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Imagen temporada: Ildefonso Troya · Diseño y maquetación: CRITERIA DC

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Lugares privilegiados para el encuentro de creadores, productores y programadores, los teatros de la Consejería de Educación, Cultura y Deporte de la Junta de Andalucía ofrecen al público la posibilidad de descubrir las múltiples tendencias de la creación contemporánea en lo que se refiere a la danza, el teatro y la música.

Cada mes de octubre los numerosos seguidores de nuestras temporadas esperan inquietos y exigentes la oferta artística que les hemos preparado, oferta que llenará de contenido nuestros escenarios durante nueve meses. Los espectadores de nuestra Comunidad Autónoma analizan detenidamente nuestra oferta el día de su desvelamiento pero no son solo ellos quienes esperan febrilmente nuestra propuesta escénica, sino que profesionales y programadores de todo el Estado español así como de toda Europa navegan a través de nuestra temporada a la búsqueda de posibles descubrimientos artísticos que susciten su interés.

Acogiendo a los más destacados creadores escénicos del panorama andaluz, nacional e internacional nuestros teatros, sus programaciones se han proyectado más allá de las fronteras de nuestra Comunidad Autónoma y se han situado junto a los coliseos y festivales más avanzados en la primera división de la programación escénica a nivel nacional e internacional.

Nuestro empeño temporada tras temporada es ambicioso y no es otro que el del enriquecimiento de nuestra vida cultural, la dinamización de prácticas artísticas innovadoras y el desarrollo de nuevos públicos. Todo ello desde el convencimiento de que las artes renuevan nuestro entorno físico y social, estimulan nuestro espíritu y despiertan nuestras emociones. Nuestros teatros se convierten así en espacios que celebran la audacia, la libertad y la innovación, así como en lugares para el encuentro entre todos los apasionados del diálogo cultural.

La programación de espectáculos producidos por nuestras industrias culturales y presentados a nivel de igualdad –no podía ser de otra forma- junto a propuestas escénicas provenientes de otras comunidades autónomas así como de todo el mundo convierten a nuestros espacios en cajas de resonancia para el teatro, la danza y la música realizadas por nuestros creadores y creadoras. Uno de nuestros objetivos irrenunciables.

Nuestros teatros, por consiguiente, visualizan el compromiso que adquirimos en nuestro Pacto por la Cultura como valor identitario de Andalucía, como pueblo orgulloso de sus raíces y vanguardista en su talento, conviviendo con los recursos creativos procedentes de diversas culturas, tal y como requiere una sociedad abierta al mundo.

Con la oferta artística que proponemos esta temporada esperamos seguir contribuyendo al desarrollo de la cultura escénica en nuestra Comunidad. Es nuestro deseo.

Luciano AlonsoConsejero de Educación, Cultura y DeporteJunta de Andalucía

Los teatros de la Consejería de Educación, Cultura y Deporte de la Junta de Andalucía: espacios para el desarrollo individual y colectivo de nuestros ciudadanos

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La originalidad artística nunca podrácopiarse más que a sí mismaEnrique Vila-Matas Aire de Dylan

- ¿De qué trata su libro?- Trata de todo lo que está escrito en élDe una entrevista con Antonio Lobo Antunes

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En el teatro, el aburrimiento, como el diablo, puede surgir a cada momento. No hace falta casi nada para que salte sobre nosotros. ¡Nos acecha, es voraz!. Busca el momento para deslizarse de forma invisible en el interior de una acción, de un gesto, de una frase. En el teatro, en cuanto surge en mí el aburrimiento, una luz roja parpadea.Peter Brook

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Abrirse a la creación contemporánea y abrirse al mayor número de espectadores. La una sin el otro es un sin sentido. Ésta es la ecuación mágica que guió toda la trayectoria profesional de Jean Vilar fundador del Festival d’Avignon y esta misma ecuación es la que año tras año tratamos de resolver a la hora de dibujar ese cuadro lleno de puntos de fuga que deben converger en el marco de nuestro espacio para, a través de su contemplación activa, proyectarnos hacia ese paisaje lleno de posibilidades infinitas y en construcción permanente que es el signo diferenciador del espectáculo vivo.

De la misma manera que la recepción de un espectáculo requiere del espectador una reposada y generosa disposición de conciencia, nuestro delicado trabajo debe realizarse con una dedicación extrema y una cuidadosa atención al detalle que conjure la tentación de búsqueda de la modernidad “à tout prix”, ya que dicha modernidad no puede construirse más que a partir de la memoria.

Temporada tras temporada intentamos que los “sueños” (los vuestros y los nuestros) se conviertan en palabras y que nuestras palabras se conviertan en actos. Así pues, cuando alcanzamos dicho objetivo es porque hemos logrado superar una etapa más en el camino que desde hace años nos hemos trazado: el de compartir esas palabras y movimientos que comprometen tanto a aquellos que las pronuncian o los ejecutan como a los que los reciben y leen.

En definitiva, el arte, tanto para aquel que lo practica como para el que lo degusta, nos devuelve nuestra identidad como sujetos autorizados a imaginar un destino construido por y para nosotros.

Nuestra próxima temporada, por consiguiente, se sitúa nuevamente a contracorriente del tiempo en que se instala. A contracorriente de ese presente en el que una cosa no existe más que a partir del momento en el que queda demostrada su contribución inmediata al crecimiento económico. Un presente en el que también la cultura se esfuerza febrilmente en subirse al tren del beneficio “a corto plazo”.

Nada mejor, para ilustrar la anterior afirmación, que recuperar una cita del economista John Maynard Keynes citada por Guy Gypens, director del Kaaitheater (Bruselas): La misma regla autodestructiva, de cálculo financiero, rige cada momento de la vida. Destruimos la belleza del campo porque los esplendores de una naturaleza que no pertenece a nadie no tienen ningún valor económico. Somos capaces de apagar el sol y las estrellas porque no producen ningún dividendo.

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MEMORIA Y AVENTURA: LA UTOPÍA NECESARIADe la mano de artistas bien conocidos, cuya trayectoria seguimos desde hace años, y de otros que vienen a proponernos la aventura de su descubrimiento, hemos construido la oferta escénica de nuestra próxima temporada desde el convencimiento de que, junto a todos los que los seguís, alcanzaremos la utopía necesaria del arte sin fronteras y de consolidar nuestra apuesta por el sostenimiento de la Europa de los artistas.

Unos creadores a los que estamos felices de acompañar y poner a su servicio nuestros medios y nuestros equipos, ya que para nosotros es un privilegio atender a sus exigencias, a su diversidad y, en definitiva, a su arte.

Pero nuestra programación, su elaboración también ha tenido en cuenta que la curiosidad del público es incansable, se renueva, se diversifica y da testimonio de una fidelidad infatigable. Muchos venís más de diez veces y algunos os convertís casi en fanáticos (alguien decía que el único campo en el que el fanatismo se convierte en virtud es en el de las artes), decidís viajar del teatro a la danza y de ésta a la música y viceversa, para así comprobar por vosotros mismos el comportamiento de las artes hermanas, aportando vuestra mirada crítica a ese signo diferenciador de la última historia del espectáculo vivo que es la de la hibridación de lenguajes.

Tampoco hemos querido olvidarnos de otro de nuestros objetivos: el de la diversificación de los espectadores. Es nuestra preocupación permanente: la de ampliar nuestro público pero sin que este objetivo se convierta en una ambición comercial, sino en una exigencia para afianzar el futuro. Se trata de un deseo artístico.

En definitiva lo que pretendemos es compartir y dialogar desde la libertad entre espectadores entre sí, entre artistas y entre unos y otros.

Así pues, creadores andaluces, nacionales e internacionales con equipajes a la vez diferenciados y coincidentes, junto a los espectadores y nuestros equipos escribirán una página más de la historia del compromiso activo con las artes escénicas contemporáneas. Un compromiso que siempre tiene presente que la vida, la creatividad, existen porque siempre hubo concepciones diversas.

Decía Unamuno que el lector lee lo que espera leer y repele, borra o enmudece lo que no se conjuga con su melodía particular. Algo parecido ocurre con el espectador de un espectáculo y, sin embargo, parafraseando a Javier Marías, si los creadores renuncian a ser los amos de los mundos que inventan; si se pliegan de antemano a las preferencias de sus clientes y ya no los pueden sobresaltar no debe cabernos duda de que las propuestas artísticas que nos interesan y nos deslumbran, a los individuos como a las masas, tendrán los días contados.

Celebremos pues los felices sobresaltos a los que nos expondremos a lo largo de esta temporada.

Agencia Andaluza de Instituciones CulturalesManuel LlanesDirector Artístico de Espacios EscénicosConsejería de Educación, Cultura y Deporte. Junta de Andalucía

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POP-ROCK MANEL

LA PRIMERA BANDA QUE, TRAS SERRAT Y LLUÍS LLACH, LOGRA EL NÚMERO UNO EN ESPAÑA Y QUE LLEGA PARA INAUGURAR NUESTRA TEMPORADA A RITMO DE POP. UN CUARTETO QUE OBTUVO TODA CLASE DE PREMIOS CON SU SEGUNDO DISCO EN 2011.

El grupo pop Manel presenta Atletes, baixin de l’escenari (Warner-Discmedi, 2013). El tercer trabajo del cuarteto barcelonés, el disco de oro más fulgurante de la historia del pop cantado en catalán, no echa de menos los arreglos de viento y cuerda de sus predecesores y pivota del folk al pop, e incluso el rock, sin abdicar de sus rasgos diferenciales: canciones narrativas que detrás de su aparente cotidianidad esconden un universo perfectamente identificable. Unas veces irónicos (Un directiu em va acomiadar), otros inquietantes (Imagina’t un nen) y siempre emocionantes, Guillem Gisbert, Roger Padilla, Martí Maymó y Arnau Vallvé, presentan un repertorio tremendamente generoso en emoción que, más crudo, dinámico y eléctrico, revela su romanticismo.

Tras sorprender con Els millors professors europeus (2008), hicieron historia con 10 milles per veure una bona armadura (2011), el duodécimo álbum más vendido en España en 2011 con 60.000 copias y un carrusel de premios que, entre otros, incluye el Premio Ojo Crítico de Música Moderna (RNE) y más de 105 conciertos en menos de un año, Manel regresan con Atletes, baixin de l’escenari y suben a los escenarios para presentarlo en directo. Una gira que les ha llevado a citas imprescindibles del circuito estatal de festivales como Pirineos Sur, Veranos de la Villa, Santander Music, Cap Roig Festival, Festival de Peralada, Festival Internacional de Música de Cambrils y muchos otros...

Presentan su disco: Atletes, baixin de l’escenari

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NI DANIEL VERONESE, DIRECTOR DEL ESPECTÁCULO, NI CARMEN MACHI Y PERE ARQUILLUÉ, LOS DOS PROTAGONISTAS, TEMEN A VIRGINIA WOOLF. UN ESPECTÁCULO DE ALTA TENSIÓN. UNA FIESTA TEATRAL.

El merecido reconocimiento de Carmen Machi como “la gran dama” de la escena española y el que, una temporada tras otra, decida ofrecernos el regalo de su presencia sobre nuestro escenario, es un privilegio para Granada.

Pero en el caso de esta Virginia Woolf, no es solo ella quien nos dará una auténtica lección de interpretación, sino que todos los que la acompañan, empezando por Pere Arquillué, un actor superlativo de quien ya disfrutamos en las producciones del Teatre Lliure a las órdenes de Àlex Rigola -recordemos su interpretación de Ricardo III o su colaboración en 2666, aquel desmesurado espectáculo sobre la novela de Roberto Bolaño- y siguiendo por Mireia Aixalà y Ernest Villegas que consiguen que lo que veamos sobre el escenario sea un auténtico póker de ases. Si a todo esto le añadimos que han contado con la respetuosa dirección de Daniel Veronese -el argentino llevaba años deseando afrontar el reto de poner en escena la obra maestra de Albee- poco arriesgamos al afirmar que asistir a una de las representaciones de esta función, sea disfrutar de un auténtico banquete escénico.

¿Quién teme a Virginia Woolf?, la obra maestra de E. Albee, es el retrato de la sociedad americana del momento y el análisis de un mal nacional: el engaño a la pareja. Como dice Veronese “se trata de una compleja maquinaria sobre

De EDWARD ALBEE Dirección: DANIEL VERONESE Con CARMEN MACHI y PERE ARQUILLUÉ

¿Quién teme a Virginia Woolf?

