movimientos artisticos //historia del arte - apuntes

8/18/2019 Movimientos artisticos //Historia del arte - Apuntes

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Impresionismo

El Impresionismo es un movimiento pictórico que surgeen Francia a finales del S. XIX en contra de las fórmulasartísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las

exposiciones oficiales en el Salón parisino.El objetivo de los impresionistas era conseguir una representacióndel mundo espontánea y directa.El Impresionismo parten del análisis de la realidad. Hastaahora la pintura reproducía un escenario en el que ocurría unacontecimiento que conformaba el mensaje para el espectador. Ahora, se quiere que la obra reproduzca la percepción visual del

autor en un momento determinado, la luz y el color real que emanade la naturaleza en el instante en el que el artista lo contempla.Se centrarán en los efectos que produce la luz natural sobre losobjetos y no en la representación exacta de sus formas ya que laluz tiende a difuminar los contornos. Ven colores que conformancosas, y esto es lo que plasman, formas compuestas por coloresque varían en función de las condiciones atmosféricas y de laintensidad de la luz. Todo esto hace que elaboren una seriede un mismo objeto en diferentes circunstancias atmosféricas

y temporales, no les importa el objeto, sino las variacionescromáticas que sufre éste a lo largo del día.Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tansólo sugirieron las formas, empleando para ello los coloresprimarios (azul, rojo y amarillo) y los complementarios (naranja,verde y violeta). Consiguieron ofrecer una ilusión de la realidadaplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortasy yuxtapuestas. Aunque los hallazgos del impresionismo francés resultaron

decisivos para la pintura del S. XX, conceptos como los de luz ycolor se encontraban ya en la pintura veneciana de mediados delS. XVI. Efectos que también están presentes en obras realizadaspor Hals, Velázquez y Goya. Los antecedentes inmediatos losencontramos en los pintores como John Constable, Turner, Coroty en la escuela de Barbizón, con su aportación de la pinturaal aire libre.El término impresionistas les fue impuesto de modo peyorativo por el crítico Louis Leroy al ver la obra de Monet Impresión atardecer

o Impresión sol naciente en la exposición de 1874. Lo habitual eraexponer en el Salón Oficial, pero los nuevos artistas, conocidoscomo “Los Rechazados”, tenían que buscar lugares alternativosdonde les permitieran exhibir sus obras.

Así, la primera exposición

impresionista tuvo lugar

el 15 de Abril de 1874 en el

Salón del fotógrafo Nadar.

Las figuras principales del

movimiento fueron Eduard

Manet, Degas, Claude Monet,

Auguste Renoir, Morisot,

Pisarro y Sisley.


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Impresionismo

Nacido en Parísen 1832, hijo de un importantefuncionario, Manet fue un me-diocre estudiante interesadoúnicamente en el dibujo. Antela resistencia paterna a que ini-ciara una carrera artística, tratóinfructuosamente de ingresar en la Escuela Naval hasta que,tras un segundo intento fallido,su familia accedió a financiar sus estudios artísticos en el ta-ller del pintor clásico ThomasCouture, al que abandonaríamás tarde para establecer supropio estudio.

Su estilo incluye el homenaje ala pintura española del Barroco junto al empleo de sugerenciasde la estampa japonesa, comola articulación de las tonalidadesa través de contrastes y la re-nuncia al claroscuro tradicional.Se sitúa a caballo entre el rea-lismo y el Impresionismo. Mu-chos han clasificado su estilocomo naturalista porque se

basa en la observación de larealidad y su plasmación sin al-teración alguna. Representa lavida tal cual, sin adorno ni me-táfora. Por ello sus obras sus-citan escándalos y polémicascomo en su Desayuno sobre lahierba que provocó la hostilidadde los críticos conservadores.

El tema ya contaba con ante-cedentes en el Renacimiento,pero Manet lo interpreta ade-cuándolo a la modernidad.

Lo mismo sucede con Olimpia,para su desnudo no necesitódiosas ni musas como en elRenacimiento y en el Barroco,sino que representaba el des-

nudo de una prostituta, unamujer de la vida contemporá-nea. Para captar la realidad yla fugacidad utilizó la pincela-da rápida y empastada, rasgoque identificará al Impresio-nismo. Por ello podría decirseque Manet fue su precursor.Manet abandonó su técnica tra-

dicional, el óleo, para pasar alpastel. Paralelamente, su sa-lud experimentó un crecientedeterioro a causa de una en-fermedad de origen infecciosooriginada en su pierna izquier-da, situación que más tarde loalejaría de todo.

Nacido en Parísen 1840, pasó la mayor partede su niñez en Le Havre, dondeestudió dibujo en su adolescen-cia y pintó marinas al aire libre

con Boudin.En la década de 1860 se jun-tó con el pintor pre-impresio-nista Édouard Manet y conotros pintores franceses quemás tarde formarían la escuelaimpresionista.Monet pintaba, trabajando alaire libre, paisajes y escenas

de la sociedad burguesa con-temporánea, y así comenzóa tener cierto éxito en las ex-posiciones oficiales. Sin em-

“Desayuno en la hierba”, 1863

Edouard Manet

“Olympia”, 1863

Edouard Manet

“La Catedral de Rouen”, 1893

Claude Monet


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bargo, a medida que su estiloevolucionaba, Monet transgre-día con frecuencia los con-vencionalismos artísticos tra-dicionales en beneficio de una

expresión artística más directa.

Sus experimentos al aire librese hacían cada vez más auda-ces, buscando la reproducciónde la luz del día por medio deuna aplicación libre de coloresbrillantes. De este modo le dio laespalda a la posibilidad de una

carrera exitosa como pintor convencional.Es uno de los pintores que máscontribuye al movimiento. Nun-ca derivó hacia otras corrientesartísticas, sino que se mantu-vo fiel al Impresionismo hasta su muerte.Su máxima preocupación es

plasmar la vibración cromático-lumínica en sus lienzos. La luzengendra el color y la forma.Sus temas preferidos son lasmarinas, las escenas fluvialesy los paisajes. Ejemplos: Im-presión atardecer, Regatas en Argentuil, Las amapolas, Pa-seo con sombrilla, La estaciónde San Lázaro, La Catedralde Rouen. A mediados de la década de1880 Monet, considerado el di-rigente de la escuela impresio-nista, había alcanzado un re-conocimiento importante y unabuena posición económica. Apesar de la audacia de su colo-rido y de la extrema simplicidad

de sus composiciones, se le va-loró como un maestro de la ob-servación meticulosa, un artistaque no sacrificó ni las comple-

“Impresión atardecer”, 1872

Claude Monet

“La estrella”, 1878

Edgar Degas

“ La Bebedora de ajenjo”, 1876

Edgar Degas

jidades reales de la naturalezani la intensidad de sus propiossentimientos.Monet continuó pintando, a pe-sar de que la vista le fallaba,

casi hasta el momento de sumuerte.

Nació en Paris en1934. Después de cursar dere-cho, y gracias a la ayuda de suacaudalado padre, estudió enla Escuela superior de bellasartes. Posteriormente fue a Ita-lia donde copió a los maestrosdel Renacimiento.En esta época, su estilo, aun-

que se mantenía en la línea delo tradicional, y con influenciade Ingres y Chavannes, no dejaba de manifestar una acusa-da personalidad artística.

Es un impresionista más de laforma que del color. Es un há-bil dibujante, le preocupó cap-tar el movimiento con fidelidad,de ahí que desarrollara temascomo las bailarinas y las carre-ras de caballos.Es un gran observador de lamujer, capta las posturas másinsólitas, las poses naturales einstantáneas. Algunas de susobras son: Clase de danza, Labebedora de ajenjo, Bailarina

en la escena, Planchadores,Carreras. Cultivó el dibujo endetrimento del color, por lo queno armonizó bien con el Impre-

Impresionismo


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“Le Moulin de la Galette”, 1876

Pierre Auguste Renoir

“ El columpio”, 1876


“ El Palco”, 1874


sionismo, y tampoco con lastendencias conservadoras por sus temas contemporáneos. A partir de 1880, produjo grancantidad de retratos y de esce-

nas de género. Atraído por elballet y la ópera, pintó cuadrosde bailarinas, pero tambiénfueron para él constantes moti-vos de inspiración las carrerasde caballos y el circo. Casi to-das sus obras eran desnudosfemeninos, tratados con unagran libertad de deformación

expresiva y de composición. Asimismo utilizó el pastel y fi-nalmente, modeló admirablesesculturas de bailarinas (cuan-do ya su misantropía y sus ojosse resistían al color.

con una sucesión de manchascentelleantes que parecen des-lizarse sobre la tela al ritmo dela música o de los movimientosde los árboles que dejan pasar

parcialmente la luz.Ofrece una interpretación mássensual del Impresionismo. Sepone en relación con los pinto-res del S. XVIII que mostrabanla sociedad galante del Rococó.En sus creaciones muestra laalegría de vivir, incluso cuandolos protagonistas son trabaja-

dores. Siempre son personajesque se divierten, en una natura-leza agradable. Trató temas deflores, escenas dulces de niñosy mujeres y sobre todo el des-nudo femenino, que recuerda aRubens por las formas gruesas.Renoir posee una vibrante y lu-minosa paleta que hace de él

un impresionista muy especial.El palco, El columpio, El Moulinde la Galette, Le dèjeuner descanotiers, Bañistas, son susobras más representativas.Las penurias económicas deRenoir terminaron con el éxitode la exposición impresionistade 1886 en Nueva York. A partir

de ese momento los éxitos sesuceden. Sin embargo, ni suartritis, que le lleva a instalar-se en la Provenza en busca deun clima más cálido -es opera-do en 1910 de las dos rodillas,una mano y un pie-, ni el alis-tamiento de sus hijos Pierre yJean durante la Primera GuerraMundial, ni incluso la muertede su esposa en 1915, lograndisminuir su entusiasmo por lapintura.

