principalesuna de las figuras más importantes de la pintura barroca española. pintor barroco, post...
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LOS
40PRINCIPALES
GRANDES
PINTORES
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, 6 de junio de
1599 – Madrid, 6 de agosto de 1660) conocido como Diego
Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los
máximos exponentes de la pintura española y figura indiscutible
de la pintura universal.
Pasó sus primeros años en Sevilla donde desarrolló un estilo
naturalista de iluminación tenebrista por influencia de Caravaggio.
Su estilo evolucionó hacia una pintura de gran luminosidad con
pinceladas rápidas y sueltas.
En su madurez, a partir de 1631, pintó grandes obras como La
rendición de Breda. En su última década su estilo se volvió más
esquemático y abocetado alcanzando un dominio extraordinario
de la luz. Este periodo se inauguró con el retrato del papa
Inocencio X, pintado en su segundo viaje a Italia y a él pertenecen
sus dos últimas obras maestras: Las Meninas y Las Hilanderas.
Su catálogo consta de 120-125 obras. Manet se sintió maravillado
con su pintura y lo calificó como «pintor de pintores» y «el más
grande pintor que jamás ha existido».
Conde-Duque de Olivares,
1624.
Las lanzas,
1634-1635.
Cristo crucificado,
1631-1632.
Bartolomé Esteban Murillo (Sevilla, 1617 – Cádiz, 3
de abril de 1682) fue un pintor español del siglo XVII. Es
una de las figuras más importantes de la pintura barroca
española.
Pintor Barroco, post renacentista de escenas
costumbristas y religiosas.
Su estilo se divide para un mejor análisis en tres fases o
periodos (denominados por Ceán Bermúdez): el estilo
frío (hasta 1652), el cálido (1652-1656), y el vaporoso
(aproximadamente de 1667 a 1682).
Dos elementos clave en la obra de Murillo serán la luz y
el color. En sus primeros trabajos emplea una luz
uniforme, sin apenas recurrir a los contrastes. Este
estilo cambia donde se aprecia un marcado acento
tenebrista, más tarde utilizara transparencias y juegos
de contraluces. Otra de las características de este
nuevo estilo será el empleo de sutiles gradaciones
lumínicas con las que consigue crear una sensacional
perspectiva aérea.
Bien es verdad que es fácilmente reconocible en el uso
de colores brillantes, de vaporosas superposiciones y
de fantasías elegantes y contenidas.
Niños jugando
a los dados,
1670-1675.
Adoración
de los
Magos,
1660-1665.
San Leandro, 1655.
Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos,
Zaragoza, 30 de marzo de 1746 – Burdeos, Francia,
15 de abril de 1828) fue un pintor y grabador
español. Su obra abarca la pintura de caballete y
mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas
desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El
arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la
Pintura contemporánea, y se considera precursor de
las vanguardias pictóricas del siglo XX.
Además, su obra refleja el convulso periodo histórico
en que vive, particularmente la Guerra de la
Independencia, de la que la serie de estampas de
Gran popularidad tiene su Maja desnuda, en parte
favorecida por la polémica generada en torno a la
identidad de la bella retratada. De comienzos del
siglo XIX datan también otros retratos que
emprenden el camino hacia el nuevo arte burgués.
Goya anticipa la pintura contemporánea y los
variados movimientos de vanguardia que marcarían
el siglo XX.
Fernando VII
en un campamento,
1814.
La degollación, 1808-1814.
Yo lo vi, 1810-1815.
Claude Monet (14 de noviembre de 1840 en París - 5 de
diciembre de 1926 en Giverny, también conocido como
Oscar Claude Monet y Claude Oscar Monet) fue un pintor
francés a quien a partir de la mitad de su carrera artística se
le adjudica el estilo impresionista. Sus primeras obras, son
de un estilo realista.
A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar
obras impresionistas. Un ejemplo de este período creativo
es la vista del puerto de El Havre títulada Impresión, sol
naciente, que le dió nombre al movimiento.
Uno de los propósitos de la pintura impresionista de Monet
era captar objetivamente la expresión etérea de la luz y el
color.
Monet aplicaba reglas propias tales como: perspectivas sin
profundidad o primeros planos que se veían influenciados
por su estudio de láminas japonesas, entonces populares en
círculos artísticos franceses.
Monet desarrolló el concepto de la "serie" en las que un
motivo es pintado con distintos grados de iluminación. Al
mismo tiempo comenzó a plantar su famoso jardín en
Giverny que luego utilizó como motivo para sus pinturas.
Garden at Sainte-Adresse, 1867.
The Thames
at
Westminster,
1871.
Mujeres en el jardín,
1866-1867.
Fernando Botero Angulo es un pintor, escultor y dibujante
colombiano nacido el 19 de abril de 1932 en Medellín
(Antioquia). Considerado el artista vivo originario de
Latinoamérica. Icono universal del arte, su extensa obra es muy
reconocida.
Desde sus inicios, Botero ha recurrido a escenas costumbristas,
inicialmente, con una pincelada suelta de colores oscuros (con
ocasionales contrastes fuertes) cercana al expresionismo y,
desde finales de los sesentas, ha recurrido a una pincelada
cerrada, con figuras y contornos más definidos.
A la orilla de esa carretera del arte contemporáneo, Botero ha
instalado durante cinco décadas una escuela de arte con un
graduado: él mismo.
En su obra reciente, Botero ha recurrido temáticamente a la
situación política colombiana y mundial. Por ejemplo, la serie
sobre "Abu Ghraib" está compuesta por 78 cuadros que tratan
de representar los horrores de la tortura y de la guerra,
relacionada con la invasión de los Estados Unidos a Irak, y los
sucesos de la Prisión de Abu Ghraib a partir de las
declaraciones de las personas allí torturadas.
Girasoles, 1977. El patio, 1999.
Violinista, 1998.
Lucian Freud (nació en Berlín el 8 de diciembre de 1922)
es un pintor y grabador británico.
En su primera exhibición individual, en la Lefevre Gallery, en
1944, expuso su celebrado cuadro "El Cuarto del Pintor".
The painter's room.
Las primeras pinturas de Freud a menudo están asociadas
con el surrealismo y muestran personas y plantas en
yuxtaposiciones inusuales. Estos trabajos están usualmente
hechos con pintura muy fina y a partir de los años 1950
empezó a realizar retratos, muy a menudo desnudos, sin
nada más, utilizando la técnica del empasto (o impassto).
