammer para seguir editando álbumes en la misma línea con músicos como Marc

Johnson, Peter Erskine, o Dave Holland. Los hermanos Randy y Michael Brecker formaron

en1975 The Brecker Brothers, para editar una música de gran complejidad a medio camino

entre el hard bop y el funky antes de emprender sus respectivas carreras en solitario.

Oregon publicó en 1972 un primer álbum -Music Of Another Present Era- que mostraba

una sofisticada combinación de jazz, música clásica, improvisación, complejidad

compositiva y elementos étnicos. Lonnie Liston Smith editó en 1973 su Astral Travelling,

primer disco de una banda -The Cosmic Echoes- que pronto derivaría hacia el funky

soul con álbumes como Expansions (1974). Steps Ahead, un supergrupo de virtuosos

con Mike Mainieri a la cabeza publicó su primer trabajo -Step By Step- en 1980, el mismo

año que Ronald Shannon Jackson publicó Eye On You con su grupo Decoding Society; o

que Joseph Bowie, hermano de Lester, publicó "Defunkt" primer álbum de su banda

homónima.

Jean Luc Ponty fue el responsable de llevar el violín a la era de la electrónica, desde el

comienzo de su carrera al lado de Frank Zappa en fecha tan temprana como1968,

pasando por sus colaboraciones con John McLaughlin y culminando en su carrera en

solitario con álbumes como Upon The Wings Of Music, de 1975. El bajista y

violonchelista Ron Carter había publicado Uptown Conversation (1969) con

el contrabajo como protagonista, antes de editar Piccolo (1977), un álbum en el que

empleaba el bajo piccolo, un híbrido entre el contrabajo y el cello. El virtuoso

checo Miroslav Vitous destacó también en el contrabajo en álbumes como Infinite

Search(1969), o Purple (1970), pero fue Stanley Clarke el encargado de poner el bajo

eléctrico en el punto de mira de los aficionados, con Stanley Clarke (1974) y School

Days (1976). Jaco Pastorius fue, sin embargo el gran revolucionario de ese instrumento,

tanto en sus tempranas colaboraciones con Pat Metheny (Bright Size Life, 1976)

o Weather Report (Heavy Weather, 1977) como, sobre todo, con su debut en solitario que,

lanzado en 1976 con el título de Jaco Pastorius, fue el disco que, no sólo popularizó el bajo

fretless, sino que lo situó como uno de los instrumentos más expresivos del jazz fusión.

Destaca igualmente, en una línea muy funky, el bajistaJamaaladeen Tacuma (Show

Stopper, 1983). Otras figuras importantes, dentro de un estilo de fusión que proviene

del free jazz e incorpora elementos de la músicathird stream, fueron el contrabajista David

Friesen (Color Pool, 1975), Collin Walcott (percusionista de Oregon y uno de los músicos

más innovadores en su instrumento), el saxofonista John Klemmer (Touch, 1975), los

pianistas Art Lande (Red Lanta, 1973), y Steve Kuhn (Ecstasy, 1974), y el bajista Steve

Swallow(Swallow, 1991).

La guitarra eléctrica había alcanzado gracias a la influencia del rock una popularidad sin

precedentes, que no tardó en verse reflejada en el mundo del jazz fusión con la aparición

de un buen número de músicos, que la veían como el instrumento dominante en la escena

del jazz, tal y como el saxofón lo había sido en épocas anteriores. Sonny Sharrock (Black

Woman, 1969; Monkie-Pockie-Boo, 1970) o James Blood Ulmer (Revealing, 1977) se

encuentran entre los primeros representantes de esta corriente, al igual que Ralph

Towner (Diary, 1973), el guitarrista de la banda Oregon. Pat Metheny había publicado

en 1976 su Bright Size Life con Jaco Pastorius y Bob Moses, un disco que tenía a la

guitarra eléctrica como principal protagonista pero que, también, introducía el bajo

eléctrico en el sonido del jazz, y mostraba el estilo naturalista y original, típicamente

"blanco", que Metheny desarrollaría en posteriores álbumes ya con su banda Pat Metheny

Group (Group 1978;American Garage, 1979). El japonés Kazumi Watanabe grabó una

serie de afamados discos, que se inició con Endless Way (1975), mientras que John

Scofield, que había colaborado con Billy Cobham y Charles Mingus, editó su primer trabajo

en solitario en 1977, con el título East Meets West. El virtuoso Al DiMeola, publicó también

sus primeros trabajos a mediados de la década (Land Of The Midnight Sun, 1976; Elegant

Gipsy, 1977), al igual que Steve Tibbetts (Steve Tibbets, 1976; Yr, 1980), Steve

Khan (Tightrope, 1977; The Blue Man, 1978) y Mike Stern, que asentaría su carrera a

comienzos de la década siguiente, al lado de Billy Cobham y deMiles Davis (1981-1983).

