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Metamorfosis arquitectónica: nuevos usos culturales para viejos edificios

ARTIUM- Arte Garaikideko Euskal Zentro-Museoa - Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo Liburutegi eta Dokumentazio Saila / Departamento de Biblioteca y Documentación

Francia, 24 - 01002 Vitoria-Gasteiz. Tf.945-209000 http://www.artium.org/biblioteca.html

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Metamorfosis arquitectónica: nuevos usos culturales para

viejos edificios

Desde el 24 de octubre

Arkitekturaren metamorfosia: eraikin zaharren kulturarako

erabilera berriak

Urriaren 24tik aurrera




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ÍNDICE

INTRODUCCIÓN ........................................................................................... 3

CENTROS SELECCIONADOS ......................................................................... 18

ANDALUCÍA ..................................................................................... 19

ARAGÓN.......................................................................................... 43

ASTURIAS ....................................................................................... 59

BALEARES ....................................................................................... 75

CANARIAS ....................................................................................... 80

CANTABRIA ..................................................................................... 95

CASTILLA LA MANCHA......................................................................100

CASTILLA Y LEÓN ............................................................................105

CATALUÑA......................................................................................129

CEUTA ...........................................................................................175

EXTREMADURA................................................................................177

GALICIA .........................................................................................192

LA RIOJA........................................................................................209

MADRID .........................................................................................211

MELILLA .........................................................................................237

MURCIA .........................................................................................240

NAVARRA .......................................................................................250

PAÍS VASCO ...................................................................................260

COMUNIDAD VALENCIANA ................................................................293

RECURSOS...............................................................................................300




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INTRODUCCIÓN

Analizaremos en esta exposición bibliográfica el fenómeno arquitectónico de la reutilización de antiguos edificios para museos, centrándonos, por afinidad, en aquéllos que dedican su actividad o parte de ella al arte contemporáneo dentro del territorio español. Daremos un repaso por los clásicos museos de Bellas Artes que, desde mediados del siglo XIX hasta los años 70 se ubicaron en monasterios, hospitales o palacios, hasta llegar a los centros de arte contemporáneo de los siglos XX y XXI que ocupan todo tipo de construcciones como viejas naves industriales de fábricas abandonadas.

LOS PRIMEROS MUSEOS DE BELLAS ARTES

El hecho de instalar museos en edificios ya existentes no es un fenómeno reciente. Ya desde la época del Renacimiento italiano, las grandes colecciones que se abren al público lo hacen en palacios de gran valor arquitectónico y simbólico: las colecciones capitolinas en el Palacio de los Conservadores de Roma, los Uffizi de Florencia y la colección Grimaldi de Venecia.

Más adelante, en la segunda mitad del Siglo de las Luces, en el resto de Europa se crean los primeros museos estatales, y también se recurre a edificios existentes.

España se incorpora en 1818 a esta corriente cuando Fernando VII propone albergar la colección real de pinturas en el edificio de Villanueva en el Paseo del Prado para sede de la Academia de Ciencias y del Gabinete de Historia Natural, actualmente Museo del Prado. Comienza así la tradición española de implantar museos en edificios históricos, sobre todo los de propiedad pública. Esto servía también para proteger el patrimonio arquitectónico, ya que se otorgaba al edificio un buen uso como museo y no requería grandes alteraciones en su forma.

Los edificios que se elegían eran antiguos conventos, iglesias, hospitales, castillos o palacios, siempre que gozaran preferentemente del valor de antigüedad y estuvieran situados, por lo general, en el centro de las ciudades. Esta tipología de museo ubicado en un edificio histórico se mantiene en España hasta mediados de los años 70.

Los fondos de estos museos tienen como base fundamental las colecciones reales y eclesiásticas. Entre las colecciones reales españolas destacan la de Isabel la Católica, Carlos I, Felipe II, Felipe IV, Felipe V, Carlos III o Carlos IV. La Iglesia, por su parte, acumuló a lo largo de los siglos el otro gran tesoro artístico de España, parte del cual pasa tras los procesos desamortizadores a constituir la base de los museos provinciales, de titularidad pública.




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Estos museos los encontramos en casi todas las ciudades de España y adquieren, generalmente, la denominación de Museo de Bellas Artes, cuyas colecciones abarcan amplios períodos históricos, desde la Antigüedad hasta el siglo XX. Algunos ejemplos de esta tipología ordenados cronológicamente son los siguientes:

Museo de Bellas Artes de Córdoba. Desde 1862 el Museo de Bellas Artes de Córdoba se encuentra en lo que fuera el Hospital de la Caridad, creado en el último cuarto del siglo XV. Sus fondos de Bellas Artes conforman una de las grandes pinacotecas nacionales, y proceden principalmente de la desamortización de los bienes de la Iglesia, así como de depósitos públicos y legados particulares.

Museo de la Alhambra, Granada. El museo, creado en 1870, está ubicado en el ala sur de la planta baja del Palacio de Carlos V. Este palacio fue construido por el arquitecto Pedro Machuca en 1527 como residencia imperial dentro del conjunto monumental de la Alhambra.

Museo de Bellas Artes de Badajoz. El Museo de Bellas Artes se inauguró en enero de 1920 utilizando unos salones del Palacio Provincial. El crecimiento progresivo de sus fondos movió a la Diputación Provincial de Badajoz a adquirir varios de los edificios colindantes, todos ellos de finales del s. XIX.

Museo de Bellas Artes de Santander. Inaugurado en 1925. El edificio fue diseñado en 1924 por Leonardo Rucabado destinado inicialmente a ser biblioteca que albergaría el legado de libros que había donado Menéndez Pelayo a la ciudad y los fondos de la biblioteca municipal.

Museo Julio Romero de Torres, Córdoba. Tras la muerte de Julio Romero de Torres, el 10 de mayo de 1930, la familia donó al pueblo cordobés los lienzos que el artista había presentado en la exposición Iberoamericana celebrada en Sevilla el año anterior y, de esta forma, el Ayuntamiento de Córdoba se constituyó en depositario de dicho legado. El edificio que alberga dicho museo ocupa parte del antiguo Hospital de la Caridad, mandado a construir bajo el patrocinio de los Reyes Católicos hacia finales del siglo XV.

Museo San Telmo, Donostia-San Sebastián. El actual museo se halla en un antiguo convento dominico de mediados del siglo XVI, cuyo claustro y torreón fueron declarados Monumento Nacional en 1913. Tras la reforma de los arquitectos Juan Alday y Francisco Urcola se inauguró en 1932.

Museo de Cádiz. Su origen se inicia con la Desamortización de Mendizábal en 1835 y el depósito en la Academia de Bellas Artes de la ciudad de una serie de pinturas procedentes de diversos conventos exclaustrados. En 1935 se estableció definitivamente en el edificio que ocupa en la actualidad.




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Museo de Bellas Artes de Álava, Vitoria-Gasteiz. El museo de Bellas Artes fue fundado en 1941 en la Casa-Hotel del conde de Dávila, un edificio erigido a comienzos del siglo XX con proyecto de los arquitectos Luque y Apraiz.

Museo de Belas Artes da Coruña. Abrió por primera vez sus puertas en 1947 teniendo por sede el antiguo edificio del Real Consulado del Mar, construcción del último tercio del siglo XVIII, y donde ha permanecido hasta 1995.

Museo de Salamanca. Desde 1948, y tras dos años de reformas, el Museo de Salamanca se abre al público en el Palacio Abarca-Alcaraz, un edificio de fines del siglo XV. Entre 1982 y 1989 se amplió según el proyecto del arquitecto Alfredo Pérez Armiñán, ocupando los solares en que se ubicaban unas casas colindantes.

Museu Frederic Marès, Barcelona. El Ayuntamiento de Barcelona, respetando la voluntad de Marès, acordó crear el museo y emplazarlo en un palacio del s. XIII, en el barrio gótico. En 1946 se abría su primera sala y en 1948 se inauguraba oficialmente el centro.

Museo de Navarra, Pamplona. Fundado en 1956, tiene su sede en el antiguo Hospital de Nuestra Señora de la Misericordia, sito en un extremo del casco antiguo de Pamplona. Del inmueble originario sólo se conserva la portada y la iglesia, ambas del siglo XVI. En 1932 el hospital fue desalojado por traslado al Hospital de Navarra, y en 1952 José Yarnoz Larrosa realizó la reforma para transformarlo en museo.

Museo Provincial de Lugo. En 1957 se instaló en el Convento de San Francisco, al que se incorporó un edificio construido expresamente para sede del museo. El plan de esta restauración se encargó a L. Pérez Barja. Tiempo después, en 1997, se inauguró una segunda y ambiciosa ampliación que corrió a cargo del arquitecto A. González Trigo.

Museu Picasso Barcelona. Desde la inauguración del museo en 1963 a la actualidad, el museo ha pasado de uno a cinco palacios de los ss. XIII-XIV, que han sufrido remodelaciones a lo largo del tiempo, las más importantes en el s. XVIII. La ampliación del Museu Picasso, impulsada y financiada por el Ayuntamiento de Barcelona, ha sido realizada en fases sucesivas por el arquitecto Jordi Garcés.

Museo de Huesca. Fue fundado formalmente en junio de 1873. En 1968, el Museo de Huesca se instaló en la antigua Universidad Sertoriana, una magnífica construcción civil barroca, anexa a los restos aún conservados del Palacio de los Reyes de Aragón.

Museo Casa Natal de Jovellanos, Gijón. Palacio tradicional asturiano de principios del siglo XVI, obra del arquitecto Gregorio García de Jove “el Viejo”. Se trata de la casa que habitó don Gaspar Melchor de Jovellanos y que existió, con algunas reformas y ampliaciones de mediados del siglo XIX y de principios del XX, hasta 1943, año en que fue adquirida por el ayuntamiento de Gijón para albergar el museo. Se inauguró en 1971.




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Museo de Burgos. Se inauguró en 1973 ubicado en la Casa de Miranda, Casa de Íñigo Angulo y Casa Melgosa, tres palacios renacentistas del s. XVI.

Museu d’Art Girona. El museo está emplazado en uno de los inmuebles más significativos de la ciudad, próximo a la catedral: el Palacio Episcopal, una construcción del siglo X. En 1976 se inauguró el museo. La restauración se encargó a los arquitectos Fina y Robot, que transformaron las estancias del antiguo palacio en espacios expositivos.

Museo de Bellas Artes de Asturias, Oviedo. El museo, inaugurado el 19 mayo de 1980 a partir de la colección de arte de la extinta Diputación Provincial, se encuentra instalado en tres edificios del barrio antiguo de Oviedo: el Palacio de Velarde, del siglo XVIII, al que está unido una construcción del XX, y la Casa de Oviedo-Portal, del XVII. La colección contiene sobre todo obras de pintura y escultura de los siglos XVIII al XX.

Museu d’Art Modern Tarragona. Este edificio, en su actual estado, es fruto de la unión de tres casas antiguas de la parte alta de la ciudad. En el año 1983, la Diputación adquirió el inmueble de la calle Santa Ana, y dos años más tarde encargó al arquitecto Jaume Mutlló Pàmies el proyecto de adecuación del edificio, hasta su inauguración en 1991.

EL NUEVO CONCEPTO DE MUSEO

Los cambios comienzan en Estados Unidos, pero en Europa se empiezan a percibir más tarde, a partir de los años cincuenta. La institución museística apuesta, no sólo por la exhibición de obras de arte, sino también por la conservación, la investigación y la difusión. Además, se pretende atraer a todo tipo de públicos. De este modo, en un intento por renovar las viejas instituciones, se comienza a rehabilitar aquellos antiguos edificios y presentar sus colecciones de una forma más atractiva. Se desarrolla así lo que hoy conocemos como museografía, es decir, el conjunto de técnicas (arquitectura, escenografía, iluminación, etc.) que se utilizan para la presentación de las colecciones ante el público.

Esto implica una renovación total de los museos durante los años cincuenta y sesenta, fundamentalmente, en las áreas de exposición permanente, aunque también surge la preocupación por ampliar y mejorar los espacios internos del museo tales como espacios de almacenamiento, talleres de restauración, creación de bibliotecas especializadas para los investigadores, etc. Sin embargo, esta nueva sensibilidad apenas tiene su eco en España.

Esta preocupación por dotar a los museos de buenos equipamientos e instalaciones, conlleva a mediados de los sesenta a la creación de museos de nueva planta, una opción que aporta muchas ventajas que no tenían los museos de generaciones anteriores, ya que los nuevos espacios construidos permiten incorporar sistemas especiales de seguridad, iluminación artificial o climatización.




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En España, tímidamente se empiezan a implantar museos en edificios de nueva planta, y las más antiguas instituciones no comienzan a renovarse hasta mediados de los años setenta y durante los ochenta, momento en el que se abordan multitud de ampliaciones de museos.

Esta nueva museología otorga al espectador un papel protagonista, generando nuevas actitudes y requiriendo continuamente la intervención de los visitantes. El museo es cada vez más un lugar de influencia social y, en cuanto a la relación con la ciudad, el entorno y la sociedad, es generador de espacios urbanos y foco de atracción e influencia para visitantes, expertos, escolares y turistas. Se ha pasado del académico museo institución poseedor y exhibidor de una colección permanente, al contemporáneo museo activo con unos contenidos que se van renovando continuamente.

LOS CENTROS Y MUSEOS DE ARTE CONTEMPORÁNEO EN ESPAÑA

Desde mediados de los años ochenta hasta la actualidad, se produce en España el proceso de renovación y transformación de los museos. Estos cambios implican una intensa participación de los arquitectos que, con su obra, conforman la primera gran pieza del museo: el contenedor.

Es, durante estas últimas décadas, cuando empiezan a proliferar museos de arte contemporáneo en muchas capitales españolas, ya sean éstos de nueva planta o reutilizando un viejo edificio ya existente.

La tendencia predominante sigue siendo el retorno a los centros históricos y a la recuperación de edificios. Sin embargo, en este período posmoderno se incorporan otro tipo de edificios, tales como fábricas, almacenes o estaciones de la arquitectura industrial y del hierro como contenedores de nuevos museos. Se empieza a tomar conciencia hacia la preservación de un patrimonio industrial en peligro de destrucción o desmantelamiento, que aunque no haya pertenecido a la “alta arquitectura” como los palacios, catedrales y conventos, hoy está firmemente considerado por sus valores espaciales, tecnológicos, artísticos y como testigo del proceso histórico de industrialización. Estos originales espacios aportan muchas novedades y posibilidades con respecto a la exhibición del arte contemporáneo. Para adaptarse a su nueva función, los edificios se someten a una importante reforma, en general acometida por un arquitecto de prestigio.

De este modo, atendiendo al uso original del edificio que ocupan, los museos de esta nueva etapa se pueden clasificar en dos tipos: los que se ubican en edificios históricos, y los que ocupan edificios del patrimonio industrial.




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EDIFICIOS HISTÓRICOS

Teatro-Museo Salvador Dalí, Figueres. El edificio del teatro de la ciudad de Figueres, obra del arquitecto Roca i Bros, fue construido entre 1849 y 1850 pero fue destruido por un incendio al final de la guerra civil española, en 1939. En 1961, el entonces alcalde de la ciudad, Ramón Guardiola, propuso a Salvador Dalí hacer un museo dedicado a su obra. La idea de reunir su obra en el antiguo teatro de Figueres entusiasmó a Dalí y el artista se entregó a la tarea durante más de una década, hasta convertirlo en realidad con la inauguración oficial del Teatro-Museo Dalí el 28 de septiembre de 1974.

Museo Camón Aznar, Zaragoza. En 1979 abría sus puertas este museo recogiendo las colecciones de arte donadas a Aragón por el profesor y académico zaragozano José Camón Aznar y su esposa. Se encuentra ubicado en el palacio del siglo XVI llamado Palacio de los Pardo, que tras una historia azarosa, fue recuperado y acondicionado para uso museístico por Ibercaja, actual titular y gestora de la institución.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid. El edificio data de la segunda mitad del siglo XVIII, época en que se le encarga un proyecto de hospital al arquitecto Francisco Sabatini, quien, no obstante, no podría concluir la edificación, levantado tan solo parte de lo que estaba previsto. En 1980 comienza la restauración del edificio, realizada por Antonio Fernández Alba, y a finales de 1998 José Luís Íñiguez de Onzoño y Antonio Vázquez de Castro llevarían a cabo las últimas modificaciones, entre las que cabe destacar las tres torres de ascensores, de vidrio y acero, diseñadas en colaboración con el arquitecto británico Ian Ritchie.

Arts Santa Mónica, Barcelona. El año 1984 Santa Mònica, antiguo convento fechado de 1636, fue declarado monumento histórico-artístico de interés nacional y se convirtió en sala de exposiciones de la Generalitat de Catalunya. Fue restaurado por los arquitectos Helio Piñon y Albert Viaplana.

Museo Pablo Gargallo, Zaragoza. Se inaugura en julio de 1985 en el Palacio de los condes de Argillo, una valiosa muestra de la evolución de la arquitectura civil de Zaragoza en el s. XVII.

Museo Pérez Comendador-Leroux, Hervás, Badajoz. Se encuentra instalado en un edificio del siglo XVIII, el Palacio de los Dávila, propiedad municipal desde 1972; el proyecto de su rehabilitación se encargó al arquitecto Alfredo Fernández y se inauguró en 1986.




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CGAC Centro Galego de Arte Contemporánea, Santiago de Compostela. Proyectado y construido entre 1988 y 1993 por el arquitecto portugués Álvaro Siza, el edificio está situado al lado y en relación directa con el convento de San Domingos de Bonaval, ya que la parcela donde se ubica el museo era antiguamente la huerta del convento. Detrás del CGAC se encuentran los jardines, recuperados hace poco tiempo para el disfrute público, manteniendo los hallazgos arqueológicos y antiguos senderos.

Sala Amós Salvador, Logroño. El conjunto arquitectónico en el que se enclava data del primer cuarto del siglo XIV, fecha en la que fue Convento de la Merced. Tras numerosas cesiones y remodelaciones, en el año 1979 comienza la recuperación del edificio que se inauguró como sala de exposiciones en 1988.

Museo Barjola, Gijón. El Palacio de Jove-Huergo y su capilla anexa, acabado de construir en 1676, constituyen uno de los mejores exponentes de arquitectura barroca local. La Capilla de la Trinidad fue restaurada en 1963, y en 1989 todo el conjunto se rehabilitó como Museo de Pintura Barjola, según proyecto de los arquitectos José Antonio Galea Fernández y Álvaro Llano.

CAAM. Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canaria. Inaugurado en 1989 y proyectado por Francisco Javier Sáenz de Oiza inscribiendo los nuevos espacios blancos del museo de arte dentro de una casona colonial del siglo XVIII situada en el barrio histórico de Vegueta.

Centro Cultural Cajastur Palacio Revillagigedo, Gijón. Ubicado en un edificio histórico emblemático para la ciudad de Gijón, se inauguró en agosto de 1991 el Centro Cultural Cajastur Palacio Revillagigedo tras una importante restauración y adecuación de sus instalaciones, convirtiéndose en uno de los más prestigiosos espacios dedicados a las exposiciones temporales en nuestro país.

Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. La sede del museo es el Palacio de Villahermosa. Este edificio fue construido entre finales del siglo XVIII y comienzos del siglo XIX en estilo neoclásico por Antonio López Aguado para María Pignatelli y Gonzaga, esposa del duque de Villahermosa. En el siglo XIX fue una de las mansiones más prestigiosas de la ciudad, conocida por sus fiestas y veladas artísticas. El museo se inauguró el 8 de octubre de 1992.

Museo de Historia y Cultura “Casa Pedrilla”, Cáceres. El edificio que alberga el museo, construido en los años cuarenta del siglo XX por el arquitecto José María López-Montenegro y García Pelayo, se erige sobre los restos del viejo lavadero que se encontraba en avanzado estado de deterioro hasta que, en 1992 se puso en marcha el proyecto de rehabilitación.




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CCCB - Centre de Cultura Contemporània de Barcelona. El CCCB es producto de la rehabilitación parcial del conjunto arquitectónico de la Casa Provincial de Caritat, antiguo establecimiento benéfico destinado a hospicio, creado en 1802 y que funcionó como tal hasta el año 1957. Fue inaugurado oficialmente en febrero de 1994 y el proyecto arquitectónico es obra de los arquitectos Helio Piñón y Albert Viaplana.

MEIAC - Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Badajoz. Inaugurado en 1995, el museo se encuentra sobre el solar de la antigua Prisión Preventiva y Correccional de Badajoz, que había sido construida a mediados de los años cincuenta sobre el recinto de un antiguo baluarte militar del siglo XVIII conocido como el Fuerte de Pardaleras. La restauración es obra del arquitecto José Antonio Galea.

Museo Art Nouveau y Art-Déco Casa Lis, Salamanca. La Casa Lis constituye un importante ejemplo de la arquitectura civil modernista fuera del ámbito catalán. Su construcción finalizó en 1905, con proyecto de Joaquín Vargas y Miguel de Lis. En los años ochenta el edificio fue objeto de restauración. En 1995 se convirtió en el Museo Art Nouveau y Art-Déco de Salamanca.

Museo de Belas Arte da Coruña. El edificio del nuevo museo de Belas Artes da Coruña, erigido entre 1990 y 1995 según proyecto de J. Manuel Gallego Jorreto, ocupa el emplazamiento del antiguo convento de Capuchinas, que ha preservado algunas de sus dependencias –entre las que se encuentra el templo-, integradas en la construcción moderna.

Montehermoso, Vitoria-Gasteiz. El Palacio de Montehermoso es un edificio del siglo XVI. En 1997, tras concluirse las obras de rehabilitación, el Área de Cultura del Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz decidió convertir el inmueble en un centro cultural, ampliado, previa construcción de una comunicación subterránea, al viejo Depósito de Aguas, una cisterna de 1.365 metros cuadrados construida en 1895.

CAAC - Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla. En 1997, el Monasterio de la Cartuja, fechado en 1399, se convirtió en la sede del CAAC, un centro creado para la investigación, conservación, promoción y difusión del arte contemporáneo.

Museo Picasso Málaga. Está ubicado en el Palacio de Buenavista, erigido por don Diego de Cazalla en 1487. En 1997 se convierte en sede del entonces futuro Museu Picasso Málaga. La rehabilitación y expansión del complejo museístico fue diseñada por Richard Gluckman de Gluckman Mayner Architects con Isabel Cámara y Rafael Martín Delgado de Cámara / Martín Delgado Arquitectos, así como por la empresa de ingeniería ARUP.




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Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, Segovia. El museo está ubicado en un inmueble del mayor significado histórico: el Palacio del Rey Enrique IV, cuya edificación se remonta al año 1455. Tras una rehabilitación en 1997, se inaugura el 28 de abril de 1998.

MARCO - Museo de Arte Contemporánea de Vigo. El Museo de Arte Contemporánea de Vigo está situado desde el 2002 en plena zona comercial de la ciudad, en la céntrica y peatonal calle del Príncipe, y ocupa el espacio de lo que fue la antigua sede de la cárcel y juzgados de Vigo. La elaboración del proyecto fue adjudicada al equipo vigués de arquitectos formado por Manuel Portolés Sanjuán, Francisco Javier García-Quijada Romero y Salvador Fraga Rivas.

Museo de Arte Contemporáneo Español Patio Herreriano de Valladolid. Rehabilitado en el 2001 según proyecto de Juan Carlos Arnuncio, Clara Aizpún y Javier Blanco, el Patio Herreriano es un espacio renacentista con una excelente colección de arte contemporáneo español y un magnífico programa de actividades. Se inauguró el 4 de junio del 2002.

ARTIUM, Vitoria-Gasteiz. El centro-museo, inaugurado en 2002, ocupa el espacio de lo que fue la antigua estación de autobuses de Vitoria-Gasteiz desde principios del s. XX.

DA2 Domus Artium, Salamanca. El centro de arte, inaugurado en 2002, está edificado sobre la antigua cárcel provincial, un edificio de estilo ecléctico construido en 1930. La reforma actual fue realizada por el arquitecto español Horacio Fernández del Castillo.

La Casa Encendida, Madrid. La Casa Encendida se encuentra en un gran edificio de estilo neomudéjar, proyectado por el arquitecto Fernando Arbós y Tremantí. Se empezó a construir en 1911. Antiguamente fue Casa de Empeños Monte de Piedad y sucursal de la Caja de Ahorros de Madrid, hoy Caja Madrid. Se inauguró en 2002, según el proyecto de Carlos Manzano.

Photomuseum, Zarautz, Guipúzcoa. Inaugurado en 1993, el museo ocupa dos plantas de Villa Manuela, un caserón construido en 1868 que desempeñó una función docente, primero como colegio de monjas Ursulinas y, más adelante, de frailes de La Salle. En el año 2002 el inmueble fue objeto de rehabilitación integral; el proyecto de esta intervención, fue encargado al arquitecto Íñigo Lizundia.

Es Baluard, Museu d’Art modern i contemporani de Palma, Palma de Mallorca. Se sitúa dentro del baluarte de la muralla renacentista del mar. Inaugurado en el año 2003, es obra del arquitecto Luis García Ruiz. Presenta la colección privada del editor de prensa Pedro Serra.




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CAC - Centro de Arte Contemporáneo de Málaga. Tras la remodelación según el proyecto de Miguel Ángel Díaz, el CAC se inaugura en el 2003 instalado en el antiguo Mercado de Mayoristas de Málaga, un edificio de 1942 situado en la margen izquierda de la desembocadura del río Guadalmedina. Su objetivo es la difusión de las artes plásticas y visuales desde el último tercio del siglo XX hasta la actualidad.

Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona. El Palacio Nacional de Montjuïc es un edificio proyectado por los arquitectos Enric Catà y Pedro Cendoya en 1926, cuya función inicial fue dar acogida a diversas actividades vinculadas con la Exposición Internacional de Barcelona del año 1929. Tras varias remodelaciones, se inaugura definitivamente en el 2004.

LABoral, Centro de Arte y Creación Industrial, Gijón. En el 2007 se inaugura en las instalaciones de la Universidad Laboral de Gijón el proyecto LABoral, Centro de Arte y Creación Industrial. Antiguamente, este enorme complejo de mediados del s. XX se había destinado a acoger un orfelinato minero.

KREA, Expresión Contemporánea, Vitoria-Gasteiz. En el año 2007 la Caja Vital Kutxa comienza las obras para remodelar el antiguo Convento de Betoño, construido en 1904 y convertirlo en un vanguardista centro de creación de cultura contemporánea. Los arquitectos responsables del proyecto son Roberto Ercilla, Miguel Ángel Campo.

Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles, Madrid. Inaugurado en mayo del 2008. Dentro del solar, situado en el centro histórico del municipio, se erige un edificio protegido y catalogado, La Casona, un inmueble tradicional del siglo XIX. El proyecto arquitectónico acometido pone en valor La Casona, además de construir en torno a ella un edificio de nueva planta, funcional, versátil, operativo y que cumple con todas las premisas de seguridad, conservación, capacidad y accesibilidad de un museo del siglo XXI.

Baltasar Lobo Castillo Centro de Arte, Zamora. El Castillo de Zamora, un edificio del siglo XI ha sido rehabilitado recientemente para albergar el Museo de Baltasar Lobo, diseñado por el arquitecto Rafael Moneo.

EDIFICIOS INDUSTRIALES

Museu d’Art de Sabadell. El edificio que alberga el Museu d’Art de Sabadell se erigió entre 1812 y 1819 a iniciativa de la familia de industriales textiles Turull. Compartían el inmueble las dependencias destinadas a la residencia familiar con las instalaciones fabriles. El museo se inauguró en 1982.




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Sala de Exposiciones Depósito Elevado. Canal Isabel II, Madrid. A mediados de los años ochenta la torre del depósito de agua del Canal Isabel II construido a principios del s. XX, fue restaurada y rehabilitada por los arquitectos Javier Alau y Antonio Lopera, que realizaron una intervención ejemplar adecuando el espacio interior del depósito a las exigencias de una magnífica sala de exposiciones. Con una trayectoria de más de dos décadas dedicadas, casi en exclusiva, a la fotografía, esta sala se ha ido labrando un sitio en el espacio cultural de Madrid.

Fundació Antoni Tàpies, Barcelona. La Fundació Antoni Tàpies abría sus puertas en junio de 1990 en la sede de la antigua Editorial Montaner y Simón, obra del arquitecto modernista Lluís Domènech y Montaner, restaurada y acondicionada por Roser Amadó y Lluís Domènech Girbau.

Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa, A Coruña. Importante colección de arte contemporáneo que apuesta sobre todo por el arte español de las últimas décadas, abierta al público en 1995 en un edificio industrial en desuso propiedad de la propia empresa.

CaixaForum Barcelona. Josep Puig i Cadafalch fue el arquitecto de Casaramona, una fábrica de hilados y tejidos que se inauguró en 1913 y funcionó como tal hasta 1920. En 1992 la Fundación “la Caixa” decide estudiar las posibilidades de convertir la antigua fábrica en la sede de sus actividades, y empieza a diseñar los usos que tendrá el nuevo espacio. En 1993 se inicia la reforma y adaptación respetando su apariencia inicial y en el 2002 se inaugura Caixa Forum.

CaixaForum Madrid. La Fundación “la Caixa” ha convertido recientemente la antigua Central Eléctrica del Mediodía, uno de los ejemplos de arquitectura industrial de finales del siglo XIX que persisten en el casco antiguo, en CaixaForum-Madrid, su nuevo centro social y cultural en la capital. El responsable del proyecto arquitectónico es la prestigiosa firma suiza fundada por Jacques Herzog y Pierre de Meuron.

AlhóndigaBilbao. La antigua alhóndiga municipal de Bilbao es un edificio de 1905 ubicado en el centro de la ciudad que está siendo rehabilitado por el arquitecto Philippe Starck para convertirse en un centro de referencia para el desarrollo y difusión de la cultura urbana, la actualidad, las nuevas tendencias y la salud. Su inauguración será en 2010.

Tabakalera, San Sebastián. El edificio de Tabakalera fue la fábrica de tabacos de San Sebastián durante 90 años (1913-2003). En 2004 el Ayuntamiento de San Sebastián, la Diputación de Gipuzkoa y el Gobierno Vasco compraron el edificio para convertirlo en un centro internacional de cultura contemporánea. El proyecto arquitectónico es de Jon y Naiara Montero. El centro está previsto que se inaugure en 2013.




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EL “ANTIMUSEO”

Dentro de los espacios para el arte contemporáneo, merece un apartado especial el denominado kunsthalle o antimuseo. Se trata de un modelo alternativo de espacio expositivo que se aleja totalmente del concepto tradicional de museo institucional. En su mayoría, son espacios para exposiciones temporales, y no contenedores de colecciones de arte. Por ese motivo casi siempre se denominan centros de arte en lugar de museos.

Generalmente se basan en la recuperación de edificios industriales, pero en estos casos, por iniciativa de grupos de artistas, coleccionistas, aunque en ocasiones también de las administraciones públicas. Son artistas o grupos que se apartan del museo tradicional por razones diversas, tanto por la naturaleza de sus obras como por razones ideológicas. Por ello, los lugares que se buscan están apartados de los circuitos oficiales de difusión artística o del centro histórico de las ciudades. Suelen ubicarse en los barrios y en las periferias, e incluso en lugares perdidos en el paisaje.

En estas experiencias prima la idea de acontecimiento puntual, efímero. Así, el cambio, el dinamismo, es lo que les caracteriza, no sólo por el tipo de obras de arte que se van sucediendo, sino también por la adaptación del espacio en relación con cada montaje o exposición. Por ello, la arquitectura juega un papel determinante.

Los primeros ejemplos de antimuseo surgen en Estados Unidos y Europa en los años setenta, asociados a tendencias artísticas como el Minimal, Conceptual, arte povera, performances, instalaciones... En un principio se trata de naves industriales, almacenes, escuelas, lofts, donde el artista posee total libertad de instalación, y donde se pretende que la intervención arquitectónica o museográfica pase desapercibida, respetando al máximo el carácter original del espacio y su estética industrial. Sin embargo, con el tiempo, el concepto original va desvirtuándose a medida que este tipo de actuaciones se institucionalizan y los espacios son reformados por arquitectos.

Los ejemplos de museos no convencionales son múltiples y se dirigen en muy diversas direcciones. Surgen al margen de la cultura oficial y reivindican nuevas interpretaciones del arte. En muchos casos no son obras de firmas conocidas, sino experimentos de jóvenes autores. Poco conocidos, no son fácilmente accesibles y consumibles, sino que siempre requieren la voluntad y el esfuerzo de sus visitantes.

Existen varios ejemplos de interés que además, han ayudado a la recuperación de su entorno, tanto paisajístico en el medio rural, como industrial en las áreas urbanas.




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ENTORNOS RURALES

Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca. Inaugurado en 1966, el museo ocupa dos de las denominadas Casas Colgadas, conjunto arquitectónico del siglo XVI que constituye una muestra representativa de la arquitectura gótica popular conquense.

Museo Victorio Macho, Toledo. En un singular emplazamiento de un escarpado promontorio sobre el Tajo se encuentra Roca Tarpeya, lugar elegido por el escultor Victorio Macho para edificar en 1953 su casa y su taller. El museo fue inaugurado el 13 de mayo de 1967 y permaneció abierto hasta 1984.

Museo de Arte Contemporáneo de Ibiza. En 1969 se establece en un edificio cuyos planos firma Simon Poulet en 1727, construido en el Baluarte de San Juan del recinto amurallado de la ciudad. El museo está compuesto por los fondos procedentes de las bienales de arte que suelen celebrarse en la isla.

Museo Vostell Malpartida. Cerca de Cáceres, en un entorno natural fascinante y aprovechando un antiguo lavadero de lanas de la transhumancia, el artista alemán Wolf Vostell, miembro del movimiento Fluxus, instaló en 1976 obras suyas en el interior y las espació por el paisaje. Los fondos fueron ampliados con la Colección de Artistas Conceptuales y con la Colección Fluxus, donada por Gino di Maggio en 1996 e inaugurada en 1998.

Casa - Museo Salvador Dalí, Cadaqués. En 1977 se inaugura el museo en la casa de Portlligat en la que vivieron Dalí y Gala. Se trata de una barraca de pescadores que transformaron en residencia y lugar de trabajo.

Museo Chillida-Leku, Hernani, Guipúzcoa. En 1984 Eduardo Chillida y su mujer Pilar Belzunce compran la finca de Zabalaga, impactados desde el primer momento por la magnitud del caserío de 1543 que da nombre a la finca. Entre 1984 y 1996, Chillida va restaurando el caserío junto con el arquitecto Joaquín Montero. En el año 2000 se inaugura el museo.

El Cabrito, La Gomera. En 1987 una comuna experimental austriaca fundada en 1972 por el artista vienés Otto Mühl, ocupa las instalaciones de una antigua plantación bananera de la isla de La Gomera. La comuna se dedicó a la recuperación de la finca donde, entre otras edificaciones, alzaron talleres, estudios de pintura y oficinas.

Centro de Arte Experimental La Fábrica, Abarca de Campos, Palencia. La Fábrica era un idílico lugar en las llanuras de Tierra de Campos, Palencia. Una vieja fábrica de harina del primer tercio del siglo XIX bañada por las aguas del Canal de Castilla que se convirtió en 1994, gracias al empeño del galerista vallisoletano Evelio Gayubo, en un Centro Experimental de Arte Contemporáneo, único en la zona. La Fábrica funcionó hasta 2002, actualmente se encuentra cerrada.




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Casa Taller del Museo Oteiza, Alzuza, Navarra. El Museo Oteiza, obra del arquitecto Francisco Javier Sáenz de Oiza, acoge la colección del escultor e integra la vivienda ocupada por Jorge Oteiza durante dos décadas. Jorge Oteiza y su mujer Itziar Carreño se instalaron en esta casa abandonada de Alzuza en 1975 y lo convirtieron en su vivienda, centro de trabajo y refugio. El museo se inauguró el 1 de noviembre del 2003.

Can Xalant, Mataró. Can Xalant es una masía edificada entre los siglos XVI y XVIII y rehabilitada en el 2005 como laboratorio de artes visuales.

EDIFICIOS INDUSTRIALES URBANOS

Tecla Sala, L’Hospitalet de Llobregat. El origen de Tecla Sala se remonta a mediados de siglo XIX, cuando se instaló un molino papelero. El edificio principal es una construcción industrial proyectado por el arquitecto Claudi Duran Ventosa en 1882, que se convirtió en una de las fábricas de hiladuras más importantes del país. En 1973, coincidiendo con la crisis general del sector textil, se cerró la fábrica y en 1982, el Ayuntamiento del Hospitalet compró el recinto para convertirlo en equipamiento cultural.

Centro de Arte La Regenta, Las Palmas de Gran Canaria. En una vieja fábrica de tabacos se sitúa, desde 1987 y tras una potente reforma arquitectónica, el Centro de Arte La Regenta.

Arteleku, Donostia-San Sebastián. Este centro artístico está situado en una edificación industrial que primero se utilizó como almacén de pienso y posteriormente de material eléctrico. En 1987 fue inaugurado como centro de arte después de rehabilitar gran parte de las viejas instalaciones. En 1992 se acometió la rehabilitación de la parte del edificio que anteriormente no había sido acondicionado (ala Noroeste), y en 2002 se realizó una reforma integral de la planta baja del edificio.

Tinglado 2, Tarragona. Se trata, sin duda, de uno de los espacios artísticos más originales y característicos de todo el estado que se ha dedicado desde finales de la década de los 80 a exponer y presentar el arte de vanguardia de manera alternativa. Es un antiguo almacén ubicado en el puerto de Tarragona que se dedica a exposiciones de artistas invitados que se instalan por unos meses y presentan su propia intervención del espacio junto al mar.

Espai Poblenou, Barcelona. El año 1989 se abre en la ciudad de Barcelona el Espai Poblenou, dirigido por Gloria Moure hasta 1995. Este espacio atípico para ese momento, fue instalado en una antigua fábrica de cemento en un barrio de marcado signo industrial en la ciudad.

Fundación Espai Guinovart en Agramunt, Lleida. El Espai Guinovart, que está ubicado desde 1994 en el que fue antiguo mercado de Agramunt, dispone de la mayor colección de la obra de Josep Guinovart.




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Hangar, Barcelona. El centro tiene su sede en un edificio industrial rehabilitado en el Poblenou, un barrio actual e histórico de la ciudad de Barcelona, en el distrito de San Martín. Hangar es un centro para la producción e investigación artística fundado en 1997 por la Associació d’Artistes Visuals de Catalunya (AAVC) para dar apoyo a creadores y artistas y ofrecer servicios que se adapten a las necesidades de producción que surgen en el mundo de la creación.

Consonni, Bilbao. El centro de prácticas artísticas contemporáneas Consonni ocupó desde 1997 hasta 1999 una antigua fábrica de resistencias eléctricas situada en el barrio de Zorrozaurre de Bilbao, un barrio muy deteriorado, pero a la vez muy representativo del pasado industrial de la ciudad. El antiguo edificio Consonni data de 1957 y es un buen ejemplo de la arquitectura industrial de la década de los cincuenta.

Espacio Cultural El Tanque, Santa Cruz de Tenerife. En 1998, los arquitectos Felipe Artengo, Fernando M. Menis y José María Rodríguez-Pastrana remodelaron los antiguos tanques de Cepsa en el barrio de Cabo Llano en Santa Cruz de Tenerife para crear este peculiar espacio cultural.

Centre d’Art La Panera, Lleida. El edificio de La Panera fue construido entre los siglos XII y XIII. El Almodí, como se llamaba al edificio, era la lonja de contratación de la ciudad y el centro de todo tipo de transacciones. En el 2003 se inauguró como centro de arte.

Matadero Madrid. En los años 80 el arquitecto Rafael Fernández-Rañada transformó el edificio del antiguo matadero, más conocido como Casa del Reloj, en sede de la Junta Municipal de Arganzuela, así como la nave de estabulación y venta de terneras en espacio para actividades de índole sociocultural. En el 2005 se inician las nuevas actuaciones para convertir el recinto en centro de apoyo a la creación.

Roca Umbert Fàbrica de les Arts, Granollers. El origen de la fábrica Roca Umbert se remonta al año 1871, en Sant Feliu de Codines, donde Josep Umbert i Ventura puso en marcha una fábrica textil. En el 2006 se transforma en un gran centro cultural con finalidades productivas, formativas y de difusión de la creación artística.

La Conservera, Ceutí, Murcia. El espacio donde, desde mayo del 2009 se ubica La Conservera, fue en sus inicios una fábrica de conservas circunscrita a una amplia nave con una techumbre de chapa de uralita.




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CENTROS SELECCIONADOS




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ANDALUCÍA




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Uso original: Academia de Bellas Artes

Fecha construcción: 1838

Arquitecto: Juan Daura

Uso actual: Museo de Cádiz

Fecha inauguración: 1970

Fecha rehabilitación: 1980 (remodelación completa)

Arquitecto: Javier Feduchi

Dirección: Plaza de Mina, s/n11004 Cádiz

Tel/Fax: 956 203368 / 956 203377

E-mail: [email protected]

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Historia del edificio:

El origen del actual Museo de Cádiz se inicia con la Desamortización de Mendizábal en 1835 y el depósito en la Academia de Bellas Artes de la ciudad de una serie de pinturas procedentes de diversos conventos exclaustrados. Entre estas obras se encontraba la serie de Zurbarán procedente de la Cartuja de Jerez de la Frontera. Mientras, en torno a la Academia de Bellas Artes, a lo largo del siglo XIX, se fue aglutinando un núcleo de obras de la floreciente escuela de pintura gaditana, con los ecos finales del neoclasicismo, el romanticismo, el costumbrismo y el cuadro de historia.

El hallazgo casual en 1887 del sarcófago antropoide fenicio masculino en los terrenos de los Astilleros de Cádiz fue el punto de arranque de la colección arqueológica, lo que justificó la creación de un museo de esta naturaleza en la ciudad, que fue nutriéndose de los hallazgos de las propias excavaciones arqueológicas de aquellos momentos, donaciones de particulares y de los objetos que había reunido la Comisión Provincial de Monumentos Histórico Artísticos, creada a tal efecto por la legislación elaborada por los diferentes gobiernos liberales desde el reinado de Isabel II, tras la Revolución Gloriosa de 1868.




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El museo ha conocido varias sedes a lo largo del tiempo, como el Callejón del Tinte o el Paseo de Canalejas, y se estableció definitivamente en el edificio de la Plaza de Mina en 1935, ocupando sólo la planta baja y compartiendo sede con la Academia de Bellas Artes. No obstante, el Arqueológico y el Bellas Artes se constituyen en museos separados, con directores y personal diferentes. No será hasta 1970 cuando se fusionen ambas instituciones en el actual Museo de Cádiz, incluyéndose también una sección de Etnografía. A partir de 1980 se inicia una profunda reforma en el edificio a cargo del arquitecto Javier Feduchi. Se han realizado ya dos fases de este Plan Director estando pendiente una tercera. (Fuente: Museo de Cádiz)

Fondos:

Sección de Arqueología. Los fondos arqueológicos, proceden en su gran mayoría de las excavaciones de las necrópolis fenicia y romana de Cádiz, de importantes yacimientos de la provincia y de hallazgos submarinos. Estos materiales, en ocasiones piezas excepcionales, documentan ampliamente la remota presencia del hombre en la provincia gaditana y su importancia en el mundo antiguo.

Sección de Bellas Artes. Los fondos de Bellas Artes conforman una de las grandes pinacotecas nacionales. Representan en su conjunto la evolución de la pintura española desde el siglo XVI a la primera mitad del siglo XX. Estos fondos proceden principalmente de la desamortización de los bienes de la Iglesia, así como de depósitos públicos y legados particulares.

Sección de Etnografía. En época reciente, con ocasión del ingreso del Teatro de Títeres de la Tía Norica en el museo, se inició la sección de Etnografía. (Fuente: http://www.infocadiz.com/museos/Welcome.htm)




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Uso original: antiguo Hospital de la Caridad

Fecha construcción: principios s. XVI

Arquitecto: Hernán Ruiz, "el Viejo" patrocinado por los Reyes Católicos

Uso actual: Museo de Bellas Artes de Córdoba

Fecha rehabilitación: 1837, s. XX

Dirección: Plaza del Potro, 1

14002 Córdoba

Tel/Fax: 957 355550, 957355543 / 957 355548 E-mail: [email protected]

Visita 3D


En la Plaza del Potro, frente a la posada del mismo nombre y compartiendo recinto con el Museo Julio Romero de Torres, se encuentra desde 1862 el Museo de Bellas Artes de Córdoba, en la parte más significativa de lo que antes fuera Hospital de la Caridad, establecimiento éste creado en el último cuarto del siglo XV, aunque sus restos arquitectónicos más notables, como la escalera, el patio o la capilla pertenecen a los primeros años del XVI. No obstante, su configuración arquitectónica actual es fruto de diversas modificaciones experimentadas fundamentalmente a lo largo del siglo XX, mediante la adhesión de algunas edificaciones anejas en función de las nuevas necesidades planteadas por las donaciones y depósitos que ha ido recibiendo. (Fuente: Museo de Bellas Artes de Córdoba)




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Fondos:

Aunque su colección fundacional nace con los fondos provenientes de los Conventos cordobeses desamortizados en 1835, y las posteriores aportaciones que le hace la de 1868, la configuración de la colección estable que en la actualidad conserva es fruto de diversas donaciones, adquisiciones y depósitos realizados a lo largo del tiempo, pudiendo señalarse como hitos más significativos en función del volumen de obra que le aporta, los denominados donación Cabriñana (1898), donación Avilés (1922), depósito Inurria (1943), donación Bea Pelayo (1948-62), donación Camacho Padilla (1969) y Colección Romero de Torres (1991), todos los cuales han contribuido en mayor o menor medida a aumentar la diversidad y polifacetismo que la misma presenta.

Respecto a ella habría que mencionar primeramente el apartado de pinturas, donde van a estar representados la práctica totalidad de los más notables artistas cordobeses desde la Edad Media a nuestros días, entre los que podrían destacar los nombres de Pedro de Córdoba, Pedro Romana, Alejo Fernández, Pablo de Céspedes, Juan de Peñalosa, Juan Luís Zambrano, Antonio del Castillo, Fray Juan del Santísimo Sacramento, Antonio Palomino, Rafael Romero Barros, Tomás Muñoz Lucena, José Garnelo y Alda, Rafael y Julio Romero de Torres, Rafael Botí, Pedro Bueno, Equipo-57, José María Báez, José María García Parody, Desiderio Delgado, Dorotea von Elbe, Jacinto Lara, etc., formando un conjunto imprescindible para el conocimiento de la evolución de la pintura local.

Dentro del mismo se dan cita también obras de pintores de otras escuelas españolas, como, -entre otros-, Valdés Leal, Ribera, Bocanegra, Haes, Pinazo, Pradilla, Iturrino, Rusiñol, Regoyos, Casas, Sorolla o Zuloaga; y esculturas de autores que van desde Juan de Mesa, Duque Cornejo o Miguel Verdiguier, a Miguel Blay, Agustín Querol, Quintín de Torre, Julio Antonio, Juan Cristobal, Jacinto Higueras o José Capuz, destacando en especial Mateo Inurria Lainosa, del que el museo conserva un significativo número de piezas.

Muy destacable es igualmente su importante colección de obras sobre papel, en la que sobresale el apartado de dibujos, con notables muestras de artistas de los siglos XVI al XX, entre los que cabría citar a Pedro de Campaña, José de Ribera, Antonio del Castillo, Antonio García Reinoso, Lucas Valdés, Miguel Verdiguier, José Camarón, Vicente López, Mariano Fortuny, Joaquín Sorolla, Rafael Romero de Torres, Mateo Inurria, etc. Custodia también este museo una colección de estampas de aproximadamente el mismo periodo de tiempo, más numerosa que la de dibujos aunque quizá no de la misma importancia, destacando en los nombres de Francisco de Goya, Bartolomé Maura, Francisco Iturrino o Ricardo Baroja por el volumen de obra con que aparecen representados.

Creado oficialmente a raíz de una Real Orden promulgada en 1844, hasta 1916 compartió edificio con el Museo Arqueológico, dependiendo en origen de la Diputación Provincial y del Ministerio de Instrucción Pública. En 1978 quedó integrado en el Patronato Nacional de Museos del Ministerio de Cultura, siendo desde 1984 un Museo de titularidad estatal con gestión de la Comunidad Autónoma de Andalucía a través de su Consejería de Cultura. (Fuente: Museo de Bellas Artes de Córdoba)




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Uso original: antiguo Hospital de la Caridad

Fecha construcción: fines s. XV

Patronos: fundado por los Reyes Católicos

Fotografía: Colección Emilio Godes – Archivo Municipal de Córdoba

Uso actual: Museo Julio Romero de Torres

Fecha inauguración: 24 mayo 1936

Fecha rehabilitación: 1934, 1992

Dirección: Plaza del Potro, 1

14002 Córdoba

Tel: 957 491909

Web: http://www.museojulioromero.org


Tras la muerte de Julio Romero de Torres, el 10 de mayo de 1930, su viuda, Francisca Pellicer, y sus hijos, Rafael, Amalia y María, decidieron no vender ninguna de las obras del pintor a pesar de los numerosos ofrecimientos, ya que su deseo era reunirlas en un museo dedicado a su memoria. La familia donó al pueblo cordobés los lienzos que el artista había presentado en la exposición Iberoamericana celebrada en Sevilla el año anterior y, de esta forma, el Ayuntamiento de Córdoba se constituyó en depositario de dicho legado. En 1931 se crea el Museo Julio Romero de Torres, uno de los primeros acuerdos alcanzados por el nuevo gobierno de la II República. Se inauguró el 23 de noviembre de 1931 por el que fuera presidente de la II República, Niceto Alcalá Zamora.

En 1934 se ampliaron las instalaciones con la adquisición de la casa colindante, donde se encuentra el actual museo y que supuso la incorporación del piso superior y la escalera de mármoles. Su inauguración definitiva tuvo lugar el 24 de mayo de 1936.




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En 1992 se procedió a una nueva remodelación, destinada a actualizar el Museo con la renovación de sus estructuras, sistemas de iluminación y seguridad. A lo largo de los años los fondos iniciales se incrementaron con las obras y el mobiliario del estudio del pintor en Madrid y con donaciones y depósitos de particulares. El Ayuntamiento de Córdoba ha secundado esta tarea adquiriendo obras de gran importancia como el prestigioso cuadro La gracia. (Fuente: Museo Julio Romero de Torres) Fondos:

Los fondos del museo, que se creó en 1931, proceden de la donación que hizo la familia de Julio Romero de Torres al Ayuntamiento de Córdoba. A través de las piezas expuestas podemos hacer un recorrido por la vida y obra del artista, y por la sociedad de su tiempo. Una significativa muestra de su obra pictórica y un rico fondo documental (hemeroteca, fototeca, archivo y biblioteca) nos harán descubrir los secretos de su peculiar estilo. (Fuente: Spain.info)




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Uso original: Palacio de Carlos V


Arquitecto: Pedro Machuca

Uso actual: Museo de la Alhambra

Fecha rehabilitación: s. XX

Dirección: Palacio de Carlos V-Alhambra

18009 Granada

Tel: 958 027900 / 958 027929

Web: http://www.alhambra-patronato.es

E-mail: [email protected] Historia del edificio:

El Museo de la Alambra está ubicado dentro del conjunto monumental de la Alhambra, este emblemático edifico fue construido como residencia imperial en 1527 por el arquitecto Pedro Machuca. Siendo uno de los ejemplos más representativos de la arquitectura renacentista española, su autor, formado en Roma junto a Miguel Ángel, llevó a efecto una obra de acusada tendencia italianizante y original resolución de su planta, lo que supuso una gran novedad formal para la arquitectura del siglo XVI. Constituido el edificio por una planta cuadrada en la que se inscribe un patio circular, de sus cuatro fachadas sólo están terminadas la sur y la oeste en su totalidad, quedando el resto resueltas parcialmente por estar el edificio adosado al Alcázar árabe.

El palacio se estructura en el exterior en dos cuerpos diferenciados construidos en cantería. El inferior cuenta con decoración de almohadillado y resaltadas pilastras de orden toscano en las que se insertan grandes aldabas de bronce con cabezas de león y águila. En los espacios intermedios se abren ventanas rectangulares y, sobre éstas, otras circulares de menor tamaño. Se repite este esquema de manera similar en la parte superior, donde se abren balcones entre pilastras de orden jónico que se apoyan en un entablamento corintio, acompañadas con mayor profusión decorativa, compuesta por símbolos de la Orden del Toisón y columnas con el Plus Ultra en los pedestales, al tiempo que la decoración de guirnaldas, racimos de granadas y figuras infantiles se distribuye en torno a los frontones y guardapolvos que coronan los vanos.




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La fachada se completa con dos magníficas portadas realizadas en mármol de la sierra de Elvira, resueltas con un completo programa iconográfico.

En el interior, un magnífico patio circular ocupa el centro de la construcción y articula las distintas dependencias del palacio que se abren a través de arcos y vanos entre hornacinas. El ángulo noreste del palacio lo ocupa la capilla, ubicándose escaleras en los ángulos restantes. El patio, distribuido en dos alturas, se rodea por un ancho pórtico adintelado formado por doble galería de 32 columnas de piedra.

Tras la muerte del autor, en 1550, se designó a su hijo Luis para sucederle, interviniendo con posterioridad en los trabajos una larga lista de artistas. Pero la falta de fondos impidió la continuación de las obras, quedando el palacio sin cubierta y sin finalizar las habitaciones.

En los primeros años del siglo XX la Comisión de Monumentos, encargada de dirigir la restauración de la Alhambra, encomienda al arquitecto Ricardo Velázquez Bosco la terminación del palacio, trabajo que continuó en 1923 Leopoldo Torres Valvas procediendo, entre otras reformas estructurales, a techar parte del edificio. Transcurrida la guerra civil las obras se reanudaron bajo la dirección del arquitecto Francisco Prieto. El Museo de la Alhambra ocupa el ala Sur de la planta baja, distribuyéndose en siete salas. Creado en 1870, en 1862 pasó a denominarse Museo Nacional de Arte Hispano Musulmán. En 1994 se modificó su denominación, trasladándose a su ubicación actual. El espacio y la instalación expositiva fue diseño del arquitecto Juan Pablo Rodríguez Frade. (Fuente: Ministerio de Cultura)

Fondos:

La Colección Permanente, constituye un extraordinario y completo recorrido por la evolución del arte hispanomusulmán. Gracias a su variedad y a su amplitud cronológica, el visitante puede comprender mejor la riqueza y complejidad de la cultura y la sociedad islámicas en la Península Ibérica a la vez que puede reconstruir el marco en el que se desarrollaba la vida cotidiana. Comenzó a tener un aspecto de “Museo” a mediados del siglo XIX, catalogado y reunido en diversos sectores de la Alhambra. Hacia 1870 se empezaron a catalogar los fondos, instalándose algunos en las habitaciones del Emperador y alrededor de los palacios de Leones y Comares. Entre los fondos se puede destacar la colección de cerámica doméstica en la que destaca el jarrón de las Gacelas como pieza príncipe de la cerámica hispanomusulmana. También el conjunto de elementos arquitectónicos de mármol como columnas, paneles decorativos tallados, yesería o la colección de piezas de madera arquitectónica decorada con una importante colección de cubiertas apeinazadas y ataujeradas.

Exposiciones en el monumento. El Patronato de la Alhambra y el Generalife desarrolla proyectos expositivos dentro del Recinto Monumental, muchos de ellos resultado de un exhaustivo trabajo interno de investigación complementado con interesantísimas aportaciones externas, ofertados al mundo de la investigación, potenciando un debate científico enriquecedor, y a la ciudadanía en general.




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El Patronato de la Alhambra y el Generalife desarrollan junto con otras instituciones públicas y privadas actividades expositivas con el objeto de profundizar en la difusión de los valores culturales del monumento. Salón de Actos. En el Palacio de Carlos V existe una sala dedicada a las actividades culturales y científicas que a lo largo del año se desarrollan en el recinto Monumental. Tiene capacidad para noventa asistentes. Cuenta con un sistema de megafonía y cabina de traducción simultánea, así como sistemas de proyección de audiovisuales.

Esta sala deberá solicitarse cuando se desee celebrar un acto en ella, únicamente relacionado con la celebración de foros, encuentros u otro tipo de reuniones de carácter científico o cultural, dándose preferencia a aquellos que están directamente relacionados con la difusión del legado histórico y cultural del Conjunto Monumental.El Patronato de la Alhambra y el Generalife se reserva el derecho de uso preferente de estos espacios para actividades programadas por él o en colaboración. El Patronato de la Alhambra y el Generalife realizan periódicamente cursos, ciclos y conferencias de enorme interés internacional. (Fuente: Patronato Alhambra y el Generalife)




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Uso original: Palacio de Carlos V

Fecha construcción: s. XVI

Arquitecto: Pedro Machuca

Uso actual: Museo de Bellas Artes de Granada

Fecha inauguración: 6 octubre 1958

Fecha rehabilitación:1994, 2003

Dirección: Palacio de Carlos V

18009 Granada

Tel/Fax: 958 575450 / 958 575451



El Museo de Bellas Artes de Granada hunde sus raíces en el proceso desamortizador promovido por el ministro Álvarez Mendizábal en el siglo XIX. Con los bienes artísticos recogidos de los conventos y monasterios suprimidos se organizó el Museo Provincial en el ex-convento dominico de Santa Cruz la Real, inaugurándose solemnemente, como testimonia la prensa local de la época, el 11 de agosto de 1839.

No sería ésta la única sede en la que radicaría el Museo a lo largo de su dilatada historia. En 1889 debe abandonar Santa Cruz la Real, siendo trasladados sus fondos artísticos a unos bajos del Ayuntamiento situados en la calle Escudo del Carmen. En 1897, abandona las Casas Consistoriales para ser trasladado a la casa nº 11 de la calle Arandas. Allí permanecería hasta 1923, año en el que cambia nuevamente de ubicación, esta vez a la Casa de Castril, en la Carrera del Darro, donde compartiría espacio con el Museo Arqueológico y la Real Academia de Bellas Artes de Nuestra Señora de las Angustias. A partir de entonces se retoma la vieja aspiración de ubicar el Museo en el Palacio de Carlos V, que permanecía aún inacabado y sin uso.




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En 1941 se traslada parcialmente a la planta baja de Palacio, habilitándose para ello tres salas. No obstante, las pésimas condiciones del edificio obligan a retornarlo a la Casa de Castril.

La acción conjunta de dos personalidades claves de la cultura granadina de mediados del siglo XX será decisiva para hacer realidad el proyecto palatino. Por una parte, el tesón de Emilio Orozco Díaz al frente de la dirección del Museo y, por otra, las gestiones de Antonio Gallego y Burín desde la Dirección General de Bellas Artes, de la que fue máximo responsable.

El 6 de octubre de 1958, con motivo de las celebraciones del V centenario del fallecimiento del emperador, se inauguró el Museo de Bellas Artes de Granada en su nueva ubicación de la planta primera del Palacio de Carlos V, donde permanece este entonces. El destino cultural fue el principal estímulo para que se concluyera el noble edificio que proyectara Pedro Machuca en el siglo XVI.

El 1984 se llevó a cabo el traspaso de competencias a la Junta de Andalucía en materia de cultura, entre las cuales se encontraba la gestión de los Museos Estatales radicados en la Comunidad Autónoma. El convenio suscrito entonces fue actualizado en 1994, permaneciendo aún en vigor.

En 1994 se inician las obras de remodelación de la planta baja del Palacio de Carlos V para ubicar, entre otras dependencias, el Museo de la Alhambra. La eliminación de la entreplanta existente hasta entonces hizo necesario el traslado de parte de las dependencias del Museo de Bellas Artes al complejo edificatorio conocido como Nuevos Museos.

A finales de 2003 se cierra temporalmente el Museo para acometer las obras climatización y adecuación museográfica, gracias a las cuales se ha dotado al Museo de una moderna tecnología que compagina la conservación de los bienes muebles culturales expuestos con el confort para el visitante

Desde la intervención en el Palacio de Carlos V de 1994, el Museo de Bellas Artes de Granada consta de dos sedes:

- Sede expositiva. Situada en la planta primera del Palacio de Carlos V, en ella se ubican los distintos espacios expositivos destinados a exposición permanente y a exposiciones temporales.