Los colores son a menudo neutros.
Los temas de Freud son personas y sus vidas; amistades,
familia, colegas, amantes y niños. En contadas ocasiones
acepta retratos por encargo. Como él mismo dice en sus
memorias: "El tema es autobiográfico, cuanto tiene que ver
con la esperanza y la memoria y la sensualidad y la
participación, la verdad..." "Pinto gente, no por lo que
quisieran ser, sino por lo que son".
Girl wiht leaves,
1948.
Bella, 1986-87.
Large interior W. 11 (after Watteau), 1981-83.
Vincent Willem van Gogh (Zundert, Países Bajos, 30 de
marzo de 1853 – Auvers-sur-Oise, Francia, 29 de julio de
1890) Nació en Groot-Zunder, en el Brabante holandés, el 30
de marzo de 1853, pero vivió la mayor parte de su vida en
Francia.
En un principio su obra está influenciada por los
impresionistas y por la obra de los grabadores japoneses,
pero mas tarde adopta los brillantes matices pictóricos de
artistas franceses.
Más de 800 cuadros en nueve años como pintor definen
claramente la biografía de este magnífico pintor neo-
impresionista.
En la Provenza se dedicó a pintar escenas rurales, cipreses,
campesinos y variadas escenas de la vida cotidiana de la
región.
Su obra destaca por el uso del color y la frenética técnica que
contiene algunos trazos del expresionismo.
La técnica que empleaba era diferente según el efecto que
quería conseguir, cubría los planos con colores planos,
mientras que en otros cuadros ponía pinceladas amplias y a
veces perfilaba todo el dibujo con trazos gruesos. Otras
veces, trabajaba con un pincel duro rayando todas las
formas, según le interesara, acentuaba las líneas o el color,
El trazo con movimiento rítmico lo repetía tanto en los dibujos
como en las pinturas.
Campesino sentado
a la mesa, 1885.
Barcas de pesca cerca
de Saintes-Maries,1888.
Torso masculino
de escayola, 1886.
Pablo Ruiz Picasso (Málaga, España, 25 de
octubre de 1881 - Mougins, Francia, 8 de abril de
1973), conocido como Pablo Picasso, fue un
pintor y escultor, español, creador, junto con
Georges Braque y Juan Gris, del movimiento
cubista y considerado como aquel que revolucionó
el arte durante la primera mitad del siglo XX.
Si bien Picasso empleó, a comienzos de su
carrera, diversos estilos de pintura que van desde
el realismo clásico, la caricatura y hasta esbosos
de surrealismo (pintura ecléctica), no bastó mucho
tiempo, para que junto a su amigo Georges
Braque, lanzaran en 1909 el cubismo, que sin ser
estilo abstracto, rompía las márgenes del concepto
clásico de pintura hasta ese momento conocido.
Esta búsqueda incesante de nuevas fronteras en el
mundo de la percepción y la gráfica establecen al
innovador Pablo Picasso como maestro célebre de
las artes modernas.
Bailarina con velos,
1907.
La lectura, 1932.
Las Modistas,
1926.
Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milán, 29 de
septiembre de 1571 - Porto Ércole, 18 de julio de 1610)
fue un pintor italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y
Sicilia, entre los años de 1593 y 1610. Es considerado
como el primer gran exponente de la pintura barroca.
Salvo en sus principios, Caravaggio produjo
mayoritariamente pinturas religiosas. Sin embargo, a
menudo escandalizaba y sus lienzos, dos de los
reproches habituales eran el realismo de sus figuras
religiosas rozando el naturalismo temprano, así como
la elección de sus modelos entre la gente de más baja
condición.
Tomando como base las reglas del manierismo,
Caravaggio creó una nueva forma de naturalismo, en
la que combinó figuras cerradas con la observación
física, dramática y teatral de los objetos, a lo que sumó
el aprovechamiento del claroscuro, es decir, el uso de
luces y sombras.
Ecce Homo, 1604-1605.
Martirio de San Mateo, 1600/1.
Retrato de Alof de Wignacourt, 1608.
Tiziano Vecellio o Vecelli, conocido tradicionalmente
en español como Tiziano o Ticiano (Pieve di Cadore,
Belluno, 1477 - Venecia, 27 de agosto de 1576), fue
un pintor italiano del Renacimiento, uno de los
mayores exponentes de la Escuela veneciana.
Reconocido por sus contemporáneos como "el sol
entre las estrellas", Tiziano es uno de los más
versátiles pintores italianos, igualmente capacitado
para ejecutar retratos, paisajes (dos de los temas que
le lanzaron a la fama), escenas mitológicas o cuadros
de temática religiosa. Tuvo una larga y dilatada
carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes
etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente
que algunos críticos tienen problemas para creer que
los cuadros de su primera etapa y los de las
posteriores hayan salido de la misma mano.
En cualquier caso, el conjunto de su obra se
caracteriza por el uso del color, vívido y luminoso, con
una pincelada suelta y una delicadeza en las
modulaciones cromáticas sin precedentes en la
Historia del Arte occidental.
Sagrada Familia con un donante, 1513-1514.
Anunciación, 1557.
La venida del
Espíritu Santo,
1545.
Leonardo da Vinci (Leonardo di ser Piero da Vinci escuchar) fue
un pintor florentino y polímata (a la vez artista, científico, ingeniero,
inventor, anatomista, escultor, arquitecto, urbanista, botánico, músico,
poeta, filósofo y escritor) nacido en Vinci el 15 de abril de 1452 y
fallecido en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años.
Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus
obras más célebres, La Gioconda y La Última Cena.
En este sentido, se opuso al concepto de "belleza" ideal, defendiendo
la imitación de la naturaleza con fidelidad, sin tratar de mejorarla.
Contempló la fealdad y lo grotesco, como en sus dibujos de
personajes deformes y cómicos, considerados las primeras
caricaturas de la historia del arte.
Su dominio del color y la atmósfera le hizo ser el primero en pintar el
aire. La perspectiva aérea o atmosférica, como hoy se conoce, es
una característica inconfundible de su obra, en especial de los
paisajes, al considerar que la distancia se llenaba con aire y que éste
hacía que los objetos lejanos perdieran nitidez y se vieran azulados.