En el ámbito europeo destacaron los británicos Neil Ardley, Mike Westbrook, Mike

Gibbs, Kenny Wheeler, John Surman, Keith Tippett, Elton Dean, Basil Kirchin o el

grupo Nucleus; los noruegos Jan Garbarek y Terje Rypdal; el danés Niels-Henning Orsted-

Pedersen; los alemanes Wolfgang Dauner, Joachim Kühn y Eberhard Weber; el

italiano Enrico Rava; el polaco Michal Urbaniak; o el ruso Serguéi Kuriokhin.

Jazz latino y jazz afrocubano[editar]

Artículo principal: Latin jazz

En los primeros tiempos del jazz ya se produjo una temprana incorporación de elementos

latinos a la música hot. De hecho,

los ritmos de habanera, calinda,contradanza o fandango eran usuales en la música

de Nueva Orleans.32 La presencia de elementos latinos se mantuvo en el jazz de los años

20 y 30, aunque sin la intensidad necesaria para gestar una verdadera fusión. Sin

embargo, a mitad de los años 1940, la influencia cubana sobre el bop generó un estilo de

fusión cuyo mejor exponente fueron la big band de Machito, y los trabajos de Dizzy

Gillespie, que integraban elementos característicos del bebop con ritmos afrocubanos. De

todos los estilos que surgieron tras la era del swing, el latin jazz ha sido uno de los que ha

disfrutado de mayor popularidad, y sus esquemas básicos no han cambiado demasiado a

lo largo de su historia, a través del trabajo -por citar sólo a tres de las más importantes- de

las orquestas de Tito Puente, Poncho Sánchez o Mario Bauzá.33

A partir de mediados la década de 1960 y, especialmente, durante los años 1970, este

estilo de fusión con músicas latinas, se asentó de forma definitiva en la escena del jazz.

Dentro de la amplia denominación de "jazz latino", suelen incluirse músicas tan diferentes

como las de origen brasileño (bossa nova, especialmente), las de origen cubano y otras

de fusión con otras músicas de carácter latino (y de forma especial, el tango). Entre los

muchos artistas que han desarrollado su obra en las distintas variantes de este género,

cabe citar, dentro del jazz de fusión de origen brasileño, a Flora Purim, Airto

Moreira, Charlie Byrd, Antonio Carlos Jobim, Joao Gilberto, Baden Powell, Hermeto

Pascoal, Dom Um Romão, Egberto Gismonti o Claudio Roditi . Y, en el entorno de la fusión

de jazz con la música afro-cubana yportorriqueña, encontramos a Irakere, Arturo

Sandoval, Ray Barretto, Emiliano Salvador, Cal Tjader, Chico O'Farrill, Mongo

Santamaría, Cándido, Sabú Martínez,Chano Pozo, Chucho Valdés, Steve Turre o Paquito

D'Rivera, además de pianistas como Hilton Ruiz, Gonzalo Rubalcaba y Michel Camilo, en

los que el elemento latino se incorpora de forma indistinguible a su origen bop.

Mucho más apegados a los estilos tradicionales cubanos, incluso a la salsa, encontramos

a músicos como Willie Bobo, Cachao, Carlos "Patato" Valdes, Tata Güines,Willie

Colón, Jesús Alemany o Francisco Aguabella, además de orquestas que históricamente

tuvieron una gran proyección comercial, como las de Xavier Cugat yPérez Prado. Fuera

del mundo antillano, destacan músicos que han desarrollado trabajos de acercamiento

entre el jazz y músicas tradicionales de otros lugares deAmérica latina: Astor

Piazzolla (con sus discos en solitario o con Gerry Mulligan), Gato Barbieri, Osvaldo