- Sede administrativa. Localizada en el módulo dos de los Nuevos Museos, aglutina áreas funcionales como dirección, administración y técnicos, así como el resto de dependencias: áreas de reserva, taller de restauración, archivo y biblioteca. (Fuente: Junta de Andalucía)




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Fondos:

El origen del Museo va a marcarlo profundamente ya que, incluso hoy día, una parte esencial de sus colecciones procede de aquellos fondos desamortizados, que constituyen el grueso de la colección estable, en los que predomina la pintura granadina de tema religioso realizada entre el siglo XVI y el XVIII. Son obras procedentes de monasterios como el de la Cartuja, o series de cuadros que decoraron el interior de conventos como los de San Francisco, la Merced, los trinitarios o los agustinos descalzos. La colección estable también creció en número a lo largo de la pasada centuria, especialmente por la labor desarrollada por Don Emilio Orozco Díaz, director del Museo entre 1956 y 1972, que gestionó numerosas adquisiciones y donaciones con las que, entre otros logros, se cubrió la laguna que hasta ese momento suponía la ausencia de obras de los artistas granadinos de la primera mitad del siglo XX.

Por último, a partir de 1984, el Museo ha recibido un importante impulso en este terreno con la aportación de la Colección de Junta de Andalucía asignada al mismo, colección que está fundamentada en obras de los siglos XIX y XX. Actualmente la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía ha orientado su política de adquisiciones a cubrir los puntos más débiles de la colección, centrándose en la adquisición de artistas contemporáneos granadinos de reconocido prestigio, como Manuel Ángeles Ortiz, Manuel Rivera o José Guerrero.

Igualmente tras el cierre de las salas del Museo para su acondicionamiento, se han llevado a cabo un importante número de intervenciones sobre las colecciones, que han permitido detener el deterioro en unos casos y recuperar sus valores artísticos en otros. Junto con las campañas anuales de restauración, el mayor empuje en esta materia ha sido la preparación de la colección para el discurso expositivo. El trabajo desarrollado en estos cuatro años permitirá que el visitante pueda contemplar las obras que integran la exposición permanente en todo su esplendor. (Fuente: Junta de Andalucía)




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Uso original: Palacio de Buenavista

Fecha construcción: s. XVI (1516–1542)

Arquitecto: Diego de Cazalla

Uso actual: Museo Picasso Málaga

Fecha rehabilitación: fines s. XX

Arquitectos: Gluckman Mayner Architects y Cámara, Martín Delgado Arquitectos

Dirección: Palacio de Buenavista San Agustín,8 29015 Málaga

Tel/Fax: 902 443377 / 952 604570

Web: http://www.museopicassomalaga.org/


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El Palacio de Buenavista fue erigido por don Diego de Cazalla, pagador de los ejércitos y las armadas reales, que participó en la conquista de la ciudad en 1487. La construcción se realizó sobre los restos de un palacio nazarí, del que aún se conservan algunos elementos como la torre situada al este del patio principal. Don Diego puso todos los medios a su alcance para su construcción: desde la importación de mármoles y otros materiales pétreos de Génova, a la producción de armaduras y techumbres de carpintería de lo blanco. Influencias castellanas, italianas y moriscas se mezclan en este sobrio y elegante edificio, que a partir del siglo XIX fue paulatinamente alejándose de su función de residencia familiar para ejercer otras nuevas y muy diversas.

Declarado Monumento Nacional en 1939, fue alquilado en 1946 al Estado para la instalación del Museo Provincial de Bellas Artes, inaugurado en 1961. Tal fue su uso hasta 1997, cuando fue adquirido para sede del entonces futuro Museo Picasso Málaga.




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Esta elección estuvo condicionada por el expreso deseo de la donante principal, Christine Ruiz-Picasso, quien creyó conveniente escoger un modelo de palacio típicamente andaluz para albergar la Colección. El Museo incluye además sala de exposiciones temporales, biblioteca y centro de documentación, departamento de educación, auditorio, taller de restauración, etc— para lo que fueron adaptados varios edificios adyacentes y construidos otros de nueva planta que se integraron equilibradamente en el entorno del Palacio de Buenavista y de la propia ciudad.

La rehabilitación y expansión del complejo museístico fue diseñada por Richard Gluckman de Gluckman Mayner Architects con Isabel Cámara y Rafael Martín Delgado de Cámara / Martín Delgado Arquitectos, así como por la empresa de ingeniería ARUP. El paisajismo es obra de María Medina.

En enero de 2006, el American Institute of Architects premió al MPM con el Institute Honor Awards for Architecture. El jurado destacó: el hermoso trabajo de restauración arquitectónica, acertadamente sencillo, que ha bordado un museo en el tejido de esta ciudad mediterránea. Las nuevas secciones han sido simple y elegantemente insertadas en el entorno y en los alrededores de un palacio del siglo XVI, patios exteriores y calles de la ciudad. (Fuente: Museo Picasso Málaga)

Fondos:

El Museo Picasso Málaga responde al deseo de Pablo Picasso de que su obra estuviera presente en la ciudad en que nació el 25 de octubre de 1881. Su creación se debe a la voluntad compartida de Christine y Bernard Ruiz-Picasso, cuyas donaciones constituyen los fondos del Museo, y de la Junta de Andalucía, que articuló un gran proyecto museístico consagrado al artista cuyos estilos y técnicas cambiaron el curso del arte moderno.

La idea inicial de este Museo nace en 1953 de los contactos entre Pablo Picasso y Juan Temboury Álvarez, Delegado provincial de Bellas Artes de Málaga, y queda frustrada poco después. Christine Ruiz-Picasso, viuda de Paul Ruiz-Picasso, hijo mayor del artista, retoma los contactos con Málaga en 1992 con la exposición Picasso clásico y en 1994 con la exposición Picasso, primera mirada, y en 1996 reinicia el proyecto de 1953, que se hace finalmente realidad 50 años más tarde, el 17 de octubre de 2003, en que el Museo es inaugurado por Sus Majestades los Reyes Don Juan Carlos I y Doña Sofía.

La donación de Christine Ruiz-Picasso consiste en un total de 14 pinturas, 9 esculturas, 44 dibujos, un cuaderno de dibujos de la serie Royan con otros 36 dibujos, 58 grabados y 7 cerámicas. En conjunto, 133 obras a las que su hijo y nieto del artista Bernard Ruiz-Picasso añade 22 piezas más: 5 pinturas, 2 dibujos, 10 grabados y 5 cerámicas.




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Las 155 obras que reúne inicialmente la Colección MPM abarcan las innovaciones revolucionarias de Picasso, así como la amplia variedad de estilos materiales y técnicas que dominó. Desde los primeros estudios académicos a su visión personal del clasicismo, desde los planos superpuestos del cubismo a su investigación con la cerámica, desde su interpretación de los grandes maestros a las últimas pinturas de los setenta. (Fuente: Museo Picasso Málaga)




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Uso original: antiguo Mercado de Mayoristas



Arquitectos: Luis Gutiérrez Soto y Juan Jáuregui

Uso actual: CAC-Centro de Arte Contemporáneo de Málaga

Fecha inauguración: 17 febrero 2003

Arquitecto: Miguel Ángel Díaz

Fecha rehabilitación: 2000

Dirección: Calle Alemania, s/n

29001 Málaga

Tel/Fax: 952 120055 / 952 210177

Web: http://cacmalaga.org/


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Visita 3D


El CAC Málaga está ubicado en el antiguo Mercado de Mayoristas de Málaga, un edificio histórico situado en la margen izquierda de la desembocadura del río Guadalmedina. Se trata de uno de los límites de lo que antiguamente fue la madina musulmana, ganada a la desembocadura del río. En la actualidad, la zona está integrada en pleno centro histórico, aunque se trata de un área conformada urbanísticamente a mediados del siglo XIX, en la entonces periferia inmediata de la ciudad.

La construcción de un Mercado de Mayoristas en el solar existente en los terrenos ganados al río Guadalmedina entre las calles Benítez y Alemania fue proyectada en 1927. Sin embargo no fue hasta 1939 cuando comenzó la construcción del edificio, después de que el proyecto Aviación de Luis Gutiérrez Soto (Madrid, 1900) y Juan Jáuregui ganasen el concurso de ideas convocado por el Ayuntamiento de Málaga en 1937. El Mercado fue inaugurado en 1942.




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Luis Gutiérrez Soto, reconocido arquitecto adscrito al Movimiento Moderno, es uno de los máximos representantes del Racionalismo e integrante del grupo denominado Generación del 25, destaca por proyectos como el Aeropuerto de Barajas (Madrid 1930), el Cine Europa (Madrid 1928), el Cine Barceló (Madrid 1930) o el Cine Ronda (Vitoria 1935).

Pese a que el Mercado de Mayoristas fue uno de los primeros edificios inaugurados en la posguerra, se caracteriza ya por su estilo racionalista. El edificio se define por su funcionalismo severo, de líneas rectas y cuerpos cúbicos, que respeta la forma triangular del solar. La alternancia de volúmenes que lo caracteriza, se expresa en la superposición de cuerpos de distintas dimensiones que resaltan su horizontalidad, acentuada por los porches laterales que cubren las antiguas zonas de descarga y la marquesina de la fachada posterior, en contraste con la verticalidad de la torre.

En 1987 el antiguo Mercado de Mayoristas fue declarado Bien de Interés Cultural, comenzando en marzo de 2000 las obras de rehabilitación del inmueble para convertirlo en centro de arte.

La remodelación del inmueble fue llevada a cabo según el proyecto del arquitecto Miguel Ángel Díaz, siendo responsables del proyecto de ordenación del entorno los arquitectos Antonio Álvarez Gil y Salvador García García. El edificio tiene actualmente 6.000 metros cuadrados de superficie total, de los que 2.400 metros cuadrados se destinan a exposiciones. En estos momentos está propuesta una extensión del edificio, proyectada por Rafael Moneo, que incluirá una nueva biblioteca y un auditorio de mayor aforo. (Fuente: CAC-Centro de Arte Contemporáneo de Málaga)

Objetivos:

El CAC Málaga es el emblema del compromiso con el arte contemporáneo del Ayuntamiento de Málaga que tiene como objetivo la difusión de las artes plásticas y visuales desde el último tercio del siglo XX hasta la actualidad.

El CAC Málaga se inauguró el 17 de febrero de 2003 y desde entonces se caracteriza por su dinamismo y por la importancia que concede a la reflexión, la pedagogía y la divulgación del arte contemporáneo.

La apertura del CAC Málaga ha creado nuevas posibilidades en el ámbito cultural del sur de España, consiguiendo constituirse en un referente artístico internacional. Además supone una novedad en España al conjugar los modos de gestión de la empresa privada con los ideales y objetivos del ámbito público.




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Un proyecto abierto a todas las sensibilidades

Demanda social. El CAC Málaga surge como respuesta a la demanda de una sociedad que crece en número e inquietudes culturales. De esta forma, el Ayuntamiento de Málaga ha ido acercando al ciudadano, durante los últimos años, las más recientes corrientes artísticas y sus últimas expresiones plásticas y audiovisuales.

Nuevo referente turístico. El aeropuerto de Málaga, con más de cien destinos, registra anualmente una cifra cercana a los nueve millones de viajeros, cantidad que muestra la importancia de Málaga como núcleo turístico de primer orden. En este sentido, el CAC Málaga se ha sumado a la oferta cultural de la ciudad y de la Costa del Sol con la intención de mejorar los criterios de un destino de calidad.

Factor de integración cultural. Las cifras de turismo residencial en la provincia de Málaga se estiman en varios millones de personas, gran parte de ellos británicos, irlandeses, finlandeses, daneses, holandeses y alemanes, una cantidad que aumenta progresivamente.

En estas comunidades existe un gran interés por el arte y la cultura y en este aspecto el CAC Málaga ha servido tanto a la satisfacción de estas inquietudes como de elemento de integración en la sociedad andaluza.

Centro de referencia internacional. Sin olvidar su apoyo a los artistas malagueños, el CAC Málaga inició su andadura con una rotunda vocación internacional, expresada en la voluntad de convertirse en uno de los centros de referencia del circuito europeo, lo cual ha conseguido a través del prestigio y calidad de sus proyectos y exposiciones, entre las que han destacado grandes figuras del panorama internacional como Louise Bourgeois, los hermanos Chapman, Gerard Richter, Paul McCarthy, Anish Kapoor, Jason Rhoades, Raymond Pettibon, Ron Mueck, Rachael Whiteread, Yoshitmo Nara, Roni Horn, Daniel Richter o Rodney Graham.

Casa del Arte. El CAC Málaga ha establecido un programa innovador en España inspirado inicialmente en el modelo alemán de "Kunsthaus". Este se concibe como una “Casa del Arte” dinámica, abierta a las nuevas tendencias, formas de expresión y preocupaciones sociales, conceptuales, políticas y estéticas del arte contemporáneo.

En el CAC Málaga se ofrecen actividades muy diversas y se reflexiona sobre el arte contemporáneo, sus fuentes y sus influencias. Se trata de un lugar que invita a la participación y en el que se otorga una gran importancia a la esfera pedagógica.

Málaga ha acogido exposiciones y actividades de carácter pionero en España, potenciando la presencia de artistas que nunca antes habían expuesto en el país, así como ofreciendo seminarios y cursos que amplían el conocimiento y la reflexión sobre los diferentes aspectos del arte contemporáneo. (Fuente: CAC-Centro de Arte Contemporáneo de Málaga)




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Uso original: Palacio de Buenavista

Fecha construcción: s. XVI (1516–1542)

Arquitecto: Diego de Cazalla

Uso actual: Museo Picasso Málaga

Fecha rehabilitación: fines s. XX

Arquitectos: Gluckman Mayner Architects y Cámara, Martín Delgado Arquitectos

Dirección: Palacio de Buenavista San Agustín,8 29015 Málaga

Tel/Fax: 902 443377 / 952 604570

Web: http://www.museopicassomalaga.org/


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El Palacio de Buenavista fue erigido por don Diego de Cazalla, pagador de los ejércitos y las armadas reales, que participó en la conquista de la ciudad en 1487. La construcción se realizó sobre los restos de un palacio nazarí, del que aún se conservan algunos elementos como la torre situada al este del patio principal. Don Diego puso todos los medios a su alcance para su construcción: desde la importación de mármoles y otros materiales pétreos de Génova, a la producción de armaduras y techumbres de carpintería de lo blanco. Influencias castellanas, italianas y moriscas se mezclan en este sobrio y elegante edificio, que a partir del siglo XIX fue paulatinamente alejándose de su función de residencia familiar para ejercer otras nuevas y muy diversas.




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Declarado Monumento Nacional en 1939, fue alquilado en 1946 al Estado para la instalación del Museo Provincial de Bellas Artes, inaugurado en 1961. Tal fue su uso hasta 1997, cuando fue adquirido para sede del entonces futuro Museo Picasso Málaga. Esta elección estuvo condicionada por el expreso deseo de la donante principal, Christine Ruiz-Picasso, quien creyó conveniente escoger un modelo de palacio típicamente andaluz para albergar la Colección. El Museo incluye además sala de exposiciones temporales, biblioteca y centro de documentación, departamento de educación, auditorio, taller de restauración, etc— para lo que fueron adaptados varios edificios adyacentes y construidos otros de nueva planta que se integraron equilibradamente en el entorno del Palacio de Buenavista y de la propia ciudad.

La rehabilitación y expansión del complejo museístico fue diseñada por Richard Gluckman de Gluckman Mayner Architects con Isabel Cámara y Rafael Martín Delgado de Cámara / Martín Delgado Arquitectos, así como por la empresa de ingeniería ARUP. El paisajismo es obra de María Medina.

En enero de 2006, el American Institute of Architects premió al MPM con el Institute Honor Awards for Architecture. El jurado destacó: el hermoso trabajo de restauración arquitectónica, acertadamente sencillo, que ha bordado un museo en el tejido de esta ciudad mediterránea. Las nuevas secciones han sido simple y elegantemente insertadas en el entorno y en los alrededores de un palacio del siglo XVI, patios exteriores y calles de la ciudad. (Fuente: Museo Picasso Málaga)

Fondos:

El Museo Picasso Málaga responde al deseo de Pablo Picasso de que su obra estuviera presente en la ciudad en que nació el 25 de octubre de 1881. Su creación se debe a la voluntad compartida de Christine y Bernard Ruiz-Picasso, cuyas donaciones constituyen los fondos del Museo, y de la Junta de Andalucía, que articuló un gran proyecto museístico consagrado al artista cuyos estilos y técnicas cambiaron el curso del arte moderno. La idea inicial de este Museo nace en 1953 de los contactos entre Pablo Picasso y Juan Temboury Álvarez, Delegado provincial de Bellas Artes de Málaga, y queda frustrada poco después.

Christine Ruiz-Picasso, viuda de Paul Ruiz-Picasso, hijo mayor del artista, retoma los contactos con Málaga en 1992 con la exposición Picasso clásico y en 1994 con la exposición Picasso, primera mirada, y en 1996 reinicia el proyecto de 1953, que se hace finalmente realidad 50 años más tarde, el 17 de octubre de 2003, en que el Museo es inaugurado por Sus Majestades los Reyes Don Juan Carlos I y Doña Sofía.

La donación de Christine Ruiz-Picasso consiste en un total de 14 pinturas, 9 esculturas, 44 dibujos, un cuaderno de dibujos de la serie Royan con otros 36 dibujos, 58 grabados y 7 cerámicas. En conjunto, 133 obras a las que su hijo y nieto del artista Bernard Ruiz-Picasso añade 22 piezas más: 5 pinturas, 2 dibujos, 10 grabados y 5 cerámicas.




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Las 155 obras que reúne inicialmente la Colección MPM abarcan las innovaciones revolucionarias de Picasso, así como la amplia variedad de estilos materiales y técnicas que dominó. Desde los primeros estudios académicos a su visión personal del clasicismo, desde los planos superpuestos del cubismo a su investigación con la cerámica, desde su interpretación de los grandes maestros a las últimas pinturas de los setenta. (Fuente: Museo Picasso Málaga)




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Uso original: Monasterio de la Cartuja de Santa María de Las Cuevas


Uso actual: CAAC - Centro Andaluz de Arte Contemporáneo



Dirección: Avda. Américo Vespucio, 2

Camino de los Descubrimientos, s/n.

41092 Sevilla

Tel/Fax: 955 037070 / 955 037052

Web: http://www.caac.es


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En la actualidad y partiendo de tres conceptos básicos que nos comprometen con la defensa de la singularidad frente a la estandarización y el espectáculo, la vocación de interdisciplinariedad y la creación de comunidad, y el análisis crítico de los dispositivos de mediación museística, nos encontramos en el inicio de un proceso de transición para buscar una ubicación que nos sitúe entre dos modelos de mediación cultural: el centro de arte y el centro de cultura. El objetivo consiste en desarrollar un catálogo de definiciones aceptables de un espacio de acción cultural en el que el encuentro con la otredad tenga lugar sin voluntad de conquista o dominación.

El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (C.A.A.C.) se creó en febrero de 1990 con la intención de dotar a la Comunidad Autónoma de una institución apropiada para la investigación, conservación, promoción y difusión del arte contemporáneo.




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Posteriormente, se empezaron a adquirir obras con la idea de ir dando los primeros pasos en la configuración de una colección permanente de arte contemporáneo.

En 1997, el Monasterio de la Cartuja se convirtió en la sede del Centro, un paso decisivo en su evolución. Este decreto supuso la modificación de sus estatutos y la conversión del C.A.A.C. en un Organismo autónomo -dependiente de la Consejería de Cultura- que asumía la gestión del personal y de las colecciones de los antiguos Conjunto Monumental de la Cartuja y del Museo de Arte Contemporáneo de Sevilla.

Desde sus inicios, uno de los principales objetivos del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo ha sido desarrollar un programa de actividades que, con una clara intención educativa, trata de promover el estudio y el fomento de la creación artística contemporánea internacional en sus más variadas expresiones. Exposiciones temporales, seminarios, talleres, conciertos, encuentros, recitales, ciclos de cine, conferencias..., han sido las herramientas de comunicación utilizadas para llevar a cabo este propósito.

La oferta cultural del Centro se complementa con la visita al propio monumento que alberga un importante patrimonio artístico y arqueológico, producto de su dilatada historia. (Fuente: CAAC – Centro Andaluz de Arte Contemporáneo)

Fondos:

Desde un punto de vista cronológico, el inicio teórico de la colección del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo se sitúa a mediados de la década de los cincuenta del siglo pasado y se extiende hasta nuestros días. La colección presta especial atención a la historia de la creatividad contemporánea andaluza en su relación con otros contextos artísticos nacionales e internacionales. En este apartado ofrecemos una lista con una selección de los autores que forman parte de los fondos del CAAC. El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo dedica de forma permanente a su colección que está formada por Ignasi Aballí, Equipo 57, Equipo Crónica, Rebecca Horn, Ignacio Tovar, Miguel Trillo, Julio Ubiña, Juan Uslé, Darío Villalba, Bill Viola, Zhou Xiaohu, José María Iturralde, Rémy Zaugg, Claudio Zulián, Jesús Zurita o Zush-Evru entre muchos otros. (Fuente: CAAC – Centro Andaluz de Arte Contemporáneo)




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ARAGÓN




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Uso original: Universidad Sertoriana y Palacio de los Reyes de Aragón


Arquitecto: Francisco Antonio de Artiga

Uso actual: Museo de Huesca

Fecha inauguración: 21 abril 1999

Fecha rehabilitación: 1960, 1993, 1995

Dirección: Plaza de la Universidad, 1,

22002 Huesca

Tel/Fax: 974 220586 / 974 229388



El Museo de Huesca comenzó a gestarse hacia 1850 gracias a la iniciativa de la Comisión Provincial de Monumentos, teniendo una participación decisiva en el proyecto la figura de Valentín Carderera, el cual asumió personalmente la instalación del museo, contribuyendo al incremento de sus fondos con la donación de buena parte de su colección particular. Todo ello permitió que el museo fuese fundado formalmente en junio de 1873.

En el año 1968, el Museo de Huesca se instaló en la antigua Universidad Sertoriana, una magnífica construcción civil barroca, anexa a los restos aún conservados del Palacio de los Reyes de Aragón. Las salas de Arqueología incluyen materiales desde la prehistoria hasta época medieval. La sección de Bellas Artes presenta una colección de obras pictóricas de reconocido valor que abarcan un amplio periodo cronológico (siglos XV-XX), entre las que cabe destacar el conjunto de pintura gótica, los Toros de Burdeos de Goya y la obra completa de Ramón Acín. (Fuente: Museo de Huesca)




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Fondos:

Las salas de Arqueología incluyen materiales desde la prehistoria hasta época medieval. La sección de Bellas Artes presenta una colección de obras pictóricas de reconocido valor que abarcan un amplio periodo cronológico (siglos XV-XX), entre las que cabe destacar el conjunto de pintura gótica, los Toros de Burdeos de Goya y la obra completa de Ramón Acín. El recorrido se completa con la visita al patio porticado, donde se encuentran expuestos capiteles, escudos de armas y lápidas romanas. Desde ahí se accede al antiguo Palacio Real, actualmente utilizado como sala de exposiciones temporales y actividades en general (Salón del Trono, Salas de la Campana y de Doña Petronila). (Fuente: Museo de Huesca)




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Uso original: Palacio de los Pardo


Arquitectos: Morlanes y Tudelilla

Uso actual: Museo Ibercaja Camón Aznar Fecha inauguración: 30 noviembre 1979

Dirección: C/ Espoz y Mina, 23

50003 Zaragoza

Tel/Fax: 976 397328, 976 397387 / 976 397387



En 1979, abría sus puertas este museo, recogiendo las colecciones de arte donadas a Aragón por el profesor y académico zaragozano José Camón Aznar y su esposa. Se encuentra ubicado en el palacio del siglo XVI llamado “de los Pardo”, que tras una historia azarosa, fue recuperado y acondicionado para uso museístico, por Ibercaja, actual titular y gestora de la institución. En él cabe destacar su bello patio porticado interior, con rica decoración plateresca. Sus salas acogen una extensa colección de pintura, escultura, acuarela, dibujo y grabado, que van desde el siglo XVI al XX. En ella hay que señalar la presencia de autores como El Greco, Juan Valdés Leal, Meléndez, Bayeu, Goya, Rosales, Pradilla, Sorolla, Benjamín Palencia, García Condoy y Serrano, entre otros. Así como la colección completa de grabados de Goya (Caprichos, Desastres, Tauromaquia y Disparates). (Fuente: Sistema de Museos de Aragón)




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Fondos:

El museo se reincorpora al activo cultural zaragozano tras acometer una importante transformación en aras de proporcionar al visitante una lectura más precisa y ordenada de sus fondos, que gira en torno a la figura del genio de Fuendetodos. El proyecto intenta sublimar la figura del aragonés José Camón como coleccionista y como crítico de arte, para lo que se ha elaborado un discurso que toma como base la obra de Goya con su peculiar forma de enseñar a mirar el mundo a través de sus grabados, que conectan con el papel que Camón Aznar ejerció en la difusión de la obra y la figura de nuestro artista más universal.

Con el nuevo discurso museográfico se exponen 244 grabados de Goya y 333 obras entre pinturas y esculturas (300 de la Colección Camón y 33 de los fondos de Ibercaja). Se trata de los 14 goyas, 3 de Bayeu, 3 de Maella, 1 de Berruguete, 2 de Pedro de Campaña y sendas de Blasco de Grañén, Escalante, Megs y un Anónimo flamenco, además de las 4 litografías de los Toros de Burdeos y otros dos grabados más.

Para Antonio Meléndez, responsable de la dirección museográfica y que ha trabajado en la misma durante dos años, “estamos en un museo sobre Goya desplegado en un edificio doble: la primera parte, con el patio y el salón noble, pertenecen al palacio renacentista aragonés, del siglo XVI, propiedad de los condes de Bobadilla y de la familia de los Pardo, al que se le añadió, ya en el siglo XX, un edificio casi gemelo, del que, con la actual reforma, se descubre y pone en valor su patio interior”.

ARTISTAS ANTERIORES A GOYA (SIGLOS XV-XVIII)

Bajo este contexto los nuevos espacios del MICAZ se articulan ordenados cronológicamente desde la primera planta hasta la tercera. En primer lugar, el visitante se encontrará con una cuidada selección de la pintura y escultura de los siglos XV al XVIII. De este modo, se abre con no demasiadas obras del paso del siglo XV al siglo XVI, aunque de extraordinaria calidad formal, para ir creciendo en número en los siglos finales del XVII y XVIII. La influencia italiana y flamenca se convierten, a través de las 83 obras de esta muestra, en los vehículos que para llevar al visitante a Aragón y a las tierras de España el Renacimiento, que están tan soberanamente representadas por obras como La sagrada conversación, de un autor desconocido italiano y el San Jerónimo, de Metsys, que no se puede pasar por alto y que permiten asomar sus raíces en obras como El Salvador de Pedro Berruguete, El profeta Zacarías o el fragmento de La adoración de los pastores, de Francisco de Osona.

Por otro lado, de un ya maduro siglo XVI, se muestra un Cristo con la cruz a cuestas, cuya autoría se busca en la escuela valenciana o en las cercanías del Divino Morales. Se trata de una obra de extraordinaria belleza, así como el San Luís Beltrán, de Francisco de Ribalta. Más representativa en número es la colección en el siglo XVII, con obras tan importantes como Cristo Crucificado, de Zurbarán; el Arquímedes, de Ribera o el San Ramón Nonato, de Antonio del Castillo.




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Además, completan la visita dos pequeñas tallas, un Cristo atado a la columna, cercano a Juan de Anchieta, y un Cristo Resucitado, de Gregorio Fernández. La planta se cierra con obras del siglo XVIII, españolas, flamencas, francesas e italianas, entre las que hay que señalar a Luis Meléndez o los dibujos de Vicente López, que sitúan al público en los tiempos de Goya.

En esta planta, de la colección Ibercaja proceden, entre otras piezas, El Salvador, de Berruguete, y la Virgen con el niño y ángeles músicos, de Blasco de Grañén.

EL SALÓN DORADO

En la planta superior del patio, el visitante se encuentra con cinco esculturas de bronce y madera, del artista aragonés contemporáneo García Condoy, quien trata en estas piezas el desnudo femenino. Estas piezas dan paso a la estancia que ha recibido el nombre de Salón Dorado por su decoración, que ha sido escrupulosamente restaurado. Esta suntuosa habitación reúne 60 extraordinarias obras, que se convierten en nexo de encuentro de los aragoneses, Francisco de Goya (1746 –1828) y José Camón Aznar (1898-1979).

Por un lado, con ocasión de la Expo, se van a mostrar los goyas de la colección Ibercaja y de la Real Sociedad Económica de Amigos del País. De Ibercaja son: Autorretrato, Retrato de la Reina María Luisa de Parma con traje de Corte, Retrato de Don Félix de Azara y Perera, Retrato de Don José de Cistué y Coll, barón de la Menglana, Dos de Mayo en Madrid o Carga de los mamelucos en la Puerta del Sol; Baile de Máscaras, Danzantes enmascarados bajo un arco, San Joaquín, Santa Ana y la última adquisición, La Adoración del Nombre de Dios por los Ángeles, que es el boceto de los frescos que Goya realizó en 1772 para el Coreto de la Basílica del Pilar. De la Real Sociedad Económica Aragonesa de Amigos del País, se exhiben: Esopo, Menipo, Escena no identificada, Aparición de la Virgen a Santa Teresa, La Virgen impone el collar a Santa Teresa, en presencia de San José. El conjunto, con el retrato de Azara a la cabeza, sin duda aporta un gran valor añadido a la propuesta del Museo.

La sala reúne además la serie de grabados sobre otro gran artista, Velázquez y las obras de Meifrén y Lizcano sobre Zaragoza, así como el lienzo de González Velázquez sobre la construcción del Templo del Pilar, sirven al visitante para hacer de la ciudad esa tierra que convoca a los dos. Además, los grabados de las trece estampas sueltas en las que Goya copia otras tantas obras de Velázquez; más dos grabados sueltos, que representan a San Francisco de Paula y El agarrotado; dos de sus dibujos; y otros tantos que discípulos del maestro como es el caso de Alenza. En la pequeña estancia añadida al salón se han reunido distintos retratos de Camón Aznar, de su esposa y de su hija. La última estancia muestra importantes obras de autores contemporáneos a Goya, con los cuales él mantuvo una estrecha relación, incluso de parentesco. Tal fue el caso de los Bayeu. También están algunas otras obras de Corrado Giaquinto, González Velázquez o Mariano Salvador Maella.




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De estos últimos, tres maellas y tres bayeus proceden de los fondos de Ibercaja y se exponen conjuntamente por primera vez. Se trata de las piezas Inmaculada bajo el espíritu santo y rodeado de ángeles, Cristo crucificado en la agonía y San José con el niño Jesús, de Francisco Bayeu, y Aparición de Santiago Apóstol al Rey Ramiro I de Castilla en la Batalla de Clavijo, Aparición del Niño Jesús a San Antonio de Padua y Aparición del Ángel de la Eucaristía a San Pascual Bailón, de Salvador Maella.

FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES

Desde la galería de arquillos de la primera planta se accede a la segunda planta, dedicada exclusivamente a las cuatro series de grabados del genio aragonés (Caprichos, Tauromaquia, Disparates y Desastres de la Guerra). Ambientados sobradamente, el público puede contemplarlos juntos, enriquecidos con la serie de Los Toros de Burdeos, propiedad también de Ibercaja y aportados al renovado museo.

La propia ambientación ayuda a trasladarse a los momentos históricos tan dramáticos como los que vivió España y quedaron apresados para siempre en las series de los Caprichos, compuesta por 80 grabados. La serie se abre con su autorretrato y supuso para Goya la consagración como grabador. En Los Caprichos mezcla lo que podríamos llamar intelectual con lo popular, pues lo que hace Goya es plasmar su visión más crítica de la realidad. Los Desastres, compuesta por 82 grabados, es la serie que Goya realiza entre los años 1810-1814, coincidiendo con el desarrollo de la Guerra de la Independencia, de la que es casi una crónica gráfica. Sin embargo, Goya trasciende los propios acontecimientos y su aventura vital, para hacer un alegato contra toda guerra. En la Tauromaquia, el artista dedica sus 33 grabados al arte del toreo y los toros. Tras la guerra, el toreo experimentó un momento de auge que Goya aprovechó con el fin de poner a la venta esta serie.

Los Disparates, compuesta por 22 grabados, la empezó a realizar Goya en 1816, pero la debió dejar sin concluir debido a que hubo de exiliarse de España ante la llegada del Absolutismo, tras el Trienio Liberal. Los títulos que se conocen empiezan todos ellos con la palabra “disparate” y ponen de relieve la desconfianza que había desarrollado Goya ante el hombre. La noche, que es el momento en el que se producen, los reviste a todos ellos de un dramatismo y de un aire siniestro y tenebroso. Los Toros de Burdeos son el resultado del trabajo que Goya realizó en Burdeos, con la técnica, entonces casi desconocida, de la litografía, con la que llevó a cabo en 1825 una serie de cuatro escenas taurinas, que están consideradas entre las mejores de su género.

SIGLOS XIX-XX

Camino de la tercera planta se pueden contemplar nuevas obras de Honorio García Condoy, que sirven de presentación a las consecuencias de Goya, es decir, los siglos XIX y XX, que cuentan con una interesante representación de 84 piezas, situadas ya en la tercera planta.




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Las primeras obras son las de seguidores de Goya, como Eugenio Lucas, Lucas Villamil o Alenza, entre otros. Luego le sigue una interesante nómina de autores españoles, como Antonio Pérez Rubio, Ángel Lizcano, Eduardo Rosales, Antonio Muñoz Degrain, Cecilio Pla, Mariano Fortuny. No pequeña y menos interesante es la representación de autores franceses, como Miguel Ángel Houasse, Berthe Morrisot, Eugene Carriere o Auguste Renoir. Los momentos finales del siglo están representados por autores tan importantes como Joaquín Sorrolla, Federico de Madrazo, Francisco Domingo Marqués, Francisco Pradilla, Ricardo Villotas, Valentín de Zubiaurre, Juan de Echevarría o Ramón Casas.

De este modo, se pretende enlazar con la pintura impresionista, paisajistas y costumbristas del XIX. Para ir acabando el amplio recorrido, la instalación exhibe 34 piezas que representan al siglo XX. Las obras están articuladas en torno a dos ejes principales: la Escuela de Vallecas con Benjamín Palencia, Francisco Arias, Francisco San José o Alvaro Delgado; y los autores aragoneses y de Zaragoza, con García Condoy, Lahoz, Gonzalvo, Grau o Fortún; y la Escuela de Madrid con Francisco San José, Rafael Zabaleta o Joaquín Vaquero Palacios. Entre ambas escuelas se pueden encontrar maravillosas excepciones, como el dibujo de Salvador Dalí o los lienzos de Godofredo Ortega y de Cristino Vera, por poner un ejemplo, que sirven para cerrar esta planta.

El catedrático Camón Aznar tuvo un protagonismo indudable en las dos escuelas. Como también lo tuvo su colección de autores aragoneses del siglo XX, que cierra la exposición con una selección de 64 piezas, que responden a la línea de trabajo del museo de apoyar la carrera profesional de reconocidos artistas aragoneses pertenecientes a generaciones de posguerra. Además, en la planta baja se mantiene la sala de exposiciones temporales mejorada y ampliada. (Fuente: Ibercaja)




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Uso original: antiguo convento de jesuitas

Fecha construcción: s. XVIII

Uso actual: Museo Contemporáneo Hispano-Mexicano de Alagón

Dirección: Plaza San Antonio, 2

50630 Alagón

Tel: 976 611814


La Casa de Cultura de Alagón, en el antiguo colegio de la Compañía de Jesús, acoge una muestra de más de 100 piezas de artistas españoles y mexicanos, originada cuando a finales de 1989 el Ayuntamiento de la localidad entró en contacto con el pintor aragonés Luis Marín Bosqued, exiliado en México tras la Guerra Civil y hasta los años 70. El artista había manifestado en varias ocasiones la voluntad de que su obra permaneciera en su tierra natal y, al comprobar la idoneidad de las instalaciones de la Casa de Cultura, empezaron las conversaciones con el Consistorio alagonero para ceder parte de su producción, la cual está acompañada además por piezas de otros artistas mexicanos y españoles. (Fuente: Red Aragón)

Fondos:

De los fondos del museo puede destacarse a la acuarelista Alicia Leyva, el realismo naturalista de Raúl Anguiano, o a José Clemente Orozco, máximo exponente de la pintura mural mexicana junto a Rivera y Siqueiros. También están presentes las obras de Froylán Ojeda, Gustavo Alaniz Pastrana, Jorge Quiroz o Tosia Malomut, así como las de José Luis Marín de L’Hotellerie, hijo de Marín Bosqued.Entre los trabajos de artistas españoles hallamos los carboncillos de Santiago Pelegrín, nacido en Alagón y afincado en Madrid, o los óleos de Cecilio Almenara. También encontramos piezas del zaragozano Félix Adelantado y de creadores como José Luis Benlliure, Ramón Pontones y Francesc Camps-Ribera. Por si fuera poco, el museo conserva un interesante cuadro de Joaquín Sorolla titulado Desnudo ante el espejo, y el fresco que se halla en el hueco de las escaleras del edificio ha sido atribuido a Francisco de Goya. (Fuente. Red Aragón)




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Uso original: Palacio de los condes de Argillo

Fecha construcción: 1659 - 1661

Arquitectos: Juan de Mondragón y Felipe de Busiñac y Borbón

Uso actual: Museo Pablo Gargallo Fecha inauguración: julio 1985 Fecha rehabilitación: 2001

Dirección: Plaza San Felipe, 3

50003 Zaragoza

Tel/Fax: 976 724922 / 976 392076

Visita 3D


El nombre con que es conocido actualmente es el de sus propietarios en el siglo XIX, los condes de Argillo; siendo una valiosa muestra de la evolución de la arquitectura civil de Zaragoza en el s.XVII. Aunque fue construido en el siglo XVII presenta una clara pervivencia de elementos góticos y renacentistas. El Palacio de Argillo, muy remodelado, sólo conserva de su estructura original la fachada y el patio de forma cuadrada. En la fachada destacaremos su clara expresión barroca con escaso paramento, grandes huecos y un alero muy amplio con motivos vegetales.

El palacio lo hizo construir Francisco Sanz Cortés, los arquitectos fueron: Juan de Mondragón y Felipe de Busiñac y Borbón; y su construcción se prolongó entre los años 1659 y 1661. El palacio se hizo como ampliación de la casa que ya poseía en la parte posterior de este edificio, por lo que sólo consta de los elementos más representativos: fachada, patio, escalera y salón en planta noble. Fue declarado Monumento Nacional en 1943. Museo monográfico dedicado a la obra del escultor aragonés Pablo Gargallo (Maella, 1881- Reus, 1934).




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Su construcción fue posible gracias a un acuerdo de colaboración entre la hija del escultor, quién donó la obra expuesta, y el Ayuntamiento, que asumió la rehabilitación de la casa-palacio de Argillo, edificio del siglo XVII que acoje la obra de este genial artista. Contiene esculturas en bronce y otros materiales, dibujos, grabados y varias plantillas de cartón para formar algunas de sus esculturas, así como el Fondo de Documentación relativo al propio artista y a la escultura contemporánea. Dispone también de una sala de exposiciones temporales y de un centro de documentación sobre arte contemporáneo. (Fuente: InfoZaragoza)

Fondos:

Desde su inauguración en julio de 1985, las colecciones del Museo Pablo Gargallo han crecido de manera pausada pero ininterrumpida, gracias sobre todo a las sucesivas donaciones de Pierrette Gargallo de Anguera, que siguen ampliando la inicial donación Anguera-Gargallo, aunque también merced a las adquisiciones a terceros del Ayuntamiento de Zaragoza e incluso a la generosidad de dos particulares. Como ya publicamos en su momento, durante los dos primeros años de existencia del Museo el Ayuntamiento de Zaragoza adquirió cinco nuevas esculturas de Gargallo (El amor, ca. 1906, Retrato de la señora Grant, 1913, Caballo I, Caballo II y Caballo III, todas de 1927-28) y sufragó los costes de fundición de otras tres (los dos grupos ecuestres monumentales que forman Saludo olímpico -El atleta clásico y El atleta moderno-, 1929, y el relieve Los humildes, 1904), cuyos derechos de autor habían sido previamente donados por Pierrette Gargallo. Al mismo tiempo, Joaquín Ventulà Roure, pariente de Gargallo, donó la escultura Virgen, ca. 1894, quizá la primera obra modelada por el artista, y la propia Pierrette aumentó sus donaciones con las cuatro planchas originales, y una estampación en papel de tres de ellas, de las cuatro únicas puntas secas realizadas por su padre (Autorretrato, Cabeza de arlequín, Desnudo femenino (Bañista) y Bailarina, todas fechadas en 1928), así como con tres dibujos más (Apunte para San Martín compartiendo su capa con los pobres, Apunte para San Jorge y Figura de espalda, los tres datados ca. 1910), que inicialmente había dejado en depósito poco antes de la inauguración del Museo, todo lo cual supuso la entrada definitiva de un total de 19 obras nuevas, que no sólo incrementaban de manera notable las colecciones fundacionales, sino que además contribuían de modo decisivo al desarrollo paulatino del plan inicial de completar y mejorar progresivamente la representación de los distintos periodos, técnicas, tendencias y temáticas del trabajo de Gargallo.

Este primer impulso, que venía a reforzar la extraordinaria ampliación experimentada por las colecciones durante el proceso de creación y puesta en marcha del Museo, tuvo su continuidad en años sucesivos, de manera más lenta pero muy selectiva y exigente, lo que permitió la incorporación de obras de extraordinaria calidad y muy alta significación en el conjunto de la biografía creativa del artista. Desde 1988 hasta 1993 ingresaron en el Museo las esculturas Boceto de desnudo acostado, 1933, y Muchacho en la playa, 1934 (la primera fruto de una nueva donación Anguera-Gargallo y la segunda -única terracota con que contamos hasta la fecha- adquirida a un coleccionista particular por el Ayuntamiento de Zaragoza), y los dibujos Estudio para Muchacho en la playa, I, Estudio para Muchacho en la playa, II y Estudio para Muchacho en la playa, III, todos de 1933 y donados por Pierrette Gargallo para complementar la escultura homónima.




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Entre 1994 y 2001 las colecciones del Museo recibieron la joya Anillo, 1916 (pieza en oro y piedra verde donada por los señores Dargallo, primeros particulares no vinculados familiarmente con el artista que actuaban como benefactores del Museo Pablo Gargallo) y cinco nuevas donaciones de Pierrette Gargallo: la joya Colgante, 1915, las esculturas Desnudo femenino en pie, 1916, Galgo, 1921, y Ángel rezando, 1910-11, y el dibujo Retrato de Joan Canellas, ca. 1896-97. Por su parte, el Ayuntamiento de Zaragoza aportó, después de adquirirlo a un particular, el extraordinario dibujo Mujer secándose, tinta y acuarela de ca. 1909 que representa de modo excepcional uno de los momentos más significativos de la obra de Gargallo como dibujante. Como fácilmente puede imaginarse, en un proyecto de este tipo, planteado y desarrollado con todo entusiasmo y, si cabe, mayor rigor, las improvisaciones quedan excluidas de antemano, lógicamente en beneficio e interés de los resultados que se pretende conseguir. Por ello, las colecciones del Museo Pablo Gargallo están formadas con la evidente intencionalidad de reunir, hasta donde sea posible, un conjunto verdaderamente representativo de la producción del artista, de modo que tanto la selección de las obras incluidas en el Contrato fundacional y en el subsiguiente incremento de las previsiones contenidas en el mismo como todas las adquisiciones posteriores, por unos u otros procedimientos, se han realizado con esa misma finalidad, eligiendo en ocasiones determinadas obras que permitían incluir o mejorar un aspecto o periodo de la trayectoria de Gargallo, y prescindiendo momentáneamente (nunca, por supuesto, de modo definitivo, sino sólo obligados por las limitaciones de esa circunstancia concreta) de otras menos necesarias en el proyecto de completar, diversificar y categorizar el conjunto.

De acuerdo con esos planteamientos, las colecciones cuentan con piezas pertenecientes a todas las épocas y todas las tendencias de la producción de Gargallo, estando también representadas casi todas las temáticas que fueron objeto de sus trabajos y la mayor parte de los materiales y técnicas que utilizó para la ejecución de los mismos.

A diferencia de lo que ocurre con los dibujos, según veremos más adelante, el Museo Pablo Gargallo sólo cuenta con una escultura de los años de formación del artista, la escayola Virgen, ca. 1894, aunque la representación es mucho más extensa y completa cuando se trata del periodo en que inicia y consolida su independencia profesional, desde 1904 hasta 1910-11, al que pertenecen La Bestia del Hombre, Los humildes, y La pareja, todas de 1904, El amor, ca. 1906, Enrique Borrás, 1906 (modelo para medalla, única muestra de esta especialidad en las colecciones del Museo), Retrato de la señorita Sureda, ca. 1907, piezas que ofrecen características naturalistas y expresionistas (en línea con las corrientes de exaltación del realismo social que despuntaban en la Europa del momento), pero también simbolistas y modernistas, por utilizar adjetivos de identificación aproximada. A esta fugaz etapa de transición, influida por algunos autores del centro y norte de Europa, le siguió un corto pero apasionante periodo de búsqueda y afianzamiento de una personalidad creativa que muy pronto se revelaría extraordinariamente singular, con esculturas tan excelentes, depuradas y sintéticas como Pequeña voluptuosidad arrodillada, 1907, su ampliación parcial Cabeza inclinada de mujer, 1908, y la sugerente Pequeña faunesa de pie, 1908, que señalan ya el claro dominio de unos recursos expresivos propios y diferenciados.




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El definitivo impulso de las crecientes inquietudes innovadoras de Gargallo se produce a partir de 1910-11 con el comienzo de la primera época del cobre, que se prolongará hasta 1920-21 y está caracterizada por la ejecución de máscaras y cabezas en chapa metálica -especialmente cobre, aunque también hierro-, cuya estructura es siempre convexa y de las que son inmejorables ejemplos La risa y la serie de Faunos y Faunesas, todas de ca. 1915. Pero al tiempo que construye sus excepcionales obras en chapa metálica, no abandona la otra tendencia de su trabajo, de manera que, a partir de una talla en piedra y bulto redondo del mismo año, ejecuta la Máscara de Picasso, 1913, modelada para fundir bronces, camino que seguirá también con el Retrato de la señora Grant, 1913, sin duda influido por las máscaras en chapa, como se demuestra con la incorporación al mismo de ciertos recursos expresivos y significantes (vaciado de ojos y boca, caligrafía de las pestañas) propios de éstas. Aunque existían algunos antecedentes, durante 1915 y 1916 desarrolla su interesante faceta de orfebre -realizando alfileres, broches, colgantes, anillos en plata, oro, hierro-, disciplina representada en el Museo con las piezas Colgante, 1915, y Anillo, 1916, y se consolida como repujador de pequeños bajorrelieves -en placa de latón, hierro y cobre- tan excelentes como Mujer peinándose, ca. 1916, Caín, Desnudo femenino en pie, Mujer tumbada sobre la mies, Pequeña maternidad y Retrato de Magali, todos de 1916, en los que aparecen sus temas preferidos y las características formales que identifican obras anteriores, cuando no anuncian los rasgos definitorios de próximas realizaciones. Siguiendo una línea que mantuvo a lo largo de toda su trayectoria, no deja de cultivar la faceta clasicista de su escultura, depurando y esencializando un lenguaje tan moderno como personal, con el que logra insuperables y emocionantes ejemplos de representación de la figura humana, de lo que puede ser buena muestra el vigoroso Pastor, 1917-18.

Antes de concluir la primera época del cobre, a partir de 1920 y hasta 1923 Gargallo desarrolla el fundamental intermedio del plomo, que dará lugar, con esculturas construidas en chapa de plomo, caso del Retrato de Ángel [Fernández] de Soto, 1920, la Joven española y el Galgo, ambas de 1921, pero también modeladas para fundir bronces -entre otras, la Maternidad de 1922-, al decisivo modelado o construcción en negativo, mediante el cual suprime buena parte de las masas volumétricas (según puede comprobarse en obras tan decisivas como Mujer sentada, 1922, y Mujer acostada, 1923) utilizando el hueco y la reflexión de la luz para inducir la recreación visual de las mismas, técnica cuyo posterior desarrollo dará lugar a la revolucionaria incorporación del vacío total como elemento escultórico.

A partir de 1924, Gargallo se instalará definitivamente en París, donde había residido entre 1912 y 1915 y donde transcurrirán los últimos diez años de su vida. En el periodo de transición entre Barcelona y París comienza la segunda época del cobre y avanza en la otra tendencia de su trabajo escultórico, la representación clasicista y rigurosamente moderna de la figura humana, motivo fundamental en el conjunto de su obra, con independencia de los materiales y lenguajes utilizados en las distintas épocas.




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En estos años de consolidación formal talla en piedra el excepcional Torso de gitanillo, 1923 (luego modificado para fundir bronces), y modela sus dos Bañista (cabeza baja y cabeza levantada), y la casi exótica Esclava, todas ellas de 1924, al tiempo que realiza los retratos de tres de sus mejores amigos -Retrato del doctor Reventós y Retrato de Maurice Raynal, ambos de 1923, y Retrato del pintor Xavier Nogués, 1924-, que son inmejorables ejemplos de esta poco frecuente faceta de su obra.

La segunda época del cobre, iniciada en 1923-24, se caracteriza por la utilización habitual de plantillas de cartón recortado (que Gargallo emplea como patrones para diseñar, trazar y recortar las piezas con que luego construirá las esculturas en chapa metálica), por la aparición de figuras de cuerpo entero, progresivamente de mayor tamaño y complejidad (es decir, más esenciales y sintéticas) y por la modificación estructural de todas las esculturas, que pasan a ser cóncavas, cambio especialmente significativo en el caso de las cabezas y las máscaras -construidas ahora con mucho más hueco que materia y generando volúmenes con los fragmentarios límites del vacío-, entre las que sólo existe una excepción, la melancólica y misteriosa Pequeña máscara de Pierrot, 1927, que sigue siendo convexa. El uso de las plantillas de cartón le permite realizar varias versiones (todas distintas -porque presentan diferencias de diversa naturaleza- y todas piezas únicas) de algunas esculturas tan significativas como Romántica, 1929. Si con las sugerentes Aguadoras, 1925, y El joven de la margarita y la Maternidad de 1927 mantiene Gargallo en esta época una dedicación casi testimonial a la tendencia clasicista de su trabajo, con la exquisita Kiki de Montparnasse, 1928, ensaya la utilización de otros materiales y procedimientos para sus cada día más sorprendentes y eficaces avances en el uso del vacío y las sinécdoques visuales, trasladando, por primera y única vez, a una máscara modelada y fundida en bronce los recursos formales y el revolucionario lenguaje constructivo -elisión fragmentada- de sus máscaras en chapa metálica.

En el último tramo de la segunda época del cobre Pablo recibirá desde Barcelona sendos encargos de obras monumentales: tres para la plaza de Cataluña (El pastor de la flauta y La vendimiadora, ambas de 1928, en piedra -de cuyas maquetas previas, datadas en 1927, existe ejemplar en bronce en el Museo- y El pastor del águila, 1928, en bronce, cuyo segundo ejemplar pertenece también al Museo, aunque está instalado al aire libre en la calle Alfonso I, esquina calle Candalija); y cuatro para el estadio olímpico de Montjuich (los dos jinetes en bronce que forman el Saludo olímpico: El atleta clásico y El atleta moderno, 1929 -cuyos segundos ejemplares están instalados ante la fachada del Museo, que también cuenta con la maqueta de la montura, Caballito, 1927-28, y el Torso de jinete, 1928-29, del atleta moderno-, y las dos bigas en piedra artificial -Auriga femenino y Auriga masculino- de las que las maquetas en escayola de tres de sus caballos, y los bronces de cada una de ellas -Caballo, I, II y III, 1927-28-, forman parte de las colecciones del Museo, que así muestra una interesante representación de los trabajos monumentales de Gargallo.




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A partir de 1929, sin abandonar la realización de esculturas en bronce y en chapa de cobre y dedicando más atención al carácter y la entidad de sus dibujos, Gargallo inicia la época del hierro, que se prolongará hasta 1934 y a lo largo de la cual no sólo modelará un importantísimo conjunto de esculturas de carácter clasicista, cada vez más depuradas en su rigurosa y compleja sencillez, como bien demuestran la Pequeña maternidad, 1931, Baño de sol, 1932, Eco, 1933, Academia, 1933-34, Torso de adolescente, 1933-34, Muchacho en la playa, 1934, Mujer del espejo, 1934, sino que también ejecutará, con ayuda de las plantillas de cartón que venía utilizando, sus principales obras en chapa y plancha de hierro, realizadas con una extraordinaria economía de medios expresivos y un uso certero del vacio, las líneas de fuerza y los elementos fragmentarios, como se demuestra en la sólida pero casi transparente cabeza del Hommage a Chagall, 1933, y el ligero cuanto esquemático David, 1934, lo que también sucede con los bronces de Pequeña bacante con hoja, 1932, Gran profeta, 1933, y Urano, 1933, que son cifra y resumen de la mayor parte de sus inquietudes y sus logros artísticos, incluida la definitiva consolidación del vacío como fundamental elemento compositivo, estructural y volumétrico.

En cuanto a los cartones (nunca expuestos antes de formar parte de las colecciones del Museo, cuyo papel ha sido decisivo en el proceso de reconocimiento del gran interés conceptual y artístico de estas singulares herramientas de trabajo, que además de su trascendente significado procesual reúnen y atesoran extraordinarios valores didácticos), la representación se limita, puesto que comenzó a usarlos en la segunda mitad de los años veinte, a los dos últimos lustros de su vida, por lo que incluye piezas pertenecientes a la segunda época del cobre y a la época del hierro, abarcando toda la gama de posibilidades: los conjuntos aparentemente más simples y fieles al resultado final -Buey, Gallo, Insignificante, los tres de 1930-, la complejidad de los detalles reiterados -Bailarina, 1930-, los ejemplos vinculados a obras que cuentan con más de una versión, concluida o no -Pequeña bailarina española, 1927, Gran bailarina, 1929, Pequeña bacante reclinada, 1929, Greta Garbo con sombrero, 1931-, y los cartones correspondientes a esculturas hoy no localizadas y a otras que nunca llegó a realizar -Violonchelista, 1931, Gran violonchelista, ca. 1933-, que son, además, representación óptima de los proyectos de ampliación, a veces materializados -Pequeño arlequín con flauta y Gran arlequín, ambos de 1931- y a veces no, de obras anteriores.

El desarrollo y la evolución de la obra dibujada de Gargallo pueden seguirse perfectamente a través de la colección de dibujos que conserva el Museo, comenzando desde los primeros momentos de su formación, es decir, cuando todavía adolescente y alumno de la Lonja ejercitaba sus precoces capacidades realizando academias tan destacables como Venus y El niño del cordero, datadas ca. 1896. A lo largo del último lustro de ese siglo Pablo dibujará de modo cotidiano, tomando apuntes del natural, muchas veces en la calle y otros espacios públicos, generalmente al carbón y en ocasiones con apoyo del pastel, de lo que son buen ejemplo Personajes hablando, uno se aleja, ca. 1896, Viejecita con paraguas, ca. 1896, y El palco, ca. 1898.




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Al propio tiempo está ensayando su faceta de retratista, consigo mismo y con personas de su entorno, en obras como Retrato de Joan Canellas, ca. 1896-97, Ramonet visto por debajo, ca. 1897, y Retrato de Ceferino Pallás, ca. 1898, si bien otras veces ignoramos la identidad concreta de la persona retratada, según sucede con Cabeza de mujer, ca. 1897, Cara de joven, con bigote, ca. 1898, Jovencita con lazo, ca. 1898, y Retrato de joven, con gafas, ca. 1900. Con el inicio del nuevo siglo y de la consolidación de las cualidades profesionales de Gargallo, se reduce el número de sus dibujos (al menos de los conservados), que denotan una mayor complejidad y riqueza, caso del pictórico carbón y pastel En Nogueras, 1900, o de su Autorretrato con pipa, 1901, mientras se sirve con mayor frecuencia de la acuarela y la tinta, que utilizará con pincel pero sobre todo mediante pluma, como en la muy moderna imagen acuarelada del Desnudo de muchacha rubia, 1900.

El primer viaje a París en 1903 supondrá para Pablo el descubrimiento de un nuevo mundo de posibilidades, en el que jugarán un notable papel las relativas influencias de ciertos autores del centro y el norte de Europa, según puede apreciarse en algunos dibujos del momento, como los cuatro Estudio para El Juicio Final, 1903, y Cabeza de mujer, ca. 1904. Durante la primera década del siglo lo más destacable será un reducido conjunto de tintas, por lo general con acuarela y gouache, dedicadas sobre todo a representar desnudos femeninos de excepcional belleza, datables de 1909, grupo al que pertenece Mujer secándose, ca. 1909. Desde 1910 hasta mitad de los años veinte la producción de dibujos disminuye de nuevo, quizá porque está más dedicado al trabajo escultórico, de tal modo que buena parte de los conservados, como Mujer con cántaro, 1920, y Atleta, 1926, tienen relación con esculturas realizadas años después. A partir de este momento se incrementa el número de los dibujos y su autonomía, si bien el tema de algunas piezas es muy habitual y reiterado en este periodo, caso de la Bailarina, 1930. Entre los más notables dibujos fechados en los años treinta, sobresalen las cuatro versiones de Caballos, 1930, y varios pasteles de cualidades muy pictóricas, como las Bañistas, 1932, motivo también frecuente desde mitad de la década anterior. El resto de los dibujos son estudios o apuntes previos para esculturas y permiten acercarse al modo que tenía Pablo de representar sobre el papel sus obras en tres dimensiones, de manera que tanto los dos Apunte para Academia como los tres Estudio para Muchacho en la playa y el Boceto para Eco, II, todos de 1933, completan una visión extensa y representativa de la producción de Gargallo en su faceta de dibujante, cuyo conocimiento es imprescindible para comprender y valorar la totalidad de su obra.

Por lo referido a la escasa incidencia de la producción de Gargallo en el campo del grabado, el Museo conserva y expone las planchas originales (y un ejemplar de la edición de tres de ellas) de cuatro puntas secas -Autorretrato, Bailarina, Cabeza de arlequín, Desnudo femenino (Bañista), todas de 1928-, única obra grabada que debió realizar y en la que se manifiesta fiel a sus concepciones formales e intereses temáticos. (Fuente: Ayuntamiento de Zaragoza)




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ASTURIAS




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Uso original: palacio

Uso actual: Centro Cultural Cajastur Palacio Revillagigedo

Fecha inauguración: agosto 1991

Dirección: Plaza del Marqués, 2

33201 Gijón

Tel/Fax: 985 346921 / 985 358123


Ubicado en un edificio histórico emblemático para la ciudad de Gijón, se inauguró en agosto de 1991 el Centro Cultural Cajastur Palacio Revillagigedo, tras una importante restauración y adecuación de sus instalaciones, convirtiéndose en uno de los más prestigiosos espacios dedicados a las exposiciones temporales en nuestro país.

Con clara vocación de difundir y confrontar las distintas expresiones del arte y la cultura contemporánea, se han dado cita en las salas del Palacio Revillagigedo desde las oportunas revisiones del panorama plástico asturiano hasta el análisis de las últimas tendencias de la creación internacional, perfilando su carácter de gran centro de arte a nivel nacional. El centro cuenta con un permanente programa de actividades: exposiciones temporales, conferencias, cursos, proyecciones, actividades escénicas y musicales, etc. La labor museográfica de difusión que se lleva a cabo en el centro se apoya en un servicio de visitas guiadas y talleres didácticos, de gran interés educativo, tanto de cara a la comunidad escolar de la región -principales usuarios del servicio-, como para cualquier colectivo interesado en recibir una información adicional adaptada a sus conocimientos. El objetivo fundamental es crear un público motivado y sensible, con capacidad de disfrute de los recursos naturales. (Fuente: CajAstur)




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Uso original: Antigua casona de los Estrada-Nora

Fecha construcción: fines s. XVIII

Uso actual: Centro de Escultura de Candás. Museo Antón

Fecha inauguración: 13 julio 1989


Arquitecto: Manuel de Vicente Díaz

Dirección: Plaza del Cueto, s/n

33430 Candás - Carreño

Tel/Fax: 98 5871800 / 98 5871901



El Centro de Escultura de Candás, Museo Antón, como su propio nombre anuncia, se dedica a la figura del escultor Antonio Rodríguez García "Antón" (Candás, 1911-Murias de Candamo, 1937) así como a la escultura en todas sus manifestaciones. Está ubicado en una casa del siglo XVIII, rodeada de un amplio jardín en el que se han instalado esculturas al aire libre. Los herederos del escultor donaron al Ayuntamiento no sólo esculturas sino también pinturas, dibujos, útiles de trabajo y documentos que se muestran de forma rotativa. (Fuente: Servicios, el comercio digital)

Fondos:

Los herederos del escultor donaron al ayuntamiento no sólo esculturas sino también pinturas, dibujos, útiles de trabajo y toda clase de documentos del gran artista candasín.

La primera planta, una sala en forma de U, clara y luminosa, se dedica a la exposición permanente de la obra de Antón. En la planta baja se celebran exposiciones temporales de arte contemporáneo.




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Cuenta también con una biblioteca especializada y un centro de documentación sobre artistas asturianos. Ha editado en estos años 16 publicaciones de diverso contenido. En su afán de ser un centro-motor del arte en Asturias, convoca anualmente dos becas, llamadas "Becas Antón", con la intención de apoyar, estimular y fomentar la creación y la investigación entorno a la escultura. (Fuente: Aulactiva)




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Uso original: orfanato minero

Fecha construcción: 1949 - 1955

Arquitecto: Luis Moya

Uso actual: Laboral, Centro de Arte y Creación Industrial

Fecha inauguración: 30 marzo 2007

Arquitecto: Andrés Diego Llaca

Dirección: Los Prados, 121

33394 Gijón

Tel: 985 185577 Web: http://www.laboralcentrodearte.org

Laboral, Centro de Arte y Creación Industrial en FACEBOOK


El proyecto de Luis Moya, destinado en su origen a acoger un orfelinato minero, fue modificado y ampliado durante el proceso de edificación del enorme complejo cuando se decidió cambiar su uso al de Universidad Laboral. A esta ampliación corresponde la construcción, en el ángulo nordeste del complejo y fuera del rectángulo central, de seis naves destinadas en su origen a talleres de formación profesional, aunque nunca llegarían a ser utilizadas como tal.

En la concepción de estos espacios Moya confesó haberse inspirado en las termas de Caracalla de Roma y diseñó unas bóvedas de hormigón atirantadas, en pendiente descendiente norte-sur, de modo que cada tramo permitía intercalar un ventanal orientado al norte para lograr una buena iluminación natural.




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El módulo base, una bóveda de 19,20 metros de luz y 9,60 metros de largo, se repite indefinidamente, tapizando con el mismo sistema constructivo una extensa superficie de lo que fue la ladera de una colina del valle de Somió. A pesar de la rigidez de la trama, la adaptación de la edificación a la topografía da como resultado una gran variedad tipológica, con naves espacialmente diferentes, encontrándose, en ocasiones, sorprendentes soluciones estructurales.

Las situadas en el extremo nordeste de los talleres y el viejo frontón han sido elegidas para dar cabida al proyecto de LABoral Centro de Arte y Creación Industrial.

El arquitecto asturiano Andrés Diego Llaca, autor del proyecto de adaptación, optó por completar las edificaciones primitivas con una construcción que tiene referencias volumétricas con el proyecto original inacabado. Este nuevo recinto constituye el vestíbulo principal de entrada al Centro. Con dos niveles, relacionados entre sí por un gran vacío y conectados por una escalera y una rampa, proporciona una fácil comunicación entre el nivel de acceso exterior y el de las amplias zonas expositivas del centro, situadas a una cota más baja. En él se situarán las taquillas, el guardarropa y la tienda.

Como es lógico los espacios destinados a exposiciones tienen gran protagonismo. Se destinan 4.094 metros cuadrados a este fin, distribuidos en seis salas, dos de ellas dimensiones superiores a los 1.000 metros cuadrados. Casi 700 metros cuadrados del complejo albergarán talleres y laboratorios, porque LABoral es un centro para la exposición, pero también para la investigación, la producción, la formación y la aplicación en los ámbitos de las artes visuales y de la creación industrial.

La nave situada en el extremo norte de la Universidad Laboral, utilizada hasta hace poco como taller de calderería, será el LABcafé, un gran espacio de 1.113 metros cuadrados de superficie. Ha sido concebido como un espacio multiuso que puede funcionar con horario independiente como café-restaurante, espacio para performances, música electrónica en directo o instalaciones y proyecciones de artistas audiovisuales. Precisamente, con la intención de favorecer la flexibilidad de su uso, se han dispuesto dos accesos: uno desde el Centro de Arte y otro desde el exterior. (Fuente: Laboral, Centro de Arte y Creación Industrial)

Objetivos:

LABoral Centro de Arte y Creación Industrial es un centro expositivo específicamente dedicado al arte, la ciencia, la tecnología y las industrias visuales avanzadas. Pero, además, es un lugar para la investigación, formación y producción artística y técnica y para la proyección de las nuevas formas de arte y creación industrial. Para llevar a cabo esos fines, LABoral se configura como un espacio de intercambio artístico con disciplinas diversas, un centro multidisciplinar e interdisciplinar y un entorno dinámico entre creador / obra / investigador / docente / audiencias.

Orgánicamente, el centro depende de una Fundación cultural sin ánimo de lucro, integrada por empresas e instituciones, y constituida expresamente para hacer posible intelectual y financieramente esta institución.




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El proyecto ha sido auspiciado por el Gobierno del Principado de Asturias, impulsor de la rehabilitación de parte de las naves destinadas originariamente a talleres de la antigua Universidad Laboral de Gijón. La adecuación de estos 14.338 m² de espacio útil con que cuenta el centro ha supuesto una inversión superior a los 11 millones de euros.

La tradición industrial asturiana y la vocación de universalidad de sus gentes hacen de Asturias un lugar ideal para este singular espacio de intercambio artístico que en su actuación se propone fortalecer una alianza entre el arte, la industria y el desarrollo económico.

LABoral se propone...

Ser un centro de referencia internacional en el arte, ciencia y nuevas tecnologías mediante el impulso de producciones altamente cualificadas.

Auspiciar un diálogo internacional entre creadores, científicos y técnicos de orígenes diversos. Descubrir nuevos valores artísticos y de creatividad industrial, con especial incidencia en la emergencia y la experimentación. Fomentar la interacción con amplias audiencias y el conocimiento y apreciación de las nuevas corrientes artísticas, científicas y técnicas.

Proyectar la creación artística industrial asturiana y promover su conocimiento y apreciación en los circuitos internacionales del arte, contribuyendo a la creación de una imagen puntera y de innovación para Asturias. Para lograr esos objetivos, los contenidos, programas y actuaciones de LABoral Centro de Arte y Creación Industrial giran en torno a cinco ejes estratégicos: exposición y difusión, investigación, formación, producción y otras programaciones.

LABoral es un lugar de interacción, de diálogo y de proyección del arte y la creación industrial en el sentido más amplio. No se trata de un museo al uso, ni se limita a ser un espacio expositivo o de divulgación de nuevas tendencias. En este recinto se abre cauce a la producción, creación e investigación, a través de cursos y talleres, de los más recientes conceptos artísticos, pero también a todo lo que engloba ese nuevo término, la creación industrial, que en realidad no es ni más ni menos que convertir la creatividad en un bien cultural impulsor del crecimiento económico.

Nace con la vocación de descubrir nuevos valores artísticos y de creatividad industrial, de promover la interacción con amplias audiencias y de generar un entorno dinámico entre creador / obra / investigador / arte / ciencia / nuevas tecnologías.

Además, en su voluntad de contribuir a la creación de una imagen puntera y de innovación para el Principado de Asturias, busca fomentar el conocimiento y apreciación de las nuevas corrientes artísticas, científicas y técnicas entre la población asturiana. Al tiempo, pretende proyectar la creación artística industrial asturiana y promover su conocimiento y apreciación en los circuitos internacionales del arte.




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Para ello, LABoral Centro de Arte y Creación Industrial creará equipos multidisciplinares, que trabajarán con una visión plural y mantendrán una comunicación activa y fluida con el entorno.

En su visión de lo que debe ser un centro de arte de estas características considera la formación y perfeccionamiento como una herramienta al servicio de los ciudadanos y de la comunidad creativa y prestará un apoyo decidido a la investigación, docencia y producción. La apertura hacia nuevas propuestas, la diversidad en la calidad, la proximidad e implicación con el entorno y la vocación de servicio a la comunidad asturiana a través de todos los medios al alcance serán sus guías en la búsqueda de esos objetivos. (Fuente: Laboral, Centro de Arte y Creación Industrial)




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Uso original: casa-palacio de los Jove-Huergo y capilla anexa


Fotografías: Museo Barjola

Uso actual: Museo Barjola


Dirección: C/ Trinidad, 17

33201 Gijón

Tel/Fax: 985 357939 / 985 176231

Web: http://www.museobarjola.es



El museo se ubica en un edificio histórico situado en el casco antiguo de la ciudad conocido como el Conjunto de la Trinidad y que da nombre a la calle, se compone del Palacio de Jove-Huergo y su capilla anexa acabado de construir en 1676, como consta en la inscripción fundacional colocada en un lateral de la capilla, y que constituye uno de los mejores exponentes de arquitectura barroca local.

Este conjunto propiedad de Cajastur fue cedido al Gobierno del Principado de Asturias como sede del museo. El palacio lo constituyen dos edificios yuxtapuestos de planta rectangular divididos en tres plantas. En ambos cuerpos hay una simétrica distribución de huecos y los pisos se separan por una línea de impostas. Un escudo con las armas de Hevia, Miranda y Lavandera, situado en el eje central del edificio es el único elemento decorativo de la fachada. Frente a la sobriedad del palacio destaca la capilla adosada la izquierda de este, con planta de nave única, dividida en dos tramos.




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La fachada soporta una monumental portada barroca, estructurada por un hueco adintelado recorrido por pilastras molduradas. Sobre el dintel un panel alberga el escudo de los Jove y se corona por un frontón semicircular con luneto que ilumina el coro. La fachada finaliza con una graciosa espadaña rematada por un frontón curvo. Tanto el frente del palacio como la capilla son de buena sillería.

El interior de la nave se cubre con bóveda de arista, y el presbiterio con cúpula sobre pechinas decoradas con las figuras de los cuatro evangelistas. A ambos lados del presbiterio hay dos hornacinas de piedra rematadas con frontón partido.

La Capilla de la Trinidad fue restaurada en 1963, y en 1989 todo el conjunto se rehabilitó como Museo de Pintura Barjola, según proyecto de los arquitectos José Antonio Galea Fernández y Álvaro Llano.

Esta rehabilitación, conservó la fachada delantera y los elementos constructivos de la capilla, reconstruyéndose el interior del palacio atendiendo a necesidades museográficas que generaron espacios luminosos, diáfanos, interrelacionados entre si y articulados torno a un gran patio central a modo de vestíbulo desde donde se accede a la capilla, a las tres plantas superiores, a la hemeroteca y a las zonas de almacenaje y oficinas. Ese espacio está rematado por un lucernario que, junto con los ventanales de la fachada, dotan de luminosidad al conjunto.

El espacio rehabilitado dejó aproximadamente 1.500 m² de superficie expositiva. A estos efectos la Capilla de la Trinidad es el lugar tradicionalmente dedicado a las exposiciones temporales mientras que el resto de las plantas y huecos del museo albergan la colección permanente de obra de Juan Barjola. En los últimos años la especialización de las exposiciones temporales del museo en escultura e instalaciones se ha ido abriendo a nuevas formas artísticas —pintura, fotografía, obra gráfica—, por lo que varias veces al año se descuelga parte de la colección permanente para albergar estas muestras que no tienen cabida en el peculiar espacio que la capilla propone.

El Museo Barjola está financiado y dirigido por el Gobierno del Principado de Asturias, a través de la Consejería de Cultura y Turismo. (Fuente: Museo Barjola)




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Fondos:

El 9 de marzo de 1985 Juan Galea Barjola y su esposa Honesta Fernández Calzón formalizan una generosa donación al Gobierno del Principado de Asturias.

Como motivación Juan Barjola destaca: el hecho de estar casado con una asturiana, de la que en todo momento y durante su ya dilatada vida matrimonial recibió ayuda, comprensión y estímulo para la realización de su obra, y el conocimiento de la preocupación e inquietudes culturales por parte de las instituciones asturianas, todo lo cual determina la voluntad del artista para efectuar la donación.

Esta se materializa en seis obras con destino al Museo de Bellas Artes de Asturias y en más de un centenar de obras para formar la colección permanente del Museo Barjola, con la condición de disponer de una sede que permita su exhibición inseparable en el edificio que a tal efecto se procure y habilite.

También se precisa que esta donación se entienda como mínima, por lo que en años posteriores, concretamente en 1992, 1993 y 1994 Juan Barjola volvió a depositar obras en el museo, actualizando y completando la colección del centro. La mayor parte de las obras son oleos sobre lienzo, pero también se incluye obra gráfica (aguafuertes), y dibujo (tintas chinas).

Estas obras nos acercan al universo de Juan Barjola, que es denso, dramático y comprometido, crónica existencial y desgarrada de la realidad y de la humanidad.

Permiten observar la temática recurrente del pintor que se puede agrupar en diversas series: suburbios, multitudes, niños, maternidades, violencia y guerra, erotismo, perros, mujeres, retratos apócrifos, prostíbulos, tauromaquias, camerinos, mundo onírico o crucifixiones, temas propios del mundo barjoliano presentes a lo largo de toda la obra de Barjola.

De este modo Asturias posee la más importante colección pública de obras del pintor extremeño, maestro indiscutible del expresionismo figurativo del pasado siglo en España, pero también, y mediante esta donación, en Asturias se genera un museo que complementa la exhibición de esta espléndida colección permanente con la de muestras temporales de arte contemporáneo y la celebración de actos culturales diversos. (Fuente: Museo Barjola)




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Uso original: casa natal de don Gaspar Melchor de Jovellanos

Fecha construcción: fines s. XV – s. XVI

Arquitecto: Gregorio García de Jove “el Viejo”

Fotografía: Litografía de la Guía ilustrada de la villa y puerto de Gijón, 1885.

Uso actual: Museo Casa Natal de Jovellanos


Dirección: Plaza Jovellanos, 2

33201 Gijón

Tel: 985 346313

Web: http://www.jovellanos.net



Formalmente, el palacio de Gregorio García de Jove se corresponde con el modelo tradicional del alcázar medieval, vigente en Asturias desde principios del siglo XVI hasta comienzos del siglo XVIII: un edificio con dos torres cuadradas en el frente unidas por un bloque-vivienda cuyo patio interior sirve de distribución y zona de acceso a las dependencias de la casa. La ordenación de espacios en la época de Jovellanos nos es conocida por un plano coloreado de la segunda mitad del siglo XIX que reproduce la planta principal de la casa. Por él sabemos que el patio era de pequeñas dimensiones y de traza irregular; que la tabicación era muy abundante, con largos y lóbregos pasillos, y que había 21 habitaciones. Las zonas de servicio (cocina, lavadero, bodega y letrinas) se localizaban en la parte trasera, mirando a la calleja de Las Cruces, mientras la escalera principal se hallaba en el ángulo suroccidental del patio; de la primera planta partía también la escalera de acceso al segundo piso de la torre nueva, coincidiendo con la caja actual.




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Esta fue la casa que habitó don Gaspar Melchor de Jovellanos y que existió, con algunas reformas y ampliaciones de mediados del siglo XIX y de principios del XX, hasta 1943. Fue en ese año cuando el cuerpo central y la torre nueva fueron adquiridos por el Ayuntamiento de Gijón a don Carlos Cienfuegos-Jovellanos. Por último, el sector occidental de la casa, segregado de la mansión solariega desde 1921-1925, se reedificó y dividió en viviendas en 1971. (Fuente: Museo Casa Natal de Jovellanos)

Fondos:

En el museo se expone una selección de obras que facilitan un conocimiento general de las grandes tendencias artísticas desarrolladas en Asturias desde la segunda mitad del siglo XIX. El realismo costumbrista, de marcado carácter regionalista, presente en Pescadoras de marisco (1912) y Descanso en la faena (1904) de Ventura Alvarez Sala (1869-1919), junto a los retratos de Dionisio Fierros (1827-1894), los bodegones de Julia Alcayde (1855-1939) y la producción paisajística de Nemesio Lavilla (1860-1946) y Juan Martínez Abades (1862-1920) muestran los principales temas abordados por las figuras más significativas de la pintura asturiana de finales del siglo XIX y principios del siglo XX.

La primera generación de pintores asturianos del siglo XX, está representada por

Evaristo Valle (1873-1951) y Nicanor Piñole (1878-1978), responsables de la renovación artística que se desencadena en nuestra región a principios de este siglo. Sus pinturas reflejan distintos aspectos del paisaje humano de Asturias, desde dos concepciones pictóricas completamente distintas que se desarrollan en un mismo tiempo y espacio. La vuelta de la romería (1915) de Nicanor Piñole y el Idilio campesino (h. 1918) de Evaristo Valle permiten valorar el diferente posicionamiento estético de ambos autores a la hora de abordar el mundo rural asturiano.

Una interesante representación de la producción artística de Joaquín Vaquero

(1900-1998), Orlando Pelayo (1920-1990), Antonio Suárez (1923) y Alejandro Mieres (1927) constata la vinculación de las artes plásticas asturianas a los primeros movimientos de vanguardia. Estos fondos se complementan con una amplia selección de los artistas más jóvenes cuyas creaciones, recientemente incorporadas, permiten un recorrido por las distintas corrientes estéticas dominantes en el arte asturiano contemporáneo.

El itinerario por la escultura asturiana se inicia con una de las obras más

emblemáticas de Sebastián Miranda (1885-1975) El retablo del mar, relieve en madera policromada que recrea la vieja rula de Gijón, y entra de lleno en el lenguaje escultórico contemporáneo con las obras de Joaquín Rubio Camín (1929) Amador Rodríguez (1926), Cesar Montaña (1928) y José Mª Navascués (1934-1979) cuya colección es una de las más completas del autor, al incluir una buena representación de las sucesivas etapas de su sugestiva trayectoria escultórica.




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Además del legado de Severo Ochoa, el museo conserva el Legado Lledó Suárez que posibilita un recorrido general por las distintas escuelas europeas de los siglos XVII y XVIII. Especial atención merece la pintura de la escuela flamenca y holandesa, con obras tan relevantes como el Retrato de dama de Cornelis de Vos (1584-1651), La anunciación de los pastores de H. Van Balen (1575-1632) o el San Gregorio de Arthur Wolffort (1581-1641), y la escuela inglesa, con el Retrato del Marqués de Wellesley de Sir Thomas Lawrence (1769-1830). La colección incluye una extensa selección de pintura española de los siglos XIX y XX. (Fuente: Museo Casa Natal de Jovellanos)




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Uso original: Palacio de Velarde, Casa de Oviedo-Portal, Casa de Solís-Carbajal

Fecha construcción: 1767, 1660

Arquitectos: Manuel Reguera González, Melchor Velasco de Agüero

Uso actual: Museo de Bellas Artes de Asturias


Dirección: C/ Santa Ana

33003 Oviedo

Tel/Fax: 985 213061 / 985 204232

Web: http://www.museobbaa.com/



El museo, inaugurado el 19 mayo de 1980 a partir de la colección de arte de la extinta Diputación Provincial, es un organismo autónomo regido y financiado por la Comunidad Autónoma del Principado de Asturias y el Ayuntamiento de Oviedo. Se encuentra instalado en tres edificios del barrio antiguo de Oviedo: el Palacio de Velarde, del siglo XVIII, al que está unido una construcción del XX, y la Casa de Oviedo-Portal, del XVII.

El suntuoso Palacio de Velarde, uno de los más importantes de Asturias, fue erigido en 1767 por el gran arquitecto asturiano Manuel Reguera González, (Candás, 1731-Oviedo, 1798) para don Pedro Velarde, Regidor de la ciudad. Considerado como la obra maestra de su autor, esta construcción de tradición barroca, enriquecida con diversos recursos eruditos tomados de los tratados, fue edificio-estandarte en Asturias de la concepción ilustrada de la arquitectura. Observe atentamente la fachada principal, alzada hacia la calle de Santa Ana, junto con la meridional, levantada hacia el jardín, y comprobará la habilidad del arquitecto en el diseño de exteriores.




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En el interior del Palacio fíjese en el patio cuadrado, formado por dos arcos carpaneles por lado y soportados por columnas de orden toscano; en la impactante escalera de tipo imperial que conduce al piso noble y en la galería de la planta superior, formada por cinco arcos carpaneles sobre columnas toscazas y abierta al corredor alto del patio.

Los arcos carpaneles que dan embocadura a la escalera y el antiguo retrete, sito en la planta superior.

El rico patrimonio conservado en el museo, configurado por más de 8.000 piezas inventariadas, constituye una de las mejores colecciones públicas de arte de España. Este hecho sitúa al museo entre los centros más acreditados de la Península.

Sus fondos abarcan desde la Edad Media al siglo XX y deben su fama a una coherente colección de pintura española y a significativos ejemplos de las escuelas europeas, sobre todo de la italiana y flamenca.

Por otra parte, la representación de la pintura asturiana es completísima, figurando todos los artistas de calidad desde el barroco hasta las jóvenes generaciones de hoy. El resto de los fondos está formado por escultura moderna y contemporánea, dibujo, obra gráfica, fotografía y artes aplicadas e industriales, preferentemente vidrios y lozas.

Por último, el museo cuenta con Departamentos de Conservación, Conservación Preventiva y Restauración, Educación y Administración. También dispone de biblioteca, salón de actos, salas de exposiciones temporales, salita de descanso, jardín visitable, ascensor, tienda y otros servicios museográficos. (Fuente: Museo de Bellas Artes de Asturias)

Fondos:

La colección contiene sobre todo obras de pintura y escultura de los siglos XVIII al XX, entre las que se encuentra una abundante representación de artistas asturianos y salas dedicadas a Evaristo Valle y Nicanor Piñole. El museo acoge regularmente exposiciones temporales y también organiza ciclos de conferencias y proyecciones cinematográficas. (Fuente: Museo de Bellas Artes de Asturias)




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BALEARES




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Uso original: antiguo almacén, sala de armas, antigua Iglesia


Arquitecto: Simon Poulet

Uso actual: Museo de Arte Contemporáneo de Ibiza


Fecha de rehabilitación: mediados de los 60

Dirección: Ronda de Narcís Puget, s/n

15007 Eivissa

Tel/Fax: 971 392147, 971 302723 / 971 302723

Web: www.eivissa.org



En el año 1963 un puñado de personas, entre ellas con especial empeño Florencio Arnán y Lomarte, impulsa la creación de un museo de arte contemporáneo en la isla de Ibiza. Años atrás habían configurado una Bienal de arte con carácter universitario e internacional y con muchos y variados apartados técnicos. La bienal se inaugura en 1964 tal y como estaba previsto, impulsándola el Ayuntamiento de la Ciudad de Ibiza, la Asociación de Amigos de Ibiza y el Ministerio de Educación. Su sede está en el edificio del antiguo convento de Dominicos en Dalt Vila, convertido primero en Instituto de Enseñanza Media y luego será parte del actual Ayuntamiento de la ciudad. Sin embargo el espacio es provisional, la bienal de 1966 se inaugura en otro lugar; el edificio, cuya obra llevaba largo tiempo inacabada, y que gracias a la bienal se finaliza, estaba destinado a ser el Museo Monográfico de Puig des Molins, la importante necrópolis púnica. Por fin, en 1968 la bienal se establece en el edificio que además se convertiría al año siguiente en Museo de Arte Contemporáneo de Ibiza. Un edificio cuyos planos firma Simon Poulet en 1727, construido en el Baluarte de San Juan del recinto amurallado de la ciudad. Dentro del mismo complejo se puede encontrar la iglesia de Santa Maria de Grácia, la cual a partir de principio de los años 80 se dispuso como espacio público y de exposición, aumentando aún más el valor del museo. (Fuente: Espacios de arte contemporáneo generadores de revitalización urbana. Zaragoza: Universidad de Zaragoza, Departamento de arte, 1997)




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Fondos

El Museo de Arte Contemporáneo de Ibiza está compuesto por los fondos procedentes de las bienales de arte que suelen celebrarse en la isla. El centro cuenta con una colección constituida, en su mayor parte, por pintores de Ibiza o por aquellos que, no siendo naturales de la zona, sí viven en ella. (Fuente: Espacios de arte contemporáneo generadores de revitalización urbana. Zaragoza: Universidad de Zaragoza, Departamento de arte, 1997)




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Uso original: antiguo convento franciscano de Jesús

Fecha construcción: ss. XVII - XVIII

Uso actual: Museo de Menorca

Dirección: Avda. Doctor Guàrdia, s/n

07701, Maó

Tel/Fax: 971 350955 / 971 350565



El Museo de Menorca es la institución museística más importante de la isla. En sus salas se explica la historia de Menorca a través de sus vestigios materiales. La actual sede del Museo de Menorca es el antiguo convento franciscano de Jesús, un edificio de estilo barroco construido entre finales del siglo XVII y principios del XIX. En el año 1835, a consecuencia de la desamortización de Mendizábal, los frailes dejaron el edificio y desde entonces ha tenido diferentes funciones hasta que, finalmente, se convirtió en la sede del Museo de Menorca. (Fuente: Illes Balears)

Fondos:

El fondo del museo está formado por materiales de Menorca procedentes de antiguas colecciones, de excavaciones y de depósitos y donaciones, tanto de particulares como de diversas entidades.




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En la planta baja, rodeando el claustro, se encuentran las salas de exposiciones temporales y el salón de actos. La exposición permanente ocupa los pisos primero y segundo, abiertos al público desde el año 1998. Antes de visitar estas salas se puede ver un audiovisual que muestra un breve recorrido por la historia de la isla. (Fuente: Illes Balears)




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CANARIAS




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Uso original: finca El Cabrito, plantación agrícola

Fecha construcción: en torno al 1900

Uso actual: hasta 1991 comuna experimental austríaca; dedicado al turismo ecológico en la actualidad

Fecha ocupación: 1987 - 1991

Fecha rehabilitación: 1987 – 1990

Dirección: La Gomera

Tel/Fax: 922 141614, 922 145070 /

922 871234

Web: http://www.elcabrito.es



Alrededor del año 1900, una rica familia de San Sebastián adquirió la finca El Cabrito. Construyeron varias terrazas y tres presas en la parte superior del valle, para así poder establecer una agricultura profesional. Durante las siguientes décadas, los dueños alzaron almacenes y construyeron su propio muelle, excavaron pozos y crearon caminos, superficies de cultivo y casas, tal como hoy en día siguen existiendo.

Al principio cultivaron sobre todo tomates e hicieron de El Cabrito una de las plantaciones más bellas de la isla. Hasta 150 personas solían trabajar aquí y algunos de ellos vivían con sus familias en las mismas casas que hoy albergan a nuestros huéspedes. Otros atravesaban diariamente las montañas desde Seima o San Sebastián hasta El Cabrito y viceversa.

Debido al éxito que tuvieron los tomates más baratos procedentes de otros países en el mercado europeo, El Cabrito – como el resto de las Islas Canarias – perdió sus mercados después de la Segunda Guerra Mundial. Fue por eso que a principios de los cincuenta se empezó con el cultivo de plátanos.




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Tras la muerte del hijo del antiguo propietario alrededor del año 1970, sólo se hacía lo básico para mantener la finca. A consecuencia de ello, los edificios y terrazas se fueron desmoronando.

Una comuna experimental austriaca, creada en 1972 y denominada con el nombre de su fundador Otto Mühl (conocido como artista del accionismo vienés), compró la finca El Cabrito en el año 1987. Después del accidente de Chernobyl sus más de 300 miembros, que vivían en “Friedrichshof” en Viena, así como en otras ciudades de Europa, buscaron un lugar donde poder pasar sus vacaciones y más adelante establecerse. Con este propósito, la comuna se dedicó a la recuperación de El Cabrito. Reformaron todos los edificios, repararon las terrazas de piedra natural y las tres presas y sus pozos, y reactivaron la agricultura.

De esta manera muchos de los edificios e instalaciones originales de la antigua finca pudieron conservarse hasta la fecha. Aún estampan un carácter pre-industrial y rural a las instalaciones. Asimismo, construyeron una cocina y una depuradora biológica e instalaron paneles de energía solar y regadíos modernos. Alzaron talleres, estudios de pintura y oficinas.

Pero ya durante los trabajos de reconstrucción y reforma se desataron ciertos procesos en la evolución de la comuna, que en el año 1990 condujeron a su disolución. Por así decir, El Cabrito fue su último proyecto en común. En el transcurso de la ruptura se formó una sociedad cooperativa y la propiedad de El Cabrito pasó a manos de ella. A cada miembro de la comuna le cedieron una parte igual de los bienes en forma de acciones de la cooperativa. Otto Mühl se separó poco después.

El objetivo de la sociedad cooperativa fue entonces convertir El Cabrito en una empresa independiente. Sin embargo, la agricultura no bastaba. Así, en enero de 1991, empezaron a contratar personal para poder alojar a los primeros huéspedes. La combinación de un entorno natural intacto, el confort sencillo y el ser un lugar idílico para las familias, resultó ser una atracción sobre todo para visitantes de Alemania, Austria y Suiza.

En el año 2000 el hotel se había establecido hasta tal punto, que la cooperativa pudo traspasar el 85% de las acciones de El Cabrito a sus miembros y clientes habituales. Con la venta de un gran terreno cerca de Santiago se pudo iniciar una segunda fase de la inversión. Con ésta se crearon otras nuevas instalaciones que permiten satisfacer los requisitos de un centro vacacional moderno.

El objetivo sigue siendo el mismo: El Cabrito mantiene un ambiente acorde con los principios ecológicos. Los huéspedes disfrutan de una alimentación basada en su mayor parte en productos biológicos, cultivados en la finca y gracias a la situación apartada de este mágico lugar, pueden gozar de un profundo reposo. (Fuente: El Cabrito)




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Actividades:

Las artes plásticas tienen una larga tradición en El Cabrito. Las salas de la factoría de plátanos fueron usadas para exposiciones de importantes artistas. En el transcurso de muchos años, la Academia Estival de Salzburgo organizaba cursos en El Cabrito durante los meses de invierno. Ahora se realizan seminarios de arte de pequeñas agencias varias veces al año. (Fuente: El Cabrito)




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Uso original: residencia neoclásica


Uso actual: Centro Atlántico de Arte Moderno

Fecha inauguración: 4 diciembre 1989

Arquitecto: Francisco Javier Sáenz de Oiza

Dirección: C/ Los Balcones, 11

35001 Las Palmas de Gran Canaria

Tel/Fax: 928 311800 / 928 321629


Web: http://www.caam.net


El Centro Atlántico de Arte Moderno, dependiente del Cabildo de Gran Canaria, fue inaugurado el 4 de diciembre de 1989. Desde su primer texto programático el CAAM ya manifestaba su firme voluntad de aunar 2 líneas de acción institucional en la vida cultural de la sociedad canaria: la de constituirse en un Centro de Arte, en un lugar que recoge y difunde mediante sus diversas actividades los debates artísticos más recientes; y a la vez, erigirse en Museo de Arte Contemporáneo que aspira a convertirse en un referente ineludible de nuestra memoria histórica mediante la formación de una colección permanente.

Hasta el momento el aspecto más destacado y público de este centro ha sido el de su programación de exposiciones temporales y de seminarios y cursos que giran, generalmente, en torno al tema central de nuestro mestizaje cultural atlántico. El concepto de tricontinentalidad, como espacio de cruce de culturas entre los tres continentes: Europa, África y América, que orienta el proyecto global del CAAM como Centro de Arte también es el eje vertebral de su colección.




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En la memoria que se realizó en su momento se expresaba “...el deseo del Cabildo de Gran Canaria de dotar a la Isla de un nuevo museo vivo y dinámico que sirva de cobertura a las necesidades de las Artes Plásticas y sea también un Centro de animación socio-cultural...ha de ser un ente vivo y dinámico a base de exposiciones temporales de carácter rotativo y dinámico que tenga fondos permanentes del museo perfectamente codificados y ordenados...” Con estos objetivos se realizó la construcción del actual Centro Atlántico de Arte Moderno en la calle Los Balcones nº 11, en el histórico barrio de Vegueta, en un solar de 935’70 metros cuadrados. Siguiendo las ordenanzas aplicadas al centro histórico de Las Palmas de Gran Canaria el edificio solamente podía constar de un sótano, dos plantas y un ático, con una fachada principal del siglo XVIII que había que respetar.

Las necesidades a cubrir y que se le indicaron a don Francisco Javier Sáenz de Oíza para su proyecto arquitectónico fueron:

• Tres plantas de exposición • Biblioteca-Centro de Documentación • Despachos y oficinas

o Almacén-depósito de obras de arte o Restaurante – Cafetería o Tienda o Complementos necesarios

Con este encargo se alzó el actual edificio de Los Balcones nº 11, cuya superficie total construida es de 3.682’14 metros cuadrados. Actualmente, y después de recuperado y rehabilitado, es el edificio anexo, sito en Los Balcones nº 9, el que da cabida a los despachos, oficinas y taller de restauración además de 3 salas de exposiciones habilitadas para obras de arte de pequeño formato, así como para otro tipo de exposiciones: fotografía, arquitectura, diseño..., lo que se presta a que dichos espacios puedan albergar muestras de otras instituciones que acuden a este centro solicitando colaboración.

Bajo esta fórmula el CAAM ha albergado diversas exposiciones organizadas en colaboración con el Colegio Oficial de Arquitectos. También la exposición La otra mirada, una propuesta de creadores grancanarios, que reivindican una nueva artesanía, organizada por la Fundación para la Etnografía y el Desarrollo de la Artesanía Canaria (FEDAC) en colaboración con el proyecto Leader II de la Comunidad Europea, así como la exposición de los trabajos realizados por los becarios del Centro Canario de Diseño Integrado (CCDI) perteneciente al Instituto Tecnológico de Canarias, S.A. (ITC) de la Consejería de Industria y Comercio del Gobierno de Canarias, entre otras.

Con estas colaboraciones el CAAM cumple uno de los objetivos para los que fue creado: constituirse en un Centro de Arte que recoja y difunda los debates artísticos más recientes siendo motor dinamizador de la vida cultural de la sociedad canaria. El espacio expositivo de San Antonio Abad, anexo al CAAM, se inauguró en mayo de 1999 después de ser remodelado y se destina a la investigación, análisis y difusión de la última creación plástica de artistas que trabajan en Canarias.




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Esta tarea de difusión del trabajo artístico de Canarias, principalmente del arte joven y emergente, permitirá a este centro consolidar una extraordinaria herramienta de trabajo a todas luces beneficiosa para la sensibilidad propia de la tradición artística canaria.

A lo largo de estos años el CAAM ha desarrollado una importante labor de producción de muestras. Más de un centenar de exposiciones forman parte ya del imaginario del centro entre las que merecen destacarse proyectos como El Surrealismo entre Viejo y Nuevo Mundo; Artistas Rusos Contemporáneos; Hacia el Paisaje; Desplazamientos; Africa Hoy; El Museo Imaginado; Automatismos Paralelos; Historia Natural. El Doble Hermético; Voces de Ultramar; Millares; La Vanguardia Rusa; Los Géneros de la Pintura; Otro País. Escalas africanas; Miguel Martín; Herejías; Expresionismo Alemán; Óscar Domínguez; Cuba Siglo XX; Gaceta de Arte; De Juan Hidalgo; Islas; Trasatlántico; Juan Ismael; Forjar el Espacio; A Rebours; Convergencias/Divergencias; Aires: Luces y sombras en Las Palmas de Gran Canaria; Máquinas; El Arte Abstracto y la Galería Denise René; Rumbos de la Escultura Española; Arquitectura Radical; Mesoamérica; La Colección – la muestra más visitada de nuestra historia, con más de dieciocho mil entradas – o Dokoupil. Cuadros de Vela. Paralelamente, el centro ha desarrollado una intensa labor de difusión y análisis a través de cursos y seminarios que han hecho de su gestión un referente ineludible en su entorno. (Fuente: Centro Atlántico de Arte Moderno)

Fondos:

Desde sus inicios, el CAAM no ha perdido de vista una de sus bases fundacionales: la creación de un espacio para la conservación, catalogación y estudio de las obras de arte. La Colección del Centro Atlántico de Arte Moderno se nutre en un primer momento de los fondos de arte canario adquiridos desde los años cuarenta por el Cabildo de Gran Canaria. Este fondo contaba con obras de artistas de los años 30 y 40, vinculados a la Escuela de Arte Decorativas “Luján Pérez”: Jorge Oramas, Plácido Fleitas, Eduardo Gregorio, Felo Monzón y Santiago Santana, entre otros, a las que se unen las de otros creadores canarios más contemporáneos, procedentes de exposiciones realizadas en la Casa de Colón y en la Sala San Antonio Abad.

Desde las primeras reuniones del equipo fundacional del CAAM, se establece el grupo “El Paso”, inicio de la vanguardia española, como el punto de arranque de la Colección, teniendo en cuenta que dos de sus miembros son canarios: Manolo Millares y Martín Chirino. A esta premisa se une la tesis inaugural de la tricontinentalidad que abre los fondos del museo al arte creado en África, Latinoamérica y el continente europeo. En este sentido, se ha adquirido obras de artistas que han participado en algunas de las exposiciones temporales que han ocupado el espacio del CAAM: Willie Bester, Sokari Douglas Camp, Berry Bicke, Jesús Soto, Marcos Lora Read o Thomas Ruff, entre otros.

Paralelamente, el CAAM ha completado su Colección con piezas de algunos períodos que estima no están suficientemente representados; como es el caso del arte español de los años 80 y 90: José María Sicilia, Cristina Iglesias, Alberto García Alix, o Luis Gordillo.




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La reapertura del la Sala San Antonio Abad y su línea de investigación y difusión de la última creación plástica, abre una nueva dinámica en la Colección y la nutre de las representaciones últimas de la contemporaneidad.

La adquisición de la Colección APM en 2002 produce un cambio significativo en los fondos del CAAM. Integrada por alrededor de 1.600 obras, se centra en el desarrollo de los movimientos culturales canarios de los años 70, 80 y 90. La presencia de autores centroeuropeos como Walter Dahn o Andreas Schulze, es también digna de mención.

Ahondando en este apartado, ingresan en la colección 48 obras sobre papel y lienzo de autores claves de los años 80 y 90 europeo: Dokoupil, Condo, Longobardi y Salvo, entre otros.

El CAAM prosigue su trayectoria de contacto con la contemporaneidad mediante el acercamiento a las galerías circundantes, a los propios artistas y al devenir de las obras presentes en las exposiciones temporales que programa, para nutrir a su colección de obras que reflejen su compromiso con sus principios fundacionales y su entorno espacial y temporal. (Fuente: Centro Atlántico de Arte Moderno)




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Uso original: antigua fábrica de tabaco

Fecha construcción: fines de la década de los 40

Arquitecto: Fernando Delgado

Uso actual: Centro de Arte La Regenta

Dirección: León y Castillo, 427

35007 Las Palmas de Gran Canaria

Tel/Fax: 928 472379 / 928 276041



Fue en el período de la Restauración Monárquica cuando se hicieron los primeros intentos en la industria del tabaco. Así entre 1874 y 1882, el cultivo del tabaco supuso la alternativa a la crisis agrícola que había supuesto la caída de la cochinilla.

Sin embargo, por diversas circunstancias -la ley de Puertos Francos-, el incumplimiento de promesas por parte del Gobierno Central, además de la falta de competitividad- dieron al traste con estas ilusiones. En Canarias nunca fue posible la industrialización y la industria tabaquera quedó reducida, en 1902, a cuatro fábricas en Las Palmas y sólo para el consumo local.

De esta no-industrialización se deriva el que tengamos en los años de la Restauración escasos proyectos industriales, tratándose en la mayoría de las ocasiones, de simples instalaciones en edificios preexistentes. Es ejemplo de esto el que la primera máquina de vapor, que se instala en la ciudad para una fábrica de tabacos se ubique en un patio de edificación antigua en la calle de Triana. Lo mismo sucederá seguidamente con la primera fábrica de Eufemiano Fuentes en la calle Pamochamoso en 1905.

En la segunda década de este siglo se fundó la fábrica "La Regenta", cuyo propietario era Don Joaquín José Dos Santos. Es probable que eligiera esta denominación por la novela de Leopoldo Alas "Clarín" que se publicó en 1885. En ella trató la sordidez de la vida provinciana bajo la Restauración, precisamente en los años de la Regencia de María Cristina.




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La localización de las primeras industrias tabaqueras en la ciudad se concentró, en gran medida, en el nuevo barrio de Arenales. Este barrio, nacido entre 1852 y 1860, tuvo su base expansiva en la casa terrera y el almacén.

La estructura social del barrio -clase obrera y media baja- en vivienda como dije, fundamentalmente de planta baja, focaliza y atrae la localización aquí de las industrias que, como la tabaquera, empleaba a gran número de mujeres. Será ésta la razón por lo que no se localizaron en el Puerto de la Luz.

La primera fábrica "La Regenta" estuvo en la calle Perojo hasta después de la guerra española y, posiblemente, de la Guerra Mundial. (Fuente: Gobierno de Canarias)

Objetivos:

El proyecto parece que es del arquitecto Fernando Delgado y presenta el interés de ser un encargo para fábrica en las dos primeras plantas, oficina en la tercera y vivienda en la cuarta, pero solo en las crujías traseras. De esta mezcla del programa nace que el zaguán tenga estucados y apariencia de viviendas y no de fábrica. El alzado escueto y simple, está articulado horizontalmente por la disposición de bandas horizontales de huecos. Solo en el remate encontramos un elemento decorativo de bandas verticales como auténticas "coronas" de "La Regenta".

A pesar de la sencillez del alzado -despierta rememoranza "Art Decó"-, sin embargo más parece un edificio de oficinas o viviendas. Con todo, está claro que el arquitecto se olvidó, por exigencias del tema, de las profusiones decorativas y riqueza de materiales que la arquitectura del "Mando Económico" hacía por esos años en Las Palmas.

La planta está organizada a partir de un gran patio en la segunda crujía y con linterna. Las naves de las fábricas son dos galerías que dan a este patio. En el cuerpo principal de la fachada se sitúa la circulación vertical, mientras que por las galerías se organiza la horizontal.

Es precisamente el sistema de las galerías al patio y la gran linterna lo que favorecen a la reutilización que se pretende como Centro de Arte de La Luz. (Fuente: Gobierno de Canarias)




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Uso original: antiguo tanque de petróleo de Cespa

Uso actual: Centro Cultural El Tanque


Fecha inauguración: 17 julio 1997

Arquitectos: Felipe Artengo, Fernando M. Menis y José María Rodríguez-Pastrana

Dirección: C/ Candelaria, 23

38003 Santa Cruz de Tenerife

Tel: 922 239504


A lo largo de la historia, la rehabilitación de edificios para uso cultural ha sufrido muchos desaciertos. Debido a este motivo la UNESCO y el ICOM potenciaron el establecimiento de criterios de rehabilitación:

1. Valor documental del lugar donde se halla ubicado el edificio. Es decir, su posibilidad de vinculación con una célebre personalidad o un acontecimiento histórico.

2. Valor de representatividad respecto de una época o de una sociedad determinada.

3. Valor estético del edificio histórico, no sólo en sí mismo considerado, sino también en cuanto a la posibilidad de presentar en un marco atractivo las colecciones [las acciones] de un museo [o instalación].




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Estos tres criterios se dan en el Espacio Cultural “El Tanque” y por lo tanto, creo que no exagero al afirmar que es el caso de una impecable readaptación de un espacio industrial, en recinto cultural, con una intervención austera y estéticamente impecable que toma conciencia de la misión del arquitecto como activo intérprete del patrimonio y asume la voluntad de convertirse, por medio de esa intervención arquitectónica, en un auténtico centro de proyección sobre su entorno social.

La obra de adaptación del Tanque para su apertura al público, de la que tanto se dijo luego, tuvo un coste de 19 millones de pesetas.

Con la apertura del Tanque ofertamos un espacio cultural muy diferente a lo habitual, tanto en su concepción, como en su tamaño.

Todas las ideas artísticas que se han desarrollado en el Tanque han cambiado la actitud inicial tanto del creador como del espectador, que intervienen activamente en el proceso dentro de la máxima libertad individual. En el Tanque puedes moverte como quieras.

Así pues el Tanque pasó a ser un paraje de arqueología industrial convertido en espacio cultural, un ejemplo más de Reciclaje industrial como el caso del Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, la sala de exposiciones e instalaciones del Tinglado 2 de Tarragona, el posterior Matadero de Madrid, el Centro de Arte Le Magasín de Grenoble o la ampliación de la Tate Galery a la Tate Modern en una antigua fábrica de electricidad.

El proyecto se apoya en el mantenimiento del aspecto original (tanto exterior como interior) del antiguo depósito. En el interior sólo se realizó una limpieza exhaustiva y se eliminaron unos calentadores, queriendo remarcar así su aspecto de “templo”, más que el de un instrumento caduco.

Lo han definido como una “catedral [de planta centralizada]del Siglo XXI”, a lo que podríamos añadir, el parecido al deambulatorio o girola de ésta (ese lugar donde reside la parte más importante de la ceremonia), dado la flexibilidad y armonía que emana de este “espacio único”.

Es una gran extensión limitada que lo convierte en un caso ideal de espacialidad de estructura interna, que facilita la clara orientación de los visitantes en el interior, aunque paradójicamente parezca un desmesurado laberinto de pilares (50) –tramoya escenográfica-.

Así, en el interior se crea una atmósfera particular, tensa a la vez que serena, eso sí, siempre misteriosa y perturbadora. Al exterior irradia majestuosidad y omnipotencia, despertando curiosidad y desasosiego en el espectador.




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La sencilla intervención realizada a este “gran dormido” ha ejercido de complemento, sin perturbar su imagen básica y por lo tanto, incidiendo en las proporciones volumétricas. Esta actuación se fundamentó en la construcción de un vestíbulo semienterrado de hormigón, pequeños aseos públicos y punto de información, donde se aprovecharon los muros de piedra existentes, tanto del basamento del depósito como el de separación de parcelas.

Desde aquí arranca una ligera pendiente que nos lleva a la rampa de acceso que se encuentra bajo las entrañas del antiguo contenedor. Así el entrar se convierte en mágico ya que se estrecha el pasillo de entrada hasta que de repente encuentras el enorme espacio interior de hierro de 20 metros de altura.

Existe una interesante y pormenorizada descripción arquitectónica realizada por Farshid Moussavi y Alejandro Zaera-Polo la cual cito a continuación:

“[...] La actuación más relevante se relaciona directamente con la necesidad de proporcionar un acceso y unos servicios a la sala, de cincuenta metros de diámetro y dieciocho de altura; razones evidentes de conservación de la extremada nitidez espacial del antiguo artefacto industrial cuya rehabilitación se propone, aconsejan desplazar aquellos elementos fuera del volumen principal del antiguo tanque; esta pequeña construcción, que ocupará el espacio residual comprendido entre la envolvente cilíndrica exterior y una de las calles interiores de la antigua residencia, resuelve su cubierta mediante azotea plana, coincidente con el nivel de la base de asentamiento del tanque.

El conjunto se complementa con una plaza exterior de ingreso, que se dispone en el interior de los muros de otro antiguo tanque de la refinería, demolido, situado junto al definitivamente recuperado. El pavimento de este espacio exterior de entrada es de lapilli rojo volcánico compactado, de cuya superficie sobresale la primitiva cimentación [En esta explanada se ubica un antiguo fínger –encontrado en un desguace cercano, utilizado con anterioridad en la antigua estación de Jet-Foil del Muelle Sur- que salva el desnivel con la calle colindante, auspiciando “la incursión en un lugar mágico”, al igual que la pequeña intervención realizada].

La cota de entrada al tanque se sitúa cuatro metros por debajo del pavimento interior del tanque. Una puerta pivotante de acero [cortén] de cinco metros de anchura facilita el acceso a un pequeño edificio desarrollado en rampa, en cuyo interior se sitúan un punto de información, una sala polivalente y los [pequeños] servicios sanitarios. La suave rampa del pavimento, junto con el techo y paredes laterales, configuran un espacio de acusa perspectiva, que proporcionan una gran profundidad visual a este espacio de acceso; desde este ámbito de entrada se accede directamente a la puerta practicada bajo la cimentación del antiguo tanque, produciéndose un espacio de altura reducida que provoca un efecto de presión sobre el visitante, previo a su definitiva entrada al interior del tanque, que se realiza a través de una segunda rampa de acero [también de la clase cortén; el acceso actúa “como un recorrido iniciático de preparación para el acceso al monumental espacio interior.




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La traducción de esas funciones en términos gráficos se consigue a partir de la creación de tres elementos cuadrados, que representan: un croquis de localización del lugar, una fotografía del depósito y un logo afianzando el nombre y uso del nuevo espacio. Estos símbolos serán una constante en el diseño de la línea, variando su ubicación en ella según necesidades compositivas. La referencia visual a cada espectáculo específico se resuelve por medio de la inserción de una fotografía alusiva al evento, acentuando la función de reclamo.

El empleo del negro como fondo de la composición responde a la presencia dominante y rotunda de la oscuridad en el interior del bidón de crudo, en el que el efecto de la luz sobre la forma imprime un carácter teatral. El uso del color constituye una parte importante en la estética de la línea gráfica de “El Tanque”. Las imágenes fotográficas son siempre tratadas empleando un bitono de negro más un color que varía en cada nuevo evento.

Un espacio no convencional concede al diseñador una cierta flexibilidad, traducible en el uso de formas no habituales; el formato escogido para el cartel responde a esta licencia: una forma casi cuadrada de 48 x 52 cms. Una tipografía de palo seco, la helvética black, otorga un carácter conciso y contundente a la presencia tipográfica [...].

El tratamiento brutalista de los materiales de acabado de estos espacios de ingreso, hormigón y mampostería, acentúan el carácter ritual de este recorrido de acceso al monumental espacio interior del tanque rehabilitado.

Los materiales y los elementos constructivos utilizados en la construcción de la nueva planta son el hormigón y fragmentos de chapas [de 40 mm. de un antiguo tanque, similar al rehabilitado] y tubos metálicos procedentes del desguace de la refinería [elementos reutilizados]. La piel interior del tanque ha sido simplemente arenada pintada [se aplicó el chorro de arena].

Los requerimientos de ventilación derivados de los nuevos usos propuestos para la antigua instalación industrial se resuelven de forma natural, potenciando un efecto de tiraje entre los orificios practicados en la cubierta superior y los tubos cubiertos en su parte baja perimetral; las corrientes de convección generadas por esta doble serie de perforaciones, con las consecuentes ascendentes de aire caliente deben mostrarse suficientes para la renovación del aire en el interior del tanque”.

Conseguimos hacer compatible la forma con las performances, lo efectivo con lo afectivo y la razón con la imaginación. Solo por eso ya valió la pena. Y lo hicimos a finales de un siglo que había nacido con ruidosas toneladas de producción industrial, con turbinas, altos hornos u producciones en cadena, y que fue dando paso poco a poco a la sigilosa Internet, a las comunicaciones de vértigo y a los fríos y distantes satélites espaciales. El Tanque es hoy patrimonio de una época que tampoco conviene olvidar. (Fuente: Dulce Xerach Blog de una parlamentaria)




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Actividades:

Desde su inauguración, la sala ha acogido un elevado número de espectáculos musicales, teatrales, audiovisuales, de danza, exposiciones y montajes multimedia, muchos de ellos creados de manera específica para este espacio y que han servido como muestra de las enormes posibilidades que ofrece el antiguo depósito de carburante. La sencilla y respetuosa intervención realizada al antiguo depósito de petróleo ha sido galardonada con el Premio Regional de Arquitectura Manuel Oraa y Arocha 1998 (Colegio de Arquitectos), destacada por su "brillantez y acertada disposición secuencial de los recorridos de acceso al espacio interno" así como el uso de un [lugar] de "características únicas".

Asimismo fue seleccionada en los premios IBERFAD (Barcelona) en el mismo año y premiada –distinguida– en la V Bienal de Arquitectura 1999, organizada por el Ministerio de Fomento y el Consejo Superior de Arquitectos de España. Además, se ha dado a conocer, tanto el espacio como su diseño, en ARCO (Feria Internacional de Arte Contemporáneo) desde el año 1998.

Por otro lado, la línea gráfica del Espacio Cultural "El Tanque" fue también galardonada con el premio LAUS´99 de Comunicación Municipal, convocado por la Asociación de Diseñadores Gráficos, FAD. La creadora del diseño, Cristina Saavedra, es la diseñadora gráfica del área de Cultura del Cabildo de Tenerife. El certamen es el más importante y prestigioso de cuantos se conocen en España dentro del campo de la creación audiovisual. Este mismo diseño gráfico ha sido seleccionado para una exposición que se celebra en el Museo Reina Sofía (Madrid) que lleva por título Signos del Siglo. Cien años de Diseño Gráfico en España.

De tal manera, estamos ante la creación de un nuevo monumento urbano, con identidad propia, que da cabida a los acontecimientos culturales no convencionales, donde la multifuncionalidad y especialización, dos tendencias contrapuestas, se dan cita, además de la diversidad y polivalencia. Se convierte por esta causa, y por las enumeradas con anterioridad, en una de las "obras arquitectónicas" de mayor impacto y repercusión de la ciudad de Santa Cruz de Tenerife. (Fuente: Centro de Arte El Tanque)




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CANTABRIA




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Uso original: proyecto para la Biblioteca Municipal


Arquitecto: Leonardo Rucabado

Fotografía: Portaluco de Cantabria

Uso actual: Museo de Bellas Artes de Santander


Dirección: C/Rubio, 6

Santander

Tel/Fax: 942 203120, 942 203121 /

942 203125

E-mail:[email protected]


El pensamiento tradicionalista y conservador, de buena parte de nuestros intelectuales de finales del XIX, tuvo su propia expresión constructiva en el muchas veces denostado movimiento de arquitectura regionalista, un fenómeno que se repitió en toda Europa. La mayoría de las ciudades españolas albergaron proyectos levantados conforme a sus premisas.

Se reivindicó una peculiar y anacrónica recuperación de elementos decorativos y materiales empleados en las construcciones barrocas, mudéjares o platerescas nacionales. El Museo de Bellas Artes es un buen ejemplo de esta corriente y su fachada contiene un resumen de ornamentos decorativos del pasado: bolas, pirámides, frontones, frisos... El edificio fue diseñado por Leonardo Rucabado (1875-1918).




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Un año antes de morir, Rucabado planeó dos bloques contiguos destinados a cobijar el legado de libros que había donado Menéndez Pelayo a la ciudad y los fondos de la biblioteca municipal. En 1923, Alfonso XIII inauguró el conjunto situado en la esquina de las calles Rubio y Gravina. La conversión del edificio, destinado inicialmente a biblioteca municipal, en museo, ha provocado reformas destinadas a adecuar su interior a este fin. (Fuente: Museos de Cantabria)

Fondos:

Prácticamente todas las obras del Museo de Bellas Artes de Santander son de propiedad municipal. Este carácter público de la colección lo tiene desde sus orígenes, cuando el entonces alcalde Luis Martínez Fernández solicitó a los ciudadanos la donación de objetos para formar el nuevo museo. En aquel periodo entraron en la colección buena parte de las obras más antiguas.

Hoy la muestra está formada por casi 800 pinturas, 300 esculturas así como un conjunto de 200 grabados, dibujos y fotografías. Además, y como recuerdo de sus primeros tiempos de museo «enciclopédico», la institución posee 2.400 medallas, sellos y monedas. Las piezas que pertenecían a las secciones de prehistoria, arqueología e historia natural, fueron depositadas en otras instituciones y museos en los años cuarenta.

Una exhaustiva catalogación del museo ha sido realizada en estos últimos años. Todos los fondos están inventariados. Pronto se realizará su informatización.

Pintura antigua. Un pequeño número de pinturas ofrece una visión parcial de lo que fue el arte europeo desde finales de la Edad Media al siglo XIX. Flandes e Italia son las fuentes o el origen de la mayor parte de las obras que la colección dispone de este periodo.

Una tabla del XV-XVI, La Virgen con el niño de la cereza, sirve de introducción a la escuela flamenca. La representación italiana mejoró a comienzos los noventa, cuando una restauración reveló una Adoración de los pastores del napolitano Luca Giordano (1634-1705) que había permanecido oculta tras una mediocre pintura posterior. También son interesantes algunos anónimos del XVII.

De la pintura española anterior al siglo XIX son pocas las obras en poder del museo santanderino: destaca un San Miguel Arcangel de quien fue maestro y cuñado de Veláquez, Francisco Pacheco (1564-1654).

Francisco de Goya. El Ayuntamiento de Santander encargó a Goya en 1814 un retrato del rey Fernando VII. Este lienzo presidió durante más de un siglo el salón de plenos del Consistorio. Se trata la obra más emblemática de la colección. La institución cuenta también con grabados de las distintas series que hizo Goya. La serie de los Desastres faltan dos. De los Caprichos tiene 9, y de la serie de la Tauromaquia y de los Proverbios, Disparates o Sueños, sólo posee 3 de cada una. Todos son de tiradas del primer tercio del XX.




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Pintura española del XIX e inicios del XX. Se puede ver una pequeña e interesante muestra con autores como Luis de Brocheton, Eduardo Rosales, Mariano Fortuny, Francisco Pradilla, Ricardo de Madrazo o el santanderino Eliecer de Jaureguizar con un retrato de Alfonso XII.

A caballo entre el siglo XIX y el XX, el museo cuenta con ejemplos de pintores representativos de diferentes escuelas regionales como Joaquín Sorolla, Nicanor Piñole o el andaluz Julio Romero de Torres. Hay obras, también, de Emilio Sala, de la santanderina Clara Trueba y Cosio, Valentín de Zubiaurre, Leon Criach y Durán, Manuel Benedito, etc.

Sainz, Egusquiza y Riancho. El museo posee obras de Casimiro Sainz (1853-1898), Rogelio de Egusquiza (1845-1915) y Agustín de Riancho (1841-1929) por las que se pueden seguir sus respectivas trayectorias artísticas. Son, con seguridad, los autores más destacados e interesantes en el tardío inicio que tuvo la pintura en la región.

De Riancho, se custodian varios óleos de sus inicios en España y un amplio número de bocetos y obras realizadas en su estancia en Bélgica (1861-1883). La detallista, y en cierto modo más contenida etapa posterior a su regreso a España, (1983-1915) está bien representada. A este momento pertenece su mejor trabajo durante estos años La cagigona. También lo está su última y más audaz evolución (1915-1929) con La primavera o Río en otoño.

Aunque Casimiro Sáinz y Sáinz no está tan representado se conservan paisajes como Toledo (el cigarral), el costumbrista Lavando en el Manzanares o el brillante estudio lumínico Rincón de floresta. Otra de las joyas de la colección es el retrato que dedica al rostro de Una chula.

El simbolista Tristán e Isolda de Rogelio de Egusquiza, resume el estilo e inquietudes de este autor santanderino, fascinado por los mitos resucitados por Wagner, a quien conocería personalmente durante sus prolongadas estancias en el extranjero. El museo posee una serie de grabados de este pintor con retratos de personajes célebres y temas operísticos.

Artistas cántabros, frente a la modernidad y las vanguardias históricas. Andaluzas, Tablao flamenco, La perla negra o Desnudo son obras que el santanderino Francisco Iturrino (1864-1924) realizó entre 1909 y 1912. Se trata de trabajos en los que traslada al lienzo su adhesión a los postulados coloristas de Matisse, con quien compartió estudio durante algún tiempo.

Con seguridad María Blanchard (1881-1932) es una de las artistas más notables de la pintura española siglo XX. Junto a una tradicional Gitana, pintada en su juventud, el museo conserva varias obras de su etapa de madurez, La comida en familia o el óleo Cabeza de niño. Los traperos es un óleo de José Gutiérrez Solana (1884-1945). La estampa reúne todas las características de su pintura pesimista. De él también se poseen 25 grabados.




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Las donaciones de la familia Lastra Santos han facilitado la reunión de algunas de las mejores pinturas surrealistas que Antonio Quirós (1912-1984) realizó en los años treinta.

Los piteros convierten a Ricardo Bernardo (1897-1940) en un correcto seguidor de la tradición costumbrista. Otro autor significativo es Luis Quintanilla Isasi, (1893-1978) de quien se ve su La casa del poeta y una buena colección de dibujos y grabados.

Se pueden ver obras también de Flavio San Román (1889-1951), Manuel Salces (1861-1932), César Jenaro Abín (1982-1974), Gerardo Alvear (1877-1964), Eduardo Pisano (1912-1989) y Francisco Modinos (1906-1971).

Artistas cántabros 1939-1979. De Manuel Raba (1928-1983), el museo ofrece la oportunidad de conocer de cerca el hacer de este trabajador incansable en varias piezas de madera y poliéster. Varias obras permiten rastrear el trabajo de Enrique Gran (1928-1998). También pueden seguirse los pasos de otros autores como Martín Sáez (1923-1989), Eduardo Sanz (1928), Esteban de la Foz (1928), Agustín de Celis (1932), Gloria Torner (1936) o Angel Medina (1924).

Arte actual. Además de aquellos autores mencionados que siguen en activo, el museo tampoco olvida a generaciones más jóvenes y cuenta con trabajos de Celestino Cuevas Xesús Vázquez, Juan Uslé, Chema Cobo, Eduardo Grúber, José Gallego, Concha García, Emilia Trueba, Arancha Goyeneche, Sergio Sanz, José Luis Mazarío.

Escultura. Son pocos los ejemplos que posee la colección de escultura, destacando las piezas del cántabro Daniel Alegre (1887-1949) o el busto de la reina Victoria Eugenia de Conrad Dressler. De Victorio Macho (1887-1966) es el retrato de Bonifacio Barreda.

Los fondos de escultura moderna se ha enriquecido recientemente gracias a la donación de Pablo Schabelky, formada por tres trabajos de Cristino Mayo, dos de Hugues y once del mejor Oteiza de los treinta y cuarenta.

Numismática, medallística y sigilografía. Como un recuerdo del primer museo municipal ha permanecido en las colecciones una selección de monedas acuñadas desde el siglo II antes de Cristo a ejemplos actuales, y medallas de la edad moderna y contemporánea. Dos únicos sellos posee el museo, el más importante es un sello matriz del siglo XIV de San Vicente de la Barquera. (Fuente: Museos de Cantabria)




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CASTILLA-LA MANCHA




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Uso original: Casas Colgadas


Uso actual: Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca



Arquitectos: Fernando Barja y Francisco León Meler (1978)

Dirección: Casas Colgadas

16001 Cuenca

Tel/Fax: 969 212983 / 969 212285

Web: http://www.march.es/arte/cuenca/



El museo ocupa dos de las denominadas Casas Colgadas, conjunto arquitectónico del siglo XVI que constituye una muestra representativa de la arquitectura gótica popular conquense. Conocidas también como Casas del Rey, aunque han sido restauradas conservan algunos elementos originales, como un artesonado mudéjar, un fragmento de la escalera o un arco gótico. La Fundación Juan March se ha encargado recientemente de la remodelación de la sala Gonzalo González de Cañamares, con la incorporación de restos de la fábrica original del siglo XV.

Fueron sede de la Casa Consistorial hasta mediados del siglo XVIII y, tras la decisión de crear un museo de arte abstracto en Cuenca, el Ayuntamiento las cedió como espacio de exposición. En 1978 fueron objeto de restauración, encargada a los arquitectos Fernando Barja –autor también del proyecto de ampliación del propio museo- y Francisco León Meler.




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Desde la etapa final del siglo XX se han sucedido en el museo las intervenciones encaminadas a mejorar las instalaciones; la última de ellas tuvo lugar en 2001 y supuso la redistribución de la colección y nuevos sistemas de iluminación.

Las Casas Colgadas configuran la estampa característica de la ciudad. Por su peculiar emplazamiento –asomado a la pared rocosa que da al río Huécar-, el Museo de Arte Abstracto es único en su género; ha sido galardonado, entre otros, con el Premio del Consejo de Europa al Museo Europeo del Año (1981). (Fuente: Summa Artis. XLIX-I)

Fondos:

La iniciativa de la creación del museo se debió a varios artistas encabezados por el pintor Fernando Zóbel, alma mater de un proyecto que pretendía evitar la dispersión de las obras de sus amigos, todos ellos continuadores en alguna medida de la orientación renovadora iniciada por Pablo Picasso, Joan Miró y Juan Gris. Poseedor de una completa colección de cuadros y esculturas de diversos artistas de su generación, Zóbel eligió como espacio para su exposición las recién restauradas Casas Colgadas de Cuenca, a sugerencia de su amigo y compañero de oficio Gustavo Torner, y después de desechar como posible emplazamiento la ciudad de Toledo. Gerardo Rueda se unió poco después al proyecto que supuso, además de la creación de un espacio donde exhibir las obras más representativas realizadas en los años 50 y 60 por los artistas abstractos españoles, la llegada a la ciudad de otros creadores que establecieron en Cuenca su residencia y contibuyeron de manera decisiva a configurar su casco antiguo como un ámbito de enorme dinamismo artístico y de indudable carácter cosmopolita.

En el museo se exponen de forma permanente más de un centenar de obras de artistas españoles que cultivaron la abstracción en las décadas centrales del siglo XX, junto con realizaciones posteriores, correspondientes a las décadas de los años ochenta y noventa del pasado siglo.

Pinturas, esculturas, obra gráfica, dibujos, carteles y otros trabajos de más de ciento cincuenta creadores, en su mayoría directamente vinculados con los grupos que, desde el final de los años cuarenta, contribuyeron a difundir el lenguaje de la abstracción: Dau al Set, El Paso, Parpalló o Gaur.

La nómina de artistas representados en el Museo de Arte Abstracto Español es extensa; incluye, entre otros, a Basterrechea, Canogar, Cuixart, Chillida, Chirino, Farreras, Feito, Amadeo Gabino, Guerrero, Hernández-Pijuán, Lorenzo, Manrique, Millares, Mompó, Lucio Muñoz, Oteiza, Palazuelo, Rivera, Rubio Camín, Rueda, Saura, Sempere, Serrano, Tápies, Teixidor, Torner, Iturralde, Viola y Zóbel.

Las obras expuestas evidencian el cruce de influencias que vivieron sus autores: expresionismo abstracto, abstracción lírica, Op-Art o constructivismo, entre otras. (Fuente: Summa Artis. XLIX-I)




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Uso original: vivienda


Arquitecto: Secundino Zuazo

Uso actual: Museo Victorio Macho



Responsables: Fundación Victorio Macho y Real Fundación de Toledo

Dirección: Plaza Victorio Macho, 2

45002 Toledo

Tel/Fax: 925 284225 / 925 284238

Web: http://www.realfundaciontoledo.es



En un singular emplazamiento de un escarpado promontorio sobre el Tajo se encuentra Roca Tarpeya, lugar elegido por el escultor Victorio Macho para edificar en 1953 su casa y su taller. En esta casa vivió y trabajó el escultor hasta su muerte. Por disposición testamentaria, Macho cedió al pueblo español una parte importante de sus obras, núcleo con el que se constituyó el museo y fundación de su nombre. El museo fue inaugurado el 13 de mayo de 1967 y permaneció abierto hasta 1984, año en que hubo de cerrarse, debido fundamentalmente a problemas de financiación.

En 1998 la Fundación Victorio Macho se fusionó con la Real Fundación de Toledo, procediéndose entonces a la restauración del edificio y a su reapertura. Hoy, la Casa Museo es sede de la mencionada institución y cumple también los servicios de centro de documentación especializado en temas locales. (Fuente: Summa Artis. XLIX-I)




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Fondos:

En Roca Tarpeya se muestra parte de la colección legada por el escultor, distribuida en tres espacios. En el Museo destacan esculturas como el Autorretrato a los diecisiete años, La Madre, el Torso Gitano, el Danielillo, el Marinero vasco, retratos de personalidades como Unamuno, Marañón, Cajal, Pasionaria, así como bocetos de los grandes monumentos que realizó en España y América. Una interesante representación de dibujos completa la visión del artista, como los autorretratos, la serie de hombres del campo y los desnudos de mujer.

En la cripta, la escultura yacente de su Hermano Marcelo, una de sus obras más famosa. También se exhibe aquí el modelo en terracota del Cristo del Otero, el Cristo de Los Corrales de Buelna, los relieves en bronce del Monumento a Grau, y maquetas de monumentos.

En el jardín, permanecen las mismas obras que el artista tenía expuestas y que caracterizaron la imagen tradicional de Roca Tarpeya. Destacan la grandiosa Eva de América y La Máscara y La Cariátide, sobre la balaustrada. (Fuente: Museo Victorio Macho)




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CASTILLA Y LEÓN




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Uso original: Casa de Miranda, Casa de Íñigo Angulo, Casa Melgosa


Arquitectos: Juan de Vallejo, Juan Ortíz de la Maza

Uso actual: Museo de Burgos



Dirección: C/ Miranda, 3

09002 Burgos

Tel/Fax: 947 265875 / 947 276792

Web: http://www.museodeburgos.com/


Historia de los edificios:

CASA DE MIRANDA

Este palacio renacentista fue levantado en 1545 por orden del canónigo y protonotario D. Francisco de Miranda y Salón. Hasta ahora, la mayoría de las hipótesis apuntaban a que la Casa de Miranda fue construida por Juan de Vallejo en torno a 1545. Sin embargo, los historiadores Carlos Alberto Hernández Oliva y Jorge Martínez Montero han hallado un documento que atribuye su autoría al maestro cantero Juan Ortíz de la Maza, que inició las obras el 3 de agosto de 1543.

Originalmente, su planta era rectangular, pero, debido a una modificación de 1930, hoy presenta una planta trapezoidal irregular. El edificio está construido con piedra de sillería en planta baja y ladrillo en los pisos superiores. Es característico de este edificio la pervivencia de algunos elementos arquitectónicos goticistas, como las torres de las esquinas y las gárgolas de los aleros del tejado.




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La fachada principal, situada en la calle Calera, posee una portada en la que destaca la decoración a base de motivos vegetales y figurados, medallones con bustos y los escudos de la familia Miranda y de la familia Castillo Santacruz.

El patio es, sin duda, el elemento arquitectónico más importante del edificio. Tiene planta rectangular, y se compone de doble galería articulada por dieciocho columnas rematadas con un llamativo elemento formado por capitel y zapata. Sobre el arquitrabe, destaca una inscripción que hace referencia al fundador del palacio y a la fecha de su edificación. La galería superior se cierra con unos antepechos decorados con bustos, figuras humanas, amorcillos, bichas y los escudos de las familias Miranda y Castillo Santacruz. Corona esta galería un friso corrido de relieves de amorcillos, bichas, sirenas, escenas cortesanas y de caza y guirnaldas, junto a motivos heráldicos. El patio se remata en un alero compartimentado por gárgolas figuradas de hombres y animales fantásticos.

En 1955 se instalan en la Casa de Miranda los fondos del Museo Arqueológico Provincial de Burgos, y a partir de 1973 se pasa a denominar Museo de Burgos.

En 1979 el Museo inició un importante proceso de transformación orientado a la ampliación del espacio expositivo y a la renovación de sus instalaciones. Así, la Casa de Miranda fue totalmente restaurada para acoger las Secciones de Prehistoria y Arqueología, mientras que la colindante Casa de Íñigo Angulo recibió la Sección de Bellas Artes. Posteriormente, también se incorporó al Museo la Casa de Melgosa, edificio destinado a futuras ampliaciones.

CASA DE ÍÑIGO ANGULO

Situada junto a la Casa de Miranda, se trata también de una construcción civil de mediados del siglo XVI. Fue levantada por Juan de Vallejo por orden de D. Lope Hurtado de Mendoza. Tiene planta rectangular, con dos torreones cuadrangulares a los lados. Sus fachadas están realizadas también con piedra de sillería en planta baja y ladrillo en el resto de los pisos.

La fachada principal, que igualmente se abre a la calle Calera, tiene una portada en la que brilla la decoración renacentista a base de motivos figurados y vegetales, animales fantásticos y rosáceas, destacando, sobre el friso, el escudo con las armas de las familias Hurtado de Mendoza y Angulo-Ortiz de Taranco, entre dos varones barbados y dos leones sedentes.

La fachada sur está formada por una arquería con columnas de fuste liso rematadas en capiteles de volutas.

Este palacio fue adquirido por la familia de Íñigo Angulo hacia 1775.




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CASA MELGOSA

Construida en 1545, albergó en sus orígenes un colegio vinculado a la orden de religiosas Agustinas y años más tarde un hospital de ancianos bajo la protección de la familia Melgosa, institución que perduró hasta finales del siglo XIX, cuando el inmueble se reconvirtió en viviendas de alquiler.

Se trata de una edificación del siglo XVI con esquema arquitectónico sencillo, estructurada en dos niveles separados por una cornisa lisa que se adapta a los contornos de arcos y puertas, construida en piedra de sillería en la parte inferior y ladrillo enfoscado en la parte alta. La fachada, orientada al norte, cuenta con una portada en el lado derecho flanqueada por pilastras decoradas con guirnaldas y vasos con frutos y cerramiento de arco rebajado adornado en las enjutas por dos aves. En un lado de la fachada se abre una puerta de inferior tamaño rematada en arco de medio punto, simétrica en su disposición a otra hoy desaparecida. Se remata el conjunto con una cornisa lisa.

En 1986 el edificio fue adquirido por el Estado, que procedió a demoler el interior que se encontraba en estado ruinoso, manteniendo únicamente de su estructura primitiva la fachada y algunas arcadas. (Fuentes: Museo de Burgos, Ministerio de Cultura)

Fondos:

Los fondos del museo, procedentes del ámbito burgalés, presentan al visitante un panorama completo del proceso de desarrollo histórico y cultural de la provincia. La sección de Arqueología culmina en época visigoda; por su parte, los fondos de Bellas Artes cubren un dilatado periodo de tiempo, desde el prerrománico hasta las manifestaciones artísticas contemporáneas.

Dentro del período contemporáneo, a caballo entre los siglos XIX y XX destacan las obras de tres artistas: Luis Manero Miguel, El molino, Julio del Val Colomé, Campesinos burgaleses y Encarnación Bustillo, Las camareras de la Virgen.

En cuanto a los pintores burgaleses del siglo XX, están presentes importantes autores como Manuel de Lambarri, José María Muñoz Melgosa, José Vela Zanetti, Modesto Ciruelos, Luis Sáez, José María González Cuasante, Antonio Sanz de la Fuente o Ignacio del Río.

Por último, respecto a la escultura del siglo XX, se encuentran representados Francisco Ortega Díez, Alberto Bañuelos y José María Casanova. (Fuentes: Museo de Burgos, Ministerio de Cultura)




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Uso original: fábrica La Tejera

Uso actual: Centro de Ferias, Exposiciones y Congresos de Palencia


Fecha rehabilitación: 2009-2010

Arquitecto: Patxi Mangado

Dirección: Palencia


El Centro de Ferias, Exposiciones y Congresos de Palencia será el resultado de la rehabilitación de La Tejera, una tipología industrial habitual en el patrimonio arquitectónico de España, como es la de las antiguas tejeras, que solía contener hornos y chimeneas. El arquitecto Francisco Mangado es el autor del proyecto, que albergará diversas áreas para exposiciones, un auditorio para 800 personas y otras instalaciones de apoyo. (Fuente: Conexo.net)




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Uso original: fábrica de harinas

Fecha construcción: primer tercio s. XIX

Uso actual: Centro de Arte Experimental La Fábrica


Promotor: Evelio Gayubo

Dirección: Barrio del Puente, s/n

34338 Abarca de Campos, Palencia


La Fábrica era un idílico lugar en las llanuras de Tierra de Campos (Palencia). Una vieja fábrica de harina del primer tercio del siglo XIX bañada por las aguas del Canal de Castilla (una de las mayores obras de ingeniería del siglo XVIII español) se convirtió, gracias al empeño -no exento de pasión- del galerista vallisoletano Evelio Gayubo, en un Centro Experimental de Arte Contemporáneo, único en la zona. En este edificio abandonado, casi perdido, en el pueblo de Abarca de Campos, se fundían, con pasmosa naturalidad, la obsoleta maquinaria industrial con los montajes más arriesgados, con las instalaciones más vanguardistas de artistas contemporáneos.

El espacio no tenía límites, sobre todo para las instalaciones expuestas en el exterior. La libertad, por tanto, era máxima. Aunque, en el interior, también era máxima la dificultad, ya que las obras tenían que convivir con un escenario poco habitual como son las máquinas que, hasta 1979, sirvieron para fabricar harina. (Fuente: ACHIAGA, Paula. “La Fábrica abre su temporada artística”. El Cultural.es. (14 marzo 1999)




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Fondos:

El agua era uno de los principales atractivos del lugar. Era el elemento que comunicaba el interior con el exterior, haciendo compañía a las obras de artistas como Javier Tudela, Joxerra Melguizo, Francisco Pino, Juan Carlos Meana, Leopoldo Ferrán, Agustina Otero, Bruno Marcos, Carlos Sanz Aldea. (Fuente: ACHIAGA, Paula. “La Fábrica abre su temporada artística”. El Cultural.es. (14 marzo 1999)

La Fábrica funcionó de manera ejemplar desde 1994 y hasta 2002, alcanzando una cifra de visitantes insospechada, cercana a los diez mil anuales. Actualmente se encuentra cerrada.




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Uso original: Casa Lis


Arquitecto: Joaquín Vargas y Miguel de Lis (ingeniero)

Uso actual: Museo Art Nouveau y Art-Déco


Fecha rehabilitación: principios años 90

Arquitectos: Javier Gómez Riesco y Francisco Morón

Dirección: C/ El Expolio, 14

37008 Salamanca

Tel/Fax: 923 121425 / 923 270320

Web: http://www.museocasalis.org/



La Casa Lis constituye un importante ejemplo de la arquitectura civil modernista fuera del ámbito catalán. Su construcción finalizó en 1905, con proyecto de Joaquín Vargas –que intervino en el Mercado Central de Salamanca- y Miguel de Lis, arquitecto e ingeniero industrial, respectivamente, que planearon un edificio de dos plantas.

En los años ochenta del siglo XX el edificio fue objeto de restauración, tras su expropiación por parte del Ayuntamiento, dado el avanzado estado de deterioro en que se encontraba. En la restauración tomaron parte los arquitectos locales Gómez Riesco y Morón. Las magníficas vidrieras emplomadas que decoran las fachadas y el patio interior, diseñadas por Ramos Andrade, fueron realizadas por el artista catalán Juan Villaplana.

En 1995 se convirtió en el Museo Art Nouveau y Art-Déco de Salamanca. (Fuente: Summa Artis. XLIX-I)




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Fondos:

El museo consta de diversas secciones –esmaltes, porcelana, bronce, piezas textiles, mobiliario, vidrio, pintura, entre otras- y cuenta, asimismo, con una interesante colección de juguetes, sobre todo muñecas. (Fuente: Summa Artis. XLIX-I)




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Uso original: Casa de los Abarca-Alcaraz

Fecha construcción: fines s. XV – principios

s. XVI

Arquitecto: Maestro Michel

Uso actual: Museo de Salamanca


Fecha rehabilitación: 1946-1948, 1982-1989

Arquitecto: Alfredo Pérez Armiñán (1982-1989)

Dirección: Casa de los Doctores de la Reina.

Patio de las Escuelas Menores, 2

37008 Salamanca

Tel/Fax: 923 212235 / 923 263765


El Museo de Salamanca tiene su sede en el Palacio Abarca-Alcaraz, situado entre la plaza de Fray Luis de León y el patio de las Escuelas Menores de la ciudad de Salamanca. Es un edificio de fines del siglo XV, casa fuerte torreada típicamente castellana, ornamentada con elementos platerescos y organizada en torno a un claustro central, al que se abre la escalera principal. Posee planta baja y un piso, además de una bodega subterránea y una dependencia aislada en la torre.

Fue mandado construir a fines del siglo XV por el doctor Fernán Álvarez Abarca, médico de la reina católica y de su hija Juana, motivo por el que el edificio se denomina Casa de los Doctores de la Reina.

Las obras comenzaron en 1507 y aún duraban en 1521. Se tienen también noticias de que trabajó en la obra el maestro Michel, que también interviene en las obras de la catedral y en la iglesia de San Millán. Aparece documentado en los mismos años el trabajo de Hernán Gallego, quien dora los escudos y pinta las rejas, perdidas en el incendio que asola el inmueble en 1564.




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Desde 1671 hasta 1756 fue ocupado por los estudiantes del colegio de la orden de Alcántara. En el siglo XIX estuvo ocupado por los agustinos mientras se reconstruía su convento. Tras ser declarado Monumento Histórico-Artístico en 1921, el Estado lo adquiere en 1942 y el museo se establece en este edificio en 1946. Tras dos años de reformas, se abre al público en 1948.

El museo ha permanecido en este edificio hasta la actualidad (salvo un breve paréntesis en 1970-1974, en que fue trasladado a la Casa de las Conchas). Entre 1982 y 1989 se amplió según el proyecto redactado por el arquitecto Alfredo Pérez Armiñán, ocupando los solares en que se ubicaban unas casas colindantes de la calle Serranos, que fueron adquiridas por el Estado en 1980 con esta finalidad. (Fuente: Ministerio de Cultura, Turismo de Castilla y León)

Fondos:

Obras pictóricas de varios autores, desde el siglo XIV a nuestros días. Destacan el Descendimiento de Luis Morañes, el San Andrés de Juan de Flandes o el Retrato de Unamuno, realizado por Echevarría. Lienzos de los siglos XVI y XVII. (Fuente: Turismo Castilla y León)




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Uso original: Cárcel Provincial de Salamanca


Uso actual: Domus Artium 2002

Fecha inauguración: abril 2002


Arquitecto: Horacio Fernández del Castillo

Dirección: Avda. de la Aldehuela, s/n

37003 Salamanca

Tel/Fax: 923 184916 / 923 183235

Web: http://www.salamancaciudaddecultura.org:81/



El centro de arte está edificado sobre lo que fue la antigua cárcel provincial, un edificio de estilo ecléctico construido en 1930. La reforma actual fue realizada por el arquitecto español Horacio Fernández del Castillo. En dicha reforma se intentó respetar la memoria histórica del edificio en algunas de sus salas (como por ejemplo en la sala central que conserva las puertas de las celdas y la reja de hierro original) y al mismo tiempo, se han creado nuevos espacios expositivos y de gestión que se adaptan de un modo más funcional a las necesidades programáticas del centro.

El centro tiene una superficie construida de 9.500 m2 de los cuales más de 2600 metros cuadrados están destinados a salas de exposición. El centro está dotado de biblioteca, centro de documentación, sala de conferencias, tienda, cafetería, restaurante y parking.

Desde el principio la rehabilitación trató de potenciar los valores arquitectónicos que




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poseía el edificio, así se individualizan elementos como el pabellón de acceso exterior al recinto, el muro exterior que delimita el conjunto, dos cuerpos de edificación interiores y los patios con sus muros de cerramiento.

Se conserva la imagen del edificio original tanto en su fachada frontal como en los pabellones interiores que integran la gran cruz central y se han aportado elementos de la nueva arquitectura que hacen valorar de forma positiva la imagen de conjunto. Destaca entre ellos el nuevo vestíbulo acristalado edificado en el antiguo edificio de ronda de cárcel. Este vestíbulo acristalado levantado como un muro cortina que separa la zona de acceso a la antigua prisión y las salas de exposiciones. El acceso se salva con una pasarela en forma de cajón cerrado.

Uno de los ejes más interesantes es la gran sala central de exposiciones de doble altura donde se conserva la galería original de acceso a las celdas, recuperando la funcionalidad de la escalera y pasarela de la planta superior. Las puertas de las antiguas celdas sirven como recordatorio de la función que un día tuvo el edificio. Al mismo tiempo en el espacio se decidió mantener la gran reja que separa esta sala y el vestíbulo modificándola ligeramente para adaptarla al espacio.

Finalmente se demolieron las tapias que forman los patios interiores y parte de los exteriores reinterpretándose la zona de patios en función de los nuevos usos del edificio. (Fuente: DA2)

Fondos:

El programa expositivo desarrollado desde su inauguración hasta hoy destaca por una apuesta decidida por las últimas tendencias del arte nacional e internacional y muy especialmente del desarrollado desde la década de los noventa hasta hoy y el apoyo a los artistas emergentes de la ciudad y la comunidad castellanoleonesa.

En los últimos dos años se está prestando especial atención a los artistas que trabajan con vídeo y nuevos soportes audiovisuales, habiendo varias salas del centro habilitadas para mantener una programación permanente sobre estos soportes. (Fuente: DA2)




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Uso original: Colegio Arzobispo Fonseca, Facultad de Medicina


Uso actual: Espacio de Arte Experimental de la Hospedería Fonseca

Arquitecto: Carlos Puente

Dirección: C/ Fonseca, 2

37002 Salamanca

Tel/Fax: 923 294760 / 923 294797

Web: http://campus.usal.es


El Colegio Arzobispo Fonseca fue el primero en construir un edificio destinado a Hospedería que era independiente al Colegio pero adosado a él. Estaba destinado a albergar colegiales "huéspedes" cuando habían concluido sus estudios, mientras esperaban un destino ventajoso en la Administración del Estado o de la Iglesia. El edificio inicial era de planta rectangular y fue sustituido por un edificio posterior en el siglo XVII, tiene planta rectangular edificadas en dos alturas en torno a un patio o claustro con arquerías de medio punto sobre las pilastras toscanas únicamente en el primer piso y sólo con tres de sus lados, mientras que el segundo piso se abre con ventanas rectangulares con orejeras. Fue sede del Colegio de Cuenca. En 1822 fue hospicio y casa de socorro. En 1827 se arrendó el edificio a los nobles irlandeses junto con el Colegio hasta 1936. En 1903 se destina el edificio a albergar la Facultad de Medicina hasta 1988 que se traslada ésta al Campus Miguel de Unamuno. Hasta convertirse en el edificio multiusos que es hoy en día, sus espacios se destinaron para diversos cursos de la Facultad de Derecho. (Fuente: Hospedería Fonseca)

Fondos:

La Hospedería del Colegio Fonseca es en la actualidad un moderno edificio multiusos que alberga diversas unidades administrativas de la Universidad de Salamanca tales como el Servicio de Cursos Extraordinarios, el Servicio de Actividades Culturales, el Instituto de Iberoamérica y Portugal, el Parque Tecnológico y la Fundación General, entre otras. (Fuente: Hospedería Fonseca)




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Uso original: Palacio de Enrique IV


Uso actual: Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente



Arquitecto: Juan Ariño

Dirección: Plazuela de las Bellas Artes, s/n

40001 Segovia

Tel/Fax: 921 462010 / 921 462277

Web: http://www.museoestebanvicente.es/



El museo esta ubicado en un inmueble del mayor significado histórico: el Palacio del Rey Enrique IV, cuya edificación se remonta al año 1455.

Tras la muerte del Rey, el edificio fue repartido entre distintas familias que, para adecuarlo a las diversas necesidades de habitabilidad, destruyeron de forma irreversible el plano original del conjunto.

En 1518 Pedro López de Medina y su mujer, Catalina de Barros, decidieron fundar en las estancias de su propiedad un Hospital de Viejos, al que Pertenece la Capilla con el artesonado mudéjar original y las estatuas yacentes de sus fundadores, que ahora cumple las funciones de auditorio del museo.

Siempre ligado a la historia viva de la ciudad, el edificio ha cumplido a lo largo de los siglos los cometidos más dispares, sufriendo también importantes transformaciones. Finalmente, en 1974, hubo de ser clausurado por su estado ruinoso.




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Su rehabilitación se ha llevado a cabo según el plan museográfico trazado por Juan Ariño, optando por un modelo de espacios amplios, asépticos y austeros, que otorgan el protagonismo a las obras. Se pusieron en valor los escasos restos históricos que quedaban y se cuidó especialmente el entorno urbanístico del palacio y sus elementos exteriores. (Fuente: Museo Esteban Vicente)

Fondos:

La colección del museo tiene como núcleo la donación de 153 obras otorgada generosamente por el pintor Esteban Vicente y su esposa, Harriet G. Vicente. Este legado está compuesto por 48 óleos, 27 collages, 51 dibujos, 4 acuarelas, 16 esculturas de pequeño formato, 1 tapiz, 2 litografías y 4 serigrafías. El conjunto abarca con amplitud la evolución del pintor y las distintas etapas de su obra. (Fuente: Museo Esteban Vicente)




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Uso original: Iglesia de la Pasión

Fecha creación: finales s. XVI

Uso actual: Museo de la Pasión

Dirección: C/ Pasión, s/n

47001 Valladolid

Tel: 983 374048


El museo está ubicado en lo que fue la Iglesia parroquial más antigua de Valladolid. Iniciada a finales del siglo XVI y reconstruida en el XVII, la iglesia de la Cofradía Penitencial de la Pasión presenta las características propias de un templo penitencial con una balconada para asistir a ceremonias y amplias puertas para los Pasos procesionales. La fachada barroca, realizada por Felipe Berrojo, tiene abundantes referencias a la Pasión de Cristo. Declarada monumento nacional y cerrada al culto desde principios del siglo XIX, ha sido restaurada y remodelada para poder funcionar como sala de exposiciones. (Fuente: Masdearte.com, Linamaela2)




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Fondos:

La colección de pintura que se exhibe data de los siglos XVI, XVII y XVIII. Las obras están firmadas por pintores vallisoletanos o que trabajaron en Valladolid gran parte de su vida. Actualmente también alberga exposiciones temporales de todo tipo de artistas, principalmente de arte contemporáneo. (Fuente: Masdearte.com, Ayuntamiento de Valladolid)




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Uso original: claustro del monasterio de San Benito de Valladolid

Fecha construcción: 1596-1665

Arquitecto: atribuido a Juan de Herrera

Uso actual: Museo Patio Herreriano

Fecha inauguración: 4 junio 2002


Arquitectos: Juan Carlos Arnuncio, Clara Aizpún y Javier Blanco; Juan Ariño (proyecto museográfico)

Dirección: C/ Jorge Guillén, 6

47003 Valladolid

Tel/Fax: 983 362771 / 983 375295

Web: http://www.museopatioherreriano.org/



En el solar que hoy ocupa el Museo Patio Herreriano, antes Monasterio de San Benito, se ubicaron en los siglos XII y XIII los Reales Alcázares. En el s. XIV esta fortaleza perdió su función defensiva para convertirse en monasterio benedictino. La primitiva iglesia del monasterio ocupaba el espacio de la antigua capilla del Alcázar (capilla de San Ildefonso), y a sus pies se construyó una importante capilla funeraria, la de Don Sancho de Rojas, hoy de los Condes de Fuensaldaña. La orden benedictina practicaba una clausura estricta y voto de silencio, lo que suponía una ruptura en la relajación de costumbres de la Iglesia en la Baja Edad Media. En los siglos XIV y XV recibió numerosas donaciones de nobles y eclesiásticos y pasó a convertirse en cabeza de la orden en España. Estas contribuciones económicas y su cada vez más extenso poder le permitieron ir acometiendo sucesivas reformas y ampliaciones.




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A finales del s. XV pudo construirse una gran iglesia para el monasterio (actual iglesia de San Benito) en la que participaron algunos de los mejores arquitectos de la época, como Juan de Arandia y Rodrigo Gil de Hontañón, y a finales del s. XVI se encargó al arquitecto Juan de Ribero Rada el diseño de un nuevo y más amplio monasterio. Las "trazas universales", es decir, el diseño general del conjunto monástico, se conservan en el Archivo Histórico Nacional. Se trataba de un proyecto ambicioso que sólo pudo ser llevado a cabo parcialmente y que giraba en torno a tres claustros principales: el patio procesional (actual Patio Herreriano) que acogía las dependencias de los monjes, dormitorios, refectorio, sala capitular y biblioteca; el Patio de Novicios, que separaba la zona de clausura de la zona pública; y el Patio de la Hospedería, que albergaba los servicios públicos del monasterio. Éste era la mejor botica, el archivo y banco más seguros de la ciudad y la bodega más importante, puesto que los benedictinos eran propietarios de grandes extensiones de viñedos.

Durante mucho tiempo el Patio Herreriano fue atribuido erróneamente al arquitecto Juan de Herrera por su estilo y proporciones, inspirados en el Patio de los Evangelistas de El Escorial. Una vez acabada la fachada principal del monasterio, llamada Portería Real, el Patio se inicia en torno a 1596, prolongándose su construcción hasta 1665. Las proporciones del claustro están condicionadas por el espacio preexistente delimitado por la iglesia de San Benito, el cuarto de San Julián (actual sala Gil de Hontañón) y la Capilla de los Condes de Fuensaldaña. La construcción del Patio Herreriano contribuyó a enlazar el desmembrado conjunto de edificaciones que hasta el momento habían formado parte del monasterio.

Aunque no se observa a primera vista no es un patio totalmente regular, puesto que la longitud de sus lados y los ángulos de unión son desiguales. Estas irregularidades son apenas perceptibles, dado que la armonía de su organización espacial se ve reforzada por el propio alzado del claustro. Cada lienzo está formado por dos alturas de siete arcos cada una, separados por columnas pareadas, en el cuerpo inferior toscanas y en el superior jónicas. La monumentalidad viene resaltada igualmente por el empleo de la piedra, que aunque era un material escaso en Castilla, pudo obtenerse gracias a la concesión por parte de Felipe II del uso en exclusiva de unas canteras cercanas. El Patio Herreriano constituye por su orden y claridad uno de los mejores ejemplos de arquitectura clasicista española del s. XVI.

Las obras del monasterio se prolongaron hasta el siglo XVIII, momento en que se termina el claustro de la Hospedería. Poco después empieza el declive de su historia como centro monástico. La llegada de las tropas napoleónicas supuso el levantamiento de los suelos de piedra de los patios para pavimentar las calles de la ciudad, mientras en el interior del templo se construían hornos y almacenes de grano y paja. La breve recuperación benedictina tras la invasión francesa quedó truncada por los decretos de desamortización que supusieron su cierre definitivo en 1835.




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Entre esta fecha y 1965, que pasó a ser dependencia municipal, el monasterio volvió a su origen militar, denominándose Fuerte de San Benito, lo que llevó al derribo y reforma de significativas zonas del antiguo monasterio. En la actualidad cada uno de los tres patios cumple diversas funciones. El de la Hospedería es sede de oficinas del Ayuntamiento, tras una profunda rehabilitación arquitectónica. La iglesia de San Benito y un sector del patio de novicios están regentados por los carmelitas descalzos. Finamente el Patio Herreriano alberga la sede del Museo de Arte Contemporáneo. De su extremo oeste nacen ahora las nuevas construcciones necesarias para su adaptación a museo. El complejo arquitectónico se ha formado por tanto a través de un largo e histórico ensamblaje de espacios, de los que el museo es el último avatar. La peculiaridad de San Benito trasciende así su historia para hacerse, de nuevo, un centro de referencia en Valladolid.

LA INTERVENCIÓN MODERNA

La adaptación del Patio Herreriano a museo de arte contemporáneo ha supuesto dos trabajos complementarios. Por un lado, la rehabilitación de un edificio antiguo y complejo, en cuyos espacios se han superpuesto diversos usos a lo largo de su historia. Su nueva función exigía unos requerimientos que privilegiaran su contenido, las obras de arte, tanto desde el punto de vista de su conservación, como el de su exhibición. Por otro lado, la construcción de un anexo de nueva planta debía permitir enlazar una arquitectura definida por los rasgos de lo moderno con la presencia arquitectónica del viejo monasterio. El proyecto de rehabilitación de Juan Carlos Arnuncio, Clara Aizpún y Javier Blanco y la asesoría museográfica de Juan Ariño han cumplido con creces estos objetivos.

El edificio monástico está cargado de connotaciones asociadas a la estructura preexistente que los arquitectos han querido potenciar a través de los volúmenes limpios y el uso cuidadoso de los materiales. Estas características son especialmente evidentes en los corredores del claustro, en la rehabilitación de la Capilla de Fuensaldaña y en las salas, ocho en el edificio antiguo, que mantienen la neutralidad necesaria para su función expositiva. Son ámbitos destacados la sala llamada Gil de Hontañón y la Capilla. La primera es un espacio abovedado, antigua sala capitular, donde se han recuperado restos de unas pinturas al fresco de principios del s. XVI y en la que intencionadamente se muestra la obra más contemporánea de la colección. La Capilla de los Condes de Fuensaldaña es un espacio emblemático del museo que se encontraba en ruina total. El acabado cúbico y la luminosidad que se filtra del cielo raso de su falso techo origina un espacio diáfano, amplio e inundado de luz. La exhibición en esta sala de esculturas e instalaciones obligará a establecer un diálogo entre éstas y la potente arquitectura que las alberga. Espacios singulares son también el centro de documentación, con su cubierta de madera y el vestíbulo, una galería recorrida por una arquería de ladrillo, que fue utilizada como caballerizas cuando el monasterio se convirtió en fuerte militar.




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El añadido de un ala nueva viene dado por la necesidad de ganar espacio expositivo. Con la ampliación se añaden tres salas de exposiciones más a las ocho creadas en el interior del edificio antiguo. Sus cometidos se completan con una cafetería-restaurante, almacenes y muelle de carga. El nuevo edificio se ha diseñado generando un volumen vacío que actúa como caja neutra, recuperando el espíritu de sobriedad y claridad constructiva. No podría ser de otra manera teniendo que enlazarse con el edificio de San Benito de origen cisterciense. Esta vinculación se ve reforzada en los espacios de encuentro entre lo nuevo y lo viejo, que se atraviesan de forma apenas perceptible. La reforma urbanística en torno al museo genera un nuevo ámbito en la ciudad, entre el museo y el instituto de enseñanza media, obra de Fisac. La plaza resultante se ha concebido como lugar de disfrute para los ciudadanos, con una referencia lejana a la idea de ágora que da paso a una zona ajardinada. (Fuente: Museo Patio Herreriano)

Fondos:

La colección del Museo Patio Herreriano se crea a partir de los fondos de la Colección Arte Contemporáneo. Su formación está determinada por un criterio histórico que permite el seguimiento de los principales artistas y tendencias del arte español de los siglos XX y XXI. Se ha optado por un recorrido que respeta la sucesión de los principales acontecimientos del arte español de estos siglos. Con su nueva ubicación en el museo, la colección tiene la posibilidad de mostrarse de forma permanente a través de diversos ámbitos representativos de ese peculiar recorrido histórico. La variación de obras en las salas destinadas a la colección permanente permite mostrar los diversos matices con los que ha sido conformada esta narración del desarrollo del arte contemporáneo en España. El trabajo de revisión histórica realizado desde 1987, fecha de creación de la Colección Arte Contemporáneo, tiene ahora la oportunidad de contextualizarse mediante nuevas exposiciones temporales que conviven en el espacio del museo con los ámbitos destinados a la colección permanente. (Fuente: Museo Patio Herreriano)




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Uso original: Castillo de Zamora

Fecha construcción: mediados s. XI

Uso actual: Baltasar Lobo Castillo Centro de Arte



Arquitecto: Rafael Moneo

Dirección: Parque del Castillo, s/n

49001 Zamora

Web: http://www.mbaltasarlobo.com


Según las crónicas, el Castillo de Zamora fue mandado construir por Alfonso II aunque los estudios realizados por diferentes historiadores afirman que probablemente estaría realizado por Fernando I. Por tanto, el edificio dataría de mediados del siglo XI. Históricamente ha tenido importancia desde su edificación hasta siglos posteriores.

De la base original no quedan muchos vestigios. Además, tras las reformas acometidas por Felipe V buena parte de la estructura fue modificada, con la inclusión de un terraplén y algunos elementos más que lo adaptaban al contexto de la época.

Actualmente, se conserva el perímetro del castillo rodeado del foso que se halla casi íntegro. Los muros de mayor importancia, el patio de armas y la torre del homenaje también han llegado hasta nuestros días.

Hoy en día es propiedad del Ministerio de Educación, Cultura y Deportes, que se encarga de su conservación. La ciudad de Zamora lo utiliza para albergar la escuela de arte de la ciudad, y hasta el 2004 albergó la Escuela Oficial de Idiomas.




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Recientemente ha sido rehabilitado para albergar el Museo de Baltasar Lobo, edificio diseñado por el arquitecto Rafael Moneo. En las labores de restauración se han hecho hallazgos importantes, como el de varias torres que hasta ahora se desconocían y restos arqueológicos de la Edad de Bronce.

Se trata de una de las obras más importantes dentro del recinto amurallado de la propia ciudad, así como del contexto castellano y leonés en general. Está ubicado sobre una elevación natural que le daría más poderío defensivo si cabe. (Fuente: Baltasar Lobo Castillo Centro de Arte)

Fondos:

A lo largo de dos plantas, el museo recoge parte importante de la obra del artista zamorano que enamoró con su forma de entender el arte a medio mundo.

La exposición está formada por extraordinarios dibujos, fotografías de su vida, útiles de trabajo y más de medio centenar de maravillosas esculturas que el escultor zamorano realizó a lo largo de toda su vida. Una exposición que gracias a su estructura, permite reconstruir cronológicamente la biografía artística del escultor. Un recorrido artístico que se completa con las imponentes esculturas de bronce ubicadas en los jardines y en la liza del Castillo y que hacen alarde de una concepción única de la realidad que le dotaron de su merecida fama. (Fuente: “Zamora, a los pies de su castillo”. El País: diario independiente de la mañana. (22 agosto 2009); pp. 12-13.)




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CATALUÑA




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Uso original: antiguo Convento de Santa Mónica


Uso actual: Arts Santa Mónica


Fecha rehabilitación: 1986-1990; 2009

Arquitectos: Helio Piñon y Albert Viaplana; Albert y David Viaplana

Dirección: Rambla de Santa Mónica, 7

08002 Barcelona

Tel: 93 3162810

Web: http://www.artssantamonica.cat/


Arts Santa Mónica en FACEBOOK


El año 1984 Santa Mònica, antiguo convento fechado de 1636, fue declarado monumento histórico-artístico de interés nacional y se convirtió en sala de exposiciones de la Generalitat de Catalunya. Restaurado por los arquitectos Helio Piñon y Albert Viaplana con un proyecto que contemplaba la preservación del rastro histórico de las sucesivas intervenciones que desde el siglo XVII se habían producido, y al mismo tiempo se introducía la utilización de materiales contemporáneos. El elemento más destacado y hoy característico del edificio, es el acceso a través de la rampa exterior que permite una visión privilegiada de la Rambla y actúa como un balcón abierto de grandes dimensiones que comunica el interior con el exterior.

Recientemente, el edificio ha sido objeto de una nueva rehabilitación a cargo de Albert y David Viaplana, y ha pasado de llamarse Centre d’Art Santa Mónica (CASM) a denominarse Arts Santa Mónica (ASM). (Fuente: Arts Santa Mónica)




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Objetivos:

Arts Santa Mònica es un espacio de confluencia y de cruce entre diferentes disciplinas de la creación artística contemporánea con la ciencia, el pensamiento y la comunicación.

Atentos a las mutaciones culturales y a los cambios sociales marcados por el tráfico a la sociedad del conocimiento -en colaboración con instituciones universitarias y académicas, institutos de investigación, centros de producción y difusión artística, científica y comunicativa-, Arts Santa Mònica genera ideas, proyectos, investigación y materiales que promueven un diálogo entre las aportaciones locales y la dimensión global de la sociedad.

La programación, que gira al ritmo de las estaciones, se despliega en un lugar de lugares: el quiosco (espacio transfronterizo entre los contenidos y la red), el balcón de la Rambla (espacio polivalente de acciones y debates), el archivo (sala de exposiciones de la memoria), el claustro (gran espacio de exposiciones de tesis, colectivas y disciplinas), la anilla (sala de recorridos expositivos) y el laboratorio (sala de exposición y de creación de proyectos que relacionan el arte, la ciencia y la técnica), así como en intervenciones en el espacio público.

Arte como interpelación del disfrute estético, del conocimiento y de la experimentación al alcance de una comunicación emocional y crítica. Ciencia, como cultura, concebida como uno de los núcleos de la creatividad. Comunicación, como objeto de atención y reflexión en sus interrelaciones con el arte y la sociedad, y como plataforma de existencia y de expresión del propio centro.

El ASM estrena una nueva línea centrada en la comunicación y las nuevas tecnologías. En este sentido, la página web es uno de los pilares del centro, con contenidos artísticos especialmente producidos para internet. Además, Santa Mònica es una realidad virtual, con presencia en las populares plataformas YouTube, Facebook, MySpace, FlickR y Delicious. (Fuente: Arts Santa Mónica)




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Uso original: fábrica de hilados y tejidos Casaramona


Arquitecto: Josep Puig i Cadafalch

Uso actual: CaixaForum



Arquitecto: Roberto Luna, Javier Asarta (restaurador), Robert Brufau (ingeniero)

Dirección: Avda. Marquès de Comillas, 6-8

08038 Barcelona

Tel/Fax: 93 4768600 / 93 4768635

Web: http://obrasocial.lacaixa.es/

Caixa Forum en FACEBOOK


Josep Puig i Cadafalch fue el arquitecto de Casaramona, una fábrica de hilados y tejidos que en 1912 fue reconocida por el Ayuntamiento de Barcelona con el primer premio del Concurso de Edificios otorgado a: “los que mejor contribuyeran al ornamento de la ciudad”. La nueva fábrica incorporaba soluciones revolucionarias para aquella época en lo que se refiere a la mejora de la salubridad y luminosidad del edificio y a ofrecer mejores condiciones de trabajo a sus 300 obreros. Otra novedad de la fábrica era que estaba equipada con un sistema de cañerías para la extinción de incendios.

La fábrica se inauguró en 1913, el mismo año en que murió Casimir Casaramona, su fundador. La actividad fabril duró siete años, hasta su cierre definitivo en 1920. En 1940, tras la Guerra Civil, el edificio fue utilizado por la Policía Nacional como caballeriza y parque móvil. En 1963, Casaramona fue adquirida por la Caja de Pensiones para la Vejez y de Ahorros, y en 1992 la Fundación ”la Caixa” decide estudiar seriamente las posibilidades de convertir la antigua fábrica en la sede de sus actividades, y empieza a diseñar los usos que tendrá el nuevo espacio.




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En 1993, la Policía Nacional abandona el edificio y se inicia la labor de su remozamiento para detener el proceso de deterioro que había sufrido a lo largo de décadas.

Actualmente el edificio está completamente reformado y adaptado, pero se respeta su apariencia inicial. Delante de la entrada principal, se ha construido una gran estructura de vidrio y acero diseñada por el arquitecto japonés Arata Isozaki. (Fuente: Obra Social de La Caixa)

Actividades:

CaixaForum se presenta como un punto de encuentro para todos los públicos, con vocación de ser uno de los espacios culturales de referencia en la ciudad de Barcelona. Con 4.000 metros cuadrados dedicados a salas de exposiciones, la Fundación dobla el espacio de que disponía hasta ahora. En su programación, CaixaForum alberga alrededor de seis exposiciones al año de fotografía y artes plásticas, alternando las culturas del pasado con las de los movimientos artísticos de vanguardia. Además, la Fundación dispone de un espacio estable para el arte más actual, donde se exponen diversas selecciones de los fondos de su Colección de Arte Contemporáneo.

El centro dispone de un auditorio con cabida para 400 personas y en sus torres se ubican salas multidisciplinares para conferencias y talleres. El uso de nuevas tecnologías interactivas y multimedia, que permiten al usuario acceder de forma inmediata a un importante fondo de materiales audiovisuales, es otro de los servicios que el centro ofrece a los usuarios en su Mediateca de 500 metros cuadrados. (Fuente: Obra Social de La Caixa)




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Uso original: Casa Provincial de Caritat


Uso actual: CCCB - Centre de Cultura Contemporània de Barcelona



Arquitectos: Helio Piñón y Albert Viaplana

Dirección: C/ Montalegre, 5

08001 Barcelona

Tel/Fax: 93 3064100 / 93 3064101

Web: http://www.cccb.org/es/


CCCB en FACEBOOK


El CCCB es producto de la rehabilitación parcial del conjunto arquitectónico de la Casa Provincial de Caritat, antiguo establecimiento benéfico destinado a hospicio, creado en 1802 y que funcionó como tal hasta el año 1957. El edificio actual se basa en la adaptación de la estructura original que rodea el gran patio central, conocido con el nombre de Pati de les Dones, estructurado en tres alas de cinco pisos de altura dispuestas en forma de letra U. El nuevo proyecto sustituyó el ala norte por un cuerpo prismático de 30 m de altura que conforma una espectacular fachada vidriada que en su parte más alta se inclina sobre el patio a modo de voladizo. Este nuevo elemento se convierte, con su juego de reflejos, en un espejo del paisaje y un privilegiado mirador sobre la ciudad, y al mismo tiempo funciona como zona de tránsito (vestíbulo, ascensores, escaleras).

La fachada exterior de la calle Montalegre y las tres fachadas interiores del patio fueron restauradas, recuperándose la decoración de esgrafiados y aplicaciones de mayólica correspondiente a la remodelación de estilo novecentista efectuada entre los años 1926 y 1929.




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En cuanto a los elementos estructurales característicos de la obra original, se han conservado también las bóvedas de ladrillo, las grandes arcadas y los pilares de sillares de piedra vista. El nuevo edificio cuenta con un total de 15.000 m2 de los que 4.000 m2 están destinados a salas de exposición. Las actuales instalaciones también disponen de tres aulas, un auditorio y espacios polivalentes como el vestíbulo, el Pati de les Dones o la Sala Mirador. El CCCB fue inaugurado oficialmente en febrero de 1994. El proyecto arquitectónico es obra de los arquitectos Helio Piñón y Albert Viaplana, mereciendo en 1993 los premios FAD de Arquitectura y Ciudad de Barcelona de Arquitectura. (Fuente: CCCB)

Actividades:

El Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) organiza y produce exposiciones, debates, festivales, conciertos, programa ciclos de cine, cursos, conferencias, fomenta la creación a partir de las nuevas tecnologías y lenguajes, impulsa la investigación artística en ámbitos como el multimedia, potencia la investigación en el formato expositivo, exporta sus producciones a otros centros culturales, museos y entidades de ámbito nacional e internacional, al tiempo que genera debate, pensamiento y reflexión en torno a la ciudad y el espacio público así como sobre los temas que vertebran la actualidad. Asimismo el CCCB recoge y pone al alcance de todos, parte de su patrimonio, su memoria y su archivo en formatos expositivos, publicaciones, archivos digitales, audiovisuales, etc. Es un espacio abierto a colectivos de artistas, creadores y programadores independientes, así como a varias entidades con las que han ido creando vínculos a lo largo de los años. De este modo, garantiza una programación multidisciplinar y de calidad que impulsa la cultura contemporánea. (Fuente: CCCB)




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Uso original: fábrica de cemento

Fecha construcción: s. XIX

Uso actual: hasta 1995, Espai Poblenou; actualmente cerrado


Dirección: Pasaje Saladrigas, 5-9

08005 Barcelona


El Poblenou es un barrio actual e histórico de la ciudad de Barcelona, en el distrito de San Martín, al noreste de la ciudad.

Su origen está en uno de los núcleos habitados de San Martín de Provensals que creció pronto en industria y habitantes, habitualmente inmigrantes. Llegó a ser a finales del siglo XIX el área con la mayor concentración industrial de Cataluña, y de las mayores de España, por lo que a menudo, San Martín o Pueblo Nuevo recibían el apelativo de «el Manchester catalán». Desde 2006 el barrio está limitado entre las calles Jaume Vicens Vives, Avinguda d'Icària, Ávila, Pere IV, la Llacuna, la Avenida Diagonal, Bac de Roda, el paseo del Taulat, y la calle Bilbao hasta el espigón de la Mar Bella. Su eje central y cívico más popular es la Rambla del Poblenou que atraviesa el centro de su centro histórico de mar a montaña.

El pasado industrial del barrio legó numerosas fábricas que fueron abandonadas y posteriormente recuperadas para diferentes usos, como lofts, estudios, centros culturales y como sede de diferentes entidades. Comparte con ello viviendas construidas durante el siglo XIX y XX, centradas en el núcleo tradicional del barrio, alrededor de la rambla del mismo nombre. Los últimos años se está remodelando intensamente, con la construcción de edificios modernos y la rehabilitación de algunos de ellos. (Fuente: Wikipedia: la enciclopedia libre)




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Actividades:

El año 1989 se abre en la ciudad de Barcelona el Espai Poblenou, dirigido por Gloria Moure hasta 1995, e inaugurado con una exposición del artista Jannis Kounellis.

Este espacio atípico para ese momento, fue instalado en una antigua fábrica de cemento en un barrio de marcado signo industrial en la ciudad, y albergó exposiciones de artistas como Jan Dibbets, Mario Merz, Ulrich Rückriem, John Cage, Richard Long, Sigmar Polke, Bruce Nauman, Rabecca Horn, Christian Boltanski, Lawrence Weiner, Aureli Ruiz, José Maldonado y Rodney Graham. (Fuente: Artenlinea)




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Uso original: Editorial Montaner y Simón


Arquitecto: Lluís Domènech i Montaner

Uso actual: Fundació Antoni Tàpies



Arquitectos: Roser Amadó y Lluís Domènech Girbau

Dirección: C/ Aragó, 255

08007 Barcelona

Tel/Fax: 934 870315 / 934 870009

Web: http://www.fundaciotapies.org


La Fundació Antoni Tàpies abría sus puertas en junio de 1990 en la sede de la antigua Editorial Montaner y Simón, obra del arquitecto modernista Lluís Domènech y Montaner, restaurada y acondicionada por los arquitectos Roser Amadó y Lluís Domènech Girbau.

Construido entre 1881 y 1885, este edificio fue el primero del Ensanche barcelonés que integraba la tipología y la tecnología industrial, combinando hierro y ladrillo visto, en el tejido del centro urbano.

La Editorial Montaner y Simón es junto con la casa Vicens de Antoni Gaudí, uno de los pocos ejemplos que quedan de una manera de construir hoy en día desaparecida y ejemplifica también el paso de una arquitectura ecléctica propia del siglo XIX a un nuevo estilo, el modernismo. Lluís Domènech i Montaner y Antoni Gaudí establecieron las bases arquitectónicas que definieron dos vías de desarrollo diferentes: Gaudí encarnaba una corriente «expresionista», mientras que Domènech i Montaner se decantaba por el racionalismo.




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En 1879 Domènech i Montaner realizó los planos de la Editorial Montaner y Simón. Este edificio recoge muchas de sus preocupaciones respecto a la arquitectura, que no concebía como un elemento autónomo, sino vinculado a un contexto social e histórico concreto. En ese sentido, en 1878 publicó en la revista La Renaixensa el artículo «En busca de una arquitectura nacional», en el que, más que llegar a conclusiones definitivas o dar respuestas concretas, planteaba por primera vez una serie de cuestiones sobre la necesidad de una arquitectura nacional, que fuera a la vez la expresión de las inquietudes de la modernidad de una nueva era.

El edificio de la Fundació está "encajado" entre las dos paredes medianeras de las casas contiguas. Para elevar su altura y subrayar su nueva identidad, Antoni Tàpies creó la escultura que corona el edificio, titulada Núvol i cadira (Nube y silla, 1990). La escultura representa una silla que sobresale de una gran nube. La silla, motivo recurrente en la obra de Tàpies, alude a una actitud meditativa y de contemplación estética.

La fachada de este edificio combina influencias estilísticas clásicas, visibles en la puerta del centro y los dos cuerpos laterales simétricos, y musulmanas, como el uso del ladrillo sin pulir, los elementos de tipo mozárabe y la composición geométrica arabesca.

La sede de la Fundació Antoni Tàpies fue declarada monumento histórico en 1997. (Fuente: Fundació Antoni Tàpies) Fondos:

La colección de la Fundació Antoni Tàpies está constituida en su mayor parte por donaciones de Antoni y Teresa Tàpies. Hay algunas excepciones, como la obra Ocre-gris sobre marró (Ocre-gris sobre marrón, 1962), donada por David K. Anderson, o el panel de cerámica Trespeus (Trébede, 1985), instalado en la terraza de la Fundació, donado por Daniel Lelong.

Además, Antoni y Teresa Tàpies incrementan todos los años la colección con una nueva obra correspondiente al año en curso. De este modo, la colección se mantiene en continuo crecimiento.

Entre pinturas, esculturas, dibujos, libros y grabados, la colección contiene muestras de todos los aspectos de la actividad artística de Tàpies, así como de las distintas tipologías, técnicas y materiales utilizados por el artista. La colección incluye una selección de los dibujos y retratos de los años cuarenta, un conjunto importante de las obras matéricas de los años cincuenta y sesenta, una representación significativa de las obras objetuales de finales de los sesenta y principios de los setenta, así como obras realizadas con goma-espuma o con aerosol, barnices y esculturas de tierra chamoteada de los años ochenta, y también objetos y esculturas que Tàpies ha ido creando desde los años noventa, experimentando con nuevos materiales como las planchas metálicas, a veces utilizadas como soporte pictórico, o el bronce. (Fuente: Fundació Antoni Tàpies)




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Uso original: nave industrial

Fecha creación: s. XIX

Uso actual: Hangar


Dirección: Passatge del Marquès de Santa Isabel, 40

Can Ricart

08018 Barcelona

Tel/Fax: 93 3084041 / 93 3071211

Web: http://www.hangar.org



El centro tiene su sede en un edificio industrial rehabilitado en el Poblenou, un barrio actual e histórico de la ciudad de Barcelona, en el distrito de San Martín, al noreste de la ciudad.

El origen del barrio está en uno de los núcleos habitados de San Martín de Provensals que creció pronto en industria y habitantes, habitualmente inmigrantes. Llegó a ser a finales del siglo XIX el área con la mayor concentración industrial de Cataluña, y de las mayores de España, por lo que a menudo, San Martín o Pueblo Nuevo recibían el apelativo de «el Manchester catalán». Desde 2006 el barrio está limitado entre las calles Jaume Vicens Vives, Avinguda d'Icària, Ávila, Pere IV, la Llacuna, la Avenida Diagonal, Bac de Roda, el paseo del Taulat, y la calle Bilbao hasta el espigón de la Mar Bella. Su eje central y cívico más popular es la Rambla del Poblenou que atraviesa el centro de su centro histórico de mar a montaña.




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El pasado industrial del barrio legó numerosas fábricas que fueron abandonadas y posteriormente recuperadas para diferentes usos, como lofts, estudios, centros culturales y como sede de diferentes entidades. Comparte con ello viviendas construidas durante el siglo XIX y XX, centradas en el núcleo tradicional del barrio, alrededor de la rambla del mismo nombre. Los últimos años se está remodelando intensamente, con la construcción de edificios modernos y la rehabilitación de algunos de ellos. (Fuente: Wikipedia: la enciclopedia libre)

Actividades:

Hangar es un centro para la producción e investigación artística fundado en 1997 por la Associació d’Artistes Visuals de Catalunya (AAVC) para dar apoyo a creadores y artistas y ofrecer servicios que se adapten a las necesidades de producción que surgen en el mundo de la creación.

El espacio, con 1.800 m2, da cabida a 15 talleres individuales, un medialab, 2 platós, un servicio de alquiler de equipos, técnicos y asesoramiento de producción. Además, Hangar organiza un programa de talleres de formación para artistas, un programa de intercambios internacionales y ofrece becas de producción.

El espacio está subvencionado principalmente por la Generalitat de Catalunya y el Ayuntamiento de Barcelona. La gestión corre a cargo de la Fundación AAVC. Su modelo de gestión y su filosofía, enfocada a la producción y la investigación, hacen de Hangar un espacio único en Barcelona e, incluso, en todo el Estado español. (Fuente: Hangar)




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Uso original: Palacio episcopal

Fecha construcción: s. XIII

Uso actual: Museu Frederic Marès


Fecha rehabilitación: 1946-1970, 1997-actualidad

Dirección: Plaza de Sant Iu, 5-6

08002 Barcelona

Tel/Fax: 93 2563500 / 93 3194116

Web: http://www.museumares.bcn.es/



Instalado en pleno barrio gótico, se accede al museo por el Verger o jardín del que un día fue el Palacio Real Mayor de los condes de Barcelona y por la calle de Comtes, al lado de la catedral.

El Ayuntamiento de Barcelona, respetando la voluntad de Marès, acordó crear el museo y emplazarlo en el barrio gótico. En 1946 se abría su primera sala y en 1948 se inauguraba oficialmente el centro.

El museo se dispuso aprovechando una serie de edificios que ocupaban una parte de los espacios del que había sido el Palacio Real Mayor, sede barcelonesa de los monarcas de la Corona catalano-aragonesa en la época medieval. La restauración en clave medieval de algunas de las dependencias del nuevo establecimiento museográfico, coincidiendo con las campañas de rehabilitación del barrio gótico, dotaron a las colecciones de un entorno particular.

Una vez abierto el museo, Frederic Marès no abandona su pasión por coleccionar y sigue adquiriendo nuevas piezas que le permiten aumentar e ir completando colecciones ya expuestas o iniciar algunas nuevas.




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Este hecho, junto a las donaciones de particulares o de instituciones públicas o privadas, obliga a llevar a cabo varias ampliaciones del edificio hasta ocupar todo el perímetro de casas posible.

A partir del momento en que el museo ya no se puede agrandar por falta de espacio, Marès inicia una política que podríamos llamar descentralizadora. Hace donaciones a otros museos o crea algunos nuevos. Entre las donaciones cabe destacar las del Museo de L'Empordà de Figueres, Museo de Historia de Sabadell y Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Y, en cuanto a la crecaión de nuevos centros museográficos, hay que mencionar el Museo Frederic Marès de Montblanc, el Museu Marès de la Puntilla, de Arenys de Mar, y el Museo del Libro Frederic Marès en la Biblioteca de Catalunya de Barcelona.

En 1997, se elaboró en el mismo museo un proyecto museográfico para adecuarlo a las necesidades del siglo XXI. Las obras, que afectaron a la sección de escultura y comportaron la apertura de una sala de exposiciones temporales inexistente hasta entonces, se inauguraron en el mes de abril de 1999. En la actualidad se está llevando a cabo la segunda fase de este proyecto. (Fuente: Museo Frederic Marès)

Fondos:

El museo conserva las colecciones que reunió su fundador, Frederic Marès, quien las donó a la ciudad de Barcelona. Escultor reconocido, Marès (1893-1991) convirtió su primera afición al coleccionismo en una pasión incansable y fructífera para reunir todo tipo de objetos del arte y de la vida de los siglos pasados, que hoy constituyen el rico y heterogéneo fondo del museo. El museo incluye tres secciones claramente diferenciadas: la colección de escultura, el Gabinete del Coleccionista, y el estudio-biblioteca de Frederic Marès. (Fuente: Museo Frederic Marès)




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Uso original: Palacio Nacional de Montjuïc


Arquitectos: Enric Catà y Pedro Cendoya

Uso actual: Museu Nacional d’Art de Catalunya



Arquitectos: Gae Aulenti y Enric Steegman (1990), Gae Aulenti y Josep Benedito (2000)

Dirección: Parque de Montjuïc

08038 Barcelona

Tel/Fax: 93 6220376 / 93 6220383

Web: http://www.mnac.cat/


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El Palacio Nacional de Montjuïc es un edificio proyectado por los arquitectos Enric Catà y Pedro Cendoya en 1926, cuya función inicial fue dar acogida a diversas actividades vinculadas con la Exposición Internacional de Barcelona del año 1929.

En la segunda mitad del siglo XX han sido varias las intervenciones restauradoras emprendidas en el edificio, que han motivado cierres temporales. En los años setenta se llevaron a cabo obras de consolidación en la estructura del inmueble, al tiempo que se procedía a la reorganización de las colecciones. En 1990 se puso en marcha una nueva remodelación del conjunto, con proyecto de Gae Aulenti y Enric Steegman. En septiembre de 1995 se inauguraba la sección de arte románico; a finales de 1997, la correspondiente al gótico.




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Los trabajos de rehabilitación se prolongaron y determinaron periodos de cierre del museo. En el año 2000 dio comienzo la segunda etapa de esta labor de remodelación integral –con una nueva intervención de Gae Aulenti y Josep Benedito-, que finalizaba cuatro años después. En el 2004 se inauguraba definitivamente el Museo de Arte de Cataluña. (Fuente: Summa Artis. XLIX-I)

Fondos:

El MNAC comprende todas las artes (escultura, pintura, artes del objeto, dibujos, grabados, carteles, colección de fotografía y colección de numismática) y tiene la misión de explicar un discurso global del arte catalán, desde el románico hasta mediados del siglo XX. En el caso de las colecciones de románico y de gótico, este discurso viene marcado por la procedencia catalana de gran parte de las piezas, a pesar de que, concretamente en el gótico, se hace una comparación con el arte de otras procedencias. En cuanto a la colección de renacimiento y barroco, las obras que la integran conducen hacia un discurso más internacional, de la mano de grandes pintores, como, por ejemplo, El Greco, Zurbarán, Velázquez, Cranach, Rubens... Los fondos del MNAC pertenecientes al arte de finales del siglo XIX y las primeras décadas del siglo XX vuelven a estar constituidos mayoritariamente por ejemplos de artistas catalanes, que se articulan en un discurso que explica el modernismo, el noucentisme y las vanguardias, siempre teniendo en cuenta todas las artes. (Fuente: MNAC)




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Uso original: Palacio Aguilar, Palacio del Baró de Castellet,

Palacio Meca, Casa Mauri, Palacio Finestres

Fecha construcción: ss. XIII-XIV

Uso actual: Museu Picasso



Arquitecto: Jordi Garcés

Dirección: C/ Montcada, 15-23

08003 Barcelona

Tel/Fax: 93 2563000 / 93 3150102

Web: http://www.museupicasso.bcn.cat/es/


Museu Picasso en FACEBOOK


El Museu Picasso de Barcelona ocupa actualmente cinco grandes mansiones o palacios de los ss. XIII-XIV, que han sufrido remodelaciones a lo largo del tiempo, las más importantes en el s. XVIII.

Desde la inauguración del museo en 1963 a la actualidad el museo ha pasado de uno a cinco palacios. La ampliación del Museu Picasso, impulsada y financiada por el Ayuntamiento de Barcelona, ha sido realizada en fases sucesivas por el arquitecto Jordi Garcés.

El proyecto ha seguido un plan arquitectónico global que empezó a diseñar en 1978 el mismo arquitecto. En 1970 se amplía el museo con la anexión del palacio del Baró de Castellet. En 1981 se anexiona el palacio Meca. En 1999 se realiza una nueva ampliación del museo; se habilitan la casa Mauri y el palacio Finestres como espacios para las exposiciones temporales. En el 2003 se remodelan y adaptan los espacios interiores de la exposición permanente y en el 2007 se anexiona el pequeño edificio de la plaza posterior del museo.




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Las dos últimas intervenciones de remodelación arquitectónica y museográfica, completadas en 1999 y en 2003, han supuesto a grandes rasgos, la creación de nuevos espacios expositivos amplios y sobrios, con presencia de luz natural, y la articulación de un corredor transversal continuo de los cinco palacios. La superficie actual es de 11.500 m2, con 22 salas de exposición permanente. (Fuente: Museu Picasso)

Fondos:

Picasso vivió en Barcelona unos años fundamentales: los de su periodo de formación. Con Barcelona estableció y mantuvo unos fuertes vínculos durante toda su vida y en Barcelona quiso tener su museo.

Así fue como, en 1960, y por voluntad expresa del propio Picasso, su amigo y secretario personal, Jaume Sabartés, propuso al Ayuntamiento de Barcelona la creación de un museo dedicado a su obra. En 1963 el museo era una realidad y abría sus puertas en el Palacio Aguilar, en el número 15 de la calle de Montcada.

El fondo del museo lo integraban en aquel momento la colección personal de Sabartés y la colección de obras de Picasso de los Museos de Arte de Barcelona (básicamente el Arlequín, la colección Plandiura, el legado de dibujos del coleccionista Lluís Garriga Roig, la serie de grabados para Las metamorfosis de Ovidio y varias litografías y carteles).

El Museu continúa incrementando su colección, de manera simultánea, en dos direcciones: adquisición de piezas muy significativas del periodo del que el Museu es un referente y adquisición de obras que puedan completar aspectos muy concretos de la colección, siempre en el marco cronológico que ocupa.

La apuesta es acentuar aún más la especificidad del Museu, aquello que lo hace diferente del resto y le permite construir un discurso propio. (Fuente: Museu Picasso)




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Uso original: fábrica Roca Umbert


Uso actual: Roca Umbert Fàbrica de les Arts


Dirección: C/ Mare de Déu de Montserrat, 36

08401 Granollers

Tel/Fax: 938 604729 / 938 604750

Web: http://www.rocaumbert.cat



El origen de la fábrica Roca Umbert se remonta al año 1871, en Sant Feliu de Codines, donde Josep Umbert i Ventura (1844-1917) puso en marcha una fábrica textil, que sólo cinco años más tarde amplió, adquiriendo unos terrenos en Palou. El crecimiento industrial y la rápida consolidación del sector textil catalán hicieron triplicar en poco tiempo la producción de la empresa. Por ello, en 1904 se construyó la que hoy en día conocemos como la fábrica Roca Umbert en Granollers, donde se instalaron telares.

En el año 1912 se adquirió una cuadra en Sants, y, en 1915, una sección de hilados en Monistrol de Montserrat.

A la muerte de su fundador (año 1917), sus familiares continuaron con la dirección y la propiedad de la empresa. Además de la planta de Granollers, mantenían otras en producción en Sant Feliu de Codines, Monistrol, Ripollet y almacenes y oficinas en Barcelona. Su principal producción eran las pisanas (tejido de hilo o algodón con tafetán y de diversos colores, utilizado para la confección de ropa para vestidos de mujer y de niños), planchas azules y vichíes.

En 1936 la empresa es incautada por los obreros y toma el nombre de Espartacus. En enero de 1939 sufrió una enorme destrucción debida a un incendio provocado. Pero lentamente se fue recuperando.




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En la década de los 50 se construyó la Tèrmica, un espacio que permitía la autonomía en cuanto al suministro eléctrico, ya que las constantes restricciones de esta energía obligaban a la fábrica a parar su producción a menudo. Durante esta etapa se inicia la modernización de la industria. Se fabrican gran cantidad de tejidos, entre los cuales destacan las piezas de algodón, las batas, los juegos de mesa, las sábanas, la ropa militar, la ropa tejana, etc. El primer turno era de las 5 a las 9 de la mañana y de la 1 a las 5 de la tarde; a menudo los obreros hacían otros trabajos en otras empresas entre turnos para conseguir aumentar los ingresos familiares.

Roca Umbert fue una fábrica ejemplar por lo que a asumir compromisos sociales alejados de sus obligaciones legales se refiere: en el año 1933 se creó la Casa Cuna, que primero estuvo regentada por monjas josefinas y más tarde por personal contratado. Los hijos y las hijas de las madres trabajadoras se podían beneficiar de este servicio hasta la edad de los 5 años.

También crearon el Cosidor (costurero), un espacio donde podían ir a formarse las trabajadoras solteras y en el que se les enseñaba a coser, a planchar y a ser amas de casa. Fue hacia los 60 que la fábrica integró a nuevos obreros procedentes de la primera gran ola migratoria del resto del Estado.La fábrica Roca Umbert destacaba por la gran calidad de sus tejidos. Ello se debía a que en una sola empresa se unificaba todo el proceso de producción de la tela (abatanar, hilar, urdir, tejer, teñir y el control del acabado de las piezas) hasta su comercialización.

En 1971 se cierran las naves de Sant Feliu de Codines y sus propietarios se acogen al Plan de Reestructuración Textil. Cinco años después, el 1976, se inicia el traslado de la hilatura de Granollers a La Batllòria (Sant Celoni), donde se construye un nuevo edificio de 9.000 m². El segundo plan de reestructuración se llevó a cabo en 1978 y supuso el despido de 450 personas. Éste es un período especialmente interesante por lo que respecta al ámbito sindical, ya que se produjeron las primeras grandes huelgas en la ciudad. A causa de los cambios en las necesidades de la economía globalizada, la fábrica cerró sus puertas en 1991.

El movimiento de las lanzaderas, el sonido de los telares, los colores de los pigmentos para teñir, el humo de la chimenea y el gesto apresurado de las trabajadoras llenaban el día a día de este espacio. (Fuente: Roca Umbert)

Actividades:

Roca Umbert Fàbrica de les Arts es el proyecto que ha puesto en funcionamiento el Ayuntamiento de Granollers que reconvierte un recinto fabril, con un espacio de 20.000 m² en el núcleo de la ciudad, en un gran centro cultural con finalidades productivas, formativas y de difusión de la creación artística.

En enero del 2003, el Pleno del Ayuntamiento aprobó el Plan de Usos de este proyecto; en noviembre del 2004, la Junta de Gobierno Local refrendó el Plan Director Arquitectónico del mismo.




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Esta iniciativa queda concretada con la creación y puesta en funcionamiento de una serie de equipamientos culturales que conviven en un espacio delimitado, el recinto Roca Umbert. La singularidad y la innovación de proyecto provienen justamente de esta convivencia en un mismo lugar de artistas y de profesionales de la cultura, de la comunicación y de las tecnologías de la información, lo que permitirá la cooperación entre ellos y el intercambio constante de conocimientos y prácticas. El estar tan cerca los unos de los otros suscitará una interacción fácil y viable y ello, al mismo tiempo, servirá como estímulo para la investigación y la experimentación conjunta en el campo de la creación y las manifestaciones artísticas.

Un centro que se basará en el federalismo cultural para organizar un proyecto común, el de fábrica de las artes, y, a la vez, para dejar macerar los variados proyectos respetando sus identidades y personalidades propias; pero, eso sí, con unos compromisos comunes: poner en común los recursos, compartir producciones fruto de colaboraciones, demostrando la capacidad cooperativa de las artes y convirtiendo Roca Umbert en un ejemplo de barrio de las artes integrado en la ciudad; desarrollando un modelo, pequeño y humilde, de distrito cultural con intención de hacer vivir la cultura y las artes, con voluntad de compartir la construcción de la ciudad con la gente, con el ánimo de incorporar a las nuevas generaciones.

Siguiendo el ejemplo de otras experiencias similares en Europa, Roca Umbert Fàbrica de les Arts intenta dinamizar el territorio en el que desarrolla su actividad y pone el acento en su especialización para llegar a ser un polo de atracción de actividad relacionada con las industrias de la creatividad.

De este proyecto también cabe destacar el plan urbanístico en que se inscribe: la apertura y la urbanización de los espacios del recinto permitirán que Granollers gane nuevas calles y plazas peatonales y disponga de un nuevo aparcamiento subterráneo. (Fuente: Roca Umbert)




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Uso original: molino papelero, fábrica textil


Arquitecto: Claudi Duran Ventosa

Uso actual: Tecla Sala


Dirección: Avda. Josep Tarradellas i Joan, 44

08901 Hospitalet de Llobregat

Tel/Fax: 93 3385771 / 93 3385553

Web: http://www.teclasala.net/



El origen de Tecla Sala se remonta a mediados de siglo XIX, cuando se instaló un molino papelero. El edificio principal, catalogado como patrimonio local, es una construcción industrial con muros de ladrillo visto de estilo manxesterià, proyectado por el arquitecto Claudi Duran Ventosa en 1882, que se convirtió en una de las fábricas de hiladuras más importantes del país, propiedad de la señora Tecla Sala i Miralpeix (Rueda de Ter, 1886 - Barcelona, 1973). El edificio destaca por sus dimensiones y el gran número de ventanas distribuidas por todas las fachadas, que facilitan la entrada de la luz.

El año 1973, coincidiendo con la crisis general del sector textil, se cerró la fábrica y en 1982, el Ayuntamiento del Hospitalet compró el recinto para convertirlo en equipamiento cultural. (Fuente: Tecla Sala)

Actividades:

El Centro de Arte Tecla Sala se define como un espacio promotor y difusor de las artes visuales, a partir de una programación contemporánea y un claro compromiso con el territorio.




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La superficie expositiva está dividida en dos plantas de 1.600 m2 y 625 m2, respectivamente. Las espectaculares dimensiones, la belleza de las salas y la esmerada adecuación técnica, lo convierten en un espacio expositivo singular en Cataluña.

A partir de proyectos de producción propia, programas de intercambio o itinerancia y acuerdos de colaboración con otras instituciones públicas y privadas, los principales ejes de su programación son:

Promoción y difusión del arte contemporáneo catalán, a partir de exposiciones de artistas con una trayectoria consolidada.

Exposiciones de artistas nacionales e internacionales, actuales o de referencia histórica.

Exposiciones de creadores emergentes, a partir de proyectos puntuales. Apoyo a iniciativas de carácter local, que incorporen creadores o instituciones

vinculadas a la ciudad. Educación de la sensibilidad hacia las artes visuales. Fomento del patrimonio artístico del Hospitalet. (Fuente: Tecla Sala)




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Uso original: masía

Fecha construcción: ss. XVI-XVIII

Uso actual: Can Xalant, Centro de Creación y Pensamiento Contemporáneo de Mataró

Fecha inauguración: mayo 2005


Arquitectos: Lluís Gibert y Anna Llop

Dirección: C/ Francesc Layret, 75

08302 Mataró

Tel/Fax: 93 7412291 / 93 7412293

Web: http://www.canxalant.org



Can Xalant, una masía edificada entre los siglos XVI y XVIII y rehabilitada en el 2005 como laboratorio de artes visuales, surge entre el asfalto como resquicio de otra época en que el Maresme era una huerta fértil y paradisíaca. Rodeada por el lado sur por la carretera nacional y por el lado norte por un polígono industrial, Can Xalant es el resultado de la voluntad del ayuntamiento de Mataró que en los años ochenta negoció durante la redacción del Pla Parcial de la zona llamada Pla d'en Boet, la cesión de la masía para usos municipales. Así, después de haber servido como almacén para el ayuntamiento, finalmente en el año 2003 el gobierno municipal aprobó la reforma y ampliación de la masía para adaptarla a un nuevo uso: un centro de arte para nuevos creadores.




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Los arquitectos municipales Lluís Gibert y Anna Llop se propusieron adecuar la casa al nuevo uso sin tocar ni la estructura interior ni la exterior por lo que proyectaron un edificio de nueva planta anexo al antiguo que contuviera los lavabos y el ascensor: “quisimos mantener la escala pero construir un edificio con el lenguaje del siglo XX” dice Lluís Gibert, jefe de obra, “eso nos permitió darle la vuelta a la casa y cambiar el lugar de entrada, pues la ciudad había crecido en la zona norte y la entrada a la masía estaba en la fachada sur. Así provocamos una nueva entrada y creamos un pasillo de distribución transparente entre la zona nueva y la zona antigua.

Can Xalant no nació para ser una sala de exposiciones al uso, sino para convertirse en un verdadero laboratorio de ideas que proporcione a los creadores todos aquellos instrumentos necesarios para llevar a cabo su obra. Se inauguró en mayo de 2005 como centro de creación visual y pensamiento contemporáneo y se puso en marcha en octubre del mismo año. (Fuente: GUERRERO Brullet, Ángela. “Una masía laboratorio”. Culturas La Vanguardia. (6 diciembre 2006); pp. 22-23)

Actividades:

El proyecto pretende poner en marcha los programas necesarios para la investigación y la producción en el ámbito de las artes visuales. Con este objetivo el centro pretende facilitar a la comunidad artística —y a todos los agentes culturales que lo requieran— los recursos necesarios para desarrollar sus proyectos, poniendo especial empeño en apoyar a los artistas emergentes vinculados al territorio y en reflexionar y trabajar sobre el contexto social en el que se sitúa. (Fuente: Can Xalant)




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Uso original: Casa-fábrica Turull


Uso actual: Museu d’Art de Sabadell



Dirección: C/ Doctor Puig, 16

08202 Sabadell

Tel/Fax: 93 7257144 / 93 7275507



El edificio que alberga el Museo de Arte de Sabadell se erigió entre 1812 y 1819 a iniciativa de la familia de industriales textiles Turull. Compartían el inmueble las dependencias destinadas a la residencia familiar, con las instalaciones fabriles. En el centro se abría un patio ajardinado, con espacio de huerta.

Por lo que respecta al aspecto exterior del conjunto, la severidad marca el estilo de la fachada principal, que reduce sus elementos ornamentales a la labor de rejería de ventanas y balcones. Por el contrario, el aspecto actual del interior de esta mansión es un despliegue de lujo y suntuosidad: fue redecorada en 1860 con motivo de la visita a Sabadell de la reina Isabel II, que se alojó en este lugar.

Desde la adquisición del inmueble por parte del Ayuntamiento hasta su apertura al público como sede del museo se emprendieron diversos trabajos de restauración que, no obstante, han preservado la apariencia original de algunas estancias de la planta baja y, en el piso principal, de los dormitorios.

Desde 1996 cuenta el museo con un espacio anexo, el centro de producción y creación artística La Nau, emplazado en una antigua fábrica textil y destinado a exhibir obras de artistas contemporáneos. (Fuente: Summa Artis. XLIX-I)




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Fondos:

En líneas generales, es una colección que pretende mostrar la impronta que dejaron en la ciudad los diferentes estilos artísticos que se sucedieron entre la segunda parte del siglo XIX y el estallido de la Guerra Civil. Se exhiben, pues, obras representativas de un largo periodo de tiempo que se inicia con los lenguajes académicos decimonónicos y culmina en la modernidad de los años treinta del siglo XX.

El grupo inicial de los fondos proviene, en su parte más importante, de la donación realizada a partir de la década de 1930 por María Cladellas, viuda del marchante Santiago Segura (1878-1918). Además, hay que mencionar cesiones realizadas por diversos coleccionistas particulares y las de algunos artistas, como Rafael Durancamps, Lluis Elias y Joan Vila Cinca. (Fuente: Summa Artis. XLIX-I)




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Uso original: Castillo Cartuja de Vallparadís

Fecha construcción: s. XII

Uso actual: Museu de Terrassa



Dirección: C/ Salmeron, 17

08222 Terrassa

Tel: 93 7857144


Las primeras noticias documentales acerca del edificio, emplazado a la orilla del torrente de Vallparadís, en terrenos que habían sido propiedad del conde Ramón Berenguer III, se remontan al siglo XII. Ordenó su construcción Berenguer Sanla, que adquirió estas tierras en 1110, comprometiéndose a erigir en ellas un recinto fortificado. Poco después se levantaba en el lugar una fortaleza de planta cuadrada, rematada por torres en los ángulos y protegida por un foso que salvaba un puente de piedra. Una torre central, también cuadrada, constituía el elemento más relevante del interior de esta edificación.

Cuando, a mediados del siglo XIV, Blanca de Centelles, señora de Vallparadís, donó sus posesiones a la Orden Cartuja, el antiguo castillo fue transformado en un edificio que se adaptó al uso monacal al que se destinaron sus dependencias a partir de entonces. Así nació la Cartuja de Sant Jaume de Vallparadís. Se levantó en este momento, sobre la ubicación del viejo patio de armas, un claustro de dos plantas. Las diversas estancias señoriales fueron ocupadas por la sala capitular y el refectorio de los cartujos y, en la planta superior, se ubicaron las celdas de los monjes. Asimismo, se construyó un templo y se mantuvo la muralla.




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Con el traslado de los monjes a la nueva cartuja de Montealegre, en Badalona, Vallparadís fue ocupado por una comunidad carmelita que permaneció en el lugar hasta 1432, fecha en que la propiedad fue convertida en residencia familiar. En 1944 el conjunto fue declarado Monumento histórico artístico.

En la primera mitad del siglo XIX este conjunto de edificaciones se utilizó como explotación agraria y, a lo largo del tiempo, las dependencias fueron destinadas a diversos usos que provocaron el paulatino deterioro de la vieja cartuja. En 1947 la adquirió el Ayuntamiento de Tarrasa, que emprendió su restauración. (Fuente: Summa Artis. XLIX-I)

Fondos:

La exposición permanente del Museo de Tarrasa que se muestra al público en esta sede pretende presentar en el desarrollo del territorio y la evolución del poblamiento humana de Tarrasa y su comarca desde época neolítica hasta la Edad Contemporánea. En la sala conocida como El Tinellet, de estilo gótico, se organizan exposiciones temporales.

Para ilustrar el ámbito dedicado a la época contemporánea se ha seleccionado un conjunto de objetos vinculado con el desarrollo de diversas formas de la vida rural y urbana en la comarca. Se exponen obras de pintores del siglo XX relacionados con Tarrasa, entre los que se cuentan Rafael Benet, Joaquim Vancells o Joaquin Torres García. (Fuente: Summa Artis. XLIX-I)




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Uso original: molino


Uso actual: La Fontana d’Or



Arquitecto: Juan María de Ribot y de Baile

Dirección: C/ Ciutadans, 19

17004 Girona

Tel/Fax: 972 209836 / 972 209414

Web: www.fundaciocaixadegirona.org



Los datos documentales más antiguos sobre la Fontana d’Or se sitúan en el año 1078, datos según los cuales consta que, en el espacio que más adelante sería ocupado por el edificio, se encontraba un molino. Aún hoy se puede ver en los bajos de construcción los restos de los basamentos del mencionado molino, sobre los cuales se construyó posteriormente el edificio. La compra de los terrenos por parte del noble Bernat de Sitjar en el año 1221, conjuntamente con obradores y casas que estaban bajo el dominio directo de San Martín Sacosta, permitió aplicar la técnica urbanística de la época: a partir de islas urbanas rodeadas de calles sobre las cuales se desplegaban fincas de fachadas estechas y profundas para rentabilizar el espacio disponible (Canal, J. La Girona del segle XIII).

El hecho que la Fontana d’Or se encuentre en una calle que ya desde la antigüedad lleva el nombre de Ciudadanos y que esté situada en una vecindad de casas grandes y señoriales supone la continuidad en la suya, los Sitjar; a mediados del siglo XVI, en la estima de fogatges de la ciudad de 1535, documento fiscal, consta que su propietario era Miquel Sitjar. El anterior nombre de la calle era el de Drapería, (Traperia) que apareció en el 1272.




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Entre estas dos fechas, las reformas y refacciones se fueron superponiendo, muy especialmente en el patio y en el interior del edificio. No obstante, las fachadas exteriores y la estructura general de la construcción presentan plenamente el diseño del siglo XIII. El objetivo de los arcos construidos en la planta baja era la obtención de un espacio adecuado para el establecimiento de paradas y obradores para el cercano mercado. El patio servía para la distribución interna con bodegas y almacenes en la planta baja, y finalmente una escalera conducía a la planta noble.

La última ampliación importante, que se llevó a cabo en el siglo XIV, consistió en la construcción de la parte gótica del edificio, la que da a la calle de las Ferreries Velles (herrerías Viejas). De esta ampliación el elemento más importante es la magnífica lonja gótica que da al patio central del edificio.

Documentalmente, el rastro de la familia Sitjar se pierde a mediados del siglo XVI, y no es hasta el siglo XVIII que se vuelve a tener noticias del edificio. A lo largo de este siglo, la Fontana d’Or se convirtió en una fonda de prestigio en la ciudad. Su estratégica posición en la calle Ciudadanos hizo de la Fontana d’Or una de las fondas principales de la ciudad hasta finales del siglo XIX. El establecimiento se convirtió en un punto neurálgico del transporte de viajeros y de correo y fue regentada por hosteleros catalanes e italianos, si bien siempre fue propiedad de una sola familia: los Pou.

Probablemente, el nombre actual del edificio le fue otorgado en esta época por los propietarios, que lo copiaron, por lo que parece, de un hostal de categoría de Madrid. En cualquier caso, el nombre de “Fontana d’Or” se consolodia en este momento, como se demuestra en el año 1787 con la estada del conde de Aranda, el embajador durante muchos años en Francia, y sobretodo después de las guerras napoleónicas.

Es esta una época de pujanza para la Fontana d’Or. También durante el principio del siglo XIX tenemos noticias de una importante restauración del edificio: su propietario de entonces, Narcís Pou, invierte una fuerte suma con el objetivo de reparar los destrozos sufridos durante la Guerra de la Independencia.

A lo largo del siglo XIX, la fuerte competencia de otras fondas hace que la Fontana vaya decayendo poco a poco hasta que, en el año 1882, es comprado por Josep Prim. Después de una nueva remodelación, el edificio se transforma en sede de diversas instituciones ciudadanas: residencia de los Jesuitas, sede de la Schola Orpheonica Gironina, de la Sociedad Económica de Amigos del país, del Ateneo de Girona, etc.

El edificio pasó en 1920 a manos del Banco de Catalunya, y más adelante, en 1933, fue adquirido por la Caixa d’Estalvis de la Generalitat de Catalunya. Finalizada la Guerra Civil, la Fontana d’Or pasó a ser propiedad de la Caixa Girona, que la comparte con el Colegio de Arquitectos y la Cámara de Comercio hasta 1965; en este momento, una vez libre el edificio de inquilinos, la Caixa Girona inicia la restauración definitiva, que durará hasta el año 1973.




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Hoy, el edificio de la Fontana d’Or es una magnífica muestra de arquitectura civil de la Catalunya medieval. Constituido por dos partes claramente diferenciadas, la parte románica y la parte gótica, el edificio está construido alrededor de un patio central que le aporta luz y espacio.

La última restauración de la Fontana d’Or ha querido recuperar el carácter medieval del edificio, aún cuando las intensas reformas hechas a lo largo siglo XIX, cuando era hostal, y también más tarde, cuando se destinó a sede de diversas instituciones gerundenses. En los casos en que no fue posible una reconstrucción fidedigna, se siguieron pautas arquitectónicas de casas similares situadas en Girona o en sus alrededores. (Fuente: Fèlix Xunclà)

Actividades:

El centro se presenta como un espacio abierto y polivalente desde el que se pretende promover la formación del pensamiento y la cultura. Para ello, se realizan exposiciones de reconocidos artistas, muestras pluridisciplinares, cursos, seminarios y conferencias. (Fuente: Guiadelocio.com)




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Uso original: Palacio Viejo, Palacio Episcopal

Fecha de construcción: s. X, s. XVI

Uso actual: Museu d’Art Girona



Arquitectos: Fina y Robot

Dirección: Pujada de la Catedral, 12

17004 Girona

Tel/Fax: 972 203834, 972 209536 /

972 227595

Web: http://www.museuart.com/



El museo está emplazado en uno de los inmuebles más significativos de la ciudad, próximo a la catedral. El palacio episcopal inició su construcción en la etapa final del siglo X; las crónicas informan de la cesión de un edificio realizada por el conde Borrel al obispado de Gerona. A lo largo del tiempo fue sufriendo diversas ampliaciones que otorgaron al conjunto una estructura compleja.

A una primera fase constructiva corresponden las dependencias que integran el denominado Palau Vell, situadas junto a un entorno ajardinado. Un nuevo palacio se levantó en el siglo XIII y, en la siguiente centuria, se construyeron, además del salón del trono, dos torres, una en la fachada y otra habilitada como prisión, que confirieron al conjunto la imagen de fortaleza que ha pervivido en parte a lo largo del tiempo.




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Con todo, el aspecto del palacio episcopal tal como se presenta en la actualidad corresponde fundamentalmente a las obras de remodelación emprendidas en el siglo XVI, que le otorgaron la apariencia de una edificación de estilo renacentista. A este estilo se vinculan las estructuras abiertas del patio y de la fachada, así como el escudo de esta última parte.

Las intervenciones se sucedieron en los siglos XVII –con la erección de un ala lateral orientada hacia la plaza de Els lledoners- y XVIII –de esta etapa data la capilla y la disposición, sobre la fachada, de un conjunto de arcos románicos ubicados anteriormente en el interior.

Por lo que respecta a la restauración emprendida ya en el siglo XX, quedó encargada a los arquitectos Fina y Robot; a ellos se debe la transformación de las estancias del antiguo palacio en espacios expositivos. (Fuente: Summa Artis. XLIX-I)

Fondos:

Organizadas para su exposición en diversas salas conforme a criterios cronológicos, las obras que se exponen en el museo cubren un extenso periodo de tiempo; desde la etapa prerrománica hasta el siglo XX. Existen, además, ámbitos monográficos que se dedican a la exposición de muebles, objetos litúrgicos y piezas cerámicas y de vidrio.

En cuanto al arte contemporáneo, conserva el museo una serie de pinturas de artistas catalanes de la etapa de transición entre los siglos XIX y XX, con especial atención al modernismo o el realismo de la Escuela de Olot: Junto a Josep Berga i Boix, se exponen obras de Joaquim Vayreda, Marià Vayreda o Santiago Rusiñol.

Por lo que respecta a la pintura catalana del siglo XX, destacan los nombres de Josep Aguilar, Fidel Aguilar, Prudenci Bertrana o la pintora polaca Muttermilch, establecida en Girona durante la guerra y vinculada especialmente a los nombres de Manolo Hugué y Celso Lagar, integrantes del grupo de Jóvenes artistas con los que se relacionó. (Fuente: Summa Artis. XLIX-I)




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Uso original: barraca de pescadores, casa de Gala y Dalí

Uso actual: Casa-Museo Salvador Dalí


Fecha rehabilitación: década de 1930

Constructor: Emili Puignau

Dirección: Portlligat

17488 Cadaqués

Tel/Fax: 972 251015 / 972 251083

Web: http://www.salvador-dali.org/



Gala y Dalí descubrieron Port Lligat, un apartado pueblo pesquero de escasa población, en la primavera de 1930, año en que compraron una barraca de pescadores a la que pronto incorporaron otra más. Las tareas de remodelación de este conjunto, con la adición de diversos anexos, se prolongaron durante la década de 1930. En 1948, a su regreso de Estados Unidos, la pareja decidió transformar esta singular amalgama de construcciones en residencia y lugar de trabajo, lo que motivó una nueva ampliación del espacio; compraron más barracas que fueron distribuyéndose de acuerdo a un complejo plano de trazado laberíntico. Las diversas estancias se suceden de manera encadenada, conectadas por estrechos pasillos y, en ocasiones, carecen de salida.

A finales de la década de 1940 se levantaron la biblioteca, el estudio y el dormitorio; en los años sesenta, además del comedor de verano, la denominada sala oval. En 1971 se terminaba la construcción de la piscina. (Fuente: Summa Artis. XLIX-I)




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Fondos:

La forma resultante es la estructura laberíntica actual que, a partir de un punto de origen, el Vestíbulo del Oso, se descompone y se retuerce en una sucesión de espacios encadenados por pasos estrechos, pequeños desniveles y recorridos sin salida. Estos espacios, repletos de infinidad de objetos y recuerdos de los Dalí, están decorados con recursos que los hacen especialmente cálidos: alfombras, cal, flores aromáticas, tapizados aterciopelados, muebles antiguos, etc. Además, todas las estancias tienen aperturas, de formas y proporciones diferentes, que encuadran el mismo paisaje, referencia constante en la obra de Dalí: la bahía de Portlligat.

En la casa se pueden diferenciar tres ámbitos: donde transcurría la parte más íntima de la vida de los Dalí, planta baja y salas de la 7 a la 12; el estudio, salas 5 y 6, con multitud de objetos relacionados con la actividad artística; y los espacios exteriores, sala 13 y patios 14 y 15, especialmente pensados para la vida pública. (Fuente: Casa-Museo Salvador Dalí)




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Uso original: Teatro Municipal de Figueras

Fecha de construcción: 1849-1850

Arquitecto: Roca i Bros

Uso actual: Teatro-Museo Dalí



Arquitecto: Emilio Pérez Piñero

Dirección: Plaza Gala-Salvador Dalí, 5

17600 Figueres

Tel/Fax: 972 677500 / 972 501666

Web: http://www.salvador-dali.org/

Visita 3D


El edificio del teatro de la ciudad de Figueres, obra del arquitecto Roca i Bros, fue construido entre 1849 y 1850 pero fue destruido por un incendio al final de la guerra civil española, en 1939. Desde ese momento el edificio había quedado reducido a su estructura sustentante periférica. El techo de la platea se había hundido, de los palcos sólo quedaban los pasillos de acceso, y del escenario, el arco de la boca de escena y los almacenes laterales. El vestíbulo y el salón de descanso fueron las únicas partes que se mantuvieron en gran medida intactas. A pesar de todo, puede afirmarse que la estructura elemental del teatro se mantuvo y había dejado a Figueres una ruina de aspecto fantasmagórico.

En 1961, el entonces alcalde de la ciudad, Ramon Guardiola, propuso a Salvador Dalí hacer un museo dedicado a su obra. El pintor quedó fascinado por el encanto espectral del teatro y, con la intención de mantener la estructura del edificio, lo escogió como sede del futuro Teatro-Museo Dalí.




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La idea de reunir su obra en el antiguo teatro de Figueres entusiasmó a Dalí y el artista se entregó a la tarea durante más de una década, interviniendo y diseñando los detalles más mínimos, hasta convertirlo en realidad con la inauguración oficial del Teatro-Museo Dalí el 28 de septiembre de 1974. Uno de los elementos más visibles del museo es la estructura reticular transparente en forma de cúpula geodésica que corona el edificio, una idea de Salvador Dalí que realizó el arquitecto murciano Emilio Pérez Piñero (1935-1972). La cúpula se ha convertido no sólo en el emblema del Teatro-Museo sino en todo un símbolo para la ciudad de Figueres. (Fuente: Teatro-Museo Dalí)

Fondos:

El Teatro-Museo Dalí contiene el más amplio abanico de obras que describen la trayectoria artística de Salvador Dalí (1904-1989), desde sus primeras experiencias artísticas y sus creaciones surrealistas hasta las obras de los últimos años de su vida.

Algunas de las obras más remarcables que allí se exponen son: Port Alguer (1924), Muchacha de Figueres (1926), El espectro del Sex-appeal (1932), Autorretrato blando con beicon frito (1941), Poesía de América-Los atletas cósmicos (1943), Galarina (1944-45), La cesta de pan (1945), La nariz de Napoleón transformada en una mujer encinta que pasea su sombra melancólica entre las ruinas originales (1945), Leda atómica (1949), La apoteosis del dólar (1965), Galatea de las esferas (1952), o Aurora, mediodía, atardecer y crepúsculo (1979).

También cabe destacar el conjunto de obras realizadas por el artista expresamente para el Teatro-Museo, como la Sala Mae West, la Sala Palacio del Viento, el Monumento a Francesc Pujols y el Cadillac lluvioso. También se muestran obras de otros artistas que Salvador Dalí quiso incluir: El Greco, Marià Fortuny, Modest Urgell, Ernest Meissonier, Marcel Duchamp, Wolf Wostell, Antoni Pitxot y Evarist Vallès, entre otros. (Fuente: Teatro-Museo Dalí)




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Uso original: lonja y mercado, caserna militar de la Caballería

Fecha de construcción: ss. XII-XIII, 1860

Uso actual: Centre d’Art La Panera


Dirección: Plaza de la Panera, 2

25002 Lleida

Tel: 973 262185

Web: http://www.lapanera.cat/



El edificio de La Panera fue construido entre los siglos XII y XIII, durante la época del Consolat, uno de los momentos más prósperos de la economía medieval de Lleida. El Almodí, como se llamaba al edificio, era la lonja de contratación de la ciudad y el centro de todo tipo de transacciones: cereales, aceite, uva… De la construcción medieval se conserva la columnata: 21 columnas de piedra de 5,70 metros de alto.

En 1606 el Almodí fue adquirido por la canonjía de la Catedral, se levantó una nueva planta sobre la columnata del antiguo Almodí y se construyó un cierre perimetral, que le dio el actual aspecto exterior. El edificio era utilizado para almacenar y vender los productos recolectados por los canónigos y de aquí su nombre, La Panera dels Canonges.

Con la Desamortización de 1835, La Panera pasó a ser propiedad de la Paeria, que cedió el edificio al Ejército y se destinó a caserna militar de la Caballería en el año 1860. Posteriormente, fue caserna de la Policía Nacional hasta que a finales de los años ochenta volvió a manos de la Paeria y se decidió destinarlo a centro de arte. Su remodelación actual ha permitido recuperar la columnata medieval con toda su magnificencia. (Fuente: Summa Artis. XLIX-I)




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Fondos:

El Centre d’Art la Panera es una plataforma de producción, difusión, formación y exhibición de las artes visuales en nuestro país. Pretende ser un instrumento que establezca puentes entre la creación visual y la creación producida en otros ámbitos culturales. Así mismo, con las exposiciones y las actividades generadas, aspira a ser un centro de reflexión que vincule las artes visuales con las distintas problemáticas que la sociedad genera.

Su programa expositivo comprende proyectos individuales de gran envergadura, como los que presentan Alicia Framis, Cabello/Carceller y Antoni Abad, y exposiciones temáticas que tratan de importantes cuestiones del momento y que suponen una toma de posición por parte del Centre ante las controversias que generan.

Así mismo, con la presentación de la Biennal d’Art Leandre Cristófol, que se organiza desde 1997, se ha podido ir reuniendo una importante colección de arte contemporáneo español, a partir de la cual han emergido diferentes presentaciones, no sólo en el Centre sino también en otras instituciones artísticas. (Fuente: Summa Artis. XLIX-I)




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Uso original: antiguo mercado de Agramunt

Uso actual: Fundació Espai Guinovart


Dirección: Plaça del Mercat, s/n

25310 Agramunt, Lleida

Tel: 973 390904

Fondos:

El Espai Guinovart, que está ubicado en el que fue antiguo mercado de Agramunt, dispone de la mayor colección de la obra (pintura y escultura) de Josep Guinovart, que especialmente hace referencia a Agramunt, a su entorno y a la memoria del artista. El especial atractivo del interior del recinto viene dado por las tres telas principales, de grandes dimensiones todas ellas: El mural de las cuatro estaciones, La Era y La Cabaña, que adentran al visitante en las vivencias del artista cuando era niño en este mundo rural y mágico.

En el 2008 la familia del artista cedió, con motivo del primer aniversario de su muerte, un millar de obras a la Fundación Espai Guinovart sumándose a las otras 400 que ya tenía la fundación.

A lo largo del año el espacio ofrece una programación continuada de exposiciones temporales, conciertos, jornadas de debate, recitales, talleres complementarios etc., con la voluntad de promocionar y acercar el arte contemporáneo a la gente y, en especial, a las escuelas. (Fuente: Patronat de Turisme de la Diputación de Lleida)




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Uso original: Colegio de los Santos Reyes de la Compañía de Jesús, Casa Martí d’Ardenya

Fecha construcción: ¿?, 1781 (vivienda)

Uso actual: Museu d’Art Modern Tarragona



Arquitecto: Jaume Mutlló Pàmies

Dirección: C/ Santa Anna, 8

43003 Tarragona

Tel: 977 235032

Web: http://www.altanet.org/MAMT/



Este edificio, en su actual estado, es fruto de la unión de tres casas antiguas de la parte alta de la ciudad. La primera había sido propiedad del Colegio Jesuítico de los Santos Reyes, de Tarragona. Incautada a la Compañía por la Corona, después de la expulsión de los Jesuítas en el año 1767, fue adquirida por Antonio Martí Gatell en 1772 a la Junta Municipal encargada de vender los bienes de la citada orden religiosa en Tarragona. El nuevo propietario, después de haber realizado unas mejoras, estableció en ella su residencia en el año 1781. También la ocupó el ilustre científico altafullense Antoni Martí Franqués, hijo de Martí Gatell, que vivió en nuestra ciudad desde el año 1798 hasta su muerte, acaecida en 1832. En el siglo decimonoveno -concretamente en 1836 y 1857- Gaietá Martí Veciana, nieto de Martí Gatell, adquirió dos casas vecinas, e inmediatamente procedió a la ampliación y restauración del primitivo casal. Las obras se dieron por terminadas a principios de los años setenta de la pasada centuria.

A partir del año 1976 y aprovechando el espacio utilizable que ofrecía la casa, se iniciaron las primeras actividades con vistas a la creación de un nuevo Museo para la ciudad. En primer lugar, se trataba de hacer un inventario de todo cuanto se disponía, seleccionar las piezas más interesantes y exponerlas.




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Dado que el espacio era reducido, la zona dedicada a la exposición permanente resultaba pequeña; a pesar de todo se celebraron una serie de exposiciones temporales, ayudando, con ello, además, al acercamiento del público al Museo.

En el año 1983, la Diputación adquirió el inmueble de la calle Santa Ana, y dos años más tarde encargó al arquitecto Jaume Mutlló Pàmies el proyecto de adecuación del edificio. (Fuente: Museu d’Art Modern Tarragona)

Fondos:

Las colecciones de la Diputación se habían iniciado a principios de los años sesenta, con la adquisición, a las hermanas del escultor Julio Antonio, de todas las obras que se conservaban del artista. A partir de esa fecha y bajo el asesoramiento del director de la Escuela de Arte de Tarragona, Lluís M. Saumells, se compraron las colecciones de obras de los escultores Santiago Costa Vaqué y Salvador Martorell Ollé, así como las de pintura de Josep Sancho Piqué.

También desde el año 1943, durante un tiempo anualmente y luego cada dos años, la Diputación convocaba los premios de escultura de Julio Antonio y de pintura Josep Tapiró, reservándose la propiedad de las obras premiadas. Algunas de esas obras fueron dejadas, en calidad de depósito, a otras entidades y, en una ocasión, vendidas sin que hayamos podido conocer el motivo. Sin embargo, gran parte de las obras premiadas han sido expuestas en las dependencias de la Diputación.

En 1976, con motivo del traslado de la Escuela Taller de Arte de la calle Santa Ana a las nuevas dependencias de Sant Pere Secelades, se dispuso de una parte de la casa Martí que hasta entonces había albergado la citada Escuela. (Fuente: Museu d’Art Modern Tarragona)




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Uso original: nave industrial

Uso actual: Tinglado 2


Dirección: Moll de Costa

43003 Tarragona

Tel/Fax: 977 243218 / 977 224098

Web: http://tinglado2.tarragona.cat/



Se trata, sin duda, de uno de los espacios artísticos más originales y característicos de todo el estado. No solamente por su ubicación en uno de los muelles de carga del puerto de Tarragona, ni porque su propietaria y patrocinadora sea la Junta del Puerto, sino tal vez porque se trata de un espacio atípico que realmente, y de manera inteligente y a la vez calmada, se ha dedicado desde finales de la década de los 80 a exponer y presentar el arte de vanguardia de manera alternativa.

El Tinglado 2 ocupa una gran nave absolutamente diáfana, con un total de 900 metros cuadrados destinados a exposición. El edificio, una nave industrial de típica arquitectura portuaria, se ha mantenido en su totalidad como en sus orígenes, sin ningún tipo de intervención ni de rehabilitación. De esta manera se ofrece la posibilidad al artista de trabajar en un espacio irrepetible que une a su amplitud el diálogo con un espacio de fuerte impacto visual. Es un espacio ideal para instalaciones in situ, que después de expuestas desaparecen haciendo de su exposición un hecho irrepetible. (Fuente: “Tinglado 2”. Lápiz: Revista internacional del arte. N. 95-96, 1993; pp. 126-127)




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Actividades:

Hay que destacar que el Tinglado 2 no tiene ninguna intención de crear una colección, ni de dedicar espacios para investigación, documentación ni actividades paralelas. Se trata de un espacio puro, en el sentido de que orienta siempre todas sus fuerzas y medios para la realización de exposiciones concretas, con una coherencia en la programación que lo convierte en un espacio auténticamente alternativo.

En 1990 la Generalitat de Catalunya otorgó a la Autoridad Portuaria de Tarragona el Premio Nacional de Artes Plásticas en su primera edición; en 1991 el Tinglado 2 fue premiado por la Asociación de Críticos de Arte de Catalunya por la coherencia y calidad en sus propuestas expositivas y por su impulso al arte contemporáneo. Algunos de los artistas que han ocupado el espacio del Tinglado 2 han sido Perejaume, Johannes Muggenthaler, Eva Lootz, Barbara Kasten, Hannah Collins, Tom Carr, Jordi Colomer y Alain Fleischer. De cada exposición se realiza un vídeo y un catálogo específicos con la obra expuesta. (Fuente: “Tinglado 2”. Lápiz: Revista internacional del arte. N. 95-96, 1993; pp. 126-127)




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CEUTA




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Uso original: pabellones del antiguo Cuartel del Revellín


Proyecto: Comandancia Exenta de Ceuta

Uso actual: Museo de Revellín

Dirección: Paseo del Revellín, 30

51001 Ceuta

Tel/Fax: 956 511770 / 956 511752



El Museo del Paseo del Revellín nº 30, ocupa uno de los pabellones del antiguo Cuartel del revellín construido en 1900 por el Cuerpo de Ingenieros Militares, según proyecto de la Comandancia Exenta de Ceuta.

En 1989 se aprueba la rehabilitación del edificio para la ubicación del Museo, en este mismo año es declarado Bien de Interés Cultural.

Sus fachadas presentan un estilo de evocación neoclásica. Sobre un zócalo almohadillado, se levanta un cuerpo de dos plantas, decorados con pilastras de órdenes superpuestos que flanquean una sucesión de vanos. La tercera planta retranqueada remata el edificio.

El museo ocupa las plantas baja y primera. Parte del edificio esta dedicada a la exposición permanente de la Sección de Arqueología, atendiendo al criterio de división cronológica en Edades Antigua, Medieval y Moderna, abordándose en cada una de ellas una serie de núcleos temáticos significativos para cada periodo. Completa las instalaciones dos salas dedicadas a exposiciones temporales. (Fuente: Museos de Ceuta)




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EXTREMADURA




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Uso original: antiguo edificio de la fábrica de harinas San Antonio

Fecha construcción: finales del s. XIX

Arquitectos: Ricardo Montero de Espinosa y Eduardo Rengifo

Uso actual: La Casa de la Cultura de Villafranca de los Barros, Badajoz

Fecha inauguración: 29 septiembre 1994

Fecha de rehabilitación: 1986

Arquitecto: Vicente López Bernal

Dirección actual: C/ Luis Chamizo, s/n

06220 Villafranca de los Barros, Badajoz

Tel/Fax: 924 525207, 924 525208 /

924 525209


Web: http://www.villafrancadelosbarros.es/


La localidad pacense de Villafranca de los Barros cuenta con un edificio cultural de significada importancia. La actual Casa de la Cultura aprovecha el antiguo edificio de la fábrica de harinas San Antonio.

La fábrica de harinas San Antonio fue construida a finales del siglo XIX por Ricardo Montero de Espinosa y Eduardo Rengifo.

Según la web municipal, la referencia histórica más antigua de la harinera corresponde a un contrato celebrado entre los propietarios y el ingeniero Isaac Peral el 18 de febrero de 1895 para la instalación de una central eléctrica. Recordemos que Isaac Peral y Caballero (Cartagena, 01/06/1851 - Berlín, 22/05/1895) fue el científico, marino y militar español que inventó en 1885 el primer submarino torpedero. La harinera es por tanto anterior a 1895, y estaba accionada mediante una máquina de vapor.




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La harinera se mantuvo en actividad hasta el 25 de enero de 1979. La rehabilitación del edificio ha correspondido al arquitecto Vicente López Bernal.

La rehabilitación se inició en 1986 y fue inaugurada el 29 de septiembre de 1994 por Juan Carlos Rodríguez Ibarra, Presidente de la Junta de Extremadura. El conjunto está declarado como Bien de Interés Cultural (BIC). Gracias a ello, esta singular harinera decimonónica es actualmente la protagonista de toda la programación cultural del municipio, dando acogida también a la Escuela Municipal de Música, a la Biblioteca, a Radio Villafranca, al Comité de Relaciones Internacionales (C.R.I.) y a otras dependencias y espacios públicos donde tienen cabida exposiciones, talleres, conferencias y otra serie de actividades. (Fuente: Harineras)




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Uso original: Fortín de Pardaleras, y posteriormente cárcel

Fecha construcción: s. XVIII (fortín), mediados de los cincuenta (cárcel)

Uso actual: MEIAC, Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Badajoz

Fecha inauguración: 9 de mayo de 1995


Arquitecto: José Antonio Galea

Dirección: C/ Museo, s/n

Badajoz

Tel: 924 013068

Web: http://www.meiac.es/



El Museo está situado sobre el solar de la antigua Prisión Preventiva y Correccional de Badajoz, que había sido construida a mediados de los años cincuenta sobre el recinto de un antiguo baluarte militar del siglo XVIII conocido como el Fuerte de Pardaleras.

La creación del Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo supuso, no sólo suponía la reconversión de un sórdido recinto penitenciario en un espacio para la comunicación y la cultura, sino que respondía también a una explícita voluntad modernizadora y replanteaba con un sentido nuevo la importancia estratégica de la ciudad y su futuro en la zona fronteriza.




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Obra del arquitecto José Antonio Galea, el proyecto que configura el nuevo museo prescindió de las naves radiales de la antigua cárcel y planteó la creación de un complejo museístico organizado en función de un eje axial y ordenado en tres apartados o zonas diferentes, aunque globalmente integradas: un edificio para la colección permanente y las exposiciones temporales, un edificio de uso administrativo y una amplia zona ajardinada.

De la antigua cárcel se mantuvo en el nuevo proyecto la torre circular del panóptico por tratarse de su elemento formal y simbólico más significativo, rehabilitándose para sus nuevas funciones, mejorando su capacidad, sus limitaciones de altura y la circularidad de sus recorridos mediante la construcción bajo su planta de una sala hipóstila de grandes proporciones.

En un edificio de nuevo alzado se asientan el área administrativa, el salón de actos, los almacenes, talleres y servicios de apoyo al museo.

Los espacios abiertos se configuran como toda una "arquitectura exterior" en la que los muros y elementos constructivos se combinan con palmerales, paseos y zonas ajardinadas.

En cuanto a su superficie útil, sin contar con la pequeña sala de exposiciones situada en el ágora del edificio anexo, ni con las posibilidades que en ese sentido puedan ofrecer los espacios exteriores, el Museo dispone de un generoso espacio expositivo repartido en sus cuatro plantas circulares. (Fuente: MEIAC)

Fondos:

Un conjunto de los fondos del Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo se encuentran vinculados de manera directa a Extremadura, bien por tratarse de obras realizadas por artistas locales, bien por haber formado parte de las adquisiciones realizadas por la Junta desde 1987 o, por último, por haber resultado galardonadas en el apartado plástico de los Premios Constitución.

En este grupo de creaciones relacionadas con algunos de los exponentes de la renovación artística extremeña en el siglo XX se inscriben las obras de Timoteo Pérez Rubio o Isaías Díaz- vinculados a la vanguardia de comienzos de la centuria, integrantes de los Salones de los Independientes y de la Sociedad de Artistas Ibéricos-, del pintor Godofredo Ortega Muñoz o del escultor Enrique Pérez Comendador.

No pueden olvisarse, asimismo, los nombres de Juan Barjola, Ángel Duarte, Pablo Palazuelo, Wolf Wostell, Eduardo Naranjo, Gastón Orellana, Susana Solano, Juan Muñoz, Adolf Scholsser, Juan Navarro Baldeweg, José María Sicilia, Juan Uslé o el fotógrafo Javier Vallhonrat, por mencionar una brevísima selección de la nómina de artistas aquí representados. (Fuente: Summa artis. XLIX-II)




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Uso original: residencia

Fecha construcción: fines s. XIX

Uso actual: Museo de Bellas Artes de Badajoz

Fecha rehabilitación: 1979, 2007 (ampliaciones)


Dirección: C/ Duque de San Germán, 3 06001 Badajoz

Tel: 924 212469, 924 254063



El Museo de Bellas Artes se inauguró en enero de 1920 utilizando unos salones del Palacio Provincial; en estos momentos iniciales los fondos del museo estaban constituidos por 58 obras. Desde entonces, el incremento de su patrimonio a través de depósitos, donaciones y adquisiciones ha sido una actuación constante y exitosa.

Este crecimiento progresivo movió a la Diputación Provincial de Badajoz a adquirir un edificio de finales del XIX en la calle Meléndez Valdés -actual Edificio 2 y salida del Museo-, a donde se trasladó en 1979. Cuando este inmueble resultó nuevamente insuficiente, la Diputación adquirió otros colindantes, entre ellos el que, con entrada por la calle de San Germán, comunica por la parte posterior con el primitivo Museo -actualmente Edificio 1 y entrada al museo-. Este segundo edificio de finales del XIX es un rico inmueble, que contribuye a embellecer la institución museística y a duplicar los espacios expositivos.

En relación con el continente, es obligado referirse también a las plantas de ambos edificios, pues definen las características de la circulación en su interior, imponen un recorrido y un orden al visitante, y determinan en gran medida la exposición y exhibición de sus obras. En este sentido, el museo ha hecho un gran esfuerzo por armonizar convenientemente la arquitectura y la decoración interior con la distribución de las piezas. (Fuente: Diputación de Badajoz)




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Fondos:

Desde las 58 obras iniciales los fondos del Museo se han incrementado hasta alcanzar en la actualidad más de 1.200 piezas de pintura y escultura, que representan a más de 300 artistas. A ello se une un interesante conjunto de piezas de carácter mobiliar. Los fondos abarcan desde el siglo XVI al XX.

Las colecciones más representativas se centran en los siglos XIX y XX. En algunos casos, la representación de ciertos artistas es tan abundante que permite hablar de museos monográficos; son los casos de Nicolás Mejía y Felipe Checa en pintura y Torre Isunza en escultura.

En las colecciones del siglo XX están muy bien representados los costumbristas Eugenio Hermoso, Adelardo Covarsí y Pérez Jiménez. Otros pintores de la primera mitad del siglo con obra representativa son entre otros, Carrasco Garrorena, Aparicio Quintana, Caldera, Moreno Márquez, casi todos con una tendencia similar de la que se apartan otros más innovadores como Timoteo Pérez Rubio, Ortega Muñoz, Bonifacio Lázaro y la obra modernista del original Antonio Juez.

En el panorama de la pintura actual extremeña se exhiben obras de Barjola, Antonio Juez, Pérez Muñoz, Tena, Cañamero, Pedraja, García Vázquez, Vaquero Poblador, etc... (Fuente: Diputación de Badajoz)




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Uso original: antiguo lavadero público, almazara, vivienda familiar de la familia Pedrilla.

Fecha construcción: El conjunto agrícola se remonta al s. XVI, la vivienda data de los años cuarenta.

Arquitectos: José María López-Montenegro y García Pelayo

Uso actual: Museo de Historia y Cultura “Casa Pedrilla”, Cáceres

Fecha inauguración: julio 1995


Dirección: Ronda de San Francisco

Cáceres

Tel: 927 241633, 927 240762


El Museo de Historia y Cultura “Casa Pedrilla” se encuentra ubicado en un complejo agrícola industrial adquirido en 1990 por la Diputación Provincial en los alrededores de Cáceres. Una de las dependencias que integraron el conjunto era la vivienda unifamiliar, construcción de los años cuarenta erigida sobre los restos del viejo lavadero, que fue rehabilitada y adaptada a su función museística. En julio de 1995 abría sus puertas el Museo de Historia y Cultura, al que se añadió el sobrenombre de “Casa Pedrilla” en recuerdo de quienes fueron propietarios de estos terrenos durante el siglo XIX.

El edificio que alberga el museo, construido en los años cuarenta del siglo XX por el arquitecto José María López-Montenegro y García Pelayo, se encontraba en avanzado estado de deterioro hasta que, en 1992 se puso en marcha el proyecto de rehabilitación. Contemplaba esta intervención, en primer lugar, detener el proceso de ruina; además, devolver al inmueble su aspecto original y adaptarlo a su nueva función como museo.

En su apariencia externa recuerda a la arquitectura portuguesa, de acuerdo con los gustos de sus constructores, el matrimonio formado por don Pedro Martín Pedrilla y doña Ana de Lancastre Laboeiro. (Fuente: Summa Artis. XLIX-II).




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Fondos:

Los fondos proceden del patrimonio artístico de la Diputación y de la colaboración desinteresada de muchos particulares, descendientes y herederos de los personajes contenidos en el museo. La finalidad era llenar el vacío existente, en cuanto a contenidos museísticos se refiere, en relación sobre todo, al comienzo de la Edad Contemporánea, al concebir su discurso conceptual en los siglos XIX y XX, en el germen de nuestro pasado inmediato más alguna referencia actual.

El edificio se distribuye en tres plantas con diversas salas cada una distribuidas de la siguiente manera:

Planta baja: junto a algunas obras puntuales de artistas cacereños que completan su representación en la planta primera, se encuentran los testimonios de personajes cacereños que destacaron en el mundo de la música, las letras, la investigación o la política. Ocupan el espacio como representantes de una trayectoria musical: Santiago Berzosa, Manuel García Matos y Cangela Capdevielle. En las letras, la historia y la política, aunque resulta difícil efectuar una selección, podemos encontrar nombres como José Ibarrola, León Leal, José Canal, Publio Hurtado, Mario Roso de Luna, el Conde de Canilleros, Antonio Hurtado, Antonio Silva Núñez o Pureza Canelo.

Planta primera: se distribuyen los artistas plásticos, desde Lucenqui hasta Juan José Nárbón, único autor vivo como puerta abierta a la creación artística actual. Otros nombres de interés son José Bermudo, Conrado Sánchez Varona, Gustavo Hurtado Muro, Enrique Pérez Comendador o Eulogio Blasco.

Planta superior: denominada "Didáctica de la Historia", presenta un recorrido por la historia de Extremadura, con medios visuales sofisticados y un diseño contemporizador, desde la prehistoria, pasando por una breve síntesis de la relación con América, hasta nuestros días. (Fuente: Junta de Extremadura).




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Uso original: Palacio de los Dávila


Uso actual: Museo Pérez Comendador-Leroux, Hervás



Arquitecto: Alfredo Fernández

Dirección: C/ Asensio Neila, 5

10700 Hervás

Tel: 927 481655



Se encuentra instalado en un edificio del siglo XVIII, el Palacio de los Dávila, propiedad municipal desde 1972; el proyecto de su rehabilitación se encargó al arquitecto Alfredo Fernández. La Casa de los Dávila, antigua casona está situada en el centro de la población entre las plazas de González Fiori y de “La Corredera” que perteneció a la familia Dávila.

Desde su construcción el edificio ha venido cumpliendo funciones diversas desde el uso residencial a Comandancia Militar durante la guerra o biblioteca durante la construcción del edificio de maestría en una de las salas de planta baja. Ha vivido varias intervenciones, la más destacada la realizada para su adecuación como espacio museístico. En 1969 había sido incluida en la Declaración del Conjunto Histórico de Hervás acompañando al Barrio Judío y a otros edificios de los s. XVI al XVIII – Iglesia de Santa María, Convento Trinitario, Enfermería Franciscana, declaración promovida por el folklorista hervasense Emilio González de Hervás, que contó con el apoyo de Enrique Pérez Comendador en calidad de miembro de San Fernando.




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El edificio presenta tres plantas en la fachada del jardín producto de la adaptación a la ligera pendiente del terreno, Ha sufrido varias intervenciones, aunque en líneas generales el edificio conserva el volumen, la espacialidad y la distribución original marcada por el eje señalado por la puerta principal y las escaleras.

El respeto de las intervenciones realizadas con los muros de fábrica, espacio de escalera y los artesonados de la entrada y solera de escaleras y los elementos de cantería en chimenea, hornacinas y vanos de puertas y ventanas ayudan a conservar el carácter de la edificación. En el exterior destaca un pequeño aljibe cubierto por una bóveda de cañón de sillares que sirve de apoyo a una de las fachadas laterales del edificio.

La fachada del jardín era la más afectada por las sucesivas reformas y adaptaciones a las necesidades de los propietarios presentando una serie de construcciones añadidas que desfiguraban su traza original; por otro, lado otras dependencias exentas del edificio principal cumplían las funciones de antiguas cuadras y graneros.

Los contactos llevados a cabo a partir de 1968 entre Comendador, D. Gaspar López Gil, D. José Murillo Iglesias, D. Victor Mendoza Olivan, D. Luis Sánchez Belda y D. Ramón Jaraquemada en representación de la propietaria del inmueble Dª María Socorro Silva Dávila heredera de Dª María Dávila García, tendrán como resultado la compra del inmueble en 1972. En 1975 D. Fernando Chueca Goytia recibe el encargo de realizar el proyecto de rehabilitación. El proyecto, fechado en 1977, acomete la rehabilitación del inmueble para su adecuación como Casa Museo y Biblioteca Pública, reservando una parte importante del edificio como vivienda del escultor- con la consiguiente ampliación de la parte derecha del inmueble y estudios bajo cubierta para becados que llevan consigo añadidos importantes y distorsionan la cubierta original. Se iniciarán las obras para rehabilitar un edificio en ruina, empezando los trabajos por la cubierta. En julio de 1981 el diario ABC, poco después de la muerte de Comendador, se hacía eco de la preocupación del Ayuntamiento de Hervás que asiste al estancamiento de las obras, y de la decisión firme del Alcalde D. Vicente Castellano y la corporación que intentan la continuidad del proyecto de Museo.

Por un lado la indecisión de los artistas: Comendador y Magdalena Leroux y sus continuos coqueteos con otras ciudades, especialmente con Sevilla, y por otro la falta de compromiso real de los diferentes ministerios que se habían comprometido a iniciar las obras de rehabilitación de la Casa de los Dávila, hacen que la década de los años 70 se salde prácticamente con la adquisición del inmueble de la Casa de los Dávila, con la redacción de un primer proyecto de rehabilitación y con la presencia de algunas obras del escultor en Hervás, como se deduce de la nota informativa del Ayuntamiento de Hervás de 11 de febrero de 1975 y de la entrevista realizada a D. Gaspar López a principios de 1977 en el diario Hoy.




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Habrá que esperar a mediados de los ochenta para que las obras del edificio tomen un nuevo y definitivo impulso tras la intervención de la nueva corporación provincial presidida por D. Manuel Veiga López, D. Ventura Díaz Gil, Alcalde de Hervás y el heredero del matrimonio D. Roger Lecourtier Morel. Será la Diputación cacereña y el arquitecto de la misma, D. Alfredo Fernández, quien manteniendo parte de los criterios del proyecto de D. Fernando Chueca Goitia modificará algunos de los usos contemplados, destinando la totalidad del inmueble a un uso estrictamente cultural acometiendo la rehabilitación definitiva del mismo e inaugurándose como museo dedicado a Enrique Pérez Comendador y a su mujer la pintora Magdalena Leroux el 25 de octubre de 1986.

Posteriormente a esta fecha han sido acometidas algunas obras menores y una nueva restauración que afectó principalmente a la cubierta, a la que se devolvía en gran medida su aspecto originario con la desaparición de los espacios abuhardillados que tantos problemas de humedad venían ocasionando en los últimos años, y a la escalera principal del edificio.

Esta última intervención, dirigida por el arquitecto D. Manuel Viola Nevado, fue financiada por la Consejería de Cultura de la Junta de Extremadura. (Fuente: Museo Pérez Comendador-Leroux)

Fondos:

En sus salas se expone la obra escultórica de Enrique Pérez Comendador (Hervás 1900-Madrid,1981) y la pintura de su mujer Magdalena Leroux Morel (París, 1902-madrid, 1985). Desde 1997 el museo viene siendo gestionado por el Consorcio Museo Pérez Comendador-Leroux en el que participan la Diputación de Cáceres, la Consejería de Cultura y Turismo de la Junta de Extremadura y el Ayuntamiento de Hervás. En los últimos años el museo abre sus fondos a nuevos artistas: el extremeño Ángel Duarte Jiménez (Aldeanueva del Camino 1930- Sión, 2007), miembro fundador del Equipo 57 y figura destacada de la vanguardia española y del arte normativo europeo; Javier de Winthuysen Losada (Sevilla, 1874- Barcelona, 1956) pintor sevillano y pionero en el estudio de los jardines históricos españoles. Junto a estos, el museo cuenta con la presencia de obra de la familia Leroux: Auguste, Georges, André y Lucienne y con una importante colección de ex libris en la que destacan algunas de las figuras del Modernismo catalán: Triadó, Casal y Vernís y Riquer.

La sala de exposiciones temporales ha permitido que en sus fondos se inscriban nuevos creadores, principalmente extremeños como Pilar Molinos, Pedro Gamonal, Luis Costillo, César David, Juan Gila, Bárbara Bejarano o José Luis Acera. Los castellanos Ángel Sardina y Paloma Pájaro, los andaluces José Manuel Fuentes, Pérez Tapias o José Manuel Velasco o el asturiano Enrique Tirador entre otros.




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Desde 1997 el Museo Pérez Comendador-Leroux forma parte de la Red de Museos de Extremadura y prácticamente desde su creación cuenta con una serie de servicios culturales y educativos con los que conforma una variada programación cultural: Biblioteca Pública “Agustín Arrojo Muñoz” y Escuela Municipal de Música. Servicios culturales que aportan al Museo su especificidad, su público y una estrecha relación de cotidianeidad con la localidad de Hervás y colaboración con otras instituciones culturales de Extremadura. (Fuente: Zéfiro cuadernos).




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Uso original: lavadero de lanas


Uso actual: Museo Vostell Malpartida de Cáceres

Fecha de inauguración: 1976


Dirección: Ctra. de Los Barruecos, s/n.

Cáceres

Tel: 927 010812

Web: www.museovostell.org



El Museo Vostell está ubicado en una serie de edificios que antiguamente conformaron un ejemplo interesante de la arquitectura industrial del siglo XVIII en España; el conjunto comprende diversas instalaciones que, en dicha centuria, se utilizaron para el lavado de la lana. El enclave permaneció activo hasta mediados del siglo XIX, época en la que contó con más de cien trabajadores y con un volumen de 80.000 arrobas de lana lavadas al año, según el informe de Pascual Madoz. El lavadero fue declarado Bien de Interés Cultural-Sitio Histórico en 1988 por la Junta de Extremadura. En 1998 finalizaba la última fase de restauración del recinto, que se concretó en la ampliación de los ámbitos de exhibición y de las dependencias de servicio. (Fuente: Museo Vostell Malpartida )




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Fondos:

El museo constituye el proyecto de crear un espacio de escultura al aire libre emplazado en el escenario natural de Los Barruecos y parte de la iniciativa del artista alemán Wolf Vostell, quien en seguida recibe el apoyo del alcalde Juan José Lancho Moreno. Tras la apertura al público de un primer escenario al aire libre, se pone en marcha la habilitación de un antiguo lavadero de lanas del siglo XVIII, con la idea de albergar las obras menos resistentes a la intemperie. En 1984 el Ayuntamiento y la Institución Cultural El Brocense, de la Diputación Provincial de Cáceres, firman un acuerdo en el que se integra definitivamente el museo.

El Museo Vostell Malpartida acoge tres grandes colecciones de arte de vanguardia: la de Wolf y Mercedes Vostell, la Colección Fluxus, donada en 1996 por Gino di Maggio, y la de Artistas Conceptuales.

La primera, ofrece un amplio recorrido por los ciclos más representativos del artista fundador.

La segunda está integrada por doscientas cincuenta obras (entre instalaciones, objetos, partituras etc.) de artistas vinculados al movimiento Fluxus como Maciunas, Kaprow, Y. Ono, Brecht o Nam June Paik.

Finalmente, la tercera expone trabajos de artistas españoles, portugueses y polacos, entre ellos Canogar, Equipo Crónica, Muntadas, Criado o Ráfols Casamada. Desde los inicios de su andadura, el museo organiza importantes exposiciones temporales de carácter tanto nacional como internacional. (Fuente: Mas de arte).




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GALICIA




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Uso original: Convento de Santo Domingo de Bonaval


Uso actual: CGAC - Centro Galego de Arte Contemporánea


Fecha de rehabilitación: 1988-1993

Arquitecto: Álvaro Siza

Dirección: Rúa Valle Inclán, s/n

15704 Santiago de Compostela

Tel/Fax: 981 546619 / 981 546625

Web: http://www.cgac.org



Proyectado y construido entre 1988 y 1993 por el arquitecto portugués Álvaro Siza (Premio Pritzker 1993), el edificio que alberga el Centro Galego de Arte Contemporánea se encuentra en una de las zonas monumentales más sugestivas y simbólicas de Santiago de Compostela: en el límite de la ciudad histórica, y al lado de la antigua puerta de entrada del Camino Francés.

El edificio está situado al lado y en relación directa con el convento (actualmente, museo etnográfico) de San Domingos de Bonaval, ya que la parcela donde se ubica el museo era antiguamente la huerta del convento. Detrás del CGAC se encuentran los jardines, recuperados hace poco tiempo para el disfrute público, manteniendo los hallazgos arqueológicos y antiguos senderos.




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El edificio construido por Siza refleja su admiración por los racionalismos y el movimiento moderno, participando de su personal visión poética de la arquitectura y el espacio. La línea, la luz y el volumen son los elementos que se combinan para dar paso a una arquitectura austera y serena. Se sirve de la piedra como un elemento que le une con la tradición, dialogando con los edificios circundantes, respetando el sentido de historia que pervive en Compostela. (Fuente: CGAC)

Actividades:

El Centro Galego de Arte Contemporánea es un espacio de difusión cultural cuya función es dinamizar el panorama artístico actual y reflexionar acerca de la diversidad de las conformaciones culturales en la sociedad contemporánea.

Creado en 1993, este centro se enmarca dentro de la política surgida en España a partir de la década de 1980 para promover el desarrollo de plataformas culturales, y favorecer la entrada de Galicia en el circuito artístico internacional.

Desde sus inicios, el CGAC ha mostrado las líneas directrices del arte de las últimas décadas mediante exposiciones retrospectivas de artistas reconocidos internacionalmente al lado de exposiciones dedicadas a difundir el arte gallego, incluyendo tanto autores ya consagrados como a los más emergentes. También son continuas las colaboraciones con otras instituciones, que en esta nueva etapa se verán reforzadas con proyectos a largo plazo.

Pero, además de un espacio expositivo, el CGAC es un centro dinámico y multidisciplinar en el que se celebran ciclos de conferencias, talleres impartidos por artistas e incursiones en el campo de la música, las artes escénicas y el cine, que permiten la participación activa del público y favorecen el intercambio de ideas entre profesionales de distintos ámbitos. (Fuente: CGAC)




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Uso original: Museo Eléctrico

Fecha construcción: s. XX

Uso actual: MACUF, Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa, A Coruña


Fecha de rehabilitación: 1995, 2005

Dirección: Avda. de Arteixo 171

15007 A Coruña

Tel: 981 178700, 981 911476

Web: http://www.macuf.es/



MACUF sobrevivió a Unión FENOSA. La desaparición del nombre de la eléctrica tras su fusión con Gas Natural no afectó a la actividad del museo de arte contemporáneo que creó la firma energética gallega.

Corría 1995 cuando al amparo de una de las empresas más poderosas de España nacía en A Coruña el MACUF, Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa. Su mentor, Julián Trincado, quien fue presidente de la sociedad desde 1983 hasta 1993, veía así cumplido uno de sus sueños. Porque Trincado, ingeniero, gran directivo y amante de Galicia -a la que estaba ligado por vía materna a pesar de haber nacido en Valencia- tenía entre sus máximas pasiones el arte de vanguardia.

Aquel sueño es una realidad que hoy atesora medio millar de obras de arte de autores españoles y portugueses de renombre internacional (Leiro, Tàpies, Lugrís, Barceló, entre otros) y que, cosas del mundo de las finanzas, lleva el nombre de una empresa que ya no existe.




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Estos cambios empresariales, sin embargo, no han tenido ninguna repercusión en el sello cultural creado por Unión Fenosa que mantiene su nombre así como su funcionamiento.

Con ello se garantiza la continuación de su actividad de fomento de la cultura que, como explica la directora del Macuf, Carmen Rivera, va más allá de la actividad museística. Cada dos años, desde 1990 se conceden tres becas de creación artística para cursar estudios en el extranjero. “También realizamos casi 200 actividades de distinto ámbito, en la música, fotografía, para pintores o público en general”, explica Rivera. Todo manteniendo el espíritu que quiso imprimir al socaire de la empresa el principal impulsor del Macuf, Julián Trincado, creador asimismo de la Colección de Amigos del Arte Contemporáneo y reconocido en 1996, cuatro años antes de su muerte, con la medalla de oro al Mérito en las Bellas Artes.

Aunque el Macuf vio la luz en 1995 -en un ala del edificio del Museo Eléctrico creado cinco años antes en el polígono coruñés de A Grela- su germen se plantó en 1978, cuando se instauró la primera Mostra Unión Fenosa de arte contemporáneo. De hecho las primeras piezas del fondo se comenzaron a adquirir de esta exposición y concurso al que acudían artistas gallegos y residentes en Galicia cada dos años. La estructura que tiene en la actualidad, posee 9.000 metros cuadrados tras la restauración y ampliación del inmueble. (Fuente: e-norte)




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Uso original: Real Consulado del Mar

Fecha construcción: finales s. XVIII

Uso actual: hasta 1995 Museo de Belas Artes de A Coruña. Real Academia Gallega de Bellas Artes


Dirección actual: Plaza del Pintor Sotomayor s/n

15001 A Coruña

Tel: 981 223723, 981 223769

Web: http://museobelasartescoruna.xunta.es/



El Museo de Bellas Artes de A Coruña abrió por primera vez sus puertas en 1947 teniendo por sede el antiguo edificio del Real Consulado del Mar, construcción del último tercio del siglo XVIII de estilo neoclásico, y donde ha permanecido hasta 1995, año en que se abre al público un museo de nueva planta, proyectado por el arquitecto Manuel Gallego Jorreto. Este nuevo edificio ocupa el emplazamiento de un antiguo convento de capuchinas. (Fuente: Summa artis. XLIX-II).

Fondos:

Los fondos que conserva el museo en su colección se caracterizan por la variedad de contenidos dentro de una amplia cronología que abarca desde fondos arqueológicos (hoy depositados en el Museo Arqueolóxico e Histórico do Castelo de San Antón) hasta fondos de pintura moderna y contemporánea, completándose con una amplia colección de grabados, dibujos, objetos de artes decorativas y piezas numismáticas.




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La pintura fue la sección que tuvo una mayor relevancia con obras que cronológicamente arrancan del siglo XVI llegando hasta mediados del siglo XX. Haciendo un pequeño esbozo de la colección en la pintura antigua temos que señalar las obras renacentistas de Morales y Correa de Vivar. Destacan los 14 lienzos de Vicente Carducho para el claustro del Monasterio cartujo del Paular donde se representa la vida de San Bruno, el fundador de la orden de los cartujos. Son singulares las tablas mitológicas de Rubens, así como el florero de Arellano. Otras piezas importantes de la pintura moderna son la Magdalena de Anibal Carraci, o San Andrés de Ribera ó el San Antonio de Padua de Sánchez Coello. Dentro de la pintura decimonónica están representados los distintos géneros pictóricos tan en boga en este período. En el género del retrato, Fierros y Federico Madrazo son los autores mejor representados; en los paisajes de Pérez de Castro, Modesto Urgell, Carlos Haes ó Aureliano Beruete podemos apreciar la evolución desde el romanticismo hasta el realismo. Por último el costumbrismo regionalista tiene en el Boyero Castellano de Sorolla una magnífica muestra.

La colección de pintura gallega arranca con las obras de Modesto Brocos e Serafín Avendaño, continuando con la llamada Generación Doente con piezas de Ovidio Murguía, Joaquín Vaamonde, Parada Justel y Jenaro Carrero. En la estética regionalista sobresalen las paisages de Lloréns, los tipos de Sotomayor y de Xesús Corredoyra. El lenguaje de la primera vanguardia está representada por la obra de Carlos Maside, Colmeiro ó Seoane. El surrealismo de Lugrís y de Fernández Granell muestra la adaptación de los pintores gallegos a los distintos lenguajes contemporáneos. Caruncho, Labra y Mampaso dan cuenta de la generación de posguerra que asume la abstracción como referente creativo.

Otra sección importante del museo es la colección de grabados. Las estampas de las siguientes series de Francisco de Goya: Pinturas de Veláquez, Caprichos, Tauromaquia, Desastres da Guerra y Disparates, son las obras más sobresalientes, completándose con la colección de grabados de Seoane y de otros artistas contemporáneos gallegos.

Por último, en la sección de las artes decorativas tenemos que destacar la colección de loza de Sargadelos de la que se presentan las diferentes etapas de la producción del siglo XIX y de las diversas técnicas que se usaron en su momento, como la pintura a mano, la estampación o la iluminación. (Fuente: Museo da Belas Artes A Coruña)




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Uso original: antiguo convento de Capuchinas


Arquitecto: Fernando de las Casas Novoa

Uso actual: Museo de Belas Artes da Coruña


Arquitecto: Manuel Gallego Jorreto

Dirección: Rúa Zalaeta, s/n

15002 A Coruña

Tel: 981 223723, 981 223769

Web: http://museobelasartescoruna.xunta.es/



El Museo de Bellas Artes de A Coruña abrió por primera vez sus puertas en 1947 teniendo por sede el antiguo edificio del Real Consulado del Mar, construcción del último tercio del siglo XVIII de estilo neoclásico, y donde ha permanecido hasta 1995, año en que se abre al público un museo de nueva planta, proyectado por el arquitecto Manuel Gallego Jorreto.

Merecedor del Premio Nacional de Arquitectura de 1997, el actual edificio ocupa el solar y las dependencias del antiguo convento de Capuchinas, realizado por Fernando de las Casas Novoa en estilo barroco.

El edificio del museo, erigido entre 1990 y 1995 según proyecto de J. Manuel Gallego Jorreto, ocupa el emplazamiento del antiguo convento de Capuchinas, que ha preservado algunas de sus dependencias –entre las que se encuentra el templo-, integradas en la construcción moderna.




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Un amplio vestíbulo central que recibe iluminación a través de un lucernario sirve para estructurar el espacio; en este ámbito, concebido como continuación de la calle, se localizan la sala de exposiciones temporales y el salón de actor. La fachada principal del edificio está precedida de una plaza porticada.

El acceso a las estancias pertenecientes al antiguo convento -al que se incorporaron las dependencias administrativas, alojadas en un ala adicional– se realiza a través de una pasarela, desde la planta primera. Las salas de exposición ocupan tres alturas, alrededor de un patio rematado por una amplia linterna que proporciona luz natural. (Fuente: Summa artis. XLIX-II).

Fondos:

Los fondos que conserva el museo en su colección se caracterizan por la variedad de contenidos dentro de una amplia cronología que abarca desde fondos arqueológicos (hoy depositados en el Museo Arqueolóxico e Histórico do Castelo de San Antón) hasta fondos de pintura moderna y contemporánea, completándose con una amplia colección de grabados, dibujos, objetos de artes decorativas y piezas numismáticas.

La pintura fue la sección que tuvo una mayor relevancia con obras que cronológicamente arrancan del siglo XVI llegando hasta mediados del siglo XX. Haciendo un pequeño esbozo de la colección en la pintura antigua temos que señalar las obras renacentistas de Morales y Correa de Vivar. Destacan los 14 lienzos de Vicente Carducho para el claustro del Monasterio cartujo del Paular donde se representa la vida de San Bruno, el fundador de la orden de los cartujos. Son singulares las tablas mitológicas de Rubens, así como el florero de Arellano. Otras piezas importantes de la pintura moderna son la Magdalena de Anibal Carraci, o San Andrés de Ribera ó el San Antonio de Padua de Sánchez Coello. Dentro de la pintura decimonónica están representados los distintos géneros pictóricos tan en boga en este período. En el género del retrato, Fierros y Federico Madrazo son los autores mejor representados; en los paisajes de Pérez de Castro, Modesto Urgell, Carlos Haes ó Aureliano Beruete podemos apreciar la evolución desde el romanticismo hasta el realismo. Por último el costumbrismo regionalista tiene en el Boyero Castellano de Sorolla una magnífica muestra.

La colección de pintura gallega arranca con las obras de Modesto Brocos e Serafín Avendaño, continuando con la llamada Generación Doente con piezas de Ovidio Murguía, Joaquín Vaamonde, Parada Justel y Jenaro Carrero. En la estética regionalista sobresalen las paisages de Lloréns, los tipos de Sotomayor y de Xesús Corredoyra. El lenguaje de la primera vanguardia está representada por la obra de Carlos Maside, Colmeiro ó Seoane. El surrealismo de Lugrís y de Fernández Granell muestra la adaptación de los pintores gallegos a los distintos lenguajes contemporáneos. Caruncho, Labra y Mampaso dan cuenta de la generación de posguerra que asume la abstracción como referente creativo.




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Otra sección importante del museo es la colección de grabados. Las estampas de las siguientes series de Francisco de Goya: Pinturas de Veláquez, Caprichos, Tauromaquia, Desastres da Guerra y Disparates, son las obras más sobresalientes, completándose con la colección de grabados de Seoane y de otros artistas contemporáneos gallegos.

Por último, en la sección de las artes decorativas tenemos que destacar la colección de loza de Sargadelos de la que se presentan las diferentes etapas de la producción del siglo XIX y de las diversas técnicas que se usaron en su momento, como la pintura a mano, la estampación o la iluminación. (Fuente: Museo da Belas Artes A Coruña)




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Uso original: Convento de San Francisco

Fecha construcción: s. XVIII (Fundación)

Uso actual: Museo Provincial de Lugo



Arquitectos: Manuel Gómez Román (1960), Luís Pérez Barja y Antonio González Trigo (1997)

Dirección: Praza da Soidade, s/n

27001 Lugo

Tel/Fax: 982 242112 / 982 240240

Web: http://www.museolugo.org/


La iniciativa de la Diputación Provincial de reunir para su custodia un amplio conjunto de bienes artísticos y culturales de la provincia de Lugo, dispersos hasta ese momento en colecciones privadas y públicas, surgió en el año 1932. Con el patrocinio de dicha institución iniciaba su andadura este museo, cuyos fondos fueron incrementándose desde sus primeros tiempos gracias a donaciones y depósitos, entre los que pueden mencionarse los realizados por Álvaro Gil Varela o los hermanos Fernández López. Asimismo uno de sus directores, Manuel Vázquez Seijas, resultó fundamental para el incremento de las colecciones.

En un primer momento, hasta su traslado al emplazamiento que ocupa en la actualidad (1957), se habilitó como espacio expositivo una parte del Palacio Provincial de San Marcos. Posteriormente las obras se instalaron en el Convento de San Francisco, al que se incorporó un edificio construido expresamente para sede del museo. El conjunto ha sufrido diversas remodelaciones (1997) y, en la actualidad se estudia una nueva ampliación de sus instalaciones.




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A mediados de los años cincuenta, los fondos del museo fueron trasladados y se ubicaron en el claustro –espacio declarado Monumento Artístico en 1931 y, en la actualidad, Bien de Interés Cultural-, la cocina y el refectorio del antiguo convento de San Francisco del siglo XVIII, con algunas dependencias correspondientes a fábricas anteriores. Junto a él se construyó un edificio de nueva planta, a imitación de los tradicionales pazos gallegos, con proyecto de Manuel Gómez Román.

En los años sesenta tuvo lugar una primera intervención remodeladora de esta sede, que contemplaba la ampliación de su espacio; el plan de esta restauración se encargó a L. Pérez Barja. Tiempo después, en 1997, se inauguró una segunda y ambiciosa ampliación que corrió a cargo del arquitecto A. González Trigo.

Una de las dependencias conventuales más destacadas es el claustro. De trazado cuadrangular, la planta baja fue construida en el siglo XV; en cada una de sus pandas se abren tres grupos de tres arcos de medio punto que apean en columnas pareadas cuyos capiteles ostentan decoración vegetal. Se ha conservado algunos de los arcos de la crujía septentrional, gracias al proyecto de Blas de Barro. (Fuente: Summa Artis. XLIX-II)

Fondos:

El Museo Provincial de Lugo cuenta con salas dedicadas a arqueología, arte sacro, etnografía, cerámica y vidrio, pintura y escultura, abanicos y relojes, numismática y medallística, etc., así como con una sección de arte gallego (pintura, escultura, cerámica de Sargadelos, orfebrería y azabaches).

En la sala destinada al arte moderno y contemporáneo, cabe mendionar pinturas y esculturas de finales del siglo XIX al siglo XX, obras procedentes en gran parte de depósitos del Museo del Prado. Mercen citarse obras de la escuela española de finales del XIX y comienzos del siglo XX, representada, entre otros, por Carlos Haes, Gonzalo Bilbao e Hidalgo de Caviedes. El museo cuenta, asimismo, con notables ejemplos de autores catalanes: Mompou, Grau Sala, Vila Arrufat, entre otros. (Fuente: Summa Artis. XLIX-II)




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Uso original: Baluarte de Sant Pere


Uso actual: Es Baluard, Museo d’Art Modern i Contemporani de Palma

Fecha inauguración: 30 enero 2004


Arquitectos: Jaime y Luís García Ruiz, Ángel Sánchez-Cantalejo y Vicente Tomás

Dirección: Plaça Porta Santa Catalina, 10

07012 Palma de Mallorca

Tel/Fax: 971 908200 / 971 908203

Web: http://www.esbaluard.org/home/index.php


Es Baluard en FACEBOOK


La construcción del baluarte de Sant Pere fecha del siglo XVI. En esta época se inicia el refuerzo de los antiguos muros medievales, con la realización de nuevas murallas, proyecto ideado por el ingeniero italiano Giovan Giacomo Palearo Fratin, apodado “El Fratín”, que en 1574 es nombrado ingeniero mayor. Sus diseños, de tradición italiana, adaptan las defensas de la ciudad a la nueva concepción renacentista, que consistía en crear un recinto amurallado formado por baluartes, unidos entre sí por lienzos de muralla. Un baluarte es una obra de fortificación que forma un cuerpo avanzado de defensa de una muralla. El baluarte de Sant Pere destaca de entre todos éstos por sus grandes dimensiones y por su importancia defensiva.




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El sistema se implanta en todas las fortificaciones construidas en los territorios españoles en Europa a partir de la segunda mitad del siglo XVI.

En 1613 se desvió el lecho del torrente de sa Riera del paseo del Born a su actual ubicación extramuros de la ciutat, con salida al mar justo al lado de Es Baluard. Entre 1638 y 1654, bajo el mandato de Vicenç Mut i Armengol como ingeniero y sargento mayor de la fortificación, el baluarte toma altura. A lo largo del siglo XVIII la construcción tiene ya la forma actual.

A finales del siglo XIX comienza el proceso de demolición de las murallas de la ciudad. Esta medida fue tomada con la finalidad de adaptar la ciudad a las nuevas necesidades de modernidad, crecimiento económico y limpieza. Entre 1873 y 1902 se produce un derribo parcial de las murallas, mientras que el definitivo se produce entre 1902 y 1932. Palma se libera del anillo terrestre fortificado y sólo mantiene una parte de la fachada marítima que se conserva hasta la actualidad.

A lo largo de la primera mitad del siglo XX el baluarte de Sant Pere continuó como espacio de especial interés defensivo y estratégico para la ciudad.

El baluarte de Sant Pere deja de tener uso militar en el año 1962, cuando el antiguo cuartel de artillería fue adquirido por un grupo inmobiliario.

En 1963 cae parte de la cortina de poniente, previsiblemente de forma intencionada, y el Estado proyectó su reconstrucción inmediata en 1965. Finalmente, en el Plan general de 1970 y en su posterior modificación de 1985 los terrenos fueron calificados de uso público, y expropiados a finales de la década de los ochenta.

Después de unos años sin un uso específico, en 1997 estos terrenos fueron cedidos por el Ajuntament de Palma para la construcción de Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma. Este hecho significó, por encima de todo, la principal recuperación de una edificación arquitectónica del siglo XVI de gran valor histórico. Desde hace más de 30 años, el recinto de estas antiguas murallas estaba abandonado y se había convertido en un lugar inhóspito. La cesión por parte del Ajuntament de Palma de esta construcción para habilitar un museo solucionó las necesidades de espacio para alojar las colecciones y supuso, al mismo tiempo, la dinamización urbanística de la zona.

El edificio, definido por líneas simples y puras, se levanta al abrigo de las murallas renacentistas que lo rodean, aunque sin superar jamás su altura. El proyecto arquitectónico del museo es especialmente respetuoso con el entorno patrimonial e histórico que lo alberga.




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El edificio fue diseñado por el equipo de arquitectos integrado por los hermanos Jaime y Luís García Ruiz, Ángel Sánchez-Cantalejo y Vicente Tomás, y tiene una superficie total de 5.027 m², de los cuales 2.500 se destinan a espacios expositivos.

El museo está estructurado en tres plantas que se conectan mediante rampas, claraboyas y balconadas interiores, dando lugar a un juego de espacios y alturas que unen las plantas entre sí y con el exterior

El museo se ofrece así como una prolongación natural de la ciudad y las calles que lo rodean. A medida que se pasea por las terrazas y los corredores, el visitante descubre el continuo diálogo entre el vanguardismo arquitectónico del nuevo edificio y la tradición histórica de la muralla que lo integra. De este modo, el edificio simboliza también su mediterraneidad, estableciendo una relación constante entre el interior y el exterior. (Fuente: Es Baluard)

Fondos:

La colección gestionada por la Fundación Es Baluard dispone de fondos propios, los cedidos por los patronos y los procedentes de colecciones privadas y todo ello con el referente de estar ante obras de autores relacionados con las Islas Baleares. Así, la colección de la Fundació Es Baluard está formada por pinturas, esculturas, cerámicas y dibujos de artistas vinculados a las tendencias artísticas internacionales más significativas, aparecidas desde finales del siglo XIX: Cézanne, Gauguin, Picasso, Miró, Picabia, Magritte, Giacometti, Motherwell, Tàpies… hasta la actualidad: Horn, Plessi, Polke, Kiefer, Schnabel, Barceló, Scully...

También hay una destacada muestra de paisajismo catalán y mediterráneo, así como de artistas que, directa o indirectamente, han estado relacionados con las Baleares: S. Rusiñol, J. Mir, A. Gelabert, H. Anglada-Camarasa, J. Ramis o M. H. Mompó, entre otros. (Fuente: Es Baluard)




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Uso original: antigua sede de la cárcel y juzgados de Vigo


Uso actual: MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo



Arquitectos: Salvador Fraga Rivas, Francisco Javier García-Quijada Romero y Manuel Portolés Sanjuán.

Dirección: C/ Príncipe, 54

36202 Vigo

Tel/Fax: 986 113900 / 986 113901

Web: http://www.marcovigo.com/


MARCO en FACEBOOK


El MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo, está situado en plena zona comercial de la ciudad, en la céntrica y peatonal calle del Príncipe, y ocupa el espacio de lo que fue la antigua sede de la cárcel y juzgados de Vigo (1880), un lugar muy ligado a la memoria colectiva y que constituye uno de los principales atractivos del centro.

La idea primigenia de crear un museo de arte contemporáneo en Vigo se planteó en 1994, siendo alcalde D. Carlos González Príncipe. Desde entonces hasta el 22 de octubre de 2002, fecha de constitución de la Fundación MARCO, pasaron varios años de trabajos a favor del museo, durante los que se realizó y ejecutó el proyecto de rehabilitación y reconstrucción del antiguo edificio de los juzgados y cárcel de Vigo (1880).




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La elaboración del proyecto, una reforma cofinanciada entre el Ayuntamiento de Vigo y la Unión Europea (FEDER), por medio del Programa INTERREG II ESPAÑA-PORTUGAL, fue adjudicada al equipo vigués de arquitectos formado por Manuel Portolés Sanjuán, Francisco Javier García-Quijada Romero y Salvador Fraga Rivas, el 24 de marzo de 1995.

Se prestó especial atención a la integración del edificio en el contexto urbano, dotándolo de un paseo peatonal, con escalinata, que lo comunica con las calles posteriores y con su entorno. (Fuente: MARCO)

Actividades:

Con la apertura de puertas al público en 2002 el MARCO se convertía en uno de los más jóvenes museos de Galicia. Si bien su nombre y acrónimo lo definen como Museo, el MARCO no tiene colección permanente y funciona como centro de arte contemporáneo, con un programa de exposiciones temporales y un conjunto de actividades paralelas de las que el programa educativo es una parte esencial.

El principal objetivo del museo es comunicar, conectar con los visitantes y, por encima de todo, crear y fomentar hábitos de consumo cultural, un reto difícil y a largo plazo. La línea de programación del MARCO se centra en exposiciones temporales, hasta ahora temáticas y colectivas, y que a partir del año 2009 se completa con una nueva línea de exposiciones individuales. El programa educativo -visitas y talleres para escolares, actividades para familias, talleres infantiles de verano, cursos de adultos, visitas guiadas, talleres de artista- y el conjunto de actividades paralelas y complementarias de las exposiciones -jornadas, seminarios, conferencias, conciertos, ciclos de cine...- además de los servicios de la Biblioteca-Centro de Documentación y de las actividades de la Agrupación de Amigos, son otros componentes esenciales en la oferta del MARCO a sus visitantes. (Fuente: MARCO)




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LA RIOJA




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Uso original: Convento de la Merced, hospital militar, cuartel, almacén, cárcel y fábrica de tabacos

Fecha creación: primer cuarto s. XIV

Uso actual: Sala Amós Salvador



Dirección: C/ Once de Junio, s/n

26001 Logroño

Tel: 941 259202, 941 207688

Web: http://www.logro-o.org/culturalrioja/sala_amos.htm


El conjunto arquitectónico en el que se enclava la Sala Amós Salvador data del primer cuarto del siglo XIV, fecha en la que fue Convento de la Merced. Tras numerosas cesiones y remodelaciones, en 1978 vuelve a ser propiedad municipal, incluyéndose en la propuesta inicial de edificios a conservar del Plan Especial del Centro Histórico de Logroño. El año 1979 comienza la recuperación para la vida ciudadana de un soberbio edificio que había demostrado cumplidamente a lo largo de la historia su capacidad para contener usos tan diversos como los de convento, hospital militar, cuartel, almacén, cárcel y fábrica de tabacos.

La Sala Oeste, construida a finales del siglo XIX para ser el almacén de secado de la fábrica de tabacos, abría así una primera fase como espacio cultural interdisciplinar (música, teatro, pintura, escultura, etc.) ligado a las nuevas prácticas traídas por la recién conquistada democracia.

Desde mayo de 1988, ya bajo la actual denominación de Sala Amós Salvador y gracias a la diversificación de infraestructuras culturales en la ciudad, se convirtió en espacio de uso específico y exclusivo para las artes plásticas. (Fuente: Sala Amós Salvador)




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MADRID




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Uso original: vivienda La Casona

Fecha construcción: s. XIX

Uso actual: CA2M. Centro de Arte Dos de Mayo

Fecha inauguración: mayo 2008

Arquitectos: Celia Vinuesa, Pablo Pérez-Urruti

Dirección: Avda. Constitución, 23–25

28931 Móstoles, Madrid

Tel/Fax: 91 2760213 / 91 6180469

Web: http://www.madrid.org/centrodeartedosdemayo/



Dentro del solar, situado en el centro histórico del municipio, se erige un edificio protegido y catalogado, La Casona, un inmueble tradicional del siglo XIX con una superficie de 208,70 m² construidos por planta, en dos alturas, y un bajo cubierta algo menor; está incluido en el Catálogo de Edificios y Conjuntos a proteger, por lo que se prohíben intervenciones que afecten a su volumetría y composición exterior.

El proyecto arquitectónico acometido pone en valor La Casona, además de construir en torno a ella un edificio de nueva planta, funcional, versátil, operativo y que cumple con todas las premisas de seguridad, conservación, capacidad y accesibilidad de un museo del siglo XXI, capaz de albergar la Colección de Arte Contemporáneo de la Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno, que se encuentra en continuo crecimiento, y otros conjuntos artísticos articulados como exposiciones temporales, donaciones, depósitos, etc.




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El Centro de Arte, que colinda en tres de sus lados con edificios de viviendas y se encuentra en una zona comercial, se aísla del entorno próximo mediante una fachada de estructura metálica, que lo delimita y se convierte en elemento de transición entre un exterior ruidoso y desordenado y el nuevo espacio interior, más sereno, que invita a la contemplación de las obras de arte.

En el diseño de los espacios públicos interiores se ha tendido a soluciones constructivas lo más versátiles posible que suponen ahorro energético y uso de materiales reciclados o sostenibles.

En una primera fase, las obras se centraron en la definición de las obras de estructuras bajo rasante, con todos los informes técnicos necesarios: geotécnico, topográfico, arqueológico, de características constructivas de La Casona e instrucciones para su desmontaje y reconstrucción, además de un programa de necesidades con la definición de las superficies de los espacios.

Con un total de 5.886 metros cuadrados, el Centro incluye espacios de exposición, repartidos en tres plantas, una sala de actos para cien personas, un bar / tienda, la mediateca y una terraza apta para numerosas actividades al aire libre. Cuenta también con espacios de administración e investigación, además de los almacenes equipados para albergar las obras de la Colección. El proyecto arquitectónico básico de este nuevo equipamiento es de Celia Vinuesa y el proyecto de ejecución de Pablo Pérez-Urruti.

El conjunto se percibe como una arquitectura antigua (La Casona) dentro de otra contemporánea y también como arquitecturas diferentes tras una misma fachada envolvente. La Casona es el primer objeto expositivo del centro, pero también el contenedor que, integrado en el recorrido, alberga parte del espacio público del Centro. (Fuente: Centro de Arte Dos de Mayo).

Fondos:

En mayo de 2008 se inauguró el CA2M Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid. Tras la incorporación de Ferran Barenblit como Director, el Centro se va perfilando como un equipamiento básico para la oferta cultural madrileña a través de sus exposiciones y actividades.

El CA2M es un centro de arte vivo, que concentra su interés en el arte más actual.




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Acoge la Colección de Arte Contemporáneo de la Comunidad de Madrid, que reúne cerca de 1.500 obras de todas las disciplinas. Al mismo tiempo, desarrolla un ambicioso programa de exposiciones, mediación e investigación con el objetivo de posicionarlo entre los centros de arte más avanzados de Europa. Entre los interrogantes básicos que quiere plantear el Centro están el estudio del sentido que tiene el arte en la cultura y la sociedad actual; la efectividad política del arte y la cultura; las alternativas a los modelos tradicionales de trabajo en arte; el análisis de la institución arte como perpetuadora de relaciones de poder simbólico y económico; los conceptos relacionados con la vida en comunidad y, en concreto, el papel de la periferia de las grandes ciudades.

La programación del Centro se articula en torno a cuatro ejes. Un primer eje está definido por la exposición rotatoria de los fondos de la Colección, en presentaciones que le confieren sentido y la ponen en relación con las corrientes internacionales. Un segundo eje lo constituyen las exposiciones colectivas, que, bajo el comisariado de diferentes expertos, generan puntos de vista sobre el arte más actual. El tercer eje es el de las exposiciones individuales de artistas emergentes, en las que se apuesta por la producción de nuevos proyectos para generar nuevas obras de arte. Por último, el cuarto eje es el de las actividades no expositivas, en las que el Centro pone un especial énfasis: desde las más tradicionales como conferencias, proyecciones o debates hasta formatos novedosos para poner en contacto arte y amplias audiencias.

La relación con su público es uno de los aspectos en los que el CA2M está poniendo mayor interés. Situado en el sur de Madrid -como oferta cultural inmediata para más de un millón de habitantes y, en un radio más amplio, a los cinco millones de habitantes de toda la región- el Centro está trabajando en innovadoras estrategias de mediación para que el arte cumpla plenamente su función de estímulo intelectual en la sociedad y la cultura contemporánea. (Fuente: Centro de Arte Dos de Mayo).




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Uso original: antigua Central Eléctrica del Mediodía


Arquitecto: Jesús Carrasco (arquitecto) y Encina y José María Hernández (ingeniero)

Uso actual: CaixaForum Madrid



Arquitectos: Herzog y Pierre de Meuron

Dirección: Paseo del Prado, 36

28014 Madrid

Tel: 913 307300

Web: http://obrasocial.lacaixa.es

Visita 3D


La antigua Central Eléctrica del Mediodía se proyectó en 1899, y la licencia de construcción se concedió el 28 de noviembre de 1900 a nombre del empresario José Batlle. El proyecto fue llevado a cabo por el arquitecto Jesús Carrasco y Encina y el ingeniero José María Hernández, encargado de la instalación de maquinaria, y tenía por objeto la construcción de una fábrica de electricidad a partir de la combustión de carbón que debía abastecer de energía a todo el sector sur del casco antiguo de Madrid. El edificio se levantó sobre el solar de la antigua fábrica de bujías La Estrella, cuya licencia data de 1857. Años más tarde, Unión Eléctrica Madrileña pasó a ostentar la titularidad de la Central.




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La antigua Central está delimitada por las calles Gobernador, Alameda, Cenicero y Almadén (antiguamente, travesía del Fúcar). La manzana tiene una superficie de 1.934 m2 y en ella se encuentran el edificio de la Central y un patio que da a la calle Gobernador. De la antigua fábrica se conservan todavía la carbonera y los grandes depósitos de agua, necesarios para generar corriente continua.

La antigua Central Eléctrica del Mediodía es uno de los escasos ejemplos de arquitectura industrial que persisten en el casco antiguo de Madrid. Otros ejemplos de este tipo de construcciones son la subestación del Cerro de la Plata y la Central Eléctrica de Mazarredo, que aunque todavía continúan en activo están reducidas a funciones de almacenaje. Una de las originalidades de la antigua Central Eléctrica del Mediodía es su resolución del remate de las fachadas principales.

La fábrica, construida en ladrillo visto, está formada por dos grandes naves paralelas con fachadas de doble vertiente en los frentes de las calles Almadén y Gobernador, una estructura característica de las centrales eléctricas que se construyeron en Madrid a finales del siglo XIX y principios del XX. El edificio está construido con muros de carga de ladrillo macizo sobre zócalo de sillares de granito. Las cubiertas son a dos aguas, de madera, sobre cerchas de acero roblonado, con un lucernario en la parte central que permite la iluminación cenital.

La Central abastecía a todo el sector sur del casco antiguo de Madrid. Disponía de tres calderas generadoras de vapor construidas en Mahón por la Maquinista Naval; tres motores o máquinas de vapor horizontales de 120 caballos construidos en Inglaterra, y tres dinamos de corriente antigua de 80 kw de la casa Oerlikon (Zúrich).

La Fundación “la Caixa” convertirá la antigua Central Eléctrica del Mediodía, uno de los ejemplos de arquitectura industrial de finales del siglo XIX que persisten en el casco antiguo, en CaixaForum-Madrid, su nuevo centro social y cultural en la capital. El responsable del proyecto arquitectónico es la prestigiosa firma suiza fundada por Jacques Herzog y Pierre de Meuron, ganadora del premio Pritzker de arquitectura en 2001. CaixaForum-Madrid conservará la fachada original de la antigua fábrica y pasará de los 2.000 m2 actuales a ocupar una superficie total aproximada de 8.000 m2 distribuidos en distintos niveles, dos de ellos bajo rasante. Una de las peculiaridades del proyecto de Herzog & de Meuron es la eliminación del zócalo de granito que rodea la antigua fábrica. El nuevo edificio parecerá “levitar” sobre una gran plaza pública abierta hacia los cuatro costados que se extenderá hasta el paseo del Prado y ocupará una superficie de más de 2.500 m2. El acceso principal se efectuará por el número 36 de dicho paseo. El edificio preservará la imagen industrial de la antigua fábrica, definiendo una nueva volumetría. (Fuente: Liceus.com)




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Actividades:

Situado frente al Jardín Botánico y junto al Museo del Prado, el Museo Thyssen-Bornemisza y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, CaixaForum-Madrid se suma a la importante oferta cultural que se concentra en esta zona. El nuevo centro ofrece una programación multidisciplinar dirigida a todo tipo de públicos, donde conviven el arte contemporáneo, las exposiciones temporales, la música, las humanidades y los programas sociales y educativos. (Fuente: Liceus.com)




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Uso original: Casa de Empeños Monte de Piedad y sucursal de la Caja de Ahorros de Madrid.

Fecha creación: 1911

Arquitecto: Fernando Arbós y Tremanti

Uso actual: La Casa Encendida

Fecha rehabilitación: 1989, 1999, 2002

Arquitectos: Guillermo Escribano Villanueva (primera rehabilitación), Carlos Manzano (segunda rehabilitación)

Dirección: C/ Ronda de Valencia, 2

28012 Madrid

Tel/Fax: 91 6024641 / 91 5063876

Web: http://www.lacasaencendida.com/



La Casa Encendida se encuentra en un gran edificio de estilo neomudéjar, proyectado por el arquitecto Fernando Arbós y Tremantí. Se empezó a construir en 1911y se inauguró en 1913. Antiguamente fue Casa de Empeños Monte de Piedad y sucursal de la Caja de Ahorros de Madrid, hoy Caja Madrid. De valor histórico artístico, está protegido con el máximo nivel por los distintos planes de conservación y ordenación.

En el siglo XIX existe en toda Europa una corriente historicista en arquitectura, que consiste en realizar edificios inspirándose en antiguos estilos del pasado. Estamos viviendo el momento del romanticismo y de los primeros nacionalismos, y esto lleva a que los arquitectos busquen la inspiración en aquellos estilos que se consideran propios del país.




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En España, una de estas fuentes de inspiración se encontrará en el neomudejarismo. Los arquitectos encontraron una fuente de recursos en el mudéjar toledano de los siglos XIV y XV, cuya presencia se mantenía viva en la ciudad de Toledo. Los diversos estudios sobre este estilo por parte de arqueólogos, eruditos y arquitectos del momento contribuyeron al desarrollo de este estilo. Otro aspecto a tener en cuenta es que a finales del siglo XIX se empiezan a emplear nuevos materiales como el hierro y se recupera el uso del ladrillo, por lo que entre los arquitectos existe un especial interés por camuflar el uso de estos materiales, que se consideraban pobres y antiestéticos.

Mediante la recuperación del estilo mudéjar, los arquitectos encontraron un lenguaje racional idóneo que permitía a la vez un correcto uso del ladrillo.

Con el paso del siglo XIX al XX Madrid crece enormemente, por lo que el Consejo de Administración Del Monte de Piedad de Caja de Ahorros deciden crear nuevas sucursales para facilitar al público de las zonas más alejadas del centro su acceso a las oficinas. Esto hace que en 1909 se cree una comisión tripartita encargada de comprar los terrenos y realizar los trabajos preliminares. Finalmente se adquieren los solares en dos barrios populares: uno en Ronda de Valencia con vuelta a las calles Valencia y Amparo (de aproximadamente 21000 pies) y otro en la Calle Eloy Gonzalo. Inmediatamente Arbós se encarga del trazado de los planos, que son presentados al ministerio de gobernación en 1911. Ese mismo año, el 1 de mayo, se produce el acto de colocación de la primera piedra. A pesar de la necesidad de poner en funcionamiento las nuevas oficinas, la apertura se retrasa y no se produce hasta un año después, el 1 de mayo de 1912, debido a la inestable situación sociopolítica española, que generaba continuas huelgas. Finalmente el edificio se inaugura el 1 de mayo de 1913 y acogería la segunda sucursal de la Caja de Ahorros y el Monte de Piedad de Madrid.

A lo largo de casi un siglo y medio de vida ha albergado usos diversos, desde oficina del Monte de la Piedad y Caja de Ahorros de Madrid hasta archivos y almacén de empeños del mismo Monte de la piedad, hecho por el que durante muchos años fue conocido como Casa de Empeños.

Para la realización del edificio Arbós emplea un estilo neomudéjar, muy común en la arquitectura madrileña del momento y que ya había sido empleado por el arquitecto. Este estilo se puede observar en el característico uso del ladrillo de distinto color, en su aparejo, en el estudio de los vanos y en la concepción del edificio en sí. El edificio, resuelto con la funcionalidad que requiere un edificio de estas características, se construyó sobre un solar rectangular, por lo que tiene una planta rectangular dispuesta en torno a un gran patio central. No responde a la tipología de arquitectura bancaria del primer cuarto del siglo XX tanto en la planta como en el tratamiento exterior, por lo que es un tratamiento singular. La articulación del espacio en torno a un patio nos remite a la arquitectura palaciega.




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En cuanto a la estructura interior, el edificio tenía tres plantas además de la azotea, con los dos pabellones y el sótano almacén. La planta baja estaba reservada a oficinas, mientras que el piso principal y el primero tenían algunas oficinas y viviendas individuales para jefes y empleados. Los almacenes eran amplias plantas corridas con estanterías y departamentos para que los enseres empeñados pudieran ser colocados en perfecto orden. Un aspecto importante del edificio es la novedad que suponía en estos años el uso en la arquitectura de materiales como el hierro, que se empleaba en las vigas que forman los forjados de los pisos. Todos los adelantos técnicos del momento, divulgados Los dos pabellones laterales, que sobresalen en altura comunicados por la azotea, tenían por fin ventilar las ropas que custodiaban, principalmente por las exposiciones universales, se aplicaron en el edificio. Así, se dotó de modernos servicios de higiene, calefacción por vapor y ascensores eléctricos.

En el exterior destaca el carácter horizontal de edificio, ya que es un gran bloque rectangular en el que tan sólo destacan los dos torreones laterales. En este sentido el edificio se adopta a forma tradicional de los palacios franceses del s. XVIII, en los que la fachada aparece flanqueada por dos torreones que sobresalen ligeramente en altura y que rompen con la horizontalidad. Asimismo, también es tradicional la división exterior del edificio en dos bloques horizontales mediante el uso de una cornisa. El bloque central se diferencia de los torreones laterales mediante el uso de unas pilastras laterales que se elevan sobre una especie de plintos en el primer piso. Todo el exterior se encuentra rematado por una balaustrada en ladrillo decorada con formas geométricas.

También es interesante la composición simétrica de sus tres fachadas, donde utiliza una ordenación de grandes huecos rasgados verticalmente que forman una retícula. Remata las esquinas con torreones, que le dan un aspecto de muro cortina y de arquitectura industrial. La fachada se encuentra abierta por una gran cantidad de vanos, que se ocupan toda la longitud del piso inferior y se dividen en dos vanos en el piso superior. En todos los casos los huecos finalizan en un arco rebajado y se protege con una balaustrada en hierro. De una manera muy clásica Arbós destaca el eje central del edificio mediante la alineación de la puerta principal con el frontón escalonado con reloj de la parte superior. Todas las fachadas están decoradas por diferentes forma geométricas realizadas en ladrillo de diferentes colores, inspirados en la arquitectura mudéjar, pero poco habitual en el neomudéjar madrileño. Todo ello hace que la estética de sus fachadas sea muy novedosa, especialmente si lo comparamos con otros edificios bancarios que se construyen en la misma época. Al mezclar los componentes tradicionales de la arquitectura fabril, con claro predominio del ladrillo, con recursos italianizantes y neomudéjares, Arbós consiguió crear una fachada principal de bella factura, simétrica y reticulante.




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La restauración del edificio de La Casa Encendida se encargó a Carlos Manzano y asociados, que realizaron el proyecto de rehabilitación en 1999 y lo finalizaron en el 2002. En esta rehabilitación se ha querido mantener intacta la esencia del edificio ya que así se respecta el valor histórico- artístico del mismo. Carlos Manzano debía reconvertir el edificio eclecticista, proyectado por el arquitecto Fernando Arbós, en un centro dedicado a diversos contenidos multidisciplinares, artísticos y ecológicos dirigidos a un público amplio. En este caso, la intervención arquitectónica es de escaso interés, y lo que destaca es el contraste entre el edificio eclecticista y la innovación de las actividades que allí se desarrollan.

La necesidad de crear un edificio versátil, capaz de albergar diferentes actividades, permitió adaptarlo a los nuevos usos y necesidades sin apenas transformarlo estructuralmente, conservando los valores arquitectónicos y espaciales que hacen de él un edificio singular en la arquitectura madrileña del siglo XX:

El proyecto de rehabilitación ha conservando los elementos fundamentales de la arquitectura original, fachada, patio, escalera y los dos torreones. Los espacios interiores han sido completamente renovados, y el nuevo diseño elimina las barreras arquitectónicas, facilitando así el acceso a las instalaciones a los distintos colectivos de la sociedad. El exterior del edificio permanece prácticamente intacto, y en la fachada tan sólo se han modificado las ventanas y la puerta de cristal de acceso. Además se han incorporado unos toldos de colores, que son una instalación de la artista donostiarra Maider López. Estos elementos cotidianos sirven para romper con la imagen institucionalizada del edificio.

En cuanto al interior, se decidió realizar una reforma muy sobria, seguramente con la intención de contrastar con el recargado exterior. El interior es tremendamente austero y un tanto frío, y parece que sigue la estética fabril o de los hospitales. La ausencia de color es total, ya que emplea el color blanco para las paredes y el gris del hormigón para el suelo y escaleras, todo ello unido al aluminio de las barandillas. En el interior no existe ningún elemento decorativo. Los muebles que hay son sencillos y funcionales de formas rectas y realizados en aluminio (como los bancos o estanterías) o bien en madera, como es el caso de las mesas y sillas de la biblioteca y hemeroteca. Las únicas notas de color que hay en el edificio las da la señalética, realizada en el verde corporativo de Caja Madrid. En la rehabilitación el arquitecto ha decidido intervenir de una manera lo más neutra posible, sin apenas dejar huella. Quizás se haya querido remarcar el carácter fabril de La Casa Encendida, entendida como un laboratorio de ideas, un centro vivo con múltiples actividades en las que los espacios deben ser polivalentes y funcionales, capaces de adaptarse a diferentes usos. Por tanto, se ha optado por un tipo de diseño muy moderno en el que se emplea el hormigón a la vista, algo propio de un centro que quiere dar un aire de vanguardia, alejado de otro tipo de centros más tradicionales.

En cuanto a la distribución interior, se sigue manteniendo el patio como eje central del edificio, como un sitio de paso obligatorio pero también como un espacio vivo en el que se realizan múltiples actividades. La Casa Encendida cuenta con una superficie útil aproximada de 6.500 metros cuadrados, distribuidos en cuatro plantas más una azotea, al igual que el edificio de Arbós.




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En la planta sótano se encuentra el auditorio (con capacidad para 175 personas), sala audiovisual (para 72 personas) y dos salas de exposiciones (espacio E y D) en las que no existe ningún punto de luz. La planta sótano se comunica con la planta principal mediante unas escaleras de hormigón con una barandilla de aluminio. Aquí se encuentra la el patio (con una superficie aproximada de 300 metros cuadrados), la tienda y otras tres salas de exposiciones (espacio A, B, y C), dos de ellas comunicadas entre sí. De nuevo el problema es que no tienen puntos de luz natural a lo que hay que unir su reducido tamaño. Debemos tener en cuenta que estamos ante un centro que acoge propuestas de arte muy novedosas, y el hecho de que no sean espacios expositivos amplios puede llegar a ser un problema.

En el primer piso se encuentra una biblioteca de trabajo, que incluye una sala principal de estudio, mediática, hemeroteca, sala de lectura y un centro de trabajo con ordenadores. En esta planta también hay salas de trabajo y talleres, así como dependencias administrativas. En el segundo piso existen más salas de trabajo y talleres y el punto de información al voluntariado. La azotea se ha conservado prácticamente intacta al proyecto original. Aquí se encuentra un acceso a la parte superior de los pabellones que se aprovechan para diferentes usos. (Fuente: Intermediaireculturel).

Actividades:

La Casa Encendida es un centro social y cultural de Obra Social Caja Madrid abierto y dinámico, comprometido con actitudes solidarias y cuyo público preferente, aunque no exclusivo, son los jóvenes. Apuesta por difundir valores como empeño personal, trabajo en equipo o integración a través de sus actividades. Para llevar a cabo sus objetivos, ha definido cinco grandes áreas de actuación: cultura, solidaridad, medio ambiente, educación y ocio.

El centro se dedica a la promoción y difusión de las manifestaciones más vanguardistas del panorama cultural, ofreciendo desde ciclos de cine, teatro, música, danza y arte, hasta cursos y talleres de literatura, cooperación, idiomas e informática. Sus completas instalaciones, que cuentan con biblioteca, hemeroteca y audioteca, junto con sus actividades, hacen de La Casa Encendida un innovador punto de encuentro en Madrid.

La Casa Encendida constituye uno de los proyectos creados siguiendo la nueva política social y cultural de Obra Social Caja Madrid. Entre los objetivos del centro, sepretende fomentar el esfuerzo individual y colectivo, y apoyar el desarrollo de proyectos en el ámbito de la cultura contemporánea, así como en necesidades sociales de actualidad. Para cumplir este objetivo, defiende una serie de valores como solidaridad, trabajo en equipo, participación, integración, apoyo mutuo, etc.

Por ello, La Casa Encendida es, ante todo, un espacio de vocación multidisciplinar que se define como: Un centro cultural que ofrece una amplia gama de actividades culturales, en campos como las artes plásticas, las artes escénicas y las artes audiovisuales, combinando la promoción de nuevos creadores con la presencia de artistas reconocidos.




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Un centro social que promueve la integración y la participación de los distintos colectivos, y pone en marcha una Escuela de Solidaridad, y otra de Medio Ambiente, destinadas a formar voluntarios y gestores de asociaciones. El conocimiento mutuo, el intercambio de ideas y la puesta en marcha de iniciativas colectivas de interés social son algunas de las claves. (Fuente: Intermediaireculturel).




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Uso original: matadero y mercado de ganados de Arganzuela


Arquitecto: Luis Bellido

Uso actual: Matadero Madrid, Centro de Creación Contemporánea


Fecha rehabilitación: años 80, años 90, 2005

Arquitectos: Rafael Fernández-Rañada (años 80), Antonio Fernández Alba (años 90), Arturo Franco (2005), José Antonio García Roldán, Antón García Abril, Justo Benito, José María Churtichaga, Alejandro Vírseda, José Ignacio Carnicero, Ignacio Vila almazán, Juan Arregui (2005)

Dirección: Paseo de la Chopera, 14

28045 Madrid

Tel/Fax: 915 177309 / 915 179561

Web: http://www.mataderomadrid.com/



El matadero y mercado de ganados de Arganzuela fue, desde sus inicios, un proyecto abierto y susceptible de crecer. Con una superficie de 165.415 m 2, el proyecto del arquitecto municipal Luis Bellido se estructuró en torno a un conjunto de pabellones dedicados a diversas funciones y servicios: dirección y administración, mercados de ganado, sección sanitaria, cocheras, cuadras e incluso servicio ferroviario.




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Tras la guerra civil se admitieron otros usos y se construyó la nave para almacén de patatas en 1940, posteriormente transformada en invernadero en 1992. Cuando, a partir de 1970 las instalaciones comenzaron a quedar obsoletas, se iniciaron las primeras intervenciones para dotar de nuevos usos a algunas naves. En los años 80, el arquitecto Rafael Fernández-Rañada transformó el edificio destinado a dirección y administración del antiguo matadero, más conocido como Casa del Reloj, en sede de la Junta Municipal de Arganzuela, así como la nave de estabulación y venta de terneras en espacio para actividades de índole sociocultural. En los años 90, el arquitecto Antonio Fernández Alba transformó los antiguos establos de vacuno en sede del Ballet Nacional de España y de la Compañía Nacional de Danza.

En 1996 se produjo la clausura definitiva del espacio dedicado a matadero y se calificó el recinto como bien catalogado, según el Plan General de Ordenación Urbana de 1997. El 26 de septiembre de 2005 se aprobó la modificación del plan especial de intervención, adecuación arquitectónica y control urbanístico-ambiental de usos del recinto del antiguo matadero municipal, incrementando el uso cultural al 75% del total.

A partir de ese momento, se inician las nuevas actuaciones para convertir el recinto en centro de apoyo a la creación. El recinto se convierte en campo de experimentación de la nueva arquitectura, siguiendo los criterios de intervención del Plan Especial, que establece la preservación de la envolvente de las naves. La línea maestra que ha guiado las intervenciones es la reversibilidad, de modo que los edificios pueden ser fácilmente devueltos a su estado original. Las intervenciones mantienen expresamente todas las huellas del pasado para reforzar el carácter experimental de las nuevas instituciones que alojan. Para ello, se ha buscado el equilibrio entre el respeto máximo al espacio, y una dotación específica, que lo distinga, a través del uso limitado de materiales industriales directos, y que, al mismo tiempo, dé servicio a los diferentes usos que pueda albergar.

El arquitecto Arturo Franco ha sido el autor de la rehabilitación del vestíbulo (Paseo de la Chopera, 14) y el espacio Intermediae, que se abrió al público en febrero de 2007, en el que el hierro y vidrio son los materiales protagonistas.

El conjunto escénico de 5.900 m2, denominado las Naves del Español, ha sido fruto del trabajo de colaboración interdisciplinar del director de teatro Mario Gas, el escenógrafo Jean Guy Lecat (que ha trabajado con Peter Brook transformando dispares localizaciones -un depósito de gas, una cantera, una fábrica abandonada- en insólitos espacios escénicos), el técnico escenógrafo Francisco Fontanals y el arquitecto municipal Emilio Esteras.

La intervención, guiada por los principios de reversibilidad, flexibilidad y versatilidad,ha permitido dotar el espacio de múltiples configuraciones escénicas, introduciéndose nuevos elementos y materiales (policarbonato y estructura de andamio) que se yuxtaponen a los existentes y permiten una clara lectura de las intervenciones.




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La Central de Diseño, que abrió sus puertas en noviembre de 2007, es fruto del proyecto encargado a José Antonio García Roldán. Su actuación ha consistido en mantener la fuerza de la propia descomposición constructiva de los elementos incorporando materiales reciclados y reciclables: policarbonato desmontable para el muro luminoso, bandejas industriales de parachoques reciclados en el suelo y hierro galvanizado.

Nuevos proyectos que se harán realidad en Matadero. A esta nueva arquitectura se irá sumando la Casa del Lector según proyecto del arquitecto Antón García Abril, la cineteca de José María Churtichaga y las salas de ensayo de las Naves del Español de Justo Benito. Otras naves han sido objeto de concursos internacionales de arquitectura, realizados en colaboración con la OCAM, resultando ganadores de la nave 15 y 16 el equipo de arquitectos formado por Alejandro Vírseda, José Ignacio Carnicero e Ignacio Vila Almazán, y de las naves 8 y 9 el compuesto por Arturo Franco y Juan Arregui.

Matadero no sólo cuenta con edificios singulares: el espacio entre las naves es igualmente interesante por sus dimensiones y calidad urbana. En colaboración con los arquitectos ganadores del concurso internacional de la urbanización del río Manzanares (M-30 Río), Ginés Garrido, Carlos Rubio y Fernando Porras se está desarrollando el proyecto de urbanización del recinto.

Por último, destaca la construcción de una central de instalaciones desde la que, mediante un anillo subterráneo de distribución, se suministrará a los edificios de Matadero Madrid agua caliente y fría para climatización, agua para consumo y sistema de protección contra incendios, energía eléctrica, telefonía, voz y datos. Este sistema permitirá un importante ahorro energético y una notable reducción de los costes de mantenimiento, de acuerdo con los principios de sostenibilidad y economía que guían la intervención. (Fuente: Matadero)

Actividades:

Matadero Madrid abarca todos los ámbitos de la actividad artística y divide su actividad en tres áreas principales de acción: la formación, la producción y la difusión.

Matadero Madrid apuesta por el enfoque integral y multidisciplinar de la cultura y aspira a convertirse en un laboratorio único para la experimentación y construcción de nuevas fórmulas transdisciplinares.

Las artes escénicas, las artes visuales, el diseño, la música, la danza, la arquitectura, el urbanismo, el paisajismo, la moda, la literatura, el pensamiento y el cine conforman las áreas de actividad de Matadero Madrid.

Para llevar a cabo esta labor, las actividades promovidas desde Matadero Madrid atienden a todas las fases de la creación: la formación no reglada e investigación, la experimentación y producción de nuevas obras y formatos artísticos, y la exhibición y difusión de las propuestas resultantes. (Fuente: Matadero)




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Uso original: antiguo hospital general de Madrid, facultad de Medicina, depósito de cadáveres

Fecha construcción: segunda mitad del siglo XVIII

Arquitectos: José de Hermosilla y Francisco Sabatini

Uso Actual: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Fecha Rehabilitación: 1980, 1998, 2001

Arquitectos: Antonio Fernández Alba (1980), José Luís Íñiguez De Onzoño Y Antonio Vázquez De Castro, Ian Ritchie (1998), Jean Nouvel (2001)

Dirección: C/ Santa Isabel, 52

28012 Madrid

Tel/Fax: 91 7741000 / 91 7741056

Web: Http://www.Museoreinasofia.Es/Index.Html

E-Mail: [email protected]

Museo Nacional Centro De Arte Reina Sofía en FACEBOOK


El edificio que alberga el MNCARS data de la segunda mitad del siglo XVIII, época en que se le encarga un proyecto de hospital al arquitecto Francisco Sabatini, quien, no obstante, no podría concluir la edificación, levantado tan solo parte de lo que estaba previsto en los planos. A partir de entonces, y hasta prácticamente nuestros días, el hospital sufrió varias modificaciones y añadidos, y logró sobrevivir a las voces que exigían su demolición gracias a un Real Decreto de 1997 que lo declaraba Monumento Histórico Artístico.

En el año 1980 comienza la restauración del edificio, realizada por Antonio Fernández Alba, y a finales de 1998 José Luís Íñiguez de Onzoño y Antonio Vázquez de Castro llevarían a cabo las últimas modificaciones, entre las que cabe destacar especialmente las tres torres de ascensores, de vidrio y acero, diseñadas en colaboración con el arquitecto británico Ian Ritchie.

Recientemente se ha llevado a cabo una ampliación del inmueble, realizada




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por el arquitecto francés Jean Nouvel, autor de obras como el Centro Islámico de Madrid, la Fundación Cartier de París, el Centro Cultural de Congresos de Lucerna o la Torre Sinfín en la Défense de París.

Tras procederse a la reinauguración del centro en septiembre del 2005, en la actualidad las instalaciones del museo incluyen un auditorio, una biblioteca, una librería y más salas de exposiciones temporales. (Fuente: Summa Artis. XLIX-II)

Fondos:

Cronológicamente, su colección es una prolongación de la del Museo del Prado, al cubrir el periodo que va de finales del siglo XIX a la actualidad. Hacia 1995, un replanteamiento de las colecciones estatales marcó el nacimiento de Picasso (1881) como línea divisoria entre el Prado y el Reina Sofía, un criterio que se ha cuestionado como demasiado rígido y que va siendo diluido por las últimas iniciativas de este museo, como la incorporación de ejemplos de Goya y Sorolla.

La irregular trayectoria del arte moderno en España, habitualmente ignorado por el coleccionismo y los organismos públicos, explica que haya múltiples limitaciones y lagunas en el repertorio internacional de este museo. Sus responsables asumen que ya es imposible equipararlo a las más ricas colecciones del siglo XX (MoMA de Nueva York, Tate Modern de Londres o Centro Georges Pompidou de París...), por lo que se centra en el arte español y lo contextualiza en las corrientes internacionales, ilustradas con algunos autores desde Pierre Bonnard hasta Louise Bourgeois.

Principios del siglo XX: La colección arranca con autores del cambio de siglo, como Ramón Casas, Ignacio Zuloaga, Isidro Nonell, Joaquín Mir, María Blanchard, Juan Gris, Julio González y José Gutiérrez Solana. Según criterios más estilísticos que cronológicos, el repertorio expuesto ignoraba a artistas como Sorolla, cuya ausencia se va a paliar ahora con préstamos de otras instituciones.

Picasso, Dalí y Miró: El museo cuenta con excelentes colecciones de los geniales Pablo Picasso y Salvador Dalí. La obra más conocida del museo es sin duda el Guernica, que se guarda junto a múltiples bocetos preparatorios. La presencia de este artista se ha reforzado gradualmente con otras obras, en su mayoría compras recientes.

Su ejemplo más antiguo es la Mujer en azul de 1901, hay unos pocas pinturas de sus etapas cubista y surrealista, varias más valiosas de la década de 1930 y también de sus últimos años: tres grandes lienzos sobre el tema El pintor y la modelo (1963). La colección incluye además tres de sus principales esculturas: Mujer en el jardín, El hombre del cordero y La dama oferente.

La notable colección de Dalí, con obras maestras como El gran




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masturbador, se debe en buena parte a la herencia del pintor, que legó sus bienes al Estado, siendo repartidos entre este museo y el Teatro-Museo Dalí de Figueras.

Junto con Picasso y Dalí, sobresale el fondo de Joan Miró, formado en parte con obras cedidas por su viuda, Pilar Juncosa.

De la abstracción al pop art: La vía abstracta de mediados del siglo XX cuenta con Jorge Oteiza y Eduardo Chillida, este último presente con piezas de gran tamaño y varias toneladas de peso. Otros autores son: Pablo Palazuelo, Pablo Serrano, Antoni Tàpies, Pablo Gargallo, Lucio Muñoz, y la estética "pop" seguida, con variantes, por Luis Gordillo, Eduardo Arroyo, Guillermo Pérez Villalta, Ouka Leele...

Artistas extranjeros: Para arropar a los autores españoles, se han sumado ejemplos de origen extranjero: Georges Braque, Albert Gleizes, Fernand Léger, Jacques Lipchitz, Robert Delaunay, Alexander Calder, surrealistas franceses, René Magritte, Max Ernst, Joseph Cornell, Henry Moore, Mark Rothko, Roy Lichtenstein, Francis Bacon, Yves Klein, Cy Twombly, Lucio Fontana, Richard Serra, Cindy Sherman... (Fuente: Wikipedia)




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Uso original: Palacio de Villahermosa, banca López-Quesada,

Fecha construcción: finales del s. XVIII principios del s. XIX

Arquitecto: Antonio López de Aguado

Uso actual: Museo Thyssen-Bornemisza


Fecha rehabilitación: 1973, 1983, 1992, 2004 (ampliación)

Arquitectos: Rafael Moneo. Manuel Baquero y Francesc Plá (ampliación 2004)

Dirección: Paseo del Prado, 8

28014 Madrid

Tel: 91 3690151

Web: http://www.museothyssen.org/thyssen/home

Museo Thyssen en FACEBOOK


La sede del museo es el Palacio de Villahermosa, en la esquina del Paseo del Prado con la Carrera de San Jerónimo. Este edificio fue construido entre finales del siglo XVIII y comienzos del siglo XIX en estilo neoclásico, por Antonio López Aguado para María Pignatelli y Gonzaga, esposa del duque de Villahermosa. En el siglo XIX fue una de las mansiones más prestigiosas de la ciudad, conocida por sus fiestas y veladas artísticas. En ella tocó el piano Franz Liszt.

Fue en 1973 cuando pasó a ser sede de la banca López-Quesada, lo que implicó un cambio radical de su distribución interior para albergar despachos. Tras la quiebra del banco, pasó a manos del Estado en 1983 y fue reformado parcialmente en esos años como sede de exposiciones temporales del Museo del Prado, entonces acuciado por problemas de espacio.




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Como parte del acuerdo entre el Estado español y la familia Thyssen, el edificio fue destinado al nuevo museo. Su rehabilitación como pinacoteca fue diseñada por Rafael Moneo. Las mejoras más elogiadas fueron la apertura de salas espaciosas al modo de los palacios antiguos, la importancia otorgada a la luz natural, con lucernarios controlados mediante sensores, y el cambio del acceso principal, que volvía de la Carrera de San Jerónimo a la fachada posterior, tal como era en origen. Se entendió que este acceso era más apropiado para las aglomeraciones de público al contar con jardín propio.

El museo se inauguró el 8 de octubre de 1992, con la presencia de los reyes. En 2004 se amplió para albergar la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza mediante la suma de dos edificios colindantes, pertenecientes a la familia Goyeneche, el primero de ellos mandado construir por el Conde de Guaqui y el segundo por la Duquesa de Goyeneche. Estos edificios fueron reformados por Manuel Baquero y Francesc Plá, y se conectan por un ángulo al Palacio de Villahermosa. Sus salas repiten, en colores y materiales, la estética del primer edificio. (Fuente: Wikipedia)

Fondos:

Situado casi enfrente del Museo del Prado y muy cerca del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, este nuevo museo, de cuya remodelación se encargó el arquitecto Rafael Moneo, era la piedra angular que faltaba para que el triángulo del arte se convirtiera por fin en realidad. Con la presencia en Madrid de la Colección Thyssen-Bornemisza, la colección privada más importante del mundo hasta que en junio de 1993 la adquiriera el Estado español por 350 millones de dólares, pocas ciudades podrán ofrecer un mayor atractivo a cualquier amante del Arte. Una de las características más destacadas del Museo es su carácter complementario con respecto a las colecciones del Museo del Prado en lo que a pintura antigua concierne, y del Museo Nacional Reina Sofía en pintura moderna, aportando movimientos y estilos como los primitivos italianos y neerlandeses, Renacimiento alemán, pintura holandesa del siglo XVII, Impresionismo, Expresionismo alemán, Constructivismo ruso, la Abstracción geométrica y el Pop. Y en lo que resulta singular es en la muestra de pintura norteamericana del siglo XIX, prácticamente desconocida en Europa y que en el Museo ocupa dos salas.

Los orígenes y desarrollo de la Colección Thyssen-Bornemisza ofrecen una de las más fascinantes historias del coleccionismo privado. Aunque la Colección era ya conocida en todo el mundo, cuando en octubre de 1992 se abrió al público el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid y pudo verse por primera vez en su conjunto el núcleo principal, una de las mayores causas de admiración fue el hecho de que tal cantidad de obras y de tal calidad hubiesen sido el resultado de tan sólo dos generaciones de coleccionismo. Se trataba, sin duda, de la colección privada de arte más importante de este siglo. Efectivamente, aunque con un breve pero interesante precedente relativo a August Thyssen, abuelo del barón, la historia de la Colección Thyssen-Bornemisza es fruto del afán coleccionista del Barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza y de su padre Heinrich, primer Barón Thyssen-Bornemisza.

Éste, que inició la Colección en los años 20 de este siglo, se dedicó sobre todo al arte




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antiguo, reuniendo, hasta 1947, año de su muerte, alrededor de 525 cuadros. En 1930, en la Alte Pinakothek de Munich, el público tuvo la oportunidad de contemplar la primera exposición de las obras reunidas por él. Dos años después, para albergar una colección que crecía sin cesar, el barón compró al príncipe Leopoldo de Prusia Villa Favorita, en la localidad suiza de Lugano. A su muerte, la colección se dispersó en parte entre sus herederos, y el menor de sus cuatro hijos y heredero del título, el barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza, se dedicó a reunirla de nuevo, comprando las obras a sus parientes. En una etapa inicial siguió adquiriendo pintura antigua y, a partir de los años 60, inició la colección de Maestros Modernos. Su interés se concentró al principio en las obras del Expresionismo alemán, un arte considerado "degenerado" por los nazis, que destruyeron gran parte de estas obras.

Poco a poco, la fascinación que sentía por los expresionistas alemanes le condujo a la adquisición de obras de artistas de vanguardia rusos y otros pioneros del arte abstracto. Y así, llegó a hacerse con importantes obras impresionistas, postimpresionistas, pintura europea de principios de siglo, pintura inglesa de la postguerra - Francis Bacon, Lucian Freud, etc. - y pintura norteamericana de los siglos XIX y XX.

Villa Favorita se quedó pequeña - allí no se podían exponer más que 300 cuadros - y el barón decidió buscar un nuevo hogar para sus obras. La proximidad del Museo del Prado y la calidad del edificio de Madrid que le ofreció el Estado español, le decidió a traer la Colección a España. Y es en esta ciudad, en el decimonónico Palacio de Villahermosa, donde se puede contemplar por primera vez la colección casi completa. La instalación definitiva de la colección en España parecía la culminación de esa relativamente corta pero intensa trayectoria coleccionista, pero no ha sido así. Carmen Thyssen-Bornemisza ha recogido el testigo y, continuando con la tradición familiar, tiene desde hace unos años su propia colección, que recoge por un lado la herencia de su esposo y, por otro, continúa ampliándose con nuevas adquisiciones. (Fuente: Museo Thyssen Bornemisza)




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Uso original: fábrica de harinas


Uso actual: Teatro Municipal Federico García Lorca


Fecha de rehabilitación: finales de los 90

Arquitecto: José María Pérez (Peridis)

Dirección actual: C/ Ramón y Cajal, 22

28902 Getafe, Madrid

Tel: 912 080462

E-mail: tglorca@ayto-getafe-org

El Teatro Municipal Federico García Lorca en FACEBOOK


Hace ya una década, la fábrica de harinas ubicada en la localidad de Getafe (Madrid) fue objeto de un interesante y sorprendente proyecto de reutilización.

El proyecto lo firmó el arquitecto José María Pérez (Peridis) y consistió básicamente en la transformación de la vetusta harinera en el Teatro Municipal “Federico García Lorca”.

La rehabilitación fue ejecutada por una escuela taller y diversos programas de formación ocupacional, que concluyeron con la inauguración del nuevo centro el 29 de mayo de 1998.

Se ubica en la calle Ramón y Cajal número 22. En su intervención participó también la empresa Construcciones y Promociones García, S.L. El resultado de la rehabilitación es un magnífico teatro-auditorio dispuesto a la italiana, es decir, con planta en forma de herradura. Su aforo es de 675 espectadores




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El edificio de la fábrica de harinas data de 1920 y se construyó con ladrillos, en estilo neomudéjar. (Fuente: http://harineras.blogspot.com/2008/10/10-aos-del-teatro-garca-lorca-en-getafe.html)

Actividades:

Tras diez años de andadura nadie duda que el Teatro Auditorio Federico García Lorca es el estandarte cultural de la ciudad. Con una programación variada no hay un solo día que el teatro no tenga actividad. El espacio da cabida a las compañías y asociaciones locales, a las grandes producciones nacionales, los mejores festivales de la Comunidad de Madrid, una amplia programación infantil, festivales de producción propia y actos institucionales. (Fuente: Ayuntamiento de Getafe)




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Uso original: antiguo depósito elevado de agua

Fecha construcción: principios s. XX


Uso actual: Sala de Exposiciones Depósito Elevado. Canal Isabel II


Fecha rehabilitación: mediados años 80

Arquitectos: Javier Alau y Antonio Lopera

Dirección: C/ Santa Engracia, 125

28003 Madrid

Tel: 91 5451000





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Con el inicio del siglo veinte se constató en Madrid la imposibilidad de dar servido a las viviendas situadas por encima de los 670 metros de altitud.

Así, surgió la idea de construir el Primer Depósito Elevado que con el adecuado bombeo de las aguas enterradas de los depósitos inmediatos, conseguiría elevar la cota y garantizar el suministro hasta los pisos más altos de las nuevas viviendas de las zonas del ensanche: los barrios de Salamanca, Chamberí y Cuatro Caminos.

Situado entre la calle Santa Engracia y el Depósito Mayor, este depósito se levantó al tiempo que se construía el Tercer Depósito. Tiene forma de torre cilíndrica con una altura de 36 metros fabricada en acero y ladrillo. En la parte superior, se alojaba una cuba de estructura metálica de 1.500 m3 de capacidad con una cubierta forrada de zinc.

Su visión desde el exterior nos muestra claras influencias estéticas y formales de la arquitectura industrial de la época.

En sus inmediaciones, se construyó una Central Elevadora de planta rectangular y esbeltas arcadas de ladrillo en los ventanales y en las puertas de acceso, que aprovechando la fuerza eléctrica traída de Torrelaguna, impulsaría el agua hasta la cuba del depósito.

Precisamente, en este entorno se puede apreciar el edificio de la vieja central -completamente remodelado en su interior- y la enorme chimenea de ladrillo testimonio de la antigua fábrica térmica que ponía en movimiento las bombas elevadoras. Inaugurado en 1911, el Depósito Elevado se mantuvo en funcionamiento hasta 1952 que pasó a ser utilizado como dependencias provisionales del Archivo del Canal. A mediados de los años ochenta la torre del Depósito fue restaurada y rehabilitada por los arquitectos Javier Alau y Antonio Lopera que realizaron una intervención ejemplar adecuando el espacio interior del depósito a las exigencias de una magnífica Sala de Exposiciones. El énfasis en conservar las características y elementos originales del depósito y el respeto hacia un espacio que debía ser perfectamente equipado, en su adecuación a un nuevo uso, sin perder su memoria, son algunos de los méritos más destacados de la recuperación de esta singular obra. Esta reconversión obtuvo el premio Europa Nostra. (Fuente: Madridmas.org)

Actividades:

Con una trayectoria de más de dos décadas dedicadas, casi en exclusiva, a la fotografía, esta sala se ha ido labrando un sitio en el espacio cultural de Madrid. Por ella han pasado las propuestas y los artistas más interesantes del panorama nacional e internacional, colaborando anualmente con los certámenes de Arco y Photoespaña. (Fuente: Canal Isabel II)




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MELILLA




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Uso original: almacén, hospital y sede de la Junta de Arbitrios


Uso actual: Museo de Arqueología e Historia de la Ciudad de Melilla



Dirección: Plaza Pedro de Estopiñán, s/n

Melilla La Vieja

52001 Melilla

Tel/Fax: 952 681339 / 952 685105



En primer lugar, el almacén cedido a D. Rafael Fernández de Castro para utilización de depósito y recopilación de las piezas y el material resultante de las excavaciones del Cerro de San Lorenzo, a principios del siglo XX, en el edificio de la Junta de Arbitrios, a la sazón instalado en el Mantelete. No se pudo considerar aún museo, pues no hubo catalogación de los restos hallados ni exposición de los mismos.

En segundo lugar, aparece ya como museo, en el subsuelo del templete de música instalado en el Parque Hernández; es la primera vez que los ciudadanos de Melilla pudieron tener contacto con la historia de su ciudad, pero la precariedad del edificio y la inadecuada presentación de los fondos, hace pensar a las autoridades de la época en la necesidad de una nueva ubicación.




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A mediados del siglo XX pasa como Museo de la Ciudad, al Baluarte de la Concepción, en el Primer Recinto Histórico de Melilla Vieja. Se trata de un museo histórico de carácter general, con dos secciones fundamentales: arqueología y documental, complementadas con heráldica, fondos militares, etc. En este último lugar estuvo ubicado durante largos años. Su actual emplazamiento es el edificio conocido como "Torre de la Vela", situado dentro del primer recinto histórico, en la plaza Pedro de Estopiñán. Su andadura comenzó en 1987 y en 1997 se llevó a cabo una reforma en profundidad, atendiendo a los criterios impuestos por la nueva museología, dando la configuración que actualmente presenta. (Fuente: Ciudad Autónoma de Melilla)

Fondos:

El museo cuenta con las secciones de Prehistoria, Numismática, Antigüedad clásica, Edad media y las épocas Moderna y Contemporánea.

Parte esta sala de la presencia española en nuestra ciudad y la construcción de la fortificación renacentista, con una ilustrativa y amplia gama del material cerámico que se usaba desde los siglos XV al XVIII, así como de maquetas de época contemporánea, que nos enseñan cómo se trazaron los actuales límites de la ciudad de Melilla, o su configuración actual. Se complementa esta sala, con elementos de la arquitectura modernista, que tan bien definen a nuestra ciudad. (Fuente: Ciudad Autónoma de Melilla)




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MURCIA




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Uso original: antiguos molinos harineros

Uso actual: Molinos del Río Segura



Arquitecto: Juan Navarro Baldeweg

Dirección: Glorieta de España, s/n

30002 Murcia

Tel: 968 358600

Web: http://www.molinosdelrio.org/

E-mail: [email protected] Historia del edificio:

Integrados en un Conjunto de Interés Histórico-Artístico, los Molinos del Río Segura fueron rehabilitados por convenio suscrito en diciembre de 1985 entre el Ayuntamiento de Murcia, la Dirección General de Arquitectura y Vivienda del Ministerio de Obras Públicas y Urbanismo y la Comunidad Autónoma de la Región de Murcia.

El objetivo que se emprendió fue el de convertir los antiguos molinos harineros en un Centro Cultural y Museo Hidráulico. El proyecto se encargó al arquitecto Juan Navarro Baldeweg, cuya propuesta se basó en la devolución al aspecto más genuino y antiguo de los molinos, garantizando la conservación de un monumento y de unas piezas muy singulares del patrimonio arqueológico industrial.

El edificio, inaugurado en 1989, está incluido entre los diez mejores de la década de los ochenta en España. (Fuente: Molinos del Río Segura)




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Actividades:

Los usos actuales de Los Molinos del Río son la exhibición permanente de las instalaciones de los molinos harineros y la programación continuada de exposiciones temporales, muchas de ellas de producción propia, que comparten la intención de profundizar y divulgar aspectos históricos, etnográficos y arqueológicos de nuestra cultura.

Los recursos museográficos utilizados incorporan tanto las didácticas tradicionales -catálogos, guías del profesor y alumnos- como las actualizadas -vídeo, módulo multimedia interactivo e Internet- que permiten ampliar una labor dirigida a todos los públicos.

Distintos Servicios Municipales están alojados en las dependencias de la planta superior, donde existen también una biblioteca.

Actividades como conferencias, cursos y presentaciones se suceden en el Auditorio de Los Molinos del Río. Un edificio adosado, las Caballerizas, es otro espacio expositivo de competencia municipal. (Fuente: Molinos del Río Segura)




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Uso original: fábrica de conservas, Escuela Taller, Museo Etnográfico de la Conserva, Ceutimagina

Uso actual: La Conservera


Arquitecto: Fernando de Retes

Dirección: Avda. de Lorqui, s/n

30562 Ceutí, Murcia

Tel: 968 923132

Web: http://www.laconservera.org/



El espacio donde se ubica La Conservera fue en sus inicios una Fábrica de Conservas circunscrita a una amplia nave con una techumbre de chapa de uralita.

En su interior existía todo un engranaje de piezas industriales que realizaban todo el proceso de producción y envasado de los frutos. Este tipo de industria poseía mucha mano de obra femenina, dando trabajo a numerosos residentes del pueblo. Las fábricas de conservas cambiaron la economía, la mentalidad y la fisonomía de Ceutí, y de muchas ciudades de la Región de Murcia.

De estas fábricas proceden las inhiestas chimeneas que se elevan sobre el horizonte. Estas chimeneas sirven como elementos significativos y como documentos esenciales para comprender un pasado denso y lleno de vida.

Tras cerrar la fábrica, este espacio pasó a manos del Ayuntamiento quién lo convirtió durante unos años en una escuela taller, donde muchos jóvenes aprendían un oficio practicándolo, al tiempo que cobraban un salario, consiguiendo que más del 60% de estos jóvenes accedieran al mercado laboral capacitados para su oficio.

Posteriormente se inauguró en el año 1989 el Museo Etnográfico de la Conserva, siendo compartido el espacio de la nave durante unos años con la escuela taller.

En el año 2003 comienzan las obras del complejo Ceutimagina, pasando la Escuela Taller y el Museo Etnográfico a otras dependencias del pueblo.




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Ceutimagina comienza su andadura en la antigua fábrica totalmente remodelada con una primera fase inaugurada el 24 de noviembre del 2004, con exposiciones de los museos más importantes del mundo.

En octubre del 2005 se inaugura todo el complejo Ceutimagina, concluida su segunda fase y listo para su puesta a punto, con un espacio interactivo de 10.000 metros cuadrados acogiendo innovadores proyectos de arte y ciencia.

Desde mayo del 2009 La Conservera sustituye a Ceutimagina como un nuevo espacio cultural.

El arquitecto Fernando de Retes ha conseguido crear un espacio moderno, espectacular y funcional.

El espacio se estructura en diferentes emplazamientos de diversas alturas en torno a los dos patios que formaban el armazón original de la antigua Fábrica de Conservas. Por ello en Ceutí se dice que se ha reciclado la fábrica, no se ha construido sobre ella, para de esta manera conservar la memoria colectiva de un pueblo. (Fuente: Región de Murcia digital)

Actividades:

La programación consta de varios ciclos de exposiciones que se exhiben de manera simultánea. Cada ciclo de exposiciones estará compuesto, normalmente, por cuatro artistas que comparten preocupaciones comunes, de modo que el recorrido entre ellas es continuo y lógico. Así se permite analizar unos mismos conceptos desde diferentes puntos de vista.

Este programa de exposiciones temporales se concentrará en artistas de diferentes generaciones -predominando los nacidos en los años 60 y 70-, que ya cuentan con una trayectoria interesante, sólida y con reconocimiento de la crítica internacional, aunque siguen siendo una apuesta de riesgo. Son artistas tanto nacionales como extranjeros, entre los que predominan los de los Países Bajos, EE.UU. y Alemania. (Fuente: Hoyesarte.com)




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Uso original: anfiteatro y plaza de toros de Cartagena.

Fecha construcción: año 70 de nuestra era (en la época flavia) el anfiteatro romano. 1854 (Plaza de toros)

Arquitecto: Jerónimo Ros Jiménez

Uso actual: MUCAM, Museo de Arte Contemporáneo de la Región de Murcia (Proyecto)


Fecha de restauración: 2008

Arquitectos: Andrés Cánovas Alcaraz (que integra el Equipo ACM Arquitectura junto a Nicolás Maruri y Atxu Amann)

Dirección: Cartagena

Proyecto:

El Museo de Arte Contemporáneo de la Región de Murcia (MUCAM) se ubicará en Cartagena en el entorno de la antigua plaza de toros. Será una perfecta conjunción entre el pasado y el futuro de la ciudad, ya que el proyecto, ideado por el arquitecto Andrés Cánovas y su equipo, incluye la recuperación del anfiteatro romano, la del coso taurino y la construcción de un edificio complementario que albergará obras de arte y exposiciones fechadas en la última mitad del siglo XX y que será el gran revitalizador de toda la zona.

El MUCAM nace con el objetivo de convertirse en un punto de convivencia entre los pedazos de la historia que han hecho a la ciudad lo que es en la actualidad. Será el segundo museo de arte que albergue la ciudad, junto al Museo Regional de Arte Moderno (MURAM), con ubicación en el Palacio de Aguirre y que incluirá obras de arte desde 1860 a 1960. El elenco artístico del MUCAM irá por su parte desde 1960 hasta nuestros días.

El Museo podría abrir sus puertas en 2012. Con un presupuesto de 22 millones de euros, la idea es devolver el coso taurino a su estado original de 1854, excavando y conservando asimismo la totalidad del anfiteatro romano.




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Además, las antiguas estructuras de la plaza se aprovecharán para albergar pequeñas salas de exposición del museo de arte, que contará también con un edificio complementario en el ámbito del callejón del Chiquero, en el que se alojarán salas de exposición temporal, gabinetes didácticos, sala de conferencias, salas de audiovisuales...

En total, un espacio de más de 4.000 metros cuadrados de exposición. Como uso complementario y gracias a la rehabilitación de parte del graderío antiguo se prevé la construcción de un auditorio descubierto en el interior de la plaza, con capacidad para 1.200 personas. La actuación se complementará con un centro de interpretación del anfiteatro y plaza de toros.

La financiación de este gran proyecto, que empezó a ver la luz hace más de diez años, se realizará a través de una Fundación, similar a la que ha funcionado en el proyecto del Museo del Teatro Romano. (Fuente: Ayuntamiento de Cartagena)




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Uso original: Palacio Aguirre, Banco Hipotecario, sede de la Falange Española Tradicionalista y de la JONS, oficina de Patrimonio Histórico, aulas de la Tercera Edad, Universidad Popular, Centro Histórico Fotográfico de la Región de Murcia


Arquitecto: Víctor Beltrí

Uso actual: MURAM, Museo Regional de Arte Moderno


Fecha de restauración: 1980, 1996-1997

Arquitectos: Rafael Pardo Prefasi, Vicente Roig Forné, F. Martín Lejárraga Azcarreta

Dirección: Plaza de La Merced, 15 y 16

30310 Cartagena

Tel/Fax: 968 501607 / 968 523734

Web: http://www.muram.es/



El Palacio Aguirre es un edificio reedificado en 1901, en el espacio dejado por la desamortización de un antiguo convento por el arquitecto Víctor Beltrí para Camilo Aguirre, rico industrial, en un momento de auge económico en Cartagena gracias a la actividad minera y comercial que propició la aparición de una burguesía promotora de la vida política, social y por supuesto cultural. Precisamente una de sus manifestaciones artísticas más importantes serán las manifestaciones arquitectónicas en estilo ecléctico-modernista.




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Posteriormente el edificio tuvo diferentes propietarios: el Banco Hipotecario de España, tras su ocupación en la Guerra Civil, es comprado por suscripción popular a favor de la Falange Española Tradicionalista y de la JONS y entre 1970 y 1971 se acondiciona para su uso con despachos, salón de actos, locales para sección femenina, radio, conservándose los salones principales de la planta noble. A la desaparición del Movimiento Nacional en 1977 pasa a ser Patrimonio del Estado.

A partir de 1979 comienza la incoación del expediente de declaración de Monumento y en 1980 comienza la restauración de la fachada, la planta noble y la escalera. Tras este acondicionamiento, estos salones sirvieron de despacho al Gobernador Civil. En 1982 se produce la declaración de Monumento Bien de Interés Cultural (por el Real Decreto 563/1982 de 1 de febrero, B.O.E. nº 66 de 18 de marzo de 1982). A partir de 1985 el uso se comparte con el Ayuntamiento de Cartagena llegando a albergar la oficina de Patrimonio Histórico, aulas de la Tercera Edad, la Universidad Popular y un oficio de rehabilitación.

Se cierra el inmueble en 1990 por el mal estado de éste, quedando solamente una oficina de la Comunidad Autónoma, a la vez que se inicia su rehabilitación. Durante 1996 y 1997 se acometen las obras con proyectos de lo arquitectos Rafael Pardo Prefasi y Vicente Roig Forné.

El 13 de mayo de 2002 se emite el acta de afectación a la consejería de presidencia del inmueble para las instalaciones de Museo Regional de Arte Moderno y de Centro Histórico Fotográfico de la Región de Murcia, así como del edificio colindante, instalándose el citado centro.

En el 2005 el Centro Histórico Fotográfico de la Región de Murcia, tras estar instalado en el Palacio Aguirre, se traslada al edificio llamado "Casa del Niño" de Cartagena.

Posteriormente se añade un edificio anexo para aumentar la superficie expositiva y los servicios del museo según proyecto del arquitecto F. Martín Lejárraga Azcarreta, siendo terminado en 2008 e inaugurado el 29 de abril de 2009. (Fuente: MURAM)

Objetivos:

- La investigación, educación, promoción científica y cultural, y de goce intelectual y artístico para los visitantes.

- Programar, organizar y realizar exposiciones permanentes, temporales e itinerantes de arte moderno.

- Desarrollar programas de acción cultural de fomento y divulgación del Museo y de su implicación en la vida cultural de la Región y, especialmente, de la ciudad de Cartagena.

- Establecer programas de cooperación e intercambio con otras instituciones museísticas nacionales y extranjeras en el campo del arte moderno.




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- Fomentar la actividad de asociaciones, fundaciones y entidades de voluntariado que tengan por objeto el apoyo a los museos.

- Promover programas de formación continua para el personal de museos.

- Cualesquiera otros que se dirijan a la promoción y difusión del arte moderno y a la mejora y ampliación del patrimonio museístico regional. (Fuente: MURAM)




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NAVARRA




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Uso original: vivienda. Desde 1975, casa taller de Jorge Oteiza

Uso actual: Casa Taller del Museo Oteiza

Fecha inauguración: 1 noviembre 2003


Arquitectos: Francisco Javier Sáenz de Oiza, Concha Lapayese, Darío Gazapo y Vicente Sáenz

Dirección: C/ de la Cuesta, 7

31486 Alzuza, Navarra

Tel/Fax: 948 332074 / 948 332066

Web: http://www.museooteiza.org/



El Museo Oteiza es obra del arquitecto Francisco Javier Sáenz de Oiza, que ha proyectado un gran cubo de hormigón rojizo, que acoge la colección del escultor e integra la vivienda ocupada por Jorge Oteiza durante dos décadas.

Jorge Oteiza y su mujer Itziar Carreño se instalaron en esta casa abandonada de Alzuza en 1975 y lo convirtieron en su vivienda, centro de trabajo y refugio. Alzuza se convirtió en el escenario de la anunciada voluntad del artista de alejamiento, donde encontró el necesario aislamiento para centrarse en su creación poética, ensayística y de investigación, aunque resultó también un punto de encuentro para la comunidad intelectual en contacto con Oteiza. (Fuente: Museo Oteiza)




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Fondos:

El Museo Oteiza Museoa alberga la colección personal del reconocido escultor y artista integral (Orio, 1908 - San Sebastián, 2003), compuesta por 1.650 esculturas, 2.000 piezas de su laboratorio experimental, además de una extensa presencia de dibujos y collages.

La Casa Taller ofrece un acercamiento a la personalidad creativa del artista a través de la exposición de unidades temáticas, geográficas y audiovisuales, que ayudan a recomponer el itinerario vital y creativo del artista.

Entre estos elementos expositivos, destaca la numerosa documentación escrita y gráfica inédita, algunas maquetas de sus proyectos arquitectónicos, esculturas, estudios de su laboratorio de tizas y otros objetos del artista. La reordenación de los espacios y los fondos actualmente presentes se articulan en dos ejes, uno geográfico y otro temático.

El eje geográfico contiene numerosas imágenes de la vida de Oteiza junto con textos explicativos de diferentes periodos de la vida del artista.

El eje temático que rige la ordenación de los materiales expuestos presenta diferentes unidades vinculadas a los numerosos proyectos artísticos y culturales desarrollados por el artista y que hacen mención a su relación con la arquitectura, sus estudios sobre el euskera preindoeuropeo, su quehacer poético, su vinculación con el cine, los problemas estéticos planteados en sus textos y libros, la acción social y cultural desarrollada a lo largo de su vida, o su vinculación con la Escuela Vasca de grupos de vanguardia. Cada uno de estos epígrafes va acompañado por numerosa documentación que recoge e ilustra el pensamiento de Oteiza en referencia a los aspectos abordados en cada uno de los grupos. (Fuente: Museo Oteiza)




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Uso original: antiguo Hospital de Nuestra Señora de la Misericordia


Uso actual: Museo de Navarra



Arquitectos: José Yarnoz Larrosa (1952), Jordi Garcés y Enric Soria (1986)

Dirección: C/ Santo Domingo, 47

31001 Pamplona

Tel: 948 426492

Web: http://www.cfnavarra.es



El Museo de Navarra, fundado en 1956, es una institución de carácter regional perteneciente al Gobierno de Navarra. Tiene su sede en el antiguo Hospital de Nuestra Señora de la Misericordia, sito en un extremo del casco antiguo de Pamplona contiguo a las murallas. Del inmueble originario sólo se conserva la portada y la iglesia, ambas del siglo XVI.

En 1932 el hospital fue desalojado por traslado al Hospital de Navarra, y en 1952 José Yarnoz Larrosa realizó la reforma para transformarlo en museo.

En 1986 los arquitectos Jordi Garcés y Enric Soria realizaron una remodelación para modernizar y reorganizar el museo. En esta reorganización se exponen sólo las piezas más importantes consiguiendo más espacio para su contemplación.




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Se buscó dotarlo de carácter público, incorporando un salón de actos, sala de exposiciones temporales y otros servicios. Se ordenó la colección de forma cronológica con los objetos prehistóricos en una nueva sala ubicada bajo el jardín, los mosaicos romanos en zonas de la planta baja y el resto en cuatro plantas.

La portada renacentista se destaca como una pieza más del museo, recortándola sobre un muro ciego. (Fuente: Museo de Navarra y Wikipedia)

Fondos:

Las piezas que en él se exhiben son muestra del rico patrimonio navarro desde la Prehistoria hasta el momento presente. Las colecciones fueron iniciadas por la Comisión de Monumentos Históricos y Artísticos de Navarra, constituida en 1860; continuó su labor la Institución "Príncipe de Viana", creada en 1940 por el Gobierno de Navarra con la finalidad de proteger, restaurar e investigar el Patrimonio Artístico y Arqueológico de Navarra.

La actividad propia del museo se complementa con una interesante programación de exposiciones temporales, ciclos de cine, conferencias, visitas guiadas y actividades didácticas. Posee biblioteca, tienda-librería y un fondo documental de artistas navarros contemporáneos. (Fuente: Museo de Navarra)




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Uso original: Palacio de los Reyes de Navarra también llamado Palacio de los Duques de Granada de Ega

Fecha construcción: último tercio del siglo XII

Uso actual: Museo Gustavo de Maeztu

Fecha rehabilitación:1991

Dirección: C/ San Nicolás 1

31200 Estella

Tel/Fax: 948 546037 / 948 553257

Web:http://www.museogustavodemaeztu.com



El Palacio de los Reyes de Navarra está situado en la plaza de San Martín, y constituye el único exponente en Navarra de arquitectura civil románica (último tercio del siglo XII). El interés de esta construcción radica en sus fachadas, formadas por dos cuerpos de sillería separados por una imposta moldurada.

La de la Rúa está flanqueada por columnas superpuestas que no corresponden con la altura de los pisos, siendo más esbeltas las superiores. El capitel izquierdo es historiado, representando el combate entre Rolán y Ferragut, está firmado por su autor, Martines de Logroño. En su frente horizontal aparece Rolán abatiendo al gigante con una lanza, mientras que en las otras dos, Ferragut ataca a Rolán con una bola de pinchos y un jinete. Las figuras, excelentemente talladas, presentan un canon bastante alargado. El capitel derecho se orna con pencas envueltas en volutas. Cuatro potentes arcos de medio punto asentados sobre pilares rectangulares horadan el primer cuerpo, mientras que el segundo establece un ritmo de vanos mediante cuatro ventanas seccionadas en cuatro arquillos ligeramente apuntados con arquivolta exterior, apoyados en tres columnillas, la central exenta y adosada al muro, las de los extremos, cuyos capiteles de fina labra podrían emparentar con la fábrica del vecino claustro de San Pedro de la Rúa. (Fuente: Museo Gustavo de Maeztu)




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Fondos:

El museo alberga el legado del polifacético artista Gustavo de Maeztu y Whitney (1887-1947), vitoriano de nacimiento, pero avecindado en Estella hasta su muerte. El museo contiene una parte importante de su obra plástica y gráfica, articulada en torno a la figura femenina, los retratos, bodegones y paisajes. Junto a una selección de dibujos de varios géneros y técnicas, también se muestran las investigaciones realizadas por Maeztu en el mundo de la plástica, aludiendo a su vertiente literaria. El museo dispone de una sala de exposiciones temporales de artistas contemporáneos. (Fuente: Museo Gustavo de Maeztu)




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Uso original: Casa - Palacio de los Beráiz

Uso actual: Museo Muñoz Sola de Arte Moderno

Dirección: Plaza Vieja, 2

31500 Tudela (Navarra)

Tel/Fax: 948 402640 / 948 403055

Web: http://www.museomunozsola.com



El Museo Muñoz Sola de Arte Moderno recibe este calificativo por la época artística en que fueron pintados la mayor parte de los cuadros que aquí se exhiben, a partir de la segunda mitad del siglo XIX, época que recibe la genérica denominación de pintura moderna porque sus seguidores decidieron romper con las tradiciones formales hasta entonces observadas rigurosamente por los artistas. Esta modernidad figurativa que se opone a las tradiciones académicas, se produjo primero en Francia siendo sus más genuinos representantes Courbet, Manet y Monet.

Este museo recoge una variada colección de pintura francesa del siglo XIX que el pintor tudelano César Muñoz Sola (1921-2000), fue reuniendo a lo largo de toda su vida, consecuencia del interés que siempre mostró por ese periodo artístico y de sus propias inclinaciones estéticas, muy vinculadas a ese tipo de pintura figurativa. Muñoz Sola, muy unido desde siempre a su Tudela natal, quiso que se expusiera aquí su colección llegando para ello a un acuerdo con el Gobierno de Navarra y el Ayuntamiento de Tudela, que pudo concretarse en la creación de este museo donde se conservan, exhiben, estudian y son objeto de deleite público las obras de su colección junto a una muestra representativa de su propia obra pictórica.




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El edificio que alberga el museo ha sido reconstruido en su totalidad para este fin. En origen fue Casa-Palacio de los Beráiz, familia de la nobleza tudelana que desde el Medioevo ocuparon diversos cargos en la Corte de Navarra y en la Merindad de Tudela. De su primitiva construcción gótica solamente se guarda una enjuta de la arquería del primer piso que contiene esculpido el escudo cuartelado de los Beráiz y que se conserva, testimonialmente, en la fachada. El edificio fue remodelado profundamente durante el Barroco, como puede verse en el ritmo clasicista de los ventanales de fachada y en la sencilla decoración de placas pinjantes de los antepechos que sustentan los balcones. (Fuente: Museo Muñoz Sola de Arte Moderno)

Fondos:

Los fondos que constituyen la colección del museo están constituidos por dos partes bien diferenciadas: las obras pintadas por César Muñoz Sola, que se exhiben en una Sala específica del museo y de las que se habla más adelante, y las obras pintadas por una gran diversidad de pintores, la mayoría franceses, cuya actividad cabe situar entre 1850 y 1950 y que conforman el objeto principal de este museo.

La diversidad de autores, estilos y filiación estética de los cuadros no facilita su agrupación por tendencias o movimientos; el hilo conductor de la colección es la afinidad de los temas con los gustos estéticos del Muñoz Sola coleccionista, es decir, que compra lo que él mismo cultiva como pintor: bodegones, retratos y paisajes. En menor medida marinas, temas religiosos o mitológicos, interiores y escenas de género.

Y todos de carácter figurativo y conservando la estética formalmente rupturista, 'moderna' en definitiva, del siglo XIX, con claras vinculaciones con los grandes movimientos de vanguardia que caracterizaron la pintura, francesa sobre todo, de aquel siglo: Romanticismo, Realismo, Impresionismo Y Postimpresionismo. Los movimientos estéticos posteriores, ajenos a las inclinaciones pictóricas de Muñoz Sola, como el Cubismo, Expresionismo, el Surrealismo o la abstracción, no están representados en el museo.

Hay cuadros más antiguos, donde aún se aprecia la influencia del último barroco, como Cristo y la mujer adúltera, de J.A. Vallin; o el neoclasicismo que se advierte en Venus, Adonis y Cupido, de Girodet de Roucy. El toque romántico lo encontramos en Ensueño, de Emile Renouf, Retrato melancólico de Rizzie, o el Retrato de Señora, de Caminada La incursión por el naturalismo se constata en los bodegones y cuadros de flores de Bergeret, Couty, Laurent o Boulet, en muchos de los cuales pueden rastrearse aún huellas de la tradición holandesa barroca de las naturalezas muertas, sucediendo algo parecido con los paisajes, marinas o e interiores de Hugart de la Tour, Selmy, Eschbach, Maillard o Isabey. Es decir, pinturas que marcan una diferencia con las pinturas tradicionales pero a las que aún deben gran parte de sus contenidos.




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El impresionismo fue el estilo que más influyó en la manera de pintar de Muñoz Sola y que se encuentra ampliamente representado en la colección, principalmente a través de los paisajes y en las marinas. Son cuadros limpios de color y vibrantes de luz, de pincelada suelta y cuyos elementos del cuadro a veces sólo están sugeridos para que la vista, en la distancia, termine por construir lo que sólo se insinúa con los pinceles. Impresionismo que deja su huella en paisajes rurales, como los de Cahours, Foubert, L'hermite, Clary, Nozal o Montagne; urbanos como los de Wittmann, marinas como las de Eschbach, Lecompte y Maillard, incluso en la representación del desnudo femenino como puede apreciarse en el de Julien Tavernier. En otros casos, aunque la técnica se acerque al Impresionismo, no faltan toques simbolistas en la manera de tratar el tema. Así lo podemos comprobar en el Desnudo femenino, de Xavier Bricard o en Las dos madres, de León Faivre. Cabe destacar el lienzo de Adler Los hombres en un café acaso el de más avanzada estética que por su técnica y composición se acerca a la manera de pintar de Cézanne. (Fuente: Museo Muñoz Sola de Arte Moderno)




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PAÍS VASCO




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Uso original: antigua Estación de Autobuses, aparcamiento subterráneo

Fecha construcción: 29 enero 1950

Arquitecto: Jesús Guinea

Fotografía: Archivo Municipal

Uso actual: ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo


Arquitecto: José Luis Catón

Dirección: C/ Francia, 24

01002 Vitoria-Gasteiz

Tel/Fax: 945 209000 / 945 209049

Web: http://www.artium.org/Indice.php



ARTIUM está situado en el centro de Vitoria-Gasteiz, junto a su Casco Medieval y a las zonas social y económicamente más dinámicas de la ciudad. El museo conforma, además, un eje cultural con el Centro Cultural Montehermoso y el conjunto de museos (Naipes, Arqueología, Ciencias Naturales) ubicados en el Centro Histórico.

El centro-museo ocupa un espacio trapezoidal, casi rectangular, limitado por las calles Francia, La Paloma, La Esperanza y Prudencio María Verástegui. En ese lugar, el arquitecto José Luis Catón optó por crear un amplio espacio de uso público, que, como sucediera en el siglo XVIII con la Plaza de España y la Plaza de la Provincia, actuara como punto de expansión social y urbanística para un entorno densamente habitado. En los lados Norte y Sur de esta plaza pueden verse sendas esculturas de Jorge Oteiza, Mirador mirando, y de Vicente Larrea, Broca kenkenes.

El edificio se organiza en torno y por debajo de esa plaza: como en una bodega, buena parte de sus espacios se encuentran bajo la superficie. En el Oeste, un gran cubo de hormigón blanco alberga el acceso principal al centro-museo y a algunos espacios y servicios complementarios: el vestíbulo principal, el Auditorio, la Sala Plaza, el restaurante Cube ARTIUM y la taquilla y la consigna, entre otros.




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En el vestíbulo principal comparte protagonismo el gran “Mural cerámico” de Joan Miró y Llorens Artigas y la monumental escultura “Un Pedazo de Cielo Cristalizado”, de Javier Pérez. Un descenso de siete metros bajo el nivel del suelo conduce a la Antesala del centro-museo, el lugar desde el que se accede a las salas de exposiciones. La artista Anabel Quincoces ha creado para este espacio la obra Water Flames (flowing), un conjunto escultórico de piezas de vidrio soplado cuyos característicos tonos azules y verdes recuerdan al fondo marino. A derecha e izquierda de este espacio, los accesos a la Sala Sur y la Sala Norte, que se extienden bajo la plaza y comunican con otras dos salas de exposición, la Este Baja y la Este Alta, con quienes forman una suerte de “U”.

Sobre las Salas Este Baja y Este Alta se levanta, de nuevo en la superficie, el edificio de granito gris que cierra el trapecio de la plaza y que contiene los espacios para talleres didácticos y para el Taller de imagen, la Biblioteca y Centro de Documentación, así como los servicios administrativos del museo. (Fuente: Artium)

Fondos:

Desde que a mediados de los años 70 del pasado siglo la Diputación Foral de Álava iniciara una política sistemática y sostenida de adquisiciones de obras de arte contemporáneo, el fondo de la hoy denominada Colección ARTIUM no ha dejado de crecer hasta convertirse en una de las colecciones de referencia en su género.

La Colección ARTIUM está integrada por alrededor de 3.000 obras de arte, en las que están representadas todas las técnicas utilizadas en la creación contemporánea, desde la pintura y la escultura hasta la fotografía, el vídeo y la instalación, así como los creadores que han escrito y escriben la historia del arte de los siglos XX y XXI en el País Vasco y en España, desde las primeras vanguardias hasta la más candente actualidad. Más recientemente, ARTIUM ha iniciado la adquisición de obras de artistas internacionales, con el fin de dotar a la Colección de un contexto más amplio.

Entre los artistas españoles, destacan nombres como Salvador Dalí, Pablo Picasso, Joan Miró, Pablo Gargallo o José Caballero, pertenecientes a las primeras vanguardias; Antoni Clavé o Antonio Saura, de la renovación española; otros, por citar algunos, como Antoni Tàpies, Joan Brossa, Manuel Viola, Rafael Canogar, Pablo Palazuelo, Jorge Oteiza, Rafael Ruiz Balerdi, Eduardo Chillida o Andrés Nagel, surgidos de generaciones posteriores; los creadores ya consolidados del presente, Txomin Badiola, Darío Urzay, Miquel Barceló, Cristina Iglesias o Elena del Rivero, entre otros; sin olvidar una decidida apuesta por los nuevos valores y estilos emergentes. De los internacionales, Bill Viola y Fabian Marcaccio, entre otros; todos ellos dan cuerpo a un fondo llamado a crecer y evolucionar.

El núcleo principal de la Colección ARTIUM lo constituye el fondo coleccionado por la Diputación Foral de Álava, aunque a lo largo de los últimos años se han producido ingresos de obras notables y numerosas procedentes de depósitos y donaciones realizados por coleccionistas privados e instituciones públicas. Las adquisiciones aprobadas por la Fundación ARTIUM se hacen bajo un triple criterio:




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• Obras pertenecientes a las vanguardias históricas anteriores a la guerra del 36-39, que actúa como pórtico de la Colección, ejemplos elocuentes del surrealismo, el cubismo, el expresionismo y otras tendencias

• Piezas de las décadas comprendidas entre 1940 y 1990, incluyendo obras de los pocos artistas tanto vascos como del resto de España que al día de hoy todavía no pertenecen a la Colección, así como segundas, terceras o cuartas obras correspondientes a diferentes épocas de artistas que ya están representados en los fondos del museo

• Obras pertenecientes a la creación más actual, tanto de creadores jóvenes de diversos orígenes con una incipiente trayectoria o nuevos nombres en el panorama del arte contemporáneo

La Colección confiere a ARTIUM una identidad propia y un carácter diferencial, aunque también complementario, respecto a otros museos del País Vasco y de España. En todo caso, se trata de un patrimonio singular y único que el centro-museo tiene la obligación de ampliar, conservar, investigar y también difundir.

Todo ello se materializa en las distintas exposiciones en las que ARTIUM muestra su Colección, siguiendo trazados argumentales variables. La exposición se modifica aproximadamente cada año, con el fin de mostrar diferentes obras de la nutrida Colección y, por otro lado, poner de manifiesto las posibilidades narrativas del arte del siglo XX. Los fondos propios del centro-museo integran en ocasiones otras exposiciones para su exhibición dentro (exposiciones de cámara o temáticas de menor dimensión) o fuera de ARTIUM. (Fuente: Artium)




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Uso original: residencia privada, cuartel de artillería, antiguo Obispado


Uso actual: Centro Cultural Montehermoso Kulturunea



Arquitecto: Fausto Íñiguez de Betolaza

Dirección: C/ Fray Zacarías, 2


Tel: 945 16 18 30

Web: http://www.montehermoso.net/



El Palacio de Montehermoso es un edificio con origen en el siglo XVI, si bien se encuentra muy reformado, situado en la ciudad de Vitoria, concretamente en la parte más elevada y antigua de la ciudad, en el área conocida como El Campillo. Históricamente ha tenido varios usos, siendo el penúltimo el de servir de sede episcopal. En la actualidad, tras una profunda remodelación y la expansión de su superfice mediante la anexión del antiguo depósito de Aguas de Vitoria, el edificio abre sus puertas como Centro Cultural Montehermoso, orientado a las exposiciones artísticas y las representaciones musicales.

El edificio fue construido en 1524 en un estilo gótico-renacentista a iniciativa del licenciado Hortuño (o Fortunio) Ibáñez de Aguirre, miembro del Consejo Real de Castilla y de la Inquisición, y su esposa María de Esquível y Arratia, con el objeto de albergar una comunidad de monjas Dominicas. Sin embargo, una vez concluido, el palacio se destinó a residencia privada de la familia Aguirre-Esquível, decidiendo ésta construir a cambio el Convento de Santa Cruz para las Dominicas.




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En los siglos siguientes, el palacio, provisto de un patio interior de dos pisos con arquerías escarzanas, fue mansión de pernocta habitual de los monarcas españoles cuando hacían parada en Vitoria y de otras personalidades de la nobleza. El nombre de Montehermoso le viene del titulo del marquesado que en 1714 le fue concedido a María Antonia de Salcedo, viuda de Vicente de Aguirre, en gratificación a sus servicios como aya de los hijos de Felipe V, los Príncipes de Asturias y futuros reyes Luis I y su hermanastro Carlos III, y como dama de honor de Isabel de Farnesio.

Un siglo después, otra marquesa de Montehermoso, María Pilar Acedo, atrajo a José Bonaparte, que durante la retirada napoleónica hizo del palacio su corte en Vitoria antes de su huida a Francia.

Tras la restauración borbónica, en 1816, el Ayuntamiento de de Vitoria confiscó el Palacio y la finca de Montehermoso en virtud de una real orden que establecía que tales propiedades eran, en lo sucesivo, patrimonio de la Corona. Aquel mismo año el edificio sufrió unos derrumbamientos. Posteriormente, durante la Tercera Guerra Carlista, Montehermoso fue cuartel de artillería antes de ser adquirido por la Diócesis de Vitoria en 1887 a su último propietario, el marqués del Amparo. Al convertirlo en su sede, el Obispado encargó al arquitecto Fausto Íñiguez de Betolaza la reforma de la fachada, que adquirió su actual aspecto neogótico. En 1928 se acometió otra importante reforma.

En 1994 el Ayuntamiento de Vitoria compró el edificio al Obispado por 323 millones de pesetas con la idea original de destinarlo a oficinas municipales. En 1997, con las obras de rehabilitación ya concluidas, el Área de Cultura del Ayuntamiento decidió convertir el inmueble en un centro cultural, y ampliado, previa construcción de una comunicación subterránea, al viejo Depósito de Aguas, una cisterna de 1.365 metros cuadrados construida en 1895 que desde 1994 venía brindando un singular espacio a exposiciones artísticas, montajes mixtos y espectáculos audiovisuales. Nació así el Centro Cultural Montehermoso, definido a sí mismo como un espacio multidisciplinar de producción, exhibición y difusión del arte y el pensamiento contemporáneos, y como una institución comprometida con la promoción de los artistas locales.

El centro celebró su exposición inaugural, Vitoria-Gasteiz en el arte, del 3 de octubre de 1997 al 8 de enero de 1998. Desde entonces, sus 4.671 metros cuadrados de superficie útil han acogido numerosas exposiciones de pintura, fotografía, maquetas y montajes, recitales musicales, actos para niños, conferencias y otros eventos culturales. Las dependencias más destacadas son: el patio interior, concebido como área de recepción de visitantes y de distribución de salas; el citado depósito de aguas, rebautizado como Espacio Ohianederra; la Sala Melchor Gaspar de Jovellanos, dedicada a las proyecciones; la Mediateca, que administra fondos artísticos en los campos de las artes visuales y multimedia, y el Centro de Documentación de Artes Plásticas.




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Rampa de bajada al Espacio Ohianederra; los niveles inferiores se accede a través de una amplia rampa-túnel montada con paneles y de estilo minimalista. Existen además diversas salas de documentación y aulas polivalentes para cursos, seminarios y talleres, y una cafetería que hace terraza en el denominado Jardín de Falerina. (Fuente: Wikipedia)

Actividades:

El Centro Cultural Montehermoso pertenece al Departamento de Cultura del Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz, y se define como un espacio de producción, exhibición y difusión del arte y el pensamiento contemporáneo, que tiene entre sus objetivos principales la aplicación de políticas de igualdad entre los sexos. (Fuente: Montehermoso)




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Uso original: Fábrica Azucarera Alavesa


Arquitecto: Fausto Íñiguez de Betolaza

Uso actual: Edificio Azucarera, oficinas, eventos, exposiciones


Arquitecto: Mikel Garbizu

Dirección: Polígono industrial Ali Gobeo

Vitoria-Gasteiz


La Fábrica Azucarera Alavesa de Vitoria se inauguró en el año 1904, pasando un año más tarde a formar parte de la Sociedad General Azucarera de España. Estas instalaciones de 8.000 metros cuadrados fueron levantadas siguiendo la estética de las factorías del Reino Unido. El edificio, obra de Fausto Íñiguez de Betolaza, se considera uno de los mejores ejemplos de patrimonio industrial que se han podido conservar.

La vieja fábrica continuó su producción hasta 1966, año en el que se destinó a almacenamiento. De los distintos pabellones de producción se ha conservado solamente el pabellón principal y la chimenea, destinado a la transformación de la remolacha en pulpa.

Dicho edificio fue declarado Bien Cultural en el año 2000 siendo una de las mejores representaciones del patrimonio Industrial del País Vasco, tanto por su antigüedad como por sus valores arquitectónicos propios. Hoy, completamente rehabilitado, acoge a empresas de alta tecnología y de vez en cuando se organizan eventos en su interior. (Fuentes: Mapalia)




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Uso original: Palacio Elvira Zulueta

Fecha construcción: principios siglo XX

Arquitecto: Fausto Iñiguez de Betolaza

Uso actual: anterior sede de la Fundación Sancho el Sabio


Dirección: Paseo de la Senda, 2



El Palacio Zulueta, una casa familiar de principios del siglo XX del arquitecto Fausto Iñiguez de Betolaza, fue sede durante diecinueve años de la Fundación Sancho el Sabio. El Palacio Zulueta procede como tantos otros edificios de la época, como el Seminario Diocesano, los chalés de la calle Elvira Zulueta o el Palacio de Augusti ahora Museo de Bellas Artes, de los capitales acumulados en Cuba por la familia Zulueta, especialmente por el Marqués de Álava, don Julián Zulueta y Amondo. Nacido en la pequeña aldea de Anucita en 1814, este personaje fue uno de los más influyentes: un aldeano alavés, convertido en un terrateniente de Cuba, alcalde de La Habana, hombre de peso en la política de ultramar española y uno de los hombres más ricos de su época.

El gran historiador Hugh Thomas en el libro La trata de esclavos, le dedica las primeras palabras de la obra: “Me interesó especialmente un vasco, Julián Zulueta, el último gran negrero de Cuba -si se me permite el adjetivo-, y por tanto de las Américas, un hombre que comenzó desde muy abajo, comerciando con toda clase de mercancías en La Habana de los años 1830, y que a finales de la década siguiente era un hombre maldito en la mente y en los diarios de a bordo de las patrullas navales británicas que intentaban impedir la trata, pues Zulueta poseía en Cuba sus propias plantaciones de caña de azúcar, a las que llevaba, en rápidos clipers, a menudo construidos en Baltimore, cuatrocientos o quinientos esclavos, directamente desde Cabinda, en la orilla septentrional del río Congo.




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Como era hombre moderno, Zulueta solía hacer vacunar a sus esclavos antes de que emprendieran el viaje a través del Atlántico, y en la década de 1850 empezó a emplear vapores que podían transportar hasta mil cautivos. Como era católico, hacía bautizar a sus esclavos antes de que abandonaran África...” (Fuente: El correo digital)

Fondos:

Desde su nacimiento mantiene los mismos objetivos: recopilar, ordenar, conservar y difundir documentación referida a la cultura vasca. Su amplia trayectoria temporal ha posibilitado la formación de uno de los fondos documentales vascos más ricos y completos: manuscritos desde el siglo XV, impresos y material cartográfico desde el siglo XVI, material gráfico desde el siglo XVIII y otros materiales en soportes derivados de las nuevas tecnologías.

Así mismo desde su origen, el ámbito geográfico contemplado incluye los territorios actuales de la Comunidad Autónoma del País Vasco (Euskadi), Comunidad Autónoma de Navarra y País Vasco Francés dentro del Departamento de Pirineos Atlánticos, ampliado por razones históricas a las zonas limítrofes comprendidas entre el río Ebro al Sur, y el río Garona, al Norte. (Fuente: Fundación Sancho el Sabio)




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Uso original: cementerio del Monasterio de la Santísima Madre de Dios de Betoño


Arquitecto: Marcial Dagorette

Fotografía: Quintas

Uso actual: Fundación Sancho el Sabio



Arquitectos: Roberto Ercilla y Miguel Ángel Campo

Dirección: Portal de Betoño, 23


Web: http://www.fsancho-sabio.es



El edificio, antiguo cementerio anexo al convento de las Carmelitas, fue costeado por Lorenzo Rolland y Paret, cónsul en Toulouse, quien compró una parcela de 16.000 metros cuadrados en el pueblo de Betoño (hoy término municipal de Vitoria-Gasteiz) para la comunidad de Carmelitas Descalzas de Toulouse (Francia). El 11 de septiembre de 1904 se colocó la primera piedra del convento denominado Monasterio de la Santísima Madre de Dios de Betoño, al que siguió el cementerio, con una pequeña capilla, y la iglesia. El diseño de los tres edificios, de estilo neogótico, es obra del arquitecto Marcial Dagorette. El descenso en el número de vocaciones religiosas obligó al cierre del convento el 14 de abril de 1999. Se desacralizó la iglesia y se levantaron los restos del cementerio siendo trasladados a otro convento. El convento fue adquirido en el 2005 por la Caja Vita Kutxa.

El edificio actual de diseño vanguardista tiene una superficie construida de 2.590 m2 distribuidos en dos plantas. Es obra de los arquitectos Roberto Ercilla y Miguel Ángel Campo quienes sobre el pequeño claustro neogótico han levantado una moderna estructura diáfana, una caja de vidrio, que envuelve el edificio y que llena de luz natural la planta baja donde se ubican la sala multiusos, las zonas de consulta y trabajo, los espacios para reprografía y digitalización, el taller de restauración, los despachos y los depósitos del archivo, que ocupan casi el 50% de la superficie.




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El acceso principal se realiza a través del antiguo claustro, ahora cubierto, que ejerce de recepción, sala de exposiciones, despachos y salas de reuniones. Se cuenta además con un segundo depósito situado en la zona del campus universitario La biblioteca está dotada de un moderno equipamiento y dispone de espacio suficiente para llevar a cabo las funciones que le son propias: recoger, conservar y servir la documentación así como promover la difusión del patrimonio documental vasco. (Fuente: Fundación Sancho el Sabio)

Fondos:

Desde su nacimiento mantiene los mismos objetivos: recopilar, ordenar, conservar y difundir documentación referida a la cultura vasca. Su amplia trayectoria temporal ha posibilitado la formación de uno de los fondos documentales vascos más ricos y completos: manuscritos desde el siglo XV, impresos y material cartográfico desde el siglo XVI, material gráfico desde el siglo XVIII y otros materiales en soportes derivados de las nuevas tecnologías.

Así mismo desde su origen, el ámbito geográfico contemplado incluye los territorios actuales de la Comunidad Autónoma del País Vasco (Euskadi), Comunidad Autónoma de Navarra y País Vasco Francés dentro del Departamento de Pirineos Atlánticos, ampliado por razones históricas a las zonas limítrofes comprendidas entre el río Ebro al Sur, y el río Garona, al Norte. (Fuente: Fundación Sancho el Sabio)




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Uso original: convento de Betoño

Fecha creación: fines S. XIX (se inicia el 11 septiembre 1904)

Arquitectos: diseño a cargo de Marcial Dagorette, arquitecto Javier de Aguirre

Fotografía de: Enrique Guinea

Uso actual: KREA – Expresión contemporánea


Arquitectos: Roberto Ercilla, Miguel Ángel Campo

Dirección: Portal de Betoño, 23

Vitoria-Gasteiz

Tel: 945 150147

Web: http://www.kreared.com/


KREA en FACEBOOK


En 1904 se coloca la primera piedra del monasterio. Es costeado por Lorenzo Rolland y Paret, vecino de Madrid y cónsul en Toulouse, quien compra una amplia parcela de 16.000 metros cuadrados en el paraje conocido como “La Perla”. Además, manda construir en las cercanías “Villa Melania”, un lugar para sus vacaciones estivales. El diseño se debe a Marcial Dagorette y es llevado a cabo por Javier de Aguirre, arquitecto municipal de Vitoria. En 1905 las Madres Carmelitas se trasladan al convento procedentes de un convento de Toulouse. Se inaugura la iglesia, lo último que se construye en el convento por falta de fondos. De diseño neogótico, es lo más destacado de todo el conjunto y combina con acierto unas agradables proporciones con una línea de construcción elegante. La fachada se remata con un piñón triangular con óculo. Lorenzo Rolland y Paret muere en “Villa Melania”. Es embalsamado y enterrado en el monasterio.




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El convento se cierra y se desacraliza la iglesia. Se levantan los restos del cementerio para trasladarlos al convento carmelita de Vitoria-Gasteiz, situado en El Camino de Santa Teresa detrás del Seminario Diocesano. Siguiendo el consejo del Vicario de la Diócesis, también se levantan los restos del fundador, que se encontraban en una cripta. Las monjas que residían en el convento son trasladadas a otros lugares. Así, cinco son destinadas a Calahorra, otra a Alba de Tormes (lugar de nacimiento de Santa Teresa) y las tres restantes pasan al convento del Carmelo de Vitoria en el Camino de Santa Teresa. En el año 2007 la Caja Vital Kutxa comienza las obras para remodelar el edificio y convertirlo en un vanguardista centro de creación de cultura contemporánea. (Fuente: Krea – Expresión Contemporánea)




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Uso original: Palacio Augustí


Arquitectos: Julián Apraiz y Javier de Luque.

Uso actual: Museo de Bellas Artes de Álava


Fecha rehabilitación: 1965, 1991-2001

Arquitecto: E. Guinea

Dirección: Paseo de Fray Francisco de Vitoria, 8


Tel/Fax: 945 181918 / 945 181919



La Casa-Hotel del conde de Dávila es un edificio erigido a comienzos del siglo XX con proyecto de los arquitectos Luque y Apraiz. De acuerdo con los imperativos estéticos del momento, se eligió como lenguaje arquitectónico el revival historicista, en este caso renacentista, tanto para el diseño arquitectónico como para su programa ornamental.

La primera ampliación del inmueble tuvo lugar en 1965 y se debió al arquitecto Guinea, que centró su intervención en la parte trasera del edificio. En la actualidad, tras su última remodelación entre 1991 y 2001, el museo cuenta con tres ámbitos individualizados desde el punto de vista arquitectónico: el núcleo principal – antiguo Palacio Augusti-, la zona ampliada en la década de 1960 y un anexo de nueva planta que es por donde actualmente se realiza el ingreso. (Fuente: Summa Artis. XLIX-II)




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Fondos:

El museo de Bellas Artes fue fundado en 1941. Bajo la denominación de Casa de Álava, la Diputación Foral unió en un ámbito de exposición único la Casa-Hotel del conde de Dávila, declarada en 1962 Monumento Histórico Artístico y conocida también como Palacio Augustí, los fondos de Bellas Artes y Arqueología, así como la colección de Armas. Poco a poco, a medida que se incrementaba la afluencia de obras, las dos últimas secciones se separaron para configurar museos independientes.

En origen la Diputación Foral de Álava fue la principal proveedora de obras para el museo, que se benefició, igualmente, de las aportaciones de diversas iglesias de la diócesis de Vitoria. A ello hay que añadir una parte importante de la colección de la Escuela de Artes y Oficios - que en la década de 1990 sería adquirida en su totalidad por la Diputación- y los depósitos de los madrileños museos del Prado y Arte Moderno.

Las obras clásicas y las representativas del costumbrismo local fueron objeto de interés prioritario desde el momento mismo en que surgió el museo. En los años sesenta los fondos se enriquecieron con el depósito realizado por la Fundación Fernando de Amárica, lo que motivó una ampliación del espacio y la creación de nuevas infraestructuras. Fue a partir de 1975 cuando se emprendió una política abiertamente encaminada a adquirir de manera directa obras contemporáneas, representativas del arte español a partir de la posguerra. Hay que mencionar, asimismo, la labor del Gobierno Vasco, que desde 1985 depositó en la institución las piezas premiadas en el certamen Gure Artea de arte vasco contemporáneo. Entre 1999 y 2001 se llevó a cabo una reforma que supuso la reorganización integral de sus fondos. La inauguración en 2003 del nuevo Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Artium supuso el traslado de sus fondos del siglo XX a este nuevo edificio. (Fuente: Summa Artis. XLIX-II)




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Uso original: Alhóndiga Municipal de Bilbao


Arquitecto: Ricardo Bastida

Uso actual: AlhóndigaBilbao



Arquitecto: Philippe Starck

Dirección: C/ Autonomía, 26 - 7ºD

48010 Bilbao

Tel/Fax: 944 703458 / 944 702915

Web: http://www.alhondigabilbao.com/



La antigua alhóndiga municipal de Bilbao es un edificio histórico ubicado en el centro de la ciudad que está siendo rehabilitado para convertirse en un espacio multidisciplinar, abierto a toda la ciudadanía, y orientado hacia el conocimiento, el bienestar y la diversión.

AlhóndigaBilbao aspira a convertirse en un centro de referencia para el desarrollo y difusión de la cultura urbana, la actualidad, las nuevas tendencias y la salud. Un lugar de encuentro en el que disfrutar, conocerse mejor y aprender. En definitiva, un espacio de convivencia.

En 1905 un jovencísimo Ricardo Bastida recibe el encargo de construir en el bilbaíno Ensanche de Albia una nueva alhóndiga y plantea un gran edificio industrial, funcional y avanzado, que preste servicio de almacén de vinos, licores y alcoholes. De estilo modernista, se levantó en ladrillo y hormigón armado, finalizándose su construcción en 1909. A partir de los años setenta, al trasladarse su actividad a la nueva alhóndiga ubicada en Recalde, el edificio quedó a la espera de ser dotado de una nueva utilidad.




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AlhóndigaBilbao, además de suponer la revitalización de un edificio histórico, es un paso más dentro de la transformación de la ciudad. Tras la construcción de un aparcamiento subterráneo de cinco plantas y la rehabilitación de la fachada y los torreones, las obras se centran ahora en la construcción del Centro de Ocio y Cultura en el interior del edificio histórico, que contará con un espacio de más de 40.000 metros cuadrados construidos. (Fuente: AlhondigaBilbao)




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Uso original: hasta 1999, Consonni, fábrica de resistencias eléctricas


Uso actual: Consonni, Centro de Prácticas Artísticas Contemporáneas hasta 1999


Fecha de rehabilitación: finales de los noventa Anterior dirección: Ribera de Zorrozaurre, 18

48014 Bilbao

Actual dirección: Simón Bolívar 8-B

48010 Bilbao

Tel/Fax: 944 432390 / 944 008061

Web: http://www.consonni.org


Consonni en FACEBOOK


El centro de prácticas artísticas contemporáneas Consonni ocupó hasta 1999 una antigua fábrica de resistencias eléctricas situada en el barrio de Zorrozaurre de Bilbao, un barrio muy deteriorado, pero a la vez muy representativo del pasado industrial de la ciudad. La superficie total disponible es de 8000m², distribuida en cuatro plantas de igual estructura. El antiguo edificio Consonni data de 1957 y es un buen ejemplo de la arquitectura industrial de la década de los cincuenta.

En 1999 se abandona la fábrica como herramienta de trabajo y apuestan por un nuevo modelo de trabajo, trasladándose a sus oficinas de la calle Simón Bolívar donde se encuentra en la actualidad (Fuente: Consonni)




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Actividades:

Consonni es una productora de proyectos artísticos, localizada en Bilbao. Es una asociación sin ánimo de lucro de titularidad privada con apoyos institucionales puntuales. Desde 1997, Consonni invita a artistas a desarrollar proyectos que no adoptan un aspecto de objeto de arte expuesto en un espacio.

Matthieu Laurette, Hinrich Sachs, Andrea Fraser, Sergio Prego, Ibon Aranberri, Itziar Okariz, Saioa Olmo, Iratxe Jaio & Klaas van Gorkum etc. desarrollan trabajos junto a Consonni, que toman prestado de la contemporaneidad sus propias herramientas, desarrollando proyectos de arte con formatos tan variados como un programa de televisión, una subasta de tipografías vascas, unas visitas guiadas a un parque de atracciones abandonado o una marcha zombi para subvertir, criticar o simplemente analizar la sociedad en la que se inscribe.

Es menos visible como arte, pero más visto por un público diverso. Silenciosa e invisible, Consonni opta por el camuflaje como método de acción y estrategia. La producción artística en su sentido más inmaterial y comunicativo y el propio sistema del arte no son sólo su praxis y contexto sino parte del propio análisis y cuestionamiento que Consonni provoca con cada proyecto. (Fuente: Consonni)




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Uso original: fundición

Uso actual: Hasta 1996, la Fundición Aretoa


Dirección actual: Francesc Macià, 1-3

48014 Bilbao

Tel: 944 753327

Web: http://www.lafundicion.org/


La Fundición en FACEBOOK


El espacio cultural La Fundición, que abrió sus puertas al público en 1986, nació con el objetivo de ser un lugar donde pudieran confluir diferentes lenguajes artísticos –especialmente escénicos y plásticos-, donde los artistas pudieran crear en contexto con otros y donde el público pudiera saciar su curiosidad por nuevas propuestas e una ciudad de gustos y realidades bastante clásicas. El nombre vino dado por la actividad que realizaba en el lugar donde se ubicó en origen La fundición. Era una segunda planta de un edificio industrial, donde durante años y hasta el traslado de aquella empresa a un polígono industrial, estuvo lleno de hornos y piezas de fundición. Resultaba un nombre de connotaciones industriales, muy adecuado para ser trasladado al ámbito de la cultura, dado que parecía seguir ofreciendo la idea de crisol y mezcla, que era, de alguna manera, la filosofía que sustentaba las líneas generales del proyecto cultural propuesto. En noviembre de 1996 La Fundición se traslada a una nueva ubicación en el barrio bilbaíno de Deusto. (Fuente: Espacios de arte contemporáneo generadores de revitalización urbana. Zaragoza: Universidad de Zaragoza, 1997)




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Actividades:

La programación de La Fundición y sus actividades constituyen uno de los acontecimientos socioculturales del momento y ello, no sólo por la importante muestra que reúne en torno a las artes escénicas, sino por algo más significativo: por el papel que asume en el terreno de la gestión cultural.

La Fundición se ha convertido en un punto de confluencia de artes y artistas, entidades, socios privados e instituciones públicas y en un cauce para la comunicación de los diferentes lenguajes y su interrelación. Una ventana necesaria para las nuevas tendencias.

Un obligado punto de referencia en los circuitos nacionales e internacionales de creación. Una iniciativa privada, que, con el compromiso de una participación activa en la difusión de líneas artísticas y en coordinación con otros organismos y proyectos, representa un foco de contemporaneidad. (Fuente: La Fundición)




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Uso original: almacén de pienso y posteriormente de material eléctrico

Fecha construcción: s. XX

Uso actual: Arteleku


Fecha de rehabilitación: 1987, 1992, 2002

Dirección: Kristobaldegi 14 (o nuevo P. Ainzieta), Loiola Auzoa

20014 Donostia - San Sebastián

Tel/Fax: 943 453662 / 943 462256

Web: http://www.arteleku.net/



Arteleku podría definirse como una "fábrica de arte", y es que este centro artístico está situado en una edificación industrial que primero se utilizó como almacén de pienso y posteriormente de material eléctrico. En 1987 fue inaugurado como centro de arte después de rehabilitar gran parte de las viejas instalaciones. En 1992 se acometió la rehabilitación de la parte del edificio que anteriormente no había sido acondicionado (ala Noroeste), y en 2002 se realizó una reforma integral de la planta baja del edificio.

Tras considerar la situación que atravesaba el arte contemporáneo en la década de los 80, Arteleku abrió con el apoyo de la Diputación Foral de Gipuzkoa, para crear, reflexionar, experimentar y difundir el arte. Reivindicaba una enseñanza sin calificaciones ni notas y una mayor individualización frente a la masificación apreciada en los estudios de Bellas Artes. Desde sus comienzos se ha erigido como una alternativa complementaria tendente a cubrir las lagunas existentes en los estudios artísticos, y ha actuado conforme al modelo establecido. (Fuente: Euskonews)




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Actividades:

Arteleku es un centro público de arte que depende de la Dirección General de Promoción y Difusión Cultural de la Diputación Foral de Gipuzkoa. El centro genera e impulsa propuestas interdisciplinares teóricas y prácticas y está abierto a artistas nacionales e internacionales y a toda persona interesada en ampliar sus conocimientos en arte y creación contemporánea.

Arteleku oferta cursos monográficos coordinados por artistas invitados y talleres dirigidos por técnicos especializados. Paralelamente también programa seminarios teóricos en los que participan personas de diferentes disciplinas.

El centro renueva su programa anualmente y abre las inscripciones de matrícula con varios meses de antelación. Arteleku también dispone en sus mismas instalaciones de estudios de diferentes dimensiones y características, para alquilar a artistas. (Fuente: Arteleku)




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Uso original: convento dominico, cuartel de artillería

Fecha construcción: 1542-1562, 1836 (cuartel)

Uso actual: Museo San Telmo



Arquitectos: Juan Alday y Francisco Urcola

Dirección: C/ Andereño Elbira Zipitria, 1

20003 Donostia - San Sebastián

Tel/Fax: 943 481580 / 943 481581

Web: http: //www.santelmomuseoa.com/indexc.php



El actual museo se halla en un antiguo convento dominico de mediados del siglo XVI, cuyo claustro y torreón fueron declarados Monumento Nacional en 1913.

La traza original fue realizada en 1542 por el dominico Fray Martín de Santiago que proyectó un edificio característico de la arquitectura monástica del siglo XVI, similar al convento de San Esteban de Salamanca, también de los dominicos. Las obras comenzaron en 1544 y tras varias modificaciones, se prolongaron hasta 1562.

Durante varios siglos albergó una comunidad de religiosos dominicos dedicados a la predicación y al estudio de Artes y Teología.

Con el tiempo, los monjes hallarían dificultades para cubrir los gastos que generaba el mantenimiento del edificio y tras el incendio que arrasó la ciudad en 1813 y que también afectó a San Telmo, alquilaron una parte del convento al Ejército, que lo utilizó como cuartel de artillería, lo cual, lejos de mejorar su estado, lo empeoró, y tampoco sirvió para sanear las arcas de los dominicos.




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Con la Desamortización de Mendizábal, en 1836, el convento pasa a manos del Estado, que expulsó definitivamente a los monjes y dio paso a que todo el edificio se utilizara como cuartel. Lógicamente, esto no ayudó a mejorar su estado de conservación.

A finales del siglo XIX, algunos ciudadanos, preocupados por el estado de deterioro que sufría San Telmo, escribieron al Ayuntamiento instándole a que se ocupara del convento, y como consecuencia de ello una parte del edificio fue declarada Monumento Nacional en 1913. Hoy en día esa parte -claustro y torreón- pertenece al Estado, mientras que el resto del edificio pertenece al Ayuntamiento, que en 1928 lo compró para reconvertirlo en museo.

Tras la reforma de los arquitectos Juan Alday y Francisco Urcola, con la construcción de la nueva fachada neo-renacentista, la rehabilitación y decoración de la iglesia con pinturas de José María Sert (800 m2 de lienzos) y la ampliación de otras dependencias, se inaugura como museo en 1932.

Y es en este punto donde se unen la historia de este edificio y la del Museo Municipal, ya que este último, creado en 1902, se traslada al convento y adopta el nombre de Museo Municipal de San Telmo.

Es un edificio de transición entre el arte gótico y el renacentista y se considera ejemplar único guipuzcoano de lo que se ha llamado arquitectura "isabelina". (Fuente: Museo San Telmo)

Fondos:

En San Telmo se instalaron todas las piezas que en 1902, por iniciativa de la Real Sociedad Vascongada de Amigos del País, se habían recogido para un Museo de Etnografía y Bellas Artes. Este museo tuvo su primera sede en un edificio de esquina entre las calles Garibai y Andia, y pasó en 1909 a otro de la calle Urdaneta, hasta su definitivo traslado a San Telmo.

El museo consta de plantas baja, primera y segunda. En la planta baja están ubicadas la iglesia, el claustro bajo (que contiene la sección de arqueología), las salas de exposiciones temporales, los servicios y los accesos. El primer piso alberga la colección etnográfica, junto a la pinacoteca (obras desde el gótico hasta el siglo XX). El segundo piso está dedicado a la pintura vasca contemporánea.

San Telmo es propiedad del Ayuntamiento de San Sebastián, salvo el claustro, que es propiedad del Estado.

Las colecciones del Museo son dispares: secciones etnográficas y arqueológicas, Bellas Artes.. Las más compactas e ilustrativas son las propias del ámbito vasco. Abarcan desde hallazgos de yacimientos romanos hasta cerámica, tejidos y publicaciones del XIX. Gracias al coleccionismo privado, se ofrecen además ejemplos de arqueología egipcia y precolombina.




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La sección de Bellas Artes es desigual, de notable valor en cuanto a pintura vasca del XIX y XX pero irregular en etapas anteriores. Destaca un Cristo de El Greco y un paisaje atribuido a Ignacio Iriarte, de la escuela sevillana. La pintura vasca cuenta con Rafael Ruiz Balerdi, Vitxori Sanz...

Mención aparte merecen las pinturas de Josep Maria Sert, expresamente creadas por el artista para dicho espacio en San Telmo. (Fuente: Wikipedia)




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Uso original: caserío Zabalaga


Uso actual: Museo Chillida-Leku



Arquitectos: Joaquín Montero, Eduardo Chillida

Dirección: Bº Jáuregui, 66

20120 Hernani-Guipuzkoa

Tel/Fax: 943 336006 / 943 335959

Web: http://www.eduardo-chillida.com/index.php



En 1983, Eduardo Chillida y su mujer Pilar Belzunce visitan por primera vez la finca de Zabalaga impactados desde el primer momento por la magnitud del caserío de 1543 que da nombre a la finca. En 1984 los Chillida Belzunce compran una parte de la finca que incluía el caserío en ruinas. Se trataba de un lugar ideal para albergar sus esculturas durante el proceso último de oxidación del material. Una vez terminado este proceso, las obras salían desde aquí para ser exhibidas y vendidas por el mundo. Chillida va restaurando el caserío con el arquitecto Joaquín Montero y mientras tanto Chillida-Leku se va convirtiendo en un conjunto escultórico por lo que Chillida pierde el deseo de vender las obras y comienza a coleccionarlas en el lugar. Así se va fraguando la idea de hacer un museo, por lo que continúan adquiriendo terreno progresivamente hasta conformar las 12 hectáreas que hoy contemplamos.

Gracias a que la financiación de este proyecto salió exclusivamente del patrimonio familiar, Chillida pudo afrontar el trabajo libremente y mostrarlo tal como él lo creó. Todas las esculturas del jardín pueden ser tocadas; no así las que están en el interior del museo. (Fuente: Chillida-Leku)

Fondos:




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Chillida-Leku es la consecución de un sueño durante años anhelado por el autor: Crear un espacio a la medida de su obra donde esta pudiera ser permanentemente expuesta. Este museo monográfico es fiel muestra de la evolución y trayectoria escultórica del autor durante 50 años. En Chillida-Leku se puede disfrutar la obra de este artista universal en toda su magnitud. El recinto consta de 3 áreas definidas: el jardín de 12 hectáreas dominado por hayas robles y magnolios en el que se encuentran más de 40 esculturas; la zona de servicios, dotada de un auditorio donde poder ver imágenes del artista en su trabajo, una zona de descanso y una tienda; y, por último, como pieza central del museo, el caserío Zabalaga que alberga las obras de menor formato realizadas en acero corten, alabastro, granito, terracota, yeso, madera o papel.

Chillida-Leku es un espacio escultórico en sí mismo, una obra más del autor donde se plasma de modo perfecto su visión de la forma, el espacio y el tiempo acumulado. Las preguntas de Chillida se convierten en respuestas en el recorrido del visitante. (Fuente: Chillida-Leku)




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Uso original: Villa Manuela, colegio de monjas Ursulinas y posteriormente de frailes de La Salle


Uso actual: Photomuseum. Argazki Euskal Museoa


Fecha de rehabilitación: 2002

Arquitecto: Íñigo Lizundia

Dirección: C/ San Ignacio, 11

20800 Zarautz

Tel/Fax: 943 130906 / 943 831823

Web: http://www.photomuseum.es/



El museo ocupa dos plantas de Villa Manuela, un caserón construido en 1868 que desempeñó una función docente, primero como colegio de monjas Ursulinas y, más adelante, de frailes de La Salle. En el año 2002 el inmueble fue objeto de rehabilitación integral; el proyecto de esta intervención, encargado al arquitecto Íñigo Lizundia, respetó el aspecto de las fachadas. (Fuente: Summa Artis. XLI-II)

Fondos:

En el año 1993 nacía el Photomuseum de Zarautz, Museo Vasco de la Fotografía, considerado único en su género por su dedicación monográfica a esta materia que, hasta entonces, únicamente había sido objeto de aproximación marginal como sección de algunos museos de arte contemporáneo. La iniciativa se debió a Leopoldo Zugaza, que contó con el apoyo técnico de la fotografía, su consideración como medio de comunicación social y su concepción como arte. Desde esta premisa básica, pretende constituir un fondo destinado tanto a la exhibición pública como a fines científicos – dispone de una biblioteca especializada-, con una amplia variedad de testimonios vinculados al arte fotográfico.




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El servicio de publicaciones, incluye, además de catálogos de las exposiciones y guías para los visitantes, la revista Archivos de la fotografía, de clara vocación divulgativa y reconocido prestigio entre los profesionales e investigadores de la materia.

Por lo que respecta a la evolución de sus fondos, se prima la adquisición de obras de autores españoles, específicamente de los vascos, sin descuidar creaciones relevantes de fotógrafos extranjeros.

Junto a la colección permanente, el museo organiza exposiciones individuales y colectivas de manera periódica y mantiene contactos con otras instituciones, tanto nacionales como extranjeras, que coinciden en su objeto de estudio. (Fuente: Summa Artis. XLI-II)




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Uso original: fábrica de tabacos


Uso actual: Tabakalera



Arquitectos: Jon y Naiara Montero

Dirección: C/ Duque de Mandas, 52

20012 Donostia-San Sebastián

Tel/Fax: 943 011311 / 943 011312

Web: http://www.tabacalera.eu/



El edificio de Tabakalera fue la fábrica de tabacos de Donostia durante 90 años (1913-2003). Era una fábrica estatal, construida en terrenos municipales, tras 25 años de complicadas obras.

Tabakalera conoció su época dorada en los años 20, al mecanizarse la producción de cigarrillos y cigarros. En 1925 trabajaban en ella más de mil personas, casi todas mujeres.

En la segunda mitad de los años sesenta, la fábrica vivió otra renovación tecnológica y alcanzó los 250 millones de cajetillas al año. En esa época dejó de producir los cigarros Farias para especializarse en cigarrillos: Celtas, primero, y Ducados y Davidoff a partir de los setenta.

Tras privatizarse la explotación de tabaco en España, la nueva empresa - Altadis - cerró ocho de sus fábricas, entre ellas la de San Sebastián, en 2003. Un año después, el Ayuntamiento de San Sebastián, la Diputación de Gipuzkoa y el Gobierno vasco compraron el edificio para convertirlo en un centro internacional de cultura contemporánea. (Fuente: Tabakalera)




292

Actividades:

Tabakalera es el proyecto que convertirá la antigua fábrica de tabaco de Donostia-San Sebastián en un Centro Internacional de Cultura Contemporánea, especializado en cultura visual.

El arte contemporáneo, la televisión, el vídeo y el cine, el diseño y el sonido confluirán en un mismo espacio. Un espacio singular de exposiciones y programas audiovisuales y, sobre todo, un lugar para trabajar, para producir, para crear. Una fábrica de imágenes.

Mientras se desarrolla el proyecto y avanzan los preparativos para renovar el edificio, Tabakalera organiza exposiciones, ciclos, debates. Sus actividades conviven en los espacios de la fábrica con grabaciones, rodajes y eventos producidos por otros agentes del entorno. Tabakalera es ya un lugar vivo. (Fuente: Tabakalera)




293

COMUNIDAD VALENCIANA




294

Uso original: vivienda


Arquitecto: Vicente Miguel y Viñuelas

Uso actual: Casa Museu Joseph Benlliure


Dirección: C/ Blanquerías, 23

46003 Valencia

Tel: 963 911662


Este edificio fue proyectado en 1880 por el maestro de obras Vicente Miguel y Viñuelas, prolongándose su construcción a lo largo de tres años. La traza muestra un marcado caracter ecléctico con planteamientos clasicistas; concebida como una casa-vivienda de clase burguesa acomodada, refleja una clara estrátificación social en cada uno de sus niveles: planta baja con vivienda, entresuelo, piso principal con mirador de madera y cristal (hoy desaparecido), piso alto para arrendar y ático destinado a residencia del servicio.

El acceso al edificio conserva la amplia portada que en su día permitió el paso de carruajes al zaguán; dividido en dos tramos, por el primero se accede a la escalera que conduce a las plantas superiores, mientras el segundo actúa de enlace entre las distintas dependencias de la planta baja: salita de visitas, despacho, comedor etc., habiendose situado una reconstrucción del dormitorio en dependencias de esta misma planta. Asimismo se han situado diversos muebles y objetos decorativos de la época.




295

Por la puerta situada al fondo del vestíbulo se accede al magnífico jardín situado entre la parte trasera de la vivienda y la antigua Escuela de Bellas Artes, en terreno ocupado antiguamente por el huerto del Convento del Carmen. Diseñado el jardín por el propio don José Benlliure que ordenó la plantación de laureles, cipreses, pinos, naranjos, limoneros, jazmines, mirtos, un tilo etc., distribuidos en parterres y glorietas, sigue las pautas de los jardines privados valencianos de finales del ochocientos. Al fondo del jardín se alza el estudio de don José construido en 1902 y una recreación del estudio de Peppino Benlliure.(Fuente: J. Diez Arnal)

Fondos:

La Casa Museo posee más de 150 obras de don José Benlliure Gil y otras 200 de su malogrado hijo, Peppino Benlliure, fallecido en 1916 a los 30 años de edad, discípulo suyo y de Sorolla. El museo cuenta también con obras de Joaquin Sorolla, Muñoz Degraín, los hermanos Blas, además de una selecta biblioteca, objetos de coleccionismo como cerámicas, abanicos o curiosas piezas de indumentaria de sus modelos y fotografías. (Fuente: J. Diez Arnal)




296

Uso original: claustro renacentista, Palacio del embajador Vich

Fecha construcción: s. XVI-s. XX

Uso actual: Hasta 2002, Centre del Carmen del IVAM Institut Valencià d’Art Modern


Arquitecto: Emilio Jiménez, Carlos Saladores

Dirección: Guillem de Castro, 118

46003 Valencia

Tel/Fax: 96 3863000 / 96 3921094

Web: http://www.ivam.es/



El Instituto Valenciano de Arte Moderno IVAM contaba con varios espacios: el Centre Julio González, un edificio de nueva construcción inaugurado en 1989 que presenta los fondos del museo junto a otras muestras de carácter temporal, la Sala de la Muralla, ubicada en los sótanos del edificio anterior y con restos de la antigua fortificación medieval de la ciudad, que se utiliza para exposiciones de obras de arte de pequeño formato. Y finalmente hasta 2002, el Centre del Carmen

Ivam Centre Julio González

El Centre Julio González es un edificio de nueva planta inaugurado en 1989 y que en 2001 ha ampliado su espacio expositivo con dos salas nuevas. Ocupa una superficie de 18.000 m2, que en un 60% está dedicada a albergar siete galerías destinadas a las colecciones del museo y a exposiciones temporales. Las galerías tienen un carácter museístico clásico. Las tres principales están constituidas por una sucesión de cinco salas que siguen un recorrido lineal. Hay también una galería concebida para la exhibición de escultura que permite su contemplación desde el exterior. El edificio cumple todos los requisitos de conservación y seguridad.




297

Centre del Carmen: (actualmente cerrado)

El Centre del Carmen, ubicado en el convento del mismo nombre, ocupaba una serie de espacios con memoria histórica y arquitectónica, que van del siglo XVI a principios del siglo actual (claustro renacentista, sala que conservaba los restos del Palacio del Embajador Vich y la llamada “galería moderna”. Ambos proyectos fueron realizados por Emilio Jiménez, Carlos Salvadores y equipo. A partir del 2003 albergó parte del Museo del siglo XIX ubicado en el antiguo convento del Carmen. (Fuente: IVAM)

Fondos:

La Colección del IVAM, puesta en marcha por la Generalitat Valenciana en 1984, sigue un criterio fundamentalmente histórico, orientado a expresar y subrayar las características del arte moderno y contemporáneo, así como las aportaciones específicas de su desarrollo en nuestra situación cultural. Sus fondos están conformados por más de 10.000 obras que ilustran las manifestaciones artísticas fundamentales del arte del siglo XX. Vertebrada desde sus inicios entorno a la obra del escultor Julio González, síntesis entre el cubismo, el surrealismo y el constructivismo, la Colección ha prestado especial atención a los orígenes del arte moderno (representado en el IVAM por la obra de Ignacio Pinazo y Joaquín Sorolla) al debate sobre la abstracción durante los años 30, y a las diferentes corrientes de Informalismo y el Pop europeo y americano. Un lugar importante en la Colección lo ocupan los fondos dedicados al diseño gráfico, el fotomontaje y, principalmente, la fotografía de los grandes maestros del sigo XX, de los que el museo dispone de más de 2.500 títulos.

Con el objetivo de promocionar la Colección Permanente, ésta se presenta en distintas lecturas que girarán entorno a cuatro ejes artísticos de manera que, a partir de la fotografía, los nuevos medios y las instalaciones, el pop art y la abstracción, se articule una visión del arte volcada hacia la sensibilidad contemporánea que tiene a nuestra Colección Permanente como protagonista. (Fuente: IVAM)




298

Uso original: antigua fortificación medieval

Fecha construcción: s. XIV

Uso actual: Sala de la muralla del IVAM Institut Valencià d’Art Modern


Dirección: Guillem de Castro, 118

46003 Valencia

Tel/Fax: 96 3863000 / 96 3921094

Web: http://www.ivam.es/



El Instituto Valenciano de Arte Moderno IVAM cuenta con dos espacios: el Centre Julio González, un edificio de nueva construcción inaugurado en 1989 que presenta los fondos del museo junto a otras muestras de carácter temporal y la Sala de la Muralla, ubicada en los sótanos del edificio anterior y con restos de la antigua fortificación medieval de la ciudad, que se utiliza para exposiciones de obras de arte de pequeño formato.

Ivam Centre Julio González

El Centre Julio González es un edificio de nueva planta inaugurado en 1989 y que en 2001 ha ampliado su espacio expositivo con dos salas nuevas. Ocupa una superficie de 18.000 m2, que en un 60% está dedicada a albergar siete galerías destinadas a las colecciones del museo y a exposiciones temporales. Las galerías tienen un carácter museístico clásico. Las tres principales están constituidas por una sucesión de cinco salas que siguen un recorrido lineal. Hay también una galería concebida para la exhibición de escultura que permite su contemplación desde el exterior. El edificio cumple todos los requisitos de conservación y seguridad.




299

Ivam Sala De La Muralla

La Sala de la Muralla, que tiene un acceso independiente, alberga los cimientos de la antigua muralla medieval construida en la segunda mitad el siglo XIV y está dedicada fundamentalmente a exposiciones de fotografía y dibujo. (Fuente: IVAM)

Fondos:

La Colección del IVAM, puesta en marcha por la Generalitat Valenciana en 1984, sigue un criterio fundamentalmente histórico, orientado a expresar y subrayar las características del arte moderno y contemporáneo, así como las aportaciones específicas de su desarrollo en nuestra situación cultural. Sus fondos están conformados por más de 10.000 obras que ilustran las manifestaciones artísticas fundamentales del arte del siglo XX. Vertebrada desde sus inicios entorno a la obra del escultor Julio González, síntesis entre el cubismo, el surrealismo y el constructivismo, la Colección ha prestado especial atención a los orígenes del arte moderno (representado en el IVAM por la obra de Ignacio Pinazo y Joaquín Sorolla) al debate sobre la abstracción durante los años 30, y a las diferentes corrientes de Informalismo y el Pop europeo y americano. Un lugar importante en la Colección lo ocupan los fondos dedicados al diseño gráfico, el fotomontaje y, principalmente, la fotografía de los grandes maestros del sigo XX, de los que el museo dispone de más de 2.500 títulos.

Con el objetivo de promocionar la Colección Permanente, ésta se presenta en distintas lecturas que girarán entorno a cuatro ejes artísticos de manera que, a partir de la fotografía, los nuevos medios y las instalaciones, el pop art y la abstracción, se articule una visión del arte volcada hacia la sensibilidad contemporánea que tiene a nuestra Colección Permanente como protagonista. (Fuente: IVAM)




300

RECURSOS




301

Bibliografía en la Biblioteca y Centro de

Documentación de ARTIUM




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GÓNGORA, Francisco. “Zulueta, el negrero y un palacio de Vitoria” [Recurso en línea]. El Correo Digital. (11 julio 2009). Dirección URL: <http://blogs.elcorreodigital.com/topoverde/2009/7/11/zulueta-negrero-y-palacio-vitoria> [Consulta: 08 de octubre del 2009].

*Artículo que trata sobre Zulueta, personaje histórico, y su residencia de Vitoria-Gasteiz.

Hangar. Org [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www.hangar.org/drupal/?q=node> [Consulta: 08 de octubre del 2009].

*Página web oficial de Hangar, Centre de Producció d’Arts Visuals en Barcelona.

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*Artículo que presenta a IDENSITAT como proyecto artístico que investiga formas de incidir en el espacio público a través de propuestas creativas en relación al lugar y al territorio desde una dimensión física y social.

IRAETA USABIAGA, Ainara. “Arteleku: la fábrica de Arte Contemporáneo de Gipuzkoa” [Recurso en línea]. Euskonews & media. (7-14 abril 2000). Dirección URL: <http://www.euskonews.com/0074zbk/gaia7404es.html> [Consulta: 08 de octubre del 2009].

*Artículo que trata sobre el centro cultural Arteleku en Donostia-San Sebastián.

KAMIO, Ariane. “El nuevo Museo San Telmo abrirá sus puertas a finales de 2010 o principios de 2011” [Recurso en línea]. Gara. (19 mayo 2009). Dirección URL: <http://www.gara.net/paperezkoa/20090519/137945/es/El-nuevo-Museo-San-Telmo-abrira-puertas-finales-2010-o-principios-2011> [Consulta: 06 de octubre del 2009].

*Artículo que trata sobre la rehabilitación del Museo San Telmo.

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*Artículo que trata sobre la recuperación urbana de antiguos edificios que acogen en la actualidad cultura y arte.

LÓPEZ ECHEVARRIETA, Alberto. “Centros culturales: emblemas arquitectónicos: ¿preocupa más el continente que el contenido?” [Recurso en línea]. Artes Hoy. (9 marzo 2006). Dirección URL: <http://www.arteshoy.com/news-20060305-5.html> [Consulta: 06 de octubre del 2009].

*Artículo que recoge información sobre el Congreso Internacional Los nuevos centros culturales en Europa organizados por el Grupo Xabide.

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*Página web en la que se puede consultar información sobre Matadero en Madrid.

“Matadero Madrid” [Recurso en línea]. MadriPedia. Dirección URL: <http://www.madripedia.es/wiki/Matadero_Madrid> [Consulta: 07 de octubre del 2009].

*Página web en la que se puede consultar información sobre Matadero en Madrid.

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*Página web en la que se puede consultar información sobre el MEIAC, Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo”.

MONTANER, Josep Maria. “El laberinto de los museos en España” [Recurso en línea]. Centro Virtual Cervantes. Dirección URL: <http://cvc.cervantes.es/actcult/laberinto_museos/laberinto.htm> [Consulta: 21 de septiembre del 2009].

*Texto que trata sobre el panorama actual de los museos.




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*Página web en la que se muestra información sobre el centro cultural Montehermoso de Vitoria-Gasteiz.

MORAZA, A. “El centro cultural KREA abrirá en 2009 tras 18 meses de obras en Betoño” [Recurso en línea]. El Correo Digital. (30 junio 2006). Dirección URL: <http://www.elcorreodigital.com/vizcaya/20070630/alava/centro-cultural-krea-abrira-20070630.html> [Consulta: 07 de octubre del 2009].

*Artículo que trata sobre la futura apertura de KREA, nuevo centro cultural en la capital vasca, Vitoria-Gasteiz.

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*Página web oficial del Museo Art Nouveau y Art-Decó de Salamanca.

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*Página web oficial del Museu d’Art de Girona.

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*Página web oficial la Fundación Juan March en la que se puede consultar información sobre el museo de Arte Abstracto Español de Cuenca.

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*Página web oficial del Ayuntamiento de Cartagena en la que encontramos información sobre el MUCAM, Museo de Arte Contemporáneo de Murcia.

Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www.museoestebanvicente.es/> [Consulta: 08 de octubre del 2009].

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Museo de Burgos [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www.museodeburgos.com/> [Consulta: 08 de octubre del 2009].

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*Página web en la que se muestra información sobre el Museo de La Pasión en Valladolid.

“Museo de Menorca” [Recurso en línea]. Illes Balears. Dirección URL: <http://www.museobbaa.com/> [Consulta: 07 de octubre del 2009].

*Página web en la que se muestra información sobre el Museo de Menorca ubicado en Mahón.

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*Página web en la que se muestra información sobre la historia del Museo de Navarra.

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*Página web en la que se muestra información sobre el Museo de Salamanca.

Museo Gustavo de Maeztu [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www.museogustavodemaeztu.com/> [Consulta: 07 de octubre del 2009].

*Página web oficial del Museo Gustavo de Maeztu en Estella.




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“Museo hidráulico Molinos del Río Segura” [Recurso en línea]. Ayuntamiento de Murcia. Dirección URL: <http://www.molinosdelrio.org/edificio/> [Consulta: 08 de octubre del 2009].

*Página web del Ayuntamiento de Murcia en la que se especifica abundante información sobre el Museo hidráulico Molinos del Río Segura.

Museo Julio Romero de Torres [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www.museojulioromero.org/> [Consulta: 07 de octubre del 2009].

*Página web oficial del Museo Julio Romero de Torres de Córdoba.

Museo Muñoz Sola de Arte Moderno [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www.museomunozsola.com/> [Consulta: 07 de octubre del 2009].

*Página web oficial del Museo Muñoz Sola de Arte Moderno en Tudela.

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*Página web en la que se puede consultar información sobre el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Museo Patio Herreriano [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www.museopatioherreriano.org/MuseoPatioHerreriano> [Consulta: 08 de octubre del 2009].

*Página web oficial del Museo Patio Herreriano de Valladolid.

Museo Picasso Málaga [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www2.museopicassomalaga.org/> [Consulta: 07 de octubre del 2009].

*Página web oficial del Museo Picasso de Málaga.

“Museo San Telmo” [Recurso en línea]. Wikipedia: la enciclopedia libre. Dirección URL: <http://es.wikipedia.org/wiki/Museo_San_Telmo> [Consulta: 06 de octubre del 2009].

*Página web en la que se puede consultar información sobre el Museo San Telmo.

“Museo Thyssen-Bornemisza” [Recurso en línea]. Wikipedia: la enciclopedia libre. Dirección URL: <http://es.wikipedia.org/wiki/Museo_Thyssen-Bornemisza> [Consulta: 08 de octubre del 2009].

*Página web en la que se puede consultar información sobre el Museo Thyssen-Bornemisza en Madrid.

“Museo Vostell-Malpartida” [Recurso en línea]. Wikipedia: la enciclopedia libre. Dirección URL: <http://es.wikipedia.org/wiki/Museo_Vostell-Malpartida> [Consulta: 07 de octubre del 2009].

*Página web en la que se puede consultar información sobre el Museo Vostell-Malpartida.




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“Museos de Cantabria” [Recurso en línea]. Gobierno de Cantabria. Consejería de Cultura. Dirección URL: <http://museosdecantabria.com/> [Consulta: 07 de octubre del 2009].

*Página web oficial del Gobierno de Cantabria en la que se recoge la historia de los edificios que albergan a los diferentes museos de la comunidad.

“Museos de España” [Recurso en línea]. Spain.info. Dirección URL: <http://www.spain.info/BR/TourSpain/Reportajes/1/ Museos%20de%20Espana%20con%20aires%20renovados.htm?%20SubSys=ArtCul&Language=es> [Consulta: 05 de octubre del 2009].

*Artículo que trata sobre las ampliaciones de lujo para exhibir algunas de las mejores colecciones de pintura del mundo. Edificios históricos rehabilitados donde se vive el arte contemporáneo. Centros de vanguardia cuyo exterior atrae tanto como el interior.

“Los museos estatales” [Recurso en línea]. Gobierno de España. Ministerio de Cultura. Dirección URL: <http://www.mcu.es/museos/CE/MuseosEstatales/Directorio.html> [Consulta: 21 de septiembre del 2009].

*Página web oficial del Ministerio de Cultura en la que se recoge la historia de los edificios que albergan a los diferentes museos.

Museu d’Art Modern de Tarragona [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www.altanet.org/MAMT/> Consulta: 08 de octubre del 2009].

*Página web oficial del Museo d’Art Modern de Tarragona.

Museu Frederic Marès [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://w3.bcn.es/V69/Home/V69XMLHomeLinkPl/0,4737,695019883_697119766_2,00.html> Consulta: 08 de octubre del 2009].

*Página web oficial del Museo Frederic Marès de Barcelona.

Museu Nacional d’Art de Catalunya [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www.mnac.cat> [Consulta: 08 de octubre del 2009].

*Página web oficial del Museu Nacional d’Art de Catalunya en Barcelona.

Museu Picasso [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www.museupicasso.bcn.cat/es/> [Consulta: 08 de octubre del 2009].

*Página web oficial del Museu Picasso de Barcelona.

“Las obras de construcción del Centro de Congresos de Palencia estarán conclidas a mediados de 2010” [Recurso en línea]. Nexotur. Dirección URL: <http://www.nexotur.com/conexo/noticia.php?id=19344> [Consulta: 08 de octubre del 2009].

*Página web en la que se detalla información sobre el nuevo Centro de Congresos de Palencia.




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“Octubre 2009: Museo Pérez Comendador-Leroux” [Recurso en línea]. Zéfiro Cuadernos. Dirección URL: <http://zefirocuadernos.blogspot.com/2007/12/museo-prez-comendador-leroux.html> [Consulta: 08 de octubre del 2009].

*Artículo que muestra información sobre el Museo Pérez Comendador-Leroux.

“El Palacio de Congresos de la Tejera estará finalizado a mediados del próximo año 2010” [Recurso en línea]. Gente digital. (3 marzo 2009). Dirección URL: <http://www.gentedigital.es/palencia/noticia/24177/el-palacio-de-congresos-de-la-tejera-estara-finalizado-a-mediados-del-proximo-ano-2010/> [Consulta: 05 de octubre del 2009].

*Artículo que trata sobre la reconversión de la antigua Tejera de Palencia en Palacio de Exposiciones y Congresos.

“Patrimonio industrial harinero: La Casa de la cultura de Villafranca de los Barros (Badajoz, España)” [Recurso en línea]. Patrimonio industrial harinero. Dirección URL: <http://harineras.blogspot.com/search/label/Villafranca%20de%20los%20Barros%20%28Badajoz-Espa%C3%B1a%29> [Consulta: 05 de octubre del 2009].

*Blog que trata sobre fábricas de harinas y molinos, ofreciendo información sobre los mismos y los nuevos usos que se les atribuyen como el caso de la Casa de la cultura de Villafranca de los Barros de Badajoz.

“El Poblenou” [Recurso en línea]. Wikipedia: la enciclopedia libre. Dirección URL: <http://es.wikipedia.org/wiki/El_Poblenou> [Consulta: 08 de octubre del 2009].

*Página web en la que se puede consultar información sobre El Poblenou de Barcelona.

“Portal de Museos y Conjuntos arqueológicos y monumentos de Andalucía” [Recurso en línea]. Junta de Andalucía. Dirección URL: <http://www.juntadeandalucia.es/cultura/museos/> [Consulta: 07 de octubre del 2009].

*Página web oficial de la Junta de Andalucía en la que puede consultarse extensa información sobre los diferentes museos que se ubican en diferentes ciudades de la comunidad andaluza.

“Proyecto CaixaForum-Madrid” [Recurso en línea]. Liceus. Dirección URL: <http://www.liceus.com/cgi-bin/gui/03/1289.asp> [Consulta: 08 de octubre del 2009].

*Página web que trata sobre el proyecto de CaixaForum en Madrid.

Rocaumbert f.a. [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www.rocaumbert.cat/Equipaments.php?idn=4546> [Consulta: 08 de octubre del 2009].

*Página web oficial de Rocaumbert Fàbrica de les Arts en Granollers.




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Sala Amós Salvador [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www.logro-o.org/culturalrioja/sala_amos.htm> [Consulta: 08 de octubre del 2009].

*Página web oficial de la Sala Amós Salvador de Logroño.

SANTANA, Ana. “Aplazada un mes la demolición del espacio cultural El tanque” [Recurso en línea]. El País. (01 septiembre 1998). Dirección URL: <http://www.elpais.com/articulo/cultura/CANARIAS/Aplazada/mes/demolicion/espacio/cultural/tanque/elpepicul/19980901elpepicul_6/Tes/> [Consulta: 21 de septiembre del 2009].

*Artículo que trata sobre el espacio cultural El tanque y su posible futuro.

“Sistema de Museos de Aragón” [Recurso en línea]. Aragob.es. Dirección URL: <http://www.aragob.es/edycul/patrimo/mapa/sismus.htm> [Consulta: 07 de octubre del 2009].

*Página web en la que se puede consultar información sobre los museos de la comunidad autónoma de Aragón.

“Tabakalera” [Recurso en línea]. Wikipedia: la enciclopedia libre. Dirección URL: <http://es.wikipedia.org/wiki/Tabakalera> [Consulta: 06 de octubre del 2009].

*Página web en la que se puede consultar información sobre Tabakalera, su historia, el edificio, sus nuevos usos, etc.

“Teatro Auditorio Federico García Lorca” [Recurso en línea]. Getafe.es. (07 octubre 2009). Dirección URL: <http://www.getafe.es/CIUDAD/Teatro.page> [Consulta: 07 de octubre del 2009].

*Página web en la que se puede consultar información sobre el Teatro Auditorio Federico García Lorca.

“Teatro-Museo Salvador Dalí” [Recurso en línea]. Fundació Gala-Salvador Dalí. Dirección URL: <http://www.salvador-dali.org/museus/figueres/es_index.html> [Consulta: 08 de octubre del 2009].

*Página web en la que se puede consultar información sobre el Teatro-Museo de Salvador Dalí en Cadaqués.

Tecla Sala [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www.teclasala.net/inici_2.aspx> [Consulta: 08 de octubre del 2009].

*Página web oficial de Tecla Sala en Hospitales de Llobregat.

Tinglado 2 [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://tinglado2.tarragona.cat/> [Consulta: 08 de octubre del 2009].

*Página web oficial del centro Tinglado 2 de Tarragona.




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“TSA colabora con la fundación Sancho el Sabio” [Recurso en línea]. TSA conservación de patrimonio. Dirección URL: <http://www.tsaconservacion.com/content/view/69/1/> [Consulta: 06 de octubre del 2009].

*Artículo en el que se anuncia que la empresa TSA participará en la conservación de los fondos de la fundación Sancho El Sabio en su nueva sede.

“Villafranca de los Barros acogerá Vive-Arte” [Recurso en línea]. Hoyesarte. (22 febrero 2009). Dirección URL: <http://www.hoyesarte.com/index.php?option=com_content&view=article&id=1035:villafranca-de-los-barros-acogera-vive-arte&catid=89:actualidad&Itemid=364> [Consulta: 05 de octubre del 2009].

*Artículo que informa sobre una exposición celebrada en la Casa de Cultura de Villafranca de los Barros, antigua fábrica de harina del siglo XIX.

VISSER, Bianca. “El arte contemporáneo en sociedad: una entrevista con Franck Larcade” [Recurso en línea]. Artszin. Dirección URL: <http://www.artszin.net/consonni.html> [Consulta: 06 de octubre del 2009].

*Artículo que ahonda en el significado de Consonni como una “productora de proyectos artísticos”.

XERACH PÉREZ, Dulce. “Emilio Racionero y su apoyo al espacio cultural El tanque” [Recurso en línea]. ElDía.es. (15 agosto 2009). Dirección URL: <http://www.eldia.es/2009-08-15/cultura/8-Emilio-Racionero-apoyo-espacio-cultural-Tanque.htm> [Consulta: 21 de septiembre del 2009].

*Artículo que trata sobre el espacio cultural El tanque y su trayectoria.

ZABALETA, María. “Sancho el Sabio abrirá en mayo en Betoño” [Recurso en línea]. El Correo Digital. (26 febrero 2009). Dirección URL: <http://www.elcorreodigital.com/vizcaya/20090226/alava/sancho-sabio-abrira-mayo-20090226.html> [Consulta: 06 de octubre del 2009].

*Artículo que aborda la apertura de la Fundación Sancho el Sabio, la biblioteca sobre historia y cultura vasca más importante del mundo, en la primera quincena de mayo del 2009 en Betoño, Vitoria-Gasteiz.

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