programación febrero - mayo 2020 · 2020-02-20 · febrero - mayo 2020 exposiciones las...

ProgramaciónFebrero - Mayo 2020

ProgrammeFebruary - May 2020

Summary

EXPOSICIONESEXHIBITIONS

STOP VUELVO PRONTO STOPLinarejos Moreno20.09.2019 - 12.04.2020

Hilos, cajas negras y fetiches urbanos El Palacio visto por elii06.02.2020 - 17.01.2021

A través de la arena21.02 - 03.05.2020

Una edad de oro: pulso, pálpito, deriva Rosana Antolí21.02 - 17.05.2020

Absolute BeginnersThere is Nothing in the Middle Patricia Domínguez y Beatriz Olabarrieta21.02 - 24.05.2020

PROGRAMA PÚBLICOPUBLIC PROGRAMME

STOP VUELVO PRONTO STOP

Performance de Marina Lujua15.02.2020Encuentro entre Linarejos Moreno y Amparo Lasén26.03.2020

Una edad de oro: pulso, pálpito, deriva Rosana AntolíPerformance

PULSO. Gestos delirantes:el manifiesto de la medusa25.02.2020PÁLPITO. Una marea de cuerpos:la mitocondria18.04.2020DERIVA. La melodía del theremin07.05.2020

A través de la arena

Talleres de lectura con Noemí de Haro03.03, 24.03, 14.04, 28.04.2020Encuentro A través de la arena07.04.2020Escribir en voz alta, leer calladosActividad de edición performativaJon Mikel Euba15.04.2020

Huellas sonoras: el trazo y el objeto VANG. Músicas en vanguardia03 - 06.2020

DIBUMAD 2020Feria de la ilustración20, 21, 22.03.2020

Absolute BeginnersSi CentroCentro fuera FueraFuera. Marc VivesEncuentro/Performance16, 17.04.2020

February - May 2020

Sumario

APRENDIZAJE COLECTIVOCOLLECTIVE LEARNING

Una forma de hablar10.2019 - 06.2020

STOP VUELVO PRONTO STOP10.2019 - 05.2020

La radio de las niñas y niños de La Ciudad Sin NombreArturo Babel y alumnado del CEIP Juan Ramón Jiménez09.03 - 24.04.2020Levadura 2019-2020. Programa de residencias de creadores en escuelas

MÚSICAMUSIC

Disidencias. Las voces de la voz 11.02, 10.03, 14.04, 12.05, 16.06.2020

Vang III. Músicas en vanguardia20.02, 19.03, 23.04, 21.05, 26.06.2020

Músicas insólitas y repertorios sorprendentesReal Conservatorio Superior de Música de Madrid29.01, 26.02, 29.04, 27.05.2020

Cosmos 21 - Músicas del Cosmos 202005.03, 02.04, 05.05, 04.06.2020

Febrero - Mayo 2020

Programme

February - May 2020

Exhibitions

Programación

Febrero - Mayo 2020

Exposiciones

Las exposiciones de CentroCentro prestan especial atención a la práctica artística y curatorial contemporánea, a través de tres tipos de proyectos:

Ciclos curatoriales con los que el centro apoya la consolidación de los conocimientos de comisariado a través del trabajo en un proyecto anual en la planta 5.

Exposiciones monográficas de artistas cuyo trabajo no ha tenido una excesiva visibilidad en el contexto local y a los que se invita a producir una pieza nueva, mostrándola en relación a trabajos anteriores.

Proyectos de comisariado en los que invitamos a comisarios externos, con una trayectoria reconocida de investigación, comisariado y/o crítica de arte a desarrollar un proyecto a partir de las líneas de trabajo del centro.

Exhibitions held at CentroCentro pay special attention to contemporary artistic and curatorial practice, through three types of projects:

Curatorial cycles with which the Centre supports the consolidation of curatorial knowledge through an annual project.

Monographic exhibitions of artists whose work has not had much visibility in the local context,

and whom we invite to produce a new piece. This new commission is to be shown in relation to previous works.

Curatorial projects in which we invite external curators with a proven track record of research, curatorship and/or art criticism to develop a project based on the center’s programming lines.

There is Nothing in the Middle. Patricia Domínguez y Beatriz Olabarrieta

Exposición/Exhibition Planta 5/Floor 5

Ciclo/Series: Absolute Beginners. Principiantes

Comisario/Curator: Rafael Barber Cortell

Actividades relacionadas/Related activities:Si CentroCentro fuera FueraFuera. Marc Vives

#NothingintheMiddle

21.02 - 24.05.2020

There is Nothing in the Middle. Patricia Domínguez y Beatriz Olabarrieta

21.02 - 24.05.2020

Rafael Barber Cortell está a cargo del segundo ciclo de comisariado anual de CentroCentro, Absolute Beginners (Principiantes), en el que seis artistas realizan tres exposiciones a dúo: Tai Shani y Florence Peake, Beatriz Olabarrieta y Patricia Domínguez, y Ludovica Carbotta y Diego Delas.

There is Nothing in the Middle (No hay nada en el medio) es el segundo episodio de este ciclo y trata de hacerse eco del momento presente, de la forma en la que hoy nos enunciamos y narramos nuestro relato. Por este motivo, se aleja del formato colaborativo de Andromedan Sad Girl, la primera propuesta del ciclo, para presentar dos exposiciones individuales, que conviven en el espacio y que juntas construyen un lugar de encuentro con el visitante. Beatriz Olabarrieta (Bilbao, 1979) y Patricia Domínguez (Santiago de Chile, 1984) plantean dos proyectos independientes, que se despliegan uno a cada lado de la planta 5 de CentroCentro. Mientras que el trabajo de Patricia Domínguez investiga los encuentros y choques entre culturas que se producen en el mundo global a través de una mirada a las distintas formas de entender la curación y el cuidado, la práctica de Beatriz Olabarrieta navega por el espacio de la comunicación y sus discordancias, tratando de encontrar formas de traducción rebeldes que transforma en herramientas capaces de hacer otros relatos.

Esta exposición dialoga con dos formas de hacer mundo que existen en el ahora pero que nunca llegan a tocarse; dos relatos que, como sucede en el presente, se construyen de lado, dejando el espacio en medio como un lugar desde el que tomar posición.

Rafael Barber Cortell is in charge of CentroCentro’s second annual curatorial project, Absolute Beginners, in which he has invited six artists to put on three exhibitions working in pairs: Tai Shani and Florence Peake, Beatriz Olabarrieta and Patricia Domínguez, and Ludovica Carbotta and Diego Delas.

The second episode of this series, There is Nothing in the Middle, endeavours to echo the present day, the way in which we set out and narrate our story today. For this reason, it distances itself from the collaborative format of Andromedan Sad Girl to present two individual exhibitions, which coexist in the same space and together construct a place of encounter with the visitor. Beatriz Olabarrieta (Bilbao, 1979) and Patricia Domínguez (Santiago de Chile, 1984) propose two independent projects, one on either side of the 5th floor of CentroCentro. While Patricia Domínguez’s work investigates the encounters and clashes between cultures that take place in the global world by looking at the different ways of understanding healing and care, Beatriz Olabarrieta’s practice navigates the space of communication and its discords, trying to find rebellious forms of translation that she transforms into tools capable of creating other narratives.

This exhibition enters into a dialogue with two ways of making the world, two ways that exist in the now but never actually touch each other; two narratives that, as happens in the present, are constructed sideways, leaving the space in between as a place from which to take a position.

Hilos, cajas negras y fetiches urbanos. El Palacio visto por elii


Ciclo/Series: El Palacio visto por...