Tarantino, Alex Acuña.34

El estilo ha dado origen a lo largo de los años a toda una serie de subgéneros

relacionados entre los que se encuentran el boogaloo, el jazz cubano, el jazz brasileño,

el Latin Big Band y, por encima de todos en popularidad e importancia, la bossa nova.33

Jazz flamenco y otras fusiones étnicas[editar]

El jazz flamenco tiene su origen en la década de 1960, cuando comenzaron a surgir

algunas propuestas primitivas de fusión entre el flamenco de parte de artistas como Miles

Davis (Sketches of Spain, 1960; Flamenco Sketches, incluido en Kind of Blue, 1959)

o John Coltrane (Olé, 1961). Sin embargo, en España hubo de esperar hasta 1967, año en

que el saxofonista Pedro Iturralde editó su Jazz Flamenco (MPS), un disco que contaba

con la colaboración de Paco de Lucía y que se considera usualmente como la obra

fundacional del género. Discos como My Spanish Heart de Chick Corea (1976) o Friday

Night in San Francisco, una grabación de 1980, en trío, de los guitarristas Al DiMeola, John

McLaughlin y Paco de Lucía, abundaban en la idea de la fusión de ambos géneros, dentro

de una corriente de renovación en el flamenco, que después se denominó nuevo flamenco,

un concepto que De Lucía reelaboró en sus trabajos con el sexteto integrado por él mismo,

su hermano Pepe de Lucía, Ramón de Algeciras, Carles Benavent, Rubem Dantas y Jorge

Pardo (Live... One Summer Night, 1984). A partir de mediados de esa década, Benavent,

Dantas y Pardo iniciaron sus carreras en solitario, ayudando a consolidar un estilo donde

no tardaron en aparecer trabajos de figuras del jazz español y elflamenco, como Joan

Albert Amargós, El Potito, Antonio Carmona, Chano Domínguez, Ángel Rubio, Guillermo

McGill, Gerardo Núñez, Jerry González, Juan Manuel Cañizares, Agustín Carbonell "El

Bola", Perico Sambeat o Javier Colina, artistas que continúan explorando el camino abierto

por Davis, Coltrane, Iturralde y Paco de Lucía más de medio siglo atrás.35

En el resto del mundo distintos músicos de tradiciones muy diversas continúan elaborando

fusiones estilísticas que a menudo tienen al jazz como coprotagonista. Esta orientación

parte en la década de 1950, con artistas como Dizzy Gillespie, Dollar Brand, Sun

Ra o Yusef Lateef, y se afianza, más tarde, a finales de los años 1960 y en la década de

1970, cuando Don Cherry, John McLaughlin, Don Ellis o Andy Narell comenzaron a

fusionar elementos étnicos tales como instrumentación, armonías o ritmos, de distintas

procedencias (África, la India, Bulgaria, Francia, Brasil, Japón, la Polinesia, Marruecos,

el Caribe...), en trabajos donde la improvisación característica del jazz tenía un lugar

importante.36

Esta familia de géneros de "fusión étnica", cuya cercanía al jazz varía de un artista a otro,

suele agruparse dentro del término generalista "world music", denominación que incluye

además otros estilos de carácter poco o nada relacionados con el jazz. Entre los artistas

que han desarrollado su trabajo en esta línea, además de los citados, se

encuentran Shakti, Babatunde Olatunji, Zakir Hussain, Paul Winter, David Amram, Rabih

Abou-Khalil, Anouar Brahem, Paul Horn, Lou Harrison, Codona,Harry Partch, Trilok

Gurtu, Manu Dibango, Lakshminarayanan Shankar, Alpha Blondy, Strunz &

Farah, Toshinori Kondo, M'Lumbo, Elek Bacsik, Najma Akhtar, Richard Bona o Hugh

Masekela.36

La crisis del jazz y el nuevo tradicionalismo[editar]

El auge del "neo-tradicionalismo" que tuvo lugar con la llegada de la década de

1980 marcó el punto más alto de la crisis que había afectado al jazz desde la

popularización masiva del rock, en la década de 1960. El jazz representaba para los

negros norteamericanos la alternativa popular a la música clásica, pero en el momento en

que comenzó a derivar, primero hacia el free jazz y luego hacia las distintas fusiones que

tuvieron lugar en la década de 1970, fue alejándose cada vez más de sus orígenes,

entrando en una crisis de identidad que a finales de esa década aún no había sido

resuelta. En ese período el término "jazz" se solía identificar, simplemente con la música

instrumental, los músicos blancos estaban logrando más éxito que los los negros y el

panorama creativo en general era bastante desalentador. Sin embargo, la llegada de

los neo-tradicionalistas cambió el orden de las cosas: en lugar de abanderar una nueva

revolución en el género, reivindicaron una vuelta a sus orígenes trasladando los términos

del debate desde la dicotomía Free jazz / Jazz fusión al debate entre los defensores de la

pureza del estilo (neo tradicionalismo) y los partidarios de su evolución.