TEATRE ROMEATEATRO

la vida humana en pareja, en compañía. Una máquina de coser hombres y mujeres.”

Marcos Ordóñez afirmaba en El País: “Machi y Arquillué parece que lleven toda la vida haciendo este texto. Estos dos se quieren, se siguen queriendo, a su salvaje manera. George y Marta, quiero decir. Tal vez porque Machi y Arquillué juegan en la misma liga, entienden, creo, el teatro del mismo modo. Son dos enormes bestias teatrales, que salen a comérselo todo, a manchar los manteles, y contagian su entrega y su entusiasmo… con una vitalidad alimentada de alcohol, de resentimiento, de violencia apasionada…

¡Qué pobre gente, qué dolor, qué infierno vivir ahí, vivir así!

Al final de la obra brota también una pregunta capital: ¿lo suyo tiene arreglo después de esa amputación, de ese exorcismo?”

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A su manera, a la manera de Enrique Moratalla, está pensado, cuidado y depurado este disco hasta el último detalle. La producción general es suya, así como, salvo alguna excepción, los temas que lo componen. Los arreglos y la dirección musical son de Michael Thomas. Y el resultado es un álbum de sonido limpio y elegante, a veces sugerente, otras lujoso y hasta espectacular, alternando ritmos más vivos, con momentos más suaves, arropada siempre la plasticidad de la voz de Enrique -cada día más pletórica, modulada y llena de matices- por unos músicos de primerísimo orden.

La base del disco es un cuarteto de cuerda con la presencia permanente de la guitarra. Los solos instrumentales (saxo, cello y los dúos trombón/trompeta y piano/flauta) juegan aquí con la voz en un diálogo emocionante. También, en momentos puntuales, le acompañan voces que subrayan la expresión y la potencian.

Sus canciones son un homenaje a la amistad y al recuerdo, pero además se alza en este álbum la canción del presente, de un presente vivo y también ensimismado, del que nos quiere hacer partícipes su autor de la mejor manera que sabe un artista, creando belleza.

ENRIQUE MORATALLA PRESENTA SU QUINTO DISCO, TRAS CORAZÓN TRANSEÚNTE (2000), FABIOLA 11 (2004), EL DIVÁN DEL TAMARIT (2007) Y SUITE PIAZZOLA, CON HORACIO FERRER Y VERSUS ENSEMBLE (2007). LA NUEVA OBRA DE MORATALLA, LLENA DE PRESENTE, ES AL MISMO TIEMPO UN ENTRAÑABLE HOMENAJE A ENRIQUE MORENTE, EL POETA PABLO DEL ÁGUILA Y SUS COMPAÑEROS DE VIAJE EN MANIFIESTO CANCIÓN DEL SUR, CARLOS CANO, ANTONIO MATA, ESTEBAN VALDIVIESO Y CARMELO SÁNCHEZ MUROS.

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Presentando su nuevo disco: La flor del frío

ENRIQUE MORATALLA en conciertoMÚSICA

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EL ESPEJO NEGRO/ÁNGEL CALVENTE TEATRO OCTUBRE

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EL DIRECTOR MALAGUEÑO ÁNGEL CALVENTE NOS HARÁ REIR A CARCAJADAS CON SU BRILLANTE VERSIÓN PARA MARIONETAS DE LA FRESCA Y ATREVIDA OBRA HISTÓRICA DE PEDRO MUÑOZ SECA.

De PEDRO MUÑOZ SECA Adaptación y dirección: ÁNGEL CALVENTE

La venganza de don Mendo

Tras el éxito que obtuvo con su espectáculo La vida de un piojo llamado Matías, que recibió el Premio MAX al mejor espectáculo infantil en 2009, el creador de la compañía El Espejo Negro repite la experiencia con una nueva adaptación del texto de otro autor. Esta vez se ha enfrentado a la obra más emblemática de Pedro Muñoz Seca, una comedia de ambientación histórica basada en los amoríos de Don Mendo el marqués de Cabra, quien, traicionado por su amada Magdalena del Jarama, irá en busca de venganza.

Esta adaptación ha supuesto todo un reto para el director andaluz, quien ha conseguido darle a la obra un toque muy personal gracias a la alta calidad técnica y artística de todo su equipo. Sobre el escenario actúan cinco actores manipuladores de carne y hueso compartiendo espacio escénico con sus antagonistas de goma-espuma.

Con esta obra, nos deja claro que “las marionetas son el vehículo perfecto para contar y representar todo tipo de historias.”

A esta peculiar historia de amor y traición repleta de personajes, el director ha añadido uno nuevo: un perro que habla en verso y narra a los espectadores las escenas que han sido cortadas. Otras escenas se han convertido en números musicales a cargo de Raphalindo que no tienen desperdicio y participan del buen humor que destila la obra. Las alusiones a la actualidad están perfectamente integradas y las rimas insólitas, los juegos de palabras, los arcaísmos y los anacronismos, hábilmente combinados, provocan en el espectador una carcajada casi continua. Un espectáculo de marionetas cargado de magia, humor y frescura.

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El nuevo proyecto de Da.Te Danza es una apuesta por el trabajo en equipo con grandes artistas que sumen al espectáculo su huella personal. Todos los colaboradores de Jardín en el aire, tienen una larga trayectoria en cada una de sus disciplinas y mantienen un esencial rasgo común: su decidido trabajo con la infancia y la danza.

Este espectáculo no sería igual sin las magistrales aportaciones de Margarita Sánchez (dramaturga), Eulalia Ayguade (coreógrafa), Yutaka Takei (creación de imagen), David Campodarve (músico) y Farah Hasanat (vestuario).

Existe una etapa en la vida de cada niño/a que está llena de inseguridades y dudas generadas por las distintas situaciones o condiciones en las que le toca vivir: la familia, el entorno, los factores económicos, la sociedad, la educación…. Cada niño afronta sus retos o problemas con las armas que ha podido desarrollar a lo largo de su corta vida y esto le condicionará para siempre. Cuáles son las tinieblas que nos impiden ver más allá, cómo podríamos

“EL VIENTO Y EL AGUA ME TRAJERON AQUÍ. LOS ÁRBOLES VIERON COMO SE ACERCABA EL MAR DESDE SU ORILLA PERO NO HICIERON NADA, SOLO RUIDO”.

Dirección: OMAR MEZA Espectáculo para 3 bailarines · Público familiar, a partir de 5 años

Jardín en el aire

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Su rigor en el trabajo y la sensibilidad de sus puestas en escena, han convertido a Da.Te Danza en una referencia indiscutible de calidad dentro y fuera de nuestras fronteras. Desde 1999 hasta la actualidad han realizado más de 1.500 funciones. Sus espectáculos han sido vistos en toda España y, además, en Rumanía, Italia, México, Francia, Portugal, Bélgica, Finlandia, Austria, Andorra, Serbia, Alemania, Rusia, Finlandia, Uruguay, Grecia y Turquía.

sufrir menos y ser como esa naturaleza de la que formamos parte que se adapta y reinventa sin crear traumas.

El desarrollo de esa etapa de la infancia con sus trabas y logros y la evolución ligada a la naturaleza como espejo en el que deberíamos mirarnos, es el punto de partida de este espectáculo. Crecer como crece el agua que sobrepasa sin dificultad los obstáculos del paisaje sería muy sencillo…

Tres personajes con rasgos muy identificativos y distintos se encuentran inmersos en un gran cambio en su forma de vida y su entorno. Hoy ya nada será como ayer, todo ha cambiado, la naturaleza se ha pronunciado y lo que era tu modo de vida ha desaparecido, ahora hay que sobrevivir, mejor será hacerlo juntos. Este será su nuevo Jardín y está en el aire.

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Hacía años que el director andaluz venía acariciando el proyecto de montar Madre Coraje, la obra más importante de Brecht, el dramaturgo alemán que tanto influenció la puesta en escena durante el siglo XX y uno de los textos teatrales más emblemáticos de la dramaturgia contemporánea.

Como bien dice Iniesta, Madre Coraje representa una metáfora de la sociedad en la que vivimos, embarcada en una desaforada carrera hacia el éxito, hacia el culto al mercado y a la propiedad; hacia el engaño y el sometimiento de los más débiles. Se trata de un texto que toma como referencia la guerra, pero no solo se pronuncia contra ella, sino contra la actitud del ser humano de apostar por un sistema de vida donde prime la ganancia, aún a costa de sacrificar la propia existencia y la de los seres más queridos. En la obra se pregunta al espectador por las opciones que tomaría en una situación de extrema crisis, como la que vivimos. Resulta, por tanto, de una tremenda actualidad, más aplicable a nuestro tiempo incluso, que a los días en que fue escrita. La pieza es la demostración palpable de la visión de futuro de la que hacía gala Bertolt Brecht.

No es la primera vez que ese equipo de investigación teatral que es Atalaya desde que se creara en 1983, se acerca al dramaturgo alemán, ya lo hizo cuando subió al escenario La ópera de tres centavos, un musical con el que recorrió la práctica totalidad de la geografía española y con el que obtuvo el Premio Canal Sur a mejor espectáculo andaluz de 2007. Ahora Ricardo Iniesta hace realidad su sueño. A buen seguro que será una excelente conmemoración para los 30 años de Atalaya.

De BERTOLT BRECHT Dirección: RICARDO INIESTA

CON MÁS DE TREINTA PREMIOS A SUS ESPALDAS, ENTRE ELLOS EL NACIONAL DE TEATRO, RICARDO INIESTA Y SU EQUIPO ESTABLE AFRONTAN UNO DE SUS SUEÑOS: LA PRODUCCIÓN DEL MÍTICO TEXTO DE BRECHT MADRE CORAJE.

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LA BAILAORA GRANADINA PATRICIA GUERRERO, FIGURA EMERGENTE DEL BAILE FLAMENCO, NOS PRESENTA LATIDOS DEL AGUA.

Latidos del agua

La joven artista (Granada, 1990) atesora ya una sólida trayectoria en el baile con premios como el Desplante 2007, del Festival del Cante de las Minas de La Unión, y El Giraldillo a la Artista Revelación, en la Bienal de Flamenco de Sevilla 2012, entre otros.

Latidos del agua es un compromiso. Es el reconocimiento de una deuda de gratitud contraída con Ángel Barrios, con Ángela Barrios, porque quizás, sin saberlo, hemos heredado un hermoso legado aún por descubrir.

Latidos del agua es también arrebatar al olvido los ecos del Polinario, un lugar de leyenda en la Alhambra, bañado por el agua de los reyes árabes y por el palpitar de sus fuentes siempre vivas que fluyen como una oración. Una isla oculta en aquella taberna anclada en el corazón del milagro nazarí, donde arribaban, venidos de todos los rincones del mundo, náufragos enfermos de arte: pintores, poetas, músicos, danzarinas, flamencos antiguos y nuevos... y el agua, como diapasón de su guitarra.

El Polinario fue también cuna para Ángel Barrios. Allí fraguó, en su crisol de pentagramas, mundos árabes, gitanos, goyescos, de zambras y lágrimas…, sutiles y frescos, como el agua.

El agua, siempre el agua.

Dijo allí la gran Karsavina: “Quiero tener entre mis manos el corazón de esta fuente para transportar sus latidos a mis danzas”.

Sea.Ismael Ramos

NOVIEMBRE 21 : 00 h22 23PATRICIA GUERREROFLAMENCO

Coreografía y baile: PATRICIA GUERRERO Dirección escenica: RUBÉN OLMO Decano del pulso y púa español: TRIO ALBÉNIZ Artista invitado: ARCÁNGEL

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En Entrez et sonnez, la compañía Slatscat nos presenta un espectáculo a la manera del “cabaret berlinés”. Una brillante mezcla de teatro gestual, música, circo y baile sirve para dar vida a un cuento moderno donde se mezclan fantasía y realidad.

Un tenor excéntrico y caprichoso viene a presentar su ópera prima acompañado de sus fieles músicos, sus compañeros en todas sus locuras, pero la inesperada aparición de un lejano primo del conejo de Alicia, cambiará el previsible rumbo de los acontecimientos. El concierto se transforma en una hermosa fábula donde amor, envidias, hambre y poder se mezclan para desembocar en lo que todos deseamos: un final feliz.