#Hiloselii

06.02.2020 - 17.01.2021

Hilos, cajas negras y fetiches urbanos. El Palacio visto por elii

06.02.2020 - 17.01.2021

Desde su fundación como Palacio de Comunicaciones hace cien años, el Palacio de Cibeles ha acogido muchas vidas y ha sido objeto de muchas miradas. De esa idea de mirar, de leer desde diferentes puntos de vista, surge esta serie de exposiciones, El Palacio visto por…, en la que con una periodicidad anual invitamos a diferentes artistas y arquitectos a plasmar de modo expositivo un recorrido de carácter divulgativo a través de los archivos e historia del edificio y proponer una lectura personal del palacio.

En el dibujo de la fachada que Palacios y Otamendi presentaron al concurso para el nuevo palacio, en 1904, podemos apreciar unos hilos que conectan la torre con los pináculos que coronan las fachadas del edificio, así como con el resto de la ciudad. Sin embargo, durante la construcción, los hilos fueron borrados del mismo. ¿A qué se debe esta supresión? A lo largo de los pasados meses, elii ha estado siguiendo la pista de estos cables. Hilos, cajas negras y fetiches urbanos es el resultado de estas indagaciones, donde descubriremos que los hilos fueron enterrados e integrados en una ciudad invisible: la caja negra urbana; un imperceptible mundo tecnológico que existe bajo nuestros pies. A través del palacio, accederemos a la caja negra de la ciudad y a preguntas acerca de cómo debemos pensar nuestros ecosistemas urbanos, 101 años después de la apertura de este emblemático icono, auténtico fetiche arquitectónico de Madrid.

elii es una oficina de arquitectura fundada en Madrid, en 2006, por Uriel Fogué, Eva Gil y Carlos Palacios.

Since it first opened as the Communications Palace a hundred years ago, this building has had various incarnations and has been the focus of myriad gazes. This idea of looking, of assessing from different points of view, underpins this series of exhibitions, El Palacio visto por... (The Palace as Seen by...), in which we invite, on an annual basis, different artists and architects to create an exhibition that includes an informative overview based on the building’s archives and history, while also offering their own individual perceptions of the palace.

In the drawing of the façade that Palacios and Otamendi submitted for the tender for the new palace in 1904, we can see a number of wires that connect the tower to the pinnacles that crown the façades of the building, as well as to the rest of the city. However, during construction the wires were eliminated. Why was that? For the last few months, elii has been following the trail of those wires. Wires, Black Boxes and Urban Fetishes is the result of their research, where we will discover that the wires were in fact buried and integrated into an invisible city: an urban black box; an imperceptible technological world that exists beneath our feet. Through the palace we will gain access to the city’s black box and to questions about how we should design our urban ecosystems, 101 years after the opening of this emblematic icon, one of Madrid’s true architectural fetishes.

elii is an architecture office founded in Madrid in 2006 by Uriel Fogué, Eva Gil and Carlos Palacios.

Una edad de oro: pulso, pálpito, deriva. Rosana Antolí


Comisaria/Curator: Bronwyn Bailey-Charteris, en representación de Index Foundation (Estocolmo) / on behalf of Index Foundation (Stockholm)

Actividades relacionadas/Related activities:PULSO. Gestos delirantes: el manifiesto de la medusaPÁLPITO. Una marea de cuerpos: la mitocondriaDERIVA. La melodía del theremin

#PulsoPalpitoDeriva

21.02 - 17.05.2020

Rosana Antolí. Chaos Dancing Cosmos. 2019

“El colectivo siempre está temblando porque se ha dejado fuera todo lo que tenía que tener en cuenta para definirse a sí mismo como un mundo común” Bruno Latour, The Politics of Nature

“Del mar. Mar abierto. Transparente. Translúcido. Campanas y tentáculos. Nada escondido. Un cuerpo gelatinoso de nervios. Pulsando. Palpitando. A la deriva”Terry Tempest Williams, Jellies: Living Art

“Las medusas viven, de alguna forma, como el propio elemento que les rodea”Stacy Alaimo, Jellyfish Science, Jellyfish Aesthetics

“The collective is always trembling because it has left outside all that it needed to take into account to define itself as a common world”Bruno Latour, The Politics of Nature

“Of the sea. Open Sea. Transparent. Translucent. Bell and tentacles. Nothing hidden.A gelatinous body of nerves. Pulsating. Throbbing. Drifting”Terry Tempest Williams, Jellies: Living Art

“Jellies somehow live as the very element that surrounds them”Stacy Alaimo, Jellyfish Science, Jellyfish Aesthetics


21.02 - 17.05.2020

Rosana Antolí (Alcoi, 1981) trabaja con el ritmo y el fluir, con las mareas de la coreografía social, los bucles eternos y el feedback del cuerpo en la sociedad. En esta exposición, Una edad de oro: pulso, pálpito, deriva, comisariada por Bronwyn Bailey-Charteris, Rosana Antolí se sumerge en una solución acuosa como un estado mental. A través de una profunda investigación artística, Antolí expande el entendimiento estético y basado en el movimiento que cuestiona qué es humano.

La extensa práctica de Antolí analiza la repetición, la política y las coreografías cotidianas. Respondiendo a la pregunta “¿Qué podemos llegar a entender imaginando el mundo desde un punto de vista fluido?” que propuso la escritora Terry Tempest Williams, la artista presenta un cuerpo de trabajo sin restricciones de forma. Entretejiendo elementos escultóricos con la performance en vivo, el dibujo y el vídeo, la sala de exposiciones se convierte en una propuesta para una Edad de oro licuescente y en expansión.

En Una edad de oro, la artista invita a la figura de la medusa inmortal. La medusa Turritopsis dohrnii, encontrada en el mar Mediterráneo, es la única criatura conocida que vive eternamente. Esta criatura marina flota entre estados de madurez, se eleva del lecho marino para reproducirse y, entonces, vuelve a un estado de adolescencia. El bucle perfecto. La teórica Donna Haraway habla de la medusa como una de las “figuras tentaculares” que es capaz de entrelazar modos de sentimientos y conocimiento de formas no humanas. Antolí responde a la propuesta conceptual de esta misteriosa criatura amplificando las formas de conectarse con la transparencia, los bucles, el ritmo, la cadencia, la rima y la flotabilidad en su trabajo.

Una edad de oro se inspira en las conversaciones actuales y urgentes sobre el estado de las ecologías planetarias. Su obra analiza los límites y las demarcaciones de los cuerpos en esta época. En la exposición, la medusa sobrevive, los humanos coexisten y la propuesta de entrelazamiento coreográfico de Pulso, pálpito y deriva se repite y se multiplica.

Rosana Antolí (Alcoi, 1981) works with rhythm and flow, with the tides of social choreography, eternal loops and feedback of the body in society. In this exhibition, A Golden Age: Pulse, Throb, Drift, curated by Bronwyn Bailey-Charteris, Rosana Antolí takes a dive into the aqueous as a state-of-mind. Through deep artistic investigation, Antolí expands aesthetic and movement-based understandings that question what is human.

Antolí’s extensive practice considers repetition, politics and everyday choreographies. Responding to the question ‘What might we come to understand by imagining the world from a fluid point of view?’ posed by author Terry Tempest Williams, the artist presents a body of work unrestrained by form. Interweaving sculptural elements with live performance, drawing and video, the exhibition halls of CentroCentro become a proposal for an expanding and liquescent Golden Age.

Into A Golden Age, the artist invites the figure of the immortal jellyfish. Found in the Mediterranean Sea, the jellyfish Turritopsis dohrnii, is the only creature known to live forever. The sea creature floats between states of maturity - rising off the sea bed to reproduce and then sinking back down in a state of adolescence. The ultimate loop. Theorist Donna Haraway speaks of the jellyfish as one of the ‘tentacular figures’ who are able to entwine modes of feeling and knowing in non-human ways. Antolí responds to the conceptual proposition of the mysterious jelly creature by amplifying ways of being connected to transparency, loops, rhythm, cadence, rhyme, and buoyancy in her work.