Scott Hamilton, con su A Is a Good Wind Who Is Blowing Us No Ill (1977) inauguró

el revival del jazz clásico, el mismo año en que se publicó el primer disco del

quinteto V.S.O.P., liderado por Herbie Hancock. Una vuelta a los principios del bop, que se

vio continuada en la obra de los pianistas Kenny Barron, Joanne Brackeen,Jessica

Williams, Mulgrew Miller, Fred Hersch, Marcus Roberts o Brad Mehldau; de los

saxofonistas Ernie Krivda, Joe Lovano, Bobby Watson, Dave Liebman, Joshua

Redman, James Carter o Courtney Pine; de los trompetistas Jack Walrath, Tom

Harrell, Terence Blanchard, y Roy Hargrove; o del trombonista Steve Turre.

Mención aparte merece Wynton Marsalis, el principal representantes de una saga familiar

de Nueva Orleans que se inicia en la obra de Ellis Marsalis, padre del anterior (y

de Brandford, Delfeayo y Jason, todos ellos destacados músicos de jazz), y un importante

educador que tuvo entre sus alumnos más destacados a Terence Blanchard, Donald

Harrison, Harry Connick, Jr., Nicholas Payton, o a Kent y Marlon Jordan, entre otros.37 La

llegada a la escena de Wynton Marsalis, considerado por la crítica como el músico de jazz

más famoso desde 1980, supuso la inauguración del movimiento de los "Young Lions"

(jóvenes leones), un movimiento que tuvo como resultado la contratación por parte de las

grandes compañías discográficas -incluso de aquellas que nunca habían mostrado interés

alguno en este tipo de música- de los jóvenes talentos del jazz. Con un conocimiento

enciclopédico de la tradición de su instrumento, Marsalis ha sido criticado por su papel

conservador como director de la "Lincoln Center Jazz Orchestra", una banda dedicada a

preservar la identidad musical del jazz de los afroamericanos, pero también ha destacado

por su papel de divulgador de la cultura del jazz, y como introductor de nuevos talentos.38

El jazz contemporáneo[editar]

A mediados de la década de 1980 surgió en Nueva York el colectivo M-Base, un grupo de

músicos inspirados por las ideas armónicas de Ornette Coleman cuyas obras giraban en

torno al free jazz y al funk, con elementos procedentes de la música, la filosofía y la

espiritualidad del África Occidental. Entre los representantes más destacados del colectivo

se encuentran los saxofonistas Steve Coleman, Gary Thomas y Greg Osby; el

trompetista Graham Haynes; el trombonista Robin Eubanks; el guitarrista Jean-Paul

Bourelly; los pianistas Geri Allen y Jason Moran; la bajista Meshell Ndegeocello; o la

cantante Cassandra Wilson.

En 1988 aparece, de la mano del DJ británico Gilles Peterson (dedicado en esa época a

editar remezclas de clásicos del jazz con bases hip hop) el término acid jazz, aplicado a un

nuevo estilo musical que integraba elementos del jazz, del funk y del hip hop. El término

pasó a ser el nombre de una discográfica creada por el mismo Peterson para dar salida a

grupos del estilo y, finalmente, se impuso como denominación del propio género. Entre sus

primeros representantes se encuentran el guitarrista Charlie Hunter o el trío Medeski

Martin & Wood, pero no tardaron en surgir derivaciones más enfocadas a las pistas de

baile como Stereo MCs, James Taylor Quartet, Brand New Heavies, Groove

Collective, Galliano, Incognito o los exitosos Jamiroquai. Otras bandas importantes del

movimiento fueron Mondo Grosso,United Future Organization, The Jazz Warriors, Count

Basic, o el guitarrista Ronny Jordan, que desarrollaron el grueso de su discografía ya

entrada la década de 1990.39

En 1975 el guitarrista norteamericano William Ackerman había acuñado el término new

age para definir un estilo de música instrumental de corte atmosférico, cuyo origen se

podía rastrear en las fronteras del jazz con la música clásica, el folk, e incluso con

la música psicodélica, la electrónica y las filosofías orientales. La nueva música, dirigida a

un público acomodado y urbano, era una música genuinamente blanca, cuyo centro

neurálgico se situaba en la Costa Oeste de los Estados Unidos.