La compañía Slatscat nace en España en 2012, de la unión de cuatro músicos y un clown provenientes de Italia y Francia.

Afincada en Aix-en-Provence, desarrolla su personalísimo lenguaje en la comunicación entre la música y lo gestual. Utilizando el circo y la danza como preciados materiales con que matizar y colorear sus creaciones.

En sus espectáculos el público se convierte en parte integrante del proceso creativo. Hacen nacer sus creaciones y a sus personajes improvisando en la calle. Luego vendrá el trabajo de dramaturgia y ensayos para pulir ese material.

Saxofón, clarinete, piano, acordeón, contrabajo, tuba, guitarra son los instrumentos que construyen la brillante banda sonora sobre la que podremos disfrutar de un excelente trabajo de manipulación de objetos, baile y clown.

SLAT: ESTILO DE IMPROVISACIÓN TEATRAL. SCAT: ESTILO DE IMPROVISACIÓN MUSICAL.

Dirección: FACUNDO DIAB

Un proyecto de Artsène en colaboración con La Cita Cultural Francesa en Granada - La Maison de France y los servicios culturales de la Embajada de Francia

Entrez et sonnez (Entrad y llamad)

CÍA. SLATSCATTEATRO :21 00 h26NOVIEMBRE

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TEATRO

La trama comienza cuando Àlex y su mujer Carlota se enteran de que sus mejores amigos, Alicia y José Luis, aparentemente una pareja perfecta, han decidido separarse. No dan crédito a lo que oyen y les cuesta aceptar tal noticia. A partir de ese momento la pareja comenzará a cuestionar la solidez de su matrimonio.

Trasladar un guión cinematográfico a la escena no es tarea fácil, y en esta ocasión el Teatro de La Abadía ha convocado a Àlex Rigola para realizarla. Este director, que realizó parte de su importante trayectoria allí, y que también fue director artístico del Teatre Lliure de Barcelona durante ocho años, es actualmente director de la sección de artes escénicas de la Bienal de Venecia. Este año podremos ver cómo pasa de la tragedia -su último montaje fue un Shakespeare- a la comedia con total desenvoltura.

Siempre ha acertado con sus puestas en escena y esta vez no será una excepción. Rigola ha ideado un sencillo pero ingenioso dispositivo de sofás que concentra las escenas del filme en una sala de estar, sin cambios de espacio o transiciones, invitando a los espectadores a sentarse a su lado. Y es que el sofá es el lugar más propicio a las conversaciones de pareja y el espacio por excelencia para exponer este tipo de historia sobre las relaciones humanas.

Como dice el propio Rigola, “la mayoría de los cuentos terminan con que fueron felices y comieron perdices. Pero muy pocas historias te cuentan qué pasa cuando llevas más de diez años comiendo perdices.” Y esto es exactamente lo que nos propone esta extraordinaria comedia humana, en la que probablemente distingamos en algunos momentos nuestro propio reflejo.

ÀLEX RIGOLA LLEVA A LAS TABLAS LA PRIMERA ADAPTACIÓN DEL BRILLANTE GUIÓN DE WOODY ALLEN. EL PRESTIGIOSO DIRECTOR CATALÁN, QUE VENIMOS SIGUIENDO DESDE EL PRINCIPIO DE SU CARRERA, NOS OFRECE ESTA VEZ UNA COMEDIA EN TORNO A LA COMPLEJIDAD DE LAS RELACIONES DE PAREJA.

De WOODY ALLEN Dirección: ÀLEX RIGOLA Una producción del TEATRO DE LA ABADÍA

Maridos y mujeres

TEATRO DE LA ABADÍA hNOVIEMBRE : 00213029

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En 1948 Henry Miller publicaba La sonrisa al pie de la escala. La obra, con encargo al pintor Fernand Leger para ilustrarla con dibujos de tema circense, incluía la sentencia lírica “el clown es un poeta en acción”. La misma frase volvió a aparecer en el texto del clown y cineasta francés Pierre Etaix Il faut appeler un clown, un clown. En él describía, con mucha precisión y aún más amor, el oficio de clown. El texto se ha convertido en un clásico para la profesión.

Carta blanca, eje central del proyecto Artsène, es una performance multidisciplinar en torno a ese tema: “le poète en action”.

Los objetivos de la interesante propuesta son, ante todo, artísticos pero también informativos y pedagógicos. Fusiona literatura, música, pintura, artes escénicas y nuevas tecnologías. Homenajea la figura del clown dando a conocer su historia, enseñando sus procesos creativos y haciéndonos partícipes de la sistemática de sus ensayos; convirtiéndose en una fórmula perfecta de divulgación de un oficio bastante desconocido para el gran público.

El proyecto pretende, además, una materialización de los logros surgidos de la unión de esta pequeña fuerza multinacional creativa en forma de nuevas partituras, pinturas y textos.

La propuesta de la Cita Cultural Francesa en Granada ha conseguido reunir para este proyecto a creadores tan conocidos en nuestra ciudad como Rosa Díaz y El Niño de las Pinturas con artistas procedentes de Francia e Italia: el dramaturgo y clown Anthony Mathieu; la escritora Simonetta Greggio; el clown Vincent Moliens; el actor, bailarín y contrabajo Simone Venditti; los músicos Cristina Santini y Anne Marie Tilliery y la diseñadora de iluminación Katia Moretti.

¡Disfrútenlo!

EL POETA EN ACCIÓN ES EL REVERENCIAL HOMENAJE DE UNA ESCRITORA, UN PINTOR, DOS CLOWNS, DOS MÚSICOS, UN ACTOR-MÚSICO, UNA DIRECTORA DE ESCENA, UNA DISEÑADORA DE LUCES Y UN PERRO ADIESTRADO A LA FIGURA DEL CLOWN.

Con la colaboración de El Niño de las Pinturas Dirección: ROSA DÍAZ En colaboración con La Cita Cultural Francesa en Granada - La Maison de France y los servicios culturales de la Embajada de Francia · ESTRENO ABSOLUTO

Le poète en action (El poeta en acción)

ARTSÈNE.

Laboratoire Artistique Itinerant

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Sergi Pompermayer, autor de Oddi (Top Model, Canguelis, Refugiats, Zowie…) cuenta con una dilatada carrera como guionista televisivo, especialmente para las producciones de El Terrat. También es profesor de guión en la Universidad Autónoma de Barcelona.

Paco Montes, el director, ha trabajado, entre otras muchas producciones, como ayudante de dirección de Magüi Mira en El perro del hortelano, de Lope de Vega, con Esteve Riambau en Su seguro servidor, Orson Welles; y con José María Pou en La Cabra o ¿Quién es Sylvia?, de Edward Albee.

El montaje cuenta con actores tan reconocidos como Víctor Clavijo, Manolo Solo y Olga Rodríguez.

Oddi es un autor de teatro en horas bajas. Muy bajas. De hecho, hace mucho que no estrena nada. Harto de intentarlo y no conseguirlo, decide dar un vuelco radical a su vida y renunciar a la escritura, regentando un ultramarinos a medias con un pakistaní.

Oddi recibe la visita de Garfil, un asesino a sueldo que ha contratado para que haga lo que él no se atreve a hacer: suicidarse. Y de paso, castigar al mundo con la desaparición de un talento tan grande como el suyo.

Oddi y Garfil se encuentran en pleno proceso de decidir la mejor forma de acabar con su vida cuando de repente aparece Ginebra, actriz y ex de Oddi. Su presencia va a provocar un cambio de ciento ochenta grados en la estrategia de Oddi.

ODDI ES UNA COMEDIA NEGRA SOBRE LA NEGRA ACTUALIDAD (DEL TEATRO ESPAÑOL).

EL CEREBRO LE HIZO UN CLIC Y SE VOLVIÓ GRIS, SIN ILUSIÓN.

Autor: SERGI POMPERMAYER Director: PACO MONTES Coproduce: Agencia Andaluza de Instituciones Culturales.

Consejería de Educación, Cultura y Deporte. Junta de Andalucía

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Wilhelm Furtwängler (Berlín, 1886 - Baden Baden, 1954) fue un gran director de orquesta y compositor alemán. Sus versiones de Beethoven, Wagner, Bruckner o Richard Strauss son más que interpretaciones, son verdaderas creaciones. La historia de la música le ha concedido un lugar privilegiado como maestro indiscutible del repertorio romántico germano.

Finalizada la Segunda Guerra Mundial fue acusado de colaboracionismo con el régimen hitleriano y sometido a un proceso de desnazificación durante el cual fueron prohibidas sus actuaciones.

¿ES POSIBLE AISLAR AL ARTE DE LA POLÍTICA? ¿EL ARTISTA ESTÁ POR ENCIMA DE LOS ACONTECERES POLÍTICOS? ¿SE PUEDE HACER UN ARTE APOLÍTICO? SOBRE LOS HUMEANTES RESCOLDOS DE UNA CIUDAD DESTRUIDA SE VUELVE A PLANTEAR EL DEBATE.

De RONALD HARWOOD Dirección: PEDRO ÁLVAREZ-OSSORIO

Taking sides/Tomar partido

FUNDICIÓN PRODUCCIONES & FOCUSTEATRO DICIEMBRE 21 : 00 h1413

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En 1995 Ronald Harwood (Ciudad del Cabo, 1934) estrena, bajo la dirección de Harold Pinter, Taking sides. Harwood es mundialmente conocido por, entre otros, el magnífico guión de la película El pianista, de Roman Polanski.

Dirigido por Pedro Álvarez-Ossorio, un excelente equipo de actores, encabezado por Antonio Dechent y Roberto Quintana, pone cuerpo a

la poderosa escritura del autor sudafricano para sumergirnos en la tensión de los prolegómenos y averiguaciones preparatorias del juicio que va a llevar a cabo la Comisión Antinazi para los Artistas. El espectador, situado en la misma posición que los personajes de este drama histórico, se ve sumido en un juicio donde es parte y testigo: ¿qué debería haber hecho Fürtwangler? ¿Debió quedarse en Alemania, como hizo, o simplemente debió huir para no colaborar con aquel régimen?

“… ¿Acaso Thomas Mann realmente cree que en la Alemania de Himmler a uno no le debería ser permitido tocar a Beethoven? Quizás no lo haya notado, pero la gente lo necesitaba más que nunca; jamás antes nadie había anhelado tanto escuchar a Beethoven y su mensaje de libertad y amor humano como (precisamente) estos alemanes, que vivieron bajo el terror de Himmler. No me pesa haberme quedado con ellos”. Wilhelm Furtwängler

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¿Cabe un circo dentro de un armario? ¡Pues igual que cabe la alegría o el miedo en el corazón de cada persona!

¿Son las cadenas tan fuertes como para atrapar un montón de miradas? ¡Nunca si miran en la misma dirección! ¡Estimado público! ¡Grandes y pequeños! ¡Gallinas y patos! ¡Mirad todo lo que sale de este armario! ¡El elefante encadenado, el cabaret de las gallinas ponedoras, la sirena enamorada…! Todos juntos contra la tiranía de Baldo, el director. ¡Este pequeño circo abre sus puertas para mostrar la fragilidad, el humor, la exclusión, lo diferente…!

¡Abre tu corazón, sal de tu armario, suelta tu risa y tus lágrimas!

EL TEATRO ALHAMBRA TRAE, DENTRO DE SU PROGRAMACIÓN DE NAVIDAD, LA ÚLTIMA CREACIÓN DE LA COMPAÑÍA TITIRITRÁN.

Dirección: MARUJA GUTIÉRREZ y PEDRO LÓPEZ

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TITIRITRÁNTEATRO CON TÍTERES PARA PÚBLICO INFANTIL

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Alfredo Sanzol y T de Teatre, el tándem que hizo posible el gran éxito Delicadas, vuelve a unirse para presentarnos Aventura!, la historia de seis socios que reciben una oferta de compra por una empresa china y que, en lugar de vender su empresa, acaban vendiendo a uno de sus socios.

Como dice Andrés Trapiello “(…) en el arte la realidad es siempre realidad más otra cosa, sueños, alma, deseos, emoción, en fin, alguna cosa que le da una profundidad de campo que la realidad por si misma no tiene”. Estos son los ingredientes del montaje, que se presenta en el Teatro Alhambra.

CON SANZOL DISFRUTAMOS, NOS DIVERTIMOS Y NOS HACE REFLEXIONAR. LO CONFIRMAN SUS OBRAS EN LA LUNA Y DELICADAS. AHORA ALFREDO SANZOL NOS DEMUESTRA QUE SU RELECTURA DE LA COMEDIA NO TIENE LÍMITES.