A Golden Age draws upon the current and urgent conversations of the state of planetary ecologies. Her work considers the limits and demarcations of bodies in these times. In Antolí’s A Golden Age jellyfish thrive, humans co-exist and the proposition of choreographic entanglement of Pulse, Throb and Drift are echoed and multiplied.

STOP VUELVO PRONTO STOP. Linarejos Moreno


Comisaria/Curator: Ana García Alarcón

Actividades relacionadas/Related activities: STOP VUELVO PRONTO STOP. PerformanceSTOP VUELVO PRONTO STOP. EncuentroSTOP VUELVO PRONTO STOP. Aprendizaje colectivo

#StopVuelvoprontoStop

19.09.2019 - 12.04.2020

STOP VUELVO PRONTO STOP. Linarejos Moreno, 2019. Foto: Lukasz Michalak

STOP VUELVO PRONTO STOP es una exposición de Linarejos Moreno (Madrid, 1974) enmarcada en el centenario del Palacio de Cibeles. La muestra parte del telegrama como objeto para proponer una reflexión sobre el significado del mensaje escrito y su uso ligado a grandes acontecimientos sociales a lo largo de la historia. En este sentido plantea un estudio antropológico de la comunicación, de cómo nos relacionamos y qué necesitamos transmitir, pero, sobre todo, cómo esas necesidades de comunicación evolucionan y se transfiguran a través del tiempo.

En este proyecto se incluyen una selección de telegramas datados entre 1945 y 1980. Partede los mismos proceden de una convocatoria pública lanzada por CentroCentro en la que invitamos a todas las personas que tuvieran un telegrama a compartirlo. Algunos de estostelegramas han pasado a formar parte de la propuesta. Otros, provienen del archivo personal de Moreno.

A partir de esta primera fase participativa la sala de exposiciones se convierte en un espacio de trabajo en el que colaboran diferentes colectivos, entre otros, estudiantes de primaria del programa Madrid, un libro abierto, organizado por el Ayuntamiento de Madrid. Las obras progresivamente van completándose, desde su estado inicial (arpilleras en blanco listas para ser intervenidas) hasta el final (mensajes de telegramas transcritos en código Morse y plasmados sobre las telas).

El mensaje escrito se convierte así en elemento central de la exposición a la vez que establece una conexión con la historia del lugar en el que nos encontramos: el Palacio de Cibeles, antiguo Palacio de las Comunicaciones, sede de Correos.

STOP VUELVO PRONTO STOP (STOP BACK SOON STOP) is an exhibition by Linarejos Moreno (Madrid, 1974), on display as part of the centenary of the Palacio de Cibeles. The show uses the telegram as a starting point to propose a reflection on the meaning of the written message and its uses, which have linked it to key social events through history.In this sense, the exhibition generates an anthropological study of communication, of the way in which we relate to one another and of what we seek to convey; above all, however, it examines the way in which these communication needs evolve and are transformed over time.

This project includes a series of telegrams from between 1945 and 1980. Some of them are the result of a public request from CentroCentro whereby we invited anyone who had a telegram to share it with us. Some of these telegrams have been included in the display, which also features messages from Moreno’s personal archive. On the basis of this first participative phase, the exhibition room becomes a work space in which a range of groups work alongside the artist to create a large-scale pictorial piece. Among them, primary schoolchildren taking part in the programme Madrid, un libro abierto, organised by the Madrid City Council. The works are progressively transformed from their initial state (white hessian fabric, ready to be worked on) to the final result (telegram messages transcribed to Morse code and displayed on the fabric).

The written message thus becomes a central element in the exhibition, which also establishes a connection with the history of the venue in which it is set: the Palacio de Cibeles, which was once the city’s Communications Palace and the headquarters of the postal service.

STOP VUELVO PRONTO STOP. Linarejos Moreno

19.09.2019 - 12.04.2020



Comisariado por/Curated by: Laura Vallés Vílchez

Participantes/Participants:Victor Burgin, Tino Calabuig, June Crespo, Marlene Dumas, Pepe Espaliú, Jon Mikel Euba, María Luisa Fernández, Cristina Garrido, Victoria Gil, Eva Lootz, Luis López Carrasco, Mitsuo Miura, Rasmus Nilausen, Agustín Parejo School, Pedro G. Romero, Inmaculada Salinas. Diseño expositivo: Luca Frei / Diseño gráfico: Mónica Oliveira

Actividades relacionadas/Related activities:Talleres de lectura con Noemí de Haro Encuentro A través de la arenaEscribir en voz alta, leer callados. Jon Mikel Euba

La investigación de esta exposición se produce en el marco de Komisario Berriak, un programa impulsado por el Departamento de Cultura y Política Lingüística del Gobierno Vasco compartido entre Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao, CICC Tabakalera San Sebastián y Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo Vitoria-Gasteiz. El proyecto inicia su recorrido expositivo en Azkuna Zentroa - Alhondiga Bilbao en el año 2019 y continúa en el Museo Artium en 2020.

The research for this exhibition was done as part of Komisario Berriak, a programme promoted by the Basque Government’s Department of Linguistic Culture and Policy and shared between Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao, CICC Tabakalera San Sebastián, and Artium, the Basque Centre-Museum for Contemporary Art in Vitoria-Gasteiz. The touring exhibition began in Azkuna Zentroa–Alhóndiga Bilbao in 2019 before moving to Artium in 2020.

#AtravesdelaArena

21.02 - 03.05.2020

Cristina Garrido. Una alianza profana, 2016. Cortesía de la artista y Galería Curro, México

A través de la arena es un proyecto en varios episodios que toma como punto de partida dos revistas de crítica artística procedentes de diferentes geografías y modos de hacer: Arena (1989) y Zehar [“a través de” en euskera] (1989-2011). Dos proyectos editoriales que nacieron con la voluntad de generar contextos como contrapunto al consenso y la desmemoria que definieron la década venidera: un período caracterizado por pertenecer a un “sistema de ecos positivos” (que escribiría la editora de Zehar Miren Eraso) en un espacio sociopolítico y cultural con “síndrome de mayoría absoluta” (que apuntaría la editora de Arena Mar Villaespesa).

Sin embargo, lejos de pretender afrontar estas publicaciones desde un prisma historicista, esta exposición propone una conversación con ellas múltiple, polisémica y mutable. Invita a devolver a la vida el archivo desde otro foco. Una invitación que atiende a un deseo por generar y compartir un conocimiento situado en torno a una edición cuidadosa y feminista, pero también a una carencia de contorno, comunidad y contexto de todas aquellas personas que crecieron en los años de huida hacia delante.

Diferentes títulos procedentes de las revistas puntúan el recorrido expositivo. Un proyecto que inicia su camino en Azkuna Zentroa en el año 2019, continúa en Artium en 2020 y que responde, en primer lugar, a una invitación para reflexionar sobre la dimensión narrativa del comisariado y, en segundo lugar, a una voluntad por especular sobre cómo aquellas estructuras culturales imaginadas por mujeres como Villaespesa o Eraso se han formado, deformado y transformado.

En definitiva, A través de la arena trata de cuestionar cuáles pueden ser las nuevas preguntas a abordar desde el arte, la edición y la exposición, ¿qué resonancias todavía permanecen?, ¿qué certezas imperan? Las diferentes propuestas que se presentan, así como el programa público que lo acompaña, tratan de atravesar las crecientes paradojas que, emergiendo con la crisis de la modernidad, definen la condición contemporánea y los espacios de mediación en sus batallas por el relato.