Su producción estuvo marcada por el claroscuro, la técnica de
modelar las formas a través del contraste de luces y sombras, así
como el sfumato, la técnica con la que difumina los contornos,
consiguiendo así la perspectiva atmosférica en sus paisajes.
Cabeza de mujer, 1480.
El Bautismo de Cristo, 1475-1478.
San Juan Bautista,
1510-1515.
Arturo Souto Feijoo nace en Pontevedra,
en julio de 1902, hijo del magistrado y pintor
Alfredo Souto Cuero, que fue su primer
maestro.
Souto tiene muy diferentes etapas como
pintor. Se inicia en un modernismo
decadentista, elegante y mundano. La sucede
otra muy francesa, con influencias que Van de
Bonnard a Toulouse-Lautrec. Salta a la
italiana, que recuerda a Chirico, y se
entusiasma con el arte japonés, del que da
una visión muy personal, de colorismo
exquisito y exultante. La etapa americana es
mucho más neutra de color, de intención
racista, hierática, influida por el muralismo
indigenista.
En medio, siempre, un pintor de mancha
nerviosa, barroquizante, muy moderno, capaz
de captar los más variados ambientes, desde
las fiestas populares al mundo del mar y de la
mitología.
Arlequín con bodegón,
1960.
Obxectos no espacio, 1958.
O sono, 1929.
Jan van Eyck (o Johannes de Eyck, Maaseik
cerca de Mastrique, h. 1390 – Brujas, antes del
9 de julio de 1441) fue un pintor flamenco que
trabajó en Brujas. Está considerado uno de los
mejores pintores del Norte de Europa del siglo
XV y el más célebre de los Primitivos
Flamencos.
Su estilo pictórico del gótico tardío en el siglo
XV, anuncia el renacimiento en el norte de
Europa. Este periodo del arte flamenco se
caracteriza por el naturalismo de vívidos colores
al óleo, la meticulosidad de los detalles, la
precisión de las texturas y por el logro de la
ilusión óptica de espacios tridimensionales sobre
superficies bidimensionales.
Fué fundador del Ars Nova (arte nuevo),
movimiento que se caracterizó por su
naturalismo.
El matrimonio Arnolfini, 1434.
El políptico de Gante
(detalle),
1432.
The Ghent
Altarpiece,
1432.
Beato Angélico O.P. más conocido como Fra Angélico O.P. o
Fray Juan de Fiésole O.P (Vicchio di Mugello (Florencia) 24
de junio de 1390 c. – Roma 18 de febrero de 1455), pintor
cuatrocentista italiano que supo combinar la vida de fraile
dominico con la de pintor consumado. Fue llamado Angélico
por su temática religiosa, la serenidad de sus obras y porque
era un hombre de extraordinaria devoción. Fue beatificado por
Juan Pablo II en 1982 pasando a ser el "Beato Fra Angélico".
Fra Giovanni Angelico, poseedor de un "raro y perfecto talento"
y menciona que "nunca levantó el pincel sin decir una oración
ni pintó el crucifijo sin que las lágrimas resbalaran por sus
mejillas".
Fra Angélico combinó la elegancia decorativa del gótico, aplicó
también las teorías sobre la perspectiva de León Battista
Alberti. Las expresiones de devoción en los rostros son muy
logradas, así como la utilización del color que consigue dar
mayor intensidad emotiva a la obra. Da a la pintura
renacentista temprana, naturalismo que refleja movimiento y
drama. Al mismo tiempo introdujo en la pintura un tratamiento
de la luz .
Su maestría en la creación de figuras monumentales, en la
representación del movimiento y en la capacidad para crear
planos de profundidad a través de la perspectiva lineal,
especialmente en los frescos realizados en Roma, lo confirman
como uno de los pintores más importantes del primer
Renacimiento.
Arcángel San Gabriel, 1437. Virgen con el niño,
1433. Virgen de la Humildad,
1433-1435.
Jeroen Anthoniszoon van Aken, llamado Hieronymus
Bosch o Jeroen Bosch,(Bolduque h. 1450 - agosto de
1516) fue un pintor neerlandés. En español es conocido
como El Bosco.
La protagonista de sus cuadros es la humanidad, que
incurre en el pecado y es condenada al infierno; la única
vía que parece sugerir el artista para redimirse se
encuentra en las tablas con vidas de santos, a través de
la imitación de sus vidas dedicadas a la meditación
aunque estén rodeados por el mal, sea en las tablas con
la Pasión de Cristo, a través de la meditación sobre las
penas sufridas por Cristo, para rescatar al género
humano del pecado universal.
En sus obras abunda el sarcasmo, lo grotesco y una
imaginería onírica. Una de las explicaciones para esto es
que 'El Bosco' aún se encuentra imbuido por la
cosmovisión medieval repleta de la creencia en
hechiceras, la alquimia, la magia, los bestiarios, los
tesaurus, las hagiografías... Además, en el 1500
abundaron los rumores apocalípticos.
Esto influye para que 'El Bosco' intente desde sus
pinturas dar un mensaje moralista, si bien de un
moralismo nada pacato sino, por el contrario, satírico; y si
'El Bosco', tiene mucho de medieval, por otra parte nos
anticipa al humanismo de la Edad Moderna.
Ecce Homo, 1485-1490.
La Creación del Mundo,
1480-1490.
Cristo con la cruz
a cuesta, 1500.
Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi
(Florencia, 1 de marzo de 1445 – Florencia, 17 de
mayo de 1510), apodado Sandro Botticelli, fue un
pintor cuatrocentista italiano. Su obra se ha
considerado representativa de la gracia lineal de la
pintura del primer Renacimiento, y El nacimiento de
Venus y La primavera son, actualmente, dos de las
obras maestras florentinas más conocidas.
Las pinturas de Botticelli tendrán contenido
filosófico , político y religioso alejándose un poco
de las escenas mitológicas y figuras alegres. Sus
cuadros permitirán vislumbrar la cultura y la política
florentina en la segunda mitad del siglo XV.
Es una de las grandes figuras del Renacimiento
por su delicado dibujo y excepcional colorido.
Botticelli se inicia en el arte de la orfebrería
desplegando su habilidad para el diseño decorativo
de las formas.
Fortaleza, 1470.
La Anunciación de Cestello, 1489.
La Virgen de la Granada, 1485-1487.