Autor y Director: ALFREDO SANZOL

Aventura!

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COMO PREMISA, MALAJE SÓLO PROCURA PLANTEAR UN TIPO DE HUMOR MUY SENCILLO. INTENTAN DESNUDAR AL MÁXIMO LA ESENCIA DEL CONCEPTO QUE QUIEREN CONTAR, RENUNCIAN A GRANDES RECURSOS ESCÉNICOS PARA QUEDARSE CON LO MÁS PRIMITIVO DEL TEATRO: UN DISFRAZ SENCILLO Y CHOCANTE, EL GESTO, LA ONOMATOPEYA Y ALGUNOS OBJETOS SIMPLES EN LOS QUE APOYARSE.

Guión: JOSÉ ANTONIO AGUILAR y CÍA. MALAJE SÓLO Dirección: CÍA. MALAJE SÓLO

¿Cuándo se come aquí? 101

CÍA. MALAJE SÓLO TEATRO ENERO 21 : 00 h17 18

Seguro que más de una vez usted se ha preguntado: ¿croan los hombres rana?, ¿qué piensa el papel higiénico justo antes de dejar de serlo?, ¿es de recibo que un queso fresco te insulte?, ¿cómo se endereza una película doblada?, ¿tiene futuro una fábrica de champú graso en el Mar Caspio?, ¿están alcoholizados los peces que habitan el río Tinto?, ¿por qué la radio viaja siempre a través de ondas y nunca mediante Yamajas o Kawasakis?, ¿siendo el pecho tan vulnerable como la espalda, por qué existen los guardaespaldas y no los guardapechos?, ¿son racistas los inspectores de hacienda por perseguir el dinero negro?, ¿por qué Drácula veranea siempre en el Mar Rojo?, ¿un tonto delante de un libro es un simple pretexto?, ¿llora el atún encebollado?, ¿visten trajes de neopreno los obreros que trabajan en la economía sumergida?, ¿sangran las calles cortadas?... Lo sentimos, en nuestro espectáculo no encontrará las respuestas. Aún está a tiempo de marcharse…

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Una mujer vive en un muelle oxidado alejado de la ciudad. Pesca todo lo que la gente abandona. Un día se engancha en sus redes algo nunca visto: una niña dentro de una botella.

Asustada, la rechaza impulsivamente, tirándola de nuevo al mar: tiene miedo, no quiere verla; porque se siente reflejada, en esa botella, como en un espejo. Sus pensamientos viajan en el tiempo del recuerdo.

Decide salir a buscarla, pero ya es tarde: el mar ha arrastrado la botella. Aún así, continúa con la esperanza de encontrar a la niña e inicia una búsqueda, tal vez, hacia la niña que lleva dentro.

Primero en un barquito de papel…

Más tarde, en las profundidades del mar.

LA NUEVA PROPUESTA DE LA ROUS CULMINA LA TRILOGÍA MÁGICA INICIADA CON EL ABUELO Y EL REFUGIO. CON UNA NIÑA LLEGA AL TEATRO ALHAMBRA UNA DE LAS MÁS IMPORTANTES CREADORAS DEL PANORAMA TEATRAL ACTUAL. ROSA DÍAZ, PREMIO NACIONAL DE TEATRO PARA LA INFANCIA Y LA JUVENTUD, PERTENECE AL ESCOGIDO GRUPO DE ARTISTAS CUYA TRAYECTORIA, COHERENTE Y PROFUNDA, CONVIERTE EN IMPRESCINDIBLES.

Espectáculo sin palabras de ROSA DÍAZ a partir del cuento Una niña de Grassa Toro Dirección artística: ROSA DÍAZ Dirección actoral: FANNY GIRAUD

Producción: Cía. La Rous y Agencia Andaluza de Instituciones Culturales Espectáculo para todos los públicos

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Aquí sobra uno es la historia de tres artistas y un técnico que se disponen a presentar un espectáculo de acrobacia ensayado durante largo tiempo. ¡Todo debe salir perfecto! Pero pronto descubriremos que no todo es como parece… La tensión propia del espectáculo no puede evitar que se desvele la verdad de la relación que mantienen entre ellos. Los celos, la pasión, el amor son sentimientos difícilmente enmascarables. La conclusión, inevitable: Aquí sobra uno.

La creación de la Compañía Tresperté se produce en la escuela de circo y teatro CAU de Granada donde Claudia Ortiz, Paco Caravaca y Carmine Piccolo se conocen y deciden trabajar juntos, formando un trío de portes acrobáticos.

En 2011 crean su primer espectáculo Aquí sobra uno girando con él por festivales, muestras y, sobre todo, en la

calle. Ese mismo año consiguen el primer premio en el festival Tafalla va de calle (Navarra) en la modalidad de grupo y el cuarto premio en el Certamen de Jóvenes Artistas de Calle de Mollina.

En 2012, se incorpora a la compañía Luis Ayuso, haciendo labores de técnico y actor.

Tras finalizar su formación en la escuela de circo y teatro CAU, en 2012, debutan en el festival Circada (Sevilla) y realizan una gira por Italia participando en festivales tan prestigiosos como Sarnico Buskers Festival (Sarnico), Sul Filo Del Circo (Torino) o el Festival Lunática (Nole) donde obtienen el galardón Gianni Damiano.

LA COMPAÑÍA TRESPERTÉ PRESENTA EN EL TEATRO ALHAMBRA UNA PROPUESTA LLENA DE TERNURA Y HUMOR. CIRCO Y TEATRO EN UN ESPECTÁCULO QUE NO DEJARÁ INDIFERENTES NI A GRANDES NI A PEQUEÑOS.

Dirección: ANTONIO JESÚS GÓMEZ Para todos los públicos

Aquí sobra uno

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21 : 00 h31 1ENERO FEBREROEL PUNTO! DANZA TEATRO/FERNANDO LIMADANZA

LLEGA AL ALHAMBRA EL COREÓGRAFO Y BAILARÍN BRASILEÑO AFINCADO EN SEVILLA, PARA INSTALAR SOBRE EL ESCENARIO SU ATRACTIVO UNIVERSO PLÁSTICO, SONORO Y, SOBRE TODO, FÍSICO. SEÑAS DE IDENTIDAD DE SU PERSONALÍSIMA TRAYECTORIA.

Concepto, dirección y coreografía: FERNANDO LIMA Espectáculo para 3 intérpretes

Reconstrucción

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Fernando Lima crea El Punto! Danza Teatro en Sevilla en 1997 y desde entonces hasta ahora ha dado continuidad al trabajo que, como coreógrafo, actor y gestor cultural viene desarrollando en España desde 1992.

Su trabajo hace gala de un lenguaje personal que nace de la necesidad de mezclar distintas disciplinas artísticas o como él dice “de crear partituras coreográficas con nuestra propia cotidianidad como telón de fondo para las discusiones y reflexiones que planteamos, pues lo que sugerimos no es más que la confrontación con una parte de nosotros mismos.”

Si en su anterior trabajo como creador e intérprete, En construcción, dentro de la voz, Fernando Lima ponía al individuo en relación con un espacio físico y sonoro en construcción, ahora son los propios cuerpos de los protagonistas los que intenta deconstruir para reconstruirlos de nuevo, no ya como individuos, sino como un cuerpo único al que los tres intérpretes aportan todo su bagaje y una energía muy diferente que viene definida, entre otras cosas, por la formación artística y la edad de cada uno de ellos.

Como dice Rosalía Gómez hay en Reconstrucción un fino trabajo con las emociones, con lo que siente cada uno hoy, ahora, en su interior y en su relación con el exterior, con los demás y con los elementos de ese universo plástico y sonoro que lo envuelve. Todo ello sin olvidar uno de los elementos básicos del trabajo de Lima: su investigación del espacio escénico a través de las instalaciones así como del universo sonoro.

Reconstrucción nos sitúa ante un viaje sensorial que podemos disfrutar desde el ángulo que nos parezca: bien acompañando y completando el mapa con nuestro propio bagaje, bien asistiendo al espectáculo como meros espectadores. De cualquier manera, siempre tendremos ante nosotros la precisión y la fluidez de unos cuerpos que juegan con los límites, ajenos casi siempre a su propia y humana belleza.

La compañía Vaivén Circo-Teatro es una compañía creada en 2008 cuando Raquel Pretel Ferrándiz y Miguel Moreno (Bolo) deciden unirse y empezar a compartir conocimientos en mundos tan paralelos y a la vez tan distanciados como el circo y la danza. Ese año se estrena el que es su primer espectáculo, La felicidad en un dos por dos que hasta la fecha ha sido representada en más de 100 ocasiones y con el que actualmente siguen girando.

En 2009 se incorporan a la formación dos acróbatas, Chema Martín Herrera y Emilio López Arquillo. Se empieza a trabajar en el segundo montaje de la compañía, Cayuco, en el que además participa Iván Monje, como compositor y músico y Marta Sitjà como ayudante de dirección, clown y también en la música en directo. Cayuco se estrena en diciembre de 2009 en el Teatro Alhambra de Granada recibiendo una buena acogida tanto por parte de crítica como de público.

VAIVÉN DA UN PASO MÁS EN SU COMPROMISO CON EL CIRCO Y EL MOVIMIENTO Y CREA UN ESPECTÁCULO EN EL QUE CONFLUYEN LAS ARTES ESCÉNICAS Y QUE CUENTA ADEMÁS CON LA VETERANÍA Y EL TALENTO DE ROSA DÍAZ EN LA DIRECCIÓN.

Dirección: ROSA DÍAZ

Do Not Disturb (No molestar)

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A lo largo de 2010 y 2011 los cuatro miembros de la compañía deciden dar un salto y continúan con su formación y compromiso con el circo y el movimiento, entrenando en la escuela de circo Le Lido en Toulouse, un referente en la investigación circense. De aquí surge la idea y necesidad de crear el que será su tercer espectáculo Do Not Disturb. Espectáculo que nace de la investigación del movimiento de los miembros de la compañía y que, además, cuenta con la dirección de Rosa

Díaz, encargada de dotarlo de pequeños y emotivos momentos para compartir entre público y acróbatas.

La medición de la molestia es muy subjetiva. Lo que a unos les molesta a otros les puede resultar la sensación más agradable del mundo.

Este espectáculo habla de emociones, de cómo nos enfrentamos a las pequeñas vicisitudes que día a día van pasando por delante nuestra,

incluso cómo lo que siempre nos ha molestado muchísimo un día cualquiera puede volverse y convertirse en algo maravilloso.

Do Not Disturb es un espectáculo de circo contemporáneo donde todas las artes escénicas fluyen como una sola. Es un espectáculo que nace de la investigación del movimiento, solo, en grupo y con objetos. Emociones expresadas a través del movimiento, del gesto y por supuesto de la técnica acrobática.

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FEBREROCOMPAÑÍA BARCO PIRATATEATRO

LA COMPAÑÍA BARCO PIRATA DESEMBARCA EN UNA NUEVA ISLA, LLENA DE MAGIA E IMAGINACIÓN, DE LA MANO DE SERGIO-PERIS MENCHETA, CUYA CARRERA COMO DIRECTOR ESTÁ CONOCIENDO UN GRAN ÉXITO DESDE QUE EL TEATRO ESPAÑOL (MADRID) LANZÓ SU INCREMENTUM. ESTA VEZ NOS OFRECE UNA VERSIÓN JUVENIL Y ENTRETENIDISIMA DE LA ÚLTIMA OBRA DE SHAKESPEARE.

Adaptación de la obra La tempestad de WILLIAM SHAKESPEARE Dirección y adaptación: SERGIO PERIS-MENCHETA

Tempestad

La tempestad de Shakespeare es difícil de identificar en un género concreto: mezcla de tragedia, comedia y romance, contiene un poco de cada una de las obras del gran dramaturgo inglés. Se trata de un espléndido tratado sobre los recovecos de la búsqueda del poder, en el que todos los personajes, de manera más o menos evidente, se relacionan con él. Cada uno de ellos intentará apoderarse de lo que más desea: la isla desierta en la que han naufragado, la corona perdida, el reino de Nápoles.

Amor, poder, esclavitud y perdón, son los ingredientes básicos de esta historia que transcurre en un escenario poblado de duendes, hadas y actores de gran talento.