A Través De La Arena (Across the Sand) is a project in various episodes that takes as its starting point two magazines focused on art and enquiry that come from two different geographies and ways of doing: Arena (1989) and Zehar [“through” in Basque] (1989-2011). Two publishing projects conceived with the desire to generate contexts as counterpoints to the consensus and the lack of memory that defined the following decade: a period characterised by a belonging to a “system of positive echoes” (as the editor of Zehar, Miren Eraso, would write), in a sociopolitical and cultural space with an “absolute majority syndrome” (as the editor of Arena, Mar Villaespesa, would point out).

However, far from setting out to confront these publications from a historicist point of view, this exhibition proposes a conversation with them that is multiple, polysemic and mutable. It invites us to breathe new life into the archive from a different perspective. An invitation that responds to a desire to generate and share a situated knowledge around a thorough and feminist editing, but also a lack of contour, community and context from all of those people who grew up during the years of what we might call a headlong rush.

Different titles taken from the magazines punctuate the exhibition route. The project, which got underway at Azkuna Zentroa in 2019 and then at Artium in 2020, responds to an invitation to reflect on the narrative dimension of curatorial practices and, secondly, to a desire to speculate about how those cultural structures imagined by women such as Villaespesa or Eraso were formed, deformed and transformed.

In short, A Través De La Arena tries to ask what new issues we should address from contemporary art, publishing and exhibition making: What resonances are still here? What certainties prevail? The different proposals presented try to navigate the increasing paradoxes that, as they emerge with the crisis of modernity, define the contemporary condition and the spaces of mediation in their struggles for recognition.


21.02 - 03.05.2020

Programme

February - May 2020

Public Programme

El Programa público de CentroCentro toma múltiples formas: desde los seminarios y los grupos de investigación, a las performances y las visitas guiadas. Una serie de actividades que se desarrolla en todo el centro y que busca

crear un programa abierto donde generar y compartir conocimiento, en el que el cuerpo es protagonista.

Programación

Febrero - Mayo 2020

Programa público

CentroCentro’s Public Programme takes multiple forms, from seminars and research groups to performance and guided tours; a number of activities held throughout the

centre, designed to create an open programme in which knowledge is generated and shared, and the body plays a central role.

15.02.2020Performance Planta 3/Floor 312:00 h

Idioma/Language:Castellano/Spanish

Una propuesta de/A project by: Marina Lujua BellidoIntérpretes/Participants: Lucia Aguado (contrabajo/double bass), David Grande (violonchelo/cello), Marina Lujua Bellido (voz/voice) y Marta Minguillon (voz/voice)

Esta performance, de carácter experimental, propondrá una lectura de los lienzos de Linarejos Moreno donde las piezas pictóricas servirán como texto musical y el código Morse de las mismas se cantará o instrumentalizará como si de una partitura se tratara.

This experimental performance will propose a reading of Linarejos Moreno’s canvases, in which the pictorial pieces will serve as musical text and their Morse code will be sung or instrumentalised as if it were a score.

26.03.2020Encuentro/Open Talk Planta 3/Floor 319:00 h


Conversación a partir del proyecto STOP VUELVO PRONTO STOP entre Linarejos Moreno y Amparo Lasén. En ella se partirá de las obras y los procesos de trabajo que forman parte de la exposición desde una reflexión antropológica de la comunicación.

A conversation between Linarejos Moreno and Amparo Lasén about the project STOP VUELVO PRONTO STOP focused on the pieces and work processes that form part of the exhibition, looking at communication from an anthropological point of view.


Actividades relacionadas/Related activities:STOP VUELVO PRONTO STOP. Linarejos Moreno

15.02, 26.03.2020


La performace de Antolí Gestos delirantes: el manifiesto de la medusa, recurre a la figura de la medusa inmortal (Turritopsis Dohrnii) como símbolo de un bucle infinito, a través de un texto y danza de ficción. Esta criatura gelatinosa posee la habilidad de evitar la muerte a través de un proceso de desarrollo celular único. La performance pulsante proclama: ¡esta medusa invisible no perecerá nunca! Un manifiesto por la conciencia gelatinosa de una especie eterna.

As a symbol of an infinite loop Antoli’s performance Raving Gestures: Jellyfish Manifesto embraces the figure of the Immortal Jellyfish (Turritopsis Dohrnii) through fictionalised text and dance. This gelatinous creature possesses the ability to bypass death through a unique cell development process. The pulsing performance proclaims: This invisible medusa will never perish! A manifesto for the gelatine consciousness of an everlasting species.


25.02 - 07.05.2020

Comisaria/Curator: Bronwyn Bailey-Charteris, en representación de Index Foundation (Estocolmo) / on behalf of Index Foundation (Stockholm)

Actividades relacionadas/Related activities:Una edad de oro: pulso, pálpito, deriva. Rosana Antolí

PULSO. Gestos delirantes: el manifiesto de la medusa25.02.2020Performance Planta 4/Floor 419:00 h

Performers: Julián Pacomio, Paula Cueto, Paula Tweaker (Cruhda)Estilista vestuario/Stylist: Alejandra B. Pelayo

Rosana Antolí. Gestos delirantes: el manifiesto de la medusa, 2019

El nuevo trabajo escultórico de Antolí, Una marea de cuerpos: la mitocondria, es un cuerpo colectivo que cuenta con la participación de un coro de performers. En esta performance, la escultura se despierta como un entramado vivo de un cuerpo sin fronteras. Fragmentada pero moviéndose como un todo, la performance es un golpe palpitante en un bucle eterno, una corriente de marea a la deriva que recolecta fragmentos de cuerpos. La fragilidad de nuestros futuros colectivos se representa e interpreta mediante un encuentro con la alteridad.

Hosting a chorus of performers, the new sculptural work from Antoli, Una marea de cuerpos: la mitocondria is a collective body. In this performance the sculpture is awoken as a living entanglement of a body without borders. Fragmented yet moving as a whole, the performance is a throbbing beat, an eternal loop, a drifting tidal current collecting fragments of bodies. The fragility of our collective futures is performed and enacted by an encounter with alterity.


25.02 - 07.05.2020

PÁLPITO. Una marea de cuerpos: la mitocondria18.04.2020Performance Planta 4/Floor 412:00 h

Performers: Julián Pacomio, Paula Cueto, Paula Tweaker (Cruhda)Estilista vestuario/Stylist: Alejandra B. Pelayo

Rosana Antolí. Una marea de cuerpos: la mitocondria, 2019

La teórica Donna Haraway habla de la medusa como una de las “figuras tentaculares” capaces de entremezclar formas de sentir y conocer no humanas. En una línea similar, el misterioso instrumento musical del theremin se toca sin contacto y traduce gestos en sonidos. Es un instrumento de coreografías.

Para esta última performance, La melodía del theremin, se representarán en directo gestos recopilados y grabados en la exposición. Partiendo de la transparencia y el ritmo, la performance representa el archivo gestual. Un ejercicio de deriva, traducción y flotabilidad.

Theorist Donna Haraway speaks of the jellyfish as one of the ‘tentacular figures’ who are able to entwine modes of feeling and knowing in non-human ways. In a similar vein, the mysterious musical instrument of the theremin is played without touch and uses gestures to translate into sound. It is an instrument of choreography.

For this final performance Theremin Melody, recollected and inscribed gestures of the exhibition will be performed live. Drawing on transparency and rhythm, the performance plays the gestural archive. An exercise in drifting, translation and buoyancy.