Ya Tony Scott con su Music For Zen Meditation (1964) y Paul Horn (In India, 1967), entre

otros, habían experimentado con la fusión del jazz con las tradiciones musicales de

oriente, pero el género tuvo que esperar hasta mediados de la década de 1970 para que

músicos como Mark Isham o David Darling comenzaran a trazar sus líneas definitivas, que

quedaron bien establecidas a lo largo de toda la década siguiente en la obra de George

Winston, Michael Hedges, Daniel Kobialka,Michael Jones, David Lanz, Liz Story, Mark

Nauseef, Glen Vélez, Rob Wasserman o el grupo Shadowfax.

Desde mediados de la década de 1970 la ciudad de Nueva York estaba experimentando

una "nueva ola" de creatividad musical, tanto en el mundo del rock como en el mundo del

jazz y la música de vanguardia. La revolución neoyorquina nacía de diversas raíces, y la

cuestión racial era una de ellas: los músicos blancos lideraban el movimiento, y los

músicos negros habían sido apartados de facto tanto de la escena de la música rock como

de la clásica. El jazz se había cruzado anteriormente con otras músicas negras -el blues,

el funk, el soul...-, pero hasta entonces no lo había hecho con estilos como el rock o la

música clásica de vanguardia, tradicionalmente dominadas por músicos blancos. La

revolución neoyorquina cambió el orden de las cosas.

Entre los primeros músicos en catalizar toda esta serie de elementos estuvieron el

saxofonista John Zorn; el guitarrista Elliott Sharp, cuyas composiciones son un ejemplo de

síntesis de disonancia, repetición e improvisación; Eugene Chadbourne, que integraba

elementos del jazz de vanguardia con la música blanca de origen rural; el guitarrista Henry

Kaiser ; el violoncelista Tom Cora; el guitarrista irlandés Christy Doran; el baterista

judío Joey Baron; y otros muchos músicos de la misma generación.

La revolución neoyorquina se dejó sentir tanto en el tipo de material en el que los músicos

se estaban embarcando como en el tipo de técnicas que empleaban para improvisar,

recogiendo influencias de todo tipo y fusionándolas sin limitaciones conceptuales. Así, el

saxofonista Ned Rothenberg se estableció entre la primera línea de las nuevas

generaciones de improvisadores. Otros músicos, como el trombonista Jim Staley, o Tom

Varner, un virtuoso del corno francés, se situaron entre los más originales de su

generación. Mucho más conocido, el guitarrista Bill Frisell asimiló en su obra influencias

del jazz y del rock, pero también del folk, de la música de lasmarching bands o incluso de

la música eclesiástica. Solistas el violonchelista Hank Roberts, o Mike Shrieve (ex baterista

de Santana) pusieron también su capacidad integradora en primera línea.

La segunda mitad de la década de 1990 conoció un revival de la música para big bands,

una tendencia que se había originado en la década anterior, en la obra de músicos como

el bajista Saheb Sarbib o el cornetista Butch Morris. El teclista Wayne Horvitz desarrolló su

idea del "jazz progresivo de cámara", mientras que el veterano multinstrumentista Marty

Ehrlich recogía la influencia del jazz tradicional, la improvisación, la música ligera y la

música clásica de vanguardia, y la estadounidense María Schneider, alumna de Gil Evans,

resucitó el estilo de su maestro en diversos álbumes para orquesta.

Durante la década de 1990 la ciudad de Chicago se convirtió en un foco de creatividad

musical donde surgieron figuras de interés como la pianista Myra Melford, que había

debutado en 1984. El saxofonista Ken Vandermark ofreció Big Head Heddie en honor

a Thelonious Monk y al gurú del funk George Clinton, antes de embarcarse en una carrera

singular en la que experimentaría con distintos formatos y aproximaciones. El

violonchelista Fred Lonberg-Holm, pupilo de Anthony Braxton se unió a la nueva ola de

improvisadores creativos, mientras que el saxofonista/clarinetista Scott Rosenberg, otro

alumno de Braxton, expandió el vocabulario del jazz con una cierta anarquía polifónica, ya

en los albores del siglo XXI.