Doménikos Theotokópoulos, en griego Δομήνικος
Θεοτοκόπουλος (Candía, 1541 – Toledo, 1614), conocido
como el Greco («el griego»), fue un pintor del final del
Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus
obras de madurez.
Fue un apreciado maestro de iconos en el estilo posbizantino.
Más se transformó en un pintor renacentista.
Su formación pictórica fue compleja, obtenida en tres focos
culturales muy distintos: su primera formación bizantina fue la
causante de importantes aspectos de su estilo que florecieron
en su madurez; la segunda la obtuvo en Venecia de los
pintores del alto renacimiento, aprendiendo la pintura al óleo y
su gama de colores; por último, su estancia en Roma le
permitió conocer el manierismo, que se convirtió en su estilo
vital, interpretado de una forma autónoma.
Su obra la componen grandes lienzos para retablos de iglesias,
numerosos cuadros de devoción para instituciones religiosas -
en los que a menudo participó su taller- y un grupo de retratos
considerados del máximo nivel. Evolucionó hacia un estilo
personal caracterizado por sus figuras manieristas
extraordinariamente alargadas con iluminación propia,
delgadas, fantasmales, muy expresivas, en ambientes
indefinidos y una gama de colores buscando los contrastes.
Anunciación de época italiana,
1567-1577.
Inmaculada
Concepción,
1580-1586.
San Pedro y San Pablo,
1600.
José de Ribera (Játiva, 12 de enero de 1591 – Nápoles,
1652); pintor tenebrista español del siglo XVII, también
conocido como Giusepe de Ribera. Fue apodado por sus
contemporáneos Lo Spagnoletto. Perteneciente a la Escuela
valenciana de la primera mitad del s.XVII, José de Ribera ha
sido considerado como el punto de arranque del movimiento
naturalista en España, aunque la mayor parte de su vida la
pasó en Italia.
Influida por Caravaggio, su pintura presenta unos
marcadísimos contrastes tenebristas, con abundancia de
negras sombras, suavizados en su madurez por la inclusión
de un colorido y una luz estudiados de los maestros
venecianos. Poseedora, además, de unas calidades tan
cercanas al realismo que se hacen táctiles en telas y pieles,
su obra se caracteriza por una fuerza sorprendente y un
verismo que no omite ningún aspecto de la realidad, por más
cruel o desagradable que sea.
Sus temas pictóricos son mayormente religiosos; el artista
plasma de una forma muy explícita e intensamente emocional
escenas de martirios como, así como representaciones
individuales de medias figuras o de cuerpo entero de los
apóstoles. Ribera compondrá también obras de carácter
mitológico y profano, algunas de ellas excepcionales, siempre
guiado de la mano de la verdad que la naturaleza impone.
El Martirio de San Bartolomé,
1614. Virgen con el Niño
y San Bruno
Combate de mujeres,
1636.
Guillermo Muñoz Vera nació en Concepción, República de Chile,
en 1956. Ingresó en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de
Chile.Viajó a Madrid para estudiar anatomía y dibujo.
Su estilo es el "Realismo", aunque se lo señala también cerca del
hiperrealismo
Se le ubica, debido al resultado asombrosamente depurado de sus
obras, dentro del Realismo, en su tendencia de hiperrealismo por
mantener conexión con la visión fotográfica del encuadre y la
traducción fiel de la escena. Más puntualmente, la crítica lo sitúa
dentro de la segunda generación de realistas españoles,
destacándose como uno de los más talentosos e interesantes
miembros del grupo. Grupo que, pese a lo que se pueda creer, es
un movimiento de vanguardia.
En ese sentido, Muñoz Vera ha subvertido los cánones clásicos de
representación; hasta el siglo XIX, sólo la pintura de Historia podía
emplear grandes formatos. Los temas de la vida cotidiana eran
relegados a un formato menor, a una composición menos rígida y a
una menor severidad en la realización. Muñoz Vera hecha por tierra
esas convenciones y realiza una obra que genera inmediata
recepción en el espectador. Sus bodegones y paisajes carecen de
'tema', pues son simple descripción visual, manteniéndose al
margen de los tres elementos que actualmente negativizan la
pintura realista: lo sentimental, lo pintoresco y lo anecdótico. Nos
muestra la aceptación de lo cotidiano tal cual es, junto con dejar en
evidencia el aspecto complejo y netamente pictórico de los que nos
rodea.
"El Litri" en el Hotel Palace,
1996.
El tranvía de Lisboa,
1992.
Interior con tinajas III
Sebastián García Vázquez:
1904 - Nace en Puebla de Guzmán (Huelva)
el 29 de febrero.
1912 - Realiza sus primeros dibujos.
1917 - Se inicia en la pintura con Eugenio
Hermoso en Huelva.
1920 - La sociedad "Campo Baldío" le
concede una ayuda para estudiar Bella Artes
en Madrid.
1922 - Realiza su primera exposición
individual en la asociación "Álvarez
Quintero" de Huelva. Conoce a Salvador
Dalí.
1923 - Finaliza sus estudios de Bellas Artes.
1926 -Segunda exposición individual en
Huelva en el Círculo Mercantil. Vende una
obra al pedagogo D. Manuel Siurot. Se
prepara para estudiar Magisterio.
1928 - Se presenta a unas oposiciones de
Delineante de Obras Públicas. Trabaja en
Madrid en un taller de fabricación de mapas.
Carpintero,1932.
Recogida del trigo,1959.
Máscaras, 1982.
Joan Miró i Ferrà (Barcelona, 20 de abril de 1893 — Palma de
Mallorca, 25 de diciembre de 1983) pintor, escultor, grabador y
ceramista español, considerado uno de los máximos
representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en
el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio
mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas,
pasando a una pintura plana con cierto aire naïf.
A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica,
coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a
este movimiento. Miró manifestó su deseo de abandonar los
métodos convencionales de pintura, para poder favorecer una
forma de expresión que fuese contemporánea.
La obra de Miró se enmarca dentro de un estilo personal y a la
vez mágico, dentro de un universo complejo y vasto, trata de
pintar las fuerza ocultas de la naturaleza que se encuentran
dentro de su cosmos particular. También trata de retratar
sentimientos del hombre como: la ira y el sexo. Posteriormente
su atención fluye hacia ese cosmos oculto como: estrellas, lunas,
fosforescencias de ríos a través de las constelaciones del cielo,
trata de unir las fuerzas sobre naturales con las fuerzas
terrenales, el universo con las plantas, con el hombre. El origen
del hombre lo encontramos en grafittis primitivos como los de las
cuevas de Altamira, y posteriormente el hombre moderno los
realiza en nuestras las grandes ciudades, entre unos y otros se
sitúa la pintura de Miró.