25.02 - 07.05.2020

DERIVA. La melodía del theremin07.05.2020Performance Planta 4/Floor 419:00 h

Performers: Julián Pacomio, Paula Cueto, Paula Tweaker (Cruhda)Estilista vestuario/Stylist: Alejandra B. PelayoMúsico Theremin/Theremin performer: Javier Díez Ena

Rosana Antolí. La melodía del theremin, 2019


03.03 - 28.04.2020

Las cuatro sesiones del taller Fadaiat, a los cuidados de Noemí de Haro, ofrecen una oportunidad para acercarse a algunos de los temas que se abordaron en las páginas de las revistas Arena (1989) y Zehar (1989-2011) para repensar colectivamente los años en que tuvieron lugar, sus resonancias en el presente, así como las ideas que podemos proyectar para imaginar futuros. En una voluntad por abrir el espacio para las reflexiones críticas, para entretejer nuestras historias y para el potencial de la interpretación y la deriva, estos talleres generarán una serie de rastros o huellas en las salas a partir de los archivos presentes.

Más información en www.centrocentro.org

The four sessions of the Fadaiat workshop, under the care of Noemí de Haro, offer an opportunity to become acquainted with some of the issues that were discussed in the pages of the Arena (1989) and Zehar (1989-2011) magazines, in order to collectively rethink the years during which they took place, their resonances today, as well as the ideas that we can project in order to imagine futures. In an effort to intertwine our stories and to open the space to critical reflections and to the potential of interpretation and drifting, these workshops will generate a series of traces or footprints in the rooms, starting from the files that are present.

See www.centrocentro.org for more information

Comisaria/Curator: Laura Vallés Vílchez

Actividades relacionadas/Related activities:A través de la arena

Fadaiat, talleres de lectura en torno al proyecto A través de la arenaFadaiat, Reading workshops around the project A través de la arena03.03.2020 / 24.03.2020 / 14.04.2020 / 28.04.2020Talleres de lectura/Reading Workshops Planta 1/Floor 119:00 h


Participantes/Participants:A los cuidados de Noemí de Haro en colaboración con Inés Molina y Lola Visglerio, Universidad Autónoma de Madrid/Under the care of Noemí de Haro in collaboration with Inés Molina and Lola Visglerio, Universidad Autónoma de Madrid

Un encuentro A través de la arena An Encounter Across the Sand07.04.2020Encuentro/Open TalkPlanta 3/Floor 319:00 h


Participantes/Participants:Catherine David, Nuria Enguita Mayo, Laura Vallés Vílchez y Maider Zilbeti

Este encuentro se adentra en los modos de editar comisariando o comisariar editando, es decir, en los puntos de fricción entre ambas prácticas que han definido una modernidad en construcción (al tiempo que han hibridado), y desde lo que la editora de Arena, Mar Villaespesa, denominó “síndrome de mayoría absoluta”, ahora en juego. Una conversación que abordará cómo aquellas infraestructuras imaginadas a finales de los ochenta en las páginas de Arena y Zehar se han formado, deformado y transformado en el devenir de la producción y circulación de textos y objetos de arte, y cuáles pueden ser las nuevas preguntas a abordar desde las múltiples temporalidades e individualidades del presente.

This encounter delves into ways of editing by curating or curating by editing, that is, into the points of friction between both practices that have defined a modernity under construction (while at the same time they have become hybrids), and from what the editor of Arena, Mar Villaespesa, described as an “absolute majority syndrome”, now comprised. A conversation that will address how those infrastructures imagined at the end of the eighties in the pages of Arena and Zehar have been formed, deformed and transformed during the development of the production and circulation of texts and works of art, and what new issues we should address from the multiple temporalities and individualities of the present.

Escribir en voz alta, leer callados (Homenaje a Jean Laplace)Writing out loud, reading in silence (Tribute to Jean Laplace)Jon Mikel Euba15.04.2020Actividad de edición performativa/ Performative editing session Planta 1/Floor 119:00 h

El deseo de transformar la escritura como praxis en una suerte de metodología teórica ha sido, durante los últimos años, una de las líneas de trabajo de Jon Mikel Euba. Su posición como artista le permite adoptar un enfoque performativo que le permite imaginar otros modos de comunicar que surgen de procesos relacionados con el acto de leer en voz alta frente a los demás. Esta sesión abordará estás cuestiones a partir de un ejercicio de edición centrado en las prácticas más recientes de Euba.

The desire to transform writing as a practice within some sort of theoretical methodology has been, during the last few years, one of the lines of work of Jon Mikel Euba. His position as an artist allows him to adopt a performative approach that in turn enables him to imagine other ways of communicating that emerge from processes related to the act of reading out loud in front of other people. This session will tackle these questions from an exercise of editing centered around the most recent practices at Euba.


03.03 - 28.04.2020

Luis López Carrasco. El futuro, 2013 Cortesía de Elamedia y Encanta Films

DIBUMAD 2020. Feria de la ilustración

20, 21, 22.03.2020

Galería de Cristal/Glass Gallery20.03.2020: 12:00 - 21:00 h 21.03.2020: 11:00 - 21:00 h 22.03.2020: 11:00 - 19:00 h

Director artístico/Artistic Director: Quique Maqueda

Entrada gratuita/Free entry

CentroCentro organiza la tercera edición de la feria de ilustración DIBUMAD del 20 al 22 de marzo, en la Galería de Cristal. A lo largo de tres días, el público podrá visitar de forma gratuita el espacio y conocer y adquirir obras originales de más de 70 autores seleccionados por convocatoria pública; expositores de todos los ámbitos de la ilustración (urban sketchers, arquitectos, retratistas, ilustradores publicitarios, ilustradores editoriales, historietistas), cuyo trabajo permite conocer el panorama actual del sector así como comprobar la multitud de aplicaciones de la ilustración en las diferentes áreas de la comunicación visual.

De forma simultánea a la exposición y venta de obra, DIBUMAD contará con un programa de talleres gratuitos, impartidos por profesionales y dirigidos a visitantes de todas las edades. DIBUMAD 2020 contará asimismo con presentaciones profesionales, de portfolios, proyectos y publicaciones, que serán de acceso libre hasta completar aforo, así como de nuevo una gran instalación colaborativa en la que intervendrán ilustradores y público.

CentroCentro presents the third edition of DIBUMAD, a drawing and illustration festival that will be held in the Glass Gallery from March 20th to 22nd. DIBUMAD will feature some of the most prominent artists from the various professional fields of illustration. Through their work, visitors can discover the current state of illustration and its myriad applications in the different branches of visual communication. Over 70 artists will take part in a fair that will make original and limited edition works available to collectors from the general public.

In addition to the exhibition and sale of works, a parallel programme of free workshops will be held, given by professional illustrators and aimed at participants of all ages. There will also be presentations of books and illustration projects, group portraits, among many other activities, and the space will feature a large collaborative installation which illustrators and members of the public will all contribute to in order to create a vibrant, one-of-a-kind work.

2020

Absolute Beginners

16, 17.04.2020

Si CentroCentro fuera FueraFuera. Marc Vives 16, 17.04.2020Encuentro/Open Talk/PerformancePlanta 3/Floor 3

Comisario/Curator:Rafa Barber Cortell

Ciclo/Series:Absolute Beginners

Actividades Relacionadas/Related activities:There is Nothing in the Middle

Si CentroCentro fuera FueraFuera propone un cambio solapado de eje. Traer lo marino a lo terrestre o, lo contrario, desplazar el centro a los litorales. Se formula como una investigación abierta y compartida para el estudio de las capacidades políticas e idiosincráticas del cuerpo y sus tecnologías, como la voz, en un medio como el acuático. Tomando distancia de aquello terrestre, lejos “de fundamentos firmes, de equilibrio”, y a la vez dando voz al centro.

