Historia de la pintura

La historia de la pintura ha tenido un desarrollo cronológico y estilístico paralelo en gran medida al resto de las artes plásticas, si bien con diversas particularidades en el tiempo y el espacio debidas a numerosos factores, desde los derivados de las diversas técnicas y materiales empleados en su confección hasta factores socio-culturales y estéticos, ya que cada pueblo y cada cultura ha desarrollado a lo largo del tiempo distintos conceptos de plasmar la imagen que recibe del mundo circundante.

La pintura es el arte y técnica de crear imágenes a través de la aplicación de pigmentos de color sobre una superficie, seapapel, tela, madera, pared, etc. Se suele dividir en pintura mural (fresco, temple) o de caballete (temple, óleo, pastel), e igualmente puede clasificarse según su género (retrato, paisaje, bodegón, etc). La pintura ha sido durante siglos el principal medio para documentar la realidad, reflejando en sus imágenes el devenir histórico de las distintas culturas que se han sucedido a lo largo del tiempo, así como sus costumbres y condiciones materiales.

La clasificación de la pintura como arte ha variado a lo largo del tiempo: en la antigüedad era considerada un mero oficioartesanal, mientras que se consideraban actividades artísticas las relacionadas con el intelecto. Galeno dividió en el siglo II el arte en artes liberales y artes vulgares, según si tenían un origen intelectual o manual: entre las liberales se encontraban la gramática, la retórica y la dialéctica —que formaban el trivium—, y la aritmética, la geometría, la astronomía y la música —que formaban el quadrivium—; las vulgares incluían la arquitectura, la escultura y la pintura, pero también otras actividades que hoy se consideran artesanía.1 No fue hasta el siglo XVI que empezó a considerarse que la arquitectura, la pintura y la escultura eran actividades que requerían no sólo oficio y destreza, sino también un tipo de concepción intelectual que las hacían superiores a otros tipos de manualidades. Se gestaba así el concepto moderno de arte, que durante el Renacimiento adquirió el nombre de arti del disegno (artes del diseño), por cuanto comprendían que esta actividad —el diseñar— era la principal en la génesis de las obras de arte.2 Por último, en 1746, Charles Batteux estableció en Las bellas artes reducidas a un único principio la concepción actual de bellas artes, concepto que hizo fortuna y ha llegado hasta la actualidad.3

En la historia de la pintura es primordial el estudio de los estilos artísticos: cada periodo histórico ha tenido unas características concretas y definibles, comunes a otras regiones y culturas, o bien únicas y diferenciadas, que han ido evolucionando con el devenir de los tiempos. De ahí surgen los diversos estilos, que pueden tener un origen geográfico otemporal, o incluso reducirse a la obra de un artista en concreto, siempre y cuando se produzcan unas formas artísticas claramente definitorias. Actualmente se entiende como estilo aquella cualidad que identifica la forma de trabajar, de expresarse o de concebir una obra de arte por parte del artista, o bien, en 

sentido más genérico, de un conjunto de artistas u obras que tienen diversos puntos en común, agrupados geográfica o cronológicamente. 

También cabe tener en consideración para el estudio histórico de la pintura su clasificación en diversos géneros: un género artístico es una especialización temática en que se suelen dividir las diversas artes. En la actualidad se consideran como principales géneros pictóricos: retrato y autorretrato, desnudo, bodegón y vanidades, paisaje y marina, pintura de mitología, pintura de historia, pintura religiosa y pintura de género. 

Por último, cabe tener en cuenta los distintos procedimientos técnicos empleados en pintura: acrílico, técnica pictórica donde al colorante se le añade un aglutinante plástico;acuarela, técnica realizada con pigmentos transparentes diluidos en agua, con aglutinantes como la goma arábiga o la miel, usando como blanco el del propio papel; aguada ogouache, técnica similar a la acuarela, con colores más espesos y diluidos en agua o cola mezclada con miel; fresco, realizado sobre un muro revocado de cal húmeda y con colores diluidos en agua de cal; miniatura, decoración de manuscritos con láminas de oro y plata, y pigmentos de colores aglutinados con cola, huevo o goma arábiga; óleo, técnica que consiste en disolver los colores en un aglutinante de tipo oleoso (aceite de linaza, nuez, almendra o avellana; aceites animales), añadiendo aguarrás para que seque mejor; pastel, lápiz de pigmento de diversos colores minerales, con aglutinantes (caolín, yeso, goma arábiga, látex de higo, cola de pescado, azúcar candi, etc.), amasado concera y jabón de Marsella y cortado en forma de barritas; temple, pintura realizada con colores diluidos en agua temperada o engrosada con aglutinantes con base de cola (yema de huevo, caseína, cola de higuera, cerezo o ciruelo). 

Biografía del pintor magneta

Nació en Isola di Carturo, un burgo en las cercanías de Padua, pero que en la época pertenecía al condado de Vicenza. A los 10 años comienza a trabajar en el taller de pintura de Francesco Squarcione en Padua. A los 17 años se independiza, cansado de que su talento artístico sea apropiado por su mantenedor.

En aquellos momentos Padua hierve como un lugar especialmente propicio para el arte de Mantegna. Él frecuenta los anticuarios de la ciudad, presta especial atención a la pintura y el arte de la antigua Roma y va perfilando su propio estilo. Sus primeros trabajos importantes los realiza en la capilla de San Jacopo y San Cristoforo de los Ovetari (iglesia de los Eremitani de Padua), junto con Ansuino da Forli, perdidos en su mayor parte tras los bombardeos sobre la ciudad en la Segunda Guerra Mundial.

En 1453 se casa con Nicolosia Bellini, cuyos hermanos —Giovanni Bellini, Gentile y Niccolò—, son también reconocidos artistas. En 1459, Luis III Gonzaga convence al autor para que se traslade a Mantua. A partir de este momento trabajará toda su vida para la familia Gonzaga, bajo el mecenazgo directo de Isabel de Este, marquesa de Mantua y esposa de Francisco II Gonzaga. Realiza el que, para muchos, es su trabajo más importante: la decoración mural de la «Cámara de los esposos» en el Palacio Ducal de los Gonzaga donde retrata a toda la familia llevando la perspectiva (que tan bien ha estudiado) a nuevas fronteras nunca antes vistas, de tal suerte que las paredes de la habitación parecen haber desaparecido hasta convertirse en escenas de la propia habitación.

Realizó además, para una capilla del castillo ducal mantuano, un retablo del que forma parte el Tránsito de la Virgen que se conserva en el Museo del Prado.

También antes de cumplir los treinta años realiza el San Sebastián ahora conservado en Viena (Kunsthistorisches Museum), y se expande su fama por toda Italia. Tras una estancia en Roma a las órdenes del Papa Inocencio VIII para restaurar distintas obras, regresa a Mantua para comenzar (entre 1489 y 1490) la serie de lienzos de Los triunfos del César (conservada en el palacio deHampton Court en Gran Bretaña) y Parnaso (1497) encargado por Isabel de Este (que se conserva en el Museo de Louvre). Posteriormente, con El Cristo muerto, Mantegna dará la pauta de la pintura del los años siguientes. Su trabajo tiene cierta semejanza con el de su contemporáneo Melozzo da Forli, seguidor de Ansuino, aunque en concreto, la original perspectiva utilizada por Mantegna para la figura su Cristo muerto es completamente inusual en la pintura renacentista.

La figura humana clásica será una de sus obsesiones, y reflejará en sus obras cuerpos de perfectas proporciones, sólidos y de gran expresividad. Donatello será su influencia en este periodo llamado «pétreo». Los primeros años del siglo XVI estarán claramente influenciados por Mantegna en toda la pintura italiana.

Biografía del pintor Rafael

 Raffaello Sanzio también conocido como Rafael de Urbino o, simplemente, como Rafael fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Además de su labor pictórica, que sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos. 

Hijo de un pintor de modesta relevancia, fue considerado un niño prodigio por su precoz habilidad y al quedar huérfano se formó en los talleres de varios artistas de prestigio. A los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerado una de sus obras cumbre. Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico. Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período. 

Nació en Viernes Santo y falleció en esta misma festividad el día que cumplió 37 años. Fue un artista muy productivo, en parte gracias a que dirigió un taller conformado por numerosos colaboradores,8 y, a pesar de su muerte prematura, dejó una extensa obra que en gran parte aún se conserva. La mayor parte de su trabajo está alojado en los Museos Vaticanos, ya que decoró con frescos las habitaciones conocidas como las Estancias de Rafael, el principal encargo de su carrera, 

que quedó sin terminar a causa de su muerte y fue completado por ayudantes.

Después de sus años de juventud en Roma, gran parte de su obra, a pesar de haber sido diseñada por él, fue ejecutada por su taller, con una considerable pérdida de calidad. Ejerció gran influencia en su época; aunque fuera de Roma su obra fue conocida sobre todo a través de la producción que hicieron los talleres de grabado que colaboraban con él. Después de su muerte, la 

influencia de su principal rival, Miguel Ángel, se intensificó hasta los siglos XVIII y XIX, cuando las cualidades más serenas y armoniosas de Rafael, fueron consideradas de nuevo como un modelo superior.

Su carrera se dividió de manera natural en tres fases y tres estilos, descritos así por Giorgio Vasari: sus primeros años en Umbría, el periodo posterior de cuatro años en Florencia (1504-1508), donde absorbió las tradiciones artísticas de la ciudad, y finalmente su último y triunfal período de doce años en Roma, trabajando para los papas y su corte.

Biografía de Leonardo Da VinciLeonardo da Vinci fue un polímata florentino del Renacimiento italiano. Fue a la vezpintor, anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta yurbanista. Nació en Vinci el 15 de abril de 14522 y falleció en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años, acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas.2 Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del -duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Bolonia y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I.

Frecuentemente descrito como un arquetipo y símbolo del hombre del Renacimiento, genio universal, además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita solo puede ser equiparable a su capacidad inventiva,3 Leonardo da Vinci es considerado como uno de los más grandes pintores de 

todos los 

tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido.4 Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló ideas muy adelantadas a su tiempo, tales como el helicóptero, el carro de combate, el submarino y el automóvil. Muy pocos de sus proyectos llegaron a construirse (entre ellos la máquina para medir el límite elástico de un cable),  puesto que la mayoría no eran realizables durante esa época. Como científico, Leonardo da Vinci hizo progresar mucho el conocimiento en las áreas de anatomía, la ingeniería civil, la óptica y la hidrodinámica.

Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más célebres, La Gioconda y La Última Cena, copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual que su dibujo del Hombre de Vitruvio, que llegaría a ser retomado en numerosos trabajos derivados. No obstante, únicamente se conocen unas veinte de sus obras, debido principalmente a sus constantes (y a veces desastrosos) experimentos con nuevas técnicas y a su inconstancia crónica. Este reducido número de creaciones, junto con sus cuadernos que contienen dibujos, diagramas científicos y reflexiones sobre la naturaleza de la pintura, constituyen un legado para las sucesivas generaciones de artistas, llegando a ser igualado únicamente por Miguel Ángel.

Biografía de Picasso

Pablo Ruiz Picasso fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del cubismo.

Es considerado desde el génesis del siglo XX como uno de los mayores pintores que participaron en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Laborioso y prolífico, pintó más de dos mil obras, presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.