Amanecer, 1946.
Caballo, Pipa y Flor roja, 1920.
El huerto, 1920.
ESCULTORES
Alonso González Berruguete (Paredes de Nava,
Palencia, España c.1490 — Toledo, España, 1561),
escultor castellano del Manierismo, hijo del pintor Pedro
Berruguete, es uno de los referentes fundamentales de
la imaginería española del Renacimiento. También
realizó obras pictóricas.
Aprendió pintura y escultura en el taller familiar.
La obra de Alonso es amplia y diversa, su doble faceta
de pintor y escultor nos dejó obras de arte en ambas
disciplinas.
Escultura: En esta faceta, Berruguete es incomparable, y
sus creaciones la mayoría de las veces de un estilo tan
personal (tal es su fuerza creativa y su poder
transformador) que es difícil poderlo clasificar dentro de
una u otra tendencia artística.
Se supone que Berruguete debía tener bastante
conocimiento del cuerpo humano, adquirido a fuerza de
observación, de estudios prácticos sobre el natural,
como sus modelos, y posiblemente a estudios científicos
hechos en tratados de anatomía y acaso en la disección
de cadáveres, dada la apariencia de los cuerpos. Pero,
como señala Ricardo de Orueta, muchas veces es la
pasión o el sentimiento lo que se exterioriza en su obra.
San Sebastián,
1488-1561.
Adoración de Magos,
1488-1561.
El Sacrificio de Isaac,
1488-1561.
Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni
(Caprese, 6 de marzo de 1475 – Roma, 18 de febrero
de 1564), conocido en español como Miguel Ángel,
fue un escultor, arquitecto y pintor italiano
renacentista, considerado uno de los más grandes
artistas de la historia tanto por sus esculturas como
por sus pinturas y obra arquitectónica. Estudioso del
movimiento, siendo innovador y presentando nuevas
soluciones.
Triunfó en todas las artes en las que trabajó,
caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura,
según había declarado, era su predilecta y la primera
a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi
como una imposición por parte de Julio II, y que se
concretó en una obra excepcional que magnifica la
bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años,
realizó proyectos arquitectónicos.
Toma posesión del espacio, el volumen es una
preocupación de su escultura, da siempre el volumen
adecuado. Sus composiciones escultóricas están
llenas de ritmo, inspirado en la propia vida.
Trabaja siempre grandes bloques de mármol, nunca
hace añadidos. Suele trabajar sólo por lo que es un
maestro del cincel, realiza desde el vaciado grueso
hasta la pulido del mármol.
La Piedad de Miguel Ángel,
1475-1564.
El David,
1475-1564.
Virgen con el Niño,
1475-1564.
Gian Lorenzo Bernini (Nápoles, 7 de diciembre de
1598 - Roma, 28 de noviembre de 1680) fue un
escultor, arquitecto y pintor italiano, uno de los
artistas más destacados del Barroco.
Nació en Nápoles, Italia. Escultor, arquitecto y
diseñador, artista célebre creador de la escultura
estilo Barroco en el siglo XVII.
Estudios iniciales de la escultura grecorromana ya
existente en el Vaticano y las obras de Miguel Angel
fueron su fuente de inspiración. Entre ellos se
incluyen fuentes públicas, decoración de iglesias y
obras arquitectónicas.
La técnica de Bernini, cuando trabaja en marmol, es
de un realismo exhuberante, sobre todo cuando se
trata de expresiones del rostro. Y en lo relativo a la
textura de la piel y las sombras fue un innovador en
su época, apartándose de la manera de Miguel Angel
e influenciando para siempre lo que conocemos
como estilo clásico de escultura.
La base de la formación artística de Bernini fue el
estudio de la tradición grecorromana. Sus
restauraciones revelan el gusto por la precisión, por
la interpretación original del helenismo y el respeto
por la integridad de la obra, como en el Hermafrodito.
David, Nápoles, Italia
1568-1680
David, Nápoles, Italia
1568-1680
David, Nápoles,
1568-1680.
Pluto y Proserpina,
1598-1680.
Apolo y Dafne,
Nápoles,
1598-1680.
Donatello (Donato di Niccolò di Betto Bardi)
(Florencia, Italia, 1386 – ibídem, 13 de diciembre de
1466) fue un famoso artista y escultor italiano de
principios del Renacimiento. Junto con Leon Battista
Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los
padres del renacimiento. Donatello destacó en una
fuerza innovadora en el campo de la escultura
monumental y en el tratamiento de los relieves,
donde logró representar una gran profundidad dentro
de un mínimo plano, denominándose con el nombre
de stiacciato, es decir «relieve aplanado o
aplastado», a través de sutiles juegos de luz y
sombra las figuras podían estar organizadas en una
ilusión de profundidad, donde los grupos de figuras,
el paisaje y los elementos arquitectónicos se
superponen una detrás de otra en innumerables
superposiciones.
Donatello sentó bases claras respecto a la escultura
renacentista. De raíz clásica romana, dejó un legado
magnífico puesto que sus obras fueron realizadas
utilizando una vasta gama de materiales y técnicas,
las que dominó a la perfección. Artística que desterró
los estilos medievales. Esculpe, talla y graba
utilizando marmol, metal, madera, terracota y piedras
nobles.
Monumento a El Gattamelata,
1386-1466.
Virgen con el Niño y Santos,
1386-1466.San Marcos,
1386-1466.
Luisa Ignacia Roldán Villavicencio (Sevilla 1652-Madrid
1706), conocida popularmente como La Roldana, nace en
Sevilla el 8 de septiembre de 1652 y fallece el 10 de enero
de 1706.
Es una de las principales figuras de la escultura del Barroco
en la Andalucía de finales del siglo XVII y principios del
XVIII.
En 1686 marcha a Cádiz para realizar diversos trabajos; en
1688-89 viaja a Madrid, en donde trabajará como escultora
de cámara para los monarcas Carlos II y Felipe V.
A pesar de su fama, su trabajo para un mecenas
madrileño,también se dedicaba a pintar sus tallas.
Su obra, muy abundante y principalmente de imaginería,
también terracotas de pequeño formato. La Roldana tiene
un estilo propio. Aunque hereda de su padre la técnica, la
iconografía y el realismo expresivo de sus tallas en madera,
realizó un nuevo tipo de escultura llena de ternura y poesía.
Constituye uno de los escasísimos ejemplos de artistas
femeninas en la historia del arte que obtuvo consideración
social como artista, pese a su género, lo cual dice mucho
tanto de su personalidad como de su talento.
Sagrada Familia con el Niño
dando sus primeros pasos,
1692-1706.
San Servando, 1687. Ecce Homo, 1684.
Antonio Canova (Possagno, 1 de noviembre de 1757 -
Venecia, 13 de octubre de 1822) fue un escultor italiano.
Nació en Possagno, Italia. Escultor considerado como el
más importante del período Neoclásico. Sus obras más
conocidas representan personajes mitológicos y
religiosos.
Su estilo y técnica incomparables lo situan entre los más
grandes maestros de la escultura clásica italiana.
El nombre de Canova se asocia esencialmente a
esculturas de mármol de acabado y pulido perfectos, que
encarnan la belleza ideal y son frías y distantes, libres de
la expresión de cualquier sentimiento o turbación. Este
escultor, plasmó la belleza natural en reposo, libre de
cualquier movimiento espontáneo y con una monocromía
y simplicidad que contrastan vivamente con la etapa
precedente.
Fue un escultor que se forjó a través del estudio y el
trabajo; mediante la práctica diaria del dibujo, por
ejemplo, perfeccionó su plasmación del desnudo y superó
las deficiencias de sus primeros estudios anatómicos.
Paulina Borghese, Italia
1757-1822.
Cupido y Psyche,
Italia 1757-1822.
Venus y Marte, Italia
1757-1822.
Benvenuto Cellini (Florencia, 3 de noviembre de
1500 - 13 de febrero de 1571) fue un escultor,
grabador y escritor florentino. Se convirtió en uno de
los orfebres más importantes del Renacimiento
italiano y realizó monedas labradas, joyas, floreros y
adornos exquisitos.
Nació en Florencia, Italia. Gran escultor y orfébre de
estilo manierista. Cellini ocupa un sitial destacado en
la historia de la escultura por la excelencia y
perfeccionismo de sus obras, las que han servido de
ejemplo para los escultores clásicos posteriores a él.
Cellini ha sido considerado como un prototipo del
hombre del Renacimiento y uno de los más
conspicuos escultores del Manierismo tanto en
mármol, en su desnudo Crucifijo de El Escorial, como
sobre todo en bronce. El Perseo degollando a
Medusa, elaborado pedestal marmóreo con arpías y
máscaras entre las que se abren cuatro hornacinas
con dinámicas y elegantísimas figuras alusivas al mito
de Perseo, una de las cimas expresivas del
Manierismo maduro, excelso en el relieve de La
Liberación de Andrómeda hoy en el Museo Bargello.
Cosimo Medici, Florencia
1500-1571.
Salero en oro del
rey Fernando I,
Italia 1500-1571.
Cristo en la cruz,
Florencia, 1500-1571.
Pablo Serrano Aguilar (Crivillén, Teruel, 10 de
febrero de 1908 – Madrid, 26 de noviembre de
1985) fue un escultor español. Es considerado
uno de los artistas españoles más importantes
del siglo XX.
Crea numerosas esculturas. En 1957 expone
individualmente en el Ateneo de Madrid obras
expresionistas Interpretaciones al retrato en las
que capta magistralmente lo que el propio
Serrano denominaba «rostro metafísico» y
abstractas Hierros encontrados y soldados
reinventando la tradición de la forja que inició
Julio González. Posteriormente inicia su serie
Quema del objeto utilizando el fuego como
destrucción y a la vez creación de un nuevo
orden; estas innovadoras y radicales
experiencias sobre el volumen vacío en relación
con las teorías de Martin Heidegger las realizará
en ciudades como Milán, Berlín o en el MoMA de
Nueva York. Muy valorados por la crítica también
son los Ritmos en el espacio, esculturas móviles
que gravitan con gran elegancia, desprovistas
casi por completo de volumen. Expone en los
principales museos de Europa y América
convirtiéndose en uno de los artistas más
influyentes de la segunda mitad del siglo XX.
Venida de la Virgen,
Zaragoza,1969.
Unidades-yunta,
Madrid,
1972.
Escultura
de Unamuno
en Salamanca,
1968.
François Joseph Bosio fue un escultor monegasco (Mónaco, 1768 -
París, 1845). Artista oficial bajo el Primer Imperio Francés y la
Restauración.
Nació en el principado de Mónaco. Escultor francés del
período neoclásico europeo que realizó sus estudios en
Francia e Italia. Creador de estatuas monumetales de metal y
marmol como también de bustos para nobles, que lo hicieron
famoso en su patria.
En sus Obras destacan:
•Estatua ecuestre de Luis XIV
•Cuadriga, que corona el Arco de Triunfo del Carrusel.
•Apoteosis de Luis XVI
•Francia y la fidelidad
•Aristeo
•Jacinto
•hercules
•Retrato de Carlos X
Ninfa de Salmacis,
Mónaco,
1768-1845.
Duquesa de Angouleme,
Mónaco, 1768-1845.
Luis XV, Mónaco,
1768-1845.
Alonso Cano de Almansa (Granada, 19 de
marzo de 1601 - 3 de octubre de 1667) fue un pintor,
escultor y arquitecto... en fin un gran artista,
posiblemente el más completo de su época.
Sus obras fueron una mezcla entre el
manierismo italiano y el Barroco. Sus dibujos fueron
de lo más destacado de su obra. Al igual que
Velázquez, evolucionó del tenebrismo a un estilo
colorista, aunque con carácter propio.
Como escultor, sus obras más famosas son el
retablo de Nuestra Señora de la Oliva en la iglesia de
Lebrija, y las figuras colosales de San Pedro y San
Pablo.
Como imaginero Cano ha dejado numerosa
obras de arte, entre la que destaca su conocida
Inmaculada del facistol de la Catedral de Granada,
obra maestra realizada en 1655.
En Sevilla realiza Cano otra de sus obras
importantes, la Inmaculada Concepción que se
venera en la parroquial Iglesia de San Julián.
Catedral de la Encarnación
de Granada,
1526-1561.
Inmaculada
1655 y 1656.
Santa Teresa de Jesús,
1628.
FOTOGRAFOS
Michael Martin nació en Munich en 1963. Estudió
Geografía, Etnología y Ciencias Políticas en Munich.
Brillante fotógrafo y cualificado geógrafo alemán. Amante
de los desiertos. Lleva veinte años explorando los más
remotos lugares del mundo. Ha publicado 15 libros de
fotografía. Sus más recientes publicaciones fueron sobre
los desiertos de África.
Este fotógrafo famoso lleva más de 20 años viajando por
todos los desiertos de la Tierra. Como la primera vez que
conoció este medio, Michael Martin siente hoy aún una
gran fascinación por las insólitas formaciones naturales y
los paisajes geográficos del desierto, por su
extraordinario mundo animal y vegetal y por los hombres
que lo habitan.
En sus espectaculares y conmovedoras fotografías
muestra no sólo estos inhóspitos y a la vez seductores
paisajes, sino a los hombres que han creado allí su
hogar. Ellos constituyen el principal centro de atención
de su trabajo.
El libro de fotografías muestra, sobre todo, que los
desiertos son ecosistemas que hay que proteger,
porque, además de arena y rocas, albergan una gran
riqueza en formas de vida y cultura.
Beduinos de Omán
Cráter ardiendo
en el desierto de Karakum,
Turkmenistán
Formación rocosa en la meseta
de Tassili del Hoggar, Argelia.
Marcelo Gurruchaga, desde 1983 se dedica
profesionalemente a la fotografia en los campos de la
publicidad y la naturaleza. Se desempeña en la
docencia desde el año 1992 dictando cursos
particulares y como profesor de la materia Fotografia
en las Universidades de Buenos Aires, UADE y
Belgrano en las carreras de Diseño Grafico, Diseño
Industrial y Arquitectura. Asimismo dicta clases para el
Master de Conservacion del CICOP (Centro
Internacional de la Conservacion del
Patrimonio).Desde hace mas de veinte años se
interesa y trabaja en cuestiones patrimoniales, tanto
naturales como historico –El fotógrafo profesional
Marcelo Gurruchaga capta la bella y gélida Antártida
en su nuevo libro "Antártida. Los colores del desierto
frío", tras un viaje a bordo del buque del Programa
Antártico Argentino.
"Antártida. Los colores del desierto frío" es el
nuevo libro que acaba de presentar este prestigioso
fotográfo argentino.
Gurruchaga se dedica profesionalmente a la fotografía,
desde hace más de 25 años. Le interesa la
arquitectura y la naturaleza, entre otras cosas.
Atardecer en la Antártida
Rompehielos en la Antártida
Gaviotin en la Antártida
Valentí Zapater nació en Barcelona en 1966.
En su vida hay tres caminos que han
convergido:
el camino de la fotografía, primero como
"amateur", luego, en 1999, como profesional;
el camino de la naturaleza (como biólogo), que
me ayuda a buscar determinados paisajes,
plantas y animales, y saber lo que estoy
fotografiando;
y el camino de la espeleología y el montañismo,
que me permite llegar a los paisajes más
alucinantes
(montañas nevadas, fabulosas grutas, profundos
cañones y solitarias playas) con el equipo
fotográfico necesario.
Al fotógrafo español Valentí Zapater le apasiona
la fotografía de naturaleza, y en especial, el
agua.
Después de licenciarse en Biología por la
Universidad Autónoma de Barcelona, en 1989,
decidió encaminar su vida hacia la fotografía.
Tras varios cursos de formación, exposiciones y
premios nacionales e internacionales, Zapater
se ha consagrado como un gran fotógrafo de
naturaleza .
Un rincón del barranco de Furco.
Broto, Pirineos
Cascada en el barranco del río Escarra.
Escarrilla, Pirineos
Detalle del río Aguaslimpias,
Sallent de Gállego, Pirineos
Tino Soriano, nacido en Barcelona en septiembre de
1955, es un distinguido fotógrafo con numerosos
galardones nacionales e internacionales como el
Humanity Photo Award de la Unesco en tres ocasiones
o el Premio Canon-Europa de la OMS; posee cinco
galardones Fotopres, el The Essence of Humanity
(Nueva Zelanda) y el premio más prestigioso del
mundo, el World Press Photo, concedido el año 1999.
Los viajes y la vida cotidiana son sus pasiones, sin
embargo para el fotógrafo lo más emocionante es
hacer de altavoz de los problemas infantiles y las
injusticias porque quiere que su trabajo "sirva para
algo". En abril de 2004 recibió el galardón ―Lente de
Plata‖, al mejor reportaje sobre México publicado en
todo el mundo. En el año 2006 la Academia de
Ciències Mèdiques de Catalunya destacó su labor en
la difusión del mundo de la Medicina.
Tino Soriano es autor de numerosos libros como
Fotografía de viajes (Editorial Juventud, 2000), Dalí,
1903-2003 (Edicions 62), La otra Barcelona (Editorial
Proa, 2002), Banyoles (Focal Ediciones, 1997), entre
otros.
Soriano se implica en numerosos proyectos
humanitarios porque como el mismo confiesa "hay muy
pocos fotógrafos que entren en los hospitales y para
mí es un campo inacabable de trabajo".
Observaciones
desde México
Una mirada desde
Moscú desde la cámara
de Tino Soriano
Yanire Fernández [Yanyel], esta estimada
chica nació en 1987 en Valladolid, España, su
trabajo fotográfico en su mayoría se centra en
autorretratos, con pasión inexplicable juega
con su cuerpo y lo deja plasmado en estas
exquisitas fotos, mis toscas palabras dañan la
integridad de estas maravillosas fotos, por
esto, ella puede explicarlo sutilmente,
Mi fotografía suelen ser autorretratos, surgió
de manera involuntaria al no tener a mi
disposición alguien que hiciera de modelo las
24 h del día. Así descubrí que la mejor manera
de expresar lo que uno lleva dentro es
situandote a la vez delante y detrás de la
cámara.
Tengo la necesidad ser diferente a todo lo
demás; de transmitir sensaciones,
sentimientos, inquietudes, conflictos; hacer ver
que cada pequeña cosa es especial; crear
irrealidades reales, tensiones, historias;
repeler la indiferencia, ser sutil…
―Yanyel‖ ―Yanyel‖
―Yanyel‖
ILUSTRADORES
DE
COMICS
José Escobar Saliente (o Josep Escobar i Saliente)
(Barcelona, 22 de octubre de 1908 - 31 de marzo de 1994)
fue un historietista, inventor y pionero de los dibujos
animados, caricaturista, y comediógrafo español que firmaba
como Escobar. Se le considera uno de los "cinco grandes"
de la Editorial Bruguera en los años 50, junto a Conti, Cifré,
Giner (éste, dibujante en serio) y Peñarroya, siendo el de
carrera más extensa de todos ellos, gracias a series como
Zipi y Zape y Carpanta, de gran impacto popular.
En los años veinte simultanea su puesto de funcionario de
correos con su carrera como dibujante, iniciada con la
publicación de una historieta en un concurso de la revista
Virolet de Editorial Baguñá. Animado por esto hecho,
colaborará en la revista La Gralla y el Diari de Granollers.
Ya como profesional, publica en L'Esquella de la Torratxa.
Durante esta década también pertenece un grupo de teatro
aficionado.
En los años treinta colaboró en varias revistas, como Papitu,
Pocholo y TBO, siendo incluso editor de la efímera
L'Esquellot de Granollers entre 1933 y 1934. En 1933 realizó
también la película de dibujos animados La rateta que
escombrava l'escaleta (La ratita que barría la escalerita),
adaptación del cuento popular La ratita presumida, con el
fotógrafo José Bosch. En 1938 ingresó en "Hispano Grafic
Films" como animador.
Francisco Ibáñez Talavera (Barcelona, 15 de
marzo de 1936), es un historietista español,
perteneciente a la segunda generación o
generación del 57 de la Escuela Bruguera, junto a
autores como Figueras, Gin, Nadal, Raf, Segura,
Martz Schmidt o Vázquez. Creador de multitud de
series humorísticas, como la popular Mortadelo y
Filemón, muchas de sus series se perciben
todavía en España como un icono esencial de
varias generaciones y muchos otros dibujantes de
cómic posteriores reconocen su gran influencia.
Nacido en Barcelona, Francisco Ibáñez trabajó en
un banco, labor ésta que compaginaba con
colaboraciones para revistas como Alex (1951),
Chicolino, y La Risa (1954). Para esta última
revista, creó portadas y series como Don Usura,
Kokolo, El coleccionista de relojes, La familia
Repollino y sobre todo Haciendo el indio, la
primera de cierto éxito del autor, al ser reproducida
también en el suplemento semanal de La Prensa
de Barcelona.
El propio Ibáñez se ha caricaturizado numerosas
veces en sus historietas, llegando a ser un
personaje más e incluso el principal en algunas.
Juan López Fernández, conocido como Jan, es un historietista
español (Toral de los Vados, comarca de El Bierzo, provincia de
León, Castilla y León; 13 de marzo de 1939). Autor de
variopintos y carismáticos personajes entre los que destacan
Pulgarcito y Superlópez, se ha convertido en un pilar del cómic
de humor español por su uso del color y su humor tierno e
inteligente.
Jan nació en la localidad berciana de Toral de los Vados, pero
en su pronta niñez Jan se traladó con su familia a Cataluña,
residiendo en la ciudad de Barcelona.
En 1956 trabajó profesionalmente en los Estudios Macián como
rotulista aprendiendo el oficio de animador, al mismo tiempo que
realiza sus primeros trabajos en el mundo del tebeo al colaborar
con la revista Yumbo de Hispano Americana de Ediciones.
Colabora en revistas como Gaceta Junior y Strong, aportando
personajes como Lucas y Silvio o Don Talarico, ambos de 1971.
En 1974 consigue colocarse en la editorial Bruguera, e ilustrar
historietas y troquelados sobre los personajes de dibujos
animados más famosos de la televisión, como Heidi (1975-76),
Marco (1977) y La Abeja Maya (1978).
Y tras su gran carrera, recibe el Gran Premio del Salón del
Cómic de Barcelona.
Georges Prosper Remi (Etterbeek, 22 de mayo de
1907 - Woluwe-Saint-Lambert, 3 de marzo de 1983),
historietista belga, más conocido por el seudónimo
artístico de Hergé, por ser ésa la pronunciación de
sus iniciales invertidas (R.G.) en francés.
Georges Remi fue el creador de Las aventuras de
Tintín en 1929, que a día de hoy siguen ejerciendo
una importante influencia en el mundo de las
historietas, particularmente en Europa. Además de
esta serie, Hergé creó otras con diferentes
personajes, entre las que cabe señalar Las
aventuras de Jo, Zette y Jocko y Quique y Flupi.
En 1973, Hergé recibió el Premio Saint-Michel, y en
1977 le fue otorgada la Medalla bermeja de la ciudad
de Angulema, en Francia. En 1978, Hergé fue
nombrado Oficial de la Orden de la Corona, en
Bruselas.
René Goscinny (14 de agosto de 1926 – 5 de noviembre
de 1977) fue un dibujante y guionista de historietas
francés. Goscinny es uno de los autores franceses de
mayor éxito en todo el mundo, con más de 500 millones
de libros vendidos, traducidos a más de treinta idiomas.
Su creación de mayor éxito fueron las aventuras de
Astérix el Galo, junto al dibujante Albert Uderzo en Pilote
(1959). Otros destacados trabajos suyos son las series
Lucky Luke, El pequeño Nicolás, y el Gran Visir Iznogud.
Se graduó en Bellas Artes y pronto se convirtió en uno de
los más jóvenes ilustradores que trabajaba en una
agencia de publicidad.
Trabajarán en las historias de ―Lucky Luke‖ ( Morris de
dibujante y Goscinny en los guiones). Seguirían
trabajando juntos hasta 1977 ( año en que fallece
Goscinny)
En los años 50 crea ―el pequeño Nicolás‖ , con los dibujos
de SEMPÉ.
Cuando se crea la revista PILOTE, comienza su
colaboración con Uderzo en Astérix y Obélix. La serie de
Asterix, pronto se convirtió en la más popular de Francia,
traspasando las fronteras y siendo traducida a casi todos
los idiomas.