Después de un Incrementum lleno de mujeres, Sergio Peris-Mencheta nos trae una Tempestad llena de hombres, a la moda del teatro isabelino… 7 actores-músicos dan vida

a más de 20 personajes de la obra de Shakespeare, en una adaptación juguetona, llena de música y humor. Éste es un espectáculo para los sentidos, en que el público desde su entrada se siente parte de la isla, pisa su tierra, siente la brisa marina en el rostro, saborea sus exóticas bayas y se envuelve

de la música que surge de las entrañas de la tierra. En este montaje moderno y original, en el que vemos el proceso teatral en escena, las premisas son la imaginación y el juego.

¿Y cómo se juega a Shakespeare? Como nos cuenta el director, gran aficionado a los juegos de mesa, “con su obra se puede hacer casi lo que uno quiera. Te permite hablar de la vida en presente, del amor, la traición, el egoísmo, el miedo.” Los personajes se desenvuelven en una ficción que tan pronto parece realidad como de nuevo se convierte en un cuento que habla de la “VIDA” con mayúsculas. Este sueño puesto en escena nos muestra el “teatro dentro del teatro”. Una delicia para los sentidos y para toda la familia.

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PRODUCTORMARRUGEKU/DALISA PIGRAMDANZA 21 : 00 h13FEBRERO

KOEN AUGUSTIJNEN

Koen Augustijnen es bien conocido por nosotros, sin embargo pocas noticias teníamos de Marrugeku, la compañía australiana con la que se ha asociado el coreógrafo y bailarín belga para realizar su nueva pieza.

Marrugeku es un innovador e intercultural teatro de danza basado en la experiencia del noroeste australiano, lugar donde se encuentran el desierto y el mar, el blanco y el negro, Australia y Asia, donde las culturas se entrelazan, fusionan y se transforman.

La compañía estuvo asentada en el territorio de Arnhem entre 1996 y 2002, y desde el 2003 se encuentra en Broome, lugar donde se dedican a crear nuevas formas de contar historias, explorando la comunidad indígena y plurirracial de Broome, su historia y su contexto político y social actual, siempre teniendo en cuenta los avances internacionales en materia de espectáculos y la cultura popular mundial. Entre sus trabajos se encuentran Mimi (1996), Crying Baby (2001), Burning Daylight

(2009) y Buru (2011). Estos espectáculos han girado por Filipinas, Países Bajos, Bélgica, Irlanda, Alemania, Suiza, Brasil, Canadá y Estados Unidos.

La pieza, aunque sea un solo, es un gran espectáculo en el que Pigram, acompañada por un vídeo proyectado en una pared de chapa ondulada y una larga red de pesca colgada del techo, consigue llenar el espacio con su intensa presencia durante 60 minutos. gudirr gudirr (estas palabras suenan como una advertencia) es un comentario sobre la vida en una Australia multirracial, contada a través de la experiencia de una bailarina que tiene un padre malayo y una madre indígena y que vive y trabaja en el noroeste del país. De vez en cuando, el vídeo nos muestra la zona en la que se sitúa la acción con imágenes a la vez tranquilizadoras e inquietantes del lugar y de su gente.

EL FELIZ ENCUENTRO DE LA COMPAÑÍA AUSTRALIANA MARRUGEKU Y EL COREÓGRAFO BELGA KOEN AUGUSTIJNEN DA COMO RESULTADO UN GRAN SOLO DANCÍSTICO DE LA BAILARINA DE ASCENDENCIA ABORIGEN-MALAYO-FILIPINA: DALISA PIGRAM. UN ESPECTÁCULO QUE NOS ADVIERTE SOBRE LA FRAGILIDAD DE LA CULTURA Y NOS HACE RECORDAR QUE LA SUPERVIVENCIA ES UNA NEGOCIACIÓN PERMANENTE.

Concepto, bailarina y co-coreógrafa: DALISA PIGRAM Director y co-coreógrafo: KOEN AUGUSTIJNEN Espectáculo para una intérpreteESTRENO EN ESPAÑA en complicidad con el Teatro Central de Sevilla En colaboración con la Representación del Gobierno de Flandes. Embajada de Bélgica

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A lo largo de treinta años de colaboraciones de todo tipo y fruto del interés por traspasar las fronteras de sus respectivas disciplinas, MN&M han inventado un lenguaje escénico que es la marca de la casa y que participa de varios géneros: teatro-musical, cabaret político, hip hop… Conscientes de la dificultad de explicar con palabras un estilo tan híbrido e inclasificable, optaron por

ponerse ellos mismos la etiqueta y así surgieron géneros como el rap-teatro o la literatura de baile.

Al hablar de Ultramarinos estos auténticos forajidos de la escena andaluza nos dicen: “Hace ya más de cuatro décadas que se libra en nuestras calles una desigual batalla entre el pequeño y el gran comercio. A la manera de los sitios medievales, las grandes superficies instaladas en

las afueras acosan y persiguen sin piedad a los pequeños comerciantes hasta machacarlos en sus últimos feudos: los barrios populares. Con ellos desaparecen las maneras artesanales y la dimensión humana dando paso a la industrialización impersonal y la deslocalización generalizada. Los componentes de Mansilla, Navarro & Mora somos por edad (1956, 64 y 75, respectivamente) testigos consecutivos de este proceso

y de la actual apoteosis final: el triunfo de la globalización con el consiguiente desplome de los diques que mantenían en precario equilibrio nuestros ecosistemas social y natural. Ultramarinos, es un espectáculo con vocación de dar eco a las voces y a los personajes que escuchamos en espacios como tabernas, plazuelas, barberías… campos de batalla donde aún se pelea por la guerra mundial de la identidad.”

¿TEATRO-MUSICAL?, ¿CABARET POLÍTICO?, ¿HIP HOP?, ¿SPOKEN WORD? DE TODO HAY EN LA NUEVA PROPUESTA DE LOS INCLASIFICABLES MANSILLA, NAVARRO & MORA.

Texto: FERNANDO MANSILLA Dirección: MANSILLA, NAVARRO Y MORA

Ultramarinos

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Pelear por la porción de pienso, hozar con los instintos en el fango, acostumbrarse al hedor, olvidados del día de San Martín, hasta que llega el golpe certero del matarife. Pero he aquí que la muerte se adelanta al estéril sacrificio. Una epidemia hace que en las pocilgas, las hembras devoren a sus fetos y que los cerdos jóvenes asfixien a los cerdos más viejos o enfermos.

Unas hipótesis veterinarias apuntan al engorde rápido, al exceso de pienso; otras, al mal reparto de éste. Las teorías enfrentan pero no frenan el índice de mortandad en las pocilgas.

LA COMPAÑÍA TEATRAL ANDALUZA CON MÁS PROYECCIÓN INTERNACIONAL, LA ZARANDA. TEATRO INESTABLE DE ANDALUCÍA LA BAJA, NOS PRESENTA SU ÚLTIMO PROYECTO: EL RÉGIMEN DEL PIENSO.

Texto: EUSEBIO CALONGE Dirección: PACO DE LA ZARANDA

El régimen del pienso

LA ZARANDA. TEATRO INESTABLE DE ANDALUCÍA LA BAJATEATRO hFEBRERO 21 22 21 : 00

Los trabajadores de la industria porcina se ven afectados. Con la bajada de ventas, comienzan las bajas de personal, y con ellas la desesperación y la desconfianza entre los empleados.

La lucha por el puesto, con el único horizonte de un horario rutinario y vacío, sin más esperanza que la de una muerte indolora, hace que las vidas del cerdo y el hombre se crucen, se confundan.

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El flamenco como sustrato de una historia que cuenta con un presentador, quizás salido de la Cataluña profunda, un bailaor desgarbado, un cantaor de la Bahía, el son de la guitarra, el taconeo, el cante, el compás...

En la función, presentada con gran éxito en la última Feria de Teatro en el Sur de Palma del Río (Córdoba), los personajes expondrán sus conflictos, sus relaciones, amores y amoríos. Todo terminará con la rifa de un jamón para poder continuar su gira...

Y, también, sus vidas.

Patrimonio es la divertida propuesta con la que las huestes de Juan Dolores Caballero presentan las aventuras y desventuras de una compañía en gira.

Hace ya 21 años que esta rara avis del teatro en Andalucía creó un estilo propio, reconocible y reconocido. Absolutamente personal. Un lenguaje que apuesta por el desequilibrio, el exceso y lo inacabado.

En esta ocasión, sin embargo, llega al Teatro Alhambra con un espectáculo en formato de teatro-musical cuya finalidad no es otra que divertir.

ESTA VEZ EL CANTE Y EL BAILE SON EL FOCO DE LA AFILADA MIRADA DE TEATRO DEL VELADOR QUE VUELVE A DESAFIAR LOS CÁNONES CLÁSICOS DE ARMONÍA Y EQUILIBRIO.

Dirección y creación: JUAN DOLORES CABALLERO

Patrimonio. Espectáculo flamenco

TEATRO DEL VELADOR TEATRO 21128 MARZO FEBRERO

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PRODUCIDA ORIGINALMENTE EN 1987, ESTE WHAT THE BODY DOES NOT REMEMBER, LA PRIMERA COREOGRAFÍA DE VANDEKEYBUS, SIGUE SIENDO IGUAL DE FUERTE, BRUTAL, IRÓNICA Y ESPECTACULAR QUE EN SU INICIO.

Director, coreógrafo y creador: WIM VANDEKEYBUS Espectáculo para 8 bailarinesEn colaboración con la Representación del Gobierno de Flandes. Embajada de Bélgica

What the Body Does Not Remember

ULTIMA VEZ/WIM VANDEKEYBUSDANZA

Son muchos los momentos inolvidables que hemos vivido de la mano de este coreógrafo referencial de la danza contemporánea. Sin embargo, algo faltaba para completar el retrato del personalísimo intérprete, coreógrafo y cineasta y no era poca cosa, ya que Wim vuelve una y otra vez sobre la producción que le vio nacer y con la que se presentó en Europa y Estados Unidos, donde obtuvo el prestigioso Bessie Awards, en un lejano 1987.

Lo cierto es que What the Body Does Not Remember ya contenía todas las coordenadas del paisaje dancístico que, una vez tras otra, iba a dibujar nuestro creador.

21 : 00 h5MARZO

En efecto, la primera coreografía de Vandekeybus se sitúa en el filo de la atracción y la repulsión. Esto es el resultado de una confrontación entre dos bailarines o entre dos grupos, entre los bailarines y la música o entre los bailarines y un imperioso conjunto de líneas. Y en mitad de todo esto, hay una explosión de agresión, miedo y peligro. Es la historia de la danza hecha espectáculo e incluso hoy en día no te la puedes perder.

Será una ocasión única para certificar lo que decía el Haarlem Dagblad tras su estreno en el 87: “El espectáculo es impactante, y eso se debe mucho a los bailarines, pero también a la partitura de Thierry De Mey y Peter Vermeersch, tan teatral y entretenida que te puede llegar a tirar de tu asiento.”

O como decía Anna Kisselgoff, la influyente y prestigiosa crítica del New York Times: “…Fuerte, brutal, lúdico, irónico y espectacular. Faltan adjetivos para describir What the Body Does Not Remember, un espectáculo de danza increíblemente innovador.”

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Inspirado en la cultura del café-cantante y el teatro de variedades, Asunción Pérez “Choni” capitanea La gloria de mi mare, un espectáculo cargado de humor y del mejor flamenco. Ironía, copla e improvisación para narrar la historia de Gloria, la madre de una bailaora que empieza a despuntar y en la que proyecta todos sussueños incumplidos.

El primer espectáculo de Choni, Tejidos al Tiempo, obtuvo el Giraldillo Revelación en la XV Bienal de Flamenco de Sevilla y el Premio al Mejor Espectáculo según palmarés en la Feria de Teatro en el Sur de Palma del Río, Córdoba, de 2008. En él ya demostró un derroche de imaginación y fantasía y un baile y una concepción estética futuristas, que la situaban en la vanguardia de la danza flamenca.

Siguiendo esa misma línea, en La gloria de mi mare (2010) el flamenco y el teatro se funden en un híbrido que ha sido considerado por muchos como un auténtico cabaret flamenco. Un espectáculo que es un homenaje a “la madre de la artista”, encarnada además por uno de los actores más polifacéticos de la escena andaluza actual, Juanjo Macías, “el mejor showman que ha dado esta tierra en tiempo” en palabras de Javier Paisano (El Correo de Andalucía) y con Raúl Cantizano a la guitarra.

IRONÍA, COPLAS Y MUCHO HUMOR DEFINEN ESTE SEGUNDO ESPECTÁCULO DE CHONI AL FRENTE DE SU PROPIA COMPAÑÍA. UN TRABAJO INSPIRADO EN EL CAFÉ-CANTANTE CON TINTES DE AUTÉNTICO CABARET FLAMENCO.

Dirección: ESTRELLA TÁVORA

Coreografía: ASUNCIÓN PÉREZ “CHONI’’

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Si hay dos personas en Europa que merecen el calificativo de prestidigitadores escénicos esos son, sin lugar a dudas, Pierre Rigal y Aurélien Bory. Los dos juegan con nuestros sentidos y nuestras percepciones. El inolvidable paso por nuestros escenarios de ese inolvidable robot de Sans objet, con el que el segundo nos sedujo temporadas atrás, es buena prueba de ello.

Pues bien, estos creadores, nunca mejor dicho, llevan cosechando éxitos por todo el mundo desde que en 2003 decidieron colaborar para producir este Érection, que significó la puesta en marcha de la compañía de Pierre Rigal, compañía que bajo el nombre de Dernière Minute no cesa de producir sorpresas dancísticas.

Érection es el manifiesto de Pierre Rigal. Un atleta, matemático y cineasta que se dejó embaucar por la danza y tras prestar sus servicios a coreógrafos de la talla de Bernardo Montet, Wim Vandekeybus o Gilles Jobin fundó su propia célula de trabajo para desarrollar su concepto del espectáculo total.

En la producción que Rigal nos presenta, si vamos más allá de los mágicos efectos visuales, se produce un extraño fenómeno: la interacción maliciosa entre el bailarín y la luz provoca un curioso pas de deux muy dúo-duelo. Llegamos a sentir la densidad y el peso de la luz gracias a un repertorio de movimientos simples, como gatear, que resultan muy sugerentes. Entre las sombras que amenazan con devorar al bailarín y los colores que lo traspasan, su cuerpo termina enmudeciendo irresistiblemente hasta disolverse como un terrón de azúcar, hasta convertirse en luz él también.

Érection es una pieza visual hipnótica cuya única iluminación está realizada por un viejo proyector de vídeo mejorado y regido en directo que posee una elegancia muy pulida a la vez que irradia una energía orgánica y una intensa sensualidad.

En definitiva, nos encontramos ante un falso solo que muestra bien el gusto de Rigal-Bory por la fusión de cosas a priori incompatibles.

AURÉLIEN BORY EL MAGO ESCÉNICO DE LA COMPAGNIE 111 Y PIERRE RIGAL UNEN SUS ESFUERZOS PARA JUGAR CON NUESTRAS PERCEPCIONES VISUALES. ÉRECTION ES UN POEMA VISUAL EN EL QUE INTÉRPRETE, VÍDEO Y UNA CUIDADÍSIMA ILUMINACIÓN BAILAN ORGÁNICAMENTE IRRADIANDO UNA INTENSA SENSUALIDAD.

Creación: PIERRE RIGAL / AURÉLIEN BORY Espectáculo para 1 bailarín · En colaboración con Institut Français

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COMPAGNIE DERNIÈRE MINUTE/PIERRE RIGALDANZA MARZO 14 15 21 : 00 h

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Corría el año 84 cuando una jovencísima Anne Teresa de Keersmaeker presentaba con carácter de estreno riguroso en España Rosas danst Rosas, una pieza destinada a convertirse en referencial para coreógrafos, bailarines y estudiosos de la danza en todo el mundo.

La pieza en cuestión había sido estrenada solo un año antes en el Kaaitheater (Bruselas) y ya había sido seleccionada para la programación oficial del Festival d’Avignon donde crítica y público cayeron rendidos a los pies de la joven bailarina y coreógrafa, alcanzando posteriormente un éxito internacional inusitado, dando como resultado el advenimiento de la compañía Rosas.

Rosas danst Rosas ha sido representada un número incalculable de veces en el mundo entero. En la actualidad este espectáculo es considerado un clásico y sigue siendo un valor seguro del repertorio

de Rosas. A lo largo de los 30 años que han pasado desde su creación, varios elencos han aprendido la coreografía y en 1997 Thierry De Mey grabó una versión que reunía a todas las bailarinas de distintas generaciones que habían interpretado el espectáculo.

Rosas danst Rosas prefigura las tensiones que caracterizarán la obra de De Keersmaeker: el contraste entre la estructura racional y la emoción significativa, la dialéctica entre agresión y ternura, la interacción entre unísono y contrapunto, uniformidad e individualidad.

La obra de Anne Teresa de Keersmaeker se esfuerza, incluso después de Rosas danst Rosas, por romper la ilusión que nos hace creer que una representación de danza pone en escena una realidad muy distinta a la realidad (física) cotidiana.

EN 1984 GRANADA TUVO EL PRIVILEGIO DE PRESENTAR POR PRIMERA VEZ EN ESPAÑA AL ESPECTÁCULO Y A LA COREÓGRAFA QUE, CON EL PASO DE LOS AÑOS, IBA A CONVERTIRSE EN REFERENCIA INDISCUTIBLE DE LA DANZA CONTEMPORÁNEA INTERNACIONAL. VUELVE AHORA CON SU EMBLEMÁTICO ESPECTÁCULO COMO DEMOSTRACIÓN PALPABLE DE QUE LAS GRANDES CREACIONES NO PIERDEN UN ÁPICE DE VITALIDAD NI DE VIGENCIA CON EL PASO DEL TIEMPO.

Coreografía: ANNE TERESA DE KEERSMAEKER Espectáculo para 4 bailarinas En colaboración con la Representación del Gobierno de Flandes. Embajada de Bélgica

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ROSAS/ANNE TERESA DE KEERSMAEKERDANZA MARZO 1921 :: 0000 hh 2322

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Cuando hay un personaje de la historia tan conocido y revisado, el acercamiento para una posterior creación teatral, dista mucho de ser un tranquilo paseo, para convertirse en camino estrecho y pedregoso, ensombrecido por las ramas de lo histórico, fechas y datos, que se dejan caer para oscurecer la propuesta y hacernos olvidar lo de humano que pueda tener el personaje en cuestión; aquí la decisión de limitarse toma cuerpo y deambula a nuestra espalda como un fantasma.

Solo basta la aportación de un texto y su entendimiento, para que pronto aparezca, si no la solución, sí el inicio del posible camino a seguir, libre ya de espesura y oscuridad y que nos ha de llevar a una definición del espectáculo.

Desde este punto de vista, y gracias al texto de Jesús Carazo, nuestra propuesta reposa y aparece como una decisión

de exponer el mundo en el que la mujer Juana habita, liberándola de clausuras enciclopédicas, y donde la ausencia, el dolor y fantasmas de un alma rota, constituyen la madeja de lo humano sin olvidar el momento de la historia que le tocó vivir.

Partimos de una Juana, mujer y reina, abandonada que, con cansancio rebusca entre el recuerdo y la desesperación para entender una existencia impuesta por las necesidades de un Estado. Padres, amor, hijos… se hacen presentes y se entroncan para crear un espacio de ensoñación dolorosa que la arrastra y la disuelve en el camino de la locura.

Juan Dolores Caballero

COMO TODO EL MUNDO SABE, A POCOS METROS DE ESTA ANTIGUA JUDERÍA DEL BARRIO DEL REALEJO, UNA AUSTERA CRIPTA, BAJO EL ESPLENDOR GÓTICO DE LA CAPILLA REAL, ALBERGA LOS RESTOS DE JUANA I DE CASTILLA. CINCO SIGLOS DESPUÉS DE SU FALLECIMIENTO, LA COMPAÑÍA HISTRIÓN TRAE AL TEATRO ALHAMBRA EL IMAGINADO TESTIMONIO, EL GRITO DESGARRADO, DE QUIEN EL PUEBLO LLAMÓ JUANA LA LOCA. GEMA MATARRANZ, RECIENTEMENTE GALARDONADA COMO MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA EN LOS I PREMIOS DEL TEATRO ANDALUZ, BORDA CON SU ESTREMECEDORA INTERPRETACIÓN UN PERSONAJE DE ALTÍSIMO VOLTAJE.

De JESÚS CARAZO Dirección: JUAN DOLORES CABALLERO

Juana la loca. La reina que no quiso reinar

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ALBERT PLA NOS VUELVE A OFRECER UN ESPECTÁCULO ENTRE TEATRO Y MÚSICA CON ESTE PROVOCADOR MONÓLOGO ANTISISTEMA, REFLEJO DE UNA SOCIEDAD DELIRANTE.

ManifestaciónDe ALBERT PLA Dirección: PEPE MIRAVETE

ALBERT PLA : 00 h21109ABRIL

A él le hubiese gustado matar a un par de policías o de banqueros o de empresarios sin escrúpulos, pero al final, como todo el mundo, decide unirse a una manifestación contra el sistema. La manifestación antisistema, colisiona con otra manifestación anti aborto y para escapar de una carga policial, se refugia en una protesta independentista. Hay tantas manifestaciones colapsando la ciudad que es imposible escapar de la protesta.

Albert Pla nos cuenta la historia de un hombre atrapado en una manifestación eterna, sobre un escenario presidido por un contundente lema: “Tu vida es una puta mierda y tú lo sabes”.

Asume totalmente su papel de agitador social, musical y escénico, y subraya la pérdida de valores que está sufriendo nuestra sociedad. En un contexto de crisis marcado por una gran insatisfacción ciudadana y en el que las protestas se han ido multiplicando, nos da a entender que, según él, “las manifestaciones pacíficas no funcionan.”

No intenta convencer a nadie, pero consigue hacer reír a muchos con la historia de este pobre hombre, que por muy surrealista que pueda parecer, podría llegar a ocurrir. Su monólogo viene puntuado por algunas canciones, interpretadas

con guitarra y teclado. Dos de ellas, Todo es mentira y Teófilo Garrido pertenecen a su último disco realizado junto a Pascal Comelade, Somiatruites, que ya pudimos disfrutar en este mismo escenario hace tres años.

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TEATRO-MÚSICA

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TRAS LA CELEBRADA ADAPTACIÓN DE 2666, NOS LLEGA ESTE RELATO QUE SE HA GESTADO EN LA SCHAUBÜHNE DE BERLÍN Y HA VISTO LA LUZ EN LA BIENAL DE VENECIA. UNA FRUCTÍFERA Y PROFUNDA RELACIÓN LA DE RIGOLA Y LA OBRA DE ROBERTO BOLAÑO.

De la novela El gaucho insufrible, de ROBERTO BOLAÑO Copyright © 2003 · Herederos de ROBERTO BOLAÑO Todos los derechos reservadosAdaptación y dirección: ÀLEX RIGOLA

TEATRO TEATRE LLIURE/HEARTBREAK HOTEL

El policía de las ratas

Àlex Rigola y sus dos actores fetiches –Andreu Benito y Joan Carreras- vuelven a embarcarse en esa nave de radicalidad literaria que es la palabra de Bolaño para volver a recordarnos cuánta falta nos hace en estos tiempos de frases “best sellers”.

Este cuento de Roberto Bolaño es, como muchas historias fantásticas, el mapa de una geografía, no el retrato de individuos, de roedores con nombre y apellido,

comadrejas con cédula de identidad, sino un poco más: el retrato de un mundo vasto, de una sociedad que convive en un mundo adulterado, donde las líneas de la libertad son de un diáfano cristal blanco.

El policía de las ratas es un thriller, una historia detectivesca sobre la diferencia y el arte. Un cuento que rinde homenaje, pone en cuestión y finalmente supera en tensión dramática a ese relato corto de Kafka Josefina la Cantora o el pueblo de los ratones.

En palabras de Àlex Rigola, la obra es “un relato duro y cruel sobre el mundo bajo las alcantarillas como reflejo de nuestra sociedad desgastada y de su alienación. La historia de un detective solitario en busca de un asesino en serie, donde Bolaño reclama ese espacio para la individualidad, para la diferencia. Una diferencia que

precisa de un trabajo continuo para sobrevivir y que muchas veces resulta incomprensible para los que nos rodean. Y donde se reclama un espacio a la figura del poeta, del artista. Cuando toda la cultura parece ser apreciada mayoritariamente por sus estadísticas de venta y ocupación, Bolaño reclama, critica, ataca y defiende ese espacio para la literatura y el arte fuera del “folletín”. Ese espacio del arte por el arte. Ese espacio donde todo puede devenir poesía y excelencia independientemente del comentario y juicio populista. Fuera de “lo normal”. Fuera de lo que gusta a la mayoría. Fuera de “la opinión general”. Un relato triste y algo enfermizo donde triunfa la fórmula “bolañil”: LITERATURA + ENFERMEDAD = LITERATURA. Y de la buena.”

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DESPUÉS DE SUS HOMENAJES AL CINE MUDO CON RESTAURANT TÚ THREE Y AL MUNDO DEL CIRCO CON TRIÁLOGOS CLOWNESCOS, GREGOR ACUÑA Y LOS SUYOS ABORDAN ESPERANDO A GODOT, SU PROYECTO MÁS AMBICIOSO, BAJO LA DIRECCIÓN DEL MAESTRO JOAN FONT. EL ABSURDO ESTÁ SERVIDO. EL HUMOR TAMBIÉN.

Dirección: JOAN FONT (Els Comediants)

Esperando a Godot

EXCÉNTRICA PRODUCCIONES TEATRO MAYO 21 : 00 h9 10

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Esperando a Godot se representó por primera vez en París en 1953. En mayo de 1955 el paraninfo de la Facultad de Letras de Madrid veía su estreno en España, antes, incluso, de su primera puesta en escena en Londres.

En los últimos 60 años el gran icono del existencialismo y del teatro del absurdo, esta obra en la que, según Vivien Mercier, “no pasa nada, dos veces” ha servido como una de las mejores herramientas para interpretarnos política, religiosa, filosófica, psicoanalítica y culturalmente.

En este momento de crisis de referentes sociales en que nuestra sociedad ve desaparecer algunos de sus valores más arraigados, sin que aún se perfilen los que han de sustituirlos, Excéntrica Producciones decide repasar este clásico imprescindible.

La dirección de Joan Font, ¡40 años ya al frente de Els Comediants!, aporta una visión nueva del clásico de Beckett firmemente asida a nuestra realidad de hoy: ¡caótica!, ¡absurda!, ¡surrealista!, ¡cruel!,

pero terriblemente cómica al retratarnos como seres incapaces de poner orden en nuestros asuntos y de avanzar coherentemente. No sabemos dónde vamos, ni cuáles son realmente nuestras necesidades pero la propuesta de Font es fascinante: ¡descubrámoslo!

Aunque en su edición inglesa Esperando a Godot se etiquetara como “tragicomedia”, Beckett siempre afirmó haber escrito una obra para clowns. Probablemente los éxitos más memorables que este texto ha cosechado sobre

las tablas han respetado esta perspectiva y éste es el espíritu que anima esta versión que ahora llega al Teatro Alhambra.

Mención especial para el espacio sonoro de este Esperando a Godot. La viola de Jasio Velasco, la trompeta de Javier Centeno y el clarinete de Oriol Boixader, bajo la inspiración de clásicos como Nino Rota, Cole Porter o Kurt Weill, sirven, como ya ocurriera hace un siglo en la cubierta del Titanic, para endulzar y alegrar esta “espera”.

UNA NIÑA LLAMADA NOÉ VIVE EN UN LUGAR DESÉRTICO Y SOLITARIO. NOÉ NUNCA HABÍA VISTO LLOVER, ELLA PENSABA QUE LA LLUVIA ERA DE COLORES... ROJA, AMARILLA, NARANJA, AZUL, VERDE, VIOLETA Y AÑIL. UN DÍA COMENZÓ A LLOVER SIN PARAR, NOÉ PENSABA QUE EL CIELO SE HABÍA ROTO Y DECIDE CONSTRUIR UNA CASA FLOTANTE PARA SALVAR A TODOS LOS ANIMALES DE LA TIERRA. PERO... ¿CÓMO ENCONTRARÍA A TODOS LOS ANIMALES?, ¿Y SI SE OLVIDABA DE ALGUNO?, ¿SABRÍA ALIMENTARLOS?, ¿SE LLEVARÍAN BIEN ENTRE ELLOS? EN ESTA GRAN AVENTURA EMBARCAREMOS TODOS.

Espectáculo inspirado en el arca de Noé · Autores: JOAQUÍN CASANOVA y ELISA RAMOS Música: XAVIER MONT SALVATGE y CLAUDE DEBUSSY

Espectáculo recomendado desde 4 hasta 99 años · Coproducción del Gran Teatre del Liceu, Festival Internacional de Música y Danza de Granada y La Maquiné Con la colaboración de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales.

La casa flotante

MÚSICA/TÍTERES/GESTUAL/PROYECCIONES

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1817(funciones didácticas para centros docentes)

Con motivo del centenario del nacimiento del compositor Xavier Montsalvatge (1912-2012), el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, el Festival Internacional de Música y Danza de Granada y La Maquiné coprodujeron La casa flotante, un espectáculo musical y visual inspirado en los relatos en torno al Arca de Noé y el diluvio universal. El espectáculo se escenifica con títeres, actores, proyecciones y un actor narrador.

La casa flotante tiene como pieza musical central L’ Arca de Noè (1990) de Xavier Montsalvatge, una colección musical de piezas infantiles

que describen a los diferentes personajes. Una deliciosa y original colección de miniaturas llenas de humor y simpatía donde la música imita los sonidos o los movimientos de los animales; arrebatadoras piezas como El gato, con un divertido desfile de maullidos y disonancias, o la pequeña suite Un vals para ser bailado por unos simpáticos pingüinos.

El espectáculo trasmite de forma fácil a los niños y niñas unos conocimientos musicales y artísticos necesarios para su formación cultural, con un lenguaje atractivo y sugerente pensado para que el público asimile, analice y aprenda los valores implícitos de la obra facilitando su disfrute.

El espectáculo fue estrenado en el Teatro Alhambra, en el marco de la 61º Edición del Festival Internacional de Música y Danza de Granada con, permítasenos el tópico, un éxito absoluto de crítica y público.

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XVI FESTIVAL INTERNACIONALde Teatro con Títeres, Objetos y Visual20 a 25 de mayo de 2014

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V EDICIÓN27 a 31 de mayo de 2014

EL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CORTOMETRAJES ÓPERA PRIMA VUELVE CONSOLIDADO COMO EL MEJOR ESCAPARATE DEL TALENTO QUE SURGE EN NUESTRAS ESCUELAS DE CINEMATOGRAFÍA CON CARÁCTER INTERNACIONAL.La Asociación Cultural Garnata organiza, un año más, Ópera Prima en Corto, un festival de cortometrajes procedentes de las distintas escuelas nacionales e internacionales, con el objetivo de promocionar la educación cinematográfica y difundir los nuevos talentos.

Las secciones competitivas aglutinarán lo mejor de cada escuela, nacional e internacional, y competirán por los distintos premios. La sección granadina vuelve una año más para mostrar el talento y la capacidad de los jóvenes directores granadinos.

Y como actividades paralelas tendrán lugar diversos talleres cinematográficos gratuitos, el concurso de fotografías procedentes de escuelas audiovisuales Ópera Prima en Foto, y charlas y coloquios sobre el sector de los cortometrajes y la distribución.

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Cena con amigos es una comedia ácida sobre el mundo de la pareja, sobre ella, su director, nos dice: “Es un texto bello e inteligente, con delicado humor en donde todo comienza con una simple cena entre amigos, como tantas, compartiendo anécdotas, recuerdos comunes y viajes.

El tema es que en esta ocasión una noticia (la ruptura de una de las parejas) empieza a resquebrajar la típica serenidad de estas familias económicamente acomodadas, burguesmente constituidas, existencialmente satisfechas. Los efectos de la disolución marital producen que todo -lo que parecía en su lugar y era tan tranquilizador- se resquebraje.

Como piezas de dominó la caída traerá aparejada una estampida que derretirá los cimientos de eso que parecía tan bien construido. Y aquel aparente equilibrio desaparecerá, para dar lugar a una realidad más cuestionada,

como si al corroerse el velo de lo natural y cotidiano obviamente nos obligáramos a indagar no solo de quién nos hacemos amigos, sino con quién elegimos compartir nuestra vida.

Un delicado aviso a la hipocresía familiar que mira hacia fuera y muy poco hacia dentro.

¿Comedia romántica? Puede ser pero no esperemos finales rosas o complacientes.”

Daniel Veronese

LLEGA AL TEATRO ALHAMBRA CENA CON AMIGOS, DIRIGIDA POR DANIEL VERONESE. FESTIVALES E INSTITUCIONES TEATRALES TAN PRESTIGIOSAS COMO EL THEATER DER WELT, EL FESTIVAL D’AVIGNON, EL KUNSTENFESTIVALDESARTS, EL HEBBEL THEATRE, EL HOLLAND FESTIVAL, LA FABBRICA EUROPA Y EL RIOCENACONTEMPORÂNEA, ENTRE OTROS, HAN ABIERTO SUS PROGRAMACIONES A LAS PROPUESTAS DEL DIRECTOR ARGENTINO. NO ES FÁCIL OBTENER SIMULTÁNEAMENTE EL RESPETO DE LOS CIRCUITOS ALTERNATIVOS Y LOS COMERCIALES. ÉL LO HA CONSEGUIDO.

De DONALD MARGULIES Adaptación y dirección: DANIEL VERONESE

Cena con amigos

GLORIA LÓPEZ PRODUCCIONES TEATRO JUNIO 21 : 00 h6 7

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LA SIEMPRE SORPRENDENTE E INNOVADORA PEPA GAMBOA, JUNTO A UN ELENCO DONDE FIGURAN MUCHOS DE LOS MEJORES PROFESIONALES ANDALUCES, NOS PRESENTARÁ SU PERSONAL VERSIÓN DE EL REY LEAR.

LearA partir de El rey Lear de W. SHAKESPEARE Dirección: PEPA GAMBOA

ABAO TEATRO 20TEATRO

La compañía sevillana que dirige Pepa Gamboa llega al Teatro Alhambra. La siempre arriesgada e innovadora directora lleva a los escenarios su personal versión del drama shakespeariano, bajo el título Lear.

Una versión “más bien libre”, en palabras de Gamboa, que se centra en la dureza de las relaciones familiares; no importa el rango, no importa la nobleza, sólo cuenta la fragilidad de los lazos familiares, su crudeza. Lear no es un rey en decadencia, es un anciano padre envuelto en viejas venganzas fraternales, en avaricias, rencores y despiadadas ambiciones. Y el eterno contrapunto del Bufón, poniendo la ironía, la sonrisa que se congela.

En esta versión, que firma junto a Antonio Marín, los personajes se desenvuelven en lo que bien podría ser una pesadilla del protagonista, encarnado por Roberto Quintana, atrapando al espectador en una acción sin concesiones; una trama que cualquiera puede reconocer e identificar en su propio entorno.

A Quintana lo acompañan Amparo Marín, Mari Paz Sayago, María Cabeza de Vaca, Manuel Monteagudo, Chema del Barco, Álex Peña y David Montero.

¿Alguien da más?

JUNIO 21 : 00 h21

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Infórmate de todas las novedades de nuestra programación en nuestra página web: www.teatroalhambra.com

comienzo FEBRERO

La mujer en la escena andaluza, del Centro de Documentación de las Artes Escénicas de Andalucía

1er trimestre

Exposición en torno al proyecto de formación que representa ESCÉNICA2o trimestre

Conciertos para centros docentes (artistas confirmados)

(encuentros con creadores, conferencias, exposiciones...)

19OCTUBRE

y además...

... POP-ROCK

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... CICLO FLAMENCO VIENE DEL SUR

... ESCUELA DE ESPECTADORES

... NOCHE EN BLANCO

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OCTUBRE 2013

18) 21hPOP-ROCK MANEL Presentan su disco: Atletes, baixin de l’escenariConcierto inauguración

19) 20hNOCHE EN BLANCO

24) 25) 21h TEATRO TEATRE ROMEA¿Quién teme a Virginia Woolf?De Edward Albee

Dirección: Daniel Veronese

Con Carmen Machi, Pere Arquillué,

Mireia Aixalà, Ernest Villegas

26) 21hMÚSICAENRIQUE MORATALLA en conciertoPresentando su nuevo disco: La flor del frío

31) 11h* 21hTEATRO EL ESPEJO NEGRO/ÁNGEL CALVENTELa venganza de don MendoDe Pedro Muñoz Seca

Adaptación y dirección: Ángel Calvente

NOVIEMBRE 2013

1) 2) 21h TEATROEL ESPEJO NEGRO/ ÁNGEL CALVENTE La venganza de don MendoDe Pedro Muñoz Seca

Adaptación y dirección: Ángel Calvente

7) 8) 10h 12h* 9) 18h 10) 12h DANZADA.TE DANZA Jardín en el aireDirección: Omar Meza

Espectáculo para 3 bailarines

15) 11h* 15) 16) 21hTEATRO ATALAYA Madre CorajeDe Bertolt Brecht

Dirección: Ricardo Iniesta

18) 12h 19) 20) 10h 12h*TEATRO TUTTILIFAMILI El sofá de SophieIdea original: Tuttilifamili

Dirección artística: Javier Pérez

Música: Daniel Tarrida y Satie

* Funciones didácticas para centros docentes** Concierto para centros docentes

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22) 23) 21h FLAMENCO PATRICIA GUERRERO Latidos del agua

26) 21hTEATRO CÍA. SLATSCATEntrez et sonnez (Entrad y llamad)Dirección: Facundo Diab

Un proyecto de Artsène en colaboración con La Cita Cultural Francesa en Granada - La Maison de France y los servicios culturales de la Embajada de Francia

27) 11h** POP ROCKDEPEDRO

29) 30) 21hTEATRO TEATRO DE LA ABADÍA Maridos y mujeres De Woody Allen

Dirección: Àlex Rigola

DICIEMBRE 2013

3) 4) 21hPERFORMANCEARTSÈNE. Laboratoire Artistique ItinerantLe poète en action (El poeta en acción)Con la colaboración de El Niño de las Pinturas

Dirección: Rosa Díaz

ESTRENO ABSOLUTOEn colaboración con La Cita Cultural Francesa en Granada - La Maison de France y los servicios culturales de la Embajada de Francia

6) 21h 7) 19h 21:30hTEATRO

TAL Y CUAL/SALA CERO TEATROOddi Dirección: Paco Montes

13) 14) 21hTEATRO

FUNDICIÓN PRODUCCIONES & FOCUSTaking sides/Tomar partidoDe Ronald Harwood

Dirección: Pedro Álvarez-Ossorio

16) 12h 17) 18) 10h 12h*

21) 18h 22) 12h 18h 26) a 28) 18hFunciones para la familia en NavidadTEATRO CON TÍTERES PARA PÚBLICO INFANTILTITIRITRÁN Circo

Dirección: Maruja Gutiérrez y Pedro López

ENERO 2014

10) 11) 21hTEATRO

T DE TEATREAventura! Autor y director: Alfredo Sanzol

16) 12h 17) 10h 12h*TEATRO CÍA. MALAJE SÓLOAnimalajeDirección: Víctor Carretero

17) 18) 21hTEATRO CÍA. MALAJE SÓLO ¿Cuándo se come aquí? 101Guión: José Antonio Aguilar y Cía.

Malaje Sólo

Dirección: Cía. Malaje Sólo

22) a 24) 12h* 25) 18h 26) 12hTEATRO PARA PÚBLICO FAMILIARLA ROUS Una niña A partir del cuento

Una niña de Grassa Toro

Dirección: Rosa Díaz

28) 29) 10h 12h* 29) 21hTEATRO-CIRCO CÍA. TRESPERTÉAquí sobra unoDirección: Antonio Jesús Gómez

31) 21hDANZA EL PUNTO! DANZA TEATRO/FERNANDO LIMAReconstrucciónConcepto, dirección y coreografía: Fernando Lima

Espectáculo para 3 intérpretes

* Funciones didácticas para centros docentes** Concierto para centros docentes

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FEBRERO 2014

1) 21hDANZA EL PUNTO! DANZA TEATRO/FERNANDO LIMAReconstrucciónConcepto, dirección y coreografía: Fernando Lima

Espectáculo para 3 intérpretes

4) 5) 10h 12h* 5) 21h TEATRO-CIRCO CÍA. VAIVÉN CIRCODo Not Disturb (No molestar) Dirección: Rosa Díaz

7) 11h* 7) 8) 21hTEATRO COMPAÑÍA BARCO PIRATA TempestadAdaptación de la obra La tempestad de William Shakespeare

Dirección y adaptación: Sergio Peris-Mencheta

13) 21hDANZA ‘MARRUGEKU’ - DALISA PIGRAM & KOEN AUGUSTIJNENgudirr gudirrConcepto, bailarina y co-coreógrafa: Dalisa Pigram

Director y co-coreógrafo: Koen Augustijnen

Espectáculo para una intérpreteESTRENO EN ESPAÑA en complicidad con el Teatro Central (Sevilla)En colaboración con la Representación del Gobierno de Flandes. Embajada de Bélgica

15) 21h 16) 19hTEATRO-MÚSICA MANSILLA, NAVARRO & MORA UltramarinosTexto: Fernando Mansilla Dirección: Mansilla, Navarro y Mora

17) 21hFLAMENCO VIENE DEL SUR

21) 22) 21hTEATROLA ZARANDA El régimen del pienso Texto: Eusebio Calonge

Dirección: Paco de la Zaranda

24) 21hFLAMENCO VIENE DEL SUR

28) 21h TEATROTEATRO DEL VELADOR Patrimonio. Espectáculo flamencoDirección y creación: Juan Dolores Caballero

* Funciones didácticas para centros docentes** Concierto para centros docentes

MARZO 2014

1) 21h TEATROTEATRO DEL VELADOR Patrimonio. Espectáculo flamencoDirección y creación: Juan Dolores Caballero

3) 21hFLAMENCO VIENE DEL SUR

5) 21h DANZA ULTIMA VEZ/WIM VANDEKEYBUS What the Body Does Not RememberDirector, coreógrafo y creador: Wim Vandekeybus

Espectáculo para 8 bailarinesEn colaboración con la Representación del Gobierno de Flandes. Embajada de Bélgica

7) 8) 21hDANZA-TEATRO CHONI CÍA. FLAMENCA La gloria de mi mareDirección: Estrella Távora

Coreografía: Asunción Pérez “Choni”

10) 21h FLAMENCO VIENE DEL SUR

14) 15) 21hDANZA COMPAGNIE DERNIÈRE MINUTE/ PIERRE RIGALÉrectionCreación: Pierre Rigal/Aurélien Bory

Espectáculo para 1 bailarínEn colaboración con Institut Français

17) 21hFLAMENCO VIENE DEL SUR

20) 11h **POP-ROCKNAPOLEÓN SOLO

22) 21h 23) 19h DANZA ROSAS/ANNE TERESA DE KEERSMAEKERRosas danst Rosas Coreografía: Anne Teresa de Keersmaeker

Espectáculo para 4 bailarinas En colaboración con la Representación del Gobierno de Flandes.Embajada de Bélgica.

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24) 21h FLAMENCO VIENE DEL SUR

27) 28) 11h* 29) 21h 30) 19hTEATRO HISTRIÓN TEATROJuana la loca. La reina que no quiso reinarDe Jesús Carazo

Dirección: Juan Dolores Caballero

31) 21hFLAMENCO VIENE DEL SUR

ABRIL 2014

7) 21h FLAMENCO VIENE DEL SUR

9) 10) 21h TEATRO-MÚSICAALBERT PLAManifestaciónDe Albert Pla

Dirección: Pepe Miravete

25) 26) 21h TEATRO TEATRE LLIURE/HEARTBREAK HOTELEl policía de las ratas De la novela El gaucho insufrible, de ROBERTO BOLAÑO Copyright © 2003Herederos de ROBERTO BOLAÑO Todos los derechos reservadosAdaptación y dirección: ÀLEX RIGOLA

29) 30) 10h 12h* TEATRO CÍA. LA CANELAVasilisa. La sabiaDirección: Analía Sisamón

* Funciones didácticas para centros docentes** Concierto para centros docentes

MAYO 2014

5) 21hFLAMENCO VIENE DEL SUR

9) 10) 21hTEATRO EXCÉNTRICA PRODUCCIONES Esperando a Godot Dirección: Joan Font (Els Comediants)

12) 21hFLAMENCO VIENE DEL SUR

15) 16) 11h* 17) 18h 18) 12hMÚSICA / TÍTERES / GESTUAL /PROYECCIONESLA MAQUINÉ La casa flotanteEspectáculo inspirado en el arca de NoéAutores: Joaquín Casanova y

Elisa Ramos

Música: Xavier Montsalvatge y

Claude Debussy

20) a 25) XVI FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CON TÍTERES, OBJETOS Y VISUAL

27) a 31) V EDICIÓN ÓPERA PRIMA EN CORTO

JUNIO 2014

6) 7) 21hTEATRO GLORIA LÓPEZ PRODUCCIONESCena con amigos De: Donald Margulies

Adaptación y dirección: Daniel Veronese

20) 21) 21h TEATRO ABAO TEATRO LearA partir de El rey Lear de W. Shakespeare

Dirección: Pepa Gamboa

Con Roberto Quintana, Mª Paz

Sayago y Manuel Monteagudo, entre otros

Nuestro sistema de venta preferente te garantiza:

/ TARIFAS MÁS RENTABLES / POSIBILIDAD DE ELEGIR LOS ESPECTÁCULOS QUE MÁS TE GUSTEN / PRIORIDAD EN LAS RESERVAS / RESERVA DE BUTACAS PREFERENTES / ASISTENCIA TELEFÓNICA / INFORMACIÓN MENSUAL ACTUALIZADA / INVITACIÓN A ACTIVIDADES PARALELAS

Tarifas especiales para jóvenes,

estudiantes, desempleados,

pensionistas y otros colectivos

mostrando la acreditación correspondiente.

Consultar tarifas especiales para

grupos y centros docentes en

funciones nocturnas.

INFORMACIÓN Y SUSCRIPCIÓN DE ABONOS Y TARJETA AMIGO Teatro Alhambrac/ Molinos, 56. 18009 Granada www.teatroalhambra.comT. 958 028 000info.teatroalhambra@juntadeandalucia.es

Horario de oficina:De lunes a jueves de 10:00 h. a 14:00 h. y de 17:00 h. a 19:00 h.Viernes de 10:00 h. a 14:00 h.

Horario de taquilla: Desde una hora antes de cada función.

Abonos de temporada

/ ABONO 20 · 240 € 20 entradas(precio medio por entrada 12 €)Validez: hasta junio de 2014.Con un máximo de 4 entradas a elegir entre todos los espectáculos de temporada, excepto ciclo Flamenco viene del Sur y espectáculos fuera de abono. Incluye la posibilidad de adquirir hasta 10 entradas adicionales con precio Tarjeta Amigo una vez consumido el abono.Número de abonos limitado.

/ ABONO 10 · 130 €10 entradas (precio medio por entrada 13 €)Validez: hasta junio de 2014.Con un máximo de 2 entradas a elegir entre todos los espectáculos de temporada, excepto ciclo Flamenco viene del Sur y espectáculos fuera de abono. Incluye la posibilidad de adquirir hasta 5 entradas adicionales con precio Tarjeta Amigo una vez consumido el abono.Número de abonos limitado.

/ ABONO FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CON TÍTERES, OBJETOS Y VISUAL

Precio por confirmar.

/ ABONO TU CULTURA · 110 €10 entradas (precio medio por entrada 11 €)Con un máximo de 2 entradas por espectáculo. Incluye todos los espectáculos hechos en Andalucía, excepto ciclo Flamenco Viene del Sur y espectáculos fuera de abono.Número de abonos limitado.

/ ABONO UNIVERSITARIO 30 · 60 €6 entradas(precio medio por entrada 10 €/ espectáculo)Con un máximo de 2 entradas por espectáculo excepto ciclo Flamenco Viene del Sur y espectáculos fuera de abono.Este abono es exclusivo para estudiantes universitarios menores de 30 años.Número de abonos limitados.

Todas las ofertas están sujetas a la

disponibilidad del recinto.

/ TARJETA AMIGOConsultar condiciones de la tarjeta.Número de tarjetas limitado.

/ ABONO CICLO FLAMENCO VIENE DEL SURPrecio por confirmar.

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