Si CentroCentro fuera FueraFuera (If CentroCentro was FueraFuera) proposes a surreptitious shift of perspective. It brings the marine to the terrestrial, or, alternatively, moves the centre toward the outer reaches. It is formulated as an open, shared investigation into the political and idiosyncratic capacities of the body and its technologies, such as the voice, in an aquatic setting. Distancing itself from the terrestrial, far from “firm foundations and balance”, while at the same time giving voice to the centre.

Más información sobre el grupo de investigación y performance en www.centrocentro.org

03 - 06.2020Encuentros y talleres/Open Talks and workshops

Ciclo/Series:VANG. Músicas en vanguardia

Equipo curatorial/Curators:Alberto Bernal, Marina Hervás, Anna Margules

Participantes/Participants:Carmen Pardo, Yuko Kakuta, Yukiko Sugawara-Lachenmann, Carlos Bermejo, David Toop, Iñigo Giner, Fran Cabeza de Vaca, Sonia Megías, entre otros.

La memoria y los objetos vertebran la edición 2019-2020 de VANG y también su programa de actividades paralelas. La objetualidad propone el asombro ante lo asumido como cotidiano y la memoria abre, a la vez, la pregunta por el tiempo y por aquello legitimado como digno de recuerdo. El programa paralelo consiste en charlas, talleres y encuentros que proponen cuestionar buena parte de las creencias sobre la música.

Memory and objects form the backbone of the 2019-2020 edition of VANG and its programme of parallel activities. Objectuality proposes amazement at what is assumed to be routine, and memory raises questions about time and about what is legitimised as being worthy of remembering. The parallel programme consists of talks, workshops and meetings that aim to question many of our beliefs about music.

Huellas sonoras: el trazo y el objeto

03 - 06.2020

Desde CentroCentro entendemos la práctica artística contemporánea como una herramienta de comunicación y de transformación social. Por ello hemos puesto en marcha esta línea de trabajo, en la que

buscamos generar un espacio de aprendizaje de carácter horizontal en el que diferentes colectivos, asociaciones, artistas y personas interesadas puedan reflexionar de manera conjunta sobre intereses compartidos.

At CentroCentro, we understand contemporary artistic practice as an instrument of communication and social transformation. That’s why we’ve launched this line of work, in

which we seek to create a forum for horizontal learning where different agents, associations, artists and public, in general, can engage in a joint reflection on shared interests.

Programme

February - May 2020

Collective Learning

Programación

Febrero - Mayo 2020

Aprendizaje colectivo


Planta 3/Floor 3

Comisaria/Curator:Ana García Alarcón

Actividades relacionadas/Related activities:STOP VUELVO PRONTO STOP. Linarejos Moreno

10.2019 - 05.2020


En el marco del proyecto STOP VUELVO PRONTO STOP de Linarejos Moreno se realiza una serie de talleres donde la sala se convierte en espacio de trabajo. La exposición se concibe como una gran pieza procesual participativa que toma como punto de partida los lienzos en blanco de la artista.

Dentro del programa del Ayuntamiento de Madrid, Madrid un libro abierto, de diciembre de 2019 a mayo de 2020, alumnado de primaria forma parte de esta actividad en la que crea, codifica al código Morse y transcribe en la superficie pictórica de las obras sus mensajes. Estos parten del telegrama y son generados en función de las líneas temáticas de las piezas: nacimientos, defunciones, felicitaciones, SOS y viajes.

Within the framework of Linarejos Moreno’s STOP VUELVO PRONTO STOP (STOP BACK SOON STOP) project, a series of workshops are being held in which the room becomes a work space. The exhibition is conceived as a large participatory process work that takes as its starting point the artist’s blank canvases.

Within the programme Madrid un libro abierto (Madrid an Open Book), organized by Madrid City Council, which runs from December 2019 to May 2020, primary school pupils take part in this activity in which they create, codify in Morse code and transcribe their messages on the pictorial surface of the works. These are based on the telegram and are generated in accordance with the thematic lines of the works: births, deaths, greetings, SOS and travel.


10.2019 - 05.2020

Una forma de hablar. Taller de relatos de ida y vuelta

Planta 3/Floor 3

Comisaria/Curator:Sara Martín


09.2019 - 06.2020

Foto: Lukasz Michalak

“La escritura es lo desconocido. Antes de escribir no sabemos nada de lo que vamos a escribir.

Y con total lucidez” Marguerite Duras

“Me gusta el espacio entre idiomas porque es el lugar del error o la equivocación, el ámbito

donde se dicen cosas no tan buenas como uno quisiera, o donde no se puede decir nada. Y

esto me parece útil a la hora de escribir porque siempre es bueno perder el equilibrio”

Anne Carson

Una forma de hablar es un espacio para transitar idas y vueltas que nos permitan, a partir del arte contemporáneo, intentar maneras de decir algo: poner nombres, conjugarlos, trastocarlos, pensar también en lo que no decimos, alejarnos de las certezas…, poner el cuerpo, componer relatos.

En CentroCentro como lugar de acogida, este Grupo de aprendizaje, disfrute y conversación formado por mujeres, nos juntamos semanalmente para generar actividad, buscar y aprender juntas, trabajando las formas del relato como figuras posibles desde la apertura de un mirar, un decir y un hacer tartamudo, inquieto y tal vez equivocado. Nos irán acompañando artistas con quienes trabajaremos en talleres específicos para dar forma, tiempo o espacios a esos relatos que están por venir, abriendo determinados momentos del proceso al público.

Se trata de un proyecto que comenzó su andadura el curso pasado formando parte de la línea de trabajo de Aprendizaje colectivo y que pretende acompañar, facilitar y escuchar lo que va pasando al tiempo que ayudar a pensar y dar forma a esta propia línea de trabajo. Un espacio pensado para el largo plazo, para estar en CentroCentro, ir y venir a partir de él y juntarnos en torno a su programación y nuestros intereses.

[email protected]

“Writing is the unknown. Before we write, we haven’t a clue what we’re going to write.

And with total lucidity“Marguerite Hard

“I like the space between languages because it is the place of error or mistake, the place where things are said that are not quite as

good as one would like them to be, or where nothing can be said. And I find this useful when it comes to writing, because it’s always good to

lose your balance”Anne Carson

Una forma de hablar (A Manner of Speaking) seeks to activate a space of toings and froings that allows us, through contemporary art, to try ways of saying something: to name it, to conjugate it, to subvert it, to also think about what we don’t say, to move away from certainties..., to integrate the body, to compose stories.

With CentroCentro as a place of welcome, this Group of learning, enjoyment and conversation formed by women, meets every week to generate activity and to search and learn together, working the forms of the story as possible figures, from the opening of a stuttering, restless and perhaps mistaken looking, saying and doing. We will be accompanied by artists with whom we will work in specific workshops to give form, timing or spaces to those stories that are to come, and certain moments of the process will be open to the public.

This is a project that began its journey before the summer as part of the line of work of Collective Learning; its aim is to accompany, facilitate and listen to what is happening while at the same time helping to think and give shape to its own line of work. A space devised for the long term, to be in CentroCentro, to come and go from there, and to gather together based on its schedule and our interests.

[email protected]

Una forma de hablar. Taller de relatos de ida y vuelta

09.2019 - 06.2020

La radio de las niñas y los niños de La Ciudad Sin Nombre

Un proyecto de/A project by:Arturo Babel y alumnado del CEIP Juan Ramón Jiménez

Levadura 2019 - 2020. Programa de residencias de creadores en escuelasUna co-producción de/A project co-produced by:Ayuntamiento de Madrid y Fundación Banco SantanderCon la participación de/With participation of:Pedagogías Invisibles

Presentación/Presentation24.04.202017:00 hPatio de operaciones/Former Operations Hall

09.03 - 24.04.2020

Ilustración: Laia Giménez

Levadura es un programa de residencias de creadores-educadores en escuelas de infantil y primaria. Tiene como objetivo introducir en las aulas conceptos y metodologías propios de la creación contemporánea. En este marco, artista y escuela trabajan de forma conjunta para desarrollar un proyecto artístico cuyo carácter procesual permita facilitar la participación y empoderamiento del alumnado y del profesorado.