Antes de finalizar la última década del siglo XX, apareció en la escena de Nueva York una

nueva generación de jóvenes músicos que encontraron en la improvisación el elemento

clave de su música: la arpista Zeena Parkins, el flautista Robert Dick, el

trompetista Toshinori Kondo, o el guitarrista Alan Licht. Otros, como el pianista Uri Caine o

el trompetista Dave Douglas, exploraron la relación entre el hard bop, el free jazz y la

música clásica.

A finales del siglo XX el legado del free jazz era muy visible entre la comunidad negra de

músicos de jazz, particularmente en la escena de Nueva York, donde destacaban nombres

como el saxofonista David Ware, el irreverente trombonista Craig Harris, o el

pianista Matthew Shipp, quien coqueteaba con el hip hop. El clarinetista de formación

clásica Don Byron había hecho su aparición en la escena neoyorquina a principios de

la década de 1990, al igual que el saxofonista Roy Nathanson o el trombonista Curtis

Fowlkes, ambos ex-miembros de Jazz Passengers. Por último, el grupo B Sharp Jazz

Quartet insertó su obra entre el hard bop y elfree jazz.

Más allá de las fronteras de Nueva York, continuaban apareciendo en los últimos años del

siglo pasado una serie de artistas, que desarrollarían el grueso de su trabajo -en el que

reelaboraban los conceptos establecidos por generaciones de jazzistas anteriores de

múltiples y creativas maneras- ya en el nuevo siglo. Por ejemplo, el bajista Michael

Formanek había debutado en 1990, y el argentino Guillermo Gregorio o el canadiense Paul

Plimley, ya habían editado discos a mediados de la misma década. El yugoslavo Stevan

Tickmayer, por su parte, colideró The Science Group, un intento de fusionar la música de

cámara con la improvisada. Otros músicos destacados de esta primera generación del

nuevo siglo, son Greg Kelley, y el violinista canadiense Eyvind Kang, uno de los más

eclécticos músicos de su generación. También a comienzos de los años 2000, aparecieron

los discos de confirmación de músicos como el trombonista Josh Roseman, el

contrabajista Ben Allison, el saxofonista David Binney, o el pianista Jason Lindner, todos

ellos norteamericanos. Destacan también los trabajos del francés Erik Truffaz y del

trompetistaisraelí Avishai Cohen.

La revolución que había traído consigo la música electrónica ejerció también su influencia

en el desarrollo del jazz, que asistió al surgimiento de una nueva generación de

improvisadores, que venían de la tradición del free jazz pero que recogían la influencia de

la vanguardia clásica y de la electrónica: Ben Neill, el guitarrista y teclistaKevin Drumm, el

percusionista suizo Günter Müller, o Miya Masaoka, de origen japonés pero nacida

en Washington D.C.. Otros creadores, como Tyondai Braxton, o el

trompetista noruego Nils Petter Molvær, experimentaron con la manipulación

de loops orquestales y, caso también de Greg Headley, manipularon electrónicamente los

sonidos de sus instrumentos mientras que, por último, grupos como Triosk efectuaron

contribuciones importantes en la misma dirección.

En el campo del jazz rap, que ya se había desarrollado bastante en las últimas décadas

del siglo XX, y comienzos del XXI, se produce una gran cantidad de obras, por parte de

grupos y músicos provenientes del hip hop, como Kanye West, Crown City

Rockers, Nujabes, A Tribe Called Quest, Madlib, el dúo inglés The Herbaliser, o los

franceses Hocus Pocus, entre otros.

Música popular[editar]Artículo principal: Música popular

La música popular, en su sentido más amplio, se refiere a una serie de géneros

musicales que tienen un gran atractivo y que generalmente son distribuidos a grandes

audiencias a través de la industria de la música. Esto está en contraste tanto con la música

culta, como con la música tradicional, las cuales normalmente se difunden

académicamente o por vía oral, a audiencias locales, o más pequeñas.

La aplicación original del término fue adoptada en la década de 1880 en el período

conocido como Tin Pan Alley en los Estados Unidos.[cita requerida]