En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista de España y del Partido Comunista Francés hasta su muerte2 el 8 de abril de 1973 en su casa llamada 

«Notre-Dame-de-Vie» en Mougins (Francia) a los 91 años. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).

Biografía de Goya

Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, provincia de Zaragoza, 30 de marzo de 1746-Burdeos, Francia, 16 de abril de 1828)1fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.

Tras un lento aprendizaje en su tierra natal, en el ámbito estilístico del barroco tardío y las estampas devotas, viaja a Italia en 1770, donde traba contacto con el incipiente neoclasicismo, que adopta cuando marcha a Madrid a mediados de esa década, junto con un pintoresquismo costumbrista rococó derivado de su nuevo trabajo como pintor de cartones para los tapices de la manufactura real de Santa Bárbara. El magisterio en esta actividad y en otras relacionadas con la pintura de corte lo imponía Mengs, y el pintor español más reputado era Francisco Bayeu, que fue cuñado de Goya.

Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables que los modelos que había pintado para la decoración de los palacios reales. Una serie de cuadritos en hojalata, a los que él mismo denomina de capricho e invención, inician la fase madura de la obra del artista y la transición hacia la estética romántica.

Además, su obra refleja el convulso periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra de la Independencia, de la que la serie de estampas de Los desastres de la guerra es casi un reportaje moderno de las atrocidades cometidas y componen una visión exenta de heroísmo donde las víctimas son siempre los individuos de cualquier clase y condición.

Gran popularidad tiene su Maja desnuda, en parte favorecida por la polémica generada en torno a la identidad de la bella retratada. De comienzos del siglo XIX datan también otros retratos que emprenden el camino hacia el nuevo arte burgués. Al final del conflicto hispano-francés pinta dos grandes cuadros a propósito de los sucesos del levantamiento del dos de mayo de 1808, que sientan un precedente tanto estético como temático para el cuadro de historia, que no solo comenta sucesos próximos a la realidad que vive el artista, 

sino que alcanza un mensaje universal.

Pero su obra culminante es la serie de pinturas al óleo sobre el muro seco con que decoró su casa de campo (la Quinta del Sordo), lasPinturas negras. En ellas Goya anticipa la pintura contemporánea y los variados movimientos de vanguardia que marcarían el siglo XX.

Biografía de BotticelliAlessandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Sandro Botticelli , fue un pintor del Quattrocento italiano. Menos de cien años después, esta etapa, bajo el mecenazgo de Lorenzo de Médici, fue considerada por Giorgio Vasari como una «edad de oro», un pensamiento que convenientemente encabezaba su Vitade Botticelli. La reputación póstuma del artista disminuyó, siendo recuperada a finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado representativa de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento, y El nacimiento de Venus y La primaverason, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más conocidas.

¿Cuándo comienza el renacimiento y cuando cambia de lugar?

Renacimiento es el nombre dado a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental durante los siglos XV y XVI. Fue un período de transición entre la Edad Media y el mundo moderno. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes, aunque también se produjo una renovación en las ciencias, tanto naturales como humanas. La ciudad de Florencia, en Italia, fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este movimiento.

El Renacimiento fue fruto de la difusión de las ideas del Humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo. El nombre «renacimiento» se utilizó porque este movimiento retomaba ciertos elementos de la cultura clásica, griega y romana. El término se aplicó originariamente como una vuelta a los valores de la cultura grecolatina y a la contemplación libre de la naturaleza tras siglos de predominio de un tipo de mentalidad más rígida y dogmática establecida en la Europa de la Edad Media. Esta nueva etapa planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, con nuevos enfoques en los campos de las artes, lapolítica, la filosofía y las ciencias, sustituyendo el teocentrismo medieval por cierto antropocentrismo.

En este sentido, el historiador y artista Giorgio Vasari (1511-1574) formuló una idea determinante: el nuevo nacimiento del arte antiguo (Rinascitá), que presuponía una marcada conciencia histórica 

individual, fenómeno completamente nuevo en la actitud espiritual del artista. De hecho, el Renacimiento rompió, conscientemente, con la tradición artística medieval, a la que calificó como un estilo de bárbaros, que más tarde recibirá el calificativo de Gótico. Sin embargo, los cambios tanto estéticos como en cuanto a la mentalidad fueron lentos y graduales. Sin embargo el concepto actual de renacimiento será formulado por primera vez en el siglo XIX por el historiador Jules Michelet.

Desde una perspectiva de la evolución artística general de Europa, el Renacimiento significó una «ruptura» con la unidad estilística que hasta ese momento había sido «supranacional». Sobre el significado del concepto de Renacimiento y sobre su cronología se ha discutido mucho; generalmente, con el término «humanismo» se indica el proceso innovador, inspirado en la Antigüedad clásica y en la consolidación de la importancia del hombre en la organización de las realidades histórica y natural que se aplicó en los siglos XV y XVI.

El Renacimiento no fue un fenómeno unitario desde los puntos de vista cronológico y geográfico. Su ámbito se limitó a la cultura europea y a los territorios americanos recién descubiertos, a los que las novedades renacentistas llegaron tardíamente. Su desarrollo coincidió con el inicio de la Edad Moderna, marcada por la consolidación de los Estados europeos, los viajes transoceánicos que pusieron en contacto a Europa y América, la descomposición del feudalismo, el ascenso de la burguesía y la afirmación del capitalismo. Sin embargo, muchos de estos fenómenos rebasan por su magnitud y mayor extensión en el tiempo el ámbito renacentista. 

Cubismo

El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso,Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay y Juan Gris.1 Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.

El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo». El cubismo literario es otra rama que se expresa con poesías cuya estructura forma figuras o imágenes que ejemplifican el tema, la rima es opcional y ni tienen una métrica específica ni se organizan en versos.

Impresionismo

Impresionismo es la denominación de un movimiento artístico definido inicialmente para la pintura impresionista, a partir del comentario despectivo de un crítico de arte (Louis Leroy) 

ante el cuadro Impresión, sol naciente de Claude Monet, generalizable a otros expuestos en el salón de artistas independientes de París entre el 15 de abril y el 15 de mayo de 1874 (un grupo en el que estaban Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, Alfred Sisley y Berthe Morisot). Aunque el adjetivo "impresionista" se ha aplicado para etiquetar productos de otras artes, como la música (impresionismo musical -Debussy-) y laliteratura (literatura del Impresionismo -hermanos Goncourt-), sus particulares rasgos definitorios (luz, color,pincelada, plenairismo) lo hacen de muy difícil extensión, incluso para otras artes plásticas como la escultura(Rodin)3 y la arquitectura; de tal modo que suele decirse que el Impresionismo en sentido estricto sólo puede darse en pintura y quizá en fotografía (pictorialismo) y cine (cine impresionista francés o première avant-garde:Abel Gance, Jean Renoir -hijo del pintor impresionista Auguste Renoir-).

El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión»visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintaban el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo este. Fue clave para el desarrollo del arte posterior, a través del postimpresionismo y las vanguardias.

Barroco

El Barroco fue un período de la historia en la cultura occidental originado por una nueva forma de concebir las artes visuales (el «estilo barroco») y que, partiendo desde diferentes contextos histórico-culturales, produjo obras en numerosos campos artísticos: literatura, arquitectura, escultura, pintura, música, ópera, danza, teatro, etc. Se manifestó principalmente en la Europa occidental, aunque debido al colonialismo también se dio en numerosas colonias de las potencias europeas, principalmente en Latinoamérica. Cronológicamente, abarcó todo el siglo XVII y principios del XVIII, con mayor o menor prolongación en el tiempo dependiendo de cada país. Se suele situar entre el Manierismo y elRococó, en una época caracterizada por fuertes disputas religiosas entre países católicos y protestantes, así como marcadas diferencias políticas entre los Estados absolutistas y los parlamentarios, donde una incipiente burguesíaempezaba a poner los cimientos del capitalismo.1

Como estilo artístico, el Barroco surgió a principios del siglo XVII (según otros autores a finales del XVI) en Italia —período también conocido en este país como Seicento—, desde donde se 

extendió hacia la mayor parte de Europa. Durante mucho tiempo (siglos XVIII y XIX) el término «barroco» tuvo un sentido peyorativo, con el significado de recargado, engañoso, caprichoso, hasta que fue posteriormente revalorizado a finales del siglo XIX por Jacob Burckhardt y, en el XX, por Benedetto Croce y Eugeni d'Ors. Algunos historiadores dividen el Barroco en tres períodos: «primitivo» (1580-1630), «maduro» o «pleno» (1630-1680) y «tardío» (1680-1750).2

Aunque se suele entender como un período artístico específico, estéticamente el término «barroco» también indica cualquier estilo artístico contrapuesto al clasicismo, concepto introducido por Heinrich Wölfflin en 1915. Así pues, el término «barroco» se puede emplear tanto como sustantivo como adjetivo. Según este planteamiento, cualquier estilo artístico atraviesa por tres fases: arcaica, clásica y barroca. Ejemplos de fases barrocas serían el arte helenístico, el arte gótico, el romanticismo o el modernismo. 

El arte se volvió más refinado y ornamentado, con pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero adoptando formas más dinámicas y efectistas y un gusto por lo sorprendente y anecdótico, por las ilusiones ópticas y los golpes de efecto. Se observa una preponderancia de la representación realista: en una época de penuria económica, el hombre se enfrenta de forma más cruda a la realidad. Por otro lado, a menudo esta cruda realidad se somete a la mentalidad de una época turbada y desengañada, lo que se manifiesta en una cierta distorsión de las formas, en efectos forzados y violentos, fuertes contrastes de luces y sombras y cierta tendencia al desequilibrio y la exageración.  

Neoclasicismo El término Neoclasicismo surgió en el siglo XVIII para denominar de forma peyorativa al movimiento estético que venía a reflejar en las artes los principios intelectuales de la Ilustración, que desde mediados del siglo XVIII se venían produciendo en la filosofía, y que consecuentemente se habían transmitido a todos los ámbitos de la cultura. Sin embargo, coincidiendo con la decadencia de Napoleón Bonaparte, el Neoclasicismo fue perdiendo adeptos en favor del Romanticismo.

PostimpresionismoPosimpresionismo o postimpresionismo es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos 

pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX posteriores al impresionismo. Lo acuñó el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en 1910. 

Este término engloba diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de este. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Sus exponentes reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.

 

Pop art

El arte pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía. 

El arte pop y el minimalismo son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste. 

Deco art Conocemos por Art Decó a aquel estilo artístico que tuvo lugar en las primeras décadas del siglo XX aunque su período de mayor auge y crecimiento fue la década de 1920. El Art Decó surgió en la ciudad de París pero se hizo presente en varios países a lo largo de Europa así como también en Estados Unidos y algunos países sudamericanos. Encontramos obras del Art Decó tanto en la pintura como en la escultura pero principalmente en la arquitectura.

Tenebrismo Tenebrismo es el nombre que la historiografía del arte da a un estilo o corriente de la pintura del barroco correspondiente a su fase inicial, a comienzos del siglo XVII, cuyo principales exponentes son el italiano Caravaggio y José de Ribera (el españoleto, afincado en Nápoles). El tenebrismo se caracteriza por el violento contraste de luces y sombras mediante una forzada iluminación (de forma muy evidente cuando se hace llegar un foco de luz marcando una diagonal en la pared del fondo, como la que proviene de un tragaluz en unsótano -es habitual referirse a este recurso como luz de sótano o luz de bodega-1 ). La palabra proviene del latín tenĕbrae ("tinieblas").