CentroCentro participa, desde 2014, en este programa junto a Matadero, Medialab-Prado y el Centro Cultural Conde Duque. Mediante una convocatoria pública dirigida a creadores locales, se pone en valor un perfil de artista interesado/a en abrir su práctica artística al entorno educativo y que entienda su trabajo creativo como un vehículo de aprendizaje.

La Radio de las niñas y los niños de La Ciudad Sin Nombre, del creador Arturo Babel, ha sido el proyecto seleccionado en la convocatoria de Levadura 2019-2020 en CentroCentro, que va a ser desarrollado junto con los alumnos y alumnas del CEIP Juan Ramón Jiménez. Es un proyecto que pretende demostrar que la comunicación y la expresión tanto oral como artística son parte de nuestro aprendizaje y conocimiento y que la creación sonora y radiofónica son herramientas preciosas de aprehendizaje. Tomando como referente el imaginario de La Ciudad Sin Nombre (geografía ficticia compuesta por Babel para sus diferentes trabajos artísticos) el mismo creador ha desarrollado un nuevo proyecto con el que transformar (al menos durante un tiempo) la realidad; una creación sonora, un ejercicio de oralidad e imaginación activa a través del cual investigar nuestro pasado para entender el presente e imaginar el futuro.

Levadura (Yeast) is a programme of residencies for creators/educators in nursery and primary schools. Its objective is to introduce contemporary creation concepts and methods into classrooms. To this end, the artist and the school work together to develop an artistic project whose process-based nature facilitates the participation and empowerment of students and teachers.

Since 2014, CentroCentro has participated in this programme along with Matadero, Medialab-Prado and Conde Duque Cultural Centre. Via an open call for local creators, an artist is sought who is interested in opening their artistic practice to the educational environment and who understands their creative work as a vehicle for learning.

La Radio de las niñas y los niños de La Ciudad Sin Nombre (The Children’s Radio of The City Without a Name) by the creator Arturo Babel, has been the project selected in the call for proposals of Yeast 2019-2020 in CentroCentro, which will be developed together with the students of the Juan Ramón Jiménez Primary School. This project seeks to demonstrate that communication and expression, both oral and artistic, are part and parcel of our learning and knowledge and that sound and radio creation are precious tools for learning. Taking as a reference the imaginary of The City Without Name (a fictional geography composed by Babel for his different artistic works) the same creator has developed a new project with which to transform reality (at least for a while); a sound creation, an exercise in orality and active imagination through which to investigate our past in order to understand the present and imagine the future.

La radio de las niñas y los niños de La Ciudad Sin Nombre

09.03 - 24.04.2020

El Auditorio de CentroCentro tiene una programación muy diversa. Busca ser lugar de encuentro y generar una comunidad en la que, tanto desde el escenario como desde el público, se planteen cruces, hibridaciones

y simbiosis entre las distintas formas de hacer con sonido. También mostramos las creaciones más recientes, dando protagonismo a las nuevas generaciones de creadores de la escena nacional e internacional.

CentroCentro’s Auditorium has a very broad programme. It aims to create a community in which to explore –both on stage and in relation to the audience– blends, hybridisations and symbioses between the

different ways of operating with sound. We also showcase the very latest creations, putting the spotlight on new generations of national and international creators.

Programme

February - May 2020

Programación

Febrero - Mayo 2020

Music

Música

El Auditorio de CentroCentro tiene una programación muy diversa. Busca ser lugar de encuentro y generar una comunidad en la que, tanto desde el escenario como desde el público, se planteen cruces, hibridaciones

y simbiosis entre las distintas formas de hacer con sonido. También mostramos las creaciones más recientes, dando protagonismo a las nuevas generaciones de creadores de la escena nacional e internacional.

CentroCentro’s Auditorium has a very broad programme. It aims to create a community in which to explore –both on stage and in relation to the audience– blends, hybridisations and symbioses between the

different ways of operating with sound. We also showcase the very latest creations, putting the spotlight on new generations of national and international creators.

Programme

February - May 2020

Programación

Febrero - Mayo 2020

Musica

Disidencias. Las voces de la voz

Música/Music Auditorio/Auditorium19:30 h

Comisario/Curator: Jorge Fernández Guerra

Entrada/Admission: Libre hasta completar aforo/Free admission until full capacity is reached

11.02, 10.03, 14.04, 12.05.2020

Un ciclo que hace del concierto una variante de la voz está obligado a desmontar los mecanismos de un ritual que no ha sabido desembarazarse de los fetiches del espectáculo. Hoy, pensar el concierto, el acto de convocar a la gente a un espacio público para escuchar algo, exige una reflexión analítica sin concesiones. Está en juego la única posibilidad de lucidez que nos podemos permitir, la disidencia.

Un viejo problema filosófico nos habla de la dificultad de la voz como expresión viva del lenguaje (la voz de la muerte, Hegel, la voz de la conciencia, Heidegger, la escisión entre mostrar y decir, Wittgenstein, la voz como la armonía invisible, Heráclito…). Pero esta temática, supuestamente árida y cerrada al campo del especialista, nos ha vuelto a saltar a la cara con una nueva fisura entre pensar y decir con motivo de la eclosión de las redes sociales: la profusión de mensajes, el anonimato, las fake news, los discursos vanos…, todo ello invita a recurrir al pensamiento crítico con nuevos bríos y contundencia.

A series that transforms concerts into a variant of the voice is obliged to dismantle the mechanisms of a ritual that has not managed to break free from the fetishes of show business. Nowadays, the idea of a concert, the act of summoning people to a public space to listen to something, demands an analytical reflection without concessions. What is at stake is the only possibility of lucidity we can allow ourselves, dissent.

An old philosophical problem speaks to us of the difficulty of the voice as a living expression of language (the voice of death, Hegel, the voice of conscience, Heidegger, the split between showing and saying, Wittgenstein, the voice as invisible harmony, Heraclitus...). But this subject, supposedly arid and closed to the field of the specialist, has come back to the fore with a new fissure between thinking and saying on the occasion of the emergence of social networks: the profusion of messages, anonymity, fake news, futile speeches... all this invites us to resort to critical thinking with new vigour and forcefulness.

11.02.2020Los límites de la voz (The limits of the Voice)Kuraia EnsembleAndrea Cazzaniga, director. J.F. Guerra, lecturasObras de Olivier Messiaen, Maurizio Kagel, Andrea Cazzaniga, Sebastián Mariné y Mª Eugenia Luc 10.03.2020La voz de su amo (His Master’s Voice)Elvira Padrino y Manon Chauvin, sopranos. Omar Sánchez, piano. J.F. Guerra, lecturasObras de Francis Poulenc, Leonard Bernstein, Jake Heggie, Leonard Bernstein, Thomas M. Lauderdale y Kurt Weill

14.04.2020La voz articulada (The Articulated Voice)María Parra, piano y composición. Guadalupe Grande, poesía y recitado

12.05.2020La agonía de la voz (The Agony of the Voice)Jorge Fernández Guerra: Un tiempo enorme. Monodrama operísticoLaia Falcón, soprano; Mónica Campillo, clarinete

VANG III - Músicas en vanguardia

20.02, 19.03, 23.04, 21.05, 25.06.2020


Equipo curatorial/Curators:Alberto Bernal, Marina Hervás, Anna Margules

Entrada/Admission:Libre hasta completar aforo/Free admission until full capacity is reached

Actividades relacionadas/Related activities:Huellas sonoras: el trazo y el objeto

20.02.2020Hanna Hartman, Wade Matthews y Luz Prado19.03.2020Yuko Kakuta y Yukiko Sugawara23.04.2020DieOrdnungDerDinge21.05.2020Phace Ensemble y Peter Ablinger25.06.2020Ensemble Komboï, Gabriel Santander

La temporada 2019-2020 es la tercera en la que, con un nuevo equipo comisarial, VANG presenta en CentroCentro una cita mensual con diferentes manifestaciones artísticas y musicales. El nexo común sigue siendo la búsqueda y exploración de nuevos discursos sonoros.