Nació en Limogesen 1841. Hijo de artesanos, vi-vió sus primeros años en ba-rrios proletarios donde trabajócomo decorador de porcelanasy pintor de abanicos. Despuésaccedió al taller del pintor Gil-bert y, luego al de Gleyre, don-de conoció a Monet, Bazille ySisley, con quien más tardecompartió su casa en París.Sus primeros intereses comopintor se inclinaron por la es-cuela de Barbizon y, conse-cuentemente, por la pintura alaire libre.En comparación con Manet,que pintó en un alarde de pince-ladas imprecisas e indefinidas,Renoir libera más la pintura,

Impresionismo


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Nacido en Aix-en-Provence en 1839, Cézanne proce-de de una familia adinerada, y supadre, de origen italiano, poseía unestablecimiento bancario. Recibióuna esmerada educación y unos co-nocimientos humanísticos en el co-legio de Bourbon, donde conoció aEmile Zola, uno de sus amigos másíntimos.Cézanne empezó los estudios deDerecho para complacer a su pa-dre, pero más tarde, con el apo-yo materno se trasladará a Paríspara comenzar su carrera comopintor. Asiste a la Academia Suizapara ejercitarse en el dibujo, y allíconoce a Pisarro, con el que tam-bién visitará el Louvre para estudiar las obras de los grandes pintoresdel pasado.

Tras unos primeros lienzos de con-cepción romántica, el trato con Pi-sarro condicionó su pintura. Le ayu-dó a aclarar su paleta, a interesarsepor el bodegón y el paisaje. Le en-señó a pintar como un impresionis-ta. De todas maneras, Cézanne yaapuntaba hacia la exaltación de losvolúmenes, rasgo que lo diferenciade los demás impresionistas. Su

presencia en la primera exposiciónde los impresionistas (1874) provo-có rechazos, ya que ni los miem-bros del grupo acababan de en-tender su obra. Lo volvió a intentar en otra muestra, pero como no seaceptó su estilo, abandonó el grupoy se trasladó a Aix.El Impresionismo fue para Cézan-ne una práctica, una técnica quetratará de acomodar a sus inten-ciones, donde la pincelada pierdeespesor y el colorido gana pureza.Para él el Impresionismo se fun-daba demasiado en la sensación

y en la superficialidad. Retirado en Aix-en-Provence, prescinde de laemotividad y del sentimiento parareflexionar sobre el lenguaje pictóri-co, meditando sobre las relacionesentre la forma y el color.

Se concentrará en el bodegón es-forzándose por encontrar el color exacto, ya que cuanto más se ajus-te el color, con más precisión apare-cerá la forma. No aplicó el sistemade claroscuro tradicional y tampocorecurrió al modelado ni al dibujo.Cézanne busca en la naturaleza lasformas esenciales, que para él sonlas figuras geométricas (el prisma,

la esfera, la pirámide) y en conse-cuencia, plasma lo que contempla. Así, al representar un objeto, no lohace de un lado solamente, sinoque lo muestra desde posicionesdiferentes. Por este motivo, puedeser considerado como uno de losprincipales artistas del postimpre-sionismo y como precursor la pin-tura cubista.

“ Los jugadores de naipe”, 1892

Paul Cezanne

“Vista de Auvers”, 1874

Paul Cezanne

Impresionismo


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Este movimiento tiene su origen en Francia en 1880 y estará liderado por Georges Seurat y Paul Signac, quienes primero exhibieron sus trabajosen 1884 en la muestra de la Société des Artistes Indépendants en París.El término “neoimpresionismo”, aplicado por el crítico Félix Fénéon, seña-laba que las raíces de estos desarrollos se situaban en las artes visualesdel Impresionismo, pero se ofrecía, a su vez, una nueva lectura del color y la línea, con el trasfondo teórico de los escritos de Chevreul y CharlesBlanc, siendo así el primer movimiento que plantea una relación entrearte y ciencia.Tal como los impresionistas, usan en su paleta colores puros, pero bajoningún concepto admiten una mezcla en la paleta (salvo la mezcla decolores vecinos en el círculo. Éstos, matizados entre sí, y aclarados conel blanco, engendran la multiplicidad de los colores del prisma y todassus graduaciones). Merced al empleo de trazos aislados de pincel -cuyotamaño mantiene una correcta proporción con el tamaño de todo el cua-dro-, los colores se mezclan en el ojo del espectador, si este se coloca a ladebida distancia. El objeto de la descomposición de los colores es conferir al color el mayor esplendor posible, crear en el ojo -mediante la mezcla delas partículas de color yuxtapuestas- una luz coloreada, el brillo de la luzy los colores de la naturaleza.Los neoimpresionistas no atribuyen importancia a la forma de la pince-

lada. Para ellos, no es más que una de las innumerables partes que, enconjunto, componen el cuadro; un elemento que desempeña el mismopapel que la nota en una sinfonía. El arte de los coloristas está eviden-temente asociado, en cierto sentido, tanto con la matemática como conla música.Uno de los primeros efectos del uso del color puro y de una pinceladaregular es la afirmación del plano. Así pues se cuestiona la perspectivatradicional, en tanto que se afirma la superficie del cuadro como un uni-verso independiente de la naturaleza. Las formas simplificadas por estetratamiento toman un aspecto geométrico.

Los neoimpresionistas rechazan asimismo el recurso tradicional para crear la ilusión del movimiento. Para animar la “superficie plana” de sus lienzos,prefieren un juego de líneas rítmicas o repetir un motivo geométrico. Por las mismas razones, privilegian el arabesco cuyo desarrollo amplio guía elojo del espectador a la superficie de sus obras.También cuestionarán la traducción de una realidad efímera tan exaltadapor los impresionistas y, en su lugar, desean captar la esencia de un pai-saje o de una personalidad. Después de haber privilegiado la descripcióndel París moderno y de sus alrededores, a partir de la década de 1890,los neoimpresionistas manifiestan una predilección por el universo medi-terráneo, evocador de una Edad Dorada mítica. Asimismo, estos artistasrenuncian a la exploración de los matices más sutiles de la luz para obte-ner efectos de colores más vivos. Amplían el “punto” hasta reemplazarlopor una pincelada más libre. Dejan de lado el principio de la mezcla ópticaa favor de la teoría del contraste, en la que la armonía se establece por la

Neoimpresionismo


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oposición entre los colores complementarios, entre la sombra y la clari-dad.Tras la muerte de Seurat, el neoimpresionismo evoluciona rápidamente,como se observa en particular en la transformación del estilo de Crossy de Signac entre 1893 y 1898. La factura parece más espontánea y laspinceladas están claramente individualizadas.

La publicación en 1898 del tratado de Signac hace resurgir el interés por la división de los colores. Gracias a esta obra, la mayor parte de artistasinnovadores de principios del siglo XX se interesan en el neoimpresionis-mo, aunque cada uno extraiga su propia inspiración y ninguno le sea fiel.

Neoimpresionismo

Modelo de color de Chevreul

Contraste simultáneo

Chevreul

Modelo de color

de Blanc


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Neoimpresionismo

Nació en París en1863. Procedente de una familiaacomodada, Paul Signac pudo de-dicarse casi enteram na y las cos-tas mediterráneas.Formuló sus ideas estéticas en DeEugène Delacroix al Neoimpresio-nismo (1899). La obra es una de-fensa de los procedimientos téc-nicos adoptados por los pintoresneoimpresionistas, pintores anima-

dos por la común aspiración de dar a sus telas el máximo de la lumino-sidad.Tras la muerte de Seurat, Paul Sig-nac se trasladó a Saint-Tropez. Fueun gran viajante y navegante a lolargo de su vida, y esta afición aviajar lo llevó desde La Rochelle aMarsella y desde Venecia a Cons-tantinopla, viajes en los que pinta-

ría principalmente temas marinosy que explicarían la gran cantidadde acuarelas presentes en su obra,además de su estilo tan particu-lar, ágil y exacto. Su técnica dejóde ceñirse tan estrictamente a lasreglas puntillistas, y evolucionóhacia un ensanchamiento de sus pinceladas. A partir de 1913, Signac realizó lar-

gas estancias en Antibes, aunquesiguió conservando su estudio deParís. Además de paisajes y re-tratos, también pintó bodegonesy algunas composiciones decora-tivas. El pintor jugó un papel muyconsiderable en la formación delgrupo de neoimpresionistas; sirvióademás de vínculo entre Pissarro,Seurat y los escritores simbolistas,y trabó amistad con pintores belgasque formaron un segundo grupo deneoimpresionistas.

l palacio de los Papas de Aviñón”,1900

Paul Signag

“El puerto de Saint-Tropez”, 1907 Paul Signag

Nació en París en1859 en el seno de una familia muymodesta. Desde muy joven comen-zó a dibujar bajo la dirección delescultor Lequien, para más tardeingresar en la escuela de bellas ar-tes. Allí, en el taller de Lehman, lasteorías permanecían fieles al clasi-cismo de Ingres.Dotado de un espíritu positivo y deuna inteligencia precoz, Seurat se

interesó por las investigaciones delos teóricos de la luz, cuyos hallaz-gos trató de aplicar a la pintura.Seurat llevó al límite la experienciaimpresionista y, en lugar de repro-ducir los efectos de la luz, empezóa pintar mediante toques aisladosy a plasmar las formas reducidasa sus características esenciales.También experimentó en torno a

fenómenos ópticos, como la des-composición de la luz o el efectode intensificación de la percepciónproducido por la presencia simultá-nea de colores complementarios.Para poder plasmar la visualizaciónpictórica de estos principios, reali-zó una disminución progresiva dela pincelada hasta reducirla a pe-queños puntos de colores puros,

sin mezclar, que al fundirse en laretina del que contempla el cuadroproducen un efecto de gran lumino-sidad e intensidad cromática. Por otro lado, buscó la plasmación decolores secundarios brillantes por medio de colores primarios, que noestán realmente mezclados sinopróximos, de modo que es el ojohumano el que, a cierta distancia,percibe el color buscado.Más tarde participó en la fundacióndel Salón de Artistas Independien-tes, que agrupaba pintores de nue-vas tendencias, entre las que figura


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el neoimpresionismo o puntillismo,corriente de la que fue el iniciador. Allí, conoció a Signac, que se con-virtió en su seguidor. Más tarde seles unió Camille Pissarro.Los impresionistas se liberaron del

exceso de contemplación y razona-miento constructivista: pretendíancaptar el momento fugaz, su transi-toriedad, sus matices cambiantes.Los puntillistas reaccionaron con-tra esta fugacidad. En vez de unaaproximación instintiva, de unosprocedimientos más o menos im-provisados, ellos querían encontrar una técnica razonada, normativa,

perenne.La influencia del puntillismo fueamplia, pero de corta duración,pues lo estricto de las reglas cho-caba con la sensibilidad propia decada artista. Además, las ideas ensí mismas eran difíciles de llevar ala práctica y la teoría dejaba mu-chos problemas sin resolver. Cuan-do los pequeños puntos no logra-

ban fundirse, producían el mismoefecto que un mosaico. Sin embar-go, aun cuando el puntillismo fuerarápidamente abandonado, obtuvomuchos logros, entre los que secuenta el de propiciar la creen-cia de que el arte debía apoyarseen el conocimiento científico, ideaque, de algún modo, condujo alnacimiento del cubismo y del arteabstracto.

Del mismo modo que Cézanne,Seurat tiende a la realización deelementos geométricos, aunqueelegantemente estilizados. Sumanera de realizar la pintura fuetambién totalmente diferente dela de los impresionistas: trabajó laescena en su estudio durante unlargo período de tiempo, y utilizótanto apuntes realizados en forma

impresionista como dibujos cuida-dos y casi académicos para cadadetalle del cuadro. Los puertos deBretaña y Normandía, que visitaríafrecuentemente a lo largo de toda

su vida, inspiraron la mayoría desus paisajes.La fusión de Seurat de cienciay emociónSeurat toma de los teóricos del co-lor la noción de un acercamiento

científico a la pintura. Seurat creíaque un pintor podía usar el color para crear armonía y emoción enel arte de la misma forma que losmúsicos usan variaciones del soni-do y el tiempo para crear armoníaen la música. Seurat teorizó que laaplicación científica del color eracomo cualquier otra ley natural, yse condujo a probar esta conjetura.

Neoimpresionismo

“Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte”, 1886

Paul Signag

“El Sena y la Grande Jatte”, 1888

Paul Signag

“Las Bañistas en Asniéres”, 1884

Paul Signag


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Postimpresionismo

Este movimiento, que se prolongó desde finales del siglo XIX

hasta principios del siglo XX, recibió su nombre gracias al críticobritánico Roger Fry con motivo de una exposición que se celebróen Londres en 1910. Este término engloba en realidad diversos

estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismoy a la vez como un rechazo a las limitaciones de este.El postimpresionismo era tanto una extensión del impresionismo comoun rechazo a sus limitaciones. Los postimpresionistas continuaronutilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladasdistinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción yexpresión a su pintura.

Aunque a menudo exponían juntos, no se trataba de un movimientocohesionado. Trabajan en áreas geográficas distantes entre sí, van Goghen Arlés, Cézanne en Aix-en-Provence.Sus formas más exageradas y el uso del color, estructura y líneasprepararon el terreno para los estilos que seguirían más adelante del sigloXX, como el fauvismo o el cubismo.El crítico de arte y pintor Robert Fry fue el primero en el utilizar el término“postimpresionismo” cuando en 1910 organizó una exposición en lasGrafton Galleries de Londres titulada Manet and the Post-Impressionists,en la que los protagonistas más destacados fueron Cézanne, Gauguin yVan Gogh, por entonces ya todos ellos fallecidos.Con el postimpresionismo se creó un nuevo tipo de artista, el genioindividual que vive de su arte, la personalidad creadora que plasma supsicología en el cuadro, gracias a su trazo singular, al color personal, y a larecuperación de las formas y las estructuras, pero con una nueva lectura.El color se hace representativo y subjetivo, no objetivo. Se representa elcolor con que se ve el alma de las cosas. La realidad se interpreta según lavisión personal del genio creador. Los pintores huyen de París buscandoel primitivismo del arte, aunque esta ciudad sigue siendo el centro del artemundial. Estos nuevos impresionistas tienen una visión particular de supintura, que les aleja del impresionismo clásico.

Casi todos estos autores serán, durante un tiempo, impresionistas, perolo superarán dando soluciones personales. Muchos de ellos están en elorigen de las vanguardias históricas.

El término

ostimpresionismo se aplica

a los estilos pictóricos

de finales del siglo XIX y

principios del XX tras el

impresionismo.


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Nació en Albi,Francia, en 1864, en el seno de unafamilia aristocrática. A los 10 añosse empiezan a manifestar las pri-meras dificultades motrices, lo queobligó su retirada del colegio paraser sometido a tratamiento médi-co. Su madre recorrerá todos losespecialistas para curar la dolen-cia del pequeño, sin encontrar unasolución, ya que la enfermedad que

padecía Henri era totalmente des-conocida en el siglo XIX (la picno-disostosis es un desorden genéticoprovocado por la consanguinidadde los padres, que en su caso eranprimos hermanos, que afecta aldesarrollo de los huesos). A estadolencia debemos añadir dos frac-turas accidentales en los fémuresde ambas piernas lo que le impidió

alcanzar una estatura normal. Perollevó su condición física con estoi-cismo y su deformidad no le impidiórelacionarse y mantener una vidasocial normal.Toulouse-Lautrec decidió ser pintor,y con el apoyo de su tío Charles yunos pintores amigos de la familia,como Princetau, John Lewis Browny Jean-Louis Forain, fue a vivir aParís en 1881. Allí, fue alumno deLéon Bonnat, que era un retratistade moda, y, cuando se cerró el taller de Bonnat en septiembre de 1882,tuvo que buscar un nuevo maestro,Fernand Cormon. En el estudio deCormon se hizo amigo de Vincentvan Gogh.La fascinación que sentía por loslocales de diversión nocturnos lellevó a frecuentarlos con asiduidad

y hacerse cliente habitual de algu-nos de ellos como el Salon de laRue des Moulins, el Moulin de laGalette, el Moulin Rouge, Le Chat

Noir o el Folies Bergère. Todo lo re-lacionado con este mundo, incluidala prostitución, constituyó uno delos temas principales en su obra.En sus obras de los bajos fondosde París pintaba a los actores, bai-

larines, burgueses y prostitutas. Aéstas las pintaba mientras se cam-biaban, cuando acababan cadaservicio o cuando esperaban unainspección médica. Al contrario que los artistas impre-sionistas, apenas se interesó por el género del paisaje, y prefirió am-bientes cerrados, iluminados conluz artificial, que le permitían jugar

con los colores y encuadres de for-ma subjetiva. Muy observador, leatraían la gestualidad de los can-tantes y comediantes, y le gustabaridiculizar la hipocresía de los po-derosos, que rechazaban en vozalta los mismos vicios y ambientesque degustaban en privado.El alcoholismo deterioró su salud.Y a partir de 1897 padeció manías,

depresiones y neurosis, además deataques de parálisis en las piernasy en un costado. En 1897 tuvo queser recogido de las calles a causade una borrachera y poco despuésen un delírium trémens llegó a dis-parar a las paredes de su casa cre-yendo que estaban llenas de ara-ñas. Sin embargo seguía pintandode forma firme y rápida; pero lovolvieron a recoger alcoholizado en

1899 y lo internaron en un sanato-rio mental. Allí realizó una colecciónde pinturas sobre el circo.Le dejaron ir a casa de su madreen las posesiones de ésta cerca deBurdeos, y el 9 de septiembre de1901 murió postrado en su cama.En 1922 su madre y su tratanteabrieron el Museo Toulouse-Lau-trec en el Palacio de la Berbie, Albi,

muy visitado y reconocido por suamplia colección.

“Avril”, 1893

Toulouse-Lautrec

“En el Salón de la Rue des Moulins”, 1894

Toulouse-Lautrec

“La lavandera”

Toulouse-Lautrec

Postimpresionismo


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Postimpresionismo

Nació el 30 de mar-zo de 1853. Hijo de un austero yhumilde pastor protestante neer-landés llamado Theodorus y de sumujer Anna Cornelia, Vincent reci-bió el mismo nombre que recibió unhermano que nació muerto exacta-mente un año antes. El 1 de mayode 1857 nació su hermano Theo yambos tuvieron cuatro hermanosmás: Cornelius Vincent, ElisabethaHuberta, Anna Cornelia y Wilhelmi-na Jacoba.Durante la infancia acudió a la es-cuela de manera discontinua e irre-gular, pues sus padres le enviarona diferentes internados. El primerode ellos en Zevenbergen en 1864,donde estudió francés y alemán.5Dos años después se matriculóen el Instituto Hannik (Tilburg) y

permaneció allí hasta que dejó losestudios de manera definitiva a los15 años.6 Allí nació su afición por la pintura, aunque durante el restode su vida se enorgulleció de ser ungran autodidacta.Sobre su infancia, Vincent vanGogh comentó: «Mi juventud fuetriste, fría y estéril.»

Nació el 30 de mar-zo de 1853. Hijo de un austero yhumilde pastor protestante neer-landés llamado Theodorus y de sumujer Anna Cornelia, Vincent reci-bió el mismo nombre que recibió unhermano que nació muerto exacta-mente un año antes. El 1 de mayode 1857 nació su hermano Theo yambos tuvieron cuatro hermanosmás: Cornelius Vincent, ElisabethaHuberta, Anna Cornelia y Wilhelmi-na Jacoba.Durante la infancia acudió a la es-cuela de manera discontinua e irre-gular, pues sus padres le enviarona diferentes internados. El primerode ellos en Zevenbergen en 1864,donde estudió francés y alemán.5Dos años después se matriculóen el Instituto Hannik (Tilburg) y

permaneció allí hasta que dejó losestudios de manera definitiva a los15 años.6 Allí nació su afición por la pintura, aunque durante el restode su vida se enorgulleció de ser ungran autodidacta.Sobre su infancia, Vincent vanGogh comentó: «Mi juventud fuetriste, fría y estéril.»Su situación le hace ver en la reli-

gión el único camino para salvar lacrisis, por esto, comienza a predi-car el metodismo en Isleworth. Por otro lado, percibe ayuda de su fa-milia para regresar a Amsterdamy cursar allí estudios de Teologíaprotestante, pero no es admitidoen el Seminario. Es nombrado pre-dicador finalmente en Bruselas ydestinado a la región de Borinage,donde convive con los mineros (suapoyo a una huelga le vale el cesede su cargo religioso). De su estan-cia en esa región de Holanda datanlos dibujos de mujeres recogiendo

carbón.Gracias a Theo ingresa en la Aca-demia de pintura de Bruselas y,en 1881 viaja a La Haya, dondesu primo Mauve lo introduce enlos círculos artísticos de la ciudad.Orienta su interés pictórico hacianaturalezas muertas. De esta épo-ca data su amor con una prostitu-ta embarazada que le contagia lasífilis, pero sólo cuando su enfer-medad empeora. Poco despuésse instala con su padre en Nevendonde se interesará por los te-mas de la naturaleza y el retrato.En 1890 no recibe la suma que

mensualmente le envía su her-mano. Conoce la desesperación,se siente fracasado y enfermo; leabruma la tristeza y la angustia.Con la excusa de ir a cazar cuer-vos, consigue un revólver presta-do con el que se dispara un tiro.Durante los últimos treinta mesesde vida llegó a realizar 500 obras yen sus últimos 69 días firmó hasta

79 cuadros. Sin embargo, su de-presión empeoró y el 27 de julio de1890, a la edad de treinta y sieteaños, mientras paseaba por el cam-po, se disparó un tiro en el pechocon un revólver. No se dio cuentade que su herida era mortal y volvióa la pensión Ravoux, donde murióen su cama dos días después, enbrazos de su hermano Theo.

Autorretrato con oreja vendada

Vincent van Gogh

“Autoretrato”, 1889

Vincent van Gogh

“Los cuervos sobre el campo de trigo”, 1890

Vincent van Gogh


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Postimpresionismo

“¿Cuando te casas?”, 1892”

Paul Gauguin

“El Cristo amarillo”, 1889

Paul Gauguin

“Arearea”, 1982

Paul Gauguin

Nació en París en1848. Su padre era un periodista li-beral y tuvo que emigrar, en 1852,con toda su familia a Perú tras elgolpe de estado de Napoleón III. Años más tarde regresan a Francia,instalándose en Orléans. Luego, setrasladarán a París, donde se pre-parará para ingresar en la EscuelaNáutica, pero finalmente se enrolaen la marina. A su regreso a París se convierte,gracias a un amigo de la familia, enagente de Bolsa, trabajo en el quese desenvuelve muy bien, obte-niendo buenos ingresos que le per-miten coleccionar pinturas, empe-zar a pintar y contraer matrimonio.Su primer maestro artístico seráCamille Pissarro de cuya manoentra en el grupo impresionista,

participando con ellos en varias ex-posiciones. También le llamará laatención Edgar DegasHombre de cáracter difícil, arro-gante y egoísta, tenía una claraconciencia del valor de su trabajo,y fue esta conciencia la que le ayu-dó a sobrevivir en los muchos mo-mentos difíciles de su existencia.Sus primeras obras impresionistas

fueron hechas bajo la dirección dePisarro, pero muy pronto se sintióinsatisfecho con un método quesólo era apto para describir lo queveía ante sí.Lo que él pretendía eratraducir en imágenes las sensacio-nes.Su problema consistió en labúsqueda de temas y fórmulas ex-presivas que simbolizaran dichassensaciones, y encontró, primeroen Bretaña y luego en Tahití , losparajes exóticos donde materializar estas ideas. En su búsqueda de pri-mitivismo, recurrió a las cualidadesingenuas y narrativas del arte del

Quattrocento italiano, los espaciosde Fra Angelico y los ritmos sinuo-sos de Boticelli. Las combinacio-nes de colores y fuertes contornosde las estampas japonesas, lastoscas esculturas de piedra de las

iglesias bretonas, el estatismo y lasolemnidad del arte egipcio y lasesculturas precolombinas de Amé-rica Central, están igualmente en labase de su pintura, pues en ellasla necesidad expresiva tenía priori-dad sobre la mera representación.Cézanne y Degas también dejaronuna huella importante en el desa-rrollo de su estética, y se sirvió de

ellos para abandonar los caminosdel naturalismo. En su primer pintu-ra completamente simbolista, La vi-sión después del sermón, de 1888,las formas aplanadas de contornososcuros y las zonas de puro color nos indican la tentativa del artistapor alcanzar una síntesis en don-de la complejidad de la idea se ex-presa a través de la simplificación

de la forma.Su nuevo sueño es marcharse aTahití. Piensa ganarse la vida ha-ciendo retratos pero decide retirar-se de la civilización y vivir con una joven mestiza.En 1893 regresa a París, donde es-pera el reconocimiento de su talen-to y el éxito económico, pero ocu-rre lo contrario por lo que regresaa Oceanía, desesperado, enfermo,

alcohólico y solo.Gauguin empieza una importantecampaña a favor de los indígenasy al tener dificultades con las auto-ridades de Tahití, abandona la isla yse traslada a Atuana, donde intentaaislarse lo más posible con una mu-chachita muy joven y en una caba-ña confortable. Morirá, al parecer,de un ataque cardíaco.


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Simbolismo (1880-1900)

El Simbolismo es un movimiento literario y de artes plásticas quese originó en Francia en la década de 1880, paralelo al post-impresionismo, y que surgió como reacción al enfoque realistaimplícito en el Impresionismo. Tanto el Impresionismo, como el

idealismo y el naturalismo académico se habían identificado con los pro-blemas contemporáneos, políticos, morales e intelectuales. Los artistasde 1885 disgustados por la incapacidad de la sociedad para resolver es-tos problemas buscaron nuevos valores basados en lo espiritual. Deseancrear una pintura no supeditada a la realidad de su momento, rechazan loque trae consigo la vida diaria, la aglomeración, la actividad industrial y ladegradación.Se va creando un estado de decepción frente al positivismo y cienti-

fismo imperante y se descubre una realidad más allá de lo empírico. Aesto contribuye Schopenhauer, que en su oposición al positivismo, insis-te en que el mundo visible es mera apariencia y que sólo adquiere im-portancia cuando somos conscientes de que a través de él se expresala verdad eterna.Él defiende no el pintar el objeto en sí mismo, sino para trascender a otrosámbitos a través de la intuición y la contemplación.Los simbolistas consideran que la obra de arte equivale a una emociónprovocada por la experiencia. Tratan de exteriorizar una idea, de analizar el yo. Les interesa la capacidad de sugerir, de establecer corresponden-

cias entre los objetos y las sensaciones, el misterio, el ocultismo. Sientenla necesidad de expresar una realidad distinta a lo tangible y tienden haciala espiritualidad. El símbolo se convierte en su instrumento de comunica-ción decantándose por figuras que trascienden lo material y son signos demundos ideales y raros. Hay una inclinación hacia lo sobrenatural, lo queno se ve, hacia el mundo de las sombras.La revelación de Freud acerca de la vida de los sueños y la existenciade una parte irracional en lo humano es aplicada al programa simbolistareivindicando la búsqueda interior.Cultivarán el subjetivismo, el antirracionalismo y aflorará el interés por elcristianismo y las tradiciones diversas. Estudian la ambigüedad, la bellezahermafrodita, lo andrógino, la mujer fatal que destroza cuando ama, lo fe-menino devorador. La mujer brota del mundo del inconsciente y para huir de la realidad adopta forma de esfinge, de sirena, de araña o de genio ala-do. Los seres que aparecen en ese mundo de sueño serán incorpóreos.Prestan especial atención a la forma, pero la ponen al servicio de unosideales que van más allá de la pura apariencia. Plasman sus sueños yfantasías por medio de la alusión al símbolo y a una rica ornamentación. Aveces utilizan colores fuertes para resaltar el sentido onírico de lo sobre-natural. Puede decirse que es una pintura de ideas, sintética, subjetiva ydecorativa. Los precursores de esta nueva pintura son Gustave Moreau,

Puvis de Chavannes y Odilon Redon.

El término simbolista

procede del ámbito literario.

El primero en utilizarlo

fue el poeta Jean Moréas

en 1885 en su “Manifiesto

imbolista” y posteriormente

se aplicó a la nueva pintura

a que las intenciones de los

poetas y los pintores eran

semejantes.


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Simbolismo

Edvard Munchnació el 12 de diciembre de 1863en Løten, Noruega. Hijo del médi-co militar Dr. Christian Munch y suesposa Laura Cathrine, tuvo una in-fancia muy difícil, ya que su madrey su hermana murieron de tuber-culosis cuando él era muy joven, ysu padre era hombre dominado por obsesiones de tipo religioso quemurió en 1889. De todo ello surgió

una personalidad conflictiva y untanto desequilibrada, que él mismoconsideraba la base de su genio.En el año 1879 comienza la carrerade ingeniería pero unos años mástarde lo deja para empezar su ca-rrera artística que le abrió el cami-no al desarrollo del expresionismo,hasta que en el año 1881 vendedos cuadros y pinta su primer auto-

rretrato. El pintor naturalista norue-go, Christian Krohg fue un maestroesencial para Munch que en granvariedad de ocasiones corregíasus trabajos y le ayudaba a mejo-rar. Participó por primera vez en laexposición de otoño de Cristianía(Oslo) donde estableció relacionescon el círculo de literatos y artistasde la capital.En 1885 llevó a cabo el primero desus numerosos viajes a París, don-de conoció los movimientos pictóri-cos más avanzados y se sintió es-pecialmente atraído por el arte deGauguin, visita allí los Salones y elLouvre que le impresionó notable-mente. Ese mismo año participó enla Feria Mundial de Amberes. Trasuna primera influencia de la pinturaimpresionista y postimpresionista

comienza a pintar tres de sus obrascapitales: El día siguiente, Puber-tad y La niña enferma la cual causaun escándalo en la Exposición de

Otoño de Oslo en el año 1886.No tardó en crear un estilo suma-mente personal, basado en acen-tuar la fuerza expresiva de la línea,reducir las formas a su expresiónmás esquemática y hacer un uso

simbólico, no naturalista, del color,y de ahí su clasificación como pin-tor simbolista. En su primera expo-sición individual con 110 cuadrosen Oslo hizo que una parte del pu-blico lo aclamara con entusiasmo.Refleja la enfermedad, la muerte yla obsesión religiosa que llenaronsu infancia y su juventud como lagran mayoría de sus obras. Entre

1894 y 1897 crea sus primerosaguafuertes mientras continua rea-lizando exposiciones en Estocol-mo, Berlín y Oslo con una de susexposiciones con más éxito. Con elestudio de Tolouse-Lautrec, Bon-nard y Vuillard creó una serie debocetos mediante una técnica quepuede considerarse un invento co-mún de ambos, como eran los bo-

cetos de óleo sobre papel o biensobre tableros unidos con cola enel que no se trabajaba el fondo.Durante la Segunda Guerra Mun-dial Munch se hace mundialmenteconocido y expone por primera vezsus cuadros en los Estados Unidosen 1942 en Nueva York. Con moti-vo de su 80 cumpleaños es obje-to de grandes homenajes, a pesar de su mal estado, en el que sufre

continuamente resfriados, acude atodos ellos con gran honor.El 23 de enero de 1944 muere enNoruega como había vivido: completamente solo.

“El grito”, 1893

Edvard Munch

“La muerte de Marat me”, 1907

Edvard Munch


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Klimt nació en unapequeña ciudad, Baumgarten, cer-ca de Viena, el segundo de sietehijos (tres chicos y cuatro chicas)Ya desde la infancia, los tres hijosvarones mostraron inclinacionesartísticas, que podían haber here-dado tanto de su padre, Ernst Kli-mt (1832-1892) que era grabador de oro como de su madre, AnnaKlimt, cuya ambición frustrada era

dedicarse al canto. Klimt vivió enuna relativa pobreza la mayor partede su infancia, en tanto que comofamilia de inmigrantes, el trabajoescaseaba tanto como las oportu-nidades de promoción social. Fuepor tanto sólo gracias a su talentoque en 1876, con catorce años, re-cibió una beca para estudiar en laKunstgewerbeschule, la Escuela

de Artes y Oficios de Viena, dondese formaría hasta 1883 como pintor y decorador de interiores.En 1881 los tres jóvenes artistascrearon un estudio, recibiendo en-cargos tales como la decoracióndel teatro municipal de Reichem-berg. El resultado fue tan satisfac-torio que el propio rey de Rumaniales encargó la decoración de la es-calera del castillo de Peles con unagalería de antepasados. Los trabajos que realizarán en estas fechasestán vinculados al clasicismo his-toricista del que Makart.Sus maestros fueron Michael Rie-ser, Ludwing Minnigerode y KarlHrachowina.Klimt admiraba y reverenciaba alentonces pintor de moda, HansMakart, y se sometió gustoso a los

dictados de una educación artís-tica clasicista. Es por ello que suobra temprana puede considerarseacadémica.

Klimt comenzó su carrera individualcomo pintor de interiores en gran-des edificios públicos de la Rings-traße, desarrollando ya algunos te-mas alegóricos que posteriormentese convertirían en un rasgo distinti-

vo de su obra.“Estoy convencido de que no

soy una persona especialmente

interesante. No hay nada espe-

cial en mí. Soy pintor, alguien

que pinta todos los días de la

mañana a la noche. Figuras, pai-

sajes; de vez en cuando, retra-

tos. Las palabras, habladas o es-

critas, no me salen con facilidad,

especialmente cuando tengoque decir algo sobre mí mismo o

sobre mi trabajo. (...) Si alguien

quiere descubrir algo en mí (...)

puede contemplar atentamente

mis pinturas y tratar de descubrir

a través de ellas lo que soy y l

o que quiero”.

En su obra, generalmente repre-senta mujeres desnudas. Utilizaba

modelos que pertenecían a la bur-guesía vienesa, pero también teníaun séquito de mujeres prostitutas ode vida humilde que le servían demusas. El tema que trata en la ma-yoría de sus cuadros es la sexuali-dad femenina, recorriendo el ciclode la vida en todas sus etapas:procreación, gestación, infancia, juventud y vejez, salud y hermosu-ra, enfermedad y muerte.

La muerte de la madre del pintor en 1915 supondrá un duro golpepara él, provocando que su paletase haga más oscura, lo que condu-cirá a que sus paisajes tiendan almonocromatismo.En 1918 Klimt sufría un ataque deapoplejía que le dejó medio para-lizado y días después fallecería aconsecuencia de una neumonía.

“Retrato de Adele Bloch-Bauer”, 1907

Gustav Klimt

“Las Tres Edades de la Mujer”, 1905

Gustav Klimt

Simbolismo


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“Araña llorando”, 1881

Odilon Redon

“El Buda”, 1904

Odilon Redon

Bertrand-Jean Re-don -cuyo apodo de Odilon derivadel nombre de su madre, Odile- na-ció en Burdeos en 1840.Su padre había hecho una peque-ña fortuna desbrozando bosques,y su imagen de aventurero libre ydecidido contrastó con el carácter ensimismado y soñador del pintor,poco proclive a la acción.

Sus problemas de salud le hicieronabandonar su hogar en Burdeospara residir, junto a un viejo tío,en Peyrelebade, en el saludableambiente del campo. Su regreso alos once años para ir a la escuelaconstituirá en él un duro golpe.Intentando vencer el hastío que leprovoca la sordidez de su nuevavida, el joven se refugia más quenunca en su mundo interior.

La Obra de Odilon Redon se iniciaen curiosa oposición a la corrien-te impresionista dominante en suépoca. Mientras los impresionistasexperimentan con el color, Redontrabaja en una extraordinaria seriede dibujos y litografías que él mis-mo llamaría “Los Negros”.Toda mi originalidad consiste endar vida, de una manera humana,

a seres inverosímiles y hacerlosvivir según las leyes de lo verosí-mil, poniendo, dentro de lo posible,la lógica de lo visible al servicio de lo invisible. Así, Redon da rienda suelta a sufantasía, entremezclando mitos pa-ganos con materialismo científico,animales imaginarios con maquina-ria de la Revolución industrial. En

su iconografía poética de lo corrien-te derivado en extravagante y mís-tico se halla la clave tanto del entu-siasmo suscitado por su trabajo encontemporáneos como los Nabis

como de su futura consideracióncomo precursor del surrealismo.Hasta 1890 su trabajo fue casi ex-clusivamente en blanco y negro,pero poco a poco, y rondando yalos cincuenta años, sus litografíasse tornan más luminosas, has-ta alcanzar finalmente el color. Esentonces cuando las litografías ydibujos al carbón son sustituidospor acuarelas y óleos. Sus temassiguen siendo los mismos: mitosclásicos, orientales, bíblicos, lite-rarios y científicos adaptados a suparticular y un tanto alucinada vi-sión interior.

Su actitud de artista original ycomprometido con sus ideas -quele llevara en 1884 a la presiden-cia del grupo de los Independien-tes- le otorga la admiración de lanueva generación de pintores,especialmente de los que compo-nen el grupo de los nabis, quie-nes, tras la marcha de Gauguin aTahití, le adoptan como maestro.

Es considerado un pintor postim-presionista, dentro de la corrientedel simbolismo, aunque también sele considera como uno de los pri-meros precursores del surrealismo.

Simbolismo


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Fauvismo (1904-1908)

El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa dura-ción. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.El Salón de Otoño de 1905 supuso la primera exhibición parael grupo. El crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar las

gamas cromáticas estridentes y agresivas de los trabajos expuestos lesatribuyó el término “fauves”, que en español significa fieras. El nombreasignado era en origen un calificativo peyorativo, como les sucedió a otrosmovimientos artísticos del S. XX, pero fue asumido por el público y poste-riormente introducido en la historia del arte sin connotaciones despectivas.El movimiento se fraguó en torno a Henri Matisse y sus integrantes fue-ron André Derain, Maurice de Vlaminick, Henri Manguin, Albert Marquet,Jean Puy y Emile Otón Friesz. En 1906 se unieron también GeorgeBraque y Raoul Dufy.

El Fauvismo no fue un movimiento conscientemente definido, careció deun manifiesto. Fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor aco-metía sus obras como una experiencia personal cargada de espontanei-dad y de frescura. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron alos convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodosracionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra laimportancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color.Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar senti-mientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscanla representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mis-

mo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mez-clas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales,encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondíana un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensidad emocionalcombinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello renunciana la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes.La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son re-tratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos.Otra característica es el gusto por la estética de las estatuas y máscarasafricanas. El arte de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plan-tea un evidente alejamiento de las formas naturalistas para tender a laesquematización.La exposición retrospectiva que se celebró en memoria de Cézanne, en1907, dentro del Salón de Otoño, favoreció el arranque del Cubismo ehizo a los fauvistas cuestionarse la viabilidad de un estilo basado sola-mente en el color saturado y en la línea expresiva. El apasionamiento quedesarrollaron en torno a su experimentación cromática fue también partede su fin, llevándoles a evolucionar hacia un arte más austero y reflexivo.

Desde 1908, el Fauvismo deja de existir como estilo y como grupo. Laúltima exposición importante fue la que tuvo lugar en el Salón de los In-dependientes en 1907. A partir aquí cada uno de los componentes siguiósu propio camino.

El Fauvismo fue breve

pese a su intensidad y

la importancia que su

existencia tuvo en el arte

posterior.


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Nació en Le Cateau-Cambrésis (Norte de Francia) en1869, en una familia dedicada alcomercio de droguería y semillas. A pesar de la voluntad de su fami-lia, empezó a pintar en 1890, añoen que abandonó sus estudios de jurisprudencia. En París, se inscri-be en la Academia Julien y luego enla Academia de Bellas Artes dirigi-da por Moreau, que proponía que

no se copiaran las obras de modomimético. En el Louvre frecuentóa los grandes maestros, e inclu-so llegó a copiar sus cuadros. Per pronto puso en tela de juicio la no-ción de estricta imitación de la reali-dad, apostando por la esencia y notanto por la apariencia de realidad fotográfica.Considerado el líder de los fauvis-

tas, fue el único de ellos que nocambió su dirección. Intenta expre-sar sentimientos a través del usodel color y de la forma.Su primera formación la realizódentro de la tradición académicaen el estudio de Gustave Moreau,siendo condiscípulo de Roault yMarquet. Realizó numerosas co-pias de los cuadros de los maestrosclásicos a la vez que estudió el artecontemporáneo, sobre todo el delos impresionistas, comenzando supropia experimentación.La verdadera liberación artística deMatisse, referida al uso del color como configurador de las formas yplanos espaciales, se produjo bajola influencia de Van Gogh y Gau-gain. También adoptó la técnicapuntillista de Signac, pero la modi-

ficó aplicando pinceladas más am-plias. En La alegría de vivir (1905-1906) resume su aprendizaje inicialde los cuadros clásicos, de Gau-

gain, de las estampas japonesas yde los iconos persas y bizantinos.Será la obra clave de su carrera.Es una escena fruto de su imagina-ción, totalmente subjetiva. Utilizó eltema de las bañistas y las odaliscas

orientales y las traspasa a un am-biente occidental. Definió los espa-cios mediante amplias áreas de co-lores sin matizar, estructurados por medio de las líneas de los cuerpos,que dirigen la vista del espectador ymarcan el ritmo de la composición.La construcción con el color y lasimplificación formal dominabansus cuadros con gran audacia y se-

guridad. Matisse dibuja con el color,que es el que da entidad a la pin-tura pudiendo desempeñar el papelde dibujo, de perspectiva y de som-bra de volúmenes. En su obra hayalegría, serenidad, es un arte ama-ble, apacible, es un camino hacia laprofundidad de sí mismo.Recibió un reconocimiento interna-cional durante su vida ganándose

la aprobación de los críticos de artey de los coleccionistas. Uno de losencargos más importantes fue Lamúsica y La danza, donde volumeny ritmo se conjugan armoniosa-mente. Usa tres colores para impri-mir movimiento a los bailarines queparecen flotar con ritmo.

Nació en El Havre,en el año 1877. A los catorce añosdeja el colegio para trabajar en unacompañía importadora de café,e ingresa en la Escuela de Bellas Artes de París, luego realizar unaño de servicio militar, gracias a

una beca. Tras estudiar en la Es-cuela de Bellas Artes de su ciudad,desarrolla un estilo de colores bri-llantes, influido por Van Gogh y los

“El Postre: Armonía en rojo”, 1908

Henri Matisse

“La Danza”, 1909

Henri Matisse

“La calle de las banderas”, 1906 Raoul Dufy

Fauvismo


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impresionistas. Su descubrimientode Matisse en 1905 le hace derivar hacia el fauvismo, al que permane-ce fiel toda su vida.Hacia 1908 experimenta una ciertainfluencia del cubismo (por su rela-

ción con Braque) que nunca llega asatisfacerle y gradualmente vuelvea su anterior estilo, basado en elfauvismo de colores decorativos yescenas elegantes. Según pasabael tiempo, su obra se fue hacien-do más amable, alegre y lumino-sa mostrando un predominio cadavez mayor de la línea, caracterís-ticas que fueron más evidentes en

sus acuarelas.Es el pintor de la Belle Epoque, desu mundo de regatas y carreras decaballos y, a través de su amistadcon el diseñador de moda PaulPoiret, comienza a hacer diseñotextil, ejerciendo una considerableinfluencia en el mundo de la moda.Durante los años de la guerra rea-liza xilografías de temas patrióti-

cos e ilustraciones. En 1937 pintóuno de los murales más grandesdel mundo (10x60 metros) sobre eltema del progreso científico para elPalacio de la Electricidad en la Ex-posición Universal de París.

“Regata en Cowes”,1934

Raoul Dufy

“El Puente de Londres”, 1906

André Derain

Nacido en Chatou en1880, Derain comienza a pintar nibien termina sus estudios de bachi-llerato, a la vez, visita asiduamenteel Louvre. Por otro lado, frecuentala Academia Camillo en París, don-de conoce a Matisse y a Marquet ymás tarde a Rouault; pasa una tem-porada en Bretaña y se interesa por

las obras de Pont-Aven.En 1900 se encuentra con Vlaminck,con quien comparte un estudio y aquien le une una gran amistady con

quien, más tarde, estudiaría el artede los museos (fundamentalmentelas obras de Van Gogh, Cezanne yToulusse-Lautrec).La mayor parte de su producciónde época fauvista son personajes

campestres y urbanos, como Puen-te en Londres (1906) y muestrancolores puros, a menudo aplicadossobre el lienzo directamente con eltubo, pinceladas irregulares y des-preocupación por la perspectiva opor la representación realista.Ha-cia 1908 comienza a experimen-tar con otros estilos. La influenciade Cézanne le lleva a un colorido

más sosegado y a un mayor controlen sus composiciones. En Las ba-ñistas (1908) intenta combinar lasinnovaciones de los pintores an-teriores, como Monet y Cézanne.Le influyó el cubismo produciendoobras geométricas como El puenteviejo de Cagnes y el primitivismo dela escultura africana. Sus últimas

Fauvismo


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Expresionismo Alemán (1905-1914)

El siglo XX llegó acompañado de un gran número de inventos enel ámbito técnico e industrial así como de nuevos conocimientos

decisivos en las ciencias humanísticas y naturales. La teoría dela relatividad de Einstein, el psicoanálisis de Freud, el descubri-

miento de los rayos, la primera fisión nuclear, entre otros descubrimientos,obligaron al hombre a pensar de una forma diferente. Los nuevos cono-cimientos pusieron de manifiesto que detrás de la realidad se escondemucho más de lo que puede percibirse con la vista.Esta situación se acentuó a causa de los cambios que se produjeron enla percepción de los sentidos, puesto que la invención del automóvil, deltelégrafo, del avión y de muchas otras cosas, dieron a la rapidez y al tiem-po una nueva dimensión que requería de percepciones más aceleradas.

Por otro lado, la cara oculta de la modernización (alienación, aislamientoy masificación) quedó a la vista, sobre todo en las metrópolis. Los artistascomo reformadores del mundo, que deseaban derrocar el orden estable-cido, buscaban “un arte nuevo para un mundo nuevo”.El movimiento expresionista, entonces, fue desarrollado en Alemania, notanto como un movimiento moderno sino una tendencia recurrente en elarte nórdico, el uso de distorsiones violentas y exageraciones al serviciode una expresividad emocional exaltada, sin atender a la apariencia na-tural de los objetos; las características de éstos aparecen modificadas oexageradas hasta el linde de la caricatura.De innumerables ramificaciones y matices, tomaron influencias de la pin-tura de los post-impresionistas Van Gogh y Gauguin, cargada de sen-timientos y concepciones en su utilización expresiva del color y la ges-tualidad del trazo. Otro grupo de gran influencia es el simbolismo, quese extiende entre 1880 y 1900. No se desarrolla mediante un estilounitario, pero puede definirse como una búsqueda en la cual el artista,concreta los sentimientos, los estados del alma, los miedos subjetivos,las fantasías y los sueños.MOVIMIENTO DIE BRÜCKE (El Puente)Este grupo, fundado por Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Sch-midt-Rottluff y Fritz Bleyl (a los que se unieron más tarde, Max Pechstein,

Otto Müller y Emil Nolde) duró desde 1905 a 1911.Se caracterizaban por emplear un vocabulario estético muy simplificado,con pocas formas que han sido reducidas a lo esencial, cuerpos defor-mados y espacios disueltos sin perspectiva. Los colores, brillantes y sa-turados, desprendidos del colorido local y pintados superficialmente conun pincel grueso, se encuentran incrustados dentro de un fuerte contor-no. Esto concede a los cuadros un carácter vigoroso, como si hubieransido tallados en madera. Concentrados intensamente en la intensidad delefecto, solían trabajar con contrastes complementarios, mediante los quelos colores se reforzaban mutuamente en su luminosidad.

Expresionismo Alemán


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Nacido en Döbeln en1883, se vio obligado a desplazar-se con frecuencia por la profesiónde su padre, ingeniero de ferroca-rriles.Entre 1904 y 1906, estudió arqui-tectura en la Technische Hochs-chule de Dresde, donde conoce aKirchner y comienza a interesarsepor la pintura bajo la influencia deMunch, del neo-impresionismo yde los quattrocentistas italianos. En junio de 1905, junto con Schmidt-Rottluff, Kirchner y Bleyl, fundó elDie Brücke; jugando un papel fun-damental en la cohesión del grupo,que realizó numerosas exposicio-nes en Alemania (Heckel hizo suprimera individual en 1913 en lagalería Fritz Gurlitt de Berlín).Se interesó por la xilografría y el ta-

llado en madera, manifestando suadmiración por las líneas quebra-das. Sus pinturas expresionistasestán marcadas por una atmósferaangustiosa, en las que abundan loscampos cromáticos planos y estri-dentes.En 1911 fija su residencia en Ber-lín y toma contacto con Feininger,Macke y Franz Marc. Durante la

guerra trabajó como enfermero dela Cruz Roja en Flandes donde serelacionó con Ensor y Beckmann,lo que motivó que sus paisajes sehicieran más sombríos, reflejandoen sus obras la tragedia y la melan-colía de la guerra.Paulatinamente su estilo se fueatemperando, especialmente des-pués de 1920, trabajando en unatemática paisajística mucho másdistendida.En 1937 su trabajo fue censuradopor los nazis como arte degeneradoy le fueron confiscadas 729 obras.

Nacido en Aschaffen-burg, Bavaria, estudió arquitecturadesde 1901 hasta 1905, aunquetambién asistió a clases de pinturaen Munich desde 1903 hasta 1904.Vivió en Dresde siete años y allí, junto con Schmitt-Rottluff, Heckel,y otros, fundó el grupo Die Bruckeen 1905. En 1911, se trasladaron aBerlín, donde se mantuvieron uni-dos hasta la declaración de la Pri-mera Guerra mundial. Kirchner seradicó en Davos, Suiza, en 1917y allí permaneció hasta su suicidioen 1938.El restablecimiento del grabado enmadera fue una de las contribucio-nes más importantes de Die Bruckeal arte moderno, y Kirchner produjoun número considerable de éstos yotras obras gráficas.

Munch, Gauguin, Van Gogh, la es-cultura africana, los fauvistas y losgrabados alemanes antiguos, todoscontribuyeron a la formación del es-tilo de la pintura de Kirchner, comoasí también del Die Brucke en ge-neral. La obra de grupo se caracte-rizaba por el tratamiento vigoroso ydirectamente expresivo del sujeto,siendo las formas simples, de con-

tornos audaces y colores fuertes.En cierto modo, este estilo era muysimilar al fauvismo, aunque esta-ban mucho más interesados en elaspecto moral y emocional del sujeto que los fauvistas.Después de su llegada a Suiza, Kir-chner se concentró en la pintura depaisajes y campesinos, y en 1926comenzó a explorar las posibilida-des de la pintura abstracta, pro-duciendo obras que tuvieron graninfluencia sobre jóvenes artistassuizos y alemanes.

“Niña parada”, 1910

Erich Heckel

“Calle con buscona de rojo”

Ernst Ludwig Kirchner



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“Paisaje con Desnudo amarillo”, 1919

Otto Müller

“Desnudo femenino sentado”, 1910

Max Pechstein


Nacido en Liebau,de padre alemán y madre gitana, yformado en la Academia de Dres-de, dónde estudió litografía, fue elúltimo de los pintores en incorpo-rarse al grupo El Puente, aunqueposteriormente estaría en contactocon El Jinete Azul.Durante la Guerra luchó como sol-dado alemán en Francia y Rusia.Después, se convirtió en profesor

en la academia de arte de Breslaudonde enseñó hasta su muerte.Otto Mueller estuvo influenciadopor el pintor Gauguin y por el es-cultor Lehmbruck, y en sus obrasplasmó principalmente las cos-tas del Báltico y las cercanías dePraga, con una temática reducidaprácticamente al paisaje y a losdesnudos femeninos

insertados en la naturaleza. Suscuadros (generalmente en xilogra-fía, aguafuerte y litografía) recu-rrían mayormente a temáticas degitanos y desnudos.“Drei Akte vor dem Spiegel”, 1912En 1937 los nazis confiscaron357 obras suyas que estaban enmuseos alemanes, puesto quesus cuadros se consideraron arte

degenerado.

Nació en 1881 cercade Zwickau. Formado en la Acade-mia de Dresde y en la Kunstgewer-beschule, en 1906 se integró enDie Brücke. En 1908 se trasladó aBerlín donde tomó parte en la fun-dación de la Neue Secession, loque le llevó a ser expulsado de DieBrücke en 1912. Más tarde se vin-culó con Der Blaue Reiter, siendouno de los miembros del grupo que

más pronto alcanzó la popularidad.Tras la Primera Guerra Mundial for-mó parte del Novembergruppe, en-señando en la Academia de Berlínhasta la llegada del nazismo, quele retiró de sus cargos y le conde-nó al ostracismo. En 1945 fue re-habilitado y trabajó como profesor de la Escuela Superior de ArtesFigurativas.

Trabajó en un expresionismoatemperado influido por la pinturafauvista francesa, especialmenteMatisse. Sus temas favoritos se re-lacionan con el exotismo y la unióncon la naturaleza, motivo por el cualvisitó las islas Palaos del Pacíficoen 1914. Pintó paisajes, naturale-zas muertas, retratos y escenas deplaya. Influenciado por el arte tribal

(primitivo), usó colores luminososy puros, sin diluir, aplicados con vi-gorosos toques de pincel. Sus cua-dros son más eclécticos, más na-turalistas y menos innovadores quela obra de otros expresionistas.


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Expresionismo Alemán MOVIMIENTO DER BLAUE REITER (El Jinete Azul)

Este grupo fue formado en Munich en 1911, pero recibió un impor-tante aporte internacional, sobre todo del cubismo y el futurismo.Entre 1911 y 1914 pertenecieron a él Franz Marc y Vasily Kan-dinsky, entre otros artistas tales como Paul Klee, Marianne Were-

fkin y August Macke.

A diferencia de la ruda forma de pintar de los artistas de Die Brücke, suarte es más exquisito, subjetivo y espiritual. Aunque la formulación artís-tica de ambos grupos era muy diferente, los unía la convicción de mirar más allá de lo superficial. A los artistas de El Jinete Azul les importaba más el cómo de la repre-sentación que el qué. Incluso en aquellos cuadros en los que todavía sepodían apreciar vagas reminiscencias de las cosas mundanas, el efectono parte del objeto, sino de la composición. Lo más importante eran lasformas y los colores. Los artistas concedían a sus cuadros ritmo y melodíamediante los tensos contrastes entre las líneas fuertes y suaves, formas

abiertas y cerradas y colores metálicos y aterciopelados.Se imaginaban la transmisión de los sentimientos como una cadena entreel artista y el espectador, al principio de la cual se encontraba “la sen-sibilización del alma del artista”; emotividad a la cual el artista da formaen su obra. A su vez, el cuadro causa en quien lo observa determinadossentimientos, con lo cual se convierte en el agente responsable de “lasensibilización del alma del espectador”. Entonces, la asociación del sig-nificado y la concepción del sentido de cada cuadro están en manos delpropio espectador.

Nacido en Munich en1880, cursó estudios de filosofía yteología y, entre 1899 y 1903, estu-dió en la Academia de Bellas Artesde Munich. Viajó por Italia, Grecia

y Francia; en París descubrió lapintura fauvista, que tuvo una graninfluencia en su estilo. Desde 1906comenzó a estudiar la anatomía delos animales detalladamente, labor a la que consagraría toda su ca-rrera artística. Para él los animalesencarnan la belleza pura, y es a tra-vés de la naturaleza como se buscala espiritualidad.En 1910 entabló amistad con Au-gust Macke y Vasili Kandinsky, conel que coeditó el primer ejemplar de Der Blaue Reiter, con cuyo gru-po matizarían el primer expresio-

nismo alemán con un misticismo ysensibilismo que les acercaría a laabstracción. Por el contrario, man-tuvo sus motivos pictóricos de tiponaturalista (sobre todo, animales),aunque basó más su pintura en laexplosión sinfónica de los valorespsicocromáticos.Más adelante su trabajo se ve-ría afectado por el cubismo, lo

que le llevaría a la fragmentaciónde planos en la que animales yentornos se entrelazan entre sí.Más adelante su trabajo se veríaafectado por el cubismo, lo que lellevaría a la fragmentación de pla-nos en la que animales y entornosse entrelazan entre sí. Esta investi-gación le condujo la abstracción yreduciendo su interés por la vivezacromática tan característica de susanteriores pinturas.Su carrera quedó truncada por laPrimera Guerra Mundial, durante laque falleció en el frente de Verdún.

“La Torre de los Caballos azules”, 1913

Erich Hackel


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“Autoretrato”, 1910

Marianne Werefkin

“Jardín en el lago Thuner”, 1913

August Macke

Nacida en Tula, en

1860, fue criada en el seno de unafamilia que pertenecía a la noble-za rusa. Su padre fue militar, y sumadre, aficionada a las Bellas Ar-tes, reunió un salón que congre-gó a multitud de artistas rusos. Eneste ambiente inició sus estudiosen la Escuela de Arte de Moscú.Durante su paso por esta institu-ción sus estudios fueron tutelados

por Pryanishnikov, pertenecienteal movimiento ruso conocido como“Los buscadores”. La influencia deéste se tradujo en su interés por el realismo. Dos años después dese trasladó junto con su familia aSan Petesburgo donde prolongósu aprendizaje con Ilja Repín, don-de conoció a Alexej Von Jawlens-ky, con quien compartiría 30 añosde su vida.En 1891 crea la Asociación de Artis-tas. Allí destacaron dos hechos: sureconocimiento de la superioridadartística de la obra de Von Jawlens-ky, lo que hizo que progresivamen-te abandonase la producción artís-tica propia en beneficio de la de sucompañero, y el accidente de cazaque afectó su mano derecha.Más tarde la pareja se trasladaría a

Múnich donde se relacionarían conel grupo de artistas alemanes queformarían posteriormente el Der Blue Reiter. A imitación del salónque mantenía su madre, reunió ensu casa a artistas, literatos, músi-cos y estudiosos del arte que cons-tituyeron el germen del que naceríala Nueva Asociación Artística deMúnich. Durante esta etapa aban-

donó la pintura, práctica que no re-tomó hasta el año 1905.Marianne, tras el período en quesólo practicó el dibujo, reinició sus

pinturas donde el protagonista es elcolor, aunque no tanto como parasupeditar la forma a aquel; por ello,sus producciones, no dan aparien-cia de superficies planas, sino queel color, heredero de la voluptuosi-

dad de los nabis, se somete al dibujo, aunque éste participe de la sub- jetividad propia del expresionismo.En 1924 fundó, junto con otros artis-tas, el grupo La Osa Mayor. Siguiórelacionándose con los expresio-nistas alemanes, tanto con los in-tegrantes del Der Blue Reiter comocon los pertenecientes a Die Bruke.Sus obras recibieron la influencia

estilística de Von Jawlensky y deKandinsky principalmente, si biensupo desligarse de la bi dimensio-nalidad plástica del primero y delgusto por la abstracción del último.

Nació en 1887 enMeschede pero se traslada juntocon su familia a Coloniay luego aBonn, con una empeorada situa-ción económica que les obliga a re-gentar una pequeña pensión. A los 16 años, camino a escuela setopa con la mujer de su vida, y hacetodo lo posible por conocerla. Traba

amistad con el hermano de ésta, yle ofrece hacerle un retrato, el pri-mero vinculado a su gran amor, asu musa, a Elisabeth Gerhardt.Durante esta época y a pesar de laoposición de su padre a que cur-se estudios de arte en Düsseldorf,conoce a su futuro mecenas AlfredSchütte, padre de un amigo suyo.Durante esta época su trabajose centra en el estudio de la abs-tracción y de la crítica artística deOscar Wildey en 1910 conocerá aFranz Marc


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Cubismo

CUBISMO ANALÍTICO

Fase temprana practicada tanto por Braque como por Picasso entre 1908y 1911, caracterizada por el análisis estructural de las formas. Analizadas en estructuras preferentemente geométricas, las formas noson para ellos una característica definida y fija de un objeto, sino unaserie de planos que indican los límites exteriores e interiores de éste;límites que en ningún caso son absolutos debido a que siempre se venafectados por sus relaciones con otras formas. Contrariamente a lo quese puede pensar, lo geométrico no aporta solidez ya que la apertura de lasmasas produce cierto efecto de dispersión de estos volúmenes a travésdel espacio representado, cuya escasa profundidad se articula medianteplanos en facetas formando ángulos contiguos y superpuestos. Duranteeste periodo ambos artistas utilizan un color extremadamente apagado yes constante la visualización de un mismo objeto desde diferentes puntosde vista.

CUBISMO SINTÉTICO

Es la segunda fase de la evolución teórica y plástica del Cubismo. Braquelo originó en 1912 mediante la técnica del Collage. Junto a él, Picasso yJuan Gris desarrollan de manera paralela los avances del estilo.La característica principal es la adhesión a la superficie pictórica de frag-mentos de papel, cajas de cerillas, letras recortadas, que otorgan unanueva realidad al resultado. Los colores adquieren brillantez por lo quelos valores expresivos aumentan con respecto al Cubismo Analítico. Los

objetos se reunifican mostrando aspectos más esenciales a pesar de se-guir representando una realidad fragmentada. Esta tendencia se terminahacia la década de los 20.Movimientos posteriores aprovechan las técnicas del Cubismo Sintéticopara adaptarlas a las nuevas necesidades expresivas. El Surrealismo, elDadaísmo y los Ensamblages de la década de los 50 hacen un uso alter-nativo del legado cubista.

CUBISMO ABSTRACTO

El Rayonismo o cubismo abstracto es una síntesis del cubismo y el futu-rismo. Se puede considerar iniciado en el Salón de la libre Esthétique deMoscú, en 1909, por Miguel Larionov y Natalia Goncharova, que profundi-zaron en el estilo a partir de 1913. También se le ha asociado al orfismo deRobert Delaunay desde 1912. Los “rayos de colores” que denominan elestilo, ordenados en rítmicas y dinámicas secuencias (paralelos, perpen-diculares o convergentes y divergentes), construyen el espacio pictórico.

CUBISMO ÓRFICO

El término “orfismo” fue acuñado por Apollinaire para hacer referencia alarte de Delaunay, expuesto en la Section dOr en 1912, donde primaba eldeseo de aportar un nuevo elemento de lirismo y color al sobrio cubismointelectual. Picabia, Duchamp, Léger y Kupka, son algunos de los artis-

“Vasos en una mesa”, Braque

“Green Forest”, Natalia Goncharova.


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tas relacionados con este movimiento. Su principal medio de expresiónes el color, concediendo gran importancia a las analogías entre la puraabstracción cromática y la musical, y convirtiéndose en una actividad de-dicada explícitamente a la abstracción cromática nofigurativa. En la obrade Delaunay las zonas de color interpenetradas y giratorias, constituyenestructuras cromáticas con existencia propia.

Cubismo

Pablo Ruiz Picassonació en Málaga en 1881. Hijo deltambién artista José Ruiz Blasco,

en 1895 se trasladó con su familiaa Barcelona, donde el joven pintor se rodeó de un grupo de artistas yliteratos.Estudiante brillante y precoz, Pi-casso superó en un solo día, a laedad de catorce años, el examende ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, y se le permi-tió saltarse las dos primeras clases.De acuerdo con una de las muchasleyendas, su padre, tras reconocer el extraordinario talento de su hijoal contemplar sus primeros trabajosinfantiles, le entregó sus pincelesy su paleta y prometió no volver apintar en su vida.Entre 1901 y 1904 Pablo Picassoalternó su residencia entre Madrid,Barcelona y París, mientras su pin-tura entró en la etapa denominada

período azul, fuertemente influidapor el simbolismo. En la primaverade 1904, Picasso decidió trasladar-se definitivamente a París y esta-blecerse en un estudio en las ribe-ras del Sena. En la capital francesatrabó amistad, entre otros, con lospoetas Guillaume Apollinaire y MaxJacob y el dramaturgo André Sal-mon; entre tanto, su pintura experi-

mentó una nueva evolución, carac-terizada por una paleta cromáticatendente a los colores tierra y rosa(período rosa).Hacia finales de 1906 Pablo Picas-

so empezó a trabajar en una com-posición de gran formato que iba acambiar el curso del arte del sigloXX: Les demoiselles d’Avignon. Enesta obra confluyeron numerosasinfluencias, entre las que cabe ci-tar como principales el arte africanoe ibérico y elementos tomados del

Greco y Cézanne. Bajo la constanteinfluencia de este último, y en com-pañía de otro joven pintor, GeorgesBraque, Pablo Picasso se adentróen una revisión de buena parte dela herencia plástica vigente desdeel Renacimiento, especialmente enel ámbito de la representación pic-tórica del volumen: fue el inicio delcubismo. A partir de 1909, Picasso y Braquedesarrollaron dicho estilo en unaprimera fase denominada analítica.En 1912 introdujeron un elementode flexibilidad en forma de recortesde papel y otros materiales direc-tamente aplicados sobre el lienzo,técnica que denominaron collage.La admisión en el exclusivo círculodel cubismo del pintor español JuanGris desembocó en la etapa sintéti-

ca de dicho estilo, marcado por unagama cromática más rica y la multi-plicidad matérica y referencial.En la década del 50 realizó nume-rosas series sobre grandes obrasclásicas de la pintura, que reinter-pretó a modo de homenaje. Con-vertido ya en una leyenda en viday en el epítome de la vanguardia,el artista y Jacqueline se retiraron

al castillo de Vouvenargues, dondeel creador continuó trabajando in-cansablemente hasta el día de sumuerte. Nacido en 1882, en Argen-teuil, cerca de París, Braque se

Jacqueline sentada, 1954

Pablo Picasso

“Formes circulares, soleil no 2”,

Robert Delaunay


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Cubismo

Nacido en 1882,

en Argenteuil, cerca de París, Bra-que se familiarizó pronto con lospinceles, pues su padre dirigía unaempresa de pintura decorativa y élmismo, desde joven, trabajó comopintor decorador. Más tarde incor-poraría a sus cuadros las técnicasaprendidas en esos años, y su inte-rés por lo táctil le llevaría a elaborar superficies con varias texturas, que

intensificaban el carácter tangibledel cuadro y del objeto represen-tado. En 1899 se trasladó a París,pero no expuso sus primeras telas-en la estela del fauvismo- hasta1906, en el Salón de los Indepen-dientes.En 1907, conoce a Picasso en supropio estudio. La amistad en-tre ellos fue un típico ejemplo deatracción de contrarios. En pala-bras de un amigo común, “Bra-que era claro, mesurado, burgués;Picasso, sombrío, excesivo, re-volucionario”. Y, sin embargo, ellenguaje nuevo que crearon y com-partieron respondía a las necesi-dades tanto del uno como del otro.Como Picasso se dejaba sedu-cir por diferentes posibilidades encuanto a morfología, configuración

e iconografía, las grandes líneas deevolución del cubismo son más fá-ciles de percibir en la obra de Bra-que. De hecho, muchas de las in-novaciones que introdujo en el artela práctica cubista -la inclusión enel cuadro de letras de imprenta, lospigmentos mezclados con arena,las imitaciones de madera y már-mol, e incluso la escultura cubista-

son creaciones de Braque, aunquePicasso las llevara hasta el límite.En cambio, la técnica del papier co-llé la tomó de Picasso. Comparan-do las piezas de uno y otro pueden

confrontarse las distintas personali-dades artísticas. La sensibilidad deBraque para una armonía de com-posición fundamental y penetranteha transformado su repertorio deobjetos humildes en un diseño de

rara elegancia. Por su parte, Picas-so, que observaba intensamentelas cosas reales, podía ignorar lasconsideraciones decorativas, a finde comunicar la experiencia in-mediata que sacaba de ellas. En1915, Braque recibió una gravísimaherida en la cabeza que le obligóa una larga convalescencia y lomantuvo alejado de la pintura hasta

1917. En 1919 su nuevo marchan-te, Léonce Rosenberg, le organizóuna exposición individual. La seriede naturalezas muertas que realizaen esos años y durante la siguientedécada, con una paleta restringidade verdes, ocres y blancos sobreuna capa de negro, le aportó famainternacional. Durante los añostreinta, el estilo de Braque cambia:

los colores sucios son sustituidospor tonos sutiles y delicados -rosas,verdes pálidos, amarillos y lavan-das-, y los objetos parecen lejanose inmóviles, producto del confina-miento estético en el que surgen:Braque vive en estos años ajeno atodo lo que ocurre fuera del taller.En 1930 comienza a trabajar conhéroes y divinidades griegas, tra-tados en diseños de líneas blancas

grabadas en grandes paneles deyeso negro, y los dieciséis graba-dos para la edición de Vollard dela Teogonía, de Hesíodo, el másimportante de sus libros ilustrados.Los temas griegos vuelven a apa-recer en 1945, en las litografías deHelios y Faetón, en sus esculturasplanas y, a mayor escala, en su pin-tura sobre papel Ayax. Braque; allí

donde, como escribió en sus cua-dernos, “el presente es perfecto”.

“Botella y pescados”, 1910

Georges Braque

La mesa redonda, 1929

Georges Braque


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José VictorianoGonzález-Pérez nació en Madriden 1887. Inició sus estudios en laEscuela de Artes y Oficios de Ma-drid, y después, ingresó en la Es-cuela de Bellas Artes de San Fer-nando, a la vez que asistía al taller del pintor José Moreno Carbonero.Su amistad con pintor Daniel Váz-quez Díaz, hizo que abandonaseMadrid en 1906, huyendo del ser-

vicio militar, y se trasladase a Pa-rís. Hasta ese momento su carreraartística había consistido en ilus-traciones para revistas de poesía yprensa en general. En París, aun-que en principio continúa dibujandopara periódicos y revistas, conoce-rá a Picasso, a Apollinaire y a Bra-que, y a partir de 1910, empieza adedicarse por completo a la pintura.

Las influencias de Cézanne, Picas-so y Braque hacen que en 1912 seincorpore al movimiento cubista.Ese mismo año entra en relacióncon el marchante Henry Kahnwei-ler, con quien firma un contrato enexclusiva.Su forma de entender la pintura sebasaba en la prioridad de la ideafrente a la imagen del objeto repre-sentado. Parte de lo universal paraalcanzar lo singular, así la imagenacabará pareciéndose a la idea,que es la verdadera realidad. Creeque la pintura es algo más que lacopia fiel de un objeto, es nece-sario construir o interpretar la rea-lidad. Trabaja la descomposiciónespacial, el collage y la técnica delpapier collé (formas recortadas enpapel y pegadas al lienzo).

Sus primeras obras son naturale-zas muertas y algunos paisajes enlos que destaca el aspecto cons-tructivo y volumétrico de los objetosy de la composición. En su paleta

predomina la monocromía de gri-ses y ocres. También, introduceciertos elementos cubistas como lainversión de planos y los diferentespuntos de vista y aborda el proble-ma de cómo la luz chocaba con losobjetos.Poco a poco sus composiciones sevan haciendo más rigurosas, sim-plifica los elementos despojándolosde todo lo anecdótico y los cons-truye a base de retazos coloreadoscada vez más planos, con líneasmás rígidas y ángulos más duros.Los objetos van apareciendo, me-tiéndose unos en otros. Todos es-

tán vistos desde un punto diferentey utiliza el sombreado para dar lasensación de profundidad.Los elementos son figurativos, seidentifican fácilmente. Esta es elrasgo más destacable de la crea-ción de Juan Gris.Una vez dominada la síntesis ysimplificación de los objetos, JuanGris estudia del mismo modo la fi-

gura humana. Ejemplo de ello sonsus arlequines y pierrots. A partir de 1921 sus formas se vuel-ven cada vez más redondeadas yblandas, perdiendo casi toda la rigi-dez de líneas y ángulos y su paletase aclara notablemente.En agosto de 1925 su salud em-peoró seriamente, sufre bronqui-tis y fuertes ataques de asma. En1927 muere con apenas cuarentaaños de edad.

El libro, 1911

Juan Gris

Cubismo


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Futurismo (1909 – 1915)

Este movimiento literario y artístico surge en Italia en la primeradécada del S. XX, mientras el Cubismo aparece en Francia.

Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódi-co parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el ManifiestoFuturista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición,

defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese ensus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de lasociedad masificada de las grandes ciudades.En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. Trabaja-rán artistas como los pintores Russolo, Carrá, Boccioni, Balla y Severini.El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamentecon el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artísticalo impregnaba todo. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la menta-lidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Para ellotoma como modelo las máquinas y sus principal

movimientos artisticos //historia del arte - apuntes

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