Se ha llegado a identificar como una corriente específicamente propia de la escuela española o tenebrismo español, que surgió a comienzos del siglo XVII como resultado del impacto del caravaggismo en la tradición del uso de la técnica del claroscuro ya incorporada en la pintura española y empleada profusamente en la segunda mitad del siglo XVI (Pedro de Campaña, El Greco, Luca Cambiaso,Morales el divino, Navarrete el mudo, Juan de Roelas).2 De este conjunto de pintores, que a veces reciben la equívoca denominación deluministas, hay quien considera ya tenebristas a Sánchez Cotán o a Luis Tristán, a pesar de no haber recibido la influencia de Caravaggio; pero el primer núcleo propiamente tenebrista es la escuela valenciana de Francisco Ribalta, con el que entró en contactoPedro de Orrente, que se había formado con El Greco y Tristán en Toledo y de donde surgió Ribera (aunque la totalidad de su obra conocida se hizo en Nápoles). Menor correspondencia con las convenciones tenebristas tuvo la escuela sevillana de Herrera el viejo yFrancisco Pacheco, de donde saldrían Zurbarán y Velázquez.3

Los periodos siguientes al barroco tenebrista: el barroco pleno de mediados del siglo XVII y el barroco triunfante o barroco decorativode finales del XVII y comienzos del XVIII, no se caracterizan particularmente por este recurso. Ya en el siglo XIX, el realismo pictóricorecuperó los efectos lumínicos tenebristas, tal como se ve en algunas obras de Léon Bonnat.

No debe confundirse o identificarse de forma total con la técnica del claroscuro, que como tal técnica se ha empleado en muy distintos contextos estilísticos y cronológicos, antes y después del Barroco.

A veces se emplean las expresiones tenebrismo naturalista y naturalismo tenebrista,4 que lo ponen en relación con el naturalismo orealismo artístico, un enfoque estético común a distintos estilos y escuelas, y que no debe confundirse con el movimiento pictórico francés de finales del siglo XIX denominado "naturalismo".

ManerismoEstilo artístico que surgió en Italia a comienzos del siglo xvi y que se caracteriza por la abundancia de las formas difíciles y poco naturales.

Surrealismo El surrealismo  un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la 

década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton.

La primera fecha histórica del movimiento es 1916, año en que André Breton, precursor, líder y gran pensador del movimiento, descubre las teorías de Sigmund Freud y Alfred Jarry, además de conocer a Jacques Vaché y a Guillaume Apollinaire. Durante los siguientes años se da un confuso 

encuentro con el dadaísmo, movimiento artístico precedido por Tristan Tzara, en el cual se decantan las ideas de ambos movimientos. Estos, uno inclinado hacia la destrucción nihilista (dadá) y el otro a la construcción romántica (surrealismo) se sirvieron como catalizadores entre ellos durante su desarrollo.

RococóEl Rococó es un movimiento artístico nacido en Francia, que se desarrolla de forma progresiva entre los años 1730 y 1760aproximadamente.

El Rococó es definido como un arte individualista, antiformalista y cortesano. Se caracteriza por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros. Predominan las formas inspiradas en la naturaleza, la mitología, la representación de los cuerpos desnudos, el arte oriental y especialmente los temas galantes y amorosos. Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria y las relaciones humanas, un estilo que busca reflejar lo que es agradable, refinado, exótico y sensual.

Escuela flamenca Pintura flamenca o escuela flamenca de pintura son los nombres que la historiografía del arte da al conjunto de pintores flamencos, losmaestros que se formaron y mantuvieron sus talleres en las ciudades flamencas en los siglos XV, XVI y XVII, lo que cubre los estilos artísticos del Gótico final, el Renacimiento, el Manierismo y el Barroco.

«Escuela flamenca» es un nombre genérico, al estilo de las escuelas italianas (escuela florentina, escuela sienesa, etc.) o de la más recienteEscuela de Barbizon francesa.

Flandes es un ambiguo término territorial cuyo uso historiográfico no coincide con la actual Región Flamenca ni con el antiguo Condado de Flandes, sino con la zona septentrional del Estado Borgoñón que a partir de finales del siglo XV puede denominarse Países Bajos de los Habsburgo, y que forma en la actualidad la práctica totalidad de los tres estados de Bélgica, Luxemburgo y Países Bajos. Era una región europea especialmente urbanizada y desarrollada social y económicamente. Sus ciudades (Amberes, Brujas, Gante, Bruselas, Ámsterdam,Delft, Haarlem, Leiden, etc.) fueron la cuna del comercio de arte a partir de los siglos XV y XVI.

Los talleres flamencos formaron a los pintores más destacados del Norte de Europa, atrayendo a muchas jóvenes promesas de la pintura de países vecinos, especialmente de las ciudades del Rin. Los maestros flamencos y sus obras eran altamente valorados, comprándose y demandándose su presencia como pintores de corte en toda Europa, lo que extendió su influencia.

Biografía de Víctor Vasarely   Pintor húngaro nacido en Pecs, fue alumno de la Academia Mühely (la Bauhaus de Budapest) en 1929. Se trasladó a vivir a París en el año 1939. A partir de 1944 aborda la abstracción, en ella el campo cromático se reduce a algunos colores y la línea, elegante y flexible, juega un papel dinámico. La conquista del cinetismo aparece en filigrana en su obra, 

es el fruto de una labor dura, la forma-color, la unidad plástica, las polarizaciones corpusculares u ondulatorias que son los fundamentos de su lenguaje están prefigurados en el Étude Bleue (1930) y la serie de Zébres (1932/1942). A partir de estos 

datos antiguos el artista progresó en la perspectiva abierta del Manifeste Jaune de 1955, pasando de la pintura de caballete a la pared y de la superficie al volumen, introduciendo materiales nuevos como el aluminio o el vidrio, preparando la integración de sus obras en la arquitectura, lo que constituye finalmente su objetivo supremo, la decoración mural en homenaje a Malevich en la Ciudad Universitaria de Caracas tiene el valor de un símbolo. Vasarely ha hecho de la policromía arquitectónica una de las mutaciones capitales del presente aportando así al hábitat la armonía y la dicha, es el pionero prospectivo del urbanismo social del mañana. El teórico y líder del arte cinético recoge el mensje de los grandes precursores constructivistas y de los maesros del Bauhaus, elevándolo a la potencia vitalista de una civilización-cultuta planetaria. La amplitud de miras y la riqueza de las invenciones han convertido a Vasarely, al mismo tiempo, en el caso-límite y la referencia de la segunda ola del talante geométrico. Anuncia y domina la casi totalidad de los movimientos que a partir de 1950 animarán el movimiento óptico-cinético en el mundo entero, en especial toda la estética programada y hasta el op-art anglosajón. Por su sensibilidad, asume la síntesis histórica entre un Mondrian y un Albers.

Reglas artísticas El arte y la cultura poseen una importancia esencial para que entre las personas se dé una convivencia satisfactoria que resulte de la autodeterminación humana y tenga aspiraciones elevadas. Tal es la razón de que la mayoría de los países hayan recogido en sus constituciones la 

libertad artística entendida como derecho fundamental y declarado una tarea política el cultivo y fomento de las artes. Sin embargo, y en medida considerable, la actual actividad artística y cultural no resiste, por desgracia, una revisión crítica respecto al cumplimento de este cometido social. En vez de protegerse el arte frente a las leyes del mercado, el arte se ve expuesto a ellas cada vez con más fuerza. Los centros de actividad cultural transmiten a los creadores culturales la presión económica. Los artistas reciben cada vez menos honorarios, con lo que se agudizan sus situaciones de necesidad. Por otra parte, cada vez hay también más debates abiertos sobre situaciones indebidas moralmente que se producen en teatros, festivales, escenarios y conciertos. Los diferentes escándalos se resumen en un problema de principio: los valores fundamentales de la dignidad humana, la libertad, la igualdad, la justicia, la responsabilidad y la democracia, que con tanta vehemencia suelen ser exigidos desde el escenario, no se respetan ni se ponen en práctica lo suficiente en las compañías. A fin de poder afrontar debidamente estos dos campos problemáticos dentro de una acción conjunta de todos los implicados en la actividad artística y cultural, hemos elaborado las siguientes Reglas de oro de la práctica artística, con el objetivo de que sea posible para todos trabajar en las artes escénicas y en la música de un modo plenamente digno y que asegure sus necesidades materiales.  I. Parte generalReconozco la validez de las presentes Reglas de oro de la práctica artística y asumo la obligación de tener presentes y garantizar los siguientes estándares mínimos:1. Respetaré todos los principios legales, acatando en particular los Derechos Humanos, la legislación general contra la discriminación y la legislación vigente en materia laboral y salarial,2. En todas las fases de la producción artística trataré con cortesía y respetuosamente a todos los implicados en el proceso, y en particular• lucharé activamente contra las agresiones sexuales y el acoso laboral,• fomentaré un ambiente de estima y respeto recíprocos,• me opondré resueltamente a cualquier descalificación, vejación o comportamiento injusto con alguien,• no me aprovecharé de mi propia posición en detrimento de terceros,3. En beneficio de la confianza mutua, respetaré sin excepciones la palabra dada,4. Me comportaré solidariamente con todos los implicados en la producción artística.  II. Parte específicaA. Normas para el artistaEn mi vida profesional en las artes escénicas o en la música, asumo la obligación de

respetar las reglas siguientes:1. No tomaré parte en ningún ensayo ni representación sin haber firmado previamente contrato por escrito, ya sea en calidad de solista o como integrante de una agrupación o grupo.2. Trabajaré siempre a cambio de un caché adecuado, a no ser que tenga para ello motivos totalmente particulares por razones artísticas, benéficas o de amistad.3. No me aprovecharé de mi posición para dar un trato injusto a otros trabajadores o colegas. B. Normas para directores artísticos, productores y organizadoresEn mi calidad de director artístico, productor u organizador en el campo de las artes escénicas o la música, asumo la obligación de respetar en mi vida profesional las reglas siguientes:1. No adjudicaré ningún encargo de trabajo sin haberse firmado previamente contrato escrito; abonaré remuneraciones y dietas adecuadas tanto por ensayos como por representaciones públicas.2. Mostraré a todos los artistas y trabajadores participantes un comportamiento atento, leal y justo, así como seré consciente de mi responsabilidad en materia social.3. Crearé un entorno de trabajo seguro y saludable, dedicando especial atención al capital artístico de todos los implicados, así como a su bienestar físico, intelectual y anímico.4. Me preocuparé de que los ensayos, las representaciones y el alojamiento se realicen en condiciones adecuadas.5. Respetaré el derecho de los trabajadores a la libre asociación. No se originará ninguna desventaja para nadie en razón de su pertenencia a un sindicato u otra asociación en defensa de intereses comunes. Independientemente de ello, ofreceré siempre a los trabajadores la posibilidad de exponer directamente cualquier preocupación.6. Ya desde el proceso de selección para la producción artística que dirijo u organizo, minimizaré el gasto económico y de tiempo de los artistas, así como les informaré sobre el resultado a la mayor brevedad posible. C. Normas para responsables de política cultural, autoridades en materia cultural, miembros de comités de selección, fundaciones y patrocinadoresEn mi calidad de persona con poder de decisión en asuntos de fomento artístico, responsable de política cultural o empleado público en materia cultural dentro del campo de las artes escénicas o la música, asumo la obligación de respetar en mi vida profesional las reglas siguientes:1. Reconoceré, protegeré y fomentaré el arte y la cultura en su calidad de objetivo político recogido en la constitución de mi país, así como respetaré la Convención de las Naciones Unidas contra la Corrupción.2. Asumo la obligación de mejorar y desarrollar, dentro de mi campo de acción, las condiciones marco para el desenvolvimiento del arte y la cultura. Con este fin, prestaré mi apoyo a planes generales de política cultural con el fin de configurar la labor cultural pública.3. No someteré a ninguna presión para comercializarse a las personas que trabajen en los campos de las artes escénicas o la música.4. Dentro de mi campo de acción, asumo la obligación de facilitar ayudas y subvenciones únicamente cuando se paguen cachés adecuados y repartidos de manera justa.

5. En el marco de mis posibilidades, comprobaré que en los proyectos/instituciones objeto de ayuda o subvención se respeten las leyes, en particular los Derechos Humanos, la legislación general contra la discriminación y la legislación laboral y salarial de mi Estado. D. Normas para directores de centros educativos y cargos de responsabilidad en centros universitarios, academias y centros educativosEn mi calidad de cargo de responsabilidad en centros de formación artística, asumo la obligación de hacerme responsable de los alumnos que van a recibir de mí su formación. Lo dicho implica, en particular, respetar las reglas siguientes:1. Aceptaré exclusivamente aspirantes que posean ya competencias artísticas y personales por encima del promedio, de modo que tengan oportunidades reales en el mercado de trabajo.2. Diseñaré los cursos, grupos y promociones dándoles siempre un tamaño recomendable pedagógicamente, así como procuraré que reciban clase con regularidad.3. En relación a la enseñanza impartida y los resultados exigidos en mi centro de enseñanza, permitiré la realización periódica de controles de calidad a cargo de expertos externos.4. Ofreceré posibilidades de formación continua al personal docente y directivo del centro (por ejemplo en materia de comunicación, gestión, resolución de conflictos, formación de equipos, gestión de proyectos, incorporación de perspectivas de género).5. Ampliaré el currículum para que se impartan cuestiones fundamentales de la realidad profesional (tales como derecho laboral y de contratos, comunicación, gestión de sí mismo, equilibrio vida profesional/privada, etc.), así como prestaré mi apoyo a cualesquiera medidas que faciliten a los alumnos la integración en el mercado de trabajo.6. Seleccionaré nuevo personal docente con la mayor transparencia posible, así como le daré una remuneración adecuada. E. Normas para agencias, representantes y mediadores de servicios artísticosEn mi calidad de agente, representante o mediador de servicios artísticos en el campo de las artes escénicas o la música, asumo la obligación de respetar en mi vida profesional las reglas siguientes:1. En los servicios de mediación y en la asistencia prestada, tendrán prioridad por encima de todo el desarrollo, el bienestar y las necesidades del artista.2. No ofreceré los servicios de ningún artista a producciones o proyectos con condiciones inadecuadas.3. No obligaré a ningún artista cuyos intereses represente a participar en un compromiso que él no desee aceptar.4. No exigiré en principio ningún gasto económico previo a los artistas. Lo dicho se aplica en particular a gastos originados en procesos de selección.5. Facturaré únicamente comisiones de administración proporcionadas, y solo en caso de resolverse con éxito la mediación correspondiente.6. En caso de mediación con éxito, exigiré una comisión máxima del 18% para una relación laboral de hasta 7 días; y una comisión máxima del 14% en caso de haber mediado para un trabajo de más de doce meses (incluido en cada caso el IVA correspondiente).7. Ya desde el proceso de selección, minimizaré los gastos económicos y de tiempo de los artistas, así como les informaré sobre el resultado final a la mayor brevedad posible.

 

ClarooscuroEs una técnica de pintura que consiste en el uso de contrastes fuertes entre volúmenes, unos iluminados y otros ensombrecidos, para destacar más efectivamente algunos elementos.2 Esta técnica permite crear mayores efectos de relieve y modelado de las formas, a través de la gradación de tonos lumínicos. Desarrollada inicialmente por los pintores flamencos e italianos del Cinquecento, la técnica alcanzaría su madurez en el Barroco, en especial con Caravaggio, dando lugar al estilo llamado tenebrismo.

Composición

La composición en referencia al lenguaje visual supone la organización de los elementos que forman el conjunto de imagen, con el fin de obtener un efecto de unidad y orden.

Punto de vista medio

El punto de vista medio o equidistante se distingue del punto de vista neutral en que éste no muestra como un punto de vista intermedio, sino que muestra unos puntos de vista y otros tal y como se presentan a sí mismos. Igualmente, se distingue del punto de vista objetivo porque éste puede situarse más cerca de unos puntos de vista u otros en función de la naturaleza del objeto en sí mismo.

El contraste

 Se define como la diferencia relativa en la intensidad entre un punto de una imagen. Un ejemplo simple es el contraste entre un objeto de brillo constante sobre un fondo de un brillo constante. Si ambas superficies tienen el mismo brillo, el contraste será nulo y si el conjunto está en tonos de gris, el objeto será tanto física como perceptiblemente indistinguible del fondo. Según se incrementa la diferencia en brillo el objeto será perceptiblemente distinguible del fondo una vez alcanzado el umbral de contraste, que se sitúa alrededor del 0,3 % de diferencia.

Idealismo artísticoEl idealismo es un planteamiento artístico que busca la representación fiel de la realidad (mímesis), al igual que el realismo artístico; pero al contrario que en éste, lo hace mediante una fidelidad purificada de lo vulgar a través de la sensibilidad del artista. La representación de esta realidad es abstraída para eliminar cualquier ausencia de refinamiento y mostrar sólo lo bello. Para ello muchas veces se plasma la escena eligiendo distintos elementos 

tomando sólo lo mejor de cada uno y reuniéndolos todos juntos en un mismo conjunto. El arte idealista es un arte ligado a las leyes académicas y, en el arte occidental, a las bases fijadas en la antigüedad greco-latina.1 Las obras de estética idealista pretenden alcanzar valores estéticos tales como la elegancia, la mesura, el equilibrio y lacomposición cerrada; procurando evitar la vulgaridad, los excesos, los contrastes violentos y todo tipo desequilibrios.

El idealismo, en el ámbito de la teoría del arte y la estética, afirma la imaginación e intenta realizar concepciones mentales de la belleza y patrones o cánones de la belleza; por oposición a las posturas estéticas opuestas: el naturalismo y el realismo. 

La sujección del arte a reglas, a partir del academicismo de los siglos XVIII y XIX (Clasicismo y Neoclasicismo), fijó los valores estéticos, lo que trajo como efectos negativos el anquilosamiento y la repetición de modelos por mimesis, bien imitando la naturaleza, bien los ejemplos considerados "clásicos", especialmente el arte greco-romano. Como reacción inversa, se produjo en el siglo XIX la búsqueda de la libertad en el arte.

Forma, volumen y color Color

El color es una cualidad que posee todo aquello que podemos ver y que nos ayuda a reconocerlo. Es un fenómeno físico que se produce por la acción de la luz y la propiedad que tienen los cuerpos de absorber o reflejar parte de la misma. Por ejemplo, cuando la luz blanca atraviesa un prisma de cristal, se descompone en los colores del espectro (violeta, azul, verde, amarillo, naranja y rojo) que son los que regularmente utilizamos. Por tal motivo, se dice que la luz es la suma de todos los colores. Los colores de dicho efecto se pueden observar en una burbuja de jabón o en un arcoíris. Llamamos colores puros o primarios, a aquellos que no pueden obtenerse por la mezcla de otros. Gracias a éstos es posible generar múltiples combinaciones. Existen básicamente dos tipos de colores primarios: colores-luz y colores-pigmento. Los colores-luz son aquellos que son intangibles; no pueden ser tocados físicamente. Estos son: el rojo, el verde y el azul. Los colores-pigmento son aquellos en los que se trabaja el color como materia y los podemos tocar físicamente. Estos son: cian, amarillo y magenta.

El color tiene una relación muy estrecha con las sensaciones y emociones debido a que se les asocia con ciertos significados. Por ejemplo, el rojo está ligado con el fuego, el amor o la sangre; el verde con la naturaleza y la vida. Asimismo, cuando se hace referencia a la temperatura del color se habla de la sensación que éste provoca al cuerpo. Existen los colores cálidos que engloban al rojo, el amarillo y el naranja y los colores fríos que son el azul y el verde. Sin embargo, las sensaciones y emociones que los colores provocan a quien observa, así como el significado que se le otorga, dependen del entorno cultural del creador y del espectador.

En el mundo cromático se pueden diferenciar tres dimensiones básicas del color que permiten analizar cualquier composición: el tono, el valor y la saturación. El tono es el nombre específico que se da a cada color, que ordenados en la secuencia de rojo, naranjo, amarillo, verde, azul y violeta conforman  el círculo cromático. 

El valor es la claridad del color, su grado de proximidad al color blanco. Al modificar el valor, podemos  obtener diferente gama de colores, es decir,  diferentes matices de un mismo color.  Y la saturación es el grado de pureza que tiene un color. Los colores más saturados son los que más se aproximan a los colores básicos o primarios

La composición por medio del color produce efectos muy variados. Los colores complementarios  son parejas de colores compuestas por los colores opuestos en el círculo cromático. Son el rojo con el verde, el azul con el naranja y el amarillo con el violeta. Si disponemos juntos en una composición colores complementarios, el resultado es de un gran contraste, lo que le da un carácter  llamativo y reclama la atención del observador.

Los colores armónicos son aquellos que se encuentran en proximidad inmediata en el círculo cromático. Por ejemplo, el naranja y el rojo, o el azul y el verde. Cuando utilizamos los colores armónicos en una composición, el paso de unos a otros es gradual y sin grandes contrastes, por lo que el resultado es de una agradable tranquilidad.

Luz y sombra

La luz es una forma de energía que actúa sobre nuestros ojos y nos hace ver los objetos. En el estudio de las artes visuales interesan los efectos que produce la luz sobre los objetos. Gracias a la percepción de superficies iluminadas que contrastan con otras superficies en sombra, reconocemos el volumen de las cosas  que nos rodean. De forma semejante, cuando dibujamos en una superficie plana zonas de mayor claridad junto a otras más oscuras, reproducimos los efectos de la luz y representamos la corporeidad de los objetos.

Los efectos de la luz sobre los objetos  son muy diferentes si se trata de la luz solar o de la luz artificial. En el caso de la luz natural o solar,  la radiación se configura  por rayos paralelos entre sí.  En el caso de la luz artificial, se configura por rayos divergentes. Los efectos producidos por la luz también  dependen  de la posición  desde donde están iluminados los objetos. Con la luz frontal centrada conseguimos un efecto de relieve poco notorio. La luz lateral realza todos los matices  tridimensionales de los volúmenes. La luz enfocada en la parte posterior del objeto, produce un efecto de contraluz en el que  se subraya la silueta de la figura.

Llamamos sombra a la parte de un objeto iluminado que no recibe directamente rayos de luz. Con respecto a un cuerpo iluminado se pueden diferenciar tres clases de sombras:• La sombra propia, que es la que corresponde a las zonas no iluminadas del objeto.• La sombra proyectada, que es la imagen oscura que un cuerpo opaco iluminado proyecta sobre otra superficie u objeto diferente.• La sombra autoproyectada, que es la que alguna parte del objeto arroja sobre otra parte del mismo objeto.

En la realidad, las zonas iluminadas y las zonas en sombras no son completamente uniformes. Dentro de las partes iluminadas, como dentro  de las que permanecen en sombra, existen grados de luz y oscuridad. Esta dualidad entre luz y sombra, así como los infinitos matices que entre ellas existen, es lo que se conoce como claroscuro. La correcta utilización de este recurso gráfico contribuye a dotar de mayor expresividad, fuerza plástica y naturalismo a la representación de figuras en una composición artística. El pintor español José de Rivera es un buen representante del uso del claroscuro.

Forma

La creación de formas visuales está supeditada al grado de realismo (entendido como la forma de presentar las cosas tal como son) o abstracción (simplificación de la forma y/o ausencia de representación de cosas) que se emplee para representarlas.

Formas abiertas son aquellas cuyos contornos son indefinidos y se tienden a integrar al fondo. Formas cerradas son aquellas cuyos contornos están claramente definidos y delimitados.

En el arte, las formas figurativas son aquellas que representan aspectos de la realidad de manera fiel, que representan la realidad concreta como personas, animales y objetos, aunque en ocasiones sólo toman algunos rasgos estructurales de las formas. Formas no figurativas son aquellas formas que no representan la realidad, también se le denomina abstractas. La abstracción es simplificación, es eliminar algo. Existen diversos modos de representación abstracta. Aquellas en las que se utilizan formas geométricas y otras en las que se exaltan las formas orgánicas, a través del color y la línea por encima de la figuración. Se insiste en que la apariencia de las cosas no siempre reproduce el verdadero contenido de ellas.

Volumen

El volumen es el espacio real ocupado por un cuerpo. Se trata pues de una realidad en tres dimensiones, largo, ancho y alto.

Las esculturas son representaciones tridimensionales. Su volumen permite apreciarlas desde distintos puntos a diferencia de las representaciones bidimensionales que sólo las podemos apreciar de frente. La escultura, de acuerdo con lo que representa, puede dividirse en estatuaria y ornamental. La escultura estatuaria es aquella que representa la forma humana y la ornamental se ocupa de todos aquellos temas que no están relacionados con la figura humana.

Ambas representaciones pueden ser de dos tipos: de bulto redondo y de relieve. La escultura en bulto redondo es la que puede contemplarse desde cualquier punto de vista, debido a que sólo está adherida a una base. La escultura de relieve, es aquella que se apoya en un muro u otra superficie, es decir está “adosada” y sólo puede contemplarse por el frente. Otras técnicas son volumen lleno,  técnica en la que el volumen no presenta espacios y es compacto, y el volumen vacío, técnica que aparece con los movimientos de vanguardia del siglo XX que consiste en introducir espacios en la escultura. Un buen representante de esta técnica es el escultor contemporáneo Henry Moore. Una de las características más significativas de su obra es el valor que da al hueco que se hace expresivo y forma parte esencial de la misma. La masa se destaca por contraste con los huecos. Opone con maestría los volúmenes cóncavos y convexos. El espacio forma parte de la obra.

Todo lo anterior conduce a reconocer que el color, la luz y sombra, las formas y el volumen sirven como elementos no solo de configuración, sino también expresivos, que permiten a los alumnos tener experiencias enriquecedoras. Si experimentan uno a uno, podrán reconocer todas las posibilidades que les brinda para expresar sus ideas, sentimientos, y emociones.

Dibujo de libre interpretación

Dentro de los test proyectivos el test del dibujo libre al no tener como los otros test proyectivos gráficos contenidos específicos para interpretar, deja siempre al evaluador una puerta abierta a interpretaciones  que responden a  la  dinámica  inconciente.  Es decir   todo dibujo   libre dada su 

singularidad y ocurrencia, da cuenta de una comunicación abierta entre el dibujante y quien lo observa que puede generar un conocimiento profundo acerca del sentir actual del sujeto.

Si tenemos que diferenciarlo de otros test podríamos decir que a diferencia por ejemplo del HTP (test de la casa, el árbol y la persona) en donde el objeto a graficar parte de un objeto real y concreto  de   la   realidad  mas  allá  de  cómo   se   lo   represente,   el  dibujo   libre   semeja  mas  a   la transposición de un sueño a la realidad actual (hoja). Así a veces pueden representarse objetos reales, otras objetos abstractos, como por ejemplo dibujos llamados tribales (formas abstractas que se unen entre si) otras se dibujan paisajes, etc.

Al ser la consigna no direccionada ya que le pedimos a la persona que realice un dibujo con lo que se le ocurra en ese momento, lo que quiera, dejamos la posibilidad de que esas categorías graficas sean presentadas de múltiples maneras. A lo que sumamos la posibilidad de usar colores además del lápiz negro y la goma.

El   test  del  dibujo   libre  nos  aporta   conocimiento  y   comprensión  de  cómo el   sujeto   se   siente actualmente, podemos llamarlo fondo vivencial, que implica sus estados anímicos, sus impulsos, sus preocupaciones.

Es   un   buen   recurso   para   administrarlos   al   inicio   de   una   evaluación   psicodiagnóstica,   o   al finalizarla,   y si  se trata de un proceso terapéutico puede administrarse mas de una vez como forma   de   exteriorización   y   comunicación   entre   el   paciente   y   el   terapeuta.   Como   dijimos   al principio   puede   analizarse   como   un   sueño   (contenido   simbólico)   y   por   ende   la   encuesta   o asociación libre posterior, o el solicitar al paciente que escriba sobre lo que dibujo suele ser muy interesante y rico.

 Cada vez que llega a nosotros un material interesante sea por el propio trabajo, o en nuestra tarea de supervisión como en este caso, elegimos compartirlo dado que a la vez ha abierto en nosotros una necesidad de profundizar aun mas su análisis  ya un material  complementario es nuestro lugar ideal para hacerlo.

El   presente  dibujo  que   acompañamos   fue   realizado  por  una   adolescente  de  14   años.   Luego comentaremos algo de su historia. Por ahora el recorrido e hipótesis trataremos de construirlas desde el análisis de la producción gráfica.

Para el análisis de un dibujo libre debemos considerar 2 ejes:

1.       El eje estructural

2.       El eje temático o simbólico

Al observar el dibujo podemos resaltar del eje 1 las siguientes características:

·       Un emplazamiento estrictamente central (eje horizontal). En el eje horizontal el piso del dibujo esta en la zona inferior intermedia (unos 4 cm, por debajo de la mitad de la hoja).

·       El   tamaño  es  mediano,   se  ve  como grande  ya  que   fue  escaneado  haciendo  énfasis  en   la imagen. Pero originalmente el dibujo deja blancos a izquierda, a derecha, en la parte superior y en la inferior baja. Por ello es central.

·       Los trazos son enteros, algunos tramos tienen doble línea y repaso (particularmente del lado de la derecha).

·       El estilo del dibujo presenta armonía, y sentimiento estético y es complejo dado la abstracción implícita en las notas musicales que integra.

·       Las formas del trazo son predominantemente curvas, onduladas (rayos del sol) y con espiral (en la clave de sol)

Estas características gráficas dan cuenta de predominio del componente afectivo emocional, busca de adaptabilidad, un nivel de inteligencia superior a la media, imaginación y creatividad. El repaso y las dobles líneas denotan tensión y estados de ansiedad y necesidad de reaseguramiento vital.

Si   ahora   incluimos   el   contenido   simbólico,   la   característica   de   los   objetos,   vemos   una   alta condensación como símbolos observamos:

·       Sol

·       Luna

·       Clave de sol

·       Clave de fa

La forma de representación suma ahora una cualidad anímica significativa. Diríamos que el estado emocional es la ambivalencia y la necesidad de encontrar un punto de equilibrio e integración pero desde la diferenciación.

Veamos la secuencia. Primero traza el contorno externo así pate de la mitad del dibujo y realiza el semicírculo derecho que es el sol, al cerrarlo hacia la izquierda usa una forma irregular que dice es la luna. Luego de abajo hacia arriba traza la clave de sol, que termina fragmentando esa unidad (fusión sol y   luna) en dos mitades, la clave de sol por su movimiento natural termina en forma espiralada hacia el centro del dibujo.  Luego agrega la nota musical a izquierda, ennegrecida en su trazado, luego de igual forma la clave de fa a derecha. Finalmente los rayos del sol. Finalmente pone color, decide dejar la luna sin pintar porque dice que la luna es blanca.

La ambivalencia se ve tanto gráfica como simbólicamente.

Como símbolos todos los que aquí aparecen indican polaridad.

El sol asociado a lo masculino,  imago paterno, el sol como fuente generadora de vida sin embargo los   rayos  en  negro podrían  hacernos  pensar  que  lo  que  irradia  no es  vitalidad  sino  angustia, pesimismo, temor (color negro). Esta graficado dentro de su zona de acción, el campo derecho.

La luna a izquierda da cuenta de lo femenino, lo sensible, afectivo, emocional hay también por el uso del espacio en blanco una necesidad de preservar estas cualidades. El blanco se asocia a pureza, pero también a ansiedad.

Al  ver ahora la clave de sol  en el centro es como una necesidad de separar,  de discriminar,  de establecer  un corte   entre   ambos   símbolos.   El   sol   como   derivado paterno, la luna como derivado materno.

Simbólicamente   la  música  por  ejemplo  para   la   cultura griega antigua se valoraba como representante del poder 

divino, era a través de ella como el hombre canalizaba sus anhelos espirituales y el medio capaz de sanar la mente y el cuerpo cuando estaba enfermo. Los dioses a los que se les atribuía su creación eran Apolo y Orfeo.

La dualidad y ambivalencia esta entonces también en la oposición de estas claves de música, la de sol en el centro del dibujo que es también el centro de la hoja, y la Clave de Fa.

Más allá de la explicación desde la teoría de la música a ambas, sabemos que la clave de fa vibra en un tono mas grave que la de sol, los músicos dicen que cambia el panorama y la estructura según su posición en el pentagrama. Podríamos pensando ya desde  nuestro campo psicológico, pensar que al ser graficada del lado derecho la necesidad de cambio y posicionamiento se espera del lado paterno.

Y ahora vale acotar datos de la historia y situación existencial de esta adolescente.

Radicada en el país desde hace un año, motivado por la decisión paterna de venir a estudiar y formarse como seminarista en una orden religiosa,  decide viajar  junto a toda su familia hacia Buenos Aires. Esto significo para esta familia un desarraigo, la madre, la hermana y esta joven no querían hacerlo pues sus afectos, familia estaba en su país de origen. La consulta se produce por conductas de autoagresión y porque el rendimiento escolar no fue bueno. Importante es destacar que al venir a mitad de año la joven repitió el año y aún no lograba adaptarse. Se suma la llegada de un nuevo hermano y una situación socioeconómica desfavorable. Ya que el padre era el único que recibía un ingreso, el cual era insuficiente para mantener el hogar.

Al ver el dibujo y su simbología  podemos entender la situación anímica actual de esta adolescente como de ambivalencia en relación a este padre que desde su elección y decisión (ya que la familia no compartía esa decisión y se oponía) genera una desestabilización del sistema familiar. Por otra parte él tampoco tenía resultados positivos ya que no aprobaba las materias y no había logrado obtener un trabajo extra.

Técnica del bolígrafo

Instrumento originalmente de escritura, se trata del más popular y utilizado del mundo, y se caracteriza por su punta de carga, que contiene una bola generalmente de acero o wolframio, que, en contacto con el papel, va dosificando la tinta a medida que se la hace rodar, del mismo modo que un desodorante de bola. Puede ser de punto fino, mediano o diamante.Su sistema de bolilla y su tinta grasa hecha a base de manteca de cacao permite lograr un trazo indeleble y permanente similar al óleo. Sólo es necesario preservar los trabajos con él realizados de la luz directa del sol, del mismo modo que en las demás técnicas gráficas. 

En general, el bolígrafo, es de difícil manejo como instrumento de dibujo, puesto que no admite correcciones como otros procedimientos. Al mismo tiempo su punta aguda y punzante exige un gran dominio tanto de las líneas de contorno como de las tramas que cubren las superficies.

Los dibujos realizados con este procedimiento se compone de tramas formadas por puntos repartidos según diferentes densidades, por pequeños trazos superpuestos, por líneas alargadas que se diluyen en sus extremos o por comillas o garabatos superpuestos hasta lograr los efectos deseados. 

Con esta técnica es posible obtener formas sutiles o rotundas, contrastes marcados y transparencias. La superposición de tramas en varios colores hace posible, asimismo, los más sorprendentes efectos y mezclas cromáticas. Se pueden obtener dibujos de gran realismo o utilizarse como técnica de abocetado.

El bolígrafo se puede combinar con otros materiales como la acuarela, la tinta y el collage de papeles. con papeles arrugados y lavados con tintas o desmenuzados para conseguir texturas nuevas que los trazos del bolígrafo realzan notablemente. 

El boligrafo se puede usar desde el dibujo lineal, tramado, manchas y planos texturados y "pintar" con gradientes y esfumados. 

Para las tramas es recomendable ver las imagenes de los billetes, siendo  el mejor ejemplo. Así como los artistas grabadores de aguafuerte, punta seca, etc. 

Para las manchas se usa lo que se llama positivo-negativo, manchas de un color para las sombras y respetar los espacios en blancos para las luces mediante reservas.

Para pintar con esfumado, apoya la punta del boligrafo y tira la línea, mientras levantas la muñeca con suavidad, es cuestión de practica pero una vez que tienes la técnica suficiente podrás acomodar el ángulo de la punta para jugar con los gradientes. 

Es recomendable estar siempre con un papel debajo del borde de la mano con la que dibujas asi no corres la tinta. Dibujar con varias bolígrafos porque con uno solo agotarás la punta y entonces dibujan entrecortado o te tiran gotas de tinta que arruinan el dibujo. Por ultimo, trabajar limpiando la punta periódicamente mientras dibujas. Una buena alternativa es el bolígrafo de tinta gel que es mas sensible al ángulo en que la apoyas y es más delicado el dibujo.

Material recomendado: Bic Medium y Pentel SuperB en diferentes colores: rojo, negro, azul y verde.Papel fino para poder calcar los dibujos y obtener ilustraciones más depuradas y limpias. Como en todas las demás técnicas se puede trabajar con técnica directa o sobre dibujo previo a lápiz, directo o calcado. 

ILUSTRADORES CON BOLÍGRAFODANIEL JOHNSTON

Su obra gráfica está relacionada con el cómic y el grafismo directo. Utilizó el bolígrafo como otros materiales de técnica rápida. Para más información sobre este polifacético artista se recomienda el visionado del documental sobre su vida, The Devil and Daniel Johnston, 2005.

HOPE GANGLOFF

Originaria de Brooklyn, Hope Gangloff es una artísta que representa la cotidianidad que se manifiesta en situaciones que viven los jóvenes, desde las más comunes como hablar por teléfono, leer, estar con los amigos o recostarse en la cama; hasta las más arriesgadas como las fiestas, la bebida, el sexo o las drogas. Trabajó como ilustradora para publicaciones como The New York Times, The New Yorker y la revista Spin. SHANE McADAMS

Shane McAdams is an artist and writer living in Brooklyn, NY.

Como la roca estratificada en la reserva Navajo, donde pasé gran parte de mi infancia, las formas en mi trabajo a menudo son análogos a los métodos de su creación. Tienen raíz en las propiedades físicas inherentes dentro de materiales específicos, mundanos como pegamento de Elmer, líquido corrector, tinta de bolígrafo y resina, cuyos límites se estiran para someterlos a aplicaciones no 

tradicionales, generando estructuras cuya complejidad desmiente la elegancia de su creación. Este proceso refleja las fuerzas físicas que trabajan constantemente para esculpir el paisaje natural, y por la sucesión de estos formularios con imágenes prestados de mano y convenciones, espero evocar la dualidad entre lo real y lo artificial, que se transmite a través de representaciones idealizadas de orden y belleza.

ANDREA JOSEPH

No hay otro amor al bolígrafo como la mano de un ilustrador y su pluma. Estos dos pasan horas y horas todos los días, inseparables, y cuando no están juntos, del apretón de la mano de los años fríos de su pluma delgada hermosa. Andrea de la mano de José, sabe bien este sentimiento, y su mano y su pluma se han comprometido el uno al otro desde hace años, y ahora en la Tempestad Creativa renuevan sus votos

Paisaje y su atmosfera

Ejemplos de árboles y como pintarlos BOCETO A LÁPIZ

Nos situamos delante de  la hoja en blanco.  Este espacio de vacío puede provocarnos algo de miedo si hace mucho tiempo que no dibujamos o tenemos poco práctica.

Se nos pasará con la práctica o al realizar los primeros trazos. 

Realizamos una línea horizontal que representará el suelo.

Es conveniente que esta línea sea más ancha que la amplitud máxima del árbol. Así tendremos un equilibrio   mayor   del   dibujo-   obtendremos   un   árbol   más   simétrico. 

Des del medio de la raya horizontal   levantamos una vertical (representa el tronco) y a la altura que consideremos oportuna dibujamos un circulo más o menos preciso. No tenemos que esforzarnos demasiado ya que solo es una ayuda visual que más   tarde  se  borrará.   Según  el  tipo  de   follaje  del   árbol   será  un   circulo  alargado,   aplastado, uniforme...

Como en   este  momento   estamos  dibujando  un   roble,   éste  tiene  una   copa  densa   y   regular. 

A continuación  vamos realizando  los detalles  del  árbol.  Si  empezamos por  abajo definimos  la anchura   del   trinco   y   vamos   definiendo   las   ramas   principales,   las   más   gordas. 

Ve   formando   la   copa   del   árbol   añadiendo   más   detalles. Ten en cuenta que cuando más nos alejamos del tronco las ramas se van haciendo más delgadas. De   cada   rama   nacen   nuevas   bifurcaciones   de   ramas   más   jóvenes. Puedes   fijarte   en   estos   detalles   paseando   por   el   bosque   o   por   los   parques   de   tu   ciudad. Enbotanical-online hay mucha información sobre el mundo vegetal. Puedes consultarla en línea. 

Por  último distribuye   las  aglomeraciones  de  hojas.  Un   recurso   sencillo  pero  eficaz  es  dibujar manchas de diferentes tamaños sin acabar de dibujar hoja por hoja.

No   te   olvides   de   añadir   la   textura  del   tronco  del   árbol:   arrugas,   agujeros,   nudos   de   ramas resquebrajadas

Decora esa línea impersonal del suelo con algunas hierbas o césped. 

ENTINTADO DEL ÁRBOL

Como hemos decidido mantener el boceto a lápiz entintaremos sobre una hoja vegetal. Puedes hacer   lo   mismo   utilizando   una mesa de luz y   una   hoja   blanca. Para no desaprovechar toda la hoja vegetal sobrante recortamos sólo la que utilizaremos con unas tijeras.

Fija la hoja vegetal sobre la hoja donde esté el dibujo del árbol con un poco de cinta adhesiva para que no se mueva mientras entintemos

Y empieza a entintar. Resigue las formas que se divisan a través de este papel transparente.

Debes tener cuidado en añadir detalle a esas manchas que habías dibujado antes. Ahora no basta en intuir las formas de las hojas hay que dibujarlas para que cualquier persona pueda observar un árbol donde antes había espacio en blanco. Tampoco hay que dibujar hoja a hoja, con que realices unas cuantas las otras del grupo se imaginarán.

Como puedes confundirte a la hora de mezclar ramas y hojas, hazlo por partes. Primero las hojas que se vean en primer plano (tal como se observa en la fotografía de la izquierda), después añade las ramas más cercanas al espectador bajo las primeras hojas, continúa añadiendo hojas por detrás 

de las ramas y así hasta que termines con la copa. 

Como hay  el  dibujo  a   lápiz  por  debajo  del  que  estamos   realizando   sobre   la  hoja  vegetal,   es conveniente que a medida que avances en el entintado vayas levantando la hoja transparente y la expongas a trasluz (observa el papel vegetal delante de una bombilla o una ventana). Debes tener en cuenta que se mantenga una copa bastante uniforme, evitando situar demasiadas hojas en un lado   en   reprimenda   del   opuesto.   El   echo   de   observar   de   este  modo   el   dibujo   te   permite comprobar   más   adelante   si   estás   llevando   un   contraste   de   blancos   y   negros   correcto. 

No olvides de añadir el detalle de "la piel" a las ramas.

Observando el dibujo de la izquierda puedes pensar que la copa está algo bacía, ya que faltan las hojas más alejadas. ¿Pero como rellenarlas sin ensuciar el dibujo?

A   continuación   vamos   a   realizar   un   truco   que   nos   dará   resultados   sorprendentes...

En   vez   de   repetir   los   grupos   de   hojas   que hicimos anteriormente, ahora rellenaremos los huecos con la sombra de las hojas más interiores.

Cuando más nos alejemos de la frondosidad del interior de la copa más fácil será observar las hojas individualmente. Para conseguir este efecto ve dejando mayores espacios en blanco entre las sombras cuando te acerques hacia el exterior, hasta llegar al perímetro del follaje, lugar donde se verá la sombra de cada hoja por separado.

Cuando termines sitúa el dibujo sobre una cartulina blanca o de color verde y ya tendrás un cuadro de un árbol.

Práctica  con  la   realización  de  árboles  y  demás plantas  en cuadernos  de dibujo cuando vayas al campo.

Cuando empieces a dibujar la vegetación no te preocupes por el resultado final.   Debes   conseguir   frescura   en   el   dibujo.Realiza apuntes de detalles que más tarde te ayuden a confeccionar árboles Por   ejemplo  fíjate   en   las   hojas   por   separado,   estudia   la   rugosidad   del 

tronco, resigue el crecimiento de las ramas del árbol.

Cuando tengas una buena guía de referencia ya estarás preparado para crear bosques de árboles y plantas. 

Técnica de la acuarela La técnica de la acuarela consiste en aplicar capas semi-transparentes, que se irán superponiendo para conseguir colores más oscuros. Se pinta de claro a oscuro, es decir, no se pinta el color blanco, sino que se reserva el blanco del papel.

Una de las técnicas mas usadas es la del papel mojado, también se conoce como acuarela húmeda. Consiste en mojar o humedecer el papel sobre el que vamos a pintar y, a continuación, con el pincel bien cargado de color damos pinceladas, horizontales, suaves, inclinado el papel para que corra el color consiguiendo un degradado. Después, y una vez seca la primera capa, se pueden superponer (1) distintos baños. Si los baños anteriores no se han secado se mezclaran los colores, produciendo, la mayoría de las veces, efectos no deseados. Mientras que el papel este húmedo, si añadimos colores o tintas, tenderán a expandirse, obteniendo unos efectos muy interesantes. Se puede hacer por medio de goteo (2), o bien añadiendo colores con el pincel e inclinando el papel en la dirección que queramos para que corra el color (3).

Otra es la utilización del color en el papel completamente seco, también se conoce como acuarela seca. Se aplican baños tenues, superponiendo uno sobre otro, cuando este seca la capa inferior. También se podrían emplear colores intensos y finales. En la resolución de un tema, normalmente, se emplean ambas técnicas, la acuarela húmeda para cubrir y colorear grandes superficies, segundos planos, cielos, etc., y la segunda para resaltar primeros planos.

La aplicación de un color sobre otro ya seco, las superposiciones, tienen una gran importancia en la acuarela. Se considera uno de los procesos necesarios para añadir calidades abstractas al color. El color básico, color general o de fondo, influirá en todos los colores transparentes que le superpongamos.

Por regla general, en las superposiciones, se debe aplicar primero el color mas cálido, por ejemplo, para obtener un color anaranjado, pondremos primero el color rojo y, una vez seco, superpondremos el amarillo para el violeta, primero bañaremos con color rojo y después con el azul. Cuando se actúa al revés, ponemos primero el color frío y a continuación el cálido, el resultado es totalmente diferente. El color frío neutraliza al cálido ensuciándolo. Cuando un color resulte opaco o apagado y queremos darle luminosidad, se deberá velar con una tinta más luminosa y transparente. 

La pintura sobre el papel de color y cuantos experimentos se pueden hacer con esta técnica Las técnicas de pintura se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan los pigmentos sobre el soporte a pintar. En general, si los pigmentos no son solubles en el aglutinante permanecen dispersos en él. Si el artista piensa en la perdurabilidad de su obra debe conocer las técnicas a emplear.

Técnica de gouache Al gouache o "aguada" se le llama también "el color con cuerpo". Es una pintura al agua, opaca, hecha con pigmento molido menos fino que el de las acuarelas, y por ello es menos transparente. Al igual que la acuarela, su medio —o aglutinante— es la goma arábiga, aunque muchos gouaches modernos contienen plástico. El medio está ampliado con pigmento blanco, que es lo que lo hace más opaco, menos luminoso y menos transparente que la acuarela, pero a cambio los colores producidos son más sólidos.

Técnica temple al huevo

Cuando el aglutinante es una emulsión, generalmente de yema de huevo, agua y aceite. Tradicionalmente se mezcla la yema con el agua y el aceite, pero también se puede formar una emulsión con harina e incluso con yeso. Grandes obras maestras como por ejemplo El nacimiento de Venus de ¨Sandro Botticelli¨ se han realizado utilizando la técnica del temple al huevo. y tiene textura uniforme.

Técnica de la espátula Muchos artistas prefieren pintar con una paleta o espátula a pintar con pincel. Pintar con espátula permite tener una relación cercana entre el artista y la superficie de la pintura que es similar a pintar con el dedo. Pintar con cuchilla añade textura y da dimensión al lienzo. Las técnicas de pintura al oleo con espátula producen animación, resultados espontáneos y pueden agregar movimiento dramático de tu arte.

Técnica del pastel El arte de la pintura al pastel pertenece a las llamadas secas, ya que a diferencia de la pintura al óleo o la acuarela, no se utiliza ningún disolvente y se aplica directamente sobre la superficie de trabajo. Como soporte es común utilizar papel de buena calidad de buen gramaje de color neutro no blanco y de ligera rugosidad, aunque la técnica es lo suficientemente versátil para que se pueda usar sobre otras superficies. 

Es una técnica cómoda, generalmente rápida y que permite realizar correcciones con gran facilidad, razón por la cual es escogida por muchos artistas.

Pintura metafísica La pintura metafísica (en italiano: Pittura metafísica) es el nombre de un movimiento artístico italiano, creado por Giorgio de Chirico y Carlo Carrà. Sus pinturas como sueños de plazas típicas de ciudades italianas idealizadas, como también las aparentemente casuales yuxtaposiciones de objetos, representaron un mundo visionario que se entrelazaba casi inmediatamente con la mente inconsciente, más allá de la realidad física, de ahí el nombre. El movimiento metafísico proveyó de significante ímpetu para el desarrollo del Dadaísmo y el Surrealismo.

Carrà había sido uno de los pintores líderes del futurismo. Adriel irico había estado trabajando en París, admirado por Apollinaire y los artistas de vanguardia como un pintor de misteriosas escenas urbanas y bodegones. Los dos pintores ya se conocían y formaron una alianza inmediata, animada por la poesía de Alberto Savinio, el hermano menor de De Chirico. Además de Carrà y De Chirico, otros pintores vinculados al arte metafísico son Savinio, Giorgio Morandi y Filippo De Pisis.

La pintura metafísica surgió del deseo de explorar la vida interior imaginada de objetos cotidianos cuando se los representa fuera de los contextos habituales que sirven para explicarlos: su solidez, su separación en el espacio que se les da, el diálogo secreto que podía tener lugar entre ellos. Esta 

atención a la simplicidad de las cosas ordinarias «que apunta a un estado del ser más alto, más oculto» se unía a la consciencia de tales valores en las grandes figuras de la primera pintura italiana, en particular, Giotto y Paolo Uccello, sobre quienes Carrà había escrito en 1915.

En este estilo de pintura, una realidad ilógica parece creíble. Usando una especie de lógica alternativa, Carrà y de Chirico yuxtaponían varios temas ordinarios, incluyendo normalmente edificios, estatuas clásicas, trenes y maniquíes.

Su arte, normalmente visto como una representación naturalista de las figuras, los objetos y las acciones en un espacio escénico controlado, puede también parecer misteriosamente quieto y aun así apartado del mundo ordinario; en medio de la guerra ofrecía un lenguaje poético fuerte y un correctivo a las tendencias perjudiciales y fragmentadoras dentro de la modernidad. Este deseo de vincularse de nuevo al gran pasado italiano era más fuerte en Carrà, cuyos cuadros de esta época son también más económicos y centrados que los de Chirico; este último siguió explorando la naturaleza enigmática del mundo cotidiano en un estilo de mayor amplitud.

«Misterio» es la palabra más familiar para de Chirico. Escribió: «Hay más misterio en la sombra de un hombre caminando en un día soleado, que en todas las religiones del mundo».

Otros pintores resultaron afectados por su ejemplo e ideas, entre ellos destacadamente Giorgio Morandi. Carrà y de Chirico estuvieron juntos sólo unos pocos meses en la primavera y el verano de 1917; para el año 1919 ambos artistas se habían vuelto hacia un arte que reflejaba su estudio de los antiguos maestros. el movimiento, como tal, puede considerarse disuelto hacia 1920 pero sus reverberaciones se sintieron durante largo tiempo, contribuyendo tanto a los aspectos más poéticos del surrealismo, considerando los surrealistas a De Chirico como su gran modelo, como al renacer del clasicismo en la pintura de Mario Sironi y otros durante los años 1920.

Arte abstracto Arte abstracto es un concepto general, opuesto al concepto de arte figurativo, que remite a lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales. La abstracción acentúa las formas, abstrayéndolas, alejándolas de la imitación oreproducción fiel o verosímil de lo natural (mimesis); rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista.

El concepto de arte abstracto se aplica a muchas y distintas artes visuales: pintura (pintura abstracta), escultura (escultura abstracta) yartes gráficas (artes gráficas abstractas). Su aplicación a otras artes plásticas, como la arquitectura (arquitectura abstracta) o a artes no plásticas (música abstracta, danza abstracta o literatura abstracta), es menos evidente, pero existe uso bibliográfico de tales expresiones.

Se entiende por arte abstracto el que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e inclusoformas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva). Una obra abstracta, entendida de forma estricta, no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.

El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visualautónomo, dotado de sus propias significaciones (iconografía). El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.1

El arte occidental había estado, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, sometido a la lógica de la perspectiva y a un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. El arte de culturas distintas a la europea se hicieron accesibles y mostraban formas alternativas de describir experiencias visuales a los artistas. A finales del siglo XIX muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que asumiría los cambios fundamentales que se estaban produciendo en tecnología, ciencias y filosofía. Las fuentes de las que los artistas individuales tomaban sus argumentos teóricos eran diversas, y reflejaban las preocupaciones intelectuales y sociales en todas las áreas de la cultura occidental de aquella época.2

La abstracción se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. Este distanciamiento de una representación exacta puede ser sólo ligera, parcial o completa. La abstracción existe con cierta graduación. Incluso el arte que pretende verosimilitud del más alto grado puede ser abstracto, al menos en teoría, pues la representación perfecta es extremadamente improbable. La obra de arte que se toma libertades, alterando por ejemplo el color y la forma de maneras evidentes, puede decirse que en parte es abstracta. La abstracción total no conserva ninguna traza de referencia a nada reconocible. El arte figurativo y la abstracción total son casi mutuamente excluyentes. Pero el arte figurativo y el representativo (o realista) a menudo contiene algo de abstracción parcial. Entre los muy diversos movimientos artísticos que personifican una abstracción parcial estarían por ejemplo el fovismo en el que el color está intencionadamente alterado en relación con la realidad, y el cubismo, que claramente altera las formas de la vida real en los objetos que representa.3 4

Pero la abstracción pura, en la que no hay referencia alguna a realidades naturales, surgió alrededor de 1910, como reacción alrealismo, e influido por la aparición de la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo. Es una de las manifestaciones más significativas del arte del siglo XX. Este lenguaje se elaboró a partir de las experiencias de vanguardia precedentes. Por un lado, elfovismo y el expresionismo liberaron el color, lo que derivó hacia la abstracción lírica o informalismo. Otra vía fue la del cubismo, que hizo hincapié en la conceptualización de la forma y de la composición, lo que llevó a otro tipo de abstracción, las diferentes abstracciones geométricas y constructivas. Tanto la abstracción geométrica como la abstracción lírica son a 

menudo totalmente abstractas. Por lo tanto, ya desde sus comienzos, el arte abstracto ha tendido hacia dos polos: uno, cuyos orígenes se remontan al fovismo, es libre y lírico; el otro, inspirándose más en el cubismo, es rigurosamente geométrico.

Dos obras importantes de Salvador Dalí

Obras importantes de Piro

Naturaleza muertaEs el género más representativo de la imitación de la naturaleza de objetos inanimados, en general de la vida cotidiana, como frutas, flores, comida, utensilios de cocina, de mesa, libros, joyas etc. y se puede decir, que es el menos literario de todos los temas. Su origen está en la antigüedad donde se utilizaba para la decoración de grandes salones, como los frescos romanos en Pompeya. Plinio el Viejo relata que los artistas griegos de siglos antes, eran muy diestros en el retrato y la naturaleza muerta. Fue muy popular en el arte occidental desde el siglo XVI, un ejemplo es La carnicería de Joachim Beuckelaer. En el mismo siglo Annibale Carracci y Caravaggio representaron magníficas naturalezas muertas. Durante el siglo XVII evolucionó en los Países Bajos un tipo de bodegón, llamado «vanitas», donde se exponían instrumentos musicales, vidrio, plata y vajilla, así como joyas y símbolos como libros, cráneos o relojes de arena, que servían de mensaje moralizante de lo efímero de los placeres de los sentidos. La Academia francesa lo catalogó en el último lugar de la jerarquía pictórica. Con la llegada del impresionismo y junto con la técnica del color, la naturaleza muerta volvió a ser un tema normal entre los pintores, las pinturas de los Girasoles de Van Gogh son de los más conocidos. Los artistas durante el cubismo pintaron también composiciones de bodegones, entre ellos Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.

Biografía de Monet

Oscar-Claude Monet (París, 14 de noviembre de 1840-Giverny, 5 de diciembre de 1926) fue un pintor francés, uno de los creadores del impresionismo. El término impresionismo deriva del título de su obra Impresión, sol naciente (1872).1

Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de estilo realista. Monet logró exponer algunas en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró su situación económica a la vez que afianzó su decisión de continuar en ese azaroso camino.

En la década de 1870 formó parte de las exposiciones impresionistas en las cuales también participaron Pierre-Auguste Renoir yEdgar Degas. Su obra Impresión, sol naciente formó parte del Salon des Refusés de 1874. Su carrera fue impulsada por el marchante Paul Durand-Ruel, pero a pesar de esto su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de 1890. En esta época, Monet desarrolló el concepto de las «series», en las que un motivo es pintado repetidas veces con distinta iluminación. Al mismo tiempo comenzó a trabajar en el famoso jardín de su casa en Giverny con estanques de nenúfares que luego utilizó como motivo para sus pinturas.

Biografía de Henri de Toulouse-Lautrec Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Monfa (Albi, 24 de noviembre de 1864 - Château Malromé, Saint-André-du-Bois,9 de septiembre de 1901), conocido simplemente como Toulouse Lautrec, fue un pintor y cartelista francés que se destacó por su representación de la vida nocturna parisina de finales del siglo XIX. Se lo enmarca en la generación del postimpresionismo.

¿Cómo se inspira Santiago calatrava?El arquitecto español, Santiago Calatrava, nació en 1951 en Valencia, en el barrio de Benimamet. A los ocho años, ingresó en una escuela de arte para aprender dibujo y pintura, actividad que compaginó con sus estudios escolares. Después, se matriculó en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Valencia, donde también realizó un curso de post-graduado en urbanismo.

En 1975 se trasladó a Zúrich para ampliar su formación. Allí estudió durante cuatro años ingeniería civil en el Instituto Federal de Tecnología y trabajó como profesor auxiliar en el Instituto Federal de Tecnología.

Comenzó a trabajar en pequeños encargos y poco a poco fue participando en concursos de nuevos proyectos. En 1983 le fue adjudicado uno de sus primeros proyectos importantes, la Estación de Ferrocarril de Stadelhofen, situada junto al centro de Zúrich.

Santiago Calatrava concibe cada proyecto como una obra viva donde todas las partes que la componen están relacionadas. Da gran importancia a al efecto dinámico, al hormigón y al acero como materiales de construcción. Se inspira en la naturaleza y en los esqueletos humanos. Arquitectura e ingeniería se funden en sus obras hasta tal punto que resulta imposible dividirlas.

Principales obras de Santiago Calatrava

La Estación de Ferrocarril de Stadelhofen (1983-1990)

La construyó en colaboración con Arnold Amsler y Wener Rüeger. Los elementos más significativos de la obra son el paseo-mirador, la marquesina de las vías y la galería comercial subterránea, que se encuentra bajo las vías.

Exposición Universal de Sevilla ´92

Para la Exposición Universal de Sevilla ´92, Calatrava levanta el Puente del Alamillo. Se trata de un mástil o torre inclinada hacia atrás de la que parten los tirantes que sujetan la plataforma.En el mismo recinto de La Cartuja realiza el Pabellón de Kuwait, un edificio de gran limpieza espacial y estructural. Se divide en una planta inferior para exposiciones, una superior, que es la plaza pública y una simbólica cubierta móvil que se abre al Universo.

El Puente Peatonal del Campo de Volantín

El Puente Peatonal del Campo de Volantín se encuentra en Bilbao, sobre la ría del Nervión. También se le conoce como El Zubizuri, que en euskera significa puente blanco, ya que está pintado de blanco, rasgo característico de Calatrava. Consiste en un arco inclinado que une dos 

plataformas, con rampas de acceso y escaleras en ambas orillas y que sostiene la estructura peatonal con cables de hierro.

Otros puentes son el Puente Bac de Roda en Barcelona, La Peineta en Valencia o el Puente Lusitania en Mérida.

Aeropuerto de Bilbao

Calatrava también dirigió en Bilbao el proyecto de la renovación del Aeropuerto. Predomina el color blanco, el vidrio y el hormigón y su aspecto exterior se asemeja a un ave emprendiendo el vuelo. Por este motivo, se le ha llamado popularmente con el nombre de La Paloma. La nueva torre de control la diseñó con forma de halcón.

Torre de Montjuïc

Es una de sus obras más originales. Se encuentra en Montjuïc, Barcelona. Está realizada en acero blanqueado con forma de antorcha olímpica. Sus 120 metros de altura la convierten en el elemento señalizador clave del Anillo Olímpico.

Otras obras a destacar son:

El Centro Internacional de Ferias y Congresos en Santa Cruz de Tenerife, concebido como un edificio polivalente que permite acoger los principales acontecimientos que tienen lugar en la isla. En esta misma ciudad también proyectó el Auditorio.

La Ciudad de las Artes y las Ciencias, en Valencia, que es un complejo cultural y de entretenimiento.

La estación de metro "Alameda" en Valencia. El Museo de Arte de Milwaukee, Wisconsin. Edificio BCE en Toronto, Canadá.

 

Dibujo analítico La metodología del dibujo analítico consiste, básicamente, en comprender que todo objeto es una suma de geometrías sencillas y que si logramos adiestrarnos en conocer y dibujar con precisión esas geometrías sencillas podremos plasmar en el papel cualquier complejidad, sea de geometría compleja como orgánica. A partir de esta idea este curso se inicia desde la toma del lápiz y la posición ante el caballete , pasando por los conceptos básicos de horizonte, puntos de fuga, escorzos y, muy especialmente, la equilibrada composición de sólidos regulares en el pliego.

El lenguaje plástico El lenguaje plástico es uno de los medios de comunicación de los que dispone el niño para expresar todo aquello que va conociendo de su entorno y también para expresar su mundo interno.

Es a partir del lenguaje plástico que puede describir vivencias, pensamientos, sentimientos…utilizando aquellos elementos conceptuales y visuales que le permitirán definir la diversidad de formas y representarlas, así como poder configurar imágenes, desarrollando al mismo tiempo la sensibilidad, la creatividad y la inteligencia.

El lenguaje plástico desempeña un papel básico en el proceso de aprendizaje de la infancia ya que, experimentando con los elementos propios de este lenguaje, con los materiales y con las diversas técnicas, descubre nuevas formas, las interioriza consiguiendo imágenes y las describe transmitiendo al mismo tiempo el propio potencial creador.

La educación plástica, es importante por su valor intrínseco, ya que el arte aparece, junto a las ciencias y la tecnología, como una de las facetas fundamentales del ser humano; por tanto debe aparecer en la formación inicial.

Por último, en mi opinión la asignatura de la enseñanza y aprendizaje de la expresión plástica, me ha aportado conocer las diferentes técnicas plásticas a través de los diferentes artistas que han venido a clase, ya que nos hablaban de cómo trabajar estas técnicas en un aula de educación infantil. Me ha permitido conocer la diversidad de materiales que podemos utilizar para trabajar la expresión plástica. He disfrutado con la realización de los distintos talleres de los remake, ya que nos permitía captar ideas para hacer actividades con los niños. Para finalizar decir que me ha gustado mucho esta asignatura aunque al principio me costó entender los libros pero al final fue fácil.

El lenguaje geométrico La imagen multimedia es la respuesta a la pregunta del examen. La imagen multimedia se trata de posibilidad del lenguaje verbal más otros lenguajes gráficos en la pantalla del ordenador. Se ubica dentro de las imágenes proyectadas en movimiento.

El lenguaje gráfico lo ha utilizado el hombre desde hace millones de años. El hombre primitivo siempre sintió la necesidad de expresarse a través de gráficos, más o menos artísticos. La comunicación gráfica es establecida mediante imágenes, aunque hayamos empezado hablando del hombre de las cavernas, hoy en día, el uso de grafismos es algo a la orden del día, y cada vez en mayores cantidades, como sucede con la publicidad. Tal y como afirma Prendes (1995), esto refuerza la idea de la necesidad de "educar para la imagen", enseñar los códigos de la comunicación gráfica ya en la escuela. Es necesaria la educación de los alumnos en el campo de la comunicación gráfica" así como "por parte del autor y del ilustrador, un buen conocimiento de la población a la que se dirigen. La actividad didáctica del diseñador (emisor) consiste en aislar el público-objetivo (receptores) y tener en cuenta el nivel de conocimientos básicos y su capacidad de esfuerzo antes de emprender la tarea real del diseño.

La combinación del lenguaje gráfico y el textual permiten delimitar y completar el significado de la imagen, aunque también hacer ambiguo el significado de la imagen.

Tecnología de la pintura La pintura ha evolucionado mucho, a medida de como han pasado los años, hoy en dìa gracias a las nuevas tenologìas es posible hacer pinturas màs complejas sin requerir de mucho esfuerzo y en 

mucho menor tiempo.

Las nuevas tecnologias hacen posible el progreso en cuanto a calidad

Anteriormente cuando un pintor se equivocaba en alguna pintura, tenia que ser totalmente modificado, sin embargo, ahora es posible equivocarse y rectificar , sin atrasarse en el trabajo.

¿Puedes identificar cuál es el óleo fotografiado y cuál la pintura creada por computadora?

El arte por computadora comenzó desde los 70’s. Sin embargo, el arte digital tal como lo conocemos hoy en día es relativamente nuevo. Su desarrollo está directamente ligado a la resolución de los monitores computacionales y su capacidad para procesar colores. 

Como ejemplo tenemos los videojuegos en donde la creacion de bellos escenarios y de elaborados personajes esta basada en la programacion por computadora, y en donde dia a dia los creadores se superan a si mismos realizando si se puede decir obras maestras. 

Por último, la computadora puede utilizarse como una herramienta para crear series. El artista puede crear un ejemplo, y jugar con los colores y las texturas en la computadora, antes de crear la obra en otro medio.

Cultura artística

Cultura artística