VANG III viene marcada por el trenzado de dos líneas de acción: los objetos y la memoria. La atención a los objetos busca lo que está más allá de lo humano, con la exploración de los cuerpos y los lenguajes de las cosas que se resisten a ser traducidos a nuestro marco de comprensión. Los objetos, que articulan nuestros espacios cotidianos y, normalmente, son tratados con indiferencia, abren interacciones posibles impensadas cuando se pone en suspenso esa cotidianidad y se resignifican, sin exigirles que porten un mensaje.

Por su parte, el sonido sucede en, con, a través, a pesar del tiempo. Este, organización emocional, mecánica y –al menos– relativa, se experimenta de manera distinta en la vida cotidiana y en el hacer del sonido. En este es posible la repetición, la dilatación, la pausa o la interrupción; en aquella nos aferramos a lo lineal y lo causal (pasado, presente, futuro) para poder vivir. El sonido, así, desmiente lo meramente cronológico de la vida, pues tiene al tiempo al mismo tiempo que lo pierde, y eso permite pensar en el legado, la relación con la historia o el recuerdo como una ausencia o como cifra de una presencia que se ha desvanecido.

With a new team of curators, the 2019-2020 season is the third in which VANG presents a monthly meeting with different artistic and musical manifestations in CentroCentro. The common nexus continues to be the search for and exploration of new sound discourses.

VANG III is marked by the interweaving of two lines of action: objects and memory. Attention to objects has to do with the interest in that which is beyond the human, with the exploration of the bodies and languages of things that resist being translated into our framework of understanding. In a way, the object sounds like a question for the limits of human listening. Objects, which articulate our everyday spaces and are normally treated with indifference, open up possible unthought-of interactions when that same everydayness is put on hold and they are given new meaning, without requiring them to carry a message.

For its part, sound happens in, with, through, despite time. This, emotional, mechanical and –at the very least– relative organisation, is experienced differently in everyday life and when we make sound. In the latter, repetition, dilation, pause or interruption is possible; in the former, we cling to the linear and the causal (past, present, future) in order to be able to live. Sound thus denies the merely chronological organisation of life, as it has time at the same time as it loses it, and that makes it possible to think of the legacy, the relationship with history or memory as an absence or as a figure of a presence that has vanished.


Entrada/Admission: Libre hasta completar aforo/Free admission until full capacity is reached

29.01.2020 El origen de las bandasGrupo de Oboes y FagotesDirector: Vicente Fernández

26.02.2020Tejido humano sonoroGrupo de MetalesProfesor: Manuel Dávila

29.04.2020La familia que nació del centenoEnsemble de ClarinetesProfesor: Pedro Rubio

27.05.2020Tecnología y analogía musicalMáster Nuevas Tecnologías de la Música Actual: Creación de InterpretaciónDirección: Francisco Martínez

Músicas insólitas y repertorios sorprendentes. Real Conservatorio Superior de Música de Madrid

29.01, 26.02, 29.04, 27.05.2020

Ya sea a través de promotores externos o mediante la programación propia, CentroCentro ha sido consciente del potencial del escenario del auditorio para ofrecer una primera oportunidad a jóvenes intérpretes. En ese sentido, ha sido habitual la colaboración con diversos centros formativos. A lo largo de la temporada de 2019 pusimos en marcha junto con el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid un primer ciclo con esa premisa, orientada, fundamentalmente a obras de creación contemporánea.

Tras los buenos resultados artísticos obtenidos y la acogida entre los alumnos y profesores del Conservatorio, para la temporada 2020 mantenemos la apuesta, con un nuevo ciclo que, en esta ocasión, se dedica con exclusividad a formaciones de instrumentos de viento, ofreciendo una amplia panorámica de repertorios ya escritos para formaciones compuestas por un único tipo de instrumentos, y a otras en los que dialoguen simultáneamente diferentes tipos o, incluso, conciertos que convoquen la organicidad de los instrumentos con la electrónica.

Whether through external promotors or its own programming, CentroCentro has always been aware of the auditorium stage’s potential to offer an initial opportunity to young musicians. In this regard, it has become traditional to collaborate with various educational institutions. Throughout the 2019 season, we implemented, together with the Madrid Royal Conservatory, an initial series of concerts under that premise, aimed primarily at contemporary pieces.

Following the good artistic results obtained and the response from students and teachers at the Conservatory, we are continuing the project into the 2020 season, with a new series of concerts, Offbeat Music and Surprising Repertoires, which on this occasion are dedicated exclusively to formations of wind instruments, offering a wide panorama of existing repertoires for single-instrument ensembles, as well as others which dialogue simultaneously with different types of instruments, or even concerts that draw on the organicity of the instruments with electronics.

Músicas del Cosmos 2020. Cosmos 21


Entrada/Admission:Libre hasta completar aforo/Free admission until full capacity is reached

05.03.2020 La evolución del concepto tímbricoObras de Enrique Igoa, Llorenç Barber, Antonio Fernández Reymonde, Tomás Marco, Jesús Villa Rojo, Alberto Carretero, Carlos Galán, Gabriel Fdz. Álvez, Josep Mestres Quadreny

02.04.2020Rereading Beethoven

05.05.2020Homenajes a Manuel Angulo y a Jesús Villa Rojo

04.06.2020Los cuatro elementos. El agua I Obras de Sebastián Mariné, José Miguel Moreno Sabio, Maria Radeschi, Manuel Tévar, Carlos Galán, Aurora Aroca, Roberto Mosquera

05.03, 02.04, 05.05, 04.06.2020

Músicas del Cosmos constituye uno de los ciclos recurrentes por los que Cosmos 21 contribuye año a año a la difusión de la creación musical contemporánea.

CentroCentro acoge por primera vez una de estas ediciones, compuesta por cuatro conciertos.

El primero de ellos ofrecerá un recorrido sobre la evolución del concepto tímbrico en el panorama contemporáneo, el elemento que más caracteriza la transformación de la música actual. En el segundo, Rereading Beethoven (Beethoven releído), algunas de sus obras sinfónicas servirán de pretexto, lugar de encuentro y punto de partida para una improvisación abierta. La tercera cita rendirá homenaje al compromiso y rigor de Manuel Angulo y a la trayectoria de Jesús Villa Rojo, pionero en la música aleatoria y gráfica del país. Por último, Los cuatro elementos, hará del agua el elemento motriz del discurso sonoro.

Músicas del Cosmos is one of the first recurring series with which Cosmos 21 contributes year after year to the dissemination of contemporary musical creation.

CentroCentro is hosting one of these editions for the first time, composed of four concerts.

The first will offer a journey into the evolution of the concept of timbre on the contemporary scene, the element that is most characteristic of the transformation of music today. In Rereading Beethoven, some of his symphonic pieces serve as a pretext, a gathering place and a starting point for an open improvisation. The third concert pays homage to the commitment and rigour of Manuel Angulo and the career of Jesús Villa Rojo, a pioneer in Spanish aleatoric and graphic music. The four elements will make water the driving force behind their sonic discours in the last concert.

centrocentro.org

Plaza de Cibeles, 128014 Madrid+34 914 800 008www.centrocentro